La Momia

Si hablo de la momia es probable que lo primero que te venga a la cabeza sea la película de la Universal del mismo nombre del año 1999- que lanzó al estrellato a Brendan Fraser y que tiene en común con la versión original, la de 1932, el mismo estudio, su personaje principal que se llama Imhotep, resucitado por el Libro de los Muertos, y busca la encarnación actual del alma de su amada Anck-su-namun, y presenta a un Medjay egipcio llamado Ardeth Bay (en este caso, un guardián de la ciudad y de la tumba de Imhotep). Esta película dio lugar a tres secuelas: El Regreso de la Momia (2001), La Momia: La Tumba del Emperador Dragón (2008). 

También dio origen a una precuela derivada de su antagonista, El rey escorpión (2002), que , a su vez, se lanzó sobre otro universo. También es probable que el título te remita al año 2012, cuando la Universal anunció un reinicio de la película, más acorde con las películas de terror, de la franquicia de películas Universal Monsters .

Decía Terence Moix que " la momia abre otro apartado en el acreditado filón del estremecimiento. De hecho, es una variante del gothic feeling, pero un desviado hacia la pasión por el extinto en descubrimiento de la tumba de Tutankamón había puesto de moda. En realidad, este evento era innecesario, pues nada había en el filme que no se presintiese en la novela de una momia" de Théophile Gautier, " The Jewell of Seven Stars, de Stoker, y obras parecidas. Solo que, en esta ocasión, el filme venía a romper un molde, pues, más que una película terrorífica rusa era una hermosa historia de amor trascendido más allá de la muerte".

El reinicio fue dirigido por Alex Kurtzman y esta Momia fue planeada como la primera película de una serie de películas de monstruos interconectadas, ya que Universal había planeado construir una serie de películas de universo compartido a partir de su archivo de películas clásicas de monstruos.  Tom Cruise era el protagonista de la película.

Pero no, me estoy refiriendo con La Momia a la película clásica de la Universal del año 1932, anterior al Código Hays, algo que se hace visible en la protagonista, Zita Johann, dirigida por Karl Freund con guion de John L. Balderston que fue adaptado de un tratamiento escrito por Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer .

Producida por Carl Laemmle Jr. para la Universal Studios que narra la historia clásica de la momia interpretada por el gran Boris Karloff, Zita Johann, David Manners y Edward Van Sloan. 

La película cuenta con una pieza de música clásica que se escucha durante los créditos iniciales, tomada del ballet El lago de los cisnes de Chaikovski , ya se había utilizado anteriormente (con el mismo arreglo) para los créditos iniciales de Drácula (1931) y Los crímenes de la calle Morgue (1932) de Universal; y se volvería a utilizar como música de cabecera de El secreto del cuarto azul (1933) del mismo estudio.

Pero a la que nos refererimos es la historia que nos cuenta que unos arqueólogos invaden la tumba de un cadáver momificado que resulta ser un sumo sacerdote del antiguo Egipto. 

La maldición de perfecta pero que por un descuido o la ambición transformará la momia en un nuevo ser dándole nueva vida e intentará atrapar a una joven descendencia que se parece a la princesa llamó en vida y que fue el motivo de su ejecución. 

El director, Karl Freund, fue el director de fotografía de la película Drácula aunque el responsable de la fotografía en esta película será Charles Stumar, mientras que el montaje que dió lugar a una hora de terror fue de Milton Carruth y que contó con la música de James Dietrich. 

En este caso la película comienza en 1921, cuando una expedición arqueológica dirigida por Sir Joseph Whemple (Arthur Byron ) encuentra la momia de un antiguo sumo sacerdote egipcio llamado Imhotep . Una inspección cular de la momia realizada por el amigo de Whemple, el Dr. Muller (Edward Van Sloan ) , revela que las vísceras no habían sido extraídas, y por las señales de forcejeo, Muller deduce que, aunque Imhotep había sido envuelto como una momia tradicional, había sido enterrado vivo. 

También se encuentra enterrado con Imhotep un cofre en cuyo interior contiene una maldición . A pesar de la advertencia de Muller, el asistente de Sir Joseph, Ralph Norton (Bramwell Fletcher ) , lo abre y encuentra un antiguo pergamino que otorga vida , el "Pergamino de Thoth ". Traduce los símbolos y luego lee las palabras en voz alta, lo que provoca que Imhotep (Boris Karloff ) resucite. 

Norton se horroriza y ríe histéricamente mientras Imhotep se aleja arrastrando los pies con el pergamino. 

Diez años después, Imhotep se ha integrado en la sociedad moderna, adoptando la identidad de un excéntrico historiador egipcio llamado Ardath Bey. Llama al hijo de Sir Joseph, Frank (David Manners ) , y al profesor Pearson (Leonard Mudie ) , y les indica dónde excavar para encontrar la tumba de la princesa Ankh-es-en-Amon .

Tras localizar la tumba, los arqueólogos presentan sus tesoros al Museo de El Cairo , tras lo cual Ardath Bey desaparece. El profesor recuerda que el asistente de Sir Joseph, Norton, enloqueció y murió de risa poco después. 

Tras la inauguración de una exposición sobre lo descubierto en la tumba de la princesa Ankh-es-en-Amon, vemos al grupo de arqueólogos que han encontrado la tumba y al que lo precedió, menos Norton que tras enloquecer falleció, celebrando una fiesta. A la misma asiste Helen Grosvenor (Zita Johann )  que baila con los Whemple y con el Dr. Muller. Ella agradece a unos y a otros no estar en este momento en Sudán, puesto que el padre trabaja en la embajada al sur de Egipto. 

Pero Ardath siente que el espíritu de la princesa Ankh-es-en-Amon esta cerca. Y la atrae al Museo con el fin de conocer a Helen Grosvenor, esa mujer medio egipcia que guarda un asombroso parecido con la princesa, pero que se queda inicialmente con Muller. 

Pero la belleza de ella atrae a Ardath que se enamora de ella, al igual que Frank. Además en el Museo ocurren dos extraños acontecimientos. Por un lado, Helen se siente atraída y sucumbe a las pertas del mismo, siendo encontrada por Frank; mientras que en el interior, la policía y los guardias de seguridad encuentran a uno de los suyos asesinado. 

Todas las sospechas  recaen en Ardath, pèro tanto el Dr. Muller como Sir Joseph están convencidos de que Ardath es la momia Imhotep, Muller insta a Joseph a quemar el Pergamino de Thoth, pero cuando Joseph intenta hacerlo, Ardath usa sus poderes mágicos para matarlo y luego hipnotiza al sirviente nubio de Joseph para que sea su esclavo y le traiga el Pergamino, ya que el linaje egipcio del nubio es susceptible a la magia de Imhotep. 

Después de que el sirviente lo hace, hipnotiza a Helen para que vaya a su casa y allí le revela en las imñágenes que aparecen en una fuente que su horrible muerte fue un castigo por sacrilegio , pues intentó resucitar a su amante, la princesa Ankh-es-en-Amon. Creyendo que ella es la reencarnación de la princesa , intenta convertirla en su esposa inmortal matándola, momificándola y resucitándola.

Frank y Muller acuden en su rescate y distraen a Ardath el tiempo suficiente para que Helen, ahora poseída por el espíritu de Ankh-es-en-Amon, implore a Isis que la ayude. La estatua de Isis alza su brazo y emite un destello que incendia el Pergamino de Thoth, rompiendo el hechizo que le había otorgado la inmortalidad a Imhotep, cuyo cuerpo muere y se convierte en polvo. En los brazos de Frank, el espíritu de Ankh-es-en-Amon abandona el cuerpo de Helen, y ella despierta siendo ella misma acabando así la película. 

Inspirado por la apertura de la tumba de Tutankamón en 1922 y la supuesta " maldición de los faraones ", el productor Carl Laemmle Jr. encargó al editor de historias Richard Schayer que encontrara una novela que sirviera de base para una película de terror con temática egipcia, al igual que las novelas Drácula y Frankenstein inspiraron sus películas de 1931 Drácula y Frankenstein . Schayer no encontró ninguna,aunque la trama guarda un fuerte parecido con un cuento de Arthur Conan Doyle titulado " El anillo de Thoth ". 

Schayer y la escritora Nina Wilcox Putnam conocieron a Alessandro Cagliostro y escribieron un tratamiento de nueve páginas titulado Cagliostro .  La historia, ambientada en San Francisco, trataba sobre un mago de 4000 años que sobrevive inyectándose nitratos .  Satisfecho con el concepto de Cagliostro, Laemmle contrató a John L. Balderston para escribir el guion.  Balderston había colaborado en Drácula y Frankenstein , y había cubierto la apertura de la tumba de Tutankamón para el New York World cuando era periodista, por lo que estaba más que familiarizado con el sonado descubrimiento de la tumba. 

Balderston trasladó la historia a Egipto, renombrando la película como La Momia y a su personaje principal como Imhotep , en honor al arquitecto histórico. También cambió la historia, pasando de una de venganza contra todas las mujeres que se parecían a la ex amante del protagonista a una en la que el protagonista está decidido a revivir a su antiguo amor matando y momificando a su reencarnación antes de resucitarla con el hechizo del Pergamino de Thoth.  Balderston inventó el Pergamino de Thoth, lo que le dio un aura de autenticidad a la historia. Thoth era el más sabio de los dioses egipcios que, cuando Osiris murió, ayudó a Isis a traer de vuelta a su amado de entre los muertos. Se cree que Thoth fue el autor de El Libro de los Muertos , que pudo haber sido la inspiración para el Pergamino de Thoth de Balderston. Otra posible fuente de inspiración es el ficticio Libro de Thoth que apareció en varias historias del antiguo Egipto.

Karl Freund , el director de fotografía de Drácula , fue contratado para dirigir, convirtiéndose así en su primera película en los Estados Unidos como director.  

Karl Freund, quien después de su excepcional carrera en Alemania se había trasladado a los Estados Unidos, ejerciendo su influencia en títulos como " sin novedad en el frente" y " Drácula". En la presente ocasión, abordaba además las tareas de director

Freund eligió a Zita Johann como 'Anck-es-en-Amon', nombre que recibió en honor a la única esposa del faraón Tutankamón Ankhesenamón , cuyo cuerpo no se encontraba en la tumba del faraón. 

El rodaje comenzó en septiembre de 1932 y estaba programado para tres semanas, con un presupuesto de 196.000 dólares.  El primer día de Karloff se dedicó a filmar el despertar de la momia de su sarcófago . El maquillador Jack Pierce había estudiado fotos de la momia de Seti I para diseñar a Imhotep. Pierce comenzó a transformar a Karloff a las 11 de la mañana, aplicando algodón , colodión y goma laca en su rostro; arcilla en su cabello; y envolviéndolo en vendas de lino tratadas con ácido y quemadas en un horno, terminando el trabajo a las 7 de la tarde. Karloff terminó sus escenas a las 2 de la madrugada, y se dedicaron otras dos horas a quitar el maquillaje. A Karloff le resultó doloroso quitarse la goma laca de la cara, y en general consideró que el día fue "la prueba más difícil que jamás había soportado". 

Aunque las imágenes de Karloff envuelto en vendas son las más icónicas tomadas de la película, Karloff aparece en pantalla con este maquillaje solo para la viñeta inicial; En el resto de la película se le ve con un maquillaje menos elaborado.  Una secuencia de flashback larga y detallada era más larga que la que existe ahora.  Esta secuencia mostraba las diversas formas en las que Anck-es-en-Amon se reencarnó a lo largo de los siglo 

Henry Victor aparece acreditado en la película como "Guerrero Sajón", a pesar de que su actuación fue eliminada.  Existen fotogramas de esas secuencias, pero el metraje (salvo la aparición de Karloff y los eventos sacrílegos que llevaron a su momificación en el antiguo Egipto) se ha perdido. Aunque el Rollo de Thoth es un artefacto ficticio, probablemente se basó en el Libro de los Muertos , un texto funerario del antiguo Egipto que, según se decía, contenía conjuros mágicos para ayudar al alma a pasar al más allá. El epónimo Thoth era el dios egipcio del conocimiento y se le atribuía la invención de los jeroglíficos, a los que se les atribuía un poder mágico. 

La película también hace referencia al mito egipcio de la diosa Isis resucitando a Osiris tras su asesinato a manos de su hermano Set . Los conspiradores fueron capturados en un complot para asesinar al faraón Ramsés III alrededor del año 1151 a. C. Las transcripciones del juicio en papiro revelan que a los conspiradores se les impusieron "grandes castigos de muerte", y la evidencia arqueológica sugiere que al menos uno de ellos pudo haber sido enterrado vivo. Si bien tal castigo no era una práctica común, este descubrimiento probablemente influyó en el guion de la película.  

No hay evidencia que sugiera que los antiguos egipcios creyeran o consideraran la posibilidad de momias reanimadas. La momificación era un proceso sagrado destinado a preparar un cuerpo muerto para que transportara el alma a través del más allá, no para que se reencarnara y volviera a vivir en la Tierra. Si bien es posible que algunos individuos fueran momificados al ser enterrados vivos, es improbable que los antiguos egipcios pensaran que la resurrección era posible, ya que eran muy conscientes de que se habían extraído todos los órganos necesarios y el cuerpo ya no sería de mucha utilidad en la Tierra. 

El egiptólogo Stuart Tyson Smith señala que «la idea de momias móviles no era del todo ajena al antiguo Egipto», citando una de las historias de la época helenística de Setna Khaemwas , que presenta tanto la momia animada de Naneferkaptah como un Libro de Thoth ficticio y que pudo haber inspirado al guionista John Balderston. 

La momia tuvo una promoción acorde a la estrategia del espanto: "Karloff...The uncanny" . El tráiler de la promoción americana proclamaba:" no es extraña que Drácula... Más fantástica que Frankenstein... Más misteriosa que el hombre invisible", rentabilizando así los treses se torna mayores de terror Universal. 

Universal Pictures estrenó La Momia en cines en Estados Unidos en diciembre de 1932 y  no fue tan rentable en Estados Unidos como las películas de terror de Universal estrenadas anteriormente, como Drácula y Frankenstein .

En enero de 1933, después de sus primeras tres semanas en cartelera, se observó que la venta de entradas de la película "disminuyó notablemente en algunas ciudades, pero se mantuvo estable en otras", a pesar de haber recibido críticas favorables.  La película fue un gran éxito de taquilla en Australia.

En cuanto a la crítica  la película recibió críticas variadas a pesar de ser un éxito de taquilla moderado. Cuando la película se estrenó en el cine RKO Mayfair de Nueva York, un crítico de The New York Times finalmente no quedó impresionado: Para generar terror, hay dos escenas en La Momia que resultan bastante extrañas, sin lugar a dudas. En la primera, la momia cobra vida y un joven arqueólogo, cada vez más enloquecido, ríe de una manera que pone los pelos de punta. En la segunda, Im-Ho-Tep es embalsamado vivo, y el momento en que le tapan la boca y la nariz con cinta adhesiva, dejando solo sus ojos desorbitados mirando desde el ataúd, es de un horror absoluto. Pero la mayor parte de La Momia es un melodrama de disfraces para niños. 

Las críticas modernas han sido, en general, mucho más positivas. James Lowder reseñó La Momia  afirmando que "A pesar de ser una descarada reelaboración del romance sobrenatural Drácula de Universal , La Momia de 1932 logra ser una película de terror efectiva y escalofriante. Dos personas merecen la mayor parte del crédito por su éxito: el actor Boris Karloff y el director Karl Freund". 

Cliff Aliperti, de Immortal Ephemera, opina: "La explicación perfecta de la calidad de La Momia proviene del comentario final del historiador de cine William K. Everson en la breve sección sobre La Momia de su libro Clásicos del Cine de Terror de 1974: 'Si uno acepta La Novia de Frankenstein por su teatralidad y El Ladrón de Cadáveres por su literatura, entonces uno debe considerar a La Momia como lo más cerca que Hollywood estuvo de crear un poema a partir del horror'". 

La película La Momia ha sido criticada por algunos espectadores modernos por su actitud de " otredad " hacia la cultura egipcia y oriental contemporánea, al retratarla como más primitiva, supersticiosa y poco confiable que la cultura occidental. Un ejemplo que da la crítica Caroline T. Schroeder es una escena en la que Helen Grosvenor añora el Egipto "real" ( clásico ), menospreciando el Egipto islámico contemporáneo . 

Según Mark A. Hall, del Museo y Galería de Arte de Perth, las representaciones cinematográficas de Egipto, especialmente en lo que respecta a la arqueología egipcia, suelen abordar temas como la apropiación y el control de los peligros de las culturas no europeas, o bien tratan el pasado en relación con leyendas y supersticiones. Las momias, afirma Hall, son un ejemplo común de esto. Si bien elogió la sabiduría arqueológica expuesta por Sir Joseph Whemple en la película, escribe que «se aprende mucho más estudiando fragmentos de cerámica rota que con todos los hallazgos sensacionales» y que la labor de los arqueólogos consiste en «aumentar el conocimiento humano del pasado», y menciona que el elemento arqueológico solo se utilizó como contrapunto a los elementos sobrenaturales.  En consecuencia, según Hall, lo que ofrecían esta película y otras similares era una «representación de la arqueología como una imposición colonial mediante la cual se apropia la herencia cultural». 

A diferencia de otras películas de Universal Monsters , La Momia no tuvo una secuela oficial. El personaje fue reinventado en La Mano de la Momia (1940) y sus secuelas: La Tumba de la Momia (1942), El Fantasma de la Momia (1944), La Maldición de la Momia (1944) y la película de comedia y terror del estudio Abbott y Costello conocen a la Momia (1955). Estas películas se centran en el personaje principal llamado Kharis (Klaris en la película de Abbott y Costello). La Mano de la Momia recicló metraje de la película original para usarlo en la narración de los orígenes de Kharis, donde Karloff es claramente visible en varias de estas escenas recicladas pero no fue acreditado.

Tom Tyler interpretó a la Momia en La Mano de la Momia , y Lon Chaney Jr. interpretó a la Momia en La Tumba de la Momia , El Fantasma de la Momia y La Maldición de la Momia

A finales de la década de 1950, la productora británica Hammer Film Productions retomó el tema de la momia , comenzando con La momia (1959), que, en lugar de ser una nueva versión de la película de Karloff de 1932, se basa en La mano de la momia (1940) y La tumba de la momia (1942) de Universal. 

Las secuelas de Hammer — La maldición de la tumba de la momia (1964), El sudario de la momia (1966) y Sangre de la tumba de la momia (1971) — no tienen relación con la primera película ni entre sí, salvo por la aparición del pergamino de la vida en La maldición de la tumba de la momia y Sangre de la tumba de la momia. Despues están las otras, de las que ya hemos hablado. 

Por mi parte, debemos decir que estamos ante una obra fundacional del cine de terror clásico de la Universal, que sustituye el sobresalto físico del cine actual por apostar por una atmósfera de tragedia romántica y fascinación por el Antiguo Egipto. 

Tras su éxito en Frankenstein , Boris Karloff demuestra aquí una gran versatilidad; con apenas unas pocas líneas de diálogo, transmite una melancolía hipnótica y una amenaza latente a través de la mirada y la postura. Aprovechando el impacto real por el hallazgo de la tumba de Tutankamón en 1922, la película arranca con una secuencia de apertura cargada de tensión y misterio cuando se lee el pergamino prohibido. Lejos de ser un monstruo sin seso que persigue a víctimas, Imhotep (como Ardath Bey) busca resucitar a su amor perdido de hace 3.700 años (la princesa Ankh-es-en-amon), otorgándole a la trama un tono de mito trágico.

Terenci Moix escribe en su Historia del Cine publicada en Blanco y Negro, el semanal adjunto al diario ABC que " Es cierto que filme contiene una de las escenas más terroríficas de todos juntos- la resurrección de la momia ante una emocionado joven que se ha quedado de guardia a su lado-, pero con todo y ser perfecta, esta escena tiene el poder de despistar sobre el contenido último de la historia, que continúa siendo un canto desesperadamente romántico. Cuando Imhotep muestra a Helen Grosvenor lo que fue en realidad un pasado milenario, marca el tono exacto de la historia: " mi amor ha durado más que los monumentos de nuestros reyes". El crítico catalán añadió que "  la momia abandonada las criptas góticas por la fascinación de las pirámides". 

La transformación de Boris Karloff como el antiguo sacerdote Imhotep (y su alias moderno, Ardeth Bey) es mítica. La secuencia inicial donde la momia cobra vida tras la lectura del Pergamino de Thoth mantiene una tensión desasosegante y elaborado que inicia una historia que se desarrolla a un ritmo pausado, casi hipnótico y una vertiente romántica pues el trasfondo de una historia de amor y reencarnación que abarca más de tres milenios entre Imhotep y la joven Helen Grosvenor (Zita Johann).

  

Hollywood al desnudo

Desconocía, como tantas cosas, que la película Ha nacido una estrella partía de una película que en español se llamó Hollywood al desnudo y que en su versión original era What Prize Hollywood? y que podía haberse traducido como ¿Qué precio tiene Hollywood?.

El director de la misma fue uno de los grandes directores del Hollywood clásico, considerado ante todo como un director de actrices que en esta película dramática estadounidense estrenada en el verano de 1932 y que contó con la presencia de una de las más grandes de la historia del cine y hoy olvidada Constance Bennet, pero que en su momento fue una estrella en el cine mudo y que lo dejó , regresando al cine sonoro con gran éxito, siendo la mejor pagada en films de Cukor o LaCava. Hablamos del director George Cukor que en esta película contó junto a Constance Bennett con Lowell Sherman. 

El guion de la misma fue escrito por Gene Fowler , Rowland Brown , Jane Murfin, Ben Markson y Allen Rivkin (sin acreditar) está basado en una historia de Adela Rogers St. Johns y Louis Stevens (sin acreditar) .

George Cukor fue el primero en ver que Hollywood podía ser una trituradora, pero la historia que llevó a la narración cinematográfica ha sido repetida en varias versiones posteriores, aunque con el título de Ha nacido una estrella, un momento que esta película se recoge como una visión estelar cuando Mary Evans (Contance Bennect) pasa de ser una aspirante a actriz en una estrella adorada y recogida por todo el mundo. Cinco años después de su estreno se hace la primera versión por parte de William A. Wellman en 1937. Veintidós años después de su estreno el mismo George Cukor la replantea en una nueva versión  en 1954. La tercera versión fue la dirigida por Frank Pierson en 1976 con Kriss Kristophersson y Barbra Stressand y la cuarta versión , y por el momento última fue dirigida, producida y protagonizada por Bradley Cooper en 2018 contando con Lady Gaga en el papel principal. 

La película fue producida por Pandro S. Berman y David O. Selznick, contando igualmente con el papel colaborador de Gene Fowler y Rowland Brown, presentándose como una producción en conjunto de la RKO Pathé, que también se encargó de la producción. Contó con un presupuesto de $416.000 que se recuperó en taquilla  al ingresar unos $571,000

La película contará con técnicos que, posiblemente, hagan algún cameo en la película pues hay un momento con escenas de un rodaje real en la que están trabajando los técnicos como Charles Rosher en la fotografía, Del Andrews y Jack Kitchin en la edición y contando con la música de Max Steiner. 

El reparto lo encabezan Constance Bennect y Lowell Sherman, y junto a ellos con secundarios que incluyen a Neil Hamilton , Gregory Ratoff , Brooks Benedict , Louise Beavers y Eddie "Rochester" Anderson.

La camarera de Brown Derby, Mary Evans, (Contance Bennect) es una aspirante a actriz que mientras espera conseguir su sueño trabaja como camarera. 

Antes de ir a trabajar mira las revistas que hablan de las estrellas de Hollywood del momento que llevan en sus portadas entre otros al galán del momento, Clark Gable junto a Jean Harlow, que se publican en la ciudad.

Una noche mientras trabaja conoce al director de cine Maximillan "Max" Carey (Lowell Sherman) en el restaurante. Max, un hombre muy proclive a la bebida y a otros excesos, y como es habitual en él, está muy borracho; pero al ser una hombre divertido y amable con todos los presentes, Mary se siente atraída por él, mientras que él ve en ella a una posible estrella del celuloide,  y la invita a un estreno en el Teatro Chino de Grauman. 

Max, que tiene un gran sentido del humor, la recoge del restaurante en un coche viejo en lugar de una limusina y luego le da el coche al aparcacoches como propina

Max lleva a Mary a su casa después del incidente, pero a la mañana siguiente no recuerda nada de la noche anterior. Mary le recuerda que le había prometido una prueba como actriz y le expresa su preocupación por su consumo excesivo de alcohol y su actitud frívola, pero él le dice que no se preocupe.

La prueba de cámara de Mary es un rotundo fracaso, pues no sigue las directrices que como director le da. Con todo ella ruega por otra oportunidad sobre todo al llegar a casa y reflexionar sobre lo que Max le había dicho. 

Después de extensos ensayos, vuelve a filmar la escena y el productor Julius Saxe (Gregory Ratoff) está satisfecho con el resultado y le firma un contrato. 

Tan rápido como Mary alcanza el estrellato, Max descubre que su carrera está en declive y evita una relación romántica con Mary para que ella no se vea envuelta en su espiral descendente pues el director tiene una fina intuición que , poco a poco, se va transformando en una realidad cuando ella alcanza rápidamente en la estrellato y, a la vez que esté director atrapado en el alcohol y comienza un camino descendente que provoca que ningún estudio le quiera contratar.

Un día, ya en pleno estrellato, Mary conoce al jugador de polo Lonny Borden (Neil Hamilton) , quien la ama a pesar de sus celos por las exigencias de su carrera. Lonny convence a Mary de casarse con él, aunque Julius y Max intentan disuadirla. Con todo le montan una boda por todo lo alto que se transforma en un escándalo dado el tumulto que se organiza en el exterior. 

Lonny se enojaprimero porque ha de suspender la luna de miel puesto que el productor le exige dos semanas de trabajo por acabar la película y ya que cada vez más por la devoción de Mary por su trabajo y su fidelidad profesional a Max , aunque a pesar de quererla finalmente la abandona. 

Después de que finaliza su divorcio, Mary descubre que está embarazada. Mary gana un premio por su actuación, pero su momento de gloria se ve interrumpido cuando debe pagar la fianza de Max, que es arrestado por conducir ebrio. 

Mary lo lleva a su casa, donde él se revuelca en la autocompasión a pesar de sus palabras de aliento. Más tarde, solo en el camerino de Mary, se mira al espejo y compara su rostro con el de una fotografía de mucho tiempo atrás. Encuentra una pistola en un cajón y se suicida de un tiro en el pecho.

Mary se convierte en el centro de los rumores sobre el suicidio de Max. Con la esperanza de curar sus heridas emocionales, huye a Francia con su hijo y su criada Abigail (Louise Beavers)  y se reúne con Lonny, quien le ruega que lo perdone y le dé otra oportunidad a su matrimonio.

El título original de la película era The Truth About Hollywood . Adela Rogers St. Johns basó su trama libremente en las experiencias de la actriz Colleen Moore y su esposo, el productor alcohólico John McCormick (1893-1961), y en la vida y muerte del director Tom Forman , quien se suicidó después de una crisis nerviosa. Otros hablan de que los guionistas se inspiraron en el matrimonio de Barbara Stanwyck con Frank Fay. 

El productor David O. Selznick quería que Clara Bow fuera la protagonista femenina, pero los ejecutivos de las oficinas de RKO en Nueva York dudaban en invertir en una historia de Hollywood porque proyectos similares habían fracasado en el pasado. 

Cuando Selznick los convenció de que el proyecto tenía potencial, Bow ya estaba comprometida con otra película contratando en ese momento a Constance Bennett quien siempre consideró ¿A qué precio Hollywood? su mejor película. 

Selznick inicialmente prometió al escritor y director Rowland Brown la dirección de What Price Hollywood ?; sin embargo, después de que Brown reescribiera el guion, Selznick lo reemplazó por George Cukor . 

Cuatro años después del estreno de la película, Selznick contrató a Brown para dirigir la siguiente encarnación del guion, alterado y rebautizado como A Star Is Born y que contaría con la participación de Janet Gaynor y Fredric March , pero Brown se negó a reescribir el guion, diciendo que no requería cambios, por lo que Selznick despidió a Brown. Selznick luego se acercó a Cukor y le pidió que dirigiera, pero Cukor sintió que la trama seguía siendo tan similar a la de What Price Hollywood? que se negó. El propio Selznick se atribuyó el crédito por la historia original que acabaría dirigiendo  William A. Wellman. 

Los ejecutivos de RKO consideraron presentar una demanda por plagio contra Selznick International Pictures debido a las similitudes en la historia, pero finalmente optaron por no emprender acciones legales. 

En el evento, ninguno de los escritores originales de What Price Hollywood? recibió crédito, Cukor luego dirigiría la versión musical de 1954 de A Star Is Born, protagonizada por Judy Garland y James Mason .

Destacar que lo mejor viene a mitad de la película cuando ella acude a un rodaje y ve como trabaja Max ni ese momento descubrimos a todo un grupo de técnicos que rodean el trabajo cinematográfico en los primeros momentos del cine sonoro. 

La película es una crítica al mundo de Hollywood y al sistema de contratación de actores denominado "Star-system".

La película fue una de las primeras de George Cukor que se puede considerar un claro precedente de Ha nacido una estrella ya que retrata dos trayectoria paralelas y divergentes en el Hollywood de los años 30 y mientras una actriz se convierte en estrella un director famoso en tren decadencia absoluta. 

El excelente y tradicional buen trabajo de Cukor en la dirección de actrices que da patente aquí una vez más con la estupenda interpretación que logra de Constance Bennet.

En una reseña contemporánea, The New York Times escribió: "Algunas partes de '¿Qué precio tiene Hollywood?' son muy divertidas, intencionalmente, y otras lo son a pesar de sí mismas. Algunas secciones son muy tristes, con la manera desconcertada de un guionista perdido, y otras son bastante agradables. Hay algunas buenas interpretaciones en la película, mucho más, de hecho, de lo que merece".

La reseña de Variety de julio de 1932 proclamaba: "Es una interpretación de Hollywood al estilo de una revista para fans, más un par de giros que invariablemente son conocidos como el deleite de las chicas trabajadoras... Cukor la cuenta de manera interesante. No tanto para la gente del espectáculo, tal vez, pero al campesinado le gustará como entretenimiento, incluso si no logra convencerlos del todo. La historia tiene sus exageraciones, pero pueden colarse bajo la línea como licencia teatral". 

La película fue un gran éxito de taquilla. Sin embargo, según los registros de RKO, la película perdió 50.000 dólares cosa que no encaja con lo invertido. 

En 1932 el Oscar a Mejor Película fue para Grand Hotel de Edmund Goulding. Estaban nominadas ese año Arrowsmith de John Ford, Bad Girl de Frank Borzage, El expreso de Shanghai de Josef Von Sternberg y El Teniente seductor de Ernst Lubitsch. Además Adela Rogers St. Johns y Jane Murfin fueron nominadas al Premio de la Academia a Mejor Historia original, pero perdieron ante Frances Marion por The Champ, ellos seguramente después vieron el éxito de su historia en la que Cukor retrata de manera crítica la maquinaria de Hollywood y aborda , valientemente, temas como la fama, la explotación y la caída de las estrellas. 

Por lo pronto, destacar el costo de la fama para la protagonista, Mary Evans, que representa el sueño hollywoodense: una mujer común que alcanza la cima del estrellato. Sin embargo, su éxito viene acompañado de sacrificios personales, relaciones complicadas y la constante presión de la industria. 

Frente al éxito está el fracaso y la autodestrucción en Hollywood reflejado el el personaje de Max Carey, el director que ayuda a Mary a convertirse en estrella,  un hombre talentoso pero con problemas de alcoholismo. Su caída simboliza la vulnerabilidad de los artistas en un sistema que los usa y los desecha. También destacar como el director destaca el tema del sensacionalismo y la prensa amarilla pues yo son muchas las revistas de la época que podían construir y destruir carreras con rumores, escándalos y titulares impactantes. Por último, destacar las relaciones de poder en la industria del cine en el que Mary, en su camino al éxito, debe navegar entre la ayuda interesada de figuras poderosas y el control que los estudios ejercen sobre sus estrellas. Esto anticipa el debate sobre la explotación en Hollywood. 

En cuanto a las características estilísticas y narrativas de la película vemos el carácter precursor de la misma, ya que se adelanta a su tiempo - a destacar el gusto por las elipsis que usa el director para marcar los tiempos- , y aunque Hollywood a menudo mostraba historias de éxito y glamour, esta película ofrece un enfoque más realista y crítico sobre la industria del cine. 

A estos se suman los personajes complejos y tridimensionales que en What Price Hollywood? presenta a personajes con defectos y dilemas morales. 

Por último destacar la dirección sofisticada de Cukor y su sensibilidad en el retrato de personajes femeninos, en este caso a una chica a la que convierte en una protagonista fuerte y determinada que desafía los estereotipos de la época. En definitiva, una película que marcó tendencia. 

White Zombie

Desde hace algún tiempo sé de la existencia de una plataforma online y en abierto que emite películas y series. Se llama Pluto TV y lleva operando un tiempo en España, aunque . Hasta este momento no había tenido el gusto de instalarla en ningún terminal. Pero aprovechando el descanso, después de tanta guerra y tanta desgracia vivida, me he inclinado por descargarme la app y la he instalado en mi tablet. Para inaugurarla he optado por ver una película de su catálogo de clásicos y la elegida ha sido una nada navideña para la mañana de hoy como White Zombie, que en España se llamó La legión de los hombres sin alma. 

Se trata de una película del año 1932 y que fue estrenada en julio de ese año. Curiosamente, será la primera película que usó el termino “zombie” y el primer film de terror que trató el tema de los muertos vivientes, no-muertos o zombies. 

Como valor añadido cuenta con la presencia del mítico actor rumano Bela Lugosi que el año anterior -1931- había tocado la gloria interpretado a Drácula.

El responsable de ese proyecto fue Victor Halperin. No será su única incursión en el género, pues poco después probó suerte de nuevo con otro film de zombis, Revolt of the Zombies , Esta fue planificada en un primer momento como secuela de “White Zombie” (se anunció incluso la participación de Bela Lugosi), pero la producción que fue estrenada en 1936 estuvo plagada de complicaciones legales entre los hermanos Halperin y la Amusement Securities Corporation, compañía que había ayudado a financiar la que me ha traído hasta aquí, “White Zombie” o como se llamó en España, La legión de los hombres sin alma.

Cimarrón

Cimarrón es una mítica película de Anthony Mann del año 1960 con un enorme Glenn Ford . Sin embargo, yo no sabía que hubo una versión previa estrenada en 1932 y que fue ganadora a la mejor película del año 1931, y lo que es más importante, fue el primer western en ganar una estatuilla. El mérito fue del angelino Wesley Buggles , que también fue nominado a la mejor dirección, un hombre que fue director, productor, y actor estadounidense en cerca de una docena de filmes mudos, en ocasiones junto a Charles Chaplin, pasando en 1917 a dirigir, entre otros la primera versión de la novela de Edith Wharton La edad de la inocencia (1924) alcanzando más de 50 títulos pero que pasó a la historia por esta Cimarrón - nombre de un condado al oeste de Oklahoma- y otras como  No Man of Her Own (1932), Arizona (1940). El director falleció el 28 de enero de 1972. 

En Cimarrón apostó por mostrarnos una historia épica, en la que el protagonista, un editor de prensa, pasa de Wichita a Osage y está presente en los grandes hitos de la expansión por el Oeste, y de la historia de los Estados Unidos. 

La historia está basada en la novela escrita en 1930, de la estadounidense de origen judío, Edna Ferber, que llevaba por título Cimarrón, una historia sobre unos granjeros colonizando las praderas de Oklahoma. 

En 1925 ganó el Premio Pulitzer por su libro ¡Así de grande! (So big), que fue adaptada al cine mudo en una película protagonizada por Colleen Moore, aunque más tarde hubo otras versiones con Barbara Stanwyck y George Brent en 1932 , con Bette Davis en un papel secundario, y en 1953, protagonizada por Jane Wyman.Otras novelas de la escritora se llevaron igualmente al cine como Show Boat, Ice Palace, Saratoga Trunk, o la mítica Gigante. 

En Cimarrón Edna Ferber participó en el guion aunque fue adaptado por  Howard Eastbrook. 

En esta película del año 1932 la producción fue de William LeBaron y Wesley Ruggles para la RKO Pictures. La película contó con la música de Max Steiner, la fotografía de Edward Cronjager, el montaje de William Hamilton y el vestuario de Max Rée. 

El protagonismo recae en Richard Dix como Yancey Cravat e Irene Dunne como Sabra Cravat. Junto a ellos están Estelle Taylor como Dixie Lee, Nance O'Neil como Felice, William Collier Jr. como el Niño, Roscoe Ates como Jesse Rickey, George E. Stone como el comerciante Levy, Stanley Fields como el malvado Lon Yountis, Robert McWade como el comerciante y potentado Louis Hefner, Edna May Oliver como la estirada Tracy Wyatt, Judith Barrett como Donna Cravat, Eugene Jackson como el chico de color, Isaiah y Dennis O'Keefe aunque sin acreditar. 

La película comienza en 1889 con un recién casado Yancey Cravat (Richard Dix) que participa en la ocupación de las tierras que se han liberado en Oklahoma para su ocupación por parte de los colonos. En esa loca carrera, en la que hay algunos amigos del jinete, por ocupar un espacio participa Cravat que ha echado el ojo a un terreno en la que quiere montar su rancho se le adelanta una chica Dixie Lee (Estelle Taylor) que tras caer de su caballo y recibir auxilio de Yancey, aprovecha la amabilidad de este para arrebatarle su terreno,Bear Creek. 

Decepcionado regresa a Wichita, la ciudad en la que vive su familia política así como su mujer Sabra (Irene Dunne) y su joven hijo. 

Tras una conversación en una comida y dado el carácter aventurero de Yancey , éste convence a su mujer para ir a Osage, llevándose con ellos a Isaiah (Eugene Jackson ) un chico de color para empezar en aquella ciudad una nueva vida más allá de la frontera de Kansas para unirse a la multitud. Mientras avanzan en caravana a Osage son asaltados por un bandido que resulta ser amigo de Yancey así que lo deja en paz. 

Tras eso llega a Osage donde se queda con el traspaso de un periódico, contrata a un impresor y comienza a ser un personaje local que desarrolla una enorme actividad en distintos momentos de la comunidad (1884, 1890 con una nueva distribución gratuita de terreno, 1898 en la Guerra contra España, su defensa de Dixie Lee, que provoca la ruptura con Sabra, 1907 con la aparición de los yacimientos petrolíferos en la zona y su editorial a favor de los indígenas y 1929). 

Lo cierto es que Osage es una ciudad en auge. Casi desde el inicio se enfrenta y mata a Lon Yountis ( Stanley Fields ), un forajido que había matado al anterior editor del periódico local. Con experiencia en publicaciones, Yancey establece Oklahoma Wigwam , un periódico semanal, para ayudar a convertir el campamento fronterizo en una ciudad respetable. 

Después del nacimiento de su hijo, Cimarron, una banda de forajidos amenaza a Osage, liderada por "The Kid" ( William Collier Jr. ), quien resulta ser un viejo conocido de Yancey. Para salvar la ciudad, Yancey se enfrenta y mata a The Kid. 

Acosado por la culpa por haber matado a The Kid, cuando aparece otra fiebre por la tierra, Yancey deja a Sabra y sus hijos para participar en la colonización de Cherokee Strip . 

Después de su partida, Sabra se hace cargo de la publicación de Oklahoma Wigwam y cría a sus hijos hasta que Yancey regresa cinco años después, justo a tiempo para representar a Dixie Lee, quien había sido acusada de ser una molestia pública, y ganar su absolución. 

En 1907 cuando la ciudad se beneficia del auge petrolero incluidas las tribus nativas americanas, que Yancey apoya, a través de editoriales en su periódico, después de lo cual Yancey desaparece una vez más de Osage durante varios años. 

Mientras, Sabra, con un sentido más práctico de la vida, se abre camino cumpliendo el sueño americano al hacer triunfar un periódico. Años más tarde, cuando Sabra se convierte en la primera mujer congresista del estado de Oklahoma, alaba las virtudes de su entonces nuera india.

Sabra y Yancey se reencuentran por última vez cuando ella corre a su lado después de que él ha rescatado a numerosos perforadores de petróleo de una devastadora explosión. Muere en sus brazos. 

Se narra la vida de una familia durante cuatro décadas, paralela al nacimiento y desarrollo de la ciudad de Osage, en el territorio de Oklahoma —a partir de 1907, estado de Oklahoma—. De alcance épico, que abarcó cuarenta años desde 1889 hasta 1929, fue un éxito crítico, aunque no recuperó sus costos de producción durante su ejecución inicial en 1931.  

A destacar de la misma un momento culminante, que es la carrera de diligencias, que se desarrolló en la realidad. A pesar de estar en las profundidades de la Gran Depresión , RKO Radio Pictures invirtió más de $ 1.5 millones en su producción de la novela de Ferber. 

La filmación comenzó en el verano de 1930 en el rancho Jasmin Quinn, a las afueras de Los Ángeles, California , donde se rodaron las escenas de la avalancha. Más de veintiocho camarógrafos, y numerosos asistentes de cámara y fotógrafos, fueron utilizados para capturar escenas de más de 5000 extras disfrazados, carros cubiertos, portacontenedores, surreys y ciclistas mientras corrían a través de colinas cubiertas de hierba y praderas para reclamar su reclamo. 

El director de fotografía Edward Cronjager planeó cada toma (que recordaba las escenas de intolerancia unos quince años antes) de acuerdo con las descripciones de Ferber. Con el fin de filmar escenas clave para esta producción, RKO compró 89 acres en Encino , donde la construcción de Director de Arte Max Ree diseño de una ciudad del oeste completa y una moderna calle principal de tres bloques fueron construidos para representar a la Oklahoma ficticia. Estos sets galardonados finalmente formaron el núcleo del amplio rancho de películas de RKO , en Encino, donde más tarde se rodaron otras películas de RKO. 

RKO Radio Pictures estrenó Cimarron en el RKO Palace Theatre (Broadway) en la ciudad de Nueva York el 26 de enero de 1931, con muchos elogios, y luego el 6 de febrero siguió un estreno en Los Angeles Orpheum Theatre , que también incluyó apariciones personales de Richard Dix e Irene. Dunne , un espectáculo escénico y una orquesta aumentada. Tres días después, la película se estrenó en los cines de todo el país. 

En cuanto a la crítica estas fueron abrumadoramente positivas en ese momento. Variety comenzó su reseña con: "Un ejemplo elegante de una superproducción de películas y una película de mucho dinero. Este es un western espectacular que se aleja de todos los demás. Contiene acción, sentimiento, simpatía, emoción y comedia". 

Mordaunt Hall del New York Times le dio a la película una crítica estelar, diciendo de ella que tenía "Una concepción gráfica y fascinante de la novela ampliamente leída de Edna Ferber ...", y también elogió el manejo del paso del tiempo en esta epopeya. Hall también destacó la actuación de Irene Dunne. 

Para la revista Motion Picture Magazine elogió: "Un gran y digno esfuerzo, esta transcripción de la vida temprana de Oklahoma será aclamada como uno de los puntos altos del año. Lo tiene todo. RKO parece no haber puesto restricciones para convertirla en una fastuosa y auténtica epopeya ".

John Mosher de The New Yorker elogió el "gran cuidado" que se había tenido con la precisión histórica de los detalles visuales de la película, que pensó "tan bueno como cualquier cosa que haya salido de Hollywood, y debido a esta experiencia la película gana especial valor". También escribió que Richard Dix estaba "ciertamente en su mejor momento en este papel".

Elizabeth Yeaman de Hollywood Daily Citizen vio la película como un nuevo tipo de historia, y escribió que, “Como la historia, la película tiene momentos de gloria emocionante y momentos de repetición y rutina diaria. Cimarron no sigue las reglas de la construcción de la historia ... Es, en resumen, una interpretación gráfica de una parte de la historia, la historia del estado de Oklahoma desde el momento de la primera gran fiebre por la tierra hasta el presente " 

A pesar de ser un éxito de crítica, el presupuesto extremadamente alto y la Depresión en curso se combinaron con la película. Si bien fue un éxito comercial en línea con otras películas del momento, RKO Pictures. 

Aparte del Oscar mencionando y de la nominación con director , consiguió otros dos el de Mejor adaptación con Howard Eastbrook y Mejor dirección de arte en la persona de Max Rée. También fue nominada a mejor actor (Dix), actriz ( Dunne) y fotografía ( Edward Cronjager). 

Está considerada como una de las grandes películas de aquel año por la National Board of Review. 

*EC: En construcción

 

La señal de la Cruz y el baño de Popea

 

Si tuviera un millón

Una vez sufrido el crack del 29 muchas son las películas norteamericanas optaron por presentar a empresarios empobrecidos, con dificultades o que se precupan por su legado así como por trabajadores que ven como las dificultades le embargan, junto a la pobreza les rodea o como quieren salir de ella. 

Entre este grupo de películas que trata del tema aunque no se centra este tema se encuentra If I Had a Million una película coral y episódica en la que participa los más granado de la Paramount Pictures a inicios de los años 30. Sus mejores directores, sus grandes guionistas y algunas de las estrellas contratadas por la productora. En España se presentó con el título de Si yo tuviera un millón. 

Esta película coral fue coordinada por el productor Emanuel Cohen cuenta en la dirección en la que están presentes Ernst Lubitsch, Norman Taurog, Norman Z. McLeod, William A. Seiter, Stephen Roberts, H. Bruce Humberstone, James Cruze. Lubitsch, Cruze, Seiter y Humberstone fueron responsables de una sola viñeta, Roberts y McLeod dirigieron dos cada uno, y Taurog estuvo a cargo del prólogo y el epílogo. 

La historia basada en una novela de Robert Hardy Andrews fue transformada en guion realizada conjuntamente por Robert Hardy Andrews, Claude Binyon, Whitney Bolton, Malcolm Stuart Boylan, John Bright, Joseph L. Mankiewicz, Sidney Buchman, Lester Cole, Isabel Dawn, Ernst Lubitsch, Boyce DeGaw, Oliver H.P. Garrett, Harvey Gates, Grover Jones, Lawton Mackall, William Slavens McNutt, Robert Sparks. 

La música fue de John Leipold mientras que la fotografía lo fue de Harry Fischbeck, Charles Edgar Schoenbaum, Gilbert Warrenton, Alvin Wyckoff . El montaje fue responsabilidad de LeRoy Stone. 

El reparto lo componen Gary Cooper como Steve Gallagher, Charles Laughton como Phineas V. Lambert, George Raft como Eddie Jackson, Jack Oakie como el soldado Mulligan, Richard Bennett como John Glidden, Charles Ruggles como Henry Peabody, Alison Skipworth como Emily La Rue, WC Fields como Rollo La Rue, Mary Boland como la Sra. Peabody, Roscoe Karns como Soldado O'Brien, May Robson como la Sra. Mary Walker, Wynne Gibson como Violet Smith, Gene Raymond como John Wallace, Frances Dee como Mary Wallace, Lucien Littlefield como Zeb el propietario del puesto de hamburguesas, Joyce Compton como Marie, Cecil Cunningham como amigo de Emily La Rue, Mai Wells como residente de Idylwood y Blanche Friderici como Sra. Garvey. 

Todas las historias tienen un común denominador la herencia que un magnate , agonizante el señor John Glidden ( Richard Bennett ) que quiere entregar su herencia a quien se lo merezca. Desprecia a sus parientes ávidos de dinero y tampoco cree que ninguno de sus empleados es capaz de dirigir sus diversas empresas. Finalmente, decide dar un millón de dólares al azar de las gotas de un medicamento que cae en el interior de una guía telefónica antes de su fallecimiento, para evitar que su voluntad sea impugnada. El primer nombre seleccionado es John D. Rockefeller , aunque Glidden lo rechaza rápidamente.

La primera gota cae sobre Henry Peabody ( Charles Ruggles ). El azar y el mismo lleva el cheque al Sr. Peabody, un desgraciado que trabaja en una tienda de porcelana. Peabody es amante de los conejos, que ve menguar sus ingresos por su torpeza mientras trabaja en una tienda de cerámica. Henry, era un contable ascendido a vendedor en la tienda, pero tras su nefasta gestión de la porcelana gana menos que antes. Se suma a esto otra desgracia, casi peor, su mujer( Mary Boland ) , una señora que le exige el dinero y que no para de hablar. Peabody consuma su venganza en la tienda de cerámica llegando tarde al trabajo y rompiendo todo lo que puede. Así acaba esta primera historia que fue dirigida por Norman Z. McLeod. 

La segunda historia lleva al Sr Glidden y a su cheque de 1 millón de dólares a otra casa. Al no encontrar a la persona llega a un bar. La afortunada es una chica, Violette Smith( Wynne Gibson ) , una chica de la calle. Con ella va a un reservado. Le entrega la carta y el cheque aunque ella no se lo cree. Ella no se lo cree y tras entrarle un marinero decide marchar a un hotel. Ella está asombrada de ver el lujo en ese cuarto. Se desnuda y se acuesta sin compañía acabando así la parte dirigida por Stephen Roberts. 

La tercera historia se centra en un hombre Eddie Jackson ( George Raft ) que vemos que trabaja o eso parece como aparcacoches de un hotel. El pobre comete un delito falsificando una firma y haciéndose pasar por el cochero de un hombre rico. Pero es descubierto. Así que huye. A su habitación llega el benefactor buscando al Sr Jackson.Cuando Glidden le entrega su cheque, Eddie está encantado ... al principio. No sabe que es buscado y que puede ser condenado a cadena perpetua. Tras recibir el cheque duda sobre lo que hacer, pero va a un banco y pide 100.000 dólares. En ese momento llega un chico con la prensa y se hace con todos los periódicos. Mientras al director del banco, pero se marcha a un corredor que no le da el cheque. Finalmente encuentra con gente del hampa. Sólo quiere una parte. Finalmente va en busca del Sr. Glidden, pero no le permiten entrar. Acaba en la cola de la beneficencia y en una cama de 10 centavos. Entrega el cheque al gerente del albergue para dormir. Sin embargo parece un loco así que el dueño del local llama a la policía y tras eso quema el cheque y la obra dirigida por H. Bruce Humberstone. 

La cuarta historia dirigida por Norman Z. McLeod escrita por Mankiewicz, tiene como protagonista a Agnes, una actriz de circo. Va a ver a su amiga Emily La Rue ( Alison Skipworth ) a un salón de té. Ella le comenta que es feliz . Se llama Emily y vive con un cocinero,el ex-malabarista Rollo ( WC Fields ) . Los dos son viejos actores retirados que acaban de comprarse un coche. Tienen un accidente cuando otro conductor ignora una señal de alto. La mujer con el corazón roto regresa a su salón de té, donde Glidden la busca y la encuentra. Le entrega el cheque y deciden con el cheque aprovechar para comprarse una flota de coches usados y de conductores, ocho autos usados y contratan conductores. Todos salen a la carretera en una larga procesión. Y se dedican a chocar con los otros que consideran un peligro público. Al final del día, Emily compra otro auto nuevo, pero también se destruye en una colisión con un camión. No importa. Emily le dice a Rollo que ha sido "un día glorioso". 

La quinta historia dirigida por James Cruze le lleva a un hombre John Wallace ( Gene Raymond ) que está encarcelado y esperando la pena capital por un asesinato. Llega mientras se confiesa con un sacerdote su mujer. Tras eso tiene una conversación llena de lágrimas con su esposa Mary ( Frances Dee ) y le pregunta a John sí ha ido el abogado. El le da directrices domésticas. Vemos que Quigler está para entregar el cheque. Se lo hacen llegar y cree que eso le dará la libertad. Pero la sentencia es firme aunque él considera que el dinero le liberará. Pero es demasiado tarde. Es ejecutado ese mismo día, a pesar de sus protestas, la ejecución tiene lugar. 

La sexta historia dirigida por Ernst Lubitsch nos lleva a una oficina. Uno de los oficinista Phineas V. Lambert ( Charles Laughton ) recibe el cheque mostrando poca emoción. Simplemente deja su escritorio, sube tranquilamente las escaleras hasta el despacho del secretario del presidente de la empresa, primero, luego al despacho del secretario privado y finalmente llama a la puerta del propio presidente. así que se levanta y va a ver al presidente a su despacho. Llama a la puerta y habla con el Sr Brown y le hace una pedorreta. 

La séptima historia dirigida por William A. Seiter nos lleva a una prisión militar. Uno de los guardias de la misma Steve Gallagher(Gary Cooper) está junto a sus mejores amigos y camaradas Mulligan ( Jack Oakie ) y O'Brien ( Roscoe Karns ) . Steve le pega al sargento. Están ya todos presos como el Sr Gallager (Cooper) que duda del cheque que le entrega. Pero considera que lo está molestando. Únicamente quieren jugar. El problema es que es 1 de abril, día de las inocentadas. Tras liberar a los tres jugadores Gallager marcha a un bar donde quiere quedar con una chica. Allí se personan los otros dos. Deben mas de 4 dólares. El único que tiene algo es Gallager, el cheque con el que se dispone a pagar e invitar a Marie ( Joyce Compton ), esa noche. Esa es la intención de los tres, pero ninguno tiene dinero. Entonces Gallagher recuerda su cheque y que Zeb ( Lucien Littlefield ), el dueño del puesto, el cocinero que no sabe leer y se lo entrega pensando que no tiene ningún valor. Con eso consigue salir con la chica Mary, que la lleva a la feria. Por la noche salen los 4. Los otros dos se meten en líos y Gallager va en su ayuda, y acaban en prisión. Ellos ven que el cocinero y Mary disfrutan del millón de dólares, para asombro de los tres al ver a través de los barrotes, a un Zeb elegantemente vestido sale de una limusina, escoltando a una Marie igualmente bien vestida. 

La siguiente historia dirigida por Stephen Roberts se centra en una señora mayor que vive junto a otras en un asilo. Las normas allí son rígidas en exceso como muestra siempre la Sra. Garvey (Blanche Friderici). Un revuelo pone fin a la armonía. Todo surge en la cocina. Una de ellas, la Sra Mary Walker ( May Robson ), quiere hacer pasteles, pero las normas lo prohíben. Ella añora su libertad. Sabe que fuera le espera la soledad. Subsuelo es volver a ser autónoma, pero N hay dinero. Sin embargo, la llegada del casero lo cambia todo. La Sra Walker recibe una carta. Le piden las otras que le en alto. Ella se inventa el contenido. La realidad es que nadie les escribe a ninguna. En ese momento llega el señor Ginger. Este intenta hablar a solas con la Sra Walker. Tras contárselo la Sra Walker se desmaya. Con el cheque, la primera impresión es que es una bromo. Luego grita de alegría y se hace con el control de la residencia, imponiendo sus normas (cartas, dulces y fiestas). 

El Sr Glidden ha cumplido su proyecto final. Tras abrir la puerta su médico descubrimos que está escuchando la fiesta de la Sra Walker, de quién recibe tartas y le pide empanadas de carne. Para él su vida ha cambiado gracias a la señora Walker. Así se pone fin a este filme episódico en el que la Paramount empleo a sus mejores directores, guionista y actores. 

Fue rodada en los Paramount Studios del 5555 Melrose Avenue, Hollywood en Los Angeles. Me imagino que las imágenes rodadas en el exterior también se hicieron en una ciudad de Los Ángeles e una zona de casas unifamiliares en la cuarta historia y no la ciudad natal de su guionista Mankiewicz, Wilkes-Barre, en Pensilvania. 

El New York Times lo calificó como "un entretenimiento excepcionalmente bueno elaborado con verdadera imaginación y originalidad, excepto posiblemente por un interludio (Death Cell)".

He identificado la película con un género, la comedia, pero no es cierto del todo. Es cierto que algunos episodios son cómicos como ocurre en la historia del ser Peabody o en la de que dirige el mismo Lubitsch a Laughton. Pero en otras hay muchos elementos dramáticos como la historia de del asilo o incluso la de Violette, donde además incluye una imagen que demuestra que la película es anterior al famoso Código Hays. Como digo hay elementos melodramáticos, pero también llenos de ironía, patetismo, tristeza, o abiertamente ramático como ocurre en el caso del condenado a muerte. 

La película cuenta con actores en la cima como George Raft , el ganster por antonomasia del momento, o muy jóvenes como Gary Cooper, veteranos como W.C. Fields o Richard Bennett, o encumbrados a la gloria como Charles Laughton protagonista de la historia que puede ser más concordante con la realidad como es la filmada por Lubitsch. Destaca igualmente la presencia de la rubia Wynne Gibson como Violette en una escena que llama la atención conociendo como era Hollywood ante las cámaras y sin el Código castrante. 

La película en sí es la historia de una fantasía, la que tantas veces pasa por nuestra cabeza o interviene en conversaciones. Sin ser el cuento de la lechera muestra que la vida y el azar te puede sonreir ... o no. 

Naturalment, una hora contigo

 

Los grandes hermanos que trabajaban juntos , pero que no podían convivir fuera del trabajo , Richard M. Sherman / Robert B. Sherman, tuvieron la valentía de componer la banda sonora de  The aristocats cuya canción conla que daba inicio un VHS visto una y mil veces en casa , mientras atendía a mis hijos pequeños decía - y dice- lo siguiente: 

Which pet's address 

Is the finest in Paris? 

Which pets possess 

The longest pedigree? 

Which pets get to sleep On velvet mats? 

Naturalment! The aristocats! 

Es escuchar la canción y reconocer la voz del mítico Maurice Chevalier , un actor que reconocía de pequeño, pues de su carrera conocía sus últimas películas. 

Reconozco que no me interesaba mucho, sin embargo, ver que emitían una película suya de su época inicial, allá por los inicios de los años treinta, Más aún, cuando tras la película del año 1932 en la que se encontraban dos monstruos de la dirección: Ernst Lubitsch y George Cukor. Pero además una de las primeras parejas estables del cine hablado y musical, la formada por Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald con algunas películas dirigidas por Lubitsch o Rouben Mamoulian como son "Amame esta noche" (Love me tonight,1932) que se desarrolla en Paris , pero como ocurre en Una hora contigo, en el Paris que le gustaba al director que una vez declaró "Amo París, pero prefiero el París de la Paramount". El gusto de la época en estas comedias musicales, operetas,  esperaban la presencia y las canciones de Chevalier y la presencia de Jeanette MacDonald , una mujer que representaba lo picante, que también cantaba como ocurre en Montecarlo del mismo director.

Con este tipo de películas Lubitsch rendía pleitesía a las reglas del género, que no podían ser las mismas que el musical. Este género que Lubitsch manejará como nadie será el de la adaptación de las operetas centroeuropeas que invaden las pantallas a inicios del sonoro y de la comedia musical como hará por ejemplo con la misma pareja en "La viuda alegre". Las reglas de oro de la opereta teatral pasaron al cine como señala Terenci Moix. Mantendrán la estructura de un cuadro de actores convencionales, la pareja principal, a la que , junto a estos protagonistas, se suman lo que llama moix "el auxilio de los característicos, por no decir caricatos". Estos últimos se encargaban de explotar el humor más grueso. 

Esto ya está presente en El desfile del amor que muestra a Maurice Chevalier y a Jeanette MacDonald  que acompañados de estos "característicos" y diálogos ligeros con canciones que podían recordarse con facilidad.   

La película es un folletín convertido en comedia musical como no podía ser de otra forma llamado Una hora contigo cuyo título en inglés era One Hour with You. Fue producida y dirigida por Ernst Lubitsch para la Paramount Pictures  "con la ayuda de" George Cukor . 

El guion fue escrito por Samson Raphaelson , de la obra Only a Dream , adaptado de la obra de teatro en tres actos de Lothar Schmidt (= Lothar Goldschmidt) "Nur ein Traum", que se estrenó en Munich en 1909. 

La película contó con la música de Oscar Strauss, W. Franke Harling , Rudolph G. Kopp y John Leipold.

La fotografía en blanco y negro fue de Victor Milner quedando la edición en manos de William Shea Reparto Maurice Chevalier, Jeanette MacDonald, Genevieve Tobin, Roland Young, Charles Ruggles, Josephine Dunn, George Barbier, Lili Damita 

El reparto lo encabeza  Maurice Chevalier como Dr. Andre Bertier, Jeanette MacDonald como Colette Bertier, Genevieve Tobin como Mitzi Olivier , Charles Ruggles como Adolph , Roland Young como el profesor Olivier , Josephine Dunn como Mademoiselle Martel , Richard Carle como el detective Henri Dornier y Barbara Leonard como la doncella de Mitzi siendo George Barbier el comisionado de policía y Donald Novis como Crooner. Sin acreditar aparecen Charles Coleman como Marcel y  Kent Taylor como invitado a la fiesta 

Todo ocurre en París, la ciudad de la luz y del amor . La ciudad en la que los amantes se besan en los jardines y en ellos donde un policía llama la atención a al doctor André Bertier (MauriceChevalier)  y a su Colette (Jeanette MacDonald )

Ambos viven felices  disfrutando de la vida y del amor. Así son las cosas hasta que un día de lluvía el Doctor va a montar en taxi y allí coincide con una joven rubia y coqueta, Mitzi Olivier (Genevieve Tobin ) que resulta ser una   amiga del colegio de Collete. Tras el encuentro Mitzi decide hacer una visita.  Mitzi consigue quedarse a solas con André, fingiéndose enferma, e intenta seducirle, aunque André se resiste a este primer envite, 

Sin embargo, el marido de ella, el profesor Olivier ( Roland Young), un profesor de historia antigua.  sabedor de que su matrimonio hace aguas, presa de sospechas y celos, contrata los servicios del detective privado Dornier (Richard Carle) para que siga a su mujer y obtenga pruebas de la infidelidad de Mitzi. 

Sin embargo , el médico parisino Andre Bertier es fiel a su amada esposa, Colette ( Jeanette MacDonald ), para sorpresa de sus pacientes. Muchos de ellos, visto el percal, están  preocupados ya que piensan que Mitzi puede tener éxito donde las otras mujeres tan dispuestas como ella fallaron. Para ella estar casada con Olivier  no es obstáculo alguno que le impida coquetear.

Mientras tanto, Adolph (Charles Ruggles), el mejor amigo de André, se siente fascinado por el atractivo de Colette, a la que desea ardientemente. A André también le atrae Mitzi con sus atractivos rizos y su mirada, pero como cualquier hombre realmente enamorado de su mujer, André resiste a Mitzi y huye a riesgo de parecer un cobarde. sin caer en las tentaciones y eso que es puesto a prueba por la rubia Mitzi… que es la mejor amiga de su esposa 

La película es un remake musical de The Marriage Circle (1924) o "Los peligros del flirt" , la segunda película que hizo Lubitsch en Estados Unidos. 

Fue rodada en los Paramount Studios que estaban en el mítico  5555 de Melrose Avenue en Hollywood, . Simultáneamente se hizo una versión en francés, llamada Une heure près de toi , con Lili Damita interpretando el papel de Genevieve Tobin. Trabaja igualmente Jeanette MacDonald (que hablaba francés con fluidez) interpretaron los mismos papeles que en la versión en inglés. 

Esta era la segunda colaboración de Maurice Chevalier, que ya tenía 42 años, con el director ya que en aquellos años gozaba de gran popularidad el actor por los musicales y también por su imagen de galán sofisticado e irresistible para las mujeres. No olvidemos que estamos en los principios del sonoro y el cine estaba ávido de la inclusión de números musicales , pues los espectadores querían ver ahora a sus ídolos del cine  cantando o bailando. Así que esta película se incluyeron muchas canciones. 

Lubitsch estaba originalmente programado para dirigir One Hour with You y supervisó la preproducción, el mismo Lubitsch como productor al ver que no podía sacar el proyecto, al estar involucrado de lleno en otra película que estaba dirigiendo antes, The Man I Killed, superó el cronograma,  asignó a Cukor a la dirección. 

Sin embargo, dos semanas después de que comenzara la filmación, los conflictos entre Chevalier y Cukor hicieron que Lubitsch volviera a asumir la dirección, aunque Cukor permaneció en el set. La idea de Lubitsch era mantener a Cukor como guionista. En 1964 en una entrevista concedida a "Film Ideal" habló sobre lo ocurrido " A los productores no le gustó lo que hice. Yo les había advertido que nunca podría hacerlo como Mr. Lubitsch, que además el había escrito el guion, etcétera. Pero al principio no consintieron en en mi negativo. Luego tuvo que venir Lubitsch  a terminarla y la verdad es que toda es suya. Al acabar la película el porductor Mister Schubert me pidió quitar mi nombre, porque el de Lubitsch, unido a Jeanette MacDonald, significaba mucho en taquilla. Por mi parte dije que quería otro favo a cambio. "Denme doscientos mil años". Schubert, que entonces era el gran zar, me dijo: ¡Qué cosas tan terribles dice!". Así que le puse un pleito a la Paramount. Eran tan maliciosos que en venganza no me dejaban irme. Selznick había pasado  por entonces a la RKO y quería que me fuese con él, pero los directivos de la Paramount preferían tenerme allí sentado sin nada. Al fin todo este embrollo acabó con mi traspado a la Paramount". 

Tanto Cukor como Lubitsch exigieron el mérito exclusivo de dirigir, y el asunto terminó en la corte, pero se resolvió antes de que se diera un fallo, y Cukor recibió un crédito por ayudar con el crédito: Asistido por…y el derecho a romper su contrato con Paramount para dirigir What Price. Hollywood? en RKO . 

En el apartado feminino Geneviene Tobin y Jeanette MacDonald asumieron unos roles que en principio iban a ser de Carole Lombard y Kay Francis que eran la primera opción para coprotagonizar la película.

A pesar de que era la era anterior a Hays Code, fue una de las pocas películas de esa época que mostraba a una pareja casada en la misma cama. 

Esta es una de las más de las 700 producciones de la Paramount, filmadas entre 1929 y 1949, que se vendieron a MCA / Universal en 1958 para su distribución televisiva, y desde entonces han sido propiedad y están controladas por Universal. 

La versión restaurada de esta película se lanzó por primera vez en DVD el 12 de febrero de 2008 como una de las 4 características de la colección Lubitsch Musicals de Criterion, y desde entonces ha disfrutado de presentaciones ocasionales en Turner Classic Movies. 

En cuanto a la música la película contó con la composición de Oscar Straus y la letra es de Leo Robin . Entre sus canciones están "Una hora contigo" música de Richard A. Whiting interpretado por The Coconut Orchestra con voz de Donald Novis también cantada por Genevieve Tobin y Maurice Chevalier, Charlie Ruggles y Jeanette MacDonald, y Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald. La canción principal se adaptó más tarde como tema principal del programa de radio de Eddie Cantor. 

Las otras canciones son "Número de estación de policía" (sin acreditar) cuanta con la música de John Leipold; "Siempre seremos novios" cantada por Jeanette MacDonald; "¿Qué harías?" cantado por Maurice Chevalier ; "Oh, ese Mitzi" cantado por Maurice Chevalier; "Tres veces al día" cantada por Genevieve Tobin; "Lo que puede hacer una pequeña cosa como un anillo de bodas" cantada por Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald ; "Fue solo un beso de ensueño" cantada por Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald.

Jeanette MacDonald era mucho más que una actriz. Era la reina se la opereta según Moix. El público la adoraba y era una de las grandes estrellas de la Metro. En su primera etapa se mostraba como una actriz ligera , llena de picardía y salpicada de atrevimiento. 

Tiene en la película como compañero al parisino Chevalier, cantante, bailarín  y actor que comenzó trabajando en París, Marsella, Londres y pasando después a Broadway , y con el nacimiento de los "talkies" pasaría a un Hollywood ávido de palabras y música. Hizo su debut en Hollywood en 1928 y firmó un contrato con Paramount Pictures. 

En 1930, fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor por sus papeles en The Love Parade (1929) y The Big Pond (1930), la primera de Lubitsch, y la segunda de Hobart Henley, que le aseguraron sus primeros grandes éxitos estadounidenses ".Me trajiste una nueva clase de amor "y" Livin 'in the Sunlight, Lovin' in the Moonlight ". Apareció en la película de revista de estrellas Paramount on Parade (1930).

Tras bastantes éxitos que lo convirtieron en el actor mejor pagado de Hollywood y tras otra película inspirada en la más famosa opereta de todos los tiempo, La viuda alegre de Franz Lehar rodada por Lubitsch en 1934 y con la MacDonald de compañera decidió firmar con MGM para rodar The Man from the Folies Bergère , su película favorita. Pero después de un desacuerdo sobre su facturación regresó a Francia en 1935 para reanudar su carrera de music hall y en el cine de su país. 

Cuando actuaba en inglés, siempre tenía un fuerte acento francés, aunque su inglés hablado normal era bastante fluido y sonaba más americano. Después su historia en Francia se complicó tanto por su matrimonio con la bailarina Nita Raya como con lo que vino posteriormente, la Segunda Guerra Mundial. Pero esa historia será contada en otro momento.  

La película Una hora contigo se estrenó en marzo de 1932 y obtuvo en taquilla unos ingresos de  $ 1,100,000 . La película fue nominada al Oscar de las película rodadas en el año a la  Mejor película. 

La película se convirtió en un éxito y una de las películas fundamentales para hacer que los musicales volvieran a ser populares. Debido a su popularidad, Paramount  apostó por Maurice Chevalier en otro musical llamado Love Me Tonight (también 1932), y que nuevamente coprotagonizó a Jeanette MacDonald. 

La película fue conservada por el Archivo de Cine y Televisión de UCLA con los tintes de color originales restaurados. 

En ella ya vemos el famoso "toque Lubitsch" combinado con la sabiduría y el toque Cukor que está presente como ya comenté en una entrega anterior. Ese toque sugiere más cosas de las que muestra en pantalla lo que nos lleva a una narración en la que se adivina, aunque nunca se ve, la sensualidad, el erotismo, la pasión y el deseo. Estos elementos sutiles de la pulsión que llevaría a una aventura sexual, a la infidelidad, al adulterio o al esperado  triángulo amoroso, son tratados de forma sutil. A eso contribuyen los diálogos llenos de ironías, malentendidos, y repletos de dobles sentidos favorecido por ser una película rodada ante del famoso y castraste Código Hays de 1932. Eso sí, todo  presentado con elegancia y delicadeza.

A los tres personajes principales los de André, Colette y Mitzi se sumarán los de Olivier, Dornier y Adolph que están en segundo plano pero son con los que juega y soporta la comedia que por medio de la música y de los diálogos nos muestra una historia de amor e infidelidad, de amistad y deslealtad, de afecto y de deseos bien resueltos, que gusta del engaño y la simulación de infidelidades propias para recuperar la fidelidad ajena. 

A esto se suman los alardes técnicos compuestos con el fuera de campo, las elipsis narrativas, los travellings que siguen a los protagonistas, los primeros planos, las luces y las sombras en muchas situaciones aprovechando la oscuridad de los "exteriores" o de las escenas nocturnas,    o la introducción de cada escena. En este sentido el trabajo se vio favorecido por las aportaciones en la fotografía de Victor Milner, el papel de la música esencial es una comedia musical . 

A destacar los diálogos de Sam Raphaelson, ácidos, corrosivos, insicivos, como me decía una amiga francesa, chispeantes, y siempre ocurrentes. Como ejemplo un botón este de Olivier con respecto a Mitzi:     

 -Antes de casarme mi mujer era rubia. Siempre engañan. 

-Te adoro, querido -le dice Mitzidesde su cuarto. 

-Otra mentira. contesta Olivier

O esta otra

-Su esposa es muy simpática -le comenta un amigo al marido. 

-Sí, eso dicen, y debe ser verdad. 

Para terminar aunque dejamos para otro momento su "historia" durante la Segunda Guerra Mundial y su segundo gran momento en el mundo del cine tanto en su país natal como en los Estados Unidos ya que nos dejó grandes e importantes películas , posiblemente las más conocidas y las que yo pude ver de pequeño como son Amor por la tarde (1957), Gigi (1958) o Can-Can (1960). Lo cierto es que se retiró en 1968. 

Sin embargo, y ya alejado de la industria en 1970, dos años después de comenzar su retiro, los grandísimos compositores Richard M. y Robert B. Sherman lo convencieron para cantar la canción principal de la película de Disney de ese año, The Aristocats. Esta se terminó convirtiendo en su contribución final a la industria cinematográfica. Así que para terminar esta entrada creo que es de recibe colocar la cancióncilla que tantas veces escuche mientras le ponía en inglés este VHS pues no había otro interés que el que aprendieron inglés y disfrutarán, aunque fuese con Maurice Chevalier.

Which pets are blessed 

With the fairest forms and faces?

 Which pets know best All the gentle social graces? 

Which pets live On cream and loving pats? 

Naturalment! The aristocats! 

They show aristocats bearing 

When they're seen upon 

An airing And aristocatic flair 

In what they do and what they say! 

Aristocats are never found 

In alleyways or hanging around 

The garbage cans where 

Common kitties play, oh no 

Which pets are known 

To never show their claws? 

Which pets are prone 

To hardly any flaws? 

To which pets do the others 

Tip their hats? 

Naturalment! The aristocats! 

Naturalment! Naturalment! 

Oh, Naturalment! The aristocats!