Grand Hotel

Con el sonido de un vals, el del Danubio Azul de Joham Strauss, una presentación de personajes similar a las que nos hacía el genial Howard Hawks, y una personaje el Dr. Otternschlag interpretado por Lewis Stone que abre y cierra la película con una declaración de intenciones en la que afirma "Grand Hotel. Siempre es lo mismo. La gente viene. La gente se va. Nunca sucede nada", cercana al sentido a la idea de la vida como algo circular llena de historias , pero en las que aparentemente no pasa nada,  comienza este Grand Hotel una película estadounidense del año 1932 dirigida por Edmund Goulding y producida y distribuida por el mítico Irving Thalberg para la Metro-Goldwyn-Mayer. Fue una película de alto presupuesto para época como se aprecian los $ 750,000 de presupuesto.

La película fue trascendente en la historia del cine. Con ella aparece el llamado "star system" o "all star films", en los que varias estrellas de renombre comparten escena. Es además una película perteneciente a una momento del cine norteamericano curioso, la llamada "época pre-code" en el que la industria cinematográfica estadounidense hace referencia al periodo comprendido entre la introducción del sonido, finales de los años veinte,​ y la aplicación del Código de Producción de Películas (Motion Picture Production Code) que recogía las directrices de censura y que desde 1934 se conoció como «código Hays».

Antes de esa fecha, el contenido de las películas estaba más restringido por la legislación local, las negociaciones entre el Comité de Relaciones Cinematográficas (Studio Relations Commitee) y los grandes estudios, por lo que el código Hays fue a menudo ignorado por los productores de Hollywood. Es perceptible por la tanto en la película alguno de los elementos que más tarde se perseguirán como son insinuaciones sexuales, infidelidad, violencia intensa , la presencia de una mujer que no tiene problema para acostarse con un hombre por dinero o dar la apariencia de chica fácil, la aparición de ladrones de guante blanco que sablean a los habitantes del Hotel, pero que son presentados como protagonistas de cierto encanto.

Curiosamente en febrero de 1930, varios directivos ─entre los que se encontraba Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)─ se reunieron con el jesuita padre Daniel A. Lord y con el católico - eso sí, laico- editor de la revista cinematográfica Motion Picture Herald, Martin Quigley que habían redactado un código de normas cinematográficas (que agradó mucho a Will H. Hays que poco después fue contratado por los estudios de Hollywood en 1922 para limpiar la imagen de estos, dañada por los escándalos protagonizados por los actores, y lo presentaron a los estudios. y, después de algunas revisiones, suscribieron las estipulaciones del código. Uno de los motivos principales que impulsaron la aceptación del código fue evitar la intervención directa del Gobierno. Se querían evitar que las películas fuesen malos modelos para la sociedad norteamericana suprimiendo de las películas lo que hasta esos años se podía ver : gángsteres presentados como héroes, mujeres fatales, defensa del mestizaje, consumo de drogas ilegales, aborto , homosexualidad,etc.

Además la película fue, hasta la fecha, la única que ha ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película sin haber sido nominada en ninguna otra categoría.

El guión de William A. Drake está basado en la obra de teatro de 1930 del mismo título de Drake, quien la había adaptado de la novela de 1929 Menschen im Hotel de Vicki Baum . La autora y dramaturga Vicki Baum basó "Menschen im Hotel" en una historia real sobre un escándalo en un hotel que involucra a una taquígrafa y un magnate industrial, y en sus propias experiencias trabajando como camarera en dos conocidos hoteles de Berlín. El argumento se compone de una serie de historias entrecruzadas en el escenario de un hotel de Berlín, inspirado en el Hotel Adlon del barrio berlinés Unter den Linden.

Para la dirección fue contratado por Thalberg , el guionista, novelista , letrista y director británico Edmund Goulding, que desde 1921 trabajaba en los Estados Unidos y que apostó por un cine enmarcado dentro de los dramas cultos o de conjunto e incluso en cine negro y de acción. Curiosamente dos años antes de dirigir esta película, Edmund Goulding dirigió la película The Devil's Holiday (1930), que tuvo lugar en un hotel llamado Grand Hotel. Ambas películas se abren con escenas de los operadores de la centralita diciendo: "¡Grand Hotel!"

La película contó con la fotografía de William H. Daniels, la música compuesta por William Axt y Charles Maxwell y el montaje de Blanche Sewell.

El elenco lo encabeza Greta Garbo como Grusinskaya, la bailarina, los hermanos John y Lionel Barrymore como el Barón Felix von Geigern, en el primer caso y como Otto Kringelein en el segundo. Junto a ellos aparece Joan Crawford como Flaemmchen, la mecanógrafa, Wallace Beery como el director General Preysing, Lewis Stone como el Dr. Otternschlag, Jean Hersholt como Senf, el portero. Asimismo aparecen Robert McWade como Meierheim, Purnell B. Pratt como Zinnowitz, Ferdinand Gottschalk como Pimenov, Rafaela Ottiano como Suzette, Morgan Wallace como el chófer del barón, Tully Marshall como Gerstenkorn, Frank Conroy como Rohna, Murray Kinnell como Schweimann, Edwin Maxwell como Dr. Waitz y Allen Jenkins como Hotel Meat Packer.

La película comienza con una imagen exterior del Grand Hotel, hotel más lujoso y más caro de Berlín , y con una sucesión de personajes protagonistas que realizan llamadas telefónicas , mientras las chicas de la centralizan cruzan los cables de sus llamadas.

Tras la presentación vemos que se trata de Sent, el portero, que está a la espera de ser padre a lo largo de esos días, el barón Felix von Geigern que necesita dinero con urgencia ya que ha de afrontar unas importantes deudas, un enfermo Otto Kringelein que al creer que le queda poco tiempo de vida quiere disfrutar en el Grand Hotel de sus últimos momentos, el empresario Preysing que necesita urgentemente cerrar un acuerdo de fusión con dos empresas , Sajonia y Manchester, para evitar la quiebra de su misma empresa, así como la bella mecanógrafa Flaemmchen que sueña con ser actriz o una bailarina, Grusinskaya, insegura que cree haber perdido la confianza de su público y que piensa en retirarse.

Una vez hemos conocido a estos  personajes vemos al doctor Otternschlag (Lewis Stone), un veterano desfigurado de la Primera Guerra Mundial y residente permanente del Grand Hotel de Berlín, que se dirige a la cámara y a la que le dice: "La gente viene, se va. No pasa nada".

Tras eso vamos conociendo a los personajes con mayor profundidad. Al primero es el barón Félix von Geigern (John Barrymore), que desperdició su fortuna y se mantiene como jugador de cartas y ladrón de joyas ocasional, que colocó a un botones para que saque a pasear a su perro.

Mientras lo hace escucha la queja de un señor, de Otto Kringelein(Lionel Barrymore), un contable moribundo que ha decidido pasar sus últimos días en el lujo de este Hotel para sentir la vida. El barón se muestra amable con el contable y éste le pide que sea su amigo.

También conocemos al antiguo jefe de Otto Kringelein (Wallace Beery), el Director General industrial Preysing, que está en el hotel intentando cerrar un trato importante. Es él el que contrata a la taquígrafa Flaemmchen (Joan Crawford) para que lo asista.

Mientras entra en la habitación de Preysing, aunque éste la expulsa y le pide que le espere fuera, entra en contacto tanto con el señor Kringelein como con el Barón. De hecho ella queda cegada por la clase y el estilo del barón. Ambos quedan para el día siguiente a las cinco de la tarde para tomar el té y bailar en este hotel en el que nunca para la música. Al final, sale el señor Preysing y le pide que entre en su habitación. Entre dictado y dictado , ella que aspira a ser actriz , le muestra a Preysing algunas fotos de la revista por las que ella se presentó, lo que implica que está dispuesta a ofrecerle más que escribir si él avanza en su carrera. Preysing, un hombre repulsivo y sin moral, muy diferente de lo que alardea.

Otra residente del Hotel es la bailarina rusa Grusinskaya (Greta Garbo), cuya carrera está en decadencia. Y que vive en un inmenso mar de dudas sobre si retirarse o no. Sus asistentes Pimenov (Ferdinand Gottschalk) y Suzette (Rafaela Ottiano) le animan y piden que vuelva a recuperar su confianza.

Sin embargo, será el Barón quien se mete , tras una maniobra por el exterior del edificio, en su alcoba es pillado por la bailarina para robarle sus joyas tras regresar del teatro. Lo cierto es que él se esconde en su habitación y escucha cuando habla consigo misma acerca de querer poner fin a todo. Él sale de su escondite y entabla con ella una conversación. Tras la misma, Grusinskaya se siente atraída por él.

A la mañana siguiente, el Barón devuelve las joyas de Grusinskaya, y ella perdona su crimen. Ella lo invita a acompañarla a Viena , una oferta que acepta. Pero las deudas le agobian al igual que su chófer (Morgan Wallace). El barón está desesperado por dinero para pagar su salida del grupo criminal con el que había estado trabajando.

De cualquier manera al día siguiente acude a la cita con Flaemmchen que va acompañado de su jefe y que le ha prometido una habitación en el Grand Hotel para saciar sus instintos libidinosos. Tras eso Preysing negocia con los otros empresarios de Sajonia, aunque miente sobre los acuerdos con Manchester, llegando a firmar un acuerdo desde la mentira.

Por su parte, el Barón que juega tanto con Flaemmchen como con Grusinskaya recibe una propuesta de Kringelein para ir a jugar a las cartas en el Casino. Él y Kringelein se lanzan al juego y mientras Kringelein le sonríe la suerte del principiante y lo gana todo, él pierde todo su dinero.

Tras su victoria que le reporta una importante suma de dinero Kringelein se intoxica con tanto champagne y cae al suelo. En la caída , se le sale su cartera que es encontrada por el Barón que se la guarda en el bolsillo, con la intención de quedarse con las ganancias.

Sin embargo, después de que Kringelein comienza a buscar sus pertenencias perdidas, el Barón, que necesita desesperadamente el dinero pero se ha encariñado mucho con Kringelein, dice haber descubierto la billetera y se lo devuelve ante la mirada del Doctor Otternschlag, presente igualmente en la partida.

Como parte de un plan de fusión desesperado, Preysing debe viajar a Londres y le pide a Flaemmchen que lo acompañe. Más tarde, cuando los dos están en su habitación, que se abre a la suya, Preysing ve la sombra del Barón revolviendo sus pertenencias. Esto provoca el enfrentamiento entre el corrupto empresario y el Barón; los dos luchan, y Preysing golpea al Barón con el teléfono, matándolo.

Flaemmchen ve lo que sucede y va en busca a Kringelein, al estar en la habitación contigua . Éste se enfrenta a Preysing. Él insiste en que actuó en defensa propia, pero Kringelein llama a la policía y Preysing es arrestado generando un enorme revuelo en el Hotel.

Por su parte, Grusinskaya llega tras una sesión gloriosa y no es informada de lo que ha acontecido aunque lo ocurrido ya es conocido por todos. Como habían quedado en verse en el tren, ella parte hacia la estación de tren, esperando encontrar al Barón esperándola allí.

Mientras tanto, Kringelein se ofrece a cuidar a Flaemmchen y seguir disfrutando de la vida , ahora en un siguiente lugar, París, quien sugiere que busquen una cura para su enfermedad.

En esto que suena el teléfono del Grand Hotel y Sent, al que conocimos al principio de la película recibe una llamada. Acaba de ser padre de un chico y su mujer está perfectamente.

Al salir del hotel, el doctor Otternschlag observa nuevamente: "Grand Hotel. Siempre es lo mismo. La gente viene. La gente se va. Nunca sucede nada". Así acaba esta película que refleja como es la vida en la que , aparentemente nunca pasa nada, pero siempre aportan cosas, como la vida y la muerte que conviven con toda naturalidad.

La historia de esta producción comienza cuando el productor Irving Thalberg compró los derechos de la novela Menschen im Hotel de Vicki Baum por $ 13,000 y luego encargó a William A. Drake que lo adaptara para el teatro.

La obra fue presentada en Broadway en el Teatro Nacional el 13 de noviembre de 1930 y funcionó durante 459 representaciones.

Satisfecho con su éxito, Thalberg hizo que Drake y Béla Balázs escribieran el guión y presupuestaron el proyecto en $ 700,000.

Cada uno de los grandes estudios había producido una revista musical de estrellas entre los años 1929-30 para mostrar el esplendor del sonido, pero la sabiduría convencional decretó que no deberían aparecer más de una o dos estrellas en una película, maximizando las ganancias al obligar a las audiencias a pagar ingresos por separado ver sus estrellas favoritas repartidas en muchas películas. Esa filosofía cambió después de Gran hotel (1932), que contó con cinco estrellas de alto nivel de la MGM y se convirtió en una de las películas más taquilleras en la historia del estudio. Al darse cuenta de que un vehículo cargado de estrellas podía atisbar la asistencia de cada una de las bases de admiradores de sus artistas, en lugar de producir cinco o seis vehículos para lograr el mismo efecto, Thalberg inmediatamente ordenó la puesta en marcha de otro proyecto , la película "Cena a las ocho (1933) , que se convertiría la primera comedia repleta de estrellas.

Como ya hemos dicho , la película contó con grandes actores y actrices del momento. Greta Garbo también se mostró reacia a actuar en una película que incluía un reparto con tantas estrellas adicionales. Irving Thalberg fue capaz de convencerla de que aceptara el papel al ofrecerle un dinero sólo por la aparición de su apellido en los créditos iniciales, un honor que estaba reservado solo para los actores más apreciados en ese momento.

Greta Garbo era fiel a su reputación y a veces se mostraba distante y temperamental. En particular, detestaba que ningún extraño la viera en el trabajo mientras filmaba y no tenía reparos en que se quitara gente del set, sin importar quiénes fueran. "... hubiera sido lo mismo si hubiera sido Jesucristo", dijo Lionel Barrymore . "No lo hizo para ser impertinente. Estaba asustada. Era como un gato que se metía debajo de la cama cuando un extraño entraba a la habitación". Edmund Goulding estuvo de acuerdo. "En los estudios ella está nerviosa". Algo así como un caballo de carreras en el correo, realmente temblando, odiando a los espectadores. En el primer clic de la cámara, comienza a verter literalmente Garbo en la lente ".

Además propuso algunos elementos para la película. Por ejemplo, Greta Garbo solicitó que el escenario se iluminara en rojo para crear un ambiente más romántico para los ensayos.

Esta película dejó una de las frases para la historia del cine, que es pronunciada por Grusinskaya, o sea, Greta Garbo en la que repite "Quiero estar solo" e, inmediatamente después, "Solo quiero estar sola". Con el tiempo esa frase se vinculará con la vida personal y casi reclusiva de la actriz sueca que  más tarde aclaró  "Nunca dije que quería estar solo, solo dije 'quiero que me dejen en paz'. Hay toda la diferencia "

Por su parte, otra de las estrellas, John Barrymore, le pidió al director de fotografía William H. Daniels que "Tengo 50 años y quiero parecerme al nieto de Jackie Cooper ".

John Barrymore estaba tan entusiasmado con la posibilidad de aparecer en la película con Greta Garbo que aceptó un acuerdo de tres películas con la MGM.

La relación entre ambos actores fue muy fluida. La Garbo saludó a Barrymore diciendo: "Este es un gran día para mí. ¡Cómo he esperado trabajar con John Barrymore!". Supuestamente Barrymore quedó conquistado de inmediato. "Mi esposa y yo creemos que eres la mujer más adorable del mundo", respondió.

Greta Garbo era, como dicen mis amigos italianos "molto particulare"  en cuanto a cómo se grabaron sus escenas de amor con John Barrymore . Ella solicitó una iluminación frontal roja y requirió que se colocaran cortinas entre la cámara y el equipo de filmación para ayudar a crear el ambiente y crear la ilusión de que ella y Barrymore estaban solos.

Durante una toma, Garbo se dejó llevar tanto por la escena que siguió besando a Barrymore durante tres minutos completos después de que el director Edmund Goulding gritara corten. El metraje adicional de beso sobrevive, pero no se usó en el corte final.

Otra de las estrellas era una actriz emergente,  Joan Crawford, que al principio se opuso a su papel de Flaemmchen porque temía que gran parte de su actuación fuera censurada por ser demasiado provocativa y picara. El director Edmund Goulding y el productor Irving Thalberg le aseguraron que su parte sería filmada con buen gusto y que se la mostraría con simpatía. Sin embargo, las dudas de Crawford estaban justificadas, ya que muchas juntas de censura en los estados conservadores de América cortaron la mayoría de sus escenas por indecencia. En años posteriores, Joan Crawford describió la película como "una gran película, una gran experiencia en mi vida. Estoy muy orgullosa. Estaba muy contenta cuando escuché que lo haría. Solo quería ser digno".

Irving Thalberg originalmente quería que su esposa, Norma Shearer, interpretara el papel de Flaemmchen. Sin embargo, recibió muchos correos de admiradores en los que los fanáticos la desanimaron para que tomara el papel, después de lo cual ella rechazó la parte.

Joan Crawford estaba realmente impresionado por Greta Garbo . Aunque no tenían escenas juntas, Crawford saludaba a la enigmática estrella con reverencia cada vez que los dos se cruzaban entre las configuraciones de la cámara. Garbo nunca respondió, por lo que Crawford dejó de esforzarse para encontrarla y saludarla Algún tiempo después, Garbo detuvo a Crawford mientras ella caminaba silenciosamente junto a ella, comentando, "¿No vas a decirme algo?"

No fue un rodaje fácil. El ganador de un Oscar Wallace Beery salió furioso de los ensayos, diciendo que solo volvería "cuando Joan Crawford aprenda a actuar".

La película fue rodada en los Metro-Goldwyn-Mayer Studios sito en el 10202 W. Washington Blvd., en Culver City. El rodaje principal comenzó en diciembre de 1931 poco después del cierre de la obra teatral en Nueva York. Cuando el rodaje se completó a mediados de febrero de 1932, MGM promocionó la película en gran medida, su trailer jactándose "el mayor elenco jamás montado".

Hubo cierta controversia sobre Greta Garbo, con su fuerte acento sueco, simulando el ruso. Greta Garbo y Joan Crawford aparecen en ninguna escena juntos. Garbo no interactúa con ninguna de las estrellas de la película aparte de John Barrymore.

El estreno tuvo lugar en el Grauman's Chinese Theatre un 12 de abril de 1932 . Buster Keaton propuso una versión de comedia ambientada en una pensión de Nueva York titulada "Grand Mills Hotel" consigo mismo en el papel de Lionel Barrymore . Su propuesta de casting incluía a Marie Dressler como bailarina, Jimmy Durante como contador falso, Oliver Hardy como industrial, Stan Laurel como fabricante de botones, Polly Moran como secretaria y Henry Armetta como empleado de hotel y futuro padre. Aunque Thalberg quería hacerlo, el comediante había sido despedido por Louis B. Mayer y no deseaba ver su regreso al estudio.

En su primer año de lanzamiento, Gran hotel (1932) recuperó cinco veces su presupuesto en su lanzamiento inicial con $ 1,647,000, y llegó a alcanzar una taquilla total de $ 2,250,000.

La película también se vio como un logro artístico en su dirección de arte y calidad de producción. El director de arte, Cedric Gibbons , fue uno de los más importantes e influyentes en la historia del cine estadounidense. Las escenas del lobby estaban extremadamente bien hechas, retratando un escritorio de 360 ​​°. Esto permitió al público ver la acción del hotel de todos los personajes. Cambió la forma en que se crearon los conjuntos a partir de ese momento. En ese sentido parece que el papel del director Edmund Goulding tuvo cierta influencia ya que era uno de los directores más capacitados en el aspecto de la escenografía.

Fue , como ya hemos dicho un éxito de público, el más importante éxitode una película de Hollywood en 1932, pero también de crítica. Para Alfred Rushford Greason, de Variety, la película "puede que no satisfaga del todo a los espectadores que estaban fascinados por su hábil dirección escénica y su actuación moderada, pero atraerá y sostendrá al público más amplio al que ahora se dirige". Añadió: "El drama se desarrolla con una velocidad que nunca pierde su control, incluso durante la duración extrema de casi dos horas, y hay un patrón cautivador de comedia inesperada que lo recorre todo, siempre fresco y siempre patético". Y concluye que es Variety "Mejor que una simple transcripción buena de la obra de Vicky Baum."

Para Mordaunt Hall del The New York Times supuso un elogio a las actuaciones de Greta Garbo y John Barrymore,  y señaló que "La película se adhiere fielmente al original", dijo, "y aunque indudablemente carece de la vida y la profundidad y el color de la obra, por medio de excelentes caracterizaciones mantiene a la audiencia en qui vive". Y añadió en las páginas del The New York Times que "Es una producción merecedora de toda la charla que ha creado y las celebridades deben estar muy orgullosas de sus actuaciones, especialmente Greta Garbo y Lionel Barrymore."

Irene Thirer en el New York Daily News dijo de ella que "Todos y cada uno de los artistas de 'Grand Hotel' hace un trabajo extraordinario. Para nosotros, Garbo es el punto más alto de la magnificencia." 

John Mosher de The New Yorker lo calificó como una "película ingeniosa y astuta", elogiando a Goulding como "un director por fin para darle a Garbo lo que merece" y por su "ingenioso" trabajo de cámara, "saboreando, sospecho, las ventajas que ofrece la pantalla en estos aspectos sobre el escenario, donde el torpe y constante cambio de escenas obstruyó la acción de la obra ".

Para David Parkinson de Empire se trata de una obra "Estridente, envejecida y absolutamente encantadora. Una película que tienes que ver con una copia adecuada si puedes (...) "

Dave Kehr en el Chicago Reader afirma que es "Menos efectiva como película que como desfile deslumbrante de iconos y estrellas"

Entiende  Pauline Kael The New Yorker que "La mayoría de actores hacen actuaciones horribles (...) Pero si quieres ver lo que fue el glamour en la pantalla y cómo eran las 'estrellas', este es quizá el mejor ejemplo de la época."

Sostiene Chris Cabin de Slant que "La película sólo funciona porque Edmund Goulding le dio a sus espacios la misma fuerza y glamour art decó que a sus actores (...)"

En el  Reino Unido Joanna Berry afirmó en Radio Times que "Es el director artístico Cedric Gibbons el que merece alabanzas por el exquisito aspecto de la película (...) "  En otra publicación británica como Time Out se afirma que "La reputación de 'Grand Hotel' ha superado a su calidad verdadera y ahora sólo es interesante como ejemplo de película coral"

Ya en el mundo digital James Berardinelli de ReelViews sostiene que "'Grand Hotel' es notable principalmente por su reparto (...) "

En 2009, Blake Goble de The Michigan Daily lo llamó "el Ocean's Eleven original por su poder de combinar tantas estrellas" y lo comparó con Gosford Park , la película de Robert Altman"por su estructura densa e historias". Añadió, "El ritmo es rápido, la actuación es elocuente y las historias son realmente interesantes. Es pura teatralidad. Pero Hotel perduró gracias a su simplicidad, y el poder de la estrella tampoco duele. Esto es grandioso, viejo Hollywood capturado en la película ".

En España Terenci Moix en su libro sobre la Historia del cine afirma que "La fórmula más exitosa de la metro fue el filme  de estrellas y ninguno alcanzó tanto prestigio como   Gran Hotel". Pero añade que lo que puede lastras la película es Lionel Barrymore que "arruina la película  con su verborrea inaguantable, y el espectador actual tiene que dividir su admiración entre las dos mujeres del reparto, ambas divinas".

En Cine o Sardina Cabrera Infante afirma que la Garn¡bo en esta película se muestra como una "ballerina" patética, frente a Joan Crawford que "en Gran Hotel casi llega a robar la atención a su real oponente, Greta Garbo". 

La película tuvo sus remakes como Week-End en el Waldorf en 1945, y también sirvió de base para el musical de 1989 del mismo título . Otro remake, que será dirigido por Norman Jewison , fue considerado en 1977, que iba a tener lugar en el MGM Grand Hotel de Las Vegas, pero el proyecto finalmente fracasó.

En 2007, la Biblioteca fue seleccionada para su preservación en el National Film Registry de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Como película lo que más me interesa es que fue la creación de un modelo que , en ocasiones, aun es detectable. Como fuente me merece todo su interés. Igualmente merece la pena ver como con ella la Metro puso sobre la mesa su marchamo cumpliendo con su lema “Más estrellas que en el firmamento” que se disponen en la pantalla con actores como los Hermanos Barrymore, creadores de toda una saga, o actrices míticas de la talla de la Garbo o la Crawford. La primera con el peso que tenía , casi como caricatura de ella en su forma teatral , grandilocuente y alambicada, mientras que la Crawford se muestra absolutamente sensual y mundana.

Destaca que en este sentido la película nos va mostrando el poder de los estudios y la enorme libertad creativa que en un momento hubo. Destaca la creación de personajes , pero también formas de rodaje que más tarde encontramos en otros directores mediante fotografías cenitales, primeros planos para remarcar la personalidad de los protagonistas que son presentados como un lienzo social de aquellos que se alojarían en esos años en un Grand Hotel o el narrativo plano americano con personajes cortados levemente por debajo de las rodillas que queda muy funcional para narrar en decorados con varios personajes. Destila el glamour de entreguerras en una sociedad que vive en plena depresión y que gusta de estos filmes para eludir o escapar de su complicada situación.

A destacar el papel del diseñador artístico Cedric Gibbons, hombre clave de la productora, y ganador de 11 Oscars en su carrera, con sus decorados geométricos, sofisticados, herederos del art-déco, que es sabiamente aprovechado por un director como Edmund Goulding. Hay que ver las fuentes del cine, y esta es una de ellas.

Adiós a las armas

Adiós a las armas (en inglés: A Farewell to Arms)? es un drama de 1932 dirigido por el estadounidense, de Utah, Frank Borzage. Un hombre valiente que se fue de casa luego a causa de su pasión por el mundo del teatro cuando en 1907 ya actuaba en uno de los principales teatros de Phoenix, Arizona, en el "El prisionero de Zenda". 

Borzage ejerció diversos oficios y trabajó como tramoyista antes ser actor en Hollywood, donde comenzó como cowboy. 

En 1911, Thomas H. Ince lo contrató como actor y trabajó para Producciones Bison, dirigiendo inicialmente wéstern. 

En 1916, Borzage empezó a trabajar como director de cine mudo. Hizo películas de las que también escribió el guion, y a lo largo de unos sesenta filmes mudos hasta 1929 fue forjando su estilo, una transfiguración del melodrama habitual por medio de una exaltación del amor loco próxima al surrealismo.

La película responde a  la concepción coherente del director Frank Borzage , un hombre de espíritu pacifista que transforma esta historia en lo que se ha venido en llamar un "poème d'amour fou" (Henri Agel).

Borzage en 1928 consiguió ser el primer director que obtuvo el Óscar destinado al mejor director, gracias a su película El séptimo cielo (Seventh Heaven). Este director de padre de origen italiano se especializó a lo largo de su carrera en el género del melodrama, del que fue considerado uno de los más consumados especialistas. Desde 1928 sus películas conjugan realismo y lirismo con especial sensibilidad al abordar las relaciones amorosas y la  intimidad de los protagonistas. Este director sensible fue el primero en denunciar el ascenso del nazismo  en su película The Mortal Storm. 

De cualquier manera Borzage tomó como referencia la novela escrita por Ernest Hemingway en 1929 tenía mucho de semi-autobiográfica ya que como en " A Farewell to Arms"  Hemingway realmente fue conductor de ambulancias voluntario en el ejército italiano, fue herido en las piernas y conoció a una enfermera con la que vivió una historia similar de amor. Esto le permitió usar sus recuerdos para crear un relato bélico crudo y realista.

El  título está tomado de un verso del poeta del siglo XVI George Peele. Y es posible que el título lo tuviese claro, no así su final , pues  Hemingway tuvo serias dificultades para escribir el final de la novela y, según confesó en 1958 en una entrevista a The Paris Review, reescribió las últimas palabras de Adiós a las armas 47 veces antes de darse por satisfecho . Fue la primera novela de Ernest Hemingway que se convirtió en una película. 

Frank Borzage se unió a la producción de Edward A. Blatt y Benjamin Glazer que estaban allí como representantes de la Paramount Pictures. La película contó con un presupuesto de $ 900,000  y con el compromiso de la distribución de la misma Paramount Pictures.

Partiendo de la obra de Hemingway Borzage siguió el guión de Oliver H. P. Garrett y Benjamin Glazer, Igualmente tomó como compositores a - aquí varían las fuentes- Nat W. Finston ,  Ralph Rainger y Milan Roder .El encargado del sonido fue Franklin Hansen , mientras que uno de los aspectos más positivos y destacados de la película fue la fotografía, con toques expresionistas de  Charles Lang . La labor de montaje fue de Otho Lovering y George Nichols Jr. , mientras que el vestuario fue responsabilidad de Travis Banton. también a destacar los efectos especiales de Loyal Griggs.

La estrella de la película es Helen Hayes como Catherine Barkley , que se hace acompañar de Gary Cooper como el teniente Frederic . A ellos le acompaña Henry Adolphe Menjou como Mayor Rinaldi , Mary Philips como la enfermera Helen Ferguson,  Jack La Rue como sacerdote,  Blanche Friderici como la enfermera jefe , Mary Forbes como Miss Van Campen y Gilbert Emery como Mayor del ejército Británico.

La película tiene lugar desde febrero hasta el 4 de noviembre de 1918 .  en la Italia que sufre la Primera Guerra Mundial, y se centra en la relación entre Frederic Henry (Gary Cooper), un soldado estadounidense, y Catherine Barkley (Helen Hayes), una enfermera de Inglaterra.

La historia nos presenta como antes de que los Estados Unidos entren en la guerra en 1917, Frederic Henry, un periodista norteamericano, se alista como voluntario en el Cuerpo de Ambulancias italiano para poder seguir de cerca los acontecimientos. Se trata de un "bon vivant" bebedor y amigo de la diversión, de sus amigos italianos  como el doctor Mayor Rinaldi  (Adolphe Menjou) y galán de éxito, como el anterior.

En este frente italiano , Frederic Henry (Gary Cooper), estadounidense que sirve como un conductor de ambulancia en el ejército italiano , lleva a algunos soldados heridos a un hospital. Allí es donde trabaja su amigo, el mayor italiano Rinaldi ( Adolfo Menjou ), un médico con el que le gusta divertirse. Una noche el Doctor le habla de que hay en el hospital algunas enfermeras muy atractivas. Cuando están con ellas se interrumpe su charla por un bombardeo.

Frederic y la enfermera británica de la Cruz Roja Catherine Barkley (Helen Hayes) se refugian en el mismo lugar.

El conductor Henry , que está un poco borracho transmite una pobre primera impresión  a la enfermera.

Rinaldi , otro día, persuade a Frederic de ir a una cita romántica doble con él y dos enfermeras, Catherine y su amiga Helen Ferguson ( Mary Philips ). Sin embargo, Rinaldi se molesta cuando Frederic prefiere a Catherine y no a la enfermera Ferguson, la mujer que el mayor había elegido para sí.

Frederic se entera de que la enfermera estaba  comprometida con un soldado que murió en la batalla. En la oscuridad, la seduce románticamente, pero ella inicialmente se  resiste, y se sorprende al descubrir que es virgen.

Tras esto comienza una relación romántica , por otro lado, prohibida por en la normativa  del ejército y es descubierta por el Mayor Rinaldi, que, por otro lado, está algo celoso. A sugerencia de Rinaldi, Catherine es transferida a un hospital de Milán .

Poco después Frederic es movilizado y enviado al frente del Piave cuando allí se encuentra es herido en la pierna, por lo que ingresa en un hospital en Milán, donde vuelve a encontrase con Catherine, la enfermera británica.

Durante la convalecencia Frederic  intensifica su relación con Catherine. Ellos continúan su relación hasta que la supervisora descubre que el conductor está bien, bebiendo y ocultando la bebida bajo la cama. Por esa razón es enviado de vuelta al frente.

Ahora Catherine está embarazada, pero eso no lo sabe Frederic. Para no ser señalaba públicamente, ni sancionada le enfermera  huye a Suiza. Desde su refugio en una  ciudad próxima a Italia envía muchas cartas a su querida amante, aunque sin hablarle de su estado ni de la estrechez en la que vive. Sin embargo, todas las cartas son interceptadas por Rinaldi, quien siente que necesita rescatar a su amigo del enredo romántico.

Mientras tanto, las cartas de Frederic o Federico son enviadas al hospital que ha abandonado. Después de un tiempo, Federico no puede soportar estar lejos de Catalina por más tiempo, así que un día deserta su puesto y se va en busca de ella.

Tras un largo y tortuoso camino en el que resulta detenido escapa yendo  primero al hospital de Milán. Allí intenta convencer a una  reacia Ferguson de revelarle el paradero de Catherine.

Mostrando una fuerte animosidad hacia Federico, le revela   que Catherine se ha ido y está embarazada de él. Frederic ahora escribe un anucio en clave en prensa para contactar con la chica, pero quien deduce que se trata del conductor de ambulancoa es el Mayor médico.

Rinaldi lo visita en el hotel donde se esconde y, al enterarse del embarazo de Catalina, decide por remordimiento y por haber interferido con su correspondencia,decirle a Frederic dónde vive. Con cierta dificultad logra cruzar el lago.

Mientras tanto, Catherine está encantada cuando le dice el funcionario de correos que finalmente ha recibido algún correo, pero se desmaya cuando le dan todas sus cartas de amor marcadas por un "Return to Sender".

Al desmayarse cae al suelo y es llevada al hospital, donde su hijo nace muerto. Ella misma está en grave peligro.

Frédéric llega justo cuando se anuncia un armisticio entre Italia y Austria-Hungría mientras el conductor en la cantina esperando novedades. Al ir a la sala le dan permiso a ver a Catherine que moribunda se despide de él y , finalmente, muere trágicamente, con él a su lado.

Acaba la película con una imagen de palomas en el cielo, mientras que el habla de paz, paz y repite, una vez más, paz.

La película fue rodada en su totalidad en la Paramount Ranch en el 2813 de Cornell Road, en Agoura, California.

La película tuvo cuatro nominaciones en los premios del año 1933, obteniendo dos Oscars, el de la mejor fotografía y sonido para Franklin Hansen, no consiguiendo el Premio de la Academia a la mejor película para la que estaba nominado ni el de la mejor dirección artística.

La National Board of Review (NBR) la incluyó en el Top 10 películas del año Candidata al Óscar a la mejor película.

En 1960, la película entró en el dominio público debido al fracaso de la última reclamante , United Artists , para renovar su registro de derechos de autor en el año 28 después de la publicación.

En su crítica en The New York Times , Mordaunt Hall escribió: "Hay demasiado sentimiento y poca fuerza en la concepción pictórica de la novela de Ernest Hemingway ... la cuenta de la película salta demasiado rápido de un episodio a otro y las dificultades de otros . Las experiencias del teniente Henry se pasan demasiado bruscamente, sugiriéndose más que contándose ... Gary Cooper da un retrato serio y espléndido [y] Helen Hayes es admirable como Catherine ... otra caracterización inteligente es aportada por Adolphe Menjou ...  Es lamentable que estos tres jugadores, sirviendo tan bien la imagen, no tengan la oportunidad de figurar en interludios más dramáticos ".

Dan Callahan, de Slant Magazine , señala que "Hemingway ...  despreciaba enormemente esta versión de Frank Borzage de A Farewell to Arms ... pero el tiempo ha sido amable con la película, elimina el pesimismo del escritor y lo reemplaza con un Testamento al amor eterno entre una pareja ".

Time Out dice de ella que  "no sólo es la mejor versión cinematográfica de una novela de Hemingway, sino también una de las visiones más emocionantes del poder del amor sexual que incluso Borzage hizo ... como ningún otro director". Destaca igualmente que "creó imágenes , usando luz y movimiento como pinceladas, integrando el naturalismo y un expresionismo atrevido en el mismo plano. Este es el melodrama romántico elevado a su más alto grado " 

El Código de Producción que estaba en vigor cuando la película fue reeditada en 1938 hizo que se quitaran  12 minutos de metraje para cumplir con los estándares de código. Afortunadamente, el productor David O. Selznick había adquirido un negativo original, ya que estaba tan interesado en comprar los derechos de remake, por lo que el corte original se ha conservado . Selznick finalmente adquirió los derechos en 1955, haciendo su propia versión dos años más tarde con Rock Hudson Y Jennifer Jones .

Lo cierto es que los problemas de censura surgieron de las primeras versiones del guión, que incluía fases del parto real de Catherine y referencias a dolores de parto, gas, los gemidos y hemorragias. Después de que éstos fueran quitados, el MPPDA aprobó el guión, e incluso emitió un certificado para la re-liberación en 1938 cuando las reglas de la censura fueron hechas cumplir más estrictamente . Sin embargo, la película fue rechazada en algunos lugares como en la canadiense Columbia Británica y en Australia, donde el libro de Hemingway también fue prohibido.

Hay que reconocer que  Ernest Hemingway odiaba esta adaptación de su novela, ya que sentía que el peso romántico era excesivo. Sin embargo, eso no le impidió convertirse en intimo amigo de Gary Cooper , a quien conoció varios años después. De hecho, fue Hemingway quien insistiría en que Cooper fuera elegido como protagonista de la adaptación de su novela Por quién doblan las campanas (1943) 11 años después. Sin embargo, los dosllegaron a un acuerdo de no discutir nunca sobre esta película.

Es una película que usa muchos telones de fondo , incluso miniaturas que se hacen evidentes en algunas escenas.

En principio el protagonismo iba a ser asumido por Fredric March , pero cuando descubrió que el director John Cromwell estaba siendo reemplazado por Frank Borzage , se negó a hacer la película. El papel fue entonces concedido a Gary Cooper .

Para el papel femenino se pensó en  Ruth Chatterton , Claudette Colbert y Eleanor Boardman para interpretar el papel de Catherine Barkley antes fue Helen Hayes la elegida. Boardman filmó algunas escenas, que fueron todas reanudadas, pero algunas de sus imágenes lo convirtieron en The House That Shadows Built (1931).

La obra fue estrenada en Broadway el 22 de septiembre de 1930 y tuvo 24 actuaciones. Contó con el trabajo de  Glenn Anders y Elissa Landi . El reparto de la primera noche de apertura incluía a los citados Glenn Anders , Joe Downing , Jack La Rue (también en la película) y Elissa Landi .Puede que es esta versión funcionara la química que había entre los protagonistas ya que Helen Hayes más tarde admitió en una de sus autobiografías que tenía un gran enamoramiento de Gary Cooper .

A los directores de los cines se les ofreció la película con dos finales, uno feliz y otro triste. Cuando Ernest Hemingway se enteró de esta práctica, se puso furioso.

Durante la misma hay escenas que proceden del expresionismo alemán visibles especialmente en algunas perspectivas que busca la cámara, la oscuridad de los escenarios y la sensación de huida en la oscuridad de la noche. Borzage desarrolló una filmografía impresionante, que incluye varios cientos de películas y que alcanza su máxima intensidad con el cine mudo.

Por desgracia, la mayor parte de estos filmes han desaparecido o no se pueden visionar, pero lo que se conoce de ellos demuestra hasta qué punto el cineasta quedará marcado por esta época, la magia visual que perdura incluso en su última película.

Para el historiador del cine , el francés Sadoul, Borzage dio acaso al cine más que King Vidor, de modo que "sin ninguna pretensión de genio", este antiguo creador de los primeros westerns no se contentó con narrar amores sino que se situó además en su tiempo y abordó la trama social terrible de su tiempo. Borzage además se situaba (como Epstein o L'Herbier) en el lirismo y el sentido pasisajista de los suecos Sjöström y Stiller. las adversidades le proporcionan la oportunidad de renovar su fe en un amor capaz de franquear montañas. Los amantes de Adiós a las armas (1932) superan la Primera Guerra Mundial,

Borzage tras este éxito tuvo algunos problemas profesionales y personales sobre todo desde que fue abandonado por su esposa, lo que le llevó al alcoholismo, unido a cierto fervor religioso que lo irá apartartando progresivamente de los grandes estudios, y  terminó realizando películas de serie B .

A finales de los años 50, Frank Borzage puso el broche a su carrera con dos películas: China Doll (1958), versión parcial de Seventh Heaven, y The Big Fisherman (1959), que recreaba brillantemente un episodio bíblico.

En 1962 falleció en Hollywood debido a un cáncer, y fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery de Glendale (California).

Cinco años antes de la muerte de Borzage esta que fue la primera adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway tendrá una nueva revisión y ejecución. En este caso fue dirigida por  Charles Vidor en 1957 y contaba con la participación de Rock Hudson y Jennifer Jones. Esa versión fue la que vi yo cuando emitieron el ciclo sobre la Jones, allá por 1987. Otra macroproducción de Selznick que seguía obsesionado con la carrera de su esposa, aunque inicialmente tuvo una unión profesional y luego sentimental ya que se casaron en 1949 y permanecieron unidos hasta la muerte del productor en 1965. Selznick llevo con mano férrea controló la carrera de Jones. y en la que hubo esa química entre Rock Hudson y Jennifer Jones, que vuelve de nuevo a llorar desconsoladamente. No se consigue el aura mágica de Gary Cooper y Helen Hayes en la versión de los años 30 ni la elegancia de Frank Borzage. Fue el último trabajo profesional de Selznick y Jennifer Jones. Pero eso fue otra historia.

Todo por un premio

Las Hurdes, tierra sin pan es una película documental de 32 minutos (27 minutos en otras versiones), dirigida por el cineasta aragonés Luis Buñuel y rodada entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932. Participaron como ayudantes de dirección el francés Pierre Unik, así como Rafael Sánchez Ventura.

La fotografía impactante en su momento, fue obra de Eli Lotar mientras que el montaje fue del propio cineasta de Calanda. 

La película era originalmente muda, en 1935 obtuvo dinero de la embajada de España en París para sonorizar la película (narrada en francés por Abel Jacquin una voz en off, aunque la versión que he visto pertenece a la Filmoteca Española y la voz del comentarista corresponde con Paco Rabal), de la misma manera que al final en esta misma versión se presenta un texto sobre la organización de campesinos y obreros para hacer frente a los militares rebeldes. Como ayudantes de sonido aunque añadido están Charles Goldblatt y Pierre Braunberger. Para completar la sonorización se añaden fragmentos de la sinfonía nº 4 de Johannes Brahms, especialmente audibles al inicio del documental. Se basa en un guión de Luis Buñuel, Pierre Unik y el afortunado Julio Acín, quien participa en la producción al haberle tocado, según se cuenta, una de los premios en la lotería nacional, cumpliendo así una promesa de este anarquista con Buñuel. Es decir, la película nace del za. Todo por un premio.

Este documental surge como respuesta a otro previo. Luis Buñuel, once años después del documental de Arnaldo Pou “Las Hurdes, país de leyenda”, que cubre una visita a la región extremeña del rey Alfonso XIII para demostrar su preocupación y así ganar popularidad, realizó este documental para demostrar que la situación era la misma de entonces, la de una región sumida en la más profunda miseria, y sin ningún tipo de ayuda gubernamental. 

Tal es la desdicha que se refleja en este documental, que fue prohibido por el Gobierno de la República y no fue estrenado hasta 1937 en París, cuando, como hemos señalado anteriormente, Buñuel recibió el encargo, por parte del Ministerio de Propaganda de la República, de producir películas de apoyo a la causa republicana, destinadas sobre todo a franceses y británicos. A este fin, Buñuel rescató su antiguo documental de 1932 y lo sonorizó. Además incluyó unas letras explicativas al final. Es ésta la versión que analizamos. 

Este crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes está basado en un monumental estudio de antropología humana realizado por el francés Maurice Legendre, quien había estudiado Las Hurdes durante casi veinte años, titulado Las Jurdes : étude de géographie humaine (1927), que por esos años leyó el cineasta. 

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo para acercarse a propuestas más sociales y al comunismo. Pero el surrealismo (que en francés es literalmente «super-realismo») siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas y nunca a darle la espalda. Tanto la «Santa Objetividad», que por entonces preconizaba Dalí, como su «método paranoico-crítico», partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo, que no en vano, era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos y que tenía como arma principal el escándalo. 

Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel, pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social y de denuncia que tenía este documental producido por el intelectual anarquista Ramón Acín . La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes (el burro devorado por avispas, el entierro del niño en su ataúd blanco cruzando matorrales y un río) encierra tanto surrealismo como los fragmentos documentales de La Edad de Oro. Además, Buñuel utiliza metáforas de la muerte (calaveras, gallos, buitres) para potenciar unas imágenes ya de por sí desoladoras. 

En este documental se realiza un recorrido por la comarca y los habitantes de Las Hurdes. La película refleja la situación tercermundista en que se encontraban algunas zonas de España. Es polémica la legitimidad de la cinta como documental antropológico, pues Buñuel, además de rodar los habitantes y las costumbres de esta comarca extremeña, construyó en ocasiones (como muestran fotos fijas del rodaje que se conservan) escenas a la medida de sus necesidades. Puede observarse, en este sentido, que la cabra despeñada fue abatida por una escopeta cuyo humo se observa en la fotografía. Asimismo, el burro comido por las abejas, tiene las patas atadas, y coincide con uno de los motivos más obsesivos para el cineasta, el del carnuz, que ya aparecía en el ambiente de la Residencia de Estudiantes, y se puede documentar en varios cuadros de Dalí de esa época y en los burros podridos encima de los pianos de Un perro andaluz. Algunos documentalistas, como Pío Caro Baroja le han reprochado esta manipulación de la realidad y el daño ocasionado a los hurdanos, protagonistas de una exhibición truculenta. Empero, hay que pensar en si hay algún documental que no seleccione y manipule en mayor o menor medida – pensemos en el programa de cuatro “Callejeros”, por ejemplo - la realidad objetiva en dirección a los fines perseguidos, que en este caso (no lo olvidemos) eran denunciar ante las autoridades una situación de atraso a la que había que poner remedio, en la línea de los valores comunistas a los que el grupo de André Bretón se había ido acercando en la década de los 30. Cabe preguntarse si hubiera sido tan efectivo como testimonio social de no haber procedido a exagerar unas carencias que, lejos de arremeter contra el pueblo hurdano, ponían en evidencia la dejadez institucional que las habían permitido. 

De todos modos pocos han discutido su extraordinaria calidad cinematográfica, pues ha sido elogiada por grandes documentalistas como Joris Ivens, Joseph Losey y Robert Flaherty. Carlos Saura la tuvo como punto de partida para su documental Cuenca, a raíz del cual declararía en 1958: “En el año 1932, cuando Luis Buñuel realizó Tierra sin pan, pudo nacer una genuina escuela del documental, entroncada con las raíces más profundas del temperamento hispánico. Solo se debía seguir el camino que Luis Buñuel nos dejó, pero nadie lo hizo”. 

Al estreno del filme, realizado en el Palacio de la Prensa de Madrid, acudió el doctor Gregorio Marañón – responsable de la mejora de esa comarca- , que se indignó por lo desagradable de la película, y protestó enérgicamente contra ella, opinión que recibió y compartió el Gobierno de la Segunda República, que decidió prohibirla por la mala imagen que ella podía ofrecer de España, en concreto de la negligente actuación en la comarca de la Segunda República. En 1937 el filme se estrenó en Francia donde, también a los pocos días de su proyección, hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa. 

Es curioso observar que casi veinte años después ocurrió algo parecido con la película que retrataba los barrios más deprimidos de Ciudad de México, Los olvidados cuyo estreno en México provocó reacciones violentísimas, y fue solicitada la expulsión de Buñuel por parte de la prensa, sindicatos y otras asociaciones. Permaneció solo cuatro días en cartel sin que faltaran intentos de agresión física contra el cineasta, solo que en esta ocasión, el premio conseguido en el Festival de Cannes, hizo que la película fuera avalada por el prestigio de este importante certamen, así como por la defensa que de ella hicieron algunos intelectuales mexicanos, entre los que destacó Octavio Paz . 

El documental se inicia con una introducción en dónde se nos explica el origen del retraso y el abandono de la comarca. Se resalta que la primera carretera se traza en 1922 y de cómo a pesar de estar cerca de Salamanca, se vive en la comarca como en el Paleolítico. El viaje se inicia en La Alberca ciudad al norte de la comarca cacereña dominada por la iglesia y sus blasones en las portadas. El día que muestran es festivo: la fiesta de los recién casados durante el año. Consiste en una prueba para descabezar seis gallos. Posteriormente invitan los casados a vino y obleas. Según el comentarista, a las 7 abandonan el pueblo que presenta a su población embriaga de vino y la brutalidad, visible en los niños y sus amuletos. 

Llegan a las Hurdes, comarca áspera y montañosa al norte de Cáceres. Son 52 aldeas con 8.000 habitantes. El recorrido de entrada se realiza por el abandonado monasterio de Santiago de las Batuecas y sus ermitas cercanas. Se muestran en el abandonado lugar sapos y víboras. Más tarde se pasa al primer pueblo Aceitunilla. 

Se resalta la nula canalización de agua, pues niños y animales beben del arroyo, lo famélicos que se encuentran , la miseria moral y física y el aprendizaje en la escuela con la máxima escrita en la pizarra: “Respetad los bienes ajenos”. Pasando al segundo núcleo se ven un caparazón de tejados y a los habitantes hurdanos. 

Nos informan que gran parte de ellos están enfermos de fiebres, bocio y disentería, centrándose en una mujer de algo más de treinta años. Nos habla el documental de su alimentación escasa, y que es a base de patatas y judías. La carne de algún cerdo de los pudientes y de las cabras que se despeña. 

La principal ganadería es la apicultura que beneficia a los de La Alberca y nos presentan la historia de un burro que es atacado por un enjambre tras un accidente. También se ve inicia la emigración en busca de jornales, o el trabajo para conseguir tierras de labor, o abonos. De las inclemencias se ve el estiaje del río en verano, y la enfermedad del paludismo. Igualmente llamativo es la relación entre hambre enanismo y cretinismo, así como su peligrosidad. El incesto y la consanguinidad son origen del abundante cretinismo. Varios enanos adultos recuerdan a los velazqueños. La muerte de un niño es presentado como la tragedia de una comarca sin pan.

La Dirección de la Semana Internacional del Film de Mannheim (Alemania) organizó en 1964 un referéndum para que los críticos e historiadores señalasen los 12 mejores documentales de la Historia, estando éste de Las Hurdes entre los incluidos, juntos con otros grandes de Robert J. Flaherty, Resnai o Eisenstain. 

Tengo que añadir que aparte de las exageraciones o comentarios subjetivos que se vierten en el documental, sí se puede afirmar que para el año 1932 esta comarca del norte de Cáceres se encontraba en una situación cercana a la vista. Reconocer igualmente que, al menos, el duro modo de vida que vemos en la obra de Buñuel no era exclusiva de las Hurdes, sino bastante generalizada en muchos rincones de la geografía española.