Al limite

Siempre creo haber visto toda la filmografía de Scorsese pero cada día descubro que siempre tiene otra que no he visto y que por lo tanto me parece que la obra de Scorsese tiene huecos en mi conocimiento. 

En este caso la película es del año 1999 y se llama al límite, aunque su título en inglés es Bringing out The Dead. Una vez vista la película considero que la misma tiene muchos elementos de escoceses como esa adoración por la ciudad por su bajo fondo por la noche por aquello que nunca se ven por la cara B pero también tiene mucho de su guionista Paul Schrader con el que ya trabajó al fin y al cabo es un colaborador habitual en películas como La última tentación de Cristo; Toro Salvaje, Taxi driver, etc.

Hay mucho de este guionista en esta película por ejemplo en el carácter del protagonista principal de la historia un atormentado Nicolas Cage que aborda un papel dramático de gran entidad. De hecho este es uno de los mejores trabajos del actor ítaloamericano y integrante de la familia Coppola siendo uno de esos trabajos que combinan junto con otros mucho más comerciales aunque son estos los que les dan de comer les proporciona la fama son los otros los que le dan un mayor prestigio como es el caso de Leaving Las Vegas hechizo de amor, Birdy , Peggy su se casó, Arizona baby o La ley de la calle. La idea de contactar con Nicolas Cage para interpretar al personaje principal se le ocurrió a Scorsese tras una conversación con Brian De Palma, que había trabajado con el actor en Snake Eyes.En 2022, Nicolas Cage destacó Bringing Out the Dead como una de las mejores películas que jamás haya hecho. 

Junto a Cage, en esta producción de Scott Rudin y Barbara De Fina para la Touchstone Pictures, en el que inviertieron la friolera de 55 millones de dólares, intervienen dos intérpretes de renombre como son Patricia Arquette y John Goodman. Tanto uno como otro juegan un papel secundario en la historia aunque Patricia Arquette aparece como la protagonista femenina, Mary Burke. 

Junto a ellos se encuentran Ving Rhames, Tom Sizemore, Cliff Curtis como un traficante Cy Curtis, y sorprendentemente también aparece el cantante Marc Anthony como Noel, un latino algo pirado.

La historia se desarrolla en 1990, antes de la última renovación vivida por la ciudad de Nueva York. Por sus calles deambulan personas en la zona alta y en la zona baja pero sobre todo vivencias alguna de las cuales se mueven en ambulancia a toda velocidad. 

En una de ellas trabaja Frank Pierce ( Nicolás Cage) un paramédico que sufre de depresión, insomnio y agotamiento ocupacional y no ha salvado a ningún paciente en meses después de arruinar la reanimación de Rose, una adolescente sin hogar. Ha comenzado a alucinar al fantasma de Rose. Atiende las urgencias junto a sus compañeros Larry, Marcus o Tom Wolls ( John Goodman y Ving Rhames o Tom Sizemore, respectivamente), cada uno con una personalidad muy distinta. 

Rodeado de moribundos y heridos Fran se mueve en el mundo urbano nocturno y está quemado por los años que ha pasado salvando alguna vida pero sobre todo viendo morir a mucha gente. A lo largo de cincuenta y seis horas dos días y tres noches de trabajo Frank vivirá al borde de una crisis moral y espiritual pero también sentirá que puede ser un redentor. Los fantasmas de las personas que no ha podido salvar empiezan a atormentarle. No puede dormir por las noches e incluso intenta que le echen del trabajo. Al borde de la crisis vital, Frank conoce a Mary Burke (Patricia Arquette), la hija de un hombre al que ha tenido que asistir una noche, junto a su colega Larry, cuando responden a una llamada en la que se informa de que el padre de familia, el Sr. Burke, ha sufrido un paro cardíaco. 

Allí, en la casa familiar, del mismo barrio en el que se crió, Frank reconoce a Mary, la angustiada hija de Burke, una ex drogadicta, y descubre que Mary era amiga de Noel, un drogadicto y delincuente que es enviado con frecuencia al hospital.

Después de algunas llamadas,  Frank y Larry responden a las secuelas de un tiroteo, donde Frank nota que están relacionadas con una nueva droga derivada de la heroína como la "Red Death" que salen de la manga de una víctima sobreviviente. 

Mientras está en la parte trasera de la ambulancia con Frank y Noel, la víctima intenta arrepentirse de su forma de traficar con drogas, pero muere antes de que puedan llegar al hospital. 

Al día siguiente, Frank es emparejado con el carismático y ferviente religioso Marcus. Los dos responden a una llamada de un hombre que, según se informó, sufrió un paro cardíaco en un club. Cuando llegan, Frank diagnostica que, de hecho, sufre una sobredosis causada por la Muerte Roja. 

Mientras Frank le inyecta Narcan al hombre, Marcus comienza un círculo de oración con los desconcertados asistentes al club, y justo cuando su predicación llega al clímax, el hombre con sobredosis recupera la conciencia. 

En el camino de regreso al hospital, Frank visita el departamento de Mary para decirle que la condición de su padre está mejorando. 

Frank y Marcus luego responden a una llamada de un joven cuya novia está dando a luz a gemelos. Frank y Marcus llevan a los dos bebés y a la madre al hospital, donde Marcus lleva a la madre y al gemelo sano a la sala de maternidad, mientras Frank intenta revivir al otro gemelo con el personal del hospital. El hospital no puede revivir al gemelo más pequeño y Frank, consternado, comienza a beber antes de que Marcus se le una y estrelle la ambulancia contra un automóvil estacionado. Salen ilesos y se ríen del incidente. 

A la mañana siguiente, Frank ve a Mary salir del hospital y la sigue hasta un bloque de apartamentos; Mary le dice a Frank que está visitando a una amiga y él la acompaña a la habitación. 

Después de esperar un rato, Frank irrumpe y descubre que es un garito de drogas dirigido por un traficante llamado Cy Coates. Mary admite que ha vuelto a las drogas para hacer frente a la situación de su padre y, mientras Frank intenta que ella se vaya, Cy le ofrece algunas pastillas. En un momento de desesperación, Frank toma las drogas y comienza a alucinar, viendo más fantasmas de sus pacientes. 

Una vez sobrio, agarra a Mary y la saca del edificio. Mientras visita a un Burke en coma en el hospital, Frank comienza a escuchar la voz de Burke en su cabeza, diciéndole que lo deje morir, pero en su lugar resucita a Burke. 

En su tercer turno, Frank forma pareja con Tom Wolls, un hombre con tendencias violentas. La pareja responde a una llamada al antro de drogas de Cy, donde ocurrió un tiroteo, y encuentran a Cy empalado en una barandilla. Frank sostiene a Cy mientras los servicios de emergencia cortan la barandilla, pero ambos casi salen disparados por el borde antes de ser levantados nuevamente. Cy luego agradece a Frank por salvarle la vida y se convierte en el primer paciente que Frank salva en meses. 

Luego, Frank acepta ayudar a Tom a golpear a Noel y perseguirlo. Frank comienza a alucinar nuevamente y se recupera justo cuando se encuentra con Tom golpeando a Noel con un bate de béisbol. Frank salva a Noel. 

Cuando Frank visita a Burke nuevamente, la voz suplica por la muerte una vez más y Frank le quita el aparato respiratorio a Burke, lo que provoca que sufra un paro cardíaco fatal. Frank luego se dirige al apartamento de Mary para informarle que ha muerto. Alucina al fantasma de Rose por última vez y obtiene su perdón. 

Mary acepta la muerte de su padre, con el que tenía una malas relaciones, por eso se sentía mal. Frank es invitado a pasar y se queda dormido con Mary.

Al límite representó el regreso de Martin Scorsese a las calles de Nueva York pero esta vez desde otro punto de vista. El realizador de películas como New York New York, Taxi driver, Malas calles, El rey de la comedia, Uno de los nuestros, Jo qué noche, Historia de Nueva York o La edad de la inocencia, se acerca en esta ocasión a las avenidas de la Gran manzana a través de las ambulancias de los servicios de urgencias de la ciudad que se extiende por todos los distritos y en una dimensiones tales que resultan inabarcables. 

La película se inspiró en parte en una novela Bringing Out the Dead de Joe Connelly. La película contó con la música de Elmer Bernstein, la fotografía de Robert Richardson y el montaje de Thelma Schoonmaker. 

La película fue un fracaso en pantalla . De los 55 millones invertidos apenas ganó 16 millones. Thelma Schoonmaker, la editora de la película, reflexionando sobre la misma, la elogió  y dijo: "Creo que es la única de las películas [de Scorsese] que no ha recibido su merecido. Es una película hermosa, pero creo que fue difícil para la gente aceptarla". Para ella la película  fue comercializada erróneamente, como una película de persecución de autos: "Lo que pasó fue que esa película trataba sobre la compasión, y creo que se vendió como una película de persecución de autos. Cuando vi el tráiler dije: "¡Espera un minuto! ¡De eso no se trata la película!" . 

En cuanto a la crítica señalar que no fue unánimemente valorada en positivo. Según el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, «El film sabiamente no tiene un argumento real, porque el día a día de los paramédicos no tienen un comienzo o un destino. (...) Contemplar Bringing Out the Dead —contemplar, de hecho, cualquier film de Scorsese— es recordar que el cine puede tocarnos de forma inmediata, profundamente».

Años más tarde, Scorsese le reflexionó a Ebert que Bringing Out the Dead "fracasó en taquilla y fue rechazado por muchos críticos". Sin embargo, agregó: "Tuve 10 años de ambulancias. Mis padres, entrando y saliendo de los hospitales. Llamadas en medio de la noche. Estaba exorcizando todo eso. Esos paramédicos de la ciudad son héroes, y santos, son santos". Crecí junto al Bowery, observando a las personas que trabajaban allí, el Ejército de Salvación, el Movimiento de Trabajadores Católicos de Dorothy Day, todos ayudando a las almas perdidas. Son el mismo tipo de personas". 

Janet Maslin The New York Times dijo de ella que es "Un intenso y volátil film lleno de tristeza y de salvaje y mordaz humor. (...) Cage, con la mirada de un angustiado santo medieval, ofrece una sutil y atormentada interpretación que hace la crisis espiritual de Frank muy real." 

Para  Emanuel Levy en Variety la película contiene "Humor negro, pirotecnia visual e interpretaciones valientes, ayudan a hacer más digerible una película intensa y llena de detalles sangrientos" 

Mike Clark del USA Today escribió que "En un papel tan hecho a medida para él, como la historia para su guionista y director, Nicholas Cage potencia la película con una de sus mejores interpretaciones" 

Al otro lado del país, Bob Graham de SFGATE consideró que "Scorsese y el guionista Paul Schrader regresan a lo que parece la otra cara de 'Taxi Driver'. Es igualmente impactante. También es sorprendentemente divertida y muy conmovedora" 

Retornando a la costa atlántico en las páginas del Boston Globe Jay Carr señaló que "Aunque sentida y bellamente realizada, está demasiado cargada con el fallido complejo de salvador de su protagonista y sorprendentemente, carece de impacto primario"

Y en la capital federal,  Rita Kempley en las páginas del The Washington Post afirmó, menos generosa,  que "Carece del impacto de las mejores colaboraciones de Scorsese y Schrader" 

De la prensa británica destacan las valoraciones de Ian Freer en Empire que señaló que "La apasionante maestría como director de Scorsese está a máxima potencia, encontrando una fantástica variedad en una película enfocada en el interior y exterior de una ambulancia (...); y la crítica de Time Out que dijo de ella que "Está muy bien realizada y tiene un ritmo trepidante, pero al final, nunca llega a implicarte emocionalmente como podría y debería" 

Ya en España, destaco dos críticas aparecidas en las dos revistas de cine especializadas, Cinemanía y Fotogramas. María Casanova que escribió en la revista que la película presentaba un "Extraordinario reparto y extraordinario Scorsese que, después de mojarse en cada plano, da una vuelta de tuerca en la escena más hermosa de la película: una eutanasia"; mientras que en la revista Fotogramas Jordi Costa señaló: «una de las más ásperas, incómodas y perturbadoras obras del único director americano de su generación que no ha perdido ni coherencia, ni atrevimiento». 

En cuanto a premios, el Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti. En los IV Premios Sattellite Awards Ving Rhames fue nominado a mejor secundario.

Para algunos críticos esta película se integraría en una no reconocida - o sí, realmente no lo sé- trilogía neoyorkina de la noche de Scorrsese junto a Jo, que noche! o Taxi Driver. 

Desde mi punto de vista la película vuelve a ser un canto a su ciudad, a sus bajos fondos, tras haber mostrado previamente a la alta sociedad a finales del XIX en La edad de la inocencia y volvería a los bajos fondos del XIX en 2002 con Gangs of New York. Tiene grandísimas actuaciones, pocas veces todos los que salen hacen un trabajo tan soberbio destacando sobremanera los papeles asumidos por Nicolas Cage, Patricia Arquette, Ving Rhames , Cliff Curtis, o el mismísimo Marc Anthony: una película que habla de lo que gusta a Schraeder, los traumas y la redención, magníficamente filmada y excepcionalmente dirigida, como sabe hacer siempre, maese Scorsese. 

Boyhood

Decía la pintora neoyorkina afincada en Córdoba en una entrevista en Cordópolis , allá por diciembre de 2014, que "la Filmoteca es mi segundo hogar ¿pero la ciudad la apoya? Porque se está hablando de invadir la Filmoteca para beneficiar un espacio mayor que es el Palacio de Congresos y la Filmoteca se debería proteger porque merece mucho aprecio, así que no acabo de comprender que haya quien piense así, a ver si alguien me lo explica, veo mucha contradicción."

Era una premonición de una persona con capacidad de análisis que no entiende en estos días como la Consejería de Cultura, y especialmente la Consejera, Joaquina Rosa Aguilar quiere "dinamitar" un espacio que lleva cerca de 30 años siendo referencia cultural de la ciudad, un espacio que está más que amortizado, y cuya única eventualidad en todo caso debería ser la ampliación del espacio destinado a los fondos bibliográficos y documentales. Pero en esta ciudad sin proyecto, llena de políticos incapaces, y arribistas con carnet, carentes de ideas, y , en muchas ocasiones, de escrúpulos, descubrimos que las ocurrencias - en este caso el traslado de la Filmoteca a un edificio en mitad de la nada, el C4, un monumento a la mala gestión de aquellos que no saben que hacer cuando tienen el dinero-  viene a ser la seña de identidad de la gestión cultural de la que pretendía ser capital cultural en 2016. No lo fuimos y , visto lo visto, con toda la razón.

Joaquina Rosa empeñó su palabra de que en diciembre al C4, una mole de hormigón, inmensos espacios desnudos que se pierden en altura, se llenaría de contenidos. Hasta el momento los únicos contendidos de los que se llena serán el de las máquinas pues habrá que gastarse una ingente cantidad de dinero en adecuar unos espacios que , a día de hoy, no existen y a las que no se adaptan las salas de proyección. Joaquina Rosa quiere cumplir, y aunque no sea con la ciudadanía, sí lo hará con Ciudadanos, y aunque no sea con los usuarios de la Filmoteca, sí lo hará con aquellos interesados que lo que quieren en comerse el espacio que usa la Filmoteca para ampliar el Palacio de Congresos. Como decía el hoy olvidado nobel español Jacinto Benavente estamos ante los intereses creados.

Da igual que la Judería finalmente sea lo quieren algunos, un Parque Temático Urbano, al menos, por las mañanas, pero que languidezca al caer la tarde. Al final en la Judería sólo tendrán cabida las sombras y en Semana Santa los pasos procesionales. Da igual que sea un telón de fondo, un decorado de Hollywood, junto al río Guadalquivir. Da igual que la convierta un espacio sin vida. Esa parece el modelo de ciudad.

Indudablemente la premonición de la pintora londinense aunque criada en Nueva York y afincada en Córdoba, ciudad en la que introdujo la pintura expresionista abstracta algo complejo en esta conservadora y desnortada ciudad , y que impactó el mundo artístico de las salas locales, parece que se va a cumplir.

Fue precisamente Rita la encargada de presentar la quinta película de la temporada del club de cine de la Filmoteca de Andalucia. Se trataba de Boyhood.

Pocas veces he escuchado la presentación de una película de forma tan precisa, tan medida y tan acertada. Indudablemente habló de la trayectoria del director, pero especialmente centro su bosquejo en aspectos sociológicos del autor y de la obra, en su apuesta por lo cotidiano y, sobre todo, en la mirada del protagonista y , especialmente, en el papel del tiempo.

El tiempo, ese es precisamente lo que recalca Luis Martínez, periodista en El mundo cuando escribió sobre Boyhood (Momentos de una vida), una vez vista y resaltó en un artículo. Y es que para este crítico cinematográfico Boyhood es algo así como un reflejo del tiempo. Para Martínez  'Boyhood' no trata de nada más que del tiempo. Para este articulista habla del tiempo en un sentido circular. Es lo que vuelve permanentemente Es decir, la película del director de Austin Richard Linklater habla de una vida en el tiempo. Y lo hace a través de un rodaje que dura 12 años , que son los años que dura la película.

Se trataba de ver crecer al protagonista, Ellar Coltrane, externa e internamente ante la cámara  y junto a él , a su hija de verdad, Lorelei Linklater, en un periodo extenso que va desde  la infancia consciente a ese momento impreciso en que todo deja de tener sentido, pues comienza a pisarse el mundo adulto. Y cuanto esto ocurre, a los protagonistas de la película o como ocurrió a nosotros se hace ya para siempre.

La película supuso cada año un par días, a lo sumo tres, de trabajo. Pero así a lo largo de 12 temporadas. No se trataba de rodar un documental, ni tampoco una película ficción. La idea era construir quizá la historia del propio tiempo. Un tiempo que iba desde la infancia hasta ese momento en que a los hijos, esa ahora es mi perspectiva, dejamos de serles indispensables a los padres y comienzan a volar por su propia cuenta. Nosotros, los padres y madre, pasamos a ser en ese momento sus apoyos externos, pero ellos ya están fuera.

Para Luis Martínez lo que vemos en pantalla se parece demasiado a un espejo que devuelve al espectador el espectáculo extravagante, furioso y ridículo de la existencia. Y así, la cámara se deposita, no simplemente narra, en cada uno de los gestos, tal vez intrascendentes, que acaban por configurar lo que somos. Se busca que nada emborrone ni estorbe la mirada. Por ello, el crecimiento no es un efecto del maquillaje o del casting sino la consecuencia necesaria del propio paso de la vida. En el debate surgido a raíz de la presentación de Rita se discutió sobre si la película hubiese sido la misma con la intervención de otros personajes asumiendo el papel de los chicos protagonistas. Y desde luego para mí, sí hubiese sido otra película. Esta desde luego es única e irrepetible, pues en ella vemos como la vida crece y lo hace desde la inconsciencia de un niño que no sabe que es un actor que interpreta a un niño (los niños no conocen la infancia) hasta la conciencia clara del artificio del intérprete de sí mismo (la infancia sólo se recuerda cuando se pierde).

Según Luis Martínez Boyhood no es un ejercicio de nostalgia , ni pretende conmover . Lo que importa es la fluidez necesariamente banal de lo ordinario, lo que duele es la propia consistencia transparente del tiempo. Y en este caso el director juega a cuestionarse los límites. Todos ellos. Los que separan la ficción de la realidad ("La profesión del director consiste en controlarlo todo. Aquí era imposible. La película se construye sobre lo desconocido, sobre el futuro", dice); la verdad de la mentira; la propia narración de la posibilidad de ofrecer un sentido al absurdo de todo esto.

Al final, sigue comentado el crítico de cine, "queda una película sin precedentes, tan descomunal e inquietante como conmovedora. Magnética e irrenunciable."

Esta película sorprendente y experimental realizada bajo la batuta de Richard Linklater, y producida por el mismo junto a Cathleen Sutherland, Jonathan Sehring y John Sloss y que contó con un presupuesto US$ 4 000 000 de dólares que multiplicó por diez la distribuidora IFC Films y Detour Filmproduction, que alcanzaría una recaudación de más de 44 millones de dólares, contó con el guión de Richard Linklater, la fotografía de Lee Daniel y Shane Kelly, y el nada complejo montaje de Sandra Adair.

La película está protagonizada por Ellar Coltrane como Mason Jr (Hijo) Evans, Patricia Arquette como Olivia Evans (Madre), Lorelei Linklater como Samantha Evans, Ethan Hawke - como Mason Sr Evans (Padre), Libby Villari como Catalina, la madre de Olivia, la Abuela, Marco Perella como Bill Welbrock el segundo marido de Olivia, Brad Hawkins como Jim, el novio de Olivia. Jenni Tooley como Tammy, la segunda esposa de Mason Sr.,Richard Andrew Jones como el padre de Annie y Karen Jones como la madre de Annie. Además aparecen Bill Wise como Steve Evans, el hermano de Mason, Zoe Graham como Sheena, la novia de Mason Jr., Charlie Sexton como Jimmy compañero y amigo de Mason,Barbara Chisholm como Carol, la amiga de Olivia, Cassidy Johnson como Abby, la hija de Carol, Richard Robichaux como jefe de Mason, Steven Chester Prince como Ted, el novio de Olivia, Tom McTigue como el señor Turlington, el profesor de fotografía de Mason Jr. Will Harris como el novio de Sam en la universidad, Andrea Chen como compañera de cuarto de la universidad de Sam, Maximillian McNamara como Dalton, compañero de cuarto de la universidad de Mason Jr., Taylor Weaver como Barb, la novia de Dalton, Jessi Mechler como Nicole la compañera de piso de Barb, Esteban c. Leyva como Eliab Rangel y Silem Rangel como Xilent. A los que suman Jordan Howard, Tamara Jolaine, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham y Ryan Power.

La película comienza en el 2002. Conocemos a un chico de  seis años de edad, Mason Evans, Jr. (Ellar Coltrane) y a su hermana mayor Samantha (Lorelei Linklater), que  viven con su madre soltera Olivia (Patricia Arquette) en Texas .

Allí la madre vive en una pequeña casa, no recibe pensión alimenticia alguna por sus hijos por parte de padre que, según dicen, parece que vive en Alaska, y esa misma noche en la que empieza la película Mason escucha a Olivia discutir con su novio, enfadado con ella, por no haber podido salir con ella ya que se ha tenido que quedar con sus hijos. Olivia se queja porque dice no tener tiempo libre debido a la crianza de los hijos.

Tras esta discusión  rompe con su novio, y toma la decisión de volver a casa de su madre. Acaban los tres por salir en dirección a la casa de la madre de Olivia, Katherine (Libby Villari), que vive en  una buena casa, amplia y con piscina lo que permitirá a Olivia continuar con sus estudios, mientras que los chicos pasan a ser atendidos también por la abuela.

Nada más llegar el padre (Ethan Hawke) da señales de vida y retoma el contacto con sus casi desconocidos hijos. Pretende ser el padre que no pudo ni supo ser.

En ese mismo 2003, Olivia una vez mudada con la familia a Houston , se matricula en Psicología en la Universidad de Houston , para completar sus estudios y conseguir un mejor trabajo.

El padre de Mason, Mason Sr., comienza sus visitas y lleva a los niños a los bolos. Él promete pasar más tiempo con ellos, algo que les encanta aunque no se si dudan de sus palabras.

Cuando deja a los niños en casa, discute con Olivia mientras Mason y Samantha observan desde una ventana que la relación entre ellos es imposible.

Un día, Olivia lleva a Mason a una de sus clases. Allí le presenta a uno de sus profesores universitarios, Bill Welbrock (Marco Perella); Mason ve coqueteara la madre con el profesor.

En 2004, Olivia y Bill se han casado y han juntado sus dos familias, incluidos los niños de Bill, un chico y una chica, de un matrimonio anterior. Comparten experiencias como jugar a videojuegos y asistiendo al estreno a de Harry Potter y el príncipe mestizo . Se entienden a la perfección.

Mason y Samantha están matriculados en la misma escuela que sus hermanastros, donde Mason se reúne y se hace amigo de una chica llamada Nicole. Ese mismo año, comprobamos que Bill tiene cierta inclinación a la bebida, algo que oculta a la familia.

En 2005, Mason y Samantha activa su vínculo con su padre que los saca por Houston, y los lleva a ver un partido de beísbol de los Astros de Houston y después van a dormir a su casa, en la que es tá presente igualmente su hermano. En el colegio Mason se acerca más a un  compañero,  Jimmy.

El tiempo pasa y vemos como ha Mason Jr le ha crecido el pelo. Olivia continúa su formación y es inicialmente favorable al estilo de crianza estricta que practica Bill, que incluye muchas tareas domésticas para los niños. Sin embargo, ese carácter estricto se va extremando como vemos en corte forzado del pelo largo de Mason.

Además vemos como Bill comienza a aumentar sus dosis con el alcohol, y vamos descubriendo que en el fondo es un alcohólico y un canalla.

En 2006, mientras están en una comida comprobamos el grado de degradación de un Bill que se volviendo cada vez más violento tanto con Olivia como con los niños. Tras un ataque de furia en una comida tensísima, Olivia saca  a la familia a la casa con la ayuda de una amiga y solicita el divorcio. La marcha de a casa es un desgarro para Olvia y especialmente para los niños que son conscientes que dejan a sus dos hermanos adoptivos en manos de un barrocho agresivo. Mason y Samantha se pregunta que les pasará y Olivia habla de que ha llamado a los servicios sociales y a la madre de ellos para que se haga cargo.

En 2007, Mason Sr. se entera de que Samantha tiene un novio y habla con ella y le explica los métodos de anticonceptivos. Samantha no sabe dónde meterse.

Mientras los dos Mason van de camping en Pedernales Falls State Park y el padre le pide que sienta  la música de Wilco y comprueba el creciente interés de Mason por las niñas.

Poco después que Mason y Samantha se han convertido en su nueva vida en San Marcos , una ciudad cercana a Austin.

En 2008, Mason es intimidado por otros estudiantes en la escuela que se burlan de él y sus amigos cuando sale con ellos una noche. Sin embargo, comienza a llamar la atención de las niñas. Ese mismo año el padre y sus hijos hacen campaña a favor de Obama casa por casa en su competencia con John McCain.

Olivia ya enseña psicología en la Universidad y , en un día de acción de gracias, comienza a relacionarse afectivamente con Jim, uno de sus estudiantes que asiste a sus clases y que viene de participar en operaciones en el extranjero - en Bosnia / Guerra de Irak- y de forma exitosa. Su relato encandila a Olivia que, al poco tiempo, se van a vivir juntos.

En 2009, Mason ha recibido un regalo por parte de Jim que le determinará en un futuro, una cámara de fotos, pero también ha experimentado con la marihuana y el alcohol.

Sorprendentemente, Mason padre, ha sentado la cabeza y se ha vuelto a casar y ahora tiene un bebé,. Un fin de semana lleva a sus hijos Mason y Samantha a visitar a los padres de su esposa. Al ser el cumpleaños de Mason el padre le regala un traje y El Álbum Negro , un CD de mezclas de canciones interpretadas por los  Beatles en solitario. Por su parte, los abuelos de Mason le regalan a Mason Jr una Biblia con su nombre grabado en oro y una escopeta. Tras admitir el regalo salen a probar con la escopeta y Mason Sr le dice que se quedará en su casa, pues su madre no estará de acuerdo con ello.

En 2010, Mason es recibe clases de fotografía. Se muestra como todos los adolescentes esquivo, inseguro  y sin rumbo. Su profesor de fotografía, que ve su potencial, pero está decepcionado por su falta de ambición y trabajo duro, tiene una interesante charla sobre e futuro en el cuarto oscuro.

Mason, que trabaja, limpiando platos en un restaurante de comida rápida asiste a una fiesta y conoce a Sheena, una chica guapa del College, que se convierte en su novia. Esa misma noche, Mason llega a casa tarde una noche de una fiesta, se encuentra con un Jim, funcionario deprisiones, y  ebrio que espera a Mason y se enfrenta a él.

En 2011, Olivia y Jim ya están separados. Mason y Sheena van a ver a Samantha que ya está en la Universidad y la visitan en su residencia del Campus de la  Universidad de Texas en Austin , donde comparten sus esperanzas y temores acerca de la universidad,

Tras quedarse una noche en blanco para ver la salida del sol son pillados en la cama por la compañera de habitación de Samantha, una chica de origen asiático, que los descubre dormidos juntos en su dormitorio.

En 2012, durante el último año de Mason en la escuela secundaria, tiene una ruptura dolorosa con Sheena, pues esta le pone los cuernos con un chico de equipo. A la fiesta de graduación no va con ella.

Con todo Mason gana la medalla de plata en un concurso de fotografía estatal, y se le otorga un bien dinero para becas universitarias.

La familia de Mason le prepara  una fiesta de graduación. Están presentes todas las personas que han pasado por su vida, incluido su jefe laboral, pues Mason trabaja en un restaurante de comida rápida. Los presentes brindan por  su éxito.

Mason Sr. le da consejos sobre su ruptura, pero también habla con cierto aprecio a Olivia. Ésta por su parte se plantea vender la casa pues ya le sobra todo. Es muy grande y para ella ya es un exceso que no se puede permitir..

Olivia se encuentra con Samantha y Mason para el almuerzo y les pide que saquen de la casa lo que quieran salvar.

En 2013, cuando Mason se prepara para dejar el nuevo apartamento de su madre para ir a la universidad, Olivia llora amargamente, desilusionada por la rapidez de la vida , pues parece que casi todo ha pasado para ella.

Mason va a la Universidad. Se ha matriculado en Sul Ross State University en Alpine . Allí  Mason compartirá dormitorio y se encuentra con su nuevo compañero de cuarto  que se llama Dalton. De inmediato éste le presenta a su novia Barb, y a la compañera de ésta, Nicole.

Salen de excursión para ver la caída del sol en un Cañón. Allí come Mason un brownie de marihuana qmientras marchan Big Bend Ranch State Park .

Nicole comparte con Mason su creencia de que, en lugar de que la gente quiera apoderarse de sus momentos, son los momentos los que se apoderan de nosotros, algo con lo que Mason está de acuerdo. The End.

La filmación de la película comenzó en el verano de 2002 en Houston, Texas y finalizó en agosto de 2013. Se trata de una película, casi un docudrama, que sigue la vida de un grupo de actores en un viaje tan épico como íntimo a través de la euforia de la niñez, los cambios de una familia compleja y del paso del tiempo.

La película se centra en Mason (Ellar Coltrane) desde los seis años durante algo más de una década poblada de cambios, mudanzas y relaciones que se tambalean, relaciones maternas complejas, diferentes colegios, primeros amores, primeras desilusiones, momentos maravillosos, momentos de miedo y una constante mezcla de desgarro y de sorpresa.

Y es que en mayo de 2002, el director de cine y guionista Richard Linklater anunció que comenzaría el rodaje de la película - entonces sin nombre - en su ciudad natal de Houston, Texas. Era el verano de 2002.

En ese momento, Linklater había previsto reunirse con el elenco y el equipo técnico en un par de semanas cada año para rodar la historia durante un período de 12 años. La ideainicial de Linklater era contar la historia de una relación padre-hijo. Para ello optó por seguir " a un chico desde el primer hasta el 12º grado y termina yendo a la universidad, pero el dilema es que los niños cambian tanto que es imposible cubrir ese terreno y estoy totalmente listo para adaptar la historia a lo que él está pasando ". Para ello Linklater contó con el apoyo de CFI, el distribuidor de la película, que se comprometía con un presupuesto de la película de US $ 200.000 por año, o $ 2.4 millones de dólares durante el período de rodaje de 12 años.

La idea que tenía el director era que "siempre he querido contar la historia de una relación padre-hijo que sigue a un niño de primero a través del 12º grado y termina con él cuando va a la universidad. Pero el dilema es que los niños cambian tanto que es imposible cubrir mucho terreno. Y estoy totalmente dispuesto a adaptar la historia a lo que está atravesando", según dijo.

Linklater contrató entonces al niño de 7 años Ellar Coltrane para convertirlo en el centro de la historia.El reparto no podía firmar contratos para la película debido a la Ley de Havilland , que establece que es ilegal contratar a alguien por más de siete años de trabajo. Linklater le dijo a Hawke que tendría que terminar la película si el mismo, Linklater muriera.

Linklater propuso a un grupo de actores (Ethan Hawk y Patricia Arquette a la cabeza) así como a su Lorelei, su hija de verdad, rodar una película durante 12 años. Se trataba de verles crecer ante la cámara. Desde la infancia a ese momento impreciso en todo deja de tener sentido.

La estrategia no era otra que convertir la pantalla en un espejo; devolver a la mirada del espectador como en un ejercicio extravagante, furioso y ridículo de la existencia.

Boyhood comenzó a rodarse sin un guión terminado. Linklater había preparado los puntos básicos de la trama de cada personaje, y el final , pero de otro modo fue modificando el guión para el año posterior tras volver a ver las imágenes del año anterior, incorporando los cambios que vio en cada actor. Todos los principales actores participaron en el proceso de escritura, aportando sus experiencias vitales. Por ejemplo, el personaje de Hawke se basa en los padres de Linklater -los dos agentes de seguros tejanos que se divorciaron y se volvieron a casar- y el personaje de Olivia, interpretada por Patricia Arquette se basa en su madre, que reanudó su educación más adelante y se convirtió en psicoterapeuta.

El propio Linklater declaró que "La gente piensa que le pregunté a Ellar: "¿Qué hiciste en la escuela el otro día? ¡Hagamos una escena sobre eso!" Eso nunca ocurrió. El tiempo que pasamos juntos fue sólo para medir dónde estaba él en su vida, cuáles eran sus preocupaciones y lo que estaba haciendo. Entonces yo pensé, tal vez podríamos hacer un viaje de campamento, y podemos hacer esto o aquello. Los guiones para ciertas escenas a veces terminaban la noche antes de rodar.

El rodaje se llevó a cabo entre julio de 2002 y octubre de 2013. Aunque en realidad el rodaje real se cerró en 39 días. Actor y equipo técnico quedaban una vez al año en Texas para ir creando piezas del puzle. La idea inicial de Richard Linklater era rodar cortometrajes de 10 o 15 minutos de duración y presentarlos de forma autónoma, pero finalmente optó por enhebrar una película de 167 minutos de metraje.

El reparto y equipo se reunieron una vez o dos veces al año, en diferentes fechas, durante tres o cuatro días. El equipo de producción pasó aproximadamente dos meses en pre-producción, y un mes en post-producción cada año. Cuando Arquette se convirtió en el principal en la serie de televisión Medium , filmó sus escenas durante los fines de semana.

El objetivo era mostrar la vida de Mason, un niño que comienza con siete años, con su familia y amigos, y que durante una docena de años vamos viendo su devenir familiar , social y personal. La clave de toda esta historia fue el compromiso. Ethan Hawke, probablemente el único de los actores por el que no parece pasar el tiempo, es un incondicional de Linklater y su filmografía. Sólo gracias a su apuesta los productores dieron el visto bueno. Después llegó Patricia Arquette, elogiada por la crítica en el papel de madre pundonorosa y multipremiada en numerosos festivales.

El director, por su parte, contribuyó al proyecto renunciando a lo que debía ser su sueldo. A cambio, consiguió que el proyecto fuera completamente suyo, con poder de decisión. Y todo con un presupuesto ínfimo para EEUU: cuatro millones de dólares.

Lorelei Linkater, hija del director, también empezó el rodaje con 7 años. Como cualquier niña, muchas veces le había pedido a su padre aparecer en una película. Cuatro años después comenzó a poner pegas para seguir , pero su padre se opuso: no quería eliminar a su personaje del guión. Finalmente, Lorelei siguió en el proyecto y cuando acabó tenía 18 años.

Cuando llevas más de una década embarcado en un trabajo y todavía no lo has terminado, es lógico que familiares y amigos acaben preguntando: ¿y de qué va esa película? Linklater no dudaba en contestar: "de nada. No va de nada". Y no mentía pues en el metraje va desfilando como un río uno de los temas universales, el paso del tiempo. El paso de la niñez a la edad adulta; la consciencia de que la vida útil se larga sin que uno se haya dado apenas cuenta. En este sentido es espeluznante la frase del monólogo de Arquette ante su hijo Mason cuando este lleva la caja para meterla en el coche que le lleva a la Universidad: "¡Pensaba que había algo más!", grita con rabia cuando ve que los hijos se marchan de casa y por fin se ha librado de unos cuantos maridos tóxicos.

El director lo aclara: "Quise que la película reflejara la forma en la que pasamos por la vida, sin saber qué es lo que nos espera".

Aunque Linklater se ha referido al proyecto como Boyhood durante los primeros años de producción, en 2013 se planteó llamarla con el título 12 años, pero se vio obligado a cambiar su nombre por salir al mercado 12 años de esclavitud ese mismo año.

A pesar de los riesgos, Linklater se permitió un nivel inusual de la libertad con la producción, sin tener que mostrar la CFI el trabajo a medida que avanzaba.

La banda sonora de Boyhood se sale de los tópicos, no hace muchas concesiones y enhebra de maravilla con el guión y responde a la música de la década que abarca desde los 6 a los 18 años. Producido por Linklater y Randall Poster, la BSO está compuesta por 16 pistas que incluye las contribuciones de Arcade Fire ( "Deep Blue"), The Flaming Lips ("Do You Realize? o Se da usted cuenta?"), Gotye ("Somebody That I Used to Know" o "Alguien que yo conocía", con Kimbra) , Coldplay ( "Yellow"), y Paul McCartney & Wings ( "Band on the Run"), así como una melodía original, de Ethan Hawke (Ryan' s song), pasando por Lady Gaga (Telephone), Kings of Leon (Radioactive) o Bob Dylan (Beyond the horizon)o Hero de Family of the year.

Boyhood se estrenó en el Festival de Sundance 2014 donde fue estreno mundial en la sección "Premieres" y llegó a los cines a partir del 11 de julio de 2014. La película también compitió en la sección principal de la competencia del 64º Festival de Berlín, donde Linklater ganó el Oso de Plata a la mejor dirección.

La película inicialmente fue estrenada en cines el 11 de julio de 2014, con en una versión limitada en cuatro salas de cine y ganó en total $ 387.618, siendo la número 19 en la taquilla. A la semana siguiente la película se expandió a 34 teatros y recaudó $ 1.2 millones, Su gran salto adelante se produjo el 15 de agosto.

La película fue nominada a cinco Globos de Oro, ganando Mejor Película Drama, Mejor Director y Mejor Actriz de Reparto para Patricia Arquette. También fue nominado a cinco Premios BAFTA, ganadora a la mejor dirección y mejor película y actriz secundaria (Arquette) . Además, fue nominada a seis Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto por Hawke y mejor actriz de reparto por Patricia Arquette, que fue quien lo ganó. 

En los Premios César fue nominada al Mejor film extranjero 2014, En los  Premios Guldbagge: fue nominada a la Mejor película extranjera

En los American Film Institute (AFI) que valoraban las películas de 2014 fue incluida en el  Top 10 -de las Mejores películas del año

En el Festival de San Sebastián fue  Gran Premio FIPRESCI a la  mejor película del año 2014:.

En el National Board of Review fue incluida dentro de las mejores 10 películas del año 2014. Fue valorada igualmente en el Círculo de Críticos de Nueva York con el título de  mejor película, director y actriz secundaria (Arquette).

En los Premios dados por los Críticos de Los Angeles obtuvo el premio a la Mejor película, director, actriz (Arquette) y montaje , igual compensación obtuvo para la Asociación de Críticos de Chicago.

En los para mi desconocidos Premios Gotham obtuvo 4 nominaciones a la mejor película, actor, actriz, actor revelación

En los Premios Independent Spirit se premió al mejor director y actriz secundaria (Arquette) . Mientras que en los Satellite Awards los premios se centraron al mejor director y a la mejor actriz secundaria Patricia Arquette de las 7 nominaciones.

En Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la mejor película de 2014; mientras que el Sindicato de Directores (DGA) hizo lo mismo al Mejor director

El Sindicato de Actores (SAG) la premio a la mejor actriz secundaria (Patricia Arquette), aunque obtuvo otras tres nominaciones

En los Critics Choice Awards obtuvo 4 premios incluyendo el mejor película y mejor director

En 2016, Metacritic nombró la película la más aclamada del siglo XXI hasta el momento. Y es la única película en la historia de Metacritic para lograr un marcador global de 100. Para Rotten Tomatoes se sitúa en un 98 % de comentarios positivos basado en 275 comentarios.

La crítica recibió "Boyhood" de forma entusiasta, con medios como el estadounidense The New York Times o el británico The Guardian asegurando que se trataba de una "obra maestra" y de "una de las grandes películas de esta década". "Una película extraordinaria" "

En cuanto a los críticos  de la revista Variety, Peter Debruge y Justin Chang son coincidentes. Para el primera  "Linklater ha creado una misteriosa cápsula del tiempo, invitando a los espectadores a revivir su propia educación a través de una serie de recuerdos artificiales." Por su parte, para Justin Chang, crítico jefe en esa misma revista "Es una película extraordinaria. Linklater consigue transformar momentos aparentemente mundanos de nuestras vidas que no suelen verse en el cine en algo sublime. Son casi tres horas de película en las que aparentemente no pasa nada y al mismo tiempo todo está sucediendo frente al espectador", señala Chang.

El mismo Chang destaca el trabajo "excepcional" de los actores protagonistas y en particular del joven que da vida a Mason, Ellar Coltrane, a quien Linklater seleccionó entre cientos de jóvenes intérpretes "por ser diferente". "Coltrane interpreta a la perfección a un niño tranquilo y reservado y es fascinante como ese niño responde al mundo que lo rodea. Es precisamente esa presencia tranquila que tiene el protagonista lo que lo convierte en un sujeto muy interesante para la cámara. Además, su actuación mejora a medida que la avanza la película. Uno se da cuenta de cómo se va conociendo mejor a sí mismo".

El crítico de Variety señala que Ethan Hawke "también está estupendo" aunque cree que entre los actores adultos la que sobresale es Patricia Arquette. "Su personaje también es una de las piezas centrales de la película. Ella es la que tienen que sacar a la familia adelante. De alguna manera, aunque la película trata sobre la niñez también es un retrato de lo que supone ser madre". Chang cree que "el público se va a dar cuenta de lo especial que es esta película, ya que trata sobre la infancia y todo el mundo puede sentirse identificado con algo" y espera que la singularidad del trabajo de Linklater reciba el reconocimiento que merece. "Creo que los espectadores que vean esta película van a llevársela a casa y van a seguir pensando en ella durante mucho tiempo".

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter comenta que "'Boyhood' es una epopeya sobre lo ordinario (...) una película que puede resultar normal momento a momento, pero que se convierte en algo muy especial en su totalidad."

Para Owen Gleiberman del Entertainment Weekly "Es una narración dramática fascinante y única en su género: una hermosa estratagema de película."

Michael Phillips del Chicago Tribune entiende que "Linklater se tomó su tiempo para completar este hermoso y simple proyecto. Y se lo premiamos con nuestra completa atención. (...) "

Claudia Puig de USA Today sostiene que "'Boyhood' es una obra maestra épica que parece totalmente despreocupada en tratar de serlo. (...) "

Manohla Dargis en el The New York Times "Habla de personas que conoces, tal vez de gente como tú." Y destaca "el realismo de la película que actúa como una "sacudida" y que está "tan brillantemente realizado y es discreto que sería fácil que pasara por alto". En esasmismas páginas del diario neoyorkino AO de Scott , considera a Boyhood como " la mejor película de 2014, diciendo que no podía pensar en ninguna película que le hubiese afectado en sus 15 años como crítico de cine profesional.

Y Peter Travers en las páginas de Rolling Stone "El relato de Richard Linklater sobre el paso hacia la mayoría de edad es la mejor película del año, un punto de inflexión de cuatro estrellas que se ha ganado un sitio en la cápsula del tiempo cultural. (...) " Y además la califica como la película con "mayor potencia emocional" del año.

Richard Roeper en la columna que antes hiciera Rogert Ebert, la del Chicago Sun Times, la calificó de una de las películas más grandes que había visto nunca. Mick LaSalle en el San Francisco Chronical destacaba el trabajo de Arquette . En esa misma costa oeste de los Estados Unidos, en concreto, desde las páginas de Los Angeles Times el crítico Kenneth Turan describe la película con un lacónico "OK" Richard Brody, de The New Yorker la incluye como una película "Atrevidamente original".

En el  Reino Unido Xan Brooks en The Guardian nos dice que "Menudo logro tan asombroso; menuda película tan hermosa. (...) "Peter Bradshaw en las páginas también de The Guardian la calificó como "una de las mejores películas de la década". Y en ese mismo estado Joshua Rothkopf en Time Out nos afirma que "Inquebrantable, ingeniosa y muy sentida, la película va a estar pagando dividendos emocionales durante mucho, mucho tiempo. (...) "

Ya en España Luis Martínez Diario El Mundo "'Boyhood' deslumbra con la más conmovedora descripción posible de la herida del tiempo y propone reglas nuevas a eso llamado cine (...) Una película sin precedentes, tan descomunal e inquietante como conmovedora. Magnética e irrenunciable" El director juega a cuestionarse los límites. Todos ellos. Los que separan la ficción de la realidad ("El guión se mantuvo siempre atento a lo que pasaba fuera de la película en el momento de rodar"); la verdad de la mentira; la propia narración de la posibilidad de ofrecer un sentido al absurdo de todo esto. La imagen se convierte ella misma en tiempo que cuestiona precisamente el tiempo.

Gregorio Belinchón en el Diario El País habla de "Bella obra maestra (...) 164 minutos hipnóticos" Sergi Sánchez en el Diario La Razón "Linklater corrobora que es uno de los grandes cineastas en activo. (...) «Boyhood» es a la vez una película humilde y una hazaña épica. Ofrecernos la suma de instantes que se llama vida es lo que la hace tan conmovedora" En ese mismo diario, Jordi Costa habla de "Obra magna de Richard Linklater."

Carlos Marañón en las páginas de Cinemanía nos habla de que estamos ante una " propuesta de Linklater, siendo monumental, fáustica, apasionante, está desprovista de toda grandilocuencia. Su trascendencia está en nosotros (...) Obra maestra (...)"

David Martos en el Diario ABC afirma que "«Boyhood» es una catedral del cine. (...) Quienes esperen ese fino hilo que une los diálogos cómicos de «Antes de...» con la verdad, encontrará decenas de escenas maravillosamente escritas"

Salvador Llopart en el barcelonés  La Vanguardia habla de que la película es "En el curso del tiempo. (...) El filme de Linklater es como ese fabuloso álbum inexistente: imposible pero real. Maravillosamente mágico. Y sin misterio. (...) "

En  Argentina Javier Porta Fouz del Diario La Nación nos dice que "'Boyhood' -con su sensibilidad a flor de piel, (...) impone su verdad, su calidez, su confianza en el cine como la mejor manera de acercarnos a otras vidas, a otras maneras de habitar, sufrir y disfrutar el tiempo." Y   Pablo O. Scholz en las páginas del Diario Clarín aclara que es "El resultado es no solamente ingenioso, sino asombroso. (...) Una experiencia de casi tres horas que, cual balance, se pasan disfrutando." Luciano Monteagudo en Página 12 dice que  "Se trata de un único film (...) Que esas casi tres horas de película fluyan con la naturalidad, el ritmo y la constancia con que fluye un río, o incluso la vida misma, es quizás el mayor mérito de 'Boyhood'." Y Gustavo Castagna en Tiempo Argentino "Film-experimento pero recorrido desde los sentimientos, donde se concilia la vida con el cine, o el misterio de la vida con el misterio del cine. Por suerte, Linkater dedicó parte de la suya para construir esta gran película."

La película se ganó la admiración de otros cineastas y artistas. El director Christopher Nolan consideró que era su película favorita de 2014, y la calificó de "extraordinaria". El escritor y director Mike Leigh , aceptando una beca de la Academia Británica de Cine y Televisión en 2015, lo llamó "la película independiente definitiva". El filósofo canadiense Howard Adelman , vio en Boyhood " el Huckleberry Finn para el siglo XXI, porque es sólo Mason Jr., quien conserva su honestidad, integridad y sentido de la decencia a lo largo ... una película magistral. No se la puede perder ".

Alejandro González Iñárritu , ganador del premio de la Academia a la mejor dirección en 2015 y compañero candidato de Linklater, cuando la vio envió un correo electrónico a Linklater y le dio las gracias por dar "este regalo increíble". Doce años de rodaje para una película que ha revolucionado al sector contando la vida en tiempo real.

De todas maneras si hay algo que predispone al espectador al sentarse en la butaca para ver 'Boyhood' es una palabra: tiempo. Aunque también se puede decir que Boyhood representa el triunfo de la sencillez. Una sucesión de anécdotas y diálogos triviales, pero que se acercan a nuestras modestas y anónimas vidas. Y todo finaliza cuanto termina la adolescencia y lo hace de una manera excepcional y novedosa, en un atardecer, tras una reflexión sobre los momentos y como te atrapan ellos, y que si bien la película no es un descubrimiento formal, si destaca por su coherencia a la hora de trabajar con el tiempo, y hablarnos de la infancia y la adolescencia, así como de las relaciones familiares, vistas a través de la mirada de Mason.

Se dice que el filme es una radiografía de la clase media estadounidense y de una década, la de los 2000, a la que Linklater hace referencia constantemente a través de la música.

Según cuenta Richard Linklater, la idea de esta película -que rodó íntegramente en su Texas natal- surgió de su propia experiencia con la paternidad y su fascinación con la niñez. Incapaz de elegir un momento concreto de la infancia para situar su historia, fue en 2001 cuando decidió que la mejor manera de reflejar en la pantalla lo que es hacerse mayor era filmar la historia durante varios años y   capturar cómo un personaje crece frente a los ojos de los espectadores durante un largo periodo de tiempo".

Tras un periodo de preproducción de unos meses, el rodaje se inició en 2002. El resto ya lo sabemos. Eso sí permitió que los actores completaran la historia con sus propias experiencias vitales, dándoles liberad para que hicieran suyos los diálogos. De ahí proviene la naturalidad y el realismo .

Además "Boyhood" está repleta de referencias históricas y culturales que permiten que los espectadores sepan en qué momento de la historia se encuentran, como cuando el protagonista acude al lanzamiento de uno de los libros de Harry Potter, cuando su progenitor despotrica contra la guerra de Irak, o las referencias a la primera victoria electoral de Obama frente a McCain.

Al final vemos que con está película parece modificarse la idea del tiempo, transformándolo aquí en a mirada a lo entrañable de la vida simple y ligera, como debe ser, de un  niño, y lo curioso que una historia tan simple como esta - pero tan representativa de la  condición humana-  y tan larga nos mantenga conectados emocionalmente de principio a fin ya sea por lo intimo, ya sea como simples observadores invitados.

Efectivamente, y en este caso parece cumplirse el subtítulo con el que se presenta en España: Momentos de Vida, en este caso la de Mason Jr, en la que no pasa nada realmente dramático o estridente, simplemente pasa la vida, que es lo más importante.

Estigmas

Esta película fue dirigida por Rupert Wainwright en 1999 y producida por Frank Mancuso Jr. y Tom Lazarus. Este último junto con Rick Ramage participó en el guión de la misma. La música está compuesta por Billy Corgan y Elia Cmiral. La buena fotografía está compuesta por Jeffrey Kimball que utiliza muy bien el juego de luces.

Los protagonistas son Patricia Arquette (Frankie Paige) y Gabriel Byrne (Padre Andrew Kiernan), con la compañía de Jonathan Pryce (Cardenal Daniel Houseman ), Thomas Kopache (Padre Durning), Nia Long (Donna Chadway), Rade Serbedzija y Portia de Rossi.
Una joven norteamericana extrovertida y vitalista peluquera, Frankie Paige (Patricia Arquette), comienza a mostrar misteriosos estigmas nada más recibir de Brasil un paquete de su madre con un crucifijo. La presencia de una tórtola en su casa en el inicio de una serie de ataques paranormales que le hacen sangrar por la cabeza, los pies y las manos que inicialmente sufre en la bañera y más tarde en otros espacios (metro, en un café cerca de un mercado de flores o en la discoteca). En uno de sus momentos de crisis más fuertes, se encuentra por casualidad con un cura y el episodio queda grabado en una cinta. Las preocupantes implicaciones del incidente hacen que el propio Vaticano tome cartas en el asunto y envíe al investigador Andrew Kiernan (Gabriel Byrne), un sacerdote encargado de descifrar milagros y que anteriormente había estado de un pequeño pueblo del Brasil donde brotan lágrimas de sangre de la estatua de una iglesia, un hombre de ciencia más que un hombre de fe, ya que su misión consiste en desmontar falsos milagros y verificar fenómenos a los que no se encuentra explicación.

Ante la evidencia de que una fuerza poderosa se ha apoderado de Frankie, Kiernan comprende el peligro que corre la muchacha: debe buscar dentro de su alma la forma de salvar su vida, aunque ello implique ir en contra de todas sus creencias.
Parece ser que en su momento hubo cierta polémica con la película ya que sólo es filme que se basa en los misterios de la Iglesia y en las dudas espirituales para confeccionar una historia que mezcle fantasía y realidad. La película llegó precedida por un abucheo generalizado por parte de la crítica y por una gran acogida por parte del público. Una vez más, opiniones divididas ante un género como el de terror, el infravalorado por antonomasia. Vulgar operación comercial para unos, blasfemia para otros, película que atrae a todos aquellos a los que el tema espiritual vinculado con el catolicismo, sus dudas y sus exorcismos que puede resultarles entretenida.

La historia de Wainwright tiene una estética y una trama muy bella en sus inicios pues afortunados son los títulos de crédito que hacen referencias a las escrituras; el peso de la película recae principalmente sobre una convincente Patricia Arquette que consigue transmitir eso sí con muchos aspavientos y estertores el calvario sufrido en su cuerpo o la voz penetrante de chico – realmente un señor, el sacerdote Alameida que la ha poseído-. Patricia Arquette es capaz de hablar y escribir en arameo antiguo o sufrir las posesiones de un cura fallecido e investigador de las escrituras no reconocidas como el supuesto “Evangelio según San Tomás”, que según el final aparecieron en el Mar Muerto hacia el año 1950 y que no son reconocidos por la Iglesia. Junto a ella un Gabriel Byrne, con acento de Robert de Niro, que ayuda bastante a que Stigmata sea una entretenida aunque intranscendente película. Estos dos son los encargados de llevar el peso sobre sus espaldas de lo que resulta ser un thriller terrorífico, o un terror de intriga. Patricia Arquette y Gabriel Byrne, lucen muy efectivos en unos roles llenos de fuerza dramática y de destape moral denunciando a la institución eclesiástica.
La historia se centra inicialmente en los estigmas: marcas o señales que aparecen repentinamente en el cuerpo de algunas personas - devotas o no -, y que se asemejan a las heridas sufridas por Jesús durante su crucifixión. Esta vez, es una joven peluquera, escéptica y non sancta de Pittsburgh, la que recibe las señales por un hecho aparentemente casual. Y comienza aquí una ardua investigación que llevará, a un sacerdote de mentalidad abierta, a descubrir algunas cosas de verdadero significado y que, por feroces intereses, el sector más reaccionario de la iglesia representado en la película por Houseman se empeña en mantener a oscuras.

Wainwright, recrea imágenes que impactan y algunas secuencias poseen una interesante brillantez narrativa. La eficiente edición, los efectos sonoros y la electrizante música que acompasa cada secuencia, contribuyen a que se logre un ritmo constante y en crescendo. La historia se sigue así con profundo interés, pues uno siente que, además, se va soltando el largo hilo de una maraña que, durante siglos, se nos ha ocultado herméticamente. Al final apuesta por la estética del videoclip cuando todo estalla en una habitación en llamas y el sacerdote salva en sus brazos a la chica.
Al final, “Stigmata” o “Estigmas” como fue difundida en Latinoamérica, es una película que sacude nuestros pensamientos durante un buen rato. Sin lugar a dudas, Rupert Wainright ha salido al paso con una película valiente aunque inconsistente.
El film plantea una serie de cuestiones que levantan curiosidad: ¿Por qué una chica atea es sufridora de estigmas? cuando el sacerdote comenta que sólo las personas muy devotas son las que están más expuestas a recibir los estigmas. ¿Por qué uno de los curas no reconoce la Iglesia que existe en Belo Horizonte, en la cual una virgen de piedra lloraba lágrimas de sangre humana? ¿Os parece razonable que Houseman, un alto miembro de la Iglesia quiera matar con sus propias manos a una chica inocente alegando que "está poseída por fuerzas malignas"?. ¿Por qué un evangelio es descuartizado, y de cada pedazo se hacen cargo distintos estudiosos? Estas son algunas de las cuestiones que se plantea el film.
En esta ocasión, la historia se centra en el “don” cristiano de sentir en tu propia carne los padecimientos de Jesucristo en su crucifixión, denominado comúnmente como estigmas. Será una joven americana la que protagonice dichos síntomas, que tratará de resolver un joven científico del Vaticano especializado en desmitificar milagros y otros sucesos surrealistas. No es del todo mediocre el argumento, ni siquiera su forma de llevarlo a cabo. Resulta efectista y cuenta con pequeñas muestras que saben conducir al camino de la reflexión. En esta película se habla de una persona apartada y aparentemente nada ligada al mundo cristiano como víctima inocente, de un cura neonato en estas lides y de otro más profesionalizado que será de vital importancia para resolver el suceso. Un título correcto, en definitiva, que se muestra escaso y demasiado repetitivo aunque a la vez solvente y ligeramente por encima de la media.

Curiosa película, que critica el sistema eclesiástico de manera subyacente y que entretendrá a amantes del género y ocasionalmente al resto de seguidores de las películas de intriga. Con sus defectos y virtudes, consigue ser un buen entretenimiento, que distará del gusto de haberlo visionado, dependiendo de qué posición cultural-religiosa seas. Lo que es seguro es que no te dejará indiferente y si te deja indiferente, mala señal.