lunes, 9 de septiembre de 2019

Babadook


Un respiro al drama, al western , a las películas de superhéroes. También aquí tienen  cabida las historias de terror. Sin embargo, es un género al que últimamente relego y no tengo muy claro el por qué porque no sólo me gusta sino lo peor es que, viéndolo, lo paso mal. Como decía la canción de Nacha Pop, tengo miedo al terror. 

La que he visto en la noche de ayer es The Babadook, terror australiano que se llevó magníficas críticas por parte de la prensa especializada desde su exhibición en el Festival de Sundance y premiado en algún festival de renombre como el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Catalunya, vamos, el de Sitges. 

La responsable de la película es Jennifer Kent, que fue actriz , y aquí asumió el papel de guionista y cineasta nacida en Brisbane. Sus primeros pasos en la interpretación fueron en la pequeña pantalla, en especial en la serie Murder Call donde formaba parte del elenco principal.Pasando después a la dirección tras contactar con Lars von Trier, impresionada con su labor en Dancer in the Dark. El danés la contrató como ayudante durante el rodaje de Dogville. 

En 2005 dirigió su primer cortometraje: Monster, el cual fue adaptado diez años después a la gran pantalla por la propia Kent bajo el título de The Babadook. El cortometraje estuvo protagonizado por Essie Davis, a quien conoció en la Escuela Dramática. 

En este caso la producción estuvo en manos de Kristina Ceyton y Kristian Moliere amparados por la productora Causeway Films junto a Smoking Gun Productions y  Cinetic Media y con el apoyo de la distribución de Entertainment One  - también conocida como eOne Films International- así como    IFC Films . La película manejó un presupuesto de unos $2 000 000 .

La película sigue el guion de la misma directora Jennifer Kent, cuenta con la música de Jed Kurzel , la fotografía de Radek Ladzcuk y el montaje de Simon Njoo.

El elenco lo encabeza Essie Davis como Amelia Vanek que vive junto al que hace de su hijo Noah Wiseman como Samuel Vanek . Junto a ellos están Hayley McElhinney como Claire , Daniel Henshall como Robbie , Barbara West como Gracie Roach , Ben Winspear como Oskar Vanek, Cathy Adamek como Prue Flannery , Craig Behenna como Warren Newton , Chloe Hurn como Ruby , Jacquy Phillips como Beverly , Bridget Walters como Norma , Adam Morgan como sargento, Charlie Holtz como un chico y Tim Purcell como el Babadook.  

La película comienza seis años antes del presente , en el momento en que tuvo lugar un accidente que deja como consecuencia la violenta muerte del marido, Amelia Vanek (Essie Davis). Ella todavía no se ha recuperado de lo ocurrido. Ahora Amelia Vanek es una viuda agitada , nerviosa, que duerme mal, que no puede oir el nombre de Oskar, su fallecido esposo, y que vive en la ciudad australiana de Adelaida , en la que se dedica a criar sola a su hijo Samuel (Noah Wiseman), de seis años.

A Samuel le interesan los trucos de magia, los cuentos y está obsesionado por fabricar armas caseras para combatir a su monstruo imaginario. Su difunto esposo, Oskar, murió en un accidente automovilístico que ocurrió mientras conducía a Amelia al hospital durante el parto.

Ella ha hecho lo que ha podido con su hijo, pero el chico, Sam, de un tiempo a esta parte comienza a mostrar un comportamiento errático: se vuelve insomne ​​y está preocupado por la presencia de un monstruo imaginario, contra el cual ha construido armas para luchar.

Samuel (Noah Wiseman) vive aterrorizado por ese monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Por eso las noches para Amelia son un calvario, se levanta para atenderlo, duerme con él, e impide que tenga una mínima vida sexual.

Estos problemas de comportamiento de Samuel lo arrastra a la Escuela, donde el chico se mete en problemas un día sí y otro, también. Esto provoca que su situación laboral en un centro de la tercera edad esté mal vista por sus superiores dada el número de llamadas que recibe y su ausencias.

Un día, Amelia se ve obligada a retirar a su hijo de la escuela debido a sus constantes problemas de conducta. La actitud de Samuel también complica el incipiente romance que Amelia tiene con Robbie (Daniel Henshall), uno de sus compañeros del asilo donde trabaja.

Los problemas incluso se trasladan a la relación que Amelia mantiene con su hermana Claire ( Hayley McElhinney ) que tiene cierto temor a que su sobrino haga daño a su hija, cosa que , finalmente, pasa cuando Samuel la tira de su cabaña mientras ella celebra su fiesta de cumpleaños. 

Una noche Samuel le pide a su madre que le lea un misterioso libro de cuentos que encontró en su estante, titulado Mister Babadook o “The Babadook”, un libro de cuentos que aparece en su casa. El libro cuenta la historia de un monstruo sobrenatural del que nadie puede deshacerse una vez que descubre su existencia.

Después de oír el relato, Sam se convence de que Babadook es el monstruo que lo acecha, a él y a su madre. El Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Se trata de un humanoide alto de cara pálida con un sombrero de copa con dedos en forma de garra que atormenta a sus víctimas después de que se dan cuenta de su existencia.

Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

Poco después, ocurren eventos extraños: las puertas se abren y cierran misteriosamente por sí mismas, se escuchan sonidos extraños y Amelia encuentra fragmentos de vidrio en su comida. Ella atribuye los eventos al comportamiento de Sam, pero él culpa al Babadook.

Ella atribuye los extraños acontecimientos que ocurren en la casa a la imaginación de su hijo, aunque Sam insiste en que Babadook es real. Alterada por el cuento, Amelia rompe el libro y lo tira a la basura quedando fuera de la casa.

Durante la fiesta de cumpleaños de su prima Ruby, Sam empuja a Ruby fuera de la casa del árbol y accidentalmente le rompe su nariz, debido a ella se burla de él por no tener un padre y por negarse a creer en Babadook.

Mientras tanto, la hermana de Amelia, Claire, admite que no soporta estar cerca de Samuel y sospecha que Amelia siente lo mismo. En uno de sus desplazamientos en coche, Sam experimenta una crisis epiléptica después de ver al monstruo.

Tras esto, Amelia convence a un médico de suministrarle sedantes para que Sam y ella puedan dormir y descansar.

Sin embargo, con los barbitúricos Amelia incluso escucha como llaman a la puerta y al abrirla encuentra el libro de Babadook completamente reparado a sus pies. Ella lee un pasaje sobre cómo el monstruo se vuelve más fuerte cada vez que alguien niega su existencia y ve ilustraciones y pop-ups d de ella matando a Bugsy, el perro y estrangulando a Sam, incluso matándose ella misma.

Después de eso, Amelia quema el libro en la parrilla de su patio. Luego de una extraña llamada telefónica, Amelia acude a la policía para denunciar a un acosador, pero se da cuenta de que lo que intenta denunciar pueden ser vistos por la policía como delirios de una loca, pues denuncia que todo empezó con un libro de ilustraciones infantiles que ya no tiene - todavía tiene la tizne en sus manos- . 

Tras llegar a la casa comienza a descubrir insectos que salen de la pared, aunque poco después se personan en la casa dos funcionarios, una mujer Prue y un hombre de nombre Warren, integrantes del departamento de Servicios Comunitarios, que visita la casa de Amelia para inspeccionar la vida hogareña de Sam.

Los funcionarios ven desorden en la casa y un estado extraño en la persona de Amelia. Esa noche Amelia cree ver a Babadook acosando a su vecina, la anciana Sra. Roach que atiende en ocasiones al pequeño Sam.

Mientras más eventos y visiones inexplicables ocurren, Amelia gradualmente cree que Babadook está acechándola a ella y a su hijo y que poco a poco la está poseyendo. Es más , una noche parece que el Babadook entra en su cuerpo y la posee.

El delirio en su vida es ya absoluto. Su estado mental le lleva a un comportamiento errático y violento, que incluye cortar la línea telefónica con un cuchillo y luego agitar el mismo cuchillo agresivamente hacia Sam, sin darse cuenta.

Una noche, Amelia tiene una visión con su marido ya muerto, quien le promete volver con ella sólo si le lleva al niño. Con su mente inestable, Amelia muestra señales de querer dañar a Samuel. Después de matar al perro, Bugsy , persigue a su hijo por toda la casa.

Pero Sam se defiende con las armas creadas y , en un momento dado, con un cuchillo con el que la apuñala en la pierna y la lleva al sótano, donde la sujeta con unas cuerdas entre todas las pertenencias de Oskar. Allí Amelia grita, atada,está junto a Sam, cerca. Cuando ella trata de estrangularlo, él acaricia su rostro con amor. Tras eso tose y vomita una sustancia negra y luego escapa.

Cuando Sam le recuerda a Amelia que "no puedes deshacerte del Babadook", una fuerza invisible empuja y lleva a Samuel a través del dormitorio de Amelia. Babadook aparece fundido en las sombras de la habitación y Amelia lo amenaza para que no le haga daño a su hijo, ante ello el monstruo colapsa y su espíritu se retira hacia el sótano.

Poco tiempo después, la vida parece haber vuelto a la normalidad. Amelia es atenta y se preocupa por él, lo alienta hacia las armas que fabrica y queda impresionada con los trucos de magia de Sam. Amelia y Sam trabajan en su patio y recogen lombrices de tierra en un tazón del patio trasero. Tras recolectarlos, Amelia desbloquea la puerta del sótano donde reside el Babadook e ingresa con un recipiente con los gusanos para que Babadook se alimente. Ella coloca el tazón en el piso para que el Babadook coma. Sin embargo, cuando la bestia intenta atacarla, Amelia la calma y se retira a la esquina, llevándose consigo las lombrices de tierra.

Después de la experiencia, Amelia acepta y comprende mejor las actitudes de su hijo, quien finalmente es muy parecido a su padre. Amelia regresa al patio para celebrar el cumpleaños de Sam, la primera fiesta de cumpleaños de Sam acabando así la película.

Jennifer Kent explicó en mayo de 2014 que los orígenes de Babadook se pueden encontrar en Monster , que ella llama su "bebé Babadook ".

El guión comenzó a escribirse alrededor de 2009 y en el mismo Kent trató de contar una historia sobre cómo enfrentarnos a la oscuridad dentro de nosotros mismos, el "miedo a volvernos locos" y un acercamiento a la crianza de los hijos desde una "perspectiva real".

Con respecto a la crianza de los hijos, Kent explicó en octubre de 2014: "Ahora, no estoy diciendo que todos queremos ir y matar a nuestros hijos, sino que muchas mujeres luchan en ello. Y es un tema muy tabú, decir que la maternidad es cualquier cosa menos una experiencia perfecta para mujeres ". 

En términos de los personajes, Kent dijo que era importante que ambos personajes fuesen cariñosos y amables, de modo que "nosotros [el público] realmente sintiéramos por ellos". Kent quería retratar las relaciones humanas de manera positiva. En total, Kent completó cinco borradores del guión. Kent se basó en su experiencia en el set de Dogville para el montaje de su equipo de producción, ya que observó que von Trier estaba rodeado por un grupo una "familia". Por lo tanto, Kent buscó su propia "familia de colaboradores para trabajar a largo plazo".

Incapaz de encontrar a todas las personas adecuadas dentro de la industria cinematográfica australiana, Kent contrató al director de fotografía polaco (DOP) Radek Ladczuk, para quien The Babadook fue su primera película en inglés, y el ilustrador estadounidense Alexander Juhasz.

En términos de influencias cinematográficas, Kent citó el horror de los años sesenta, setenta y ochenta, incluyendo clásicos actuales y de siempre como The Thing (1982), Halloween (1978), Les Yeux Sans Visage (1960),The Texas Chainsaw Massacre (1974), Carnival of Souls (1962) y The Shining (1980), así como Vampyr (1932), Nosferatu (1922) y Let The Right One In (2008).

Aunque el proceso fue complejo y se vio obligada a reducir su presupuesto total, la productora Kristina Ceyton logró asegurar una financiación de alrededor de A $ 2.5 millones de los organismos gubernamentales Screen Australia y el SAFC ; sin embargo, aún requerían un presupuesto adicional para la construcción de los platós.

Para obtener los fondos para los sets, la productora de Kent , Causeway Films, y Kristina Ceyton, lanzó una campaña de crowdfunding en junio de 2012, con un objetivo de conseguir unos US $ 30,000. Su objetivo de financiación se alcanzó el 27 de septiembre de 2012 a través de compromisos de 259 patrocinadores recaudando $ 30,071.

La directora Jennifer Kent declaró que su deseo de evitar el cliché " australiano " de la película Quería crear un mito en un entorno doméstico. Y a pesar de que sucede en un suburbio en algún lugar de Australia, podría haber estado en cualquier lugar.

La película se filmó principalmente en Adelaida , Australia del Sur , con la mayoría de las tomas interiores filmadas en un estudio de sonido en la ciudad australiana, ya que la financiación era del gobierno del estado de Australia del Sur, esto era un requisito que Kent debía cumplir. Para contribuir a la universalidad de la apariencia de la película, se construyó específicamente una casa de estilo victoriano con terraza para la película, ya que hay muy pocas casas diseñadas con ese estilo en Adelaide.

A la hora de desarrollar la película no hubo una lectura del guión debido a la corta edad del coprotagonista, Samuel, Noah Wiseman en ese momento, seis años, y Kent se centró en la vinculación con el resto del equipo, los actores por medio de los juegos y pasar mucho tiempo con los actores en los que se familiarizaron entre sí.

La preproducción se produjo en Adelaida y duró tres semanas y, durante este tiempo, Kent transmitió una versión "infantil" de la narrativa a Wiseman.

Originalmente, Kent quería filmar únicamente en blanco y negro, ya que quería crear una "sensación realzada" y creíble. También la razón estaba en la referencia de otras películas de terror de serie B anteriores a la década de 1950, "muy teatrales", pero "visualmente hermosa y aterradora".

Más tarde, Kent perdió interés en la idea en blanco y negro y trabajó en estrecha colaboración con el diseñador de producción Alex Holmes y Radek para crear un ambiente interior "muy claustrofóbico" con conjuntos "meticulosamente diseñados". Kent citó a los cineastas David Lynch y Roman Polanski como influencias clave durante la etapa de filmación.

El esquema de color final de la película se logró sin el uso de geles en las lentes de la cámara o cualquier alteración durante la etapa posterior a la filmación. Kent describió el proceso de filmación como "estresante" debido a la edad de Wiseman. Kent explicó "Así que realmente tenía que concentrarme. Necesitábamos duplicar el tiempo que teníamos". La madre de Wiseman estaba en el set y se creó un "ambiente muy protector y amoroso". Kent explicó después del lanzamiento de la película que Wiseman estaba protegido durante todo el proyecto: "Durante las tomas inversas donde Amelia estaba abusando verbalmente de Sam, hicimos que Essie [Davis] gritara a un adulto que estaba de rodillas. Yo no quería destruir una infancia para hacer esta película, eso no sería justo ".

La amistad de Kent con Davis, antigua compañera de la directora en la National Institute of Dramatic Art de Kensington, en Nueva Gales del Sur, fue una bendición durante la filmación y Kent elogió a su ex compañera de clase en los medios: " Davis muy receptiva".

En términos del monstruo de Babadook y los efectos aterradores de la película, Kent se mantuvo firme desde el comienzo de la producción de que se utilizaría un enfoque de baja fidelidad y hecho a mano. Ella cita la influencia de Georges Méliès , pero también en la película de Jean Epstein La caída de la casa Usher y Haxan .

Kent utilizó efectos de stop-motion para el monstruo y se completó una gran cantidad de suavizado en la postproducción. Kent explicó a la revista Empire que : "Ha habido algunas críticas sobre el enfoque de baja fidelidad de los efectos, y eso me hace reír porque siempre fue intencional. Quería que la película fuera todo en cámara".

Curiosamente The Babadook inicialmente no fue un éxito comercial en Australia y se le dio un lanzamiento limitado en cines después de una proyección en abril de 2014 en el Festival de Cine de Stanley, aunque generó más atención en los Estados Unidos y Europa  consiguiendo una recaudación de unos $6 700 000. Tan bien salió que hubo o hay en mente un nuevo proyecto: The Babadook 2. 

En la IV Edición de los Premios de la Academia Australiana de Artes de Cine y Televisión , conocidos como los Premios AACTA , de sus seis nominaciones consiguió tres , el Mejor película (Kristina Ceyton y Kristian Molière), Mejor direccion (Jennifer Kent), y Mejor guión original , siendo nominada a Mejor actriz (Essie Davis), Mejor edición ( Simon Njoo) y Mejor diseño de producción (Alex Holmes).

En el Festival de Sitges consiguió el Premio del Jurado y Mejor actriz (Davis). En los Critics Choice Awards con dos nominaciones incluyendo Película de ciencia-ficción/terror y al mejor actor novel (Noah Wiseman ).

Para la Asociación de Críticos de Chicago la película fue nominada a Mejor director novel, pero tanmbién los de Detroit en este caso a lo mismo (dirección novel) y a mejor actriz. Igualmente, obtuvo el Premio del Círculo de Críticos de Nueva York ala Mejor ópera prima. Tanto la asociación de críticos on line como la de la de San Francisco nominaron como mejor actriz a Essie Davis.

En los British Independent Film Awards (BIFA) fue nominada a la mejor película internacional independiente

Tres nominaciones se llevó en la 41º edición de los Premios Saturn, a la Mejor película de terror (Kristina Ceyton y Kristian Molière), Mejor actriz (Essie Davis) y Mejor actuación de un actor más joven (Noah Wiseman).

En la 20 edición de los Empire Awards la nominación fue para Essie Davis y el premio al mejor filme de terror a la película.

Y , por último, en los Premios Fangoria Chainsaw se llevó cuatro premios: Mejor película de lanzamiento limitado / directo a video, Mejor guión, Mejor actriz y Mejor actor de reparto.

En cuanto a la crítica Dan Schindel de Movie Mezzanine dijo que " The Babadook es la mejor creación de criaturas de género desde los grandes extraterrestres con aspecto de lobo negro de Attack the Block ".

Después de ver la película en el Stanley Film Festival 2014 , Flay Otters escribió en el sitio de fans de HorrorMovies.ca : "Esta es una película que combina una narración de mente fuerte con una clara dedicación a la artesanía ... Es madura y paciente y es, sin duda, una de las mejores películas de terror de este año ".

El 30 de noviembre de 2014, William Friedkin , director de The Exorcist (1973) declaró en su perfil de Twitter, " Psycho , Alien , Diabolique y ahora The Babadook ". Afirmó que "The Babadook es la película más aterradora que he visto jamás." "Nunca he visto una película más aterradora. Te asustará muchísimo como a mí".

En Estados Unidos Scott Foundas de Variety escribió que la película "Logra ofrecer verdaderos sustos y al mismo tiempo toca temas tan serios como la pérdida, el dolor y otros demonios que no pueden ser vencidos tan fácilmente."

Peter Travers en Rolling Stone afirma que "Este thriller psicológico de la talentosa realizadora debutante Jennifer Kent hará que te subas por las paredes simplemente ahondando en la violencia de la mente. Prepárate. (...) "

A. O. Scott en The New York Times comenta que "Pasarás miedo. Y también, quizás lo que será más aterrador es que te llegará a conmover"

En The Hollywood Reporter David Rooney comenta que esta "Impactante ópera prima (...) Proporciona un tipo de angustia que tiene menos que ver con las posesiones demoníacas y más con el traicionero poder de una imaginación salvaje"

Anthony Lane en The New Yorker afirma que "Debería existir una ley requiriendo que todas las películas de terror fueran dirigidas por mujeres"

Joshua Rothkopf en Time Out señalaba que "La actriz convertida en debutante directora, Jennifer Kent, tiene la habilidad narrativa de mostrarnos una historia de cuentos desplegables y luego hacer que nos retorzamos cuando los eventos predichos se hacen realidad. (...)"

Joe Morgenstern en The Wall Street Journal valora la película diciendo que es "Un muy buen debut (...) Una pequeña película que pegará extraordinariamente fuerte"

En The Daily Beast , Tim Teeman afirma que el dolor es el "verdadero monstruo" en The Babadook , y que la película trata "sobre las consecuencias de la muerte; cómo sus restos destruyen mucho después de que el cadáver haya sido enterrado o quemado". Teeman escribe que estaba "atrapado" por el "imperativo metafórico" de la película de Kent, con el monstruo Babadook representando "la forma del dolor: todo envolvente, cambiante de forma, negro". Teeman afirma que el final de la película "subrayó el tormento de la pena y la pérdida en el corazón de la película", y concluye que informa a la audiencia que el dolor tiene su lugar y lo mejor que los humanos pueden hacer es "ordenarlo".

En el Reino Unido en las páginas del The Guardian Jordan Hoffman escribe que es "Una de la películas de terror más inteligente y efectiva en años (...) " Otro crítico de cine británico, Mark Kermode, señaló a The Babadook su película favorita de 2014.

Ya en España Salvador Llopart en La Vanguardia comenta que "'Babadook' es como una pesadilla, de esas que no necesitan ser sangrientas para dejarte helado (...)"

En Cinemanía Mariló García afirma que "Un filme inteligente e insólito, explora el miedo en diferentes niveles (...) Posiblemente la veas más de una vez y sigas haciéndote un montón de preguntas. Imprescindible. (...) " En esta misma revista Pablo González Taboada dice que es un "Extraordinario film de terror que encajaría perfectamente en el canon de James Wan."

Desirée de Fez, ahora en El Español, y antes en Fotogramas señaló en esta última revista que "Es 'Babadook' una de las mejores y más ambiciosas películas de terror que ha dado el género en años. (...)"

Mikel Zorrilla en Espinof "el monstruoso Babadook, cuyo estimulante y acertadísimo diseño está claramente inspirado en el cine mudo en general y el expresionismo alemán en particular, es en realidad una proyección de un trauma nunca superado relacionado con la pérdida de su esposo, lo cual pervierte la figura protectora de la madre para convertirla en una amenaza más peligrosa para su hijo que cualquier personificación posible de la figura del hombre del saco." Y concluye con lo siguiente: "En definitiva, ' Babadook' es una pequeña gran película de terror que no se conforma con ser solamente eso y que además cuenta con unas extraordinarias actuaciones de su dúo protagonista. Por si fuera poco, es la ópera prima de su directora y guionista, por lo que habrá que estar muy atentos a la carrera de Jennifer Kent. No os la perdáis. "

En Colombia, Mauricio Reina en El Tiempo afirma que "Es un admirable ejemplo de cómo construir una atmósfera de zozobra. La debutante directora australiana Jennifer Kent aprovecha su conocimiento de la naturaleza femenina para desarrollar una conflictiva relación maternal."

Y Manuel Kalmanovitz G. en Semana señala que "Excelente película australiana de terror, llena de resonancias. (...) "

Por último en México Fernanda Solórzano en Letras Libres es contundente: "'The Babadook' es una magnífica película de horror."

Por último, el crítico de cine nacional egipcio Wael Khairy escribió en su "Film Analysis" el 22 de noviembre de 2014 que The Babadook "aprovecha algo real, un verdadero miedo humano". Khairy argumenta que lo que el Babadook representa es "para debate", pero escribe: "El malvado Babadook es básicamente una forma fisicalizada del trauma de la madre ... Creo que el Babadook encarna el poder destructivo del dolor. A lo largo de la película, vemos a la madre insistir en que nadie mencione el nombre de su esposo. Ella básicamente vive en la negación. Amelia ha reprimido el dolor durante años, negándose a rendirse a él". Khairy concluyó que la película está "basada en algo muy real" y "se siente extraordinariamente bella e incluso terapéutica".

Por mi parte decir que lo mejor de esta película de terror psicológico es la atmósfera creada, la violencia transmitida, la idea de mostrar que el único ser que puede velar por tí puede transformarse en un momento dado en un monstruo, el agotamiento que supone la atención exigente y compleja de la infancia reflejado en un magnífico trabajo como el de Essie Davis, más tarde vista y reconocible en Juego de tronos como Lady Crane, y de un debutante pero impresionante actor en potencia como Noah Wiseman, simplemente, impresionante.


domingo, 8 de septiembre de 2019

Los silencios de Julieta


Siempre he admirado la labor de la persona encargada de los montajes. Descubrí el peso del mismo con la obra del primer gran teórico del mismo, Serguéi Eisenstein. Este director proponía un montaje alternativo al modelo clásico que había auspiciado David W. Griffith con Intolerancia, por medio de lo que se vino a llamar el montaje psicológico o montaje de atracciones , donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall o cercano a los ideogramas japoneses. 

Desde entonces concibo el montaje como algo esencial para dar cuerpo a una película. Así que esta debe ser la diseñada por el director y siempre con el visto bueno de la producción. Pero he aquí que , a veces, las circunstancias son las que son y que las cosas , en ocasiones, so salen como uno quiere. ¿Por qué cuento esto? Por una sencilla razón; he visto la 20.ª película de Pedro Almodóvar, aquella que el autor manchego le dio el nombre de Julieta , pero no en el orden planteado por Pedro Almodóvar sino como yo he comenzado a verla. Y al comenzarla en el minuto 15 aproximadamente, lo que he visto es una historia lineal, muy diferente, pero absolutamente coherente con el director de Campo de Calatrava. 

Alguien dijo que con esta película Almodóvar estaba de vuelta, pero la verdad es que nunca se había ido. Y , aunque ha habido elementos que tenía que haber dado por válidos o por supuestos como la irrupción de Darío Grandinetti en la vida de Julieta ya concebida como Emma Suárez, el concepto narrativo ha sido el mismo. 

Así que esta es la circunstancia que ha dominado en esta producción de El Deseo en la que están presentes tanto Ester García como el hermano del director, - aquí también actor-, Agustín Almodóvar.  
La película parte de un guión escrito por Pedro Almodóvar , pero inspirado en una serie de cuentos o relatos de la Premio Nobel de Literatura canadiense Alice Munro, como son "Destino", "Pronto" y "Silencio", incluidos en su libro Escapada (2004). 

La película cuenta con la onmipresente música creada por Alberto Iglesias, la fotografía de Jean-Claude Larrieu y el montaje - que he destrozado, por lo que pido perdón, de José Salcedo. 

En cuanto reparto aparece como protagonista conjuntamente como Julietas, Emma Suárez como Julieta Arcos (ya de adulta) y Adriana Ugarte como Julieta Arcos de joven. 

Junto a ellas están Priscilla Delgado como Antía Feijoó Arcos (niña), Blanca Parés como Antía Feijoó Arcos (adolescente) y Jimena Solano como Antía Feijoó Arcos (2 años). Junto a ellos aparecen Inma Cuesta como Ava , Rossy de Palma como Marian, Michelle Jenner como Beatriz, Darío Grandinetti como Lorenzo Gentile, Daniel Grao como Xoan Feijoó,Tomás del Estal como el hombre que se tira del tren, Pilar Castro como Claudia (madre de Beatriz), Nathalie Poza como la gurú de la montaña, Juana, Susi Sánchez como Sara , la madre de Julieta, Sara Jiménez como Beatriz (niña) y Joaquín Notario como Samuel (padre de Julieta). 

Igualmente aparecen en papeles menores Ramón Ibarra Robles como el pasajero del tren, Jorge Pobes como un viajero tren, Mariam Bachir como Sanaa, Luis Iglesias como Juez, y pequeños cameos de Bimba Bosé como Amiga de Bea, David Delfín como Amigo de Bea, Agustín Almodóvar ( como revisor o interventor del tren). 

La película trata sobre Julieta y tal y como yo la he vista conocemos parte de su vida desde los años 1985 y 2015. En esos 25 años vemos a Julieta (Adriana Ugarte) moverse en un tren , lugar en que coincide tanto con un hombre (Tomás del Estal) que quiere hablar pero ante el desinterés de Julieta poco después se suicida, como en el vagón restaurante del tren con Xoan (Daniel Grao ) un marinero gallego que va a Madrid a comprar un motor para uno de sus barcos. 

Esto , que realmente - después lo se, aunque me lo imaginaba que es un flashback, Xoan , antes del incidente del hombre en el tren, le cuenta su vida a Julieta cuando esta reconoce que ha huido al restaurante para alejarse de ese hombre mayor que tenía una extraña mirada. Xoan le cuenta sobre su vida como pescador y que su esposa que está en coma desde hace 5 años. 

Ambos , además ven a un ciervo macho correr en paralelo al tren en una superficie nevada. Tras una parada técnica en el andén de 5 minutos que anuncia el revisor ( Agustín Almodóvar) el tren se detiene bruscamente al golpear al hombre mayor. Julieta inicialmente piensa en el ciervo, pero después descubre que es el señor que había estado frente a ella y que se ha suicidado. Comprueba incluso como se maleta estaba vacía. 

Desde ese momento Julieta se culpa a sí misma por su muerte, así que Xoan la consuela, y tanto la consuela que ,al final, tienen sexo en el tren. Más tarde, en la escuela en la que trabaja, justo el día que acaba su sustitución como profesora de Clásicas, Julieta recibe una carta de Xoan que es una invitación para visitarlo. 

Nada más llegar a la localidad marinera en la provincia de la Coruña, ella descubre al comentárselo su ama de llaves Marian (Rossy de Palma) que la esposa de Xoan murió recientemente y fue enterrada el día anterior. 

Xoan , en la localidad mantiene una relación con Ava (Inma Cuesta) , una escultora amiga. Julieta y Xoan reanudan su relación y ella , tras conocer a Ava y su taller, así como atendiendo al perro de Xoan, Canelo, le informa que está embarazada de su hijo. 

Dos años después, Julieta y Antía visitan a los padres de Julieta en el Sur. Su madre (Susi Sánchez ) está enferma y aparentemente sufre de enfermedad de Alzheimer, y un principio no reconoce a su hija. Julieta , en ese momento,se da cuenta de que su padre - un maestro jubilado que ha educado a su hija en la libertad más absoluta y que se ha retirado a una finca para plantar - descubre que está teniendo una aventura con la chica que trabaja para él, una chica de origen marroquí llamada Sanaa (Mariam Bachir), para disgusto de Julieta, pues siente que ella hizo lo mismo que su padre le está haciendo a su madre. Esto le genera una sensación de culpabilidad. 

Mientras su hija va creciendo y mantiene una fuerte relación con su padre , Xoan. Pero Julieta cada vez más encerrada en sí, y con el temor de Xoan mantenga una relación con Ava, como hizo mientras ella estuvo viendo a su padres en el sur, le dice a su hija Antía ( Priscilla Delgado ) que ha de ir a un campamento de verano. 

Xoan y Julieta discuten sobre su relación con Ava, impulsadas por el ama de llaves malencarada que es Marian (Rossy de Palma) . Julieta sale a caminar y Xoan va a pescar. 

Por la noche esa sabe de la enorme tormenta que se ha manifestado en la costa gallega y, mientras Julieta mira las noticias entra en pánico, al ver que Xoan no regresa. Poco después es llamado a identificar un cadáver. Es el de Xoan , reconocible por un tatuaje. 

Mientras, en el campamento, Antía se ha vuelto inseparable de una niña llamada Beatriz (Sara Jiménez ). Tanto es así que la madre de Beatriz, una señora de familia bien, le pide a Julieta de que le deje su hija durante unos días. Julieta , poco después, viaja a Madrid para darle la noticia de la muerte de Xoan a su hija, y allí, viendo la relación de amistad que mantiene con Beatriz y con su idea de huir de Galicia, alquila un apartamento allí. 

En el apartamento vemos el grado de abatimiento de Julieta, afectada casi por un desgano vital , siendo atendida por su hija e incluso por su amiga Beatriz. A la edad de 18 años, Antía se embarca en un retiro espiritual en el Pirineo y anuncia que estará incomunicada por tres meses. 

Cuando Julieta ( ahora Emma Suárez) conduce a la ubicación de la retirada en los Pirineos tres meses después, la directora del centro ( Nathalie Poza) le informa que su hija ya se ha ido, y no quiere que se revele su ubicación a su madre. 

Julieta se queda de piedra, denuncia , pero no hay noticias de ella. Es mayor de edad y ha decidido perderse. Julieta está atormentada por la pérdida y sus intentos de encontrar a Antía no tienen éxito. El único contacto que tiene es una tarjeta de cumpleaños en blanco que recibe en su 19 °, 20 ° y 21 ° cumpleaños. Esos días, Julieta prepara tartas que van a parar directamente al cubo de la basura. 

Después de su vigésimo primer cumpleaños, Julieta enfurece y destruye la mayoría de las huellas de su hija en su vida, al mudarse de su apartamento , pues quiere volver a romper con su pasado. Especialmente saca de su vida a su padre que ha tenido un hijo con Sanaa tras la muerte de la madre. Ella no quiere saber nada de él y de su "hermanito". 

Como su pasado existe, y todavía, puntualmente, mantiene contacto con una Ava que ha enfermado. Visita a Ava en el hospital y allí se cruza con un desconocido - un escritor de nombre Lorenzo Gentile (Darío Grandinetti ) que ha utilizado una de sus esculturas como portada de su obra - . Ava tiene esclerosis múltiple y que se está muriendo. Ava le dice que Antía sabía acerca de la discusión que precipitó la muerte de Xoan y que la hija culpó a ambas Julieta y Ava de la muerte del padre, y que finalmente Antía , igualmente había internalizado la culpa sobre la muerte de Xoan incluyéndose ella como responsable porque ella estaba fuera en el campamento en ese momento. 

En el funeral de Ava, Julieta conoce a Lorenzo y los dos se embarcan en una relación feliz, lo que hace que Julieta se olvide de la pérdida. Ella no le dice nada de Antía y él respeta que ella tenga algunos secretos en su vida. 

Curiosamente se encuentra con Beatriz (Michelle Jenner) tras haber llevado allí a sus sobrinos. Cuando Beatriz la reconoce le revela que ella y Antía habían mantenido una relación lésbica. Después de asistir al retiro espiritual, Antía le dijo a Beatriz que estaba avergonzada y la eliminó de su vida como lo hizo con Julieta.

Más tarde, Julieta es atropellada por un automóvil y se derrumba en la calle, pero es vista por un recién llegado Lorenzo. Éste , que aparentemente se fue a Portugal , se encuentra en la calle con Julieta justo en el momento en que ella es atropellada por un coche. 

En el hospital descubre que el estado mental de Julieta se ha deteriorado al visitar lugares a los que solía ir con su hija como aquella cancha de baloncesto de donde venía. Él visita su piso donde encuentra una carta de Antía, y éste se la entrega a Julieta, junto con sus memorias, aparentemente sin leer. 

Antía en la carta de la muerte de su hijo, y de lo mucho que la ha afectado y le ha permitido comprender cómo Julieta debe sentirse en su separación. Ella también ha incluido una dirección de remitente. Lorenzo y Julieta conducen a Suiza y Julieta resuelve no exigir una explicación: simplemente desea estar con su hija. Así termina la película, pero comienza mi montaje. 

Así que sigo. Descubre que la historia comienza justo en el momento en que Lorenzo y Julieta mantiene una feliz relación , están a punto de abandonar Madrid e instalarse en Portugal, donde él espera escribir su nueva obra. 

Cuando Julieta está a punto de abandonar Madrid para irse a vivir a Portugal, se encuentra por casualidad en la calle con Bea, una antigua amiga de la infancia de su hija Antía, a la que no ve ni sabe nada desde hace años. 

Gracias a Beatriz, se entera de que Antía, de quien se ha distanciado hace mucho tiempo. Bea le cuenta que vio a Antía en el lago Como, en Italia, y que tiene 3 hijos. Aturdida por la noticia, Julieta cancela su viaje a Portugal y decide escribir sobre su hija. 

Sospecha. inteligentemente. que ella ahora vive en Suiza y sabe que tiene tres hijos. Superada por su deseo de restablecer el contacto con Antía, abandona los planes de abandonar España lo que deja a Lorenzo hundido y alquila un apartamento en otro lugar del edificio de Madrid donde crió a Antía, sabiendo que el único medio para comunicarse con Antía es la dirección. 

Anticipando las palabras de Antía, y consciente de que debe a su hija una explicación de los eventos que llevaron a su separación, Julieta llena un diario con un relato de su vida como madre, esposa e hija. Ella comienza con la historia de conocer a Xoan, un pescador y el padre de Antía desde el día en que lo conoció durante un viaje en tren... 

La historia es una adaptación de los relatos "Destino", "Pronto" y "Silencio", de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro. Una historia de mujeres sobre el dolor, la culpa y la pérdida y que Pedro Almodóvar, según reveló en una entrevista con el Financial Times que concedió después de asistir a una función de la obra musical de su película Mujeres al borde de un ataque de nervios en el Playhouse Theatre, Londres, en enero de 2015.​ En principio la película se iba a llamar Silencio. "Se denomina Silencio porque silencio es el principal elemento que impulsa las peores cosas que le suceden a la protagonista femenina", dijo Almodóvar, afirmando que la película sería un retorno a su "cine de mujeres".​ 

También explicó que había terminado el guion, pero que estaba en el proceso de casting. La actriz Rossy de Palma, que aparece con frecuencia en películas de Almodóvar, confirmó más tarde que iba a tener un papel en la película, seguido por el anuncio de que Emma Suárez y Adriana Ugarte en versiones mayores y menores de la protagonista de la película, respectivamente, en marzo de 2015. 

La película que iba  a  ser Silencio entró en producción en el mes de mayo de 2015,​ con Jean-Claude Larrieu a cargo de la fotografía y Alberto Iglesias componiendo la banda sonora de la película. 

Pedro Almodóvar contaba durante el rodaje que los paisajes elegidos para esta producción eran "personajes" con entidad dramática. La película se rodó en distintas comunidades autónomas como Galicia, Andalucía, Castilla La Mancha, Aragón y Madrid. En Galicia las localidades elegidas estaban en Coruña, en la comarca de Ferrol, en Redes, en concreto , pero también en otras dos localidades costeras recibieron al equipo de rodaje el mes de junio de 2015. En la plaza de O Pedregal y alrededor de la calle Nueva de Redes se instalaron siete camiones y se alquilaron tres casas para la grabación, que recrea en este tramo la historia de amor de Julieta y Xoan. , Andalucía,en concreto en las afueras de Mairena del Alcor, también será espacio de rodaje. Una casona rural de nombre La Cansina, donde se desarrolló esta parte del rodaje, un caserío andaluz de mediados del siglo XIX, con dos plantas restauradas, jardín, huerta, y una cocina rústica que también protagoniza una escena. La propiedad, de hecho, se puede alquilar para fines de semana, bodas o eventos.

También se rodó en el Pirineo aragonés, en Madrid (siempre Madrid) y Castilla La Mancha. En Toledo rodó en una estación de tren abandonada en Toledo en mayo de 2015 En Madrid, un espacio habitual, protagonista en su crecimiento, sus estados de ánimo y su camino rodó en el colegio Estudio de Madrid , así como en la plaza de Alonso Martínez , Camina por Chamberí, por Marqués de Riscal esquina Monte Esquinza, en la calle Fernando VI, el Parque de Eva Perón y la Calle Gómez Ulla En Aragón se rodó en el Pirineo. En concreto en un balcón natural frente a la Peña Montañesa en la localidad de Fanlo en julio y la escena "final" que simula Suiza es la carretera de subida a Panticosa. El director declaró que "El Pirineo es más impresionante de lo que me esperaba", declaró Almodóvar, que buscaba un escenario que "marcara distancia" con Madrid, donde su personaje se encontrara muy sola y "sin nada ni nadie que le pueda ayudar". 

El rodaje comenzó el 6 mayo de 2015​ con Madrid, las Rías Altas, la Campiña de Sevilla, la Sierra de Huelva y el Pirineo Aragonés con las localizaciones referidas. 

En junio de 2015 , Sony Pictures Classics anunció que habían adquirido los derechos para Estados Unidos de la película, siendo la novena película de Almodóvar en ser distribuida por ellos. 

La película se estrenó el 8 de abril de 2016 en España, con, en general, críticas positivas, aunque la película tuvo su debut internacional en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2016, donde fue seleccionada para competir por la Palma de Oro. 

La película obtuvo numerosos Premios. En los Premios Goya el más valorado de sus siete nominaciones fue el de Mejor actriz (Emma Suárez) quedando las nominaciones a Mejor película, Mejor director (Pedro Almodóvar) , Mejor guion adaptado (Pedro Almodóvar) , Mejor música original (Alberto Iglesias), Mejor maquillaje y peluquería ( Ana López-Puigcerver, Sergio Pérez Berbel, David Martí) y Mejores efectos especiales (Reyes Abades, Eduardo Díaz).

En los Premios BAFTA fue Nominada a Mejor película en habla no inglesa y en el Festival de Cannes fue presentada en la Sección oficial largometrajes a concurso. 

En los Premios David di Donatello fue nominada a Mejor film de la Unión Europea y en los Premios del Cine Europeo obtuvo 4 nominaciones, incluyendo mejor película, Mejor director, Mejor actriz (Emma Suárez y Adriana Ugarte) y el Premio del Público. 

En la National Board of Review (NBR) fue una de las Mejores películas extranjeras del año En los Critics Choice Awards fue Nominada a mejor película de habla no inglesa. La Asociación de Críticos de Chicago la nominó a mejor película extranjera. 

En los Premios Feroz obtuvo 9 nominaciones, incluyendo mejor película dramática, Mejor director, Mejor actriz, Mejor actriz de reparto (Rossy de Palma) , Mejor guion (Pedro Almodóvar), Mejor música original (Alberto Iglesias) , Mejor tráiler y Mejor cartel . 

En los Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa En los Premios Forqué el Premio fue para la Mejor actriz (Emma Suárez) , aunque obtuvo 3 nominaciones y en los Premios Platino ganó a la Mejor dirección y música, siendo nominada Mejor Película Iberoamericana de Ficción y a la Mejor Interpretación Femenina para Emma Suárez. 

Nominaciones hubo igualmente en los Women Film Critics Circle a la mejor película extranjera dirigida por una mujer o sobre mujeres y en los Premios de Alianza de Mujeres Periodistas de Cine a la Mejor película extranjera. 

La película fue la representante oficial de España en los Oscar seleccionada de la terna formada por La novia, de Paula Ortiz y la magnífica El olivo, de Icíar Bollaín, junto con la de Julieta. 

En cuanto a la crítica, en general positiva, también hubo negativas. Entre las positivas Luis Martínez en El Mundo comenta que la película es "La perfecta deconstrucción del melodrama en una película tan anómala y sonámbula como turbadora (...) " 

En las páginas de ABC Oti Rodríguez Marchante sostiene que "Emma Suárez, el auténtico pincel que dibuja los sentimientos de la historia (...) Un melodrama clásico en los dos sentidos del término, tan de siempre y tan de todos. (...) " 

Muy duro fue Carlos Boyero en El País que la película "No logra transmitirme nada, ni emocional ni artístico. Es el problema que entraña no creerte nada, (...) ni lo que expresan los personajes ni lo que callan" 

En Cinemanía Andrea G. Bermejo dice que "El relato de Almodóvar, el más literario hasta la fecha, el más contenido y sutil (...) Y, quizás por ello, lo hace sin giros de guión alocados, sin cambios de género, sin retruécanos ni hipérboles (...) " 

Jordi Costa en Fotogramas escribe que "Para conocer a la chica Almodóvar más compleja. (...) Una obra de reposada maduración (...) la que acaso sea la película más concentrada y precisa del manchego. (...) " 

Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia comenta que es una película de "Pedro sin almodovarismos. Es un drama maternofilial esculpido, desde los propios intestinos, con la delicadeza y sensibilidad del mejor clasicismo. (...) " 

Noel Ceballos en GQ Revista señala que "'Julieta' es en sí misma un impacto que se cocina a fuego lento, pero que deja una marca cuando se encienden las luces. (...) otro tour de force cien por cien almodovariano, donde cada secuencia es un enigma." 

Desirée de Fez en El Español dice que es una "Obra maestra con nombre de mujer. (...) Una de las cosas más fascinantes de la película es el choque entre su fondo agitado, vehemente y chiflado, y la calma de sus formas." 

Ya en Estados Unidos Peter Debruge en Variety comenta que "El autor español ofrece su drama más sincero (...) Aunque 'Julieta' supone un bienvenido regreso a las historias centradas en mujeres (...) está lejos de sus trabajos más sólidos y entretenidos" 

Ann Hornaday en Chicago Tribune afirma que es "Un lavado de color, un psicodrama feminino de mucha emoción. 'Julieta' es un clásico de Almodóvar, o mejor dicho, una versión con clase de las películas de Almodóvar que los fans tanto adoran (...)" 

A. O. Scott en The New York Times señala que "Suárez sufre con una dignidad que recuerda a Bette Davis y otras grandes heroínas del pasado (...) Una incorporación digna y bienvenida a su canon" 

Leslie Felperin en The Hollywood Reporter señala que "Es lo suficientemente sólida para satisfacer a los seguidores del director (...) Sin embargo, los espectadores menos interesados pueden sentirse confusos ante los serpenteos del guion, los misterios no resueltos, los giros narrativos abruptos y desordenados y las extrañas motivaciones de los personajes" 

Mick LaSalle en las páginas del San Francisco Chronicle asevera que "No hay ninguna escena en esta película donde no haya al mismo tiempo algo que ver y un momento de actuación que saborear, así como algún matiz o implicación o sugerencia que ponderar." 

Anthony Lane en The New Yorker afirma que "El choque entre la pena estoica de los personajes de Munro y los instintos desavergonzados del director es exactamente lo que tensa la historia y la hace tan difícil de olvidar." 

Godfrey Cheshire en rogerebert.com describe que "La 20ª película de Almodóvar, y la mejor en mi opinión desde 'Volver', hace ya una década, es una película de tal maestría que te recueda que el cine americano aún no tiene a nadie que se compare a él." 

En el Reino Unido tras estrenarse en agosto de 2016 Fionnuala Halligan en Screendaily escribe que "Almodóvar mantiene el aura de misterio hasta el último fotograma, dejando siempre el espectador un paso por detrás." 

En The Guardian Peter Bradshaw escribe que es "Una intrigante obra menor (...) No es tan interesante como otras películas de Almodóvar, pero es una obra fluida y atractiva (...)" 

En Argentina Diego Batlle en La Nación se defiende que "Probablemente este melodrama romántico no se ubique entre los mejores títulos de su dilatada y magnífica trayectoria, pero tiene múltiples atributos y hallazgos artísticos." También es este diario Javier Porta Fouz afirma que "'Es una de las mejores películas de un cineasta que tuvo su período extraviado pero ya volvió, (...) además de enormemente placentera por su hechura de una rara perfección que combina sin ripios lo clásico, lo moderno y lo autoral, 'Julieta' es una película entrañable." 

Luciano Monteagudo en Página 12 , muy duro , dice que es "Una decepción en toda la línea, un melodrama pueril que podría ser escuchado a ojos cerrados, a la manera de un radioteatro." Y Horacio Bernades también en Página 12 considera que "Presenta una relativa sencillez narrativa que marca una diferencia. (...) No hay exuberancia, disrupción humorística ni de ninguna otra clase (...) La sencillez de 'Julieta' hace que la puesta se deslice en el borde de la transparencia." 

En Clarín Pablo O. Scholz considera que "Almodóvar no cae en lo telenovelesco. Tampoco en los excesos. De ahí que 'Julieta' sea una película atípica, pero igualmente fácil de descubrir su autoría." 

Alexis Puig en Infobae lo describe como "Un filme cautivante, con imágenes de enorme belleza visual y una banda de sonido que acompaña los fotogramas acentuando la experiencia cinematográfica." 

En México Leonardo García Tsao en La Jornada nos dice que "No hay vitalidad en la historia ni en la puesta en escena. Todo se explica mediante los diálogos y el resultado se siente insustancial." En Excélsior Lucero Solórzano y Adrián Ruiz Villanueva consideran que "Almodóvar teje el filme más convencional de su carrera, contado en una forma fragmentada, en la que algunos pasajes se sienten como paja, (...) todo se vierte en un melodrama tradicional y algo insustancial." - dice el segundo, mientras que el primera dice que "Podría decirse que en esta ocasión Pedro Almodóvar no se lució con un gran guión, como en '¿Qué hice yo para merecer esto?', 'Todo sobre mi madre', 'Átame', 'Volver', pero su talento como director hace de 'Julieta' una buena película y muy recomendable." 

También en este diario Salvador Franco considera que "Almodóvar, (...) confirma una vez más que no hay nadie como él para retratar el universo femenino, incluso en la que sin duda no es de las mejores de sus películas." 

Cristina Vales en Cine Premiere señala que "El manchego parece que busca reinventar una fórmula que le ha sido infalible. (...) Aquí el éxito radica en la emotividad y nostalgia que transmite 'Julieta' en cada una de sus facetas, (...) " 

Carlos Bonfil en La Jornada dice que "El Almodóvar camaleónico e imprevisible, con sus fuertes altibajos que desalientan o entusiasman a sus seguidores, consigue plasmar en 'Julieta' un resumen de sus mejores obsesiones artísticas." 

Para mi los silencios de Julieta están justificados. El doloroso sentido de sentirse responsable de todo lo que sucede en tu mundo es merecedor de todo. Todo desde luego parece partir de la obra de Alice Munro y tiene mucho que ver con la formación de ese Julieta , marcada por un "destino" como el Odiseo del que habla en clase y se pierde en el Pontos , ese mar que marcará su destino. Todo lo que le llega llega de manera inesperada, desde la inmeditez inesperada, como diría Munro de "Pronto" y , ante lo inesperada y la realidad de no controlar tu destino , llega inexorablemente el "Silencio". 

Me ha gustado, pero posiblemente aumentado por la naturaleza del montaje que me he realizado la idea de mostrar la historia en un largo "flasback" , sólo descubierto , en mi caso, a través de las distintas elipsis y narración en off en la que me voy encontrado una Julieta que empieza en los cielos - su formación libre , su encuentro con Xoan- , pasa por el infierno de la muerte , de verse en el espejo familiar del engaño, del abandono por parte de Antía, pero también de si misma , llegando caso al desgano vital. 

Eso sí, terminando la historia sin acabarla, dejando abierto ese final. Estamos ante una obra muy de Almodóvar, en ese sentido es muy auténtica, con un sello propio identificable,- con sus libros de cabecera 'El amor' de Marguerite Duras y 'La tragedia griega' de Albin Lesky , con la canción'Si no te vas' de Chavela Vargas- legítimo y reconocible y en el que se evidencia el peso particular del universo femenino y que se hace acompañar de hombres comprensivos , asertivos y empáticos. Unos y otras están alejadas de la comedia, se centran en la vida tal como es, en el drama. 

Desde el punto de vista técnico quiero resaltar la , como ya he calificado, banda sonora onmipresente del guipuzcoano Alberto Iglesias habitual colaborador de Almodóvar , presente tanto en su menos inspiradas comedias como Los amantes pasajeros hasta su reciente Dolor y Gloria, pasando por Volver, La piel que habito, o Los abrazos rotos. Esta relación que comenzó en 1995 con La flor de mi secreto, y siguió con Carne trémula, Todo sobre mi madre, Hable con ella, y La mala educación en este caso se evidencia mucho, puede que en exceso lo que abruma aún más el peso de la historia y la carga dramática. 

Brillantes y mucho son muchos de sus planos y la composición de los mismos , casi siempre originales, como siempre, su puesta en escena destacando con luz propia la labor del director de fotografía Jean-Claude Larrieu, habitual de Isabel Coixet, e incorporado por Almodóvar para esta película. Domina en ella la luz brillante y sobre todo el uso del rojo y el azul. 

El resultado final es una película dramática, dura, sensible, desencantada, dura, emotiva, que daña más que satisface, muy sentida, como marchamo propio de la casa. Tengo la sensación de haber visto una gran obra. Un monumento al silencio y la contención. Y a la mujer . "La mujer no solo da vida sino que es más fuerte para luchar, administrar, sufrir y gozar todo lo que la vida trae consigo. Solo el azar es más fuerte que ella", ha escrito Pedro Almodóvar al hilo de 'Julieta'. Por cierto magnífica Adriana Ugarte y fantástica Emma Suárez dando de sí lo mucho que puede dar. Su actuación bien vale 70 binladens.


viernes, 6 de septiembre de 2019

La historia de un grito


The Charge at Feather River o La carga de los jinetes indios no es tanto la historia de unas cargas, sino que es la historia de un grito: El grito de Wilhelm. 

Es posible que el grito de Wilhelm hubiese pasado desapercibido en la historia del cine, salvo en los técnicos de sonido, si no llega a ser por el grito de Wilhelm, el grito de un solado que integra la partido que dirige el explorador Miles Archer, el actor Guy Madison cuando en el minuto 40 aproximadamente recibe un flechazo de un indio Cheyenne. 

Un flechazo más en la historia del cine, pero un flechazo que pasará a nivel técnico a la historia cuando un personaje de una película trascendental para la historia del cine - al menos para la gente de mi generación - , Star Wars, como es Luke Skywalker dispara a un Stormtrooper. 

Desde ese momento es uno de los sonidos más identitarios de la historia del cine. Se usa a menudo cuando alguien recibe un disparo, cae desde una gran altura o es arrojado por una explosión. La clave de esta historia está en el diseñador de sonido de Star Wars, Ben Burtt , fue quien descubrió una grabación original (que encontró como un carrete de estudio etiquetado como "El hombre se comió el cocodrilo") y la incorporó a una escena de Star Wars . 

Esa voz era la voz del actor y cantante Sheb Wooley, pero que se identifico con la voz del soldado Wilhelm, interpretado en The Charge at Feather River ,por el actor secundario Ralph Brook cuando recibe un disparo en el muslo con una flecha. Esa es posiblemente la razón por la que este western de 1953 haya pasado a la historia y haya recuperado su relevancia desde los años 80 hasta la actualidad , pues es audible en película de Indiana Jones, El señor de los Anillos y en el mismísimo videojuego Red Dead Redemption (2010) durante los tiroteos . 

El descubrimiento de Ben Burtt de este sonido es , a su vez, la historia de una casualidad. Cuando se grabó , originariamente, pasó a la biblioteca de sonidos de Warner Bros. Dada la trascendencia de ese "grito" , la investigación de Burtt sugiere que Sheb Wooley , un cantante que se hizo famoso con la canción " The Purple People Eater " en 1958 y que interpretó al explorador Pete Nolan en la serie de televisión Rawhide , es probable el actor que inicialmente dio voz a ese grito. Esta teoría fue respaldado en una entrevista en 2005 con Linda Dotson, la viuda de Wooley. 

Wooley asumió un papel no acreditado como Soldado Jessup y su grito fue grabado originalmente para la película Distant Drums o Tambores lejanos (1951),y fue uno de los pocos actores reunidos para la grabación de elementos vocales adicionales para la película. 

Wooley realizó algunos elementos vocales adicionales, incluidos los gritos de un hombre que fue es mordido por un cocodrilo. Burtt descubrió estos registros de sonido en Warner Brothers y que eran del editor de Distant Drums. Junto a esos registros descubrió una breve lista de nombres de actores programados para grabar líneas de diálogo para papeles diversos en la película. Dotson confirmó que el grito de Wooley había estado en muchos westerns, y agregó: "Siempre bromeaba acerca de lo genial que era gritar y morir en las películas". 

De hecho The Charge at Feather River fue la tercera película en usar el efecto, en la que , por cierto , por las grabaciones de sonido como los gritos no se pagan derechos de autor. 

En 1953 el director Gordon Douglas , en un momento en que querían lanzarse productos en 3D dirigió un western cuyo fin era presentar la recepción frente a la cámara de muchas flechas, lanzas y otras armas que volaban directamente hacia el público en varias escenas. Así nació La carga de la carga de los jinetes indios. 

Gordon Douglas Brickner fue un director neoyorkino que empezó en los últimos años del cine mudo como actor y que trabajó en casi todos los géneros cinematográficos: el cómico, el bélico, el de ciencia ficción, de capa y espada y el cine negro, pero que logró sus mayores reconocimientos en el western. 

Gordon Douglas comenzó en el mundo del cine en 1930 actuando como extra en diversas películas, hasta 1935, año en que realizó su último rol y dirigió su primera producto, un cortometraje, para luego pasar a dirigir los episodios de la famosa serie infantil La Pandilla. 

En 1939 realizó su primer largometraje, titulado Zenobia, una comedia protagonizada por Oliver Hardy y Stan Laurel. En 1941 realizó otra comedia, La frontera de Broadway, protagonizada por Victor McLaglen. 

Durante toda la década de 1940 realizó varias comedias menores, hasta 1944, cuando dirigió Una noche de aventuras, una producción de serie B, de misterio. 

En 1948 se pasó al cine de capa y espada con Corazón de León, y al año siguiente, nuevamente con Louis Hayward , realizó su primera incursión en el cine negro con La gran amenaza. De cualquier manera retornaba al cine de capa y espada - con películas como La fortuna del capitán Blood con Louis Hayward, y con una nueva versión de Robin Hood, protagonizada por John Derek- o al cine negro con Corazón de hielo (1950), protagonizada por James Cagney. 

En 1949 dirigió su primer western, The Doolins of Oklahoma, con Randolph Scott como protagonista, con quien repetiría al año siguiente en el western Nevada. Vuelve en repetidas ocasiones al western , en 1951 , con una nueva adaptación de la historia de los hermanos James, llamada Pistolas de Missouri o Solo el valiente, con Gregory Peck. 

A partir de 1952 comenzó a colaborar con Alan Ladd en films realizados para mayor gloria de la estrella como La novia de acero, La historia de McConnel, Santiago, La tierra es grande - en este caso junto a Virginia Mayo-. De estos años son la película que nos ha traído hasta aquí, La carga de los jinetes indios, La emboscada, y el drama bélico Bombardero B 52. 

En la década de 1960 no dejó de trabajar, y lo hizo con estrellas como Frank Sinatra en Siempre tú y yo, en 1954, o Cuatro gángsters de Chicago, trabajando con él en 1967 con la película Hampa dorada, La dama de cemento, o con el tándem Douglas-Sinatra en El detective, con Lee Remick; pero también con Elvis Presley, Follow that Dream, con Bob Hope en El amo de la selva, o Jerry Lewis con Un chalado en órbita. 

En 1964 realizaría una de sus películas más recordadas, Río Conchos, protagonizada por Richard Boone, Stuart Whitman, Anthony Franciosa y Jim Brown. En 1967 realizó el western Chuka, con Rod Taylor como protagonista. Ya en esta década lo vemos trabajando en película de héroes como Derek Flint como In Like Flint. 

En la década de 1970 Douglas siguió trabajando con actores emergentes como Burt Reynolds, en Skullduggery; la continuación de En el calor de la noche, con Sidney Poitier, They call me Mister Tibbs!; un spaghetti western, Los forajidos de Río Bravo; una nueva versión televisiva de Nevada Smith, y Viva Knievel!, en 1977, fueron sus últimos trabajos como director. En 1993 Gordon Douglas fallecía por el cáncer, a la edad de 85 años, en Los Ángeles, California dejando un legado de 92 películas y habiendo trabajado con los mejores en los durante casi tres décadas. 

En este caso la película había sido producida por David Weisbart, que más tarde producirá Them o Ellas (en España) una película de ciencia ficción de 1954 que narra el enfrentamiento de la humanidad contra una raza mutante de hormigas gigantes y que pasará a la historia por ser el productor de "Rebelde sin causa" de Elia Kazan. 

En el caso de Them era una película de ciencia ficción que iba a ser filmada en color por la Warner Bros. que sugirió que la película fuera filmada en 3-D, pero como en el día de las pruebas la cámara falló, la idea fue desechada. En este caso volvería a ser de la producida y distribuida por la Warner Bros. Pictures 

La película cuenta además con personal de prestigio como el guionista James R. Webb, ganador de un oscar al mejor guión por "La conquista del oeste" y que intervino en varios westerns como "El gran combate" o "Apache". En la música está ni más ni menos que Max Steiner. En la fotografía J. Peverell Marley, quien trabajó como director de fotografía en dos grandes películas mudas como "Los diez mandamientos (1923)" y "Rey de reyes (1927)", y que más tarde volvería a trabajar con Cecil B. DeMille en "El mayor espectáculo del mundo", o con Billy Wilder en "El héroe solitario" , siendo el editor Folmar Blangsted.

En cuanto al reparto en ella el protagonismo lo asume Guy Madison como el explorador e ingeniero Miles Archer, Frank Lovejoy como el sargento Charlie Baker, Helen Westcott como Anne McKeever, una joven Vera Miles como Jennie McKeever, Dick Wesson como el soldado Cullen, Onslow Stevens como Grover Johnson, Steve Brodie como el soldado Ryan, Ron Hagerthy como Johnny McKeever, Fay Roope como Teniente Coronel Kilrain, Neville Brand como el soldado Morgan, Henry Kulky como el soldado Smiley, Lane Chandler como el soldado Zebulan Poinsett, Fred Carson como el jefe Thunder Hawk, James Brown como el soldado Connors y Ralph Brooks como el histórico- por haber pasado a la historia del cine por un grupo atribuido a su personaje, pero que no es suyo- el soldado Wilhelm , pues el mérito es de Sheb Wooley. 

Estamos en el territorio de Colorado. Ha guerra civil ha terminado y ahora todo el país ha puesto sus ojos en el Oeste , allí han ido mucho de los veteranos del conflicto civil con deseo de hacerse un hueco en la vida civil. 

Entre ellos está un ingeniero, veterano de la Unión, buen conocedor del territorio y de los tribus que en él viven de nombre Miles Archer (Guy Madison) que ha sido llamado a tener una entrevista con el Teniente Coronel Kilrain ( Fay Roope ). Nada más llegar ve que el campamento , Fort Bellows, se encuentra lleno de nuevos soldados y por veteranos que llevan al mismo viejos vicios de la guerra. Unos son bebedores, otros ladrones, otros perezosos, casi todos buscan pelea o se enfrentan por haber luchado algunos con el sur como el caso del soldado Zebulan Poinsett( Lane Chandler ). Tras entrevistarse con el Teniente Coronel, al que ve relajado haciéndose un retrato realizado por el pintor Grover Johnson ( Onslow Stevens ) que tuvo que retirarse del ejército por un problema respiratorio. 

El objeto de la llamada es que el militar le pide a Miles que , ante la llegada inminente del tren a ese espacio, se han desplazado algunas tribus como los Cheyenne con la intención de atacarles, pero en ese desplazamiento han ido con sus mujeres y cautivas , entre ellas dos mujeres blancas secuestradas hace cinco años por los Cheyenne dirigidos por el jefe Thunder Hawk (Fred Carson ) . 

La misión es dar seguridad a los operarios y empresas ferroviarias así como rescatar a las chicas. Ante la propuesta , Miles rechaza la misma, pero su posición cambia, al descubrir que ambas chicas son hermanos de uno de los hombres que tuvo a su cargo en el Ejército de la Unión, como era Johnny McKeever ( Ron Hagerthy ) un chico de su compañía que durante la guerra pasó parte de su tiempo preso de los rebeldes. Así , que a su pesar, y creyendo que le debe ese favor al McKeever se hace cargo de la expedición de rescate. El principal problema es que la expedición está formada hombres inexpertos y casi indeseables. 

Al grupo además de Miles, McKeever y Grover se suman todos los soldados expedientados por todo tipo de faltas antes mencionadas como son el soldado Cullen ( Dick Wesson ) el soldado Ryan (Steve Brodie ) , el soldado Morgan (Neville Brand) ,el soldado Smiley ( Henry Kulky ) , el soldado Zebulan Poinsett (Lane Chandler ) , el soldado Connors ( James Brown) y el soldado Wilhelm( Ralph Brooks ). A estos se suma el Sargento Charlie Baker (Frank Lovejoy) que ha tenido un problema con uno de esos soldados al seducir a su esposa y al que promete matar en un momento de la expedición. 

La expedición inicia su camino y , aunque entre ellos, la relación se sostiene no sin dificultades, se dan cuenta que no será fácil. La muerte , tras recibir, una lanzada por parte de uno de los nativo americanos les hace ver que puede ser aquello un valle de lágrimas. Sin muchas dificultades consiguen llegar al campamento de los Cheyenne. En el mismo no está su líder, el gran jefe Thunder Hawk (Fred Carson ) , pero tras preparar el asalto sorpresa del mismo consigue, que se realiza con total éxito, consigue sacar del campamento a las hermanos de McKeever, tanto a la juiciosa Anne ( Helen Westcott) como a la impulsiva y joven Jennie (Vera Miles) que reciben de manera distinta el rescate. 

Mientras la mayor, Anne, no se siente molesta aunque si humillada por las vejaciones vividas tras su rapto, la pequeña Jennie McKeever, que ni recuerda su vida como rostro pálido, se siente molesta. Sin embargo, el reencuentro entre Johnnie McKeever y sus hermanos, genera en Anne un recuerdo y una alegría, mientras que en Jennie es un resentimiento absoluto dado que no recuerda nada de su vida como colono y , además, que ella , en la actualidad, es la prometida de Thunder Hank, quien en ese momento no se hallaba en el campamentos. 

Tras el reencuentro, la huida, pero también el inicio de una persecución sin tregua por un terrero abrupto y seco. El agua se convierte en un problema que condiciona a unos y favorece a otros. Los indios preparan algunas emboscadas que dan como resultado la muerte de algunos de los soldados , la herida de otros como el mismo Johnnie MCKeever que queda gravemente herido y en un momento dado`la perdida de sus animales. 

El grupo ha de huir descabalgado en un espacio árido que sólo genera sed. Los indios acosan y en cada uno de sus ataques y emboscadas generan muertes y aumentos el temor ante la imposibilidad de llegar. Sin embargo, gracias a la pericia de Miles, al tesón de gran parte de unos soldados capacitados , a pesar de sus muchas debilidades, pero serviciales y colaboradores ante las muchas dificultades que implica además llevar un herido como Johnnie, y una chica que se opone a colaborar como Jennie, consiguen , no sin dificultades , alcanzar Fort Bellows, su destino inicial. 

La llegada al fuerte una vez salvadas las dificultades del agua, del calor y de la presión de los indios es desoladora. El mismo ha sido asaltado por los Cheyenne y han matado a gran parte de la agrupación. El único superviviente es un soldado que comenta que el Teniente Coronel dio la orden a mujeres y niños para que huyeran a ¿Fort Laramie?. 

Tras ver el desastre y aún con las dos mujeres blancas que han sido secuestradas por los indios cheyenne entre ellas. El grupo huye por las montañas, sin víveres y sin armas. En su recorrido la presión de Thunder Hawk se deja notar. Debido a la misma, y a un intento de huir de sus salvadores / captores, Jennie muere al caer por un acantilado, no sin antes volver a herir a su hermano. 

Todo se torna complicado ( las bajas, la sed, el mayor número de indígenas, condicionan en exceso. Finalmente el ataque final iniciado por Thunder Hank tras cruzar un río se torna abobiante. Dos cargas hacen que los militares vayan cayendo heróicamente uno tras otros. 

Mientras se disponen a realizar el tercero se persona un destacamiento de caballaría que porvoca el fin de las cargas tanto por su presencia como por la muerte de su líder. Son pocos los supervivientes, pero la tensión ha provocado que Miles se enamore de Anne , correspondiendo ella, salvando igualmente a su hermano y a algunos de los soldados, aunque Glover muere en el último momento. 

Este western pretendía resaltar las tres dimensiones inherentes tanto a los paisajes naturales, como a las armas , los hombres y los personajes. Para ello Gordon Douglas y el productor no dudaron hacerlo esta 3 D en un western de serie B con muchos exteriores y algunas secuencias en interiores. El argumento del film es típicamente western. 

Lo más interesante es detectar la presencia, casi original de este grito, el de Wilhem , que tan buenos réditos dio en el cine contemporáneo. 

No obstante, en febrero de 2018 se anunció que Star Wars ya no usará el grito de Wilhelm. Cuando la película se proyectó en la Segunda Exposición Mundial en 3-D en el Teatro Egipcio de Hollywood en 2006, gran parte de la audiencia conocedora del cine estalló en aplausos cuando el soldado Wilhelm gritó. 

El clímax de la película tiene muchas similitudes con la Batalla de la Isla Beecher de 1868 , aunque en lugar de los "rangers" del Ejército , el personaje de Madison recluta a "la Brigada de la Guardia" de los prisioneros del Ejército y los arma con rifles repetidos. Algunos también han notado que la trama tiene una serie de similitudes con la posterior film de Sam Peckinpah titulado el Mayor Dundee , dirigido por este gigante en 1965. 

La película a pesar de situarse en Colorado se rodó en distintos puntos de California como Santa Ana River, en Norco,los Vasquez Rocks Natural Area Park en W. Escondido Canyon Rd., en la localidad de Agua Dulce, en Santa Clarita, y en Newhall Ranch - en la localidad californiana de Valencia. 

Se sabe que, inicialmente, la dirección fue ofrecida a André De Toth, quien ya había rodado en 3 D Los crímenes del museo de cera (1953) y El forastero iba armado (1953). Esta fue una de las tres películas estrenadas en cines con sonido "WarnerPhonic", un sistema de sonido envolvente de cuatro canales. Desafortunadamente, solo la versión mono de la banda sonora ha sobrevivido. 

La película tuvo su estreno el 30 de junio de 1953 en Vernon, Texas, aunque el estrerno generalizado  de este que fue el western más taquillero de 1953, se llevó a cabo el 11 de julio de 1953 y obtuvo en taquilla unos $ 3.65 millones.

De ella se dice en ABC que este "western cuyo gran atractivo, en su momento, fue estar rodado en 3-D. Como todas las películas rodadas en este formato, que se pierde en su paso a la TV, abusa del recurso de lanzar objetos a la cara del espectador (en este caso, cuchillos, tomahawks, lanzas y hasta un escupitajo de tabaco con el que uno de los protagonistas hace alejarse a una serpiente). Protagonizó Guy Madison, actor que venía de dar vida al mítico pistolero Wild Bill Hickok en una serie de televisión que tuvo un gran éxito en Estados Unidos en los años 50".

Por mi parte decir que lo más interesante de la película está en su peso técnico. En ella participan buenos profesionales en la dirección, la fotografía , la música , pero , si bien la historia es más bien plana  y le lastra ese intento de combinar lo cómico con lo dramático  al final aporta lo que puede aportar; su grito, un grito de cruzo el tiempo y el espacio hasta llegar a una galaxia muy lejana.