Becoming Led Zeppelin

Bernard MacMahon dirige, aunque también aparece como guionista, conjuntamente con Alisson McGourty, quienes habían trabajado juntos en American Epic , una serie que investigaba los estilos musicales estadounidenses y que ambos acreditados como productores, aunque se define como producción independiente realizada con la plena colaboración de la banda-que  este documental del año 2025 titulado Becoming Led Zeppelin centrado en la trayectoria desde su formación hasta sus últimas actuaciones de la banda Led Zeppelin que a su vez tuvo un precedente que yo desconocía como The Yarbirds. 

Para ello cuenta con la intervención de tres de sus componentes como son Jimmy Page el guitarra y alma fundadora del grupo, , John Paul Jones como bajo y Robert Plant como cantante, así como John Bonham, el material de la banda. 

Un acreditado como un montador Dan Gitlin mientras Vern Moen es el responsable de la imagen. Importante en la de Nick Bergh en su labor de supervisor de sonido y la de Kate griffiths cómo responsable de la producción de los archivos puesto que gran parte del reportaje y del documental está en base a un documentos anteriores. 

Este documental explora los orígenes y el meteórico ascenso de la legendaria banda de rock. El proyecto, que se anunció primero en 2019, tiene un acceso sin precedentes a la banda, marcando la primera y única vez que el grupo ha participado en un documental en 50 años. 

El documental sigue los viajes de los cuatro componentes desde su infancia, de como trabajando como músicos de estudio como fue el caso de Jimmy Page y John Paul Jones (guitarrista y bajista de la banda), participaron en la grabación de "Goldfinger" de 007 incluyendo a Shirley Bassey interpretando el tema, o como era la Gran Bretaña de posguerra hasta su encuentro en el verano de 1968 y su rápido ascenso a la fama lo largo del año 1969 culminando en 1970 cuando se convierten en la banda número uno del mundo, desde que publicaron en enero de 1969 el álbum “Led Zeppelin”, primer disco de estudio de la legendaria banda inglesa. Este trabajo debut introdujo nuevos conceptos en la música Rock, creando una interpretación completamente . 

El documental contiene imágenes inéditas de sus primeros conciertos en Estados Unidos y Gran Bretaña así con material nunca antes visto de los archivos personales de los componentes. 

La música de Led Zeppelin está presente casi en su totalidad y cuenta con una entrevista de archivo con el ya fallecido John Bonham.

Destaca los tres componentes vivos de la banda que el éxito de la misma fue la buena relación personal que hubo entre ellos y sobre todo el respeto y la libertad que tenía a la hora de trabajar dentro de la banda cuando en ese momento se comportaban como una unidad. 

El debut de Led Zeppelin cambió el sentido del rock con una mezcla intensa de blues, folk y electricidad pura. Grabado en 1968 con recursos limitados, el disco mostró una banda lista para romper moldes y encender escenarios en ambos lados del Atlántic.

Page contó a los cineastas que había rechazado muchas propuestas "bastante lamentables" a lo largo de los años para hacer un documental sobre Led Zeppelin. Pero de MacMahon y McGourty recibió una propuesta profundamente investigada, centrada casi exclusivamente en la música y que narraba el nacimiento de la banda en 1968 y sus inicios. 

La película se desarrolló sobre un guion gráfico y se presentó a los miembros de la banda en un libro encuadernado en cuero. Page comentó: "Cuando nos conocimos, probablemente estábamos un poco nerviosos el uno del otro. Pero el hilo conductor fue el guion gráfico", y añadió: "Y pensé que realmente lo tenían claro, que realmente entendían de qué se trataba".

John Paul Jones dio su aprobación, afirmando que «era el momento oportuno para contar nuestra propia historia por primera vez con nuestras propias palabras» y que era el momento oportuno para realizar la película.

Plant citó American Epic como motivo para aceptar participar en la película: «Ver a Will Shade y a tantos otros importantes músicos estadounidenses de la primera época cobrar vida en la gran pantalla en American Epic me inspiró a contribuir a una historia muy interesante y emocionante». 

El documental "Becoming Led Zeppelin," fue el ganador de los Critics Choice Documentary Award al mejor documental musical.  

En cuanto a la crítica indicar que Variety señaló que la proyección de la película en proceso en el Festival de Cine de Venecia "se estrenó con una ovación entusiasta a lo largo de sus 137 minutos de metraje". 

Rolling Stone describió el primer montaje de la película como "revelador", 

The Hollywood Reporter lo describió como "una delicia reveladora", añadiendo que algunas secciones del primer montaje "podrían cortarse sin dañar la película".

Steve Pond, de The Wrap, describió el primer montaje como "potente como el infierno y tan excesivo como Physical Graffiti , el álbum de 1975 cuyo exceso era prácticamente inseparable de su poder".

Ya en España, el crítico musical Diego A. Manrique en X comenta que el documental es una " Formidable crónica de los primeros dos años de la banda de Jimmy Page (y era suya, en todos los sentidos) con explicaciones extensas de los orígenes musicales y sociales de cada uno de los 4 miembros "

Revisión del tesoro de Sierra madre

Maravillosa película de aventuras basada en una famosa novela de B. Traven, que ya había comentado hace años en la entrada titulada El gran tesoro de John Huston, y que te tiene en tensión desde el principio hasta el fin. John Huston es el responsable de esta auténtica joya del cine negro, pero también de este western del año 1948 que cuenta en el reparto entre otros con el padre del director, Waletr Huston. 

La historia la protagonista un tres aventureros, dos vagabundos en México, Fred Dobbs y Bob Curtin, que conocen a un viejo buscador de oro, Howard, y con el que se asocian para encontrar un filón en la Sierra Madre y que se van en busca de ese preciado tesoro por las laderas de ese desierto mexicano y montaña mexicana. Las actuaciones son todas memorables en esta historia sobre la fiebre del oro, la envidia y el lado oscuro de la naturaleza humana. 

Un clásico del género donde destaca la intervención de Walter Huston padre del director. John Huston, ganó el Oscar por Mejor Director y Mejor Guion Adaptado especializado en llevar a la gran pantalla grandes aventuras con grandes perdedores; smientras que su padre, Walter Huston ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto. 

La historia se centra en la codicia y cómo corrompe, pero como comenta el personaje de Walter Huston cuando aparece en un refugio para pobres en Texcoco por primera ver como la búsqueda del oro, que inicialmente puede suponer establecer vínculos inquebrantables y solidaridad en un priumer momento puede acabar cuando se tiene a la ruptura y a la propia avaricia. A medida que encuentran el oro, la amistad se desintegra por la paranoia y la codicia, llevando a conflictos y revelando la naturaleza destructiva de la avaricia. 

La película explora la fragilidad de la amistad, la moralidad humana y cómo el deseo de riqueza puede llevar a la locura y la autodestrucción. Estamos ante un clásico del cine, elogiada por su realismo, diálogos y profundidad filosófica, a pesar de las dificultades del rodaje en México. Ha inspirado a directores como Paul Thomas Anderson (quien la vio antes de escribir There Will Be Blood ) y Vince Gilligan , quien citó al personaje de Dobbs del que Bogart dijo "Interpreto al mayor bastardo que hayas visto nunca" , una auténtica ruina moral, capaz de agredir a un niño, que , por cierto, interpretó un actor como Robert Blake, y uno de los mayores logros de Bogart, y que se verá como influencia clave para crear a Walter White en Breaking Bad .

Shaft

Homenaje del director John Singleton a la mítica serie que interpretaba Richard Roundtree en los años 70 y que fue delicia para unos y expresión más y más de la blaxploitation. Shaft , es un icónico detective privado afroamericano, antes policía, que es conocido por su estilo duro y su independencia, que se mueve entre Harlem y los barrios de la mafia, resolviendo crímenes con métodos propios y se convirtió en un símbolo de la cultura negra y el género "blaxploitation", existiendo múltiples versiones, desde el original John Shaft (Richard Roundtree) de los 70 hasta el detective de ciberseguridad John Shaft Jr. (Jessie T. Usher) , hijo del original, en la película de 2019.

En el centro está la virtud y la que yo he visto es la del director norteamericano que en el año 2000 hizo homenaje al protagonista de esta película y series ahora interpretada por Samuel L. Jackson que vuelve a asumir un personaje que no se deja llevar por el sistema, resolviendo sus casos a su manera, con estilo ya menudo al margen de la ley, que aquí aparece con su famosa banda sonora de Isaac Hayes que ganó un Oscar, consolidando a Shaft como un referente cultural. acompañado de Vanessa Williams, Christian Bale, Jeffrey Wright, Dan Hedaya, una jovencísima Tony colette, Budda Rhymes y el ya citado Richard Roundtree. Es una secuela de la película Shaft de 1971 , en la que Jackson interpreta al sobrino (reinterpretado como su hijo en la película de 2019 ) de John Shaft .

La historia se resumen así. Tras una investigación la gente de policía en Nueva York John Shaft arresta a Walter Wade, el hijo de un multimillonario acusándolo de un terrible homicidio racista. Sin embargo al no aparecer ningún testigo te ayudaba por la influencia y el dinero de su padre Walter consigue y lo pongan en libertad y acaba escapándose al Suiza. 

Tolándoselo como algo personal dos años más tarde  Shaft decide buscar algún testigo que pueda ayudarlo encarcelar de nuevo a Walter. De este modo comenzará una cruzada personal para conseguir que se haga justicia. 

En 1998, al ser llamado a investigar la grave agresión a Trey Howard a la salida de un restaurante, el detective John Shaft del Departamento de Policía de Nueva York arrestó a Walter Wade Jr., hijo de un acaudalado magnate inmobiliario, tras notar sangre en él. Wade alegó defensa propia. Shaft se dio cuenta de que una camarera herida, Diane Palmieri, observaba a Wade e intentó, sin éxito, obtener su declaración. La amiga de Trey le cuenta a Shaft que, cuando ella y Trey entraron al restaurante, Wade lo acosó racialmente. Trey, humillado por su parte, salió del restaurante, perseguido por Wade. 

Shaft busca a Diane, pero ella ya se ha ido. Trey sufre una convulsión y muere; cuando Wade se burla de Trey, Shaft le da un puñetazo en la nariz y lo vuelve a hacer tras ser amenazado con ser reasignado a otra comisaría. 

En el juicio, el juez le concede a Wade una fianza de 200.000 dólares. Más tarde, llama a Shaft para agradecerle por romperle la nariz y le dice que ha huido a Suiza. 

Dos años después, Wade regresa a Estados Unidos, y Shaft lo recibe y lo arresta, con la ayuda del taxista Rassan, quien se hace pasar por su conductor de limusina. Los amigos de Shaft le organizan una fiesta donde aparece el "Tío" John Shaft, el mismo personaje de la película de 1971, quien le advierte que la riqueza de Wade aumenta sus posibilidades de ser absuelto. 

Mientras Wade está detenido temporalmente en la comisaría, el narcotraficante dominicano Peoples Hernández, a quien Shaft había arrestado previamente, se hace amigo suyo. 

En la audiencia, el juez le exige a Wade que entregue su pasaporte y le fija una fianza de un millón de dólares. Shaft renuncia a la policía, prometiendo llevar a Wade ante la justicia bajo sus propios términos. 

Shaft busca a Diane con la ayuda de su amiga y excolega, la detective Carmen Vásquez, pero solo encuentra a su madre, Ann. 

Mientras tanto, Wade ofrece las joyas de su difunta madre para que Peoples la busque. Peoples quiere que Wade se una a él en su negocio de drogas, pero acepta el trabajo con la condición de que Wade venda las joyas. Peoples contrata a los excompañeros de Shaft, los oficiales Jack Roselli y Jimmy Groves, para que lo sigan; ambos descubren a un soplón, "Tattoo", en la banda de Peoples, quien es lanzado por la ventana, Tattoo le contó a Shaft lo que estaba sucediendo, lo que resulta en la muerte de Tattoo. 

Shaft y su excompañero, el detective Luger, le roban a Wade el dinero que obtuvo de la venta de las joyas. Luego, Wade les da el dinero a Roselli y Groves, haciéndole creer a Peoples que lo están traicionando. Sin embargo, tras enterarse por el hermano menor de Peoples de que Shaft se ha ido, lo siguen. 

Tras rastrear una llamada telefónica, Shaft finalmente localiza a Diane, pero la banda de Peoples los ataca. En el tiroteo, Shaft mata al hermano menor de Peoples. Los hermanos de Diane, Mikey y Frankie, llegan para rescatarla, pero Mikey es apuñalado por Peoples. 

Shaft, Diane, Rasaan y Frankie se reúnen en el apartamento de Rasaan, pero Roselli y Groves los siguen en secreto. Diane le cuenta a Shaft su testimonio presencial sobre el asesinato de Trey por parte de Wade. Wade la amenazó con guardar silencio, y ella se vio obligada a aceptar un pago a cambio de desaparecer. 

Mientras tanto, Peoples ataca furiosamente a Wade por la muerte de su hermano. Roselli y Groves vigilan el apartamento de Rassan, pero cuando Carmen llega y empieza a hacer preguntas, le disparan en el pecho. La banda de Peoples ataca, y Shaft les dispara para defender al grupo mientras Diane y los demás huyen. 

Roselli y Groves atrapan a Shaft, quien le ordena a Carmen, que llevaba un chaleco antibalas, que les dispare, lo cual ella hace. Peoples y su banda los persiguen y terminan chocando el coche de Rassan. 

Cuando Peoples retiene a Diane como rehén, Shaft lo convence de luchar sin armas, pero tras un breve enfrentamiento, ambos sacan pistolas de repuesto, y Shaft mata primero a Peoples. 

Shaft tranquiliza a Carla mientras sube por la escalinata del Tribunal neoyorkino, la madre de Trey, sobre las nuevas condiciones del juicio; sin embargo, cuando Wade llega, ella lo mata a tiros en la escalinata del juzgado y posteriormente es arrestado. 

De vuelta en la comisaría, Shaft le reitera a Carmen su preferencia por ser detective privado. Ambos reciben la visita del tío de John. Una mujer llega entonces pidiéndoles ayuda para presentar cargos por agresión contra su novio abusivo . Inicialmente dubitativo, Shaft acepta ayudarla. Shaft y su tío van a confrontar al novio, junto con Rassan, a quien Shaft le regala un auto nuevo acabando así la película.  

El recientemente fallecido John Singleton dirige una cinta algo menos comprometida con lo social que cualquier otro de sus trabajos como cuatro hermanos los chicos de barrio o semillas de rencor, pero aún así la película trata conflicto raciales.

Singleton era fan de la película original, que según él tenía un amplio atractivo más allá de su estereotipo como película de blaxploitation, y había buscado rehacer la película desde que era joven. 

Shaft comenzó en MGM , pero al estudio no le gustó la visión de Singleton: Don Cheadle como el hijo del Shaft original.  Después de que las películas de crímenes de Quentin Tarantino se volvieran populares en la década de 1990, el productor Scott Rudin se interesó en Shaft y sugirió llevarla a Paramount Pictures .  Paramount retomó el proyecto en 1997 después de pagar los costos de desarrollo de MGM. Singleton dijo que MGM se opuso a una película de $25 millones que vieron como dirigida al público negro. 

Singleton y Shane Salerno escribieron el guion original. Rudin vetó la idea de un equipo padre-hijo y trajo a Richard Price para hacer reescrituras,  ya que consideró que el guión original era demasiado atrevido. Rudin insistió en contratar a un actor de renombre como protagonista. 

Will Smith y Wesley Snipes fueron considerados para el papel de John Shaft. Snipes, respondiendo a los rumores de que lo habían pasado por alto, dijo que rechazó el papel debido al guion, que sentía que no respetaba la cultura negra ni la película original. John Leguizamo fue elegido inicialmente para el papel de Peoples Hernandez.  Cuando Leguizamo dejó la producción, Wright fue elegido. Singleton consideró a Lauryn Hill para el papel de Carmen Vásquez. 

Samuel L. Jackson no estaba seguro de aceptar el papel porque no pensaba que Shaft fuera de mediana edad, pero llegó a ver su edad como algo que no era un problema.  Con Jackson elegido, el Shaft original fue reescrito para ser su tío en lugar de su padre para explicar su menor diferencia de edad. Las reescrituras de Price, y la insistencia de Rudin en que las siguieran, resultaron controvertidas con Singleton y Jackson. Un punto de discordia fue la falta de escenas de sexo, que había sido un elemento importante en la película original. Jackson atribuyó este cambio a la corrección política.

Otro punto fue la participación de Shaft con la policía. Price desarrolló la carrera de Shaft con la policía. Jackson elogió la capacidad de Price para escribir procedimientos policiales, pero no le gustó el tiempo que le tomó a Shaft convertirse en detective privado. Rudin pensó que era más creíble que Shaft estuviera protegido por su placa, pero Jackson exigió que Shaft abandonara la fuerza policial antes; Jackson prevaleció, y las escenas fueron reescritas. 

Singleton fue cuidadoso desde el principio para asegurarse de que el personaje fuera moderno. Sintió que las reescrituras de Price malinterpretaron la actitud de Shaft e insertaron el tipo equivocado de referencias a la cultura pop. Jackson se negó a decir algunas de las líneas, creyendo que eran racialmente insensibles o falsas para el personaje, lo que provocó la ira de Rudin. Cuando Singleton y Jackson criticaron las secuencias de acción de Price, Rudin les pidió que llegaran a un acuerdo y filmaran dos veces: una según el guión de Price y otra como ellos deseaban, pero Jackson no estaba dispuesto a correr el riesgo de que sus objeciones fueran anuladas durante la edición. 

Salerno describió la posproducción como "brutal", pero afirmó que se concretó a pesar de las opiniones contrapuestas sobre la película.  Las escenas de Roundtree y Bale se redujeron durante la edición. Rudin afirmó que Paramount los obligó a reducir el tiempo en pantalla de Roundtree, mientras que una de las escenas de lucha de Bale se eliminó para darle más tiempo a Wright. 

La película fue nominada en tres apartados en los Premios de la NAACP 2001 a la Mejor película, Actor destacado en una película ( Samuel L. Jackson ) y Mejor actriz en una película ( Vanessa Williams ). 

En cuanto a las críticas destacar que se movieron entre el apluaso y la crítica feroz. Entre las positivas destaca la de Mick LaSalle al escribir en la SFgate que "Shaft lo tiene todo: un guion inteligente, una dirección astuta y un puñado de actuaciones de primera categoría bajo cualquier estándar". 

En Variety, Robert Koehler destacó el papel de Samuel L. Jackson al decir sobre él, que " toma inmediatamente el relevo del mismísimo Sr. Shaft, Richard Roundtree, y lo hace con estilo y carisma puros. 

Elogiosa es también la de Owen Gleinerman de Entertainment Weekly que señaló que "Disfruté de las enérgicas complejidades de 'Shaft', pero la trama se descontrola un poco (...) La película está a la altura —¿o no?— de su legado; al menos, 'Shaft' es comida rápida picante". 

Menos favooorables son la de la Roger Ebert en rogerebert.como cuando escribió que "¿Es una buena película? No exactamente; gran parte de ella está en piloto automático, como debe ser, para satisfacer a los fans de la 'Shaft' original. ¿Es mejor de lo que esperaba? Sí (…)" 

Y a parir directamente lo ponen Nathan Rabin en Club Audiovisual cuando afirma que "Lo que quizás sea más sorprendente del ejercicio de género de Singleton, de ritmo pobre y escritura irregular, es que no aborda realmente la mitología de Shaft: no es subversivo ni posmoderno". Y peor tpodavía lo puso Kenneth Turan columnista y crítico de Los Angeles Times al señalar que "Lo más acertado del nuevo Shaft es el casting para el papel principal. Es una lástima que el resto de la película no capte la atención como él".

Ya en España , el crítico habitual de Fotogramas y figura absoluta en X afirma que " Un director en forma como John Singleton y el digno heredero del personaje, Samuel L. Jackson, cumplieron con creces en la funky Shaft: The return " Y añade "Richard Roundtree le pasa el relevo fardón, funky, más chulo que un ocho y negrata 70s a un Samuel L. Jackson modernete y molón en Shaft, bacilón de un John Singleton con un villano top (una suerte de Bruce Wayne racista, clasista e hijo de puta pero sin alter ego uniformado) a cargo de Christian Bale en este neoblaxploit, cuando John Singleton abrazó con artesanal entrega el cine más comercial. "

Madame Clicquot

Madame Cliquot,  o La Viuda Clicquot está basada en la historia real de la marca de champán de lujo Veuve Clicquot y recorre en la vida de una mujer inspiradora y progresista que durante los embargos comerciales de Napoleón Bonaparte y su bloqueo continental creó y en botellón Comet, considerado uno de los mejores cosechas de la historia coincidiendo con el año del cometa. 

La película del año 2023 y planteada a modo de biopic que habla de la mujer que llegó su champán a la corte rusa de San Petersburgo al final de la guerra Napoleónicas está interpretada por haley bennett, sucedió conocer con la chica del tren, que interpreta a la empresaria Barbe Nicot Clicquot, en este inspirador brama de época sobre la mujer que revolucionó la industria del champán a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. 

La Viuda Clicquot es una película dramática de época y en base a un biopic, coproducida internacionalmente en 2023 , dirigida por Thomas Napper, a partir de un guion de Erin Dignam y Christopher Monger basado en el libro de 2008 La Viuda Clicquot de Tilar J. Mazzeo . 

La película producida por Christina Weiss Lurie, Haley Bennett y Joe Wright para las productoras Fourth & Twenty Eight Films, así como WME Independent que contó con la bellísima e intimista fotografía de Caroline Champetier, el magnífico y acertado montaje de Richard Marizy así como la música de Bryce Dessner, y contando con una actriz de peso como Haley Bennett como Barbe-Nicole Ponsard en Clicquot y junto a ella participan en la película Tom Sturridge como François Clicquot, Sam Riley como Louis Bohne, Natasha O Keeffe como Anne, Cecily Cleeve como Clementine Clicquot y Ben Miles como el suegro de la protagonista, Philippe Clicquot. 

La historia juega con los flashbacks del presente y del pasado con la viuda y su marido- cuando está vivo- como protagonistas absolutos. En la Francia napoleónica , Barbe-Nicole Ponsardin Clicquot enviuda tras la prematura muerte de su amado esposo François, un viticultor que ama sus tierras y sus viñedos, pero que fracasa a la hora de conseguir el mejor vino con burbujas del mundo. 

Una vez producido el óbito, ella se niega a vender los viñedos de su marido y decide financiar con su propio dinero el negocio, que se encontraba en crisis. 

Instituye técnicas de plantación poco convencionales, ya habladas con su marido, a pesar de las reticencias de sus trabajadores y de su suegro Phillipe. 

Elabora un champán rosado que impresiona al amigo de los Clicquot, el comerciante de vinos Louis Bohne , y colabora con él para contrabandear champán a Ámsterdam, desafiando los embargos comerciales de Napoleón. 

El envío a Ámsterdam se pierde, devastando a Barbe-Nicole. Empieza a vender sus posesiones para mantener la bodega a flote. Sin embargo, Louis consigue llevar algunas botellas a Rusia , donde el vino dulce se populariza antes del Gran Cometa de 1811. 

Tras el exilio de Napoleón, Barbe-Nicole y Louis aprovechan el caos y empiezan a vender en Rusia con seriedad. 

El éxito de Barbe-Nicole inquieta a sus colegas masculinos, y es llevada a juicio por violar una ley que impide a las mujeres ser dueñas de negocios. Sus acusadores afirman que ha traicinado la voluntad del marido y que vive amancebada con el tratande de sus vinos. Éste , fianlmente, apar4ece en el juicio y le pide matrimonio para gestionar la empresa y ella se niega a casarse con Louis, ya que permanecer viuda le permitiría seguir siendo propietaria de la bodega. Barbe-Nicole arremete contra sus acusadores. Louis le propone matrimonio públicamente, y ella lo rechaza. 

Las tarjetas del epílogo revelan que Barbe-Nicole nunca se volvió a casar y que el negocio eventualmente se convertiría en la dinastía de champán Veuve Clicquot . De hecho, aAl final de la película, que está planteada en base a flashback de su vida anterior la viudedad, se nos informa que vivió hasta los ochenta y nueve años y que nunca se volvió a casar y que gracias a sus férrea de terminación ya su visión sus métodos innovadores permitieron revolucionar la industria del champán a lo largo de los próximos 50 años es decir hasta mediados del siglo 19. Su champán original fue su primera cosecha del cometa y sigue siendo considerada como una de las mejores cosechas de champán de la historia del vino. 

El rodaje tuvo lugar en Chablis y Reims , Francia, en octubre de 2022. La película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 11 de septiembre de 2023. 

En cuanto a la crítica destaca la de Angie Han en The Hollywood Reporter al señalar elogioso que "Al igual que los elixires que Barbe-Nicole cuida con tanto esmero en su viñedo, 'Widow Clicquot' necesita tiempo para desarrollar todo su potencial (...) un retrato atractivo y conmovedor de una pionera casi accidental" 

Steve Pond de The Wrap destaca el trabajo de "Haley Bennett brilla en una oda al champán, al romance maldito y al 'girl power'" . 

Rodrigo Perez de The Playlist destaca de la película que "Un drama sobre la transformación de la angustia y la tragedia en algo más brillante (...) Y además está hecho con gusto" 

Por su parte, Christian Zilko, de IndieWire, escribió sobre ella que «al cambiar los auriculares Bluetooth por corsés, Napper y los guionistas Erin Dignam y Christopher Monger lograron dotar a su película de una estética de época que debería atraer al público del cine de autor. Pero desde su momento de inspiración, cuando Barbe-Nicole despliega su icónico champán rosado, hasta los títulos finales sobre el éxito continuo de la compañía, «Widow Clicquot» tiene el mismo ritmo que la película de negocios sobre caminar y hablar que viste en tu último vuelo». Zilko destacó la mezcla de «estructura narrativa no lineal» y «narrativa de tres hurras por el capitalismo», junto con las «leyes draconianas» en torno a las mujeres en los negocios. Consideró que la película se centra principalmente en «celebrar la industria del alcohol y a las personas que superan restricciones innecesarias para innovar en ella». 

En esta línea va Guy Lodge de Variety cuando dice que "La película de Thomas Napper está muy bien rodada e interpretada con diligencia por su actriz principal, pero su historia sobre el origen de una marca de lujo carece de vigor dramático" 

Algo similar señala Katie Walsh de Los Angeles Times cuando señala que "No se tratan en profundidad los grandes logros que consiguió en la elaboración del vino y se centra en los hombres de su vida, lo que resulta decepcionante. No obstante, es un brindis digno, aunque incompleto, por la mujer que está detrás de uno de los champagnes más emblemáticos del mundo" 

Desde Gran Bretaña Phil Hoad de The Guardian valora que es "Un biopic atractivo pero no del todo espectacular (...)". 

Por mi parte, destacar que me ha gustado esta historia, para mi totalmente desconocida de la mujer que convirtió en un imperio del champán, revolucionando la industria con innovaciones como el primer champán rosado ensamblado y la técnica del remuage , desafiando las normas de su época para convertirse en una de las primeras grandes empresas del mundo. Es una historia de una mujer que es capaz de ennfrentarse al desafío que supuso la muerte prematura de su esposo François Clicquot, Barbe-Nicole, de 27 años, y que se niega a vender la bodega en crisis, tomando las riendas del negocio familiar y enfrentándose a su suegro. 

Es una historia de innovación y resiliencia capaz de enfrentarse a los obstáculos políticos y sociales, lucha para perfeccionar la producción, desarrolla el método de remuage (para clarificar el vino) y crea el primer champán rosado, estableciendo la marca Veuve Clicquot y que marcará un proceso de emponderamiento y de legado con su "Comet" , por su visión y capacidad de transformación forjando un imperio en un mundo dominado por hombres, y convirtiendo a la marca en un símbolo de excelencia. De hecho, cuando falleció, la casa Veuve Clicquot Ponsardin comercializaba 750.000 botellas y exportaba a muchos países del mundo. En la actualidad sigue siendo una de las mejores marcas del mundo y las técnicas que ella impulsó se siguen A esto se suma el magnífico trabajo de la sugerente Haley Bennett, la fantástica fotografía de Caroline Champetier, la banda sonora de Bryce Dessner y el afortunado montaje de Richard Marizy. Una película para disfrutar como un buen champán y para aprender, pues siempre hay tiempo para ello.

Comanchería revisada

Comanchería, como ya señalé,  es el territorio que ocuparon en su momento los comanches que se encontraba entre él territorio de Nuevo México y él oeste de Texas, pero podía ser un territorio mucho más ampliable pues podía extenderse por todo el territorio de Texas hasta su frontera con Kansas y oklahoma. Comanche significa el enemigo de todos o al menos eso se dice en la película. 

Hablamos de la película del año 2016 dirigida por David Mackenzie y está protagonizada por Jeff Bridges, Dale Dickey, Ben Foster y Chris Pine integra magníficamente en este Wester actúan muy enraizado con la crisis hipotecaria de principios del siglo 21 y con la pobreza de determinados estados norteamericanos especialmente del oeste y del sur. 

Tras la muerte de su madre, dos hermanos se organizan una serie de atracos, dirigiendo solo distintas cusucursales de un mismo banco. Solo le quedan algunos días para evitar el desahucio de su propiedad familiar y pagar al banco con su propio dinero. Son conocedores de que en el terreno hay petróleo, por ello buscan el dinero apresuradamente para salir del desahucio. 

Tras ellos dos Rangers de Texas, uno cercano a retirarse y su segundo un nativo americano de origen mexicano que están decididos atrapar a los ladrones. 

Ya señalé bastantes cosas de esta película en una entrada anterior titulada, Comanchería, pero ahora toca decir cosas que en, su momento, no se señalaron. 

La historia de esta película de 2016 se remonta a abril de 2012, cuando Deadline informó que Sidney Kimmel Entertainment (SKE) había adquirido de una película sobre atracos que se iba a llamar,  Comancheria , escrita por Taylor Sheridan, que SKE financiaría y produciría con Peter Berg de Film 44.

Sería algo así como la segunda entrega de la trilogía de Sheridan de "la frontera estadounidense moderna" junto con Sicario y Wind River, otros dos neopwestern.

En Cinemacon 2016 en Las Vegas, se presentó un standee para la película, revelando que el título había sido cambiado a Hell or High Water .

Berg estaba potencialmente vinculado para dirigir la película. Endgame Entertainment y Focus Features también estaban entre los estudios que pujaron por el proyecto contra SKE interesados porque el guion ganó el mejor guion de la Lista Negra en 2012. 

En abril de 2015, se anunció que Jeff Bridges iba a protagonizar, mientras que Chris Pine y Ben Foster también estaban en conversaciones para unirse, y David Mackenzie iba a dirigir la película. Al mes siguiente, en mayo de 2015, se confirmó que Pine y Foster interpretarían a hermanos en la película, quienes cometen robos a bancos para salvar la granja de su familia en el oeste de Texas, mientras que Bridges interpretaría a un Ranger de Texas dispuesto a atrapar a los hermanos. 

CBS Films adquirió los derechos estadounidenses de la película, que fue producida por Sidney Kimmel de Sidney Kimmel Entertainment, Peter Berg de Film 44, Carla Hacken de SKE y Julie Yorn de LBI, con Gigi Pritzker , Bill Lischak, Michael Nathanson, Rachel Shane, John Penotti , Bruce Toll y Braden Aftergood como productores ejecutivos.  Sidney Kimmel Entertainment desarrolló el proyecto con Film 44, y OddLot Entertainment coprodujo y cofinanció la película junto con SKE. Iban a invertir 12 millones de dólares. 

La película iba a contar con una banda sonora que incluía la música original compuesta por Nick Cave y Warren Ellis , así como canciones de músicos country. En mayo de 2016, se informó que los músicos australianos Nick Cave y Warren Ellis compondrían la música para la película. El dúo se reunió con el director de la película, David Mackenzie, en el Retreat Studio de Brighton y le mostró algunos materiales originales a este último, quien le gustó y también exigió que la música fuera "granulada y con garra". 

La banda sonora completa se completó en diez días: cinco días para la composición y otros cinco para refinarla y añadir las sobregrabaciones . Mackenzie recordó: "Lo que me encanta de la música cinematográfica de Nick y Warren es que es épica y expansiva sin ser grandilocuente. Para mí, como cineasta, esto da en el clavo: la banda sonora logra tener escala y emoción sin resultar manipuladora ni abrumadora". Además de la banda sonora de Cave y Ellis, el álbum contó con contribuciones de Townes Van Zandt , Ray Wylie Hubbard , Waylon Jennings , Colter Wall , Scott H. Biram y Chris Stapleton . La banda sonora se lanzó a través de Milan Records en agosto de 2016. 

En cuanto a la crítica fue unánimemente positiva. Por ejemplo, Joe Morgenstern del The Wall Street Journal sostuvo que era ""Divertida, crepuscular y emocionante, es una historia sobre la fraternidad y la familia que se adapta a la dura belleza del paisaje, la esquiva naturaleza de lo correcto y lo incorrecto y las estrafalarias conexiones humanas en una época de confuso cambio".

Owen Gleiberman de Variety destaca el trabajo de los actores al defender que "Chris Pine, Ben Foster y Jeff Bridges están brillantes (...) 'Hell or High Water' sintoniza con la desenfrenada adrenalina de lo criminal, pero también es un drama moral que toma la medida de cada acción desestabilizadora que se muestra".

Richard Roeper del Chicago Sun-Times comentó que era ya "Un clásico instantáneo del western moderno, que viaja por carreteras familiares, pero siempre, siempre, con un giro fresco y original (...) Y añadió Roeper que "En todos los sentidos, Hell or High Water es una película tan hermosa, dura, elegíaca y sabia, que en el momento en que terminó fue el momento en que quise volver a verla". 

David Rooney del The Hollywood Reporter sostuvo que era "Una estremecedora historia de forajidos con perspectiva socio económica y un rico sentido de la atmósfera" En cuanto a la banda sonora destacó que la "sombría" banda sonora de Cave y Ellis "a menudo ha servido como un puente expresivo entre el Viejo y el Nuevo Oeste".

Peter Travers de Rolling Stone destacó que era "Un hipnótico western moderno con la intensidad enrollada de una serpiente de cascabel a punto de saltar (...)" 

Eric Kohn de IndieWire señaló que "'Si 'No Country for Old Men' fuera rehecha como una película de robos, sería algo como 'Hell or High Water'" y con respecto a la música señaló que "La banda sonora vibrante de Nick Cave y Warren Ellis mantiene el ritmo a un ritmo vibrante".

Nikola Grozdanovic de The Playlist consideró que "La estructura de la trama no evoluciona más allá del 'policías persiguiendo a ladrones', pero 'Hell or High Water' equilibra su humor amplio e inteligente con algo real, serio y tremendamente triste (...) Un viaje firme y perfectamente disfrutable".

La crítica de IGN, Samantha Ladwig, le dio a la película nueve de diez, diciendo: " Hell or High Water sorprende con su narrativa compleja, deslumbra con su cinematografía y compensa las deficiencias de este verano". 

Tom Stempel, de Creative Screenwriting, elogió Hell or High Water como "un estudio fresco, inteligente, de personajes de robo a un banco y uno de los mejores guiones en lo que va del año". 

En el Reino Unido, Tom Huddleston de Time Out sostuvo que era "Una película con un puñado de momentos memorables - la mayoría de ellos involucrando a un Bridges tirando insultos a la gente - pero sin grandes novedades que decir (...)" .

Adam Fleet de The Guardian describió la banda sonora como "excelente". Y en otro lugar de la prensa británica, en Empire Jimi Famurewa describió la banda sonora como "típicamente premonitoria". 

En 2021, los miembros del Sindicato de Guionistas de América Oeste (WGAW) y del Sindicato de Guionistas de América Este (WGAE) lo eligieron en el puesto 64 de los 101 mejores guiones del siglo XXI (hasta la fecha) del WGA. En 2025, fue una de las películas elegidas por los lectores para la lista de "Las 100 mejores películas del siglo XXI" del New York Times , quedando en el puesto 254. 

Ya en España, además del carácter social defendida por Javier Ocaña en la entrada de 2019 cuando dejó por escrito en las páginas de El País que era "Un gran wéstern social. (...) Una de las películas más sorprendentes de los últimos años (...) Es cine mayúsculo sobre recompensas: económicas y, aún mejor, morales." 

Luis Martínez en las de El Mundo lo que destaca es que estábamos ante "Un disparo al corazón de cualquier espectador con hambre de plomo. (...) una de la mejores películas de la temporada. (...) " 

José Manuel Cuéllar en ABC valoraba especialmente que era un "Filme sobre la familia como trasfondo, con la conflictividad social de escaparate y con un excelente guión llevado con excelsa brillantez ante la misma retina del espectador. (...)" 

Quim Casas en las pa´guiinas de la edicación de Barcelona de El Periódico afirmaba que era un "Excelente 'thriller' rural, o wéstern policiaco (...) magnífica historia donde figuras y paisajes se funden en uno. (...)" 

En Cinemanía Daniel De Partearroyo destacaba el papel de "Un Jeff Bridges enorme (...) Neowestern tan bufo y amargo como una canción de Nick Cave. (...)" ; mientras que en las de Fotogramas Fausto Fernández afirmaba que que era "Un neowestern más cercano al universo desesperado del escritor John Steinbeck que a Terrence Malick o Cormac McCarthy (...) Una Texas desértica y quemada por el Sol, vista por el estilista director con mucho humor negro (...) 

Por mi parte valorar la película como lo que es, un western moderno o un neowestern - en palabras de Fausto Fernández- con fuerte crítica social , explorando la decadencia de la América profunda , la pobreza generacional y la traición del sistema bancario a través de atracos que esconden un mensaje sobre justicia y desesperación, con una mezcla de géneros, un guion brillante de Taylor Sheridan y actuaciones memorables, especialmente de Jeff Bridges, Chris Pine y Ben Foster , destacando su complejidad moral - pues la frontera entre lo que está bien o mal, aparece aquí totalmente diluída- y diálogos punzantes en esta crítica al Sistema y monumento a la desesperanza donde todos tienen mucho que perder y de hecho, pierden.

La última película

Hay películas que une quiere ver, básicamente porque son Historia del Cine y, sinceramente, The last Picture Show lo es. En uno de estos series que se acercan a la historia del cine nos presentaba como el cine estadounidense de postguerra, es decir, el que se desarrolla poco despues de 1950 es un cine de fuerte carga melodramática, siendo este tema el dominante , especialmente, cuando se hablaba de la juventud o de las dificultades del amor, y , en gran medida, así se mantiene hasta que en 1971 un director Peter Bogdanovich que aquí también actúa como guionista está dispuesto a darnos una botedada a dos manos si lo que esperábamos era eso, encontrar un melodrama, pues esta película lo tiene todo como bien lo sabía el director y otras personas que colaboraron con él en el desarrollo del guion como Larry McMurtry, pues tanto el director como éste adaptaron la novela semiautobiográfica publicada en 1966 del mismo McMurtry. 

Entre otras de las virtudes que destacan de la película es igualmente la música compuesta por Phil Harris , Johnny Standley , Hank Thompson, aunque se suman bastantes temas del momento. Labor igualmente fundamental es el de la magnífica fotografía en blanco y negro producto del saber hacer de Robert Surtees, así como contar con el apoyo de un productor como Stephen J. Friedman y una productora independiente como la BBS Production a la que se sumó una productora surgida específicamente para esta película como Last Picture Show Productionms con la que afrontar los 1.3 millones de dólares de Presupuesto y que contó con el apoyo de la Columbia Pictures en la distribución. 

El reparto de la película incluye a Timothy Bottoms , Jeff Bridges , Ellen Burstyn , Ben Johnson , Cloris Leachman , Cybill Shepherd , Eileen Brennan y Randy Quaid . 

Esta historia de transición a la adultez ambientada en los años 50. Ambientada en un pequeño pueblo del norte de Texas entre noviembre de 1951 y octubre de 1952, es la historia de dos estudiantes de último año de secundaria en pequeño pueblo petrolero de Anarene (Texas) y mejores amigos de toda la vida como son Sonny Crawford (Timothy Bottoms) y Duane Jackson (Jeff Bridges) y sus relaciones. 

Duane sale con la bella pero voluble Jacy Farrow (Cybill Shepherd), una buena chica que busca un poco de emoción siendo la chica más popular del pueblo, con los padres más ricos. Sonny rompe con su novia debido a su enamoramiento secreto de Jacy. 

En un baile de Navidad, noche en la que descubrimos que la madre de Jacy , Lois Farrow (Ellen Burstyn ), le importa poco su matrimonio con Gene (Robert Glenn ) el padre de Jacy, dándosela en público con el capataz de sus pozos , Abilene (Clu Gulager) 

A la entrada del baile, Jacy es invitada por Lester Marlow (Randy Quaid ) a una fiesta de baño desnudo en la piscina de Bobby Sheen (Gary Brockette) , un joven adinerado y aparentemente mejor prospecto que Duane. 

En ese mismo baile, Sonny besa a Ruth Popper, la deprimida esposa de mediana edad de su entrenador de la preparatoria a la que conoció cuando el entrenador le pide que le lleve al médico pues su marido no la soporta. Desde esa noche, el tímido Sonny, por su parte, mantiene una aventura ilícita con la esposa de un entrenador, Ruth Popper (Cloris Leachman), una mujer triste y sencilla cuya única alegría parece residir en los momentos robados que comparten. Al ahondar en las vidas entrelazadas de los diversos residentes del pueblo, la película explora temas como el amor, la soledad, la inocencia perdida y la desilusión. 

Antes de iniciar la relación con Ruth, Duane, Sonny y otros llevan a su joven amigo Billy (Sam Bottoms), con discapacidad mental, a una prostituta para que pierda su virginidad. 

Al regresar a casa, el empresario local Sam "El León" (Ben Johnson ) se enfurece por el trato que le dan a Billy, quien barre habitualmente la calle principal de Anarene. Les prohíbe la entrada a cualquiera de sus negocios, el único entretenimiento del pueblo: el billar, el cine y la cafetería, aunque días después el "León" tiene una conversación con Sonny cerca de un lago en el que evoca su pasado y su amor con una joven local, de la que no quiere dar detalles.

Más tarde, cuando Sam sorprende a Sonny visitando a Billy y a Genevieve (Eileen Brennan) , la camarera, en la cafetería, Sonny se disculpa y Sam le levanta la prohibición. Bobby se le insinúa a Jacy, pero se niega a tener sexo con ella porque es virgen. 

El fin de semana de Nochevieja, Duane y Sonny conducen impulsivamente a México. Antes de irse, el nostálgico Sam les da algo de dinero extra para que se diviertan. 

Cuando los chicos regresan con resaca y cansados el lunes por la mañana, se enteran de que Sam murió repentinamente de un derrame cerebral el día anterior. Sam le deja a Sonny el salón de billar en su testamento. 

Jacy invita a Duane a un motel para tener sexo, pues quiere ser aceptada en el círculo libertino de Bobby. Él no consigue una erección, así que ella lo riñe. 

Más tarde, lo intentan de nuevo y Duane se presenta brevemente, lo justo para que Jacy pierda su virginidad. Rompe con él por teléfono, con la esperanza de volver a tener una relación con Bobby. Sin embargo, Jacy se entera de que Bobby ya se ha casado con otra chica. Por aburrimiento y rechazo, tiene relaciones sexuales con Abilene, el capataz rudo de su padre Gene y amante de su madre. Cuando la deja, lo hace con desprecio y una fríaldad que da miedo.

Al entrar en la casa, Lois, su madre, la sorprende y Jacy rompe a llorar. Hablan del doble vínculo en el que se encuentran: reducidos a objetos de sexualidad, pero castigados si expresan o disfrutan de su sexualidad. 

Disgustado por la ruptura, Duane se alista en el Ejército y, tras el entrenamiento básico, debe servir en la Guerra de Corea . En su ausencia, Jacy se enamora de Sonny, quien abandona a Ruth abruptamente y sueña con casarse con ella. 

Duane regresa a casa de permiso, conduciendo un Mercury nuevo . Discute con Sonny por Jacy, le estrella una botella de cerveza en el ojo y lo envía al hospital. 

Durante su recuperación, se niega a ver a Ruth cuando ella lo visita. Jacy y Sonny se fugan a Oklahoma . De camino a su luna de miel, Jacy revela que les dejó una carta a sus padres contándoles todo su plan. Un policía estatal los detiene y los lleva a casa de los Farrow. 

Gene, furioso, reprende a Sonny y lo lleva a casa. Sonny regresa con Lois, quien revela que Sam fue su primer amor verdadero. Sugiere que Sonny estaría mucho mejor con Ruth que con Jacy. El matrimonio se anula y transcurre poco tiempo. 

En la última noche de vacaciones de Duane, Sonny se reconcilia con él y le revela que Jacy se fue a la universidad en Dallas. Van al cine la última noche. La última función es " Río Rojo" .

 

A la mañana siguiente, cuando Sonny despide a Duane, este le pide que cuide su Mercury después de que Sonny admita que él y Jacy "no llegaron al motel". 

Al abrir la sala de billar, Sonny oye chirriar los frenos afuera. Billy fue atropellado y murió cuando barría la calle. Los vecinos rodean el cuerpo de Billy y lo culpan fríamente de estúpido y descuidado. Afligido, Sonny les grita por su comportamiento y se lleva con cuidado el cuerpo de Billy, cubriéndose la cara con su chaqueta de béisbol. Enfadado y deprimido con su vida, Sonny conduce hasta los límites de la ciudad. 

Poco a poco cambia de opinión y regresa, aparcando cerca de casa de Ruth. Tímidamente, le pide entrar a tomar un café. Deprimida, ella se ha encerrado en casa. Ruth lo deja entrar y estalla de dolor y rabia. Se da cuenta de que Sonny está completamente destrozado. Exigiéndole que la mire, él lo hace y le toca suavemente la mano. La ira de Ruth se disipa y ella lo consuela. Sus últimas palabras son: «No te preocupes, cariño. No te preocupes», al final de la película. 

Al entrar en The Last Picture Show, Peter Bogdanovich era un actor de teatro, ensayista cinematográfico y crítico de 31 años. Bogdanovich había dirigido una película, Targets (también conocida como Before I Die ), en colaboración con su esposa y colaboradora, Polly Platt . Como Bogdanovich explicó más tarde a The Hollywood Reporter , mientras esperaba en la fila de la caja de una farmacia, miró por casualidad el estante de libros de bolsillo y su mirada se posó en un título interesante, The Last Picture Show . La contraportada del libro decía que trataba sobre "niños que crecen en Texas" y Bogdanovich decidió que no le interesaba y lo devolvió. 

Unas semanas después, el actor Sal Mineo le entregó a Platt una copia del libro. "Siempre quise estar en esto", dijo, "pero ya estoy un poco mayor", dijo Mineo, quien recomendó que Platt y Bogdanovich lo llevaran al cine. 

Según Bogdanovich, Platt dijo: «No sé cómo se convierte en película, pero es un buen libro». Según Platt, en una cena con ella y Bogdanovich, el productor Bert Schneider «le preguntó a Peter qué quería dirigir a continuación, y Peter no tenía una respuesta clara, pero yo le comenté sobre este gran libro, The Last Picture Show , y Bert mostró cierto interés». Platt sostuvo que después de que Schneider aceptara financiar la película a través de BBS Productions, convenció a Bogdanovich de superar sus dudas sobre el material original y comprometerse con el proyecto.

Bogdanovich, McMurtry y Platt adaptaron la novela para la película homónima.  Stephen Friedman era abogado en Columbia Pictures, pero estaba ansioso por entrar en la producción cinematográfica porque había comprado los derechos cinematográficos del libro, por lo que Bogdanovich lo contrató como productor.

Después de discutir la película propuesta con Orson Welles , su invitado en ese momento, Bogdanovich estuvo de acuerdo con él en que filmar la película en blanco y negro funcionaría estéticamente, lo que para entonces era una elección inusual. 

La película se rodó en Archer City , el pequeño pueblo natal de Larry McMurtry , ubicado en el centro-norte de Texas, cerca de la frontera con Oklahoma. McMurtry había renombrado el pueblo como Thalia en su libro; Bogdanovich lo bautizó como Anarene (por un pueblo fantasma a 13 km al sur de Archer City). La similitud con el famoso pueblo ganadero de Abilene, Kansas , en Río Rojo (1948) de Howard Hawks fue intencional precisamente "la última película", que Sonny y Duane ven al final de la película. 

Después de terminar el rodaje, Bogdanovich regresó a Los Ángeles para editar el metraje de la película en una Moviola . Bogdanovich ha dicho que editó toda la película él mismo, pero se negó a acreditarse como editor, argumentando que director y coguionista eran suficientes.   Cuando se le informó que el Motion Picture Editors Guild requería un crédito de editor, sugirió a Donn Cambern , que había estado editando otra película, Drive, He Said (1971), en la oficina de al lado y había ayudado a Bogdanovich con algunos trámites de compra relacionados con la óptica de la película.  Cambern lo niega, afirmando que Bogdanovich hizo una edición de la película, que proyectó para una selección de invitados, incluidos Jack Nicholson , Bob Rafelson y él mismo. El consenso fue que la película iba a ser genial, pero necesitaba más edición para alcanzar su máximo potencial. Cambern afirma que Bogdanovich lo invitó a hacerlo, durante la cual hizo contribuciones significativas a la forma final de la película. 

Bogdanovich obtuvo una rara exención del Sindicato de Directores de Estados Unidos para que su nombre apareciera solo al final de la película, después de los créditos de los actores, ya que sintió que era más significativo para el público ver sus nombres después de sus actuaciones. 

La película presenta música completamente diegética , incluyendo muchas canciones de Hank Williams Sr. y otros artistas de música country y western , así como de música popular de la década de 1950. En entrevistas, Bogdanovich enfatizó que se prestó mucha atención a que la música fuera precisa y contemporánea al lapso de tiempo narrado entre noviembre de 1951 y octubre de 1952, y que no se usaron canciones que se lanzaron después de esa fecha 

La película recaudó 13,1 millones de dólares , multiplicando con creces lo invertido en ella. Desde el principio tuvo varios premios y galardones. En la 44.ª edición de los Premios Óscar (1972) fue nominada a 8 premios entre ellos el de Mejor película , Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ), Mejor actor de reparto ( Jeff Bridges ) que fue el ganador,  Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ) ,  Mejor actriz de reparto ( Ellen Burstyn ) que fue ganadora,  Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman ) , Mejor guión adaptado ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich )  y Mejor fotografía ( Robert Surtees ) 

En la 29.ª edición de los Globos de Oro (1972) fue nominada a Mejor Película - Drama´tica, pero ganó el premio a Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ) siendo nominada a Mejor actor de reparto en una película ( Ben Johnson ) , Mejor Actriz de Reparto  ( Cloris Leachman  y Ellen Burstyn ) , así com,o a la recién llegada más prometedora - Mujer ( Cybill Shepherd ) 

En los BAFTA  fue nominada a Mejor película, ganando el de Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ) así como el premio a la Mejor actriz de reparto ( Eileen Brennan ) siendo nominada a Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman )  , siendo nominada a Mejor actor de reparto ( Ben Johnson )  y  Mejor guión ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich ).

En los Premios del Sindicato de Escritores (WGA)  fue nominada a Mejor guión de drama adaptado ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich )  y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York la nominó a Mejor película, Mejor guion, Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ), ganando en el de Mejor director ( Pyotr Bogdanovich )   y Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman  junto a Ellen Burstyn ) 

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine 1971  fue concedido como ganador a Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ) y nominada a la Mejor actriz de reparto ( Ellen Burstyn  y Cloris Leachman ) así como Mejor fotografía ( Robert Surtees 

En cuanto a la cróitica destaco la del crítico del Chicago Sun-Times, Roger Ebert, quien la nombró la mejor película de 1971. Más tarde la añadió a su lista de "Grandes películas", escribiendo que "La película posee una honestidad sin adornos que fue un golpe tras la pirotecnia de finales de los años 60 (...); la película es sobre todo una evocación de estados de ánimo. Trata sobre un pueblo sin razón de existir y gente sin razón de vivir allí. La única esperanza está en la transgresión". 

También en Illinois, Gene Siskel del Chicago Tribune le dio a la película cuatro estrellas de cuatro y escribió: "Como pocas películas en los últimos años, The Last Picture Show de Peter Bogdanovich termina con nosotros queriendo ver más de las personas que habitan el mundo de la pequeña ciudad que es Anarene, Texas, en 1951. Esta emoción no se logra fácilmente. Es el resultado de una investigación exhaustiva de Peyton Place en las habitaciones de Anarene, los autos estacionados, los partidos de fútbol, ​​el cine, el restaurante y el salón de billar". 

Y para acabar con la prensa de Illinois, o parte de ella, en el Chicago Reader Dave Kehr  sostuvo que "Es una historia psicológica íntima, salpicada de referencias a películas de Hollywood (...) Todo está bastante calculado, aunque Bogdanovich sabe cómo elegir actores y destacar los giros de los personajes".

Vincent Canby, de The New York Times, la calificó como una "película encantadora" que "redescubre e iliumina mucho más que un segmento de una época, un lugar, una forma cinematográfica y una pequeña pero importante parte de la experiencia estadounidense más que cualquier otra película estadounidense en la historia reciente (...) Está llena de detalles cuidadosamente investigados de tiempo y lugar". 

La neoyorquina Pauline Kael El neoyorquino La estilizada fotografía de Robert Surtees (...) ayuda a clarificar el tema. La película necesita urgentemente esta estilización, porque, por supuesto, su superficial visión general de la vida urbana roza peligrosamente la televisión. Estados Unidos Inclinación Budd Wilkins Inclinación Para los miembros del Nuevo Hollywood, fue una ventana que se abrió brevemente a una cinematografía revitalizada y a una narrativa audaz (…) 

Charles Champlin del Los Angeles Times calificó a la película como "el tributo más considerado, artesanal y elaborado que hemos tenido hasta ahora a lo que fueron las películas y cómo figuraron en nuestras vidas". 

Gary Arnold del Washington Post la llamó "una película narrativa extremadamente bien hecha y atrapante con objetivos decentes, que nos anima a comprender y preocuparnos por sus personajes, aunque no a emularlos". 

Paul Zimmerman del Newsweek simplemente dijo que era "Una obra maestra" 

En el Reino Unido  Peter Bradshaw de The Guardian comentó que "Sigue siendo una obra maestra se mire por donde se mire (...) La banda sonora de Hank Williams y otros es una delicia. Imperdible (...) "

En Empire Kim Newman defendió la idea de que era " La perfecta recreación que Bogdanovich hace del sentido del tiempo y el lugar, y su capacidad para combinar ingenio y emoción, hacen de esta una película encantadora y atemporal (…)  

El británico Tim Robey de Telegraf destacó de ella que "Se ve cada vez más nítidamente impresionante y remota (…) " 

Anthony Quinn de The Independent sostuvo que "Su humildad se vuelve extraordinariamente conmovedora (...) [Bogdanovich] le da a todo su peso apropiado" . Por último, David Parkinson de Radio Times  consideró que " Esta es una clase magistral sobre cómo crear personajes completos y darles una vida real (...) Jeff Bridges y Cybill Shepherd sobresalen (...)

La edición de febrero de 2020 de la revista New York Magazine incluye a The Last Picture Show entre "Las mejores películas que perdieron el premio a la mejor película en los Oscar".

Bogdanovich reeditó la película en 1992 para crear una " versión del director ". Esta versión restaura siete minutos de metraje que Bogdanovich recortó del estreno de 1971 porque Columbia había impuesto un límite firme de 119 minutos. En ella dos escenas se alargaron ligeramente: el regreso de Ruth y Sonny del médico, y el regreso de Billy con Sam tras su encuentro con Jemmie Sue; ambas contaron con diálogos adicionales. Además, se reintrodujeron varias tomas individuales, en particular una toma de enfoque profundo al estilo Gregg Toland frente al Teatro Real, mientras todos suben a sus coches. 

Bogdanovich dirigió una secuela en 1990, Texasville , basada en la novela homónima de McMurtry de 1987 , en la que gran parte del elenco original retomaba sus papeles. Texasville no logró igualar el éxito de crítica ni de taquilla de su predecesora. 

En 1998, la Biblioteca del Congreso seleccionó The Last Picture Show para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética. No es para menos, es una maravilla, una obra maestra del cine, un clásico de lo que se vio emn llamar el Nuevo Hollywood , aclamada por su fotografía en blanco y negro, su reflejo frealista de una adolescencia que iba cambiando, la crítica social que mostraba el aburrimiento, la pérdida de la inocencia, el primer amor, la sexualidad y el fin de una era en un pueblo de Texas, uns actuaciones naturales ( Jeff Bridges , Cybill Shepherd ),el excelente reparto secundario que incluye a Ben Johnson y Cloris Leachman, la gran dirección de Peter Bogdanovich en su debut , su evocadora fotografía de Robert Surtees que le dan un tono nostálgico y atemporal, realzando la desolación del paisaje y la crudeza emocional y su profunda exploración de la transición a la adultez en la América rural que va languideciendo. . 

Día de paga

Película del año 1922, que tendría que ser la primera de este año 2026, que ya tiene la friolera de 104 años y que fue dirigida, escrita, producida e interpretada por Charles Chaplin acompañada de su compañera de reparto habitual, Edna Purviance, la hija del capataz,  y donde también participan Phyllis Allen con la mujer de Charlot, Sid Chaplin - su medio hermano- , uno de los trabajadores de la empresa, y Marck Swain como el jefe. 

Se trata de un cortometraje realizado por First National Pictures en la que Charlie Chaplin escribió, dirigió y protagonizó siendo es el último cortometraje de dos bobinas de Chaplin.

Se trata de uno de los cortos más conocidos y apreciados de Chaplin y el que afloran más que nunca un sentimiento de solidaridad y coherente herramienta reivindicación social. 

Se trata por un lado de una historia desarrollada en tres espacios: la obra, la diversión tras la paga y el retorno a casa donde le espera su mujer, pues en esta película se le presenta en un papel poco habitual: el de un trabajador y un marido dominado por su mujer. 

En la primera parte, se le ve como un obrero en una obra (en realidad, se rodó en exteriores, en un nuevo edificio en construcción cerca del estudio), con problemas con los ladrillos, las herramientas de su oficio y un ascensor que, al menos, tiene la práctica costumbre de entregarle la comida a otros. 

La obra. Allí vemos como Chaplin llega tarde, siendo el último en aparecer, sin atender a las indicaciones de un enorme capataz. A él se le asigna el cavar un hoyo, pero también el de ordenar ladrillos y otras funciones menores en las que se detiene por la presencia de la hija del capataz, o del hambre y su intento de comer.

El segundo acto muestra al obrero en una noche de fiesta y le da a Chaplin la posibilidad de protagonizar un acto de borrachera como el que le dio fama en los music halls ingleses de su juventud. El segundo espacio es la taberna de la que sale una vez recibida y negociada su sala y en la que se ve con otrps tres parroquianos que beben en exceso. Esto da lugar a dos problemas. El primero con la vecino que no soporta los ruidos de la cuadrilla , especialmente, cuando se ponen a cantar; y del propio Charlot y un compañaro de bebida la hora de montarse en el metro.

La tercera es el casa. Una vez que llega tras un accidentado viaje, se encuentra con su temible y exigente mujer a la que ha de entregar el dinero, y eso que no está en condiciones tanto por la bebida como por pasar la noche fuera de casa. 

La película que fue conocida como el título original de Pay Day,  Charlot trabaja de Perú, cuando aparece la hija del capataz ( foreman, en inglés) se iniciaron todas sus peripecias. 

Según el biógrafo de Chaplin, Jeffrey Vance , « Día de Pago es una obra encantadora y pulida, la última comedia de dos rollos de Chaplin». Vance señala que Monta Bell , futuro director y productor, fue contratado como asistente general y ayudó a Chaplin a desarrollar el guion de la película en papel antes de la producción. Esto le permitió a Chaplin rodar con la colaboración del fotógrafo habitual, Roland Totheroh, Pay Day en 31 días de producción, con un marcado contraste con los cinco meses que necesitó para completar su anterior comedia de dos rollos, The Idle Class o La Clase Ociosa que puede ver hace nada con el título en castellano de Vacaciones.

En el final, debe regresar a casa de madrugada con su esposa, interpretada por la veterana experta en este tipo de papeles, Phyllis Allen. La película destaca especialmente por las escenas nocturnas del segundo acto, magistralmente filmadas.