Al otro lado de la carretera

En septiembre de 2019  fui con mi mujer a un Concierto de Hombres G, un grupo del que nunca fui un gran seguidor, pero que con el paso del tiempo, y y sobre todo gracias a mi mujer he ido valorando el impacto que tuvo en la música española. Bien es cierto que su concierto estuvo muy bien, no es menos cierto que yo, personalmente, disfruté mucho más del de los teloneros que llevaban. No eran otros que los malagueños de Danza Invisible.  Su presencia en el escenario seguía viva, su directo magnífico y su capacidad para conectar con el público maravilloso.

Esta noche acabo de ver el documental "A este lado de la carretera" (2021) dedicado a la banda que ofrece un recorrido íntimo y vibrante por los 40 años de trayectoria de la banda malagueña Danza Invisible, una de las formaciones más longevas y queridas del pop español.

Danza Invisible nació en 1981 en Torremolinos (Málaga). Sus integrantes era Javier Ojeda - su voz principal que entró en la formación inicial y se convirtió en la imagen más reconocida del grupo; Manuel Rubio como guitarra; el malagueño nacido en Brenton, Chris Navas como bajo; Antonio Gil (alias "Noni") como guitarra rítmica y también compositor y el gran aglutinador de la banda y el que fuera tercer integrante de la banda Ricardo Texidó que era el batería y voz en los inicios. De hecho, Ricardo Texidó fue uno de los fundadores y en los primeros tiempos era el cantante, hasta que Javier Ojeda asumió ese rol principal.

Me enteré que el origen de la banda estaba en el encuentro en el instituto de Manuel Rubio y Chris Navas que venían de otras experiencias musicales en Málaga y formaron junto con el duro y trabajador Texidó el núcleo original del grupo. Antonio Gil se unió después, aportando más riqueza instrumental con su trabajo en los teclados y guitarras. Y el quinto componente lo llevó Ricardo como una apuesta personal suya.

Tras su éxito en el Festival Atalaya de Jerez de la Frontera la banda pudo grabar un maxi como Danza Invisible (1982) , pasando luego tras su éxito y rápido impacto en Madrid en la Sala Rock Ola y en La edad de Oro Contacto interior (1983). La producción estaba muy influenciada por el sello independiente Twins y el productor Julián Ruiz (muy conocido en aquella época por trabajar con grupos de la Movida Madrileña). Fue un sonido extraño y ajeno a la banda asi que realmente funciono muy poco. No así el siguiente, el álbum "Música de contrabando" (1986) —uno de los más importantes— producido por Carlos Martos, técnico de sonido y productor muy respetado en la música española. 

El siguiente "A tu alcance" (1988), que incluye el megahit "Sabor de amor", que dudaron - y mucho en sacarlo, pues poco tenía que ver con el sentido de grupo y que también contó con Carlos Martos como ingeniero y colaborador en la producción. 

Más adelante, cuando se volvieron más autónomos, muchos discos fueron coproducidos por los propios miembros de la banda (especialmente Antonio Gil y Javier Ojeda) junto a técnicos de confianza.

Pues bien la historia del grupo es lo que vemos en este documental titulado Al otro lado de carretera dirigido por José Antonio Hergueta y Regina Álvarez, un filme se estrenó en el Festival de Cine de Málaga, donde recibió una cálida acogida por parte del público, aunque también se presentó en el Festival de Cine de Almería, y posteriormente fue emitido en el programa Imprescindibles de RTVE y que yo he visto en canal Sur, que conjuntamente con RTVE ayudo a su producción, así como la Junta de Andalucía.

El documental narra la historia de cinco jóvenes autodidactas que, en 1981, fundaron un grupo musical en el sótano de un pub - tablao El Capote en Torremolinos. En menos de un año, lograron posicionarse en las listas de éxitos de la llamada Nueva Ola, dando origen a Danza Invisible . 

A lo largo de sus 40 años de carrera, la banda ha ofrecido más de 2.000 actuaciones, grabado 19 álbumes y obtenido 4 discos de oro y 2 de platino.

El documental fue emitido ayer noche en Canal Sur, mientras el común de los mortales veía la final de la Copa del Rey. 

Tras los dos primeros llegó Música de contrabando (1986), el de Directo (1987) – un álbum en vivo y que yo tengo en CD. Para explotar con sus éxitos en otros como A tu alcance (1988), Catalina (1990), Bazar (1991) y entrar en crisis literalmente con Clima raro (1993) , momento que supuso la salida de Ricardo Texido. El resto, y como señaló su director  cuando dijo que "Un documental también es un ejercicio de terapia”, ya es historia. 

Revisión de la quinta ola

Vista hace cuatro años, tal y como aparece en este enlace, reconozco que no recordaba nada de ella, pues ya me pareció que era una película sin pena ni gloria y que estaba encaminada a un publico amante de la ciencia ficción con perfil teenagers, que empieza bien, pero que finalmente como una ola, naufraga.  

Buenas son las explicaciones de las distintas olas. La primera la intervención electromagnética; la segunda, ligada a tsunamis y maremotos que modifican la faz de la tierra; la tercera una guerra, : la puerta y, pero la mayoría no se recupera la integración alienígena en los cuerpos humanos; y la vida la reacción de los humanos frente a los alienígenas. 

La quinta ola es una película del año 2016 dirigida por J Blakeson y que llevaba por título en inglés The 5th wave. La película es la adaptación a la gran pantalla de la novela homónima de Rick Yancey, primera parte de la exitosa trilogía distópica para jóvenes adultos de la que también forman parte las novelas el mar infinito y la última estrella. 

Protagonizada por la joven y bella Cloe Grace Moretz, Nick Robinson, ron listón, Maggie Siff, María bello, Maika Monroe y Liev Schreiber, la quinta ola cuenta como una nave alienígena aparece sobre la tierra y sin ninguna intención de contactar con sus habitantes durante algún tiempo. Poco después comienza la primera oleada del ataque extraterrestre en la que toda fuente de energía desaparece, desde la que mueve coches y aviones hasta la que permite la existencia de agua corriente o luz eléctrica en las casas. Las víctimas son incontables. La segunda oleada es un gran tsunami que acaba con todas las ciudades costeras cercanas al mar. La tercera una plaga de gripe aviar manipulada para ser aún más letal. La cuarta alienígena con aspecto humano que cazan a los escasos supervivientes. En ese mundo apocalíptico y pozo apocalíptico la adolescente Cassie Sullivan hace todo lo posible y lo necesario para encontrar a su hermano pequeño que es recluido un campo de entrenamiento para niños. 

Al inicio de la película vemos a casi corriendo como una desesperada en una tierra en la que prácticamente ya no quedan supervivientes humanos tras las cuatro oleadas de una planificada invasión extraterrestre y donde la chica trata de sobrevivir entre el miedo, la desconfianza y la esperanza en encontrar a su hermano. 

Para el director la quinta ola " era muy importante que esta película no fuera sobre lo terrible que es el mundo como sino sobre lo bonito que es y sobre todo cómo conservar esa belleza. Mi planteamiento era que Cassie tuviera esperanza y resistencia y mantener el tono emotivo, colorido y cinematográfico, el lugar de hacer que resultara oscuro y deprimente". Vista, aunque no es ni pasable. 

Come back, Africa

Sorpresón absoluto la de esta película escrita, producida y dirigida por el cineasta independiente estadounidense Lionel Rogosin, del que pudo ver la impresionante, On the Bowery, una producción de Estados Unidos y Sudáfrica que lleva por título Come back, Africa (1959), filmada en inglés y en zulú por el mismo Rogosin en la Sudáfrica del apartheid y a espaldas de las autoridades mientras les engañó diciendo que iba a rodar un documental sobre las minas del país y que se convirtió en una película de denuncia política. Tanto Lionel Rogosin, en Estados Unidos, por medio de la Rogosin Films, - ahora distribuida por Milestone Film & Video- como Jean Rouch, en Francia, son considerados herederos del cineasta clásico Robert Flaherty por razones similares. Ambos utilizaron actores aficionados que interpretaban sus propios papeles en busca de la verdad o para desvelar algún misterio oculto más allá de la realidad: Rogosin, sostenido por fuertes creencias ideológicas, Rouch, inspirado por el surrealismo, que creía que era un medio útil para revelar el cine de realidad (cinéma-vérité) y también una importante herramienta a utilizar por un etnógrafo para la investigación científica. Siguiendo caminos diferentes para llegar a resultados similares, ambos convergieron en la etnoficción y lograron resultados satisfactorios. 

Aquí Rogosin tiró de un guion escrito por Bloke Modisane, Lewis Nkosi y el mismno, Lionel Rogosin. Contó con la música de Chatur Lal y la fotografía de Ernest Artaria, Emil Knebel.  

Rogosin, cineasta independiente estadounidense con fuerte compromiso social, viajó a Sudáfrica y grabó en Johannesburgo y sus suburbios, usando cámaras ocultas y sin permiso oficial. Su objetivo era denunciar la brutalidad y el racismo institucionalizado del apartheid, desde la mirada de un trabajador negro urbano. 

El rodaje salió adelante gracias a la participación de activistas africanos (la más notoria fue la de la cantante Myriam Makeba), que luchaban por acabar con el régimen político de Pretoria y también de algunos blancos (que interpretaron a los policías, ingenieros o a los jefes domésticos racistas) que no sabían el sentido/contenido global de la obra en la que estaban participando. La película es un documento cinematográfico de valor incalculable sobre las condiciones de vida de la población negra en el mencionado país durante varias décadas. Se trata de una obra de ficción, pero con (no)actores como Vinah Makeba, Zachria Makeba, Molly Parkin y Miriam Makeba en los papeles principales, y lo hace a partir de un material que hunde sus raíces en lo real y por lo tanto entronca directamente con el documental siendo finalmente un falso documental con alma de docudrama interpretado por actores negros, blancos, mulatos e indios. 

Descubrimos, pues, una película nada paternalista qwue no tiene reparo en dejar en mal lugar a algunos negros , como en este caso el papel del violento ladrón y asesino totsis.

El protagonista es Zacariah o Zachariah Mgabi, un pobre agricultor natural de Zululand, que abandona su kraal asolado por el hambre para trabajar en las minas de oro de Johannesburgo, por lo que que decide ir a la ciudad para ganar más dinero como minero pasando luego a vivir en Johannesburgo y sus alrededores. 

Viendo las duras condiciones de las minas y , sobre todo, las limitaciones impuestas por las autoridades que exigen un permiso a la población negra procedente del campo sale de la misma y se pone a trabajar como doméstico en la casa de una blanca. En la mina Zachariah se entera de que no puede buscar empleo sin un pase, pero paradójicamente, no puede obtener un pase sin empleo. Pero su labor como doméstico queda arruinada en breve por tirar la sopa de setas preparada por la señora al decirle que limpiara la olla que lo contenía, al beber alcohol, algo que la señora le prohibe expresamente y al tener su cuarto sin ordenar. 

Tras su experiencia como doméstico y cocinero, uno de los hombres que ha conocido en el entorno de este último trabajo lo lleva a su suburbio, en Sophiatown. 

Allí da con un grupo de borrachines y con alguna que otra prostituta, ya que la misma es - o parece srer una forma de vida-. Luego uno de sus conocidos lo lleva a un taller mecánico, aunque es contratado como limpiador de vehículos. Pero su compañero es un "viva la vida" y lo lleva a pasaerse en uno de los coches que está en el taller. Desgraciadamente para los dos el dueño se cruza con ellos y lo denuncia como robo. Logran salir, eso sí, tras ser advertidos por el jefe, un blanco, que finalmente no puede con ellos dado que un día no van a trabajar por que el Congreso nacional Africano ha convocado una huelga. El mecánico de dice a su jefe que no quería hacerse notar por lo que no fue a trabajar sin avviso, así que despide a los dos , a Zacariah, además , por "tonto" como le dice el dueño. 

De nuevo sin trabajo, lo volvemos a encontrar en Sophietown, aunque tras contactar con una "tía" , una mujer madura, consigue un barracón. Allí llegará Vinah, la mujer con sus hijos, tras malvender dos vacas. 

Descubrimos su relación personal, pero el que parece algo más descarriado es uno de sus hijos que parece abducido por la música que hace junto a unos amigos. Ellos van a tocar en la ciudad como músicos callejeros siendo la admiración de los viandante, mayoritariamente blancos. El chico tiene problemas con algún que otro chico de la comunidad que le intenta robarle su instrumento de viento. 

No es el único problema que tiene problemas en la comunidad puesto que Zakariah, por un lado, es contratado en un hotel, pero en nada es despedido al ser denunciado por una señora blanca por acoso lo que lleva a su mujer a plantearse en ponerse a trabajar lo que lleva a una discusión con ella ; y segundo, por ser golpeado mientras estaba comprando en un colmado regentado por un hindú por Marumu, un totsi, un famoso matón de Sophiatown. La violencia de este último le llama la atención a él que en la calle se pelea, siendo separardo por uno de sus amigos, que le dice lo peligroso que es. Algo que se confirma cuando está en casa de una mujer tomando unas cervezas. Uno intenta explicar que él pudo ser igual que él, pero que rectificó en su vida no como el totsi. 

De cualquier manera, las reflexiones, algunas hasta ontológicas, se paralizan cuando a la sala llega la cantante Myriam Makeba que canta un par de canciones para alegría de todos. Al día un mulato de los que allí se encontraban que no es considerado ni blanco por los blancos, nie negro por los negros le ofrece trabajar en la construcción de una carretera tras hablar con un ingeniero blanco que lleva la obra. 

Tras dudar inicialmente, pues Zakariah tiene la documentación caducada, le dice el ingeniero que él se la actualizará. Pero una redada llevada a cabo por la policía en el guetto lleva a la detención de Zakariah que es detenido. Mientras está en el calabozo, la mujer va en su búsqueda confiando que lo dejen salir, pero para desgracia de ella el totsi se persona en la casa para con el fin de robar , pero es asesinada estrangulándola. 

Cuando a la mañana siguiente regresa Zacariah y se la encuentra muerta sobre la cama, éste que se vuelve loco ante el asesinato, acabando la película siendo testigos de su locura. 

A medida que intenta sobrevivir en un entorno hostil, el espectador es testigo de las condiciones laborales precarias para los negros; la constante amenaza policial; la falta de derechos civiles y laborales; la desestructuración familiar forzada por la política de migración interna y la opresión cotidiana sufrida por millones bajo las leyes del apartheid. Todo esto se muestra con un estilo que mezcla realidad y ficción, algo innovador para su época. 

Cada vez que hay un cambio de escena suena la música de tambores mientras la gente se desplaza.

Reconocemos que hay una mirada especial sobre la ciudad de Johnnesburgo, una ciudad moderna , que podría ser cualquiera, no así el suburbio de las violentas calles de los townships o bidonvilles. 

La música juega un papel fundamental .

Llama la atención la descripción sobre la segregación por parte de un director blanco que refleja el apartheid. 

La película parece tener influencias del neorrealismo italiano: filmación en exteriores, luz natural, personajes del pueblo, así como por el gusto por la improvisación ya que muchas escenas surgieron del diálogo directo con los actores y habitantes locales. La película tiene un tono sobrio y comprometido, sin espectacularidad, pero con una gran fuerza emocional donde un afrikaner puede ridiculizar e insultar abiertamente a un negro, siendo uno de los primeros documentos audiovisuales que denunciaron el apartheid en occidente, antes de que el tema entrara en la agenda global del mundo allá por los ochenta llegando incluso a los noventa, momento en que el apparheid fue eliminado, al menos, legalmente. Come Back, Africa tuvo un profundo efecto en el cine africano y aún en la actualidad conserva una gran importancia histórica y cultural como documento que preserva el patrimonio de los townships de Sudáfrica en la década de 1950.

Con todo la película impulsó la visibilidad internacional del conflicto sudafricano, incluyendo una escena con la primera aparición cinematográfica de Miriam Makeba, quien luego sería una leyenda de la música africana y activista contra el racismo. Fue censurada en Sudáfrica durante décadas.

Tuvo un fuerte impacto en festivales europeos, especialmente en Venecia, donde ganó el Premio de la Crítica. La película tuvo un profundo efecto en el cine africano, y aún se considera de gran importancia histórica y cultural, como un documento que preserva la herencia de las aldeas de Sudáfrica en los 50. Prohibida durante años en Sudáfrica, esta película fue realizada de espaldas al régimen en colaboración con Bloke Modisane y Lewis Nkosi, periodistas de la revista Drum. 

Se puede clasificar como un reportaje, documental, película histórica o cine político, dado que plasma eventos y personas reales. No fue un éxito comercial, pero es considerada una obra clave del cine político independiente valorada por su ética de producción, su valentía y su humanidad. 

Para el crítico Joe Williams, «la película es más eficaz como documental etnográfico, con imágenes de cine verité de los privilegios de los blancos y la pobreza de los negros». 

Stephen Witty del Newark Star-Ledger afirmó que «aunque las imágenes y los sonidos no son suficientes para constituir una gran película por sí mismos, dan lugar a un documento fascinante». 

Escribiendo para Slant Magazine, Bill Weber manifestó que se trata de «un artefacto sólido y conmovedor de la crueldad de la Sudáfrica de finales de los años 1950, en la que la música a menudo hace soportable la desesperación y la ira largamente reprimida».

Dos en la oscuridad

Two O" Clock Courage es una película de Anthony Mann del año  1945, y que se trata de un sólido thriller de intriga en clave de comedia, amena y divertida aunque con muchos toques cómicos en el que el director deja ver ya su maestría como narrador de historias. 

Ese mismo año había rodado Código del amor y el Clan flamarion que preceden a esta película.Son películas de la primera etapa como director de las tres etapas que franjearon su vida y que están claramente diferenciadas. La de sus inicios allá por los años 40 donde se dedica sobre todo al cine negro y policíaco con resultados dispares aunque apuntando maneras. Esta película marcó su debut en la RKO. 

Tras esta siguió su gran década, la de los cincuenta donde hace su mejor cine de la mano del género que le dio fama y respeto: el western. 

Y una tercera en la década de los sesenta donde hace más superproducciones y películas grandes donde la calidad vuelve a bajar aunque tiene buenas películas como “El Cid” . 

En este caso se trata de un remake de la película Two in The Dark, una película de 1936 dirigida por Benjamin Stoloff, que aquí ejerce de productor, siendo el productor ejecutivo Sid Rogell,  y que es ampliamente superada y mejorada por esta versión de Mann, que vuelve a adaptar la novela de Gelett Burguess, aunque el guionista es Robert E Kent y los diálogos adicionales fueron de Gordon Kahn. 

Una historia nos cuenta lo que le ocurre una noche de espesa niebla, cuando un hombre (Tom Comway) camina por una calle hacia el fondo del encuadre, de espaldas a la cámara que sigue sus pasos tambaleantes hasta acercarse a su rostro y del que podemos apreciar su sien ensangrentada. Cuando se dispone atravesar la calzada está a punto de ser atropellado por un taxi, y en la charla que mantiene con la taxista, Patty (Ann Rutherford). 

A ella  le balbucea, confuso, a causa de un traumatismo cerebral está en estado amnésico y tropieza afortunadamente con una taxista, Patty (Ann Rutherford), plena de humanidad que intenta ayudarle en la recuperación de su personalidad, si no de su memoria. Al despertar ha perdido todos sus recuerdos . No sabe quién es y qué está haciendo en ese lugar y, poco después, a través de los medios de comunicación se entera que es el principal sospechoso de un crimen. 

Así que Patty Michel (Ann Rutherford) se muestra interesada por lo que les sucede y decide ayudarle para aclarar lo que está pasando.

En sus averiguaciones  junto a la agradable taxista entran en contacto con un vendedor de trajes, con un inspector de policía como Bill Brenner (Emory Parnell) , con un periodista como Al Haley (Richard Lane ) que vuelve loco a su jefe , con un autor de teatro como Mark Evans (Lester Matthews)- que acabará siendo asesinado- , con una actriz despechada como Barbara Borden (Jean Brooks ) casada con un hombre muy celoso Steve Maitland ( Roland Drew ) y con alguna chica bella de un club como Helen Carter ( Jane Greer). 

Justo al final, intentando reconstruir su pasado es disparado y este incidente provoca que los recueros regresen su mente y que la misma se restablezca pudiendo demostrar su inocencia , que la clave está en una obra de teatro escrita titulada "Two O´Clock Courage" y esclarecer la verdad de lo sucedido. 

Todo acaba con la pareja de investigadores que termina casándose. 

La película es un entorno de comedia producirla por la RKO Radio Pictures , y que junto a Anne Rutherford y Tom Conway cuenta igualmente con Richard Lane, Lester Matthews, Roland Drew, Emory Parnell, Bettejane Creer y Jean Brooks. 

La película cuenta con una magnífica fotografía en blanco y negro de Jack McKenzie, los efectos especiales de Vernon L. Walker, la dirección artística de Albert d' Agostino, los decorados de darrel Silvera y William Stevens, la música de Roy Webb y el montaje de Philip Martin. 

A destacar la actuación de la simpática Ann Rutherford , el de Tom Conway, ya establecido en RKO, quien apareció en la serie The Falcon de RKO y en la que Ann Rutherford acababa de salir de los estudios MGM. 

El rodaje comenzó en agosto de 1944. El actor era conocido gracias a actuaciones notablemente oscuras en una serie de memorables películas producidas por el gran Val Lewton: “La mujer pantera” (Cat People, 1942), “Yo anduve con un zombie” (I Walked with a Zombie, 1943) y “La séptima víctima” (The Seventh Victim, 1943) y algunos gags y diálogos logrados. 

Una obra que se acerca enormemente al universo de Hitchcock: el tema del falso culpable, la amnesia, la búsqueda de la identidad por parte del protagonista y la falsedad de las apariencias. 

De ella dijeron los críticos estadounidenses por ejemplo en el New York Times que calificó la película como "una modesta pieza de diversión cinematográfica de segunda categoría". Variety la calificó de "un misterio de ritmo lento y monótono... las situaciones son obvias, los diálogos rutinarios", aunque consideró que los protagonistas "le dan fuerza a la historia". 

Ya en España señala el Mundo que " Esta cinta de bajo presupuesto fue uno de los primeros trabajos como director de un cineasta muy estimado del Hollywood clásico, Anthony Mann (''Cid'', ''La caída del imperio romano'', ''El hombre de Laramie''). ''Dos en la ocuridad'' se basa en la figura de un héroe que ha perdido su identidad y es un remake de un thriller de la década de los 30 dirigido por Benjamin Stoloff. En el que nos ocupa, pero, Mann, autor también del guión adaptado, le añade un toque cómico que no se encuentra en su predecesor ni en la novela de Gelett Burgess".

The Equalizer 3

Con The Equalizer 3 (2023) vuelve el tándem formado por Antoine Fuqua y Denzel Washington qué tan buenos resultados ha dado en el cine. Con películas como Los siete magníficos, Training day y las dos entregas previas de Equalier, la de 2014 y 2016 y siempre basada en la serie de televisión del mismo nombre.

Equalizer sigue la línea marcada por la primera y la segunda entrega, pues el reguero de sangre y de violencia están nuevamente presente aunque ahora la violencia se desarrolla entre Sicilia y Nápoles, teniendo presente en estos casos tanto a la mafia siciliana como a la Camorra napolitana entreverándose sus historias con el tráfico de estupefacientes de armas y los negocios de financiación del terrorismo internacional. 

En este caso la historia la escribe Richard Wenk , siempre basándose en The Equalizer de Michael Sloan y Richard Lindheim. Contó con la producción de Todd Black, Jason Blumenthal, Denzel Washington, Antoine Fuqua, Steve Tisch, Clayton Townsend, Alex Siskin y Tony Eldridge representante3s de Columbia Pictures, Eagle Pictures, Escape Artists y Zhiv Productions que invirtieron unos $70 millones de dólares.  

Denzell Washington vuelve a dar vida al mortífero justiciero Robert McCall en esta tercera película de la saga coprotagonizada por Dakota Fanning. 

Aquí van a acabar con la violencia y con la sangre habitual con un grupo criminal aunque el ex agente de operaciones especiales es herido y acogido por los amables habitantes de un pueblo italiano que viven aterrorizado por la mafia local cuando las cosas comienzan a ponerse cada vez más duras McCale decide entrar en acción.

La película comienza en una bodega apartada de Sicilia. Allí un mafioso descubre como Robert McCall ha generado un gran estropicio, aunque no sabemos muy bien el por qué. Lo cierto es que el protagonista mata a un gángster, Lorenzo Vitale, y a sus secuaces para obtener una llave de la bóveda de la bodega y recuperar el dinero robado en un atraco cibernético. 

Al salir de la bodega, el nieto de Vitale le dispara a Robert por la espalda. Robert intenta suicidarse debido a su herida, pero descubre que su arma se ha quedado sin balas y luego toma el ferry de regreso al continente a través del Estrecho de Messina. 

Mientras conduce por la costa de Amalfi, Robert se detiene y queda inconsciente por el shock. Gio Bonucci, un carabinero local, lo encuentra y lo rescata. Gio lleva a Robert a un remoto pueblo costero italiano llamado Altamonte, donde un médico de pueblo, Enzo Arisio, lo trata. 

A medida que se recupera, Robert conoce a los lugareños y se encariña con el pueblo y su gente. Robert hace una llamada telefónica anónima a la oficial de la CIA Emma Collins para avisarle sobre el papel de la bodega en el tráfico ilegal de drogas disfrazado de transacciones comerciales ordinarias en Sicilia. 

Collins y otros agentes de la CIA llegan a la bodega y encuentran millones en efectivo y bolsas de tabletas de fenetilina escondidas en un almacén, lo que confirma las sospechas de Robert. 

Mientras tanto, miembros de la Camorra acosan y matan a los aldeanos en un intento de obligarlos a abandonar sus viviendas y apoderarse de Altamonte con fines comerciales. Robert escucha a Marco Quaranta, un miembro de alto rango de la Camorra, presionando al dueño de una tienda local, Angelo, para que le pague. Para dar ejemplo, la Camorra lanza bombas incendiarias contra la pescadería de Angelo ante la mirada de todo el pueblo. 

Gio revisa el vídeo del atentado y llama a la policía central italiana para que investigue. Junto con su esposa y su hija, la Camorra ataca a Gio y lo golpeó por interferir en sus operaciones. 

Después de esto, Marco exige que Gio le prepare un barco. Al escuchar la conversación, Robert le pide a Marco que traslade sus operaciones a una ubicación diferente. Cuando Marco se niega, Robert lo mata a él y a sus secuaces. 

Este provoca la ira de Vincent, el hermano mayor de Marco y jefe de la Camorra, amenaza y tortura al jefe de policía de Nápoles y le ordena encontrar al responsable de la muerte de Marco. 

Vincent instala una bomba en el coche de Collins, pero ella sobrevive después de que Robert le advierte. Vincent amenaza con dispararle a Gio frente a todo el pueblo, pero Robert se revela. Los ciudadanos comienzan a grabar a Vincent y sus secuaces con sus teléfonos con cámara, lo que provoca que Vincent y su pandilla se retiren y regresen a su casa; Luego se preparan para tomar represalias al día siguiente. 

Más tarde esa noche, Robert se infiltra en la casa de Vincent, mata a sus guardaespaldas uno por uno y obliga a Vincent a tomar una dosis letal de sus propias drogas. 

A través de Collins, Robert devuelve el dinero que había tomado de la bodega al fondo de pensiones de una pareja de ancianos. 

De regreso en Langley, Virginia, Collins recibe un ascenso por su contribución para poner fin al tráfico de drogas de Altamonte. Recibe un paquete que contiene una libreta de contactos y una nota de Robert felicitándola y diciendo que su madre estaría orgullosa de ella. Así, la nota revela que Collins es la hija de la difunta amiga y colega de Robert, Susan Plummer. 

Con los hermanos Quaranta muertos, Robert celebra con los lugareños después de la victoria de su equipo de fútbol. 

En agosto de 2018, Antoine Fuqua anunció sus planes de continuar la serie de películas. El cineasta expresó interés en que la trama se desarrolle en un entorno internacional. La diseñadora de producción Naomi Shohan pasó un mes en Italia buscando locaciones, antes de seleccionar el pueblo de Atrani como el escenario principal de la película. 

El rodaje se llevó a cabo en diversas localidades de la costa de Amalfi, incluyendo Atrani, Maiori y Minori, así como en Nápoles y Roma. 

El rodaje comenzó el 10 de octubre de 2022 en la costa de Amalfi, y continuó en la región hasta el 20 de noviembre, después de lo cual se trasladó a Nápoles a principios de diciembre, antes de finalizar la producción en Roma en enero de 2023. 

Robert Richardson se desempeñó como director de fotografía de la película, después de trabajar previamente con Fuqua en Emancipation (2022). Conrad Buff fue el responsable del montaje y de la música Marcelo Zarvos. 

La producción comenzó en octubre de 2022 y concluyó en enero de 2023. Aunque inicialmente se pensó que esta sería la última entrega de la serie, en noviembre de 2024, Denzel Washington anunció su participación en dos secuelas adicionales, "The Equalizer 4" y "The Equalizer 5", debido a la popularidad de la franquicia. La película recaudó aproximadamente 92,4 millones de dólares en Norteamérica y 98,7 millones en el resto del mundo, totalizando alrededor de 191,1 millones de dólares a nivel global. 

Junto a Denzel Washington está Dakota Fanning. Eugenio Mastrandrea, David Denman, Gaia Scodellaro y Remo Girone en papeles secundarios. 

En cuanto a la crítica Frank Scheck del The Hollywood Reporter señaló que "Washington es quien hace que merezca la pena ver estas películas por la fuerza de su carisma, pero se merece algo mejor que este tipo de cine" 

Por su parte, Murtada Elfadl de Variety dijo de ella que " Aunque esta película y otras similares no hagan que Washington gane premios ni reciba elogios de la crítica, siguen siendo entretenidas y fáciles de ver, en gran parte gracias a los directores que las dirigen". 

Kate Erbland de IndieWire defendió que "Si éste es el final de 'The Equalizer', es uno bueno, que supera la confusión, las complicaciones y las circunvoluciones para darles a todos una fastuosa aventura para recordar." 

Para Richard Roeper del Chicago Sun-Times comentó que era "Una nueva y entretenida historia para la franquicia que funciona como un 'Death Wish' moderno (...) 

Para Kyle Smith, del Wall Street Journal, escribió: "Para aquellos que pueden tolerar la violencia extrema, The Equalizer 3 es lo suficientemente entretenida. Si el guión es regular, las hermosas ubicaciones italianas, el encanto de clase mundial del Sr. Washington y una banda sonora inquietante y aterradora de Marcelo Zarvos lo elevan" 

En Gran Bretaña Jeremy Aspinall de Radio Times sostuvo que "Puede que se trate de un western de pistoleros solitarios con ropajes modernos, pero el director de la franquicia, Antoine Fuqua, ofrece un montón de tensos enfrentamientos y estallidos de caos (...). 

Por su parte, Clarrise Loughrey, del Independent, escribió: "En su mejor momento -y The Equalizer 3 es casi tan buena como la primera película- contrarresta perfectamente la acción barroca y sangrienta de Fuqua con la capacidad de Washington de captar la atención mientras permanece sentado perfectamente quieto". 

Para Charles Bramesco en las páginas del The Guardian se trata de "Un thriller sangriento y olvidable (...) una secuela rutinaria y violenta (...)  

Amon Warmann de Empire comentó que "Washington encuentra aún más capas que desplegar con Robert McCall en esta 'trecuela', aunque la propia película a veces lucha por ser tan convincente como su protagonista. (...).

Por último, Tom Shone, del Sunday Times, escribió: "Ya sea disfrutando de un capuchino, coqueteando con una camarera o chasqueando los antebrazos de los hombres, Washington hace que todo parezca una estrella de cine disfrutando de un momento de dolce vita de mediana edad". 

Ya en España la crítica fue más bien favorable. Quim Casas de El Periódico comentó que "Solo la interpretación de Washington da una cierta dimensión y relevancia dramática (...) Fuqua rueda muy elegantemente incluso las escenas de violencia primitiva, (...)" 

Salvador Llopart del diario barcelonés La Vanguardia señaló qie "Hay mucho del primer Spaghetti Western, quizá porque transcurre en Italia. Y muy poco de su honda resonancia. Es entretenida, pasan cosas, pero trivial hasta decir basta. (...)" 

Alberto Abuín, antes en Blog de Cine escribió sobre ella que "el neo spaghetti western definitivo, con DW como extraño con pasado oscuro en defensa del más débil en la bella Italia. Ejemplar crescendo. El inicio se agarra a una de las máximas de Cecil B. DeMille de cómo comenzar una película ". 

Y en Fotogramas, Fran Chico sostuvo que la película "Nos regala varias de las mejores escenas de acción de la trilogía. Sin embargo, el resto de personajes y de situaciones no funcionan como el ancla a la realidad que se supone que son, y terminan como una pérdida de tiempo"

Para Fausto Fernández, habitual de Fotogramas, pero publicado en X - antes Twitter- se trata de "El Robert McCall (dos "c" y una "ll") de The Equalizer 3 pasa de buen samaritano a santo a través de una liturgia sangrienta que necesariamente debía ser italiana. Un santo luminoso de día y de fría determinación nocturna envuelto en sombras y rojos apocalípticos. El Equalizer 3 poliziotteschi crudo a lo Umberto Lenzi, western USA poseído por el europeo (Los malvados de Firecreek: la escena en la plaza), bodycount Deodato y ritual católico de venganza coppoliano. Poco importa la subtrama de droga y terrorismo para este Django fulciano ". Mejor descripción, imposible. ¡¡¡ Gracias, Fausto!!!

Tres plumas

Uno podía pensar que se trata de una película de indios pero nada más falso que eso. Sí, es un western, pero con matices. Por lo pronto, se trata de un producto creado para la televisión aunque tira de un actor de peso como Glenn Ford, siendo el coprotagonista un joven que , en esos momentos, era una estrella juvenil de la televisión, llamado Michael Burns. Sin embargo, creo que tiene algunos defectos de importancia especialmente en la fotografía en la que el responsable, Donald Morgan, hace precisamente una extraña labor,  a eso de la media hora de la película se distorsionan los personajes no aparecen de manera definida incluso fuera de plano y te descoloca. Posiblemente este se debe a que fue una de las primeras películas en filmarse electrónicamente en cinta de vídeo, utilizando cámaras portátiles NTSC Norelco PCP-70 Plumbicon y videograbadoras portátiles Ampex VR-1200 de 2", antes de ser transferidas a película en Consolidated Film Industries en Hollywood. Fue la única película producida por Edward Platt (famoso por Superagente 86 ).

También es el final tan tremendo paralizando imágenes o incluyendo al caballo en la escena que creo que tiene mucho que ver con otras que más tarde veremos en otras películas como Forajidos de leyenda y con el concepto cinematográfico que introdujo Peckinpah y  la extenderá más tarde Walter Hill Así es tres flechas en su versión original Santee que surge de un guion escrito por Brand Bell. 

Se trata de una película del año 1973 dirigida por Gary Nelson coma un director que desarrolló su carrera entre los años 60 y los 80 siendo responsable de títulos como Get Smart (1965), Washington; begind closed Doors (1977), The Black hole (1979) o Death Note (1989).

La película fue producida por Vagabund Productions para American Video Cinema y Eaves Movie Ranch, en la que Cal Habern, aparece como productor ejecutivo, y Rosalee Berman como productora asociada así como Deno Paoli y Edward Platt, y contó con la presencia de además de Glenn Ford, de Michael Burns como Jody, Dana Winter como Valeria, , Jay Silverheels como John Crew Harry Townes como el Sheriff Carte, así como John Larch, Robert J. Wilke, Robert Donner y Taylor Lancher. Como responsable de el montaje aparece George W. Brooks, siendo el responsable de la dirección artística Mort Rabinowitz, Leonardo Mazzola de decorados

La película comienza con el desplazamiento de un grupo de sus tableros con una llanura polvorienta de Nuevo México, tras él la música de un armónica y un arpa de boca. Mientras en una polvorienta ciudad de este nuevo estado se encuentra un chico que espera la llegada de alguien. El chico intenta conectar con la población local formada principalmente por mexicanos pero esto no se comunican con él, todo yo mientras suena una guitarra y se cruzan miradas que no reflejan amistad ninguna.  Un chico, Jody Deakes, está esperando una carta de su padre y por supuesto nunca llega. 

En que pudiera parecer otro el protagonista es un chico llamado Jody Deakes (Michael Burns) y tras un largo período y separación se encuentra el Nuevo México y allí va en busca de su padre al que del que está separado desde hace muchos años para descubrir que este forma parte de una banda de forajidos y que está huyendo de un implacable caza recompensas llamado Santee (Glenn Ford).

Un grupo entre su padre llega al pueblo y a la salida de éste se suma el joven Jody. 

Como las cosas son inevitables finalmente este último se enfrentará al padre de Jody y acaba con su vida. Jodie decidirá seguirle para vengarse pero descubrirá que Santee es un buen hombre, eso sí atormentado por una terrible pérdida causada por unos forajidos, la pérdida de su único hijo. Con todo Santee decide adoptarlo y darle una nueva vida en su rancho junto con su esposa (Dana Wynter). Sin embargo, el pasado violento de Santee no tarda en alcanzarlo, poniendo en peligro su intento de redención y su relación con Jody.  

Santee y su esposa acogen en el rancho "Three Feathers" (Tres Plumas) a Jody y comienza a crecer una relación padre - hijo . Entonces aparece la banda que disparó al hijo de Santee.

Como ya hemos señalado la película fue rodada en Telecolor, un innovador formato de video de la época, siendo además unas de las primeras películas en utilizar sonido estereofónico de 4 pistas y fue filmada en 35 mm y estrenada en televisión y cines casi simultáneamente.. También es uno de los últimos wésterns protagonizados por Glenn Ford, quien ya era una leyenda del género por películas como 3:10 to Yuma y The Fastest Gun Alive. Película fue rodada en Santa Fe, y cuenta con la música de Don Randy y la letra compuesta por Bob silver y Pete También que son cantadas por the Raiders responsables de la canción de Jody. Curiosamente, Michael Burns, el actor que hacía de Jody, pronto dejaría la actuación a pesar del éxito conseguido en series como Wagon Train (1960-1965) y , puntualmente, en otras como The Twilight Zone, Perry Mason, Gunsmoke o The Mod Squad. Después de retirarse de la actuación en los años 70, Burns se dedicó a los estudios académicos, graduándose en Historia en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA), obteniendo un doctorado en Historia en la Universidad de Yale y se especializó en historia francesa y trabajando como profesor en el Mount Holyoke College, donde enseñó durante varias décadas. Publicó libros académicos sobre la historia de Francia y temas políticos. 

La historia tiene un fuerte tono crepuscular western crepuscular, pues nos muestra a un protagonista mayor tratando de cambiar su vida, un tema recurrente en el cine del Oeste de la década de 1970, pero también se manifiesta por el deseo de redención y el tono más reflexivo de lo habitual en un western . 

Hollywood al desnudo

Desconocía, como tantas cosas, que la película Ha nacido una estrella partía de una película que en español se llamó Hollywood al desnudo y que en su versión original era What Prize Hollywood? y que podía haberse traducido como ¿Qué precio tiene Hollywood?.

El director de la misma fue uno de los grandes directores del Hollywood clásico, considerado ante todo como un director de actrices que en esta película dramática estadounidense estrenada en el verano de 1932 y que contó con la presencia de una de las más grandes de la historia del cine y hoy olvidada Constance Bennet, pero que en su momento fue una estrella en el cine mudo y que lo dejó , regresando al cine sonoro con gran éxito, siendo la mejor pagada en films de Cukor o LaCava. Hablamos del director George Cukor que en esta película contó junto a Constance Bennett con Lowell Sherman. 

El guion de la misma fue escrito por Gene Fowler , Rowland Brown , Jane Murfin, Ben Markson y Allen Rivkin (sin acreditar) está basado en una historia de Adela Rogers St. Johns y Louis Stevens (sin acreditar) .

George Cukor fue el primero en ver que Hollywood podía ser una trituradora, pero la historia que llevó a la narración cinematográfica ha sido repetida en varias versiones posteriores, aunque con el título de Ha nacido una estrella, un momento que esta película se recoge como una visión estelar cuando Mary Evans (Contance Bennect) pasa de ser una aspirante a actriz en una estrella adorada y recogida por todo el mundo. Cinco años después de su estreno se hace la primera versión por parte de William A. Wellman en 1937. Veintidós años después de su estreno el mismo George Cukor la replantea en una nueva versión  en 1954. La tercera versión fue la dirigida por Frank Pierson en 1976 con Kriss Kristophersson y Barbra Stressand y la cuarta versión , y por el momento última fue dirigida, producida y protagonizada por Bradley Cooper en 2018 contando con Lady Gaga en el papel principal. 

La película fue producida por Pandro S. Berman y David O. Selznick, contando igualmente con el papel colaborador de Gene Fowler y Rowland Brown, presentándose como una producción en conjunto de la RKO Pathé, que también se encargó de la producción. Contó con un presupuesto de $416.000 que se recuperó en taquilla  al ingresar unos $571,000

La película contará con técnicos que, posiblemente, hagan algún cameo en la película pues hay un momento con escenas de un rodaje real en la que están trabajando los técnicos como Charles Rosher en la fotografía, Del Andrews y Jack Kitchin en la edición y contando con la música de Max Steiner. 

El reparto lo encabezan Constance Bennect y Lowell Sherman, y junto a ellos con secundarios que incluyen a Neil Hamilton , Gregory Ratoff , Brooks Benedict , Louise Beavers y Eddie "Rochester" Anderson.

La camarera de Brown Derby, Mary Evans, (Contance Bennect) es una aspirante a actriz que mientras espera conseguir su sueño trabaja como camarera. 

Antes de ir a trabajar mira las revistas que hablan de las estrellas de Hollywood del momento que llevan en sus portadas entre otros al galán del momento, Clark Gable junto a Jean Harlow, que se publican en la ciudad.

Una noche mientras trabaja conoce al director de cine Maximillan "Max" Carey (Lowell Sherman) en el restaurante. Max, un hombre muy proclive a la bebida y a otros excesos, y como es habitual en él, está muy borracho; pero al ser una hombre divertido y amable con todos los presentes, Mary se siente atraída por él, mientras que él ve en ella a una posible estrella del celuloide,  y la invita a un estreno en el Teatro Chino de Grauman. 

Max, que tiene un gran sentido del humor, la recoge del restaurante en un coche viejo en lugar de una limusina y luego le da el coche al aparcacoches como propina

Max lleva a Mary a su casa después del incidente, pero a la mañana siguiente no recuerda nada de la noche anterior. Mary le recuerda que le había prometido una prueba como actriz y le expresa su preocupación por su consumo excesivo de alcohol y su actitud frívola, pero él le dice que no se preocupe.

La prueba de cámara de Mary es un rotundo fracaso, pues no sigue las directrices que como director le da. Con todo ella ruega por otra oportunidad sobre todo al llegar a casa y reflexionar sobre lo que Max le había dicho. 

Después de extensos ensayos, vuelve a filmar la escena y el productor Julius Saxe (Gregory Ratoff) está satisfecho con el resultado y le firma un contrato. 

Tan rápido como Mary alcanza el estrellato, Max descubre que su carrera está en declive y evita una relación romántica con Mary para que ella no se vea envuelta en su espiral descendente pues el director tiene una fina intuición que , poco a poco, se va transformando en una realidad cuando ella alcanza rápidamente en la estrellato y, a la vez que esté director atrapado en el alcohol y comienza un camino descendente que provoca que ningún estudio le quiera contratar.

Un día, ya en pleno estrellato, Mary conoce al jugador de polo Lonny Borden (Neil Hamilton) , quien la ama a pesar de sus celos por las exigencias de su carrera. Lonny convence a Mary de casarse con él, aunque Julius y Max intentan disuadirla. Con todo le montan una boda por todo lo alto que se transforma en un escándalo dado el tumulto que se organiza en el exterior. 

Lonny se enojaprimero porque ha de suspender la luna de miel puesto que el productor le exige dos semanas de trabajo por acabar la película y ya que cada vez más por la devoción de Mary por su trabajo y su fidelidad profesional a Max , aunque a pesar de quererla finalmente la abandona. 

Después de que finaliza su divorcio, Mary descubre que está embarazada. Mary gana un premio por su actuación, pero su momento de gloria se ve interrumpido cuando debe pagar la fianza de Max, que es arrestado por conducir ebrio. 

Mary lo lleva a su casa, donde él se revuelca en la autocompasión a pesar de sus palabras de aliento. Más tarde, solo en el camerino de Mary, se mira al espejo y compara su rostro con el de una fotografía de mucho tiempo atrás. Encuentra una pistola en un cajón y se suicida de un tiro en el pecho.

Mary se convierte en el centro de los rumores sobre el suicidio de Max. Con la esperanza de curar sus heridas emocionales, huye a Francia con su hijo y su criada Abigail (Louise Beavers)  y se reúne con Lonny, quien le ruega que lo perdone y le dé otra oportunidad a su matrimonio.

El título original de la película era The Truth About Hollywood . Adela Rogers St. Johns basó su trama libremente en las experiencias de la actriz Colleen Moore y su esposo, el productor alcohólico John McCormick (1893-1961), y en la vida y muerte del director Tom Forman , quien se suicidó después de una crisis nerviosa. Otros hablan de que los guionistas se inspiraron en el matrimonio de Barbara Stanwyck con Frank Fay. 

El productor David O. Selznick quería que Clara Bow fuera la protagonista femenina, pero los ejecutivos de las oficinas de RKO en Nueva York dudaban en invertir en una historia de Hollywood porque proyectos similares habían fracasado en el pasado. 

Cuando Selznick los convenció de que el proyecto tenía potencial, Bow ya estaba comprometida con otra película contratando en ese momento a Constance Bennett quien siempre consideró ¿A qué precio Hollywood? su mejor película. 

Selznick inicialmente prometió al escritor y director Rowland Brown la dirección de What Price Hollywood ?; sin embargo, después de que Brown reescribiera el guion, Selznick lo reemplazó por George Cukor . 

Cuatro años después del estreno de la película, Selznick contrató a Brown para dirigir la siguiente encarnación del guion, alterado y rebautizado como A Star Is Born y que contaría con la participación de Janet Gaynor y Fredric March , pero Brown se negó a reescribir el guion, diciendo que no requería cambios, por lo que Selznick despidió a Brown. Selznick luego se acercó a Cukor y le pidió que dirigiera, pero Cukor sintió que la trama seguía siendo tan similar a la de What Price Hollywood? que se negó. El propio Selznick se atribuyó el crédito por la historia original que acabaría dirigiendo  William A. Wellman. 

Los ejecutivos de RKO consideraron presentar una demanda por plagio contra Selznick International Pictures debido a las similitudes en la historia, pero finalmente optaron por no emprender acciones legales. 

En el evento, ninguno de los escritores originales de What Price Hollywood? recibió crédito, Cukor luego dirigiría la versión musical de 1954 de A Star Is Born, protagonizada por Judy Garland y James Mason .

Destacar que lo mejor viene a mitad de la película cuando ella acude a un rodaje y ve como trabaja Max ni ese momento descubrimos a todo un grupo de técnicos que rodean el trabajo cinematográfico en los primeros momentos del cine sonoro. 

La película es una crítica al mundo de Hollywood y al sistema de contratación de actores denominado "Star-system".

La película fue una de las primeras de George Cukor que se puede considerar un claro precedente de Ha nacido una estrella ya que retrata dos trayectoria paralelas y divergentes en el Hollywood de los años 30 y mientras una actriz se convierte en estrella un director famoso en tren decadencia absoluta. 

El excelente y tradicional buen trabajo de Cukor en la dirección de actrices que da patente aquí una vez más con la estupenda interpretación que logra de Constance Bennet.

En una reseña contemporánea, The New York Times escribió: "Algunas partes de '¿Qué precio tiene Hollywood?' son muy divertidas, intencionalmente, y otras lo son a pesar de sí mismas. Algunas secciones son muy tristes, con la manera desconcertada de un guionista perdido, y otras son bastante agradables. Hay algunas buenas interpretaciones en la película, mucho más, de hecho, de lo que merece".

La reseña de Variety de julio de 1932 proclamaba: "Es una interpretación de Hollywood al estilo de una revista para fans, más un par de giros que invariablemente son conocidos como el deleite de las chicas trabajadoras... Cukor la cuenta de manera interesante. No tanto para la gente del espectáculo, tal vez, pero al campesinado le gustará como entretenimiento, incluso si no logra convencerlos del todo. La historia tiene sus exageraciones, pero pueden colarse bajo la línea como licencia teatral". 

La película fue un gran éxito de taquilla. Sin embargo, según los registros de RKO, la película perdió 50.000 dólares cosa que no encaja con lo invertido. 

En 1932 el Oscar a Mejor Película fue para Grand Hotel de Edmund Goulding. Estaban nominadas ese año Arrowsmith de John Ford, Bad Girl de Frank Borzage, El expreso de Shanghai de Josef Von Sternberg y El Teniente seductor de Ernst Lubitsch. Además Adela Rogers St. Johns y Jane Murfin fueron nominadas al Premio de la Academia a Mejor Historia original, pero perdieron ante Frances Marion por The Champ, ellos seguramente después vieron el éxito de su historia en la que Cukor retrata de manera crítica la maquinaria de Hollywood y aborda , valientemente, temas como la fama, la explotación y la caída de las estrellas. 

Por lo pronto, destacar el costo de la fama para la protagonista, Mary Evans, que representa el sueño hollywoodense: una mujer común que alcanza la cima del estrellato. Sin embargo, su éxito viene acompañado de sacrificios personales, relaciones complicadas y la constante presión de la industria. 

Frente al éxito está el fracaso y la autodestrucción en Hollywood reflejado el el personaje de Max Carey, el director que ayuda a Mary a convertirse en estrella,  un hombre talentoso pero con problemas de alcoholismo. Su caída simboliza la vulnerabilidad de los artistas en un sistema que los usa y los desecha. También destacar como el director destaca el tema del sensacionalismo y la prensa amarilla pues yo son muchas las revistas de la época que podían construir y destruir carreras con rumores, escándalos y titulares impactantes. Por último, destacar las relaciones de poder en la industria del cine en el que Mary, en su camino al éxito, debe navegar entre la ayuda interesada de figuras poderosas y el control que los estudios ejercen sobre sus estrellas. Esto anticipa el debate sobre la explotación en Hollywood. 

En cuanto a las características estilísticas y narrativas de la película vemos el carácter precursor de la misma, ya que se adelanta a su tiempo - a destacar el gusto por las elipsis que usa el director para marcar los tiempos- , y aunque Hollywood a menudo mostraba historias de éxito y glamour, esta película ofrece un enfoque más realista y crítico sobre la industria del cine. 

A estos se suman los personajes complejos y tridimensionales que en What Price Hollywood? presenta a personajes con defectos y dilemas morales. 

Por último destacar la dirección sofisticada de Cukor y su sensibilidad en el retrato de personajes femeninos, en este caso a una chica a la que convierte en una protagonista fuerte y determinada que desafía los estereotipos de la época. En definitiva, una película que marcó tendencia.