A la deriva

Dirigida por Jia Zhangke y escrita por Wan Jianhuan y Zhangke, basada en imágenes de 22 años, algunas de ellas de películas anteriores de Jia, en una mezcla impresionista y no lineal de ficción y no ficción, del mismo director del The World, una especie de Linklater chino, que mezcla la memoria personal y colectivo, integrado en la sexta generación de cineastas chinos. 

De formas tímidas, sutiles propios de un gran humanista que se centra en lo desposeídos. Este es un neodrama que lo confirma como un director romántico, aunque en esta película hay mucho de musical. 

Usa material descartado y con nuevo material rodado en la presa de las tres gargantas monta está película entrenada en el 2024, una película con tres momentos y tres espacios, uno al norte de China, otra en la Presa de las tres Gargantas y, una tercera, que se mueve entre el sur y el norte. 

Película construida en la sala de montaje de este maestro de las formas y de los cuerpos. Contiene imágenes muy atractivas como la última. Cuando no tiene diálogos, incluye cartelas o mensajes de texto,  llenas de elipsis, pasa de lo documental a la ficción. 

La película ha sido producida por Casper Liang Jiayan Shôzô Ichiyama para Xstream Pictures, Momo Pictures, MK2 Films, Huanxi Media Group Limited y Wishart Media Co., Ltd. La película que contó copn la música de Lim Giong y la fotografía de Yu Lik-wai y Éric Gautier. 

A destacar sobremanera la edición responsabilidad de Yang Chao, Xu Dong Lin y Matthieu Laclau. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2024, donde tuvo su estreno mundial. 

La película comienza con la quema de pasto y una frase: “Ni siquiera un incendio puede con todo el pasto. La brisa de la primavera lo hará crecer de nuevo”. Este proverbio ilustra los tres momentos temporales a lo largo de 20 años y los marcos geográficos que articulan una narración fílmica, dotada de una importante carga política en relación al Salto Adelante que representa la apuesta de “modernización” del capitalismo de estado iniciada en la República Popular tras la muerte de Mao Zedong (Mao Tse-Tung) y que revirtió de manera profunda la sociedad china. 

En 2001, en la ciudad septentrional china de Datong,ciudad situada al norte de China, centro industrial y minero con una notable degradación ambiental, una mujer de clase trabajadora llamada Qiao Qiao (Zhao Tao) mantiene una relación sentimental con su mánager Guao Bin (Li Zhubin) mientras ella se esfuerza por ganarse la vida como cantante, modelo y chica de discotecaen las lamentables condiciones vitales del lugar. 

El marco socio-político está ambientado en tiempos del mandato como líder supremo de Jiang Zemin, y con el fondo de la entrada del país en la Organización Mundial del Comercio y la elección de Pekín como sede de los Juegos Olímpicos, como se encargan de transmitir los medios de comunicación oficiales y celebra la ciudadanía con una manifestación “espontánea”. 

Guao Bin abandona Datong para intentar ganarse la vida en otra provincia, enviando a Qiao Qiao un mensaje de texto en el que le dice que la traerá cuando tenga dinero. 

Después de un tiempo, Qiao Qiao decide ir en su busca, pasando por comunidades que están siendo desplazadas por la Presa de las Tres Gargantas, así como por la provincia de Guangdong. Fengjie, a unos kilómetros de la presa de las Tres Gargantas, la planta hidroeléctrica más grande del mundo, que sepultó bajo sus aguas a 19 ciudades y a más de 300 pueblos. Las peripecias de esa búsqueda se conjugan con una demoledora visión del drama ecológico y destrucción medioambiental que representa dicho megaproyecto. 

Mientras tanto, Bin se dedica al “emprendimiento” en varios negocios, incluyendo una “relación comercial” con un político corrupto que ejerce como “capo” en el ámbito local al albur de los negocios inmobiliarios y formando parte de una “fraternidad mafiosa”.

Bin prueba suerte en varios negocios, incluyendo un turbio trato comercial con un político corrupto. Cuando Qiao Qiao encuentra finalmente a Bin, rompe con él. 

Finalmente se reencuentran en la China de la era COVID, después de que ambos hayan envejecido notablemente.Finalmente, unos años después, en 2022 se reencuentran en la ciudad de Zhanhai con el Mundial de fútbol de Qatar como fondo televisivo, en plena pandemia de COVID. 

Bin sufre un proceso de envejecimiento y deterioro físico notable y esta situación no despierta la conmiseración de Qiao que decide seguir su vida con autonomía y sin ataduras. 

La secuencia final de la película refleja la prioridad de Qiao por participar en un entrenamiento atlético nocturno que refuerce su “yo” compartiendo el esfuerzo físico con otros corredores y corredoras. 

Jia Zhangke aludió por primera vez a la película en una entrevista de 2016, donde declaró: «Entre 1999 y 2000 tuve mi primera cámara de vídeo digital, así que solía grabar sin rumbo fijo. Es un hábito que aún mantengo, y tengo mucho material sin editar grabado con diferentes tipos de cámaras y tomas a lo largo de los años. Quizás en el futuro edite este material y lo convierta en una película» 

La decisión de utilizar metraje anterior surgió a raíz de la pandemia de COVID-19, que dificultó el rodaje en China. Mientras Jia revisaba dos décadas de metraje, en parte rodado para experimentar con distintas técnicas y no para captar escenas concretas, se dio cuenta de que podía reutilizarlo como material para una nueva película. 

Como resultado, Caught by the Tides es una recopilación de 22 años de material, incluidos muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia dando lugar a unos actores que envejecen naturalmente, incluido el personaje principal, Qiao Qiao, quien es interpretado por la esposa de Jia en la vida real, la actriz Zhao Tao. Caught by the Tides se compone de 22 años de metraje, incluyendo muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia. 

Fragmentos y tomas descartadas de Unknown Pleasures , Still Life y Ash Is Purest White se usaron en Caught by the Tides . Aproximadamente 10 escenas de la película han aparecido en películas anteriores de Jia. Se usó película Kodak Vision 2 y 3 con cámaras Sony DSR-PD150, Sony Betacam , Sony HDV, Arricam LT 35mm y Arri Alexa 35 para la película. 

La sección final, ambientada en la China contemporánea, se filmó durante la pandemia. La edición se hizo con Final Cut Pro y se usó DaVinci Resolve para la corrección de color. Las escenas del primer momento en Datong reflejan las miserias de una clase obrera a la que los dirigentes la llevan según su conveniencia. Las minas, los ríos contaminados, los clubes decadentes, los karaokes tristes, constituyen la impresión visual de un mundo en profunda transformación y en el que la expresión oral queda dominada por la visual. 

De la segunda parte, destacan los desplazamientos forzados reflejados en el segundo momento, la destrucción a pico y pala de los edificios de las zonas a inundar y, en paralelo, las mega-construcciones en las zonas altas se contraponen con la movilidad fluvial y los recorridos por los nuevos espacios habitables. Son, en mi opinión, los logros más destacados. 

Existe una estrecha línea de separación entre la ficción y el documental mientras que, por otra parte, la música se convierte en un elemento clave para articular las vivencias de los personajes colectivos. La secuencia inicial del grupo de mujeres compartiendo canciones sobre deseos y esperanzas se complementa con la música, extraída de karaokes populares, óperas locales, fiestas electrónicas y actuaciones callejeras, estas últimas rodeadas de la “modernidad occidental”. Este manifiesto emocional compartido a través de la música, es uno de los grandes aciertos de la película. De hecho, el estribillo de una de las canciones, ese “a la deriva”, título no impostado, resume la crónica afectiva y tratado político como discurso articulador. 

La película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 5 de septiembre de 2024. También fue seleccionada para la Gala de Presentación en el 29.º Festival Internacional de Cine de Busan y se proyectó el 5 de octubre de 2024. 

Más tarde, la película se estrenó en cines en China el 22 de noviembre de 2024. 

La crítica ha sido generalmente psoitiva. Justin Chang en The New Yorker comenta que "Es un logro a la vez fugaz y monumental: una serie de cápsulas del tiempo entrelazadas, una desgarradora hazaña de autorreflexión y un musical furtivo" 

Jessica Kiang de Variety sostuvo que estamos ante "Un drama épico y lírico que es tanto la reinvención retrospectiva de la carrera del maestro chino Jia como un retrato definitorio de la China moderna." 

Steve Pond en The Wrap señala que "Una especie de elegía, a veces airada y abrasiva, pero más a menudo suave y reflexiva" 

Rory O'Connor de The Film Stage sostuvo que "El último experimento del director para saquear su archivo -de hecho, sus recuerdos- y convertir lo que encuentra en algo novedoso" 

David Rooney del The Hollywood Reporter destacó que "El uso que hace Jia de las hipnóticas panorámicas lentas transmite la sensación de que ha pasado mucho tiempo, una conmoción que se refleja en la preciosa partitura de Lim Giong." 

David Ehrlich en IndieWire afirma que es un "Retrato de la desubicación, inquisitivo y disperso, que es tan probable que resuene entre los devotos de Jia Zhang-ke como que desconcierte a los que no conocen su obra." 

William Repass en Slant sostuvo que "Demuestra que hacer arte en las condiciones más adversas puede ser una cuestión de suerte (...) 

Manohla Dargis en The New York Times destaca que es "Tan emocionalmente eficaz como formalmente brillante" 

En Gran Bretaña  Dave Calhoun en Time Out comenta que "La última película de Jia Zhangke, ensoñadora, cautivadora y sin diálogos, es un retrato poético, musical y reflexivo del viaje de una mujer en busca de un antiguo amante (...)" 

Peter Bradshaw habitual columnista cinematográfico del The Guardian comenta que "Otra película profundamente sentida de Jia Zhangke, con un arte muy contemporáneo."

Fionnuala Halligan en Screendaily destaca que "Resultará muy atractiva para los seguidores de este director de su 'Sixth Generation' como resumen de la obra de su vida hasta la fecha, y de la implacable marcha hacia delante de un país." 

Ya en España Javier Ocaña en El País comenta que  "Jia Zhangke filma otra joya melancólica sobre la China que se desvanece (...) 'A la deriva' exige un férreo compromiso del espectador. Paciencia, arrojo e interés. Si se entra en su tempo y en su mundo, la recompensa es inmensa." 

Luis Martínez en El Mundo escribió que "Jia Zhang-Ke compone un fascinante puzzle con los pecios de su filmografía para componer un mural de su país y nuestro siglo (...) Arrebatada, sonámbula, lírica, carnal y memorable. (...) " 

Oti Rodríguez Marchante en ABC afirma que "Es una película difícil, de exigencia suma, de evocaciones latentes. (...) Es puro Jia Zhangke, para lo excelente y para lo empinado." 

Sergi Sánchez en La Razón aseveró que es una película "Magnífica (...) Zhang-ke no solo vuelve a hablar de los cambios socioeconómicos de la historia de su país, (...) sino también reflexiona sobre la capacidad de su cine para reflejar esos cambios." 

Carlos F. Heredero en Caimán afirma que es uuna "Obra compleja y de profunda originalidad, nos permite recuperar los mejores registros de su director y sacude, con su atrevida y exigente propuesta formal (...) la mayoría de la sección oficial." También en Caimán Àngel Quintana escribe que "'Caught by the Tides' es una película clave en su filmografía [de Jia Zhangke] porque funciona como documento sobre su propio método y como síntesis del trabajo de documentación que ha acompañado su filmografía." 

 

Desde Barcelona  Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia sostiene que "Propone un amplio retrato de la China del siglo XXI, un viaje que explora un macrocosmos gigantesco, poliédrico y polifónico a través de una exultante variedad de tonos, texturas y formato (...) " 

También desde la Ciudad Condal  Nando Salvá, ahora en El Periódico escribe que "El retrato femenino resultante no solo resulta coherente sino rotundamente conmovedor (...) lo que aquí importa no son los sucesos que aparecen en pantalla, sino la cadencia poética y la embriagadora atmósfera de melancolía de las que Jia los envuelve" Y en este mismo diario, Quim Casas señala que  "Jia Zhangke utiliza diversos formatos en una extraordinaria película rodada a lo largo de más de 20 años (...) ver envejecer a sus dos actores, y cómo esas imágenes pretéritas dialogan con las rodadas el año pasado, resulta magnífico. (...) 

En la revista  Cinemanía Paula Arantzazu Ruiz  afirma que "Jia Zhangke en su máxima expresión. Es decir, una gran peli. (...)" 

Para Mariona Borrull en Fotogramas la película es "Es un gesto de amor, de Jia para Zhao (y Li), coser una película con archivo ‘usado’ y devolverlo a la vida (...) Un relato esponjoso y abierto que reniega del privilegio sempiterno de la trama por encima del contexto. (...)

Por mi parte es una película distinta, diferente, original, que nos narra una historia del desamor forjada década tras década y en la que la música está presente de inicio a fin 

Z, la ciudad revisada por perdida

En la primera mitad del Siglo XX todavía quedaban territorios vírgenes por descubrir, sobre todo en la selva amazónica. A este periodo se le llegó a conocer como la época de los últimos grandes exploradores. 

Los descubrimientos geográficos del siglo XIX no se centraron en encontrar nuevos continentes, sino en la exploración del interior de África, las regiones polares y las fuentes de los grandes ríos mundiales. 

Durante esta época, la exploración pasó de ser una búsqueda de rutas comerciales a una empresa científica, cartográfica y, en muchos casos, de expansión colonial. Por ejemplo,John Hanning Speke conjuntamente con el irlandés Richard Burton lograron identificar el lago Victoria como la fuente principal del Nilo, resolviendo un misterio geográfico milenario sobre las fuentes del río Nilo (1858 - 1871). El galés, al servicio del rey de Bçelgica, Leopoldo I, Henry Morton Stanley entre 1874 - 1877 cruzó África de este a oeste y cartografió el curso del río Congo, abriendo el interior del continente a Europa. Robert O'Hara Burke, William Wills 1860 - 1861 Lograron la primera travesía de sur a norte del continente australiano, aportando los primeros datos de su árido interior. Adolf Erik Nordenskiöld entre 1878 - 1879 abrió el mítico paso del Noroeste al navegar por primera vez la ruta marítima a lo largo de la costa ártica de Siberia, uniendo el Atlántico y el Pacífico por el norte. El danés Fridtjof Nansen en 1888 realizó la primera travesía a pie de la capa de hielo de Groenlandia, revolucionando las técnicas de exploración polar, o James Clark Ross entre 1839 - 1843 descubrió el mar de Ross, la isla de Ross y los volcanes Erebus y Terror, estableciendo las bases para la conquista de los polos consiguiendo así cartografiar la Antártida. .

En definitiva, pocas opciones quedaban para el resto del planeta y de lo poco que quedaba se centraba en las alturas planetarias o en el interior de las selvas como la del Amazonas. La ciudad perdida de Z o Z, la ciudad perdida nos habla precisamente de esta historia y no deja de ser una película biográfica, pero también de acción y aventuras de Estados Unidos, escrita y dirigida por James Gray, basada en el libro "La ciudad perdida de Z: La última expedición en busca de El Dorado" publicado en 2009 por David Grann.

Este director, del que ya comentamos su película, Two lovers,  dirige a Charlie Hunnam y Robert Pattinson en "Z, la ciudad perdida", película basada este libro , en el que el periodista David Grann se pregunataba qué ocurrió con la expedición de Fawcett, personaje real desaparecido misteriosamente en el Amazonas en 1925. 

Para ontar esta historia además de los dos protagonistas el director contó con el compositor Christopher Spelman y con el director de Fotografía Darius Khondji así como con el montador John Axelrad.

La historia de la película escribe acontecimientos reales sobre el explorador británico Percy Fawcett ( Charlie Hunnam ) , militar, casado con una mujer, dispuesta a cualquier sacrificio, Nina (Sienna Miller ) que viajó al Amazonas en 1906, por mandato del ejército y amprado por la Sociedad Geográfica de Londrés para cartografiar una zona en conflicto entre Bolivia, Perú y Brasil,  y en la que encontró pruebas de una civilización desconocida. 

Dedicó los siguientes 20 años a intentar encontrarla. que intentó en varias ocasiones encontrar una ciudad perdida antigua en la cuenca del río Amazonas y finalmente desapareció en 1925 junto con su hijo mientras buscaba la ciudad.

El explorador inglés buscaba incansablemente la legendaria Ciudad de Z, en la región de Barra do Garcas, Mato Grosso, en el Pantanal de Brasil, en medio de una época de gran cambio social y político en todo el mundo.

Esa búsqueda fragmentada en el tiempo por un acontecimiento como la I Guerra Mundial marcará la vida de este hombre y su expedición.

El militar Percy Fawcett (Charlie Hunman), militar de carrera, cuyo padre había deshonrado el apellido de la familia es enviado a la selva amazónica para que delimite la frontera entre Brasil y Bolivia, ayudando así al Gobierno británico a preservar sus intereses en el negocio del caucho. Lo cierto es que la Real Sociedad Geográfica de Londres (RGS) estaba interesada en delimitar las fronteras de los países amazónicos en pleno auge de la fiebre del caucho. 

En calidad de cartógrafo, Fawcett emprende un largo y peligroso viaje en el que se adentrará en territorios inexplorados de la jungla del Amazonas, acompañado por un grupo de hombres de confianza. 

Guiado por la obsesiva convicción de que las historias que se habían oído acerca de una ciudad antigua construida de oro, a la que dará el nombre de ciudad Z, eran ciertas, Fawcett tratará de hacer uno de los descubrimientos más importantes de la historia, esperando tener éxito allí donde tantos otros habían fracasado. 

La búsqueda la hace con su inseparable Henry Costin (Robert Pattinson ), que , a diferencia de otros exploradores de su tiempo, le enseñó a Fawcett a ganarse el respeto de las tribus indígenas locales tratándolas con amabilidad y paciencia.

La película comienza en 1905, y vemos como Percy Fawcett , un joven mayor británico , participa en una cacería de ciervos en una finca señorial irlandesa en honor del archiduque Francisco Fernando , que se encuentra de visita . Jinete y tirador experto, recorta la ruta para dar con el animal y abate al ciervo con rapidez, pero es ignorado en la fiesta posterior a la cacería por sus vínculos filiales. 

Un año después, recibe una orden. Fawcett ha de reunirse con funcionarios de la Real Sociedad Geográfica (RGS) en Londres , donde le informan de que los gobiernos de Bolivia y Brasil están prácticamente en guerra por la ubicación de su frontera común . Dado que esto afecta directamente al lucrativo comercio del caucho de la región , han solicitado al gobierno británico que realice un estudio topográfico de la zona. 

Fawcett lidera la expedición y, a bordo del barco rumbo a Brasil, se encuentra con el cabo Henry Costin, un experto en la selva amazónica . 

En una gran plantación de caucho en plena jungla, propiedad del noble portugués barón de Gondoris, que viene a ser el último espacio civilizado y que tiene hasta un teatro para la öpera, se reúnen con el cabo primero Arthur Manley, quien les informa que el gobierno británico desaconseja continuar la exploración. 

No obstante, Fawcett y Costin, junto con varios guías y el explorador amazónico Tadjui, completan la misión. Es Tadjui quien le cuenta historias sobre una legendaria ciudad en la selva, cubierta de oro y repleta de gente. Mientras se desplazan sobre el río son atacados por los nativos soin opciones a tirase a un agua lleno de pirañas. 

Fawcett descarta la historiaa de Tadjui como desvaríos de un loco, pero pronto descubre cuando llega al área en conflicto fragmentos de cerámica muy elaborada y algunas pequeñas estatuas de piedra en la selva, lo que lo convence de la veracidad de la historia. 

A su regreso, Fawcett es aclamado por la prensa y su bella esposa, Nina ( Sienna Miller ), que lo recibe al pie de la nave que lo ha traído le presenta a su segundo hijo. En la biblioteca del Trinity College de Dublín, ella ha descubierto un texto de conquistadores que habla de una ciudad en lo profundo de la selva amazónica, a la que Fawcett llama «la Ciudad Perdida de Z ». 

También conoce al renombrado biólogo James Murray , quien acepta financiar su expedición al Amazonas para encontrar dicha ciudad. Al intentar convencer a los miembros de la Royal Geographical Society para que lo apoyen, inicialmente es ridiculizado, pero finalmente acceden a continuar la exploración. Murray, que ha participado en expediciones polares, pero que está poco familiarizado con las dificultades de la selva profunda, los retrasa considerablemente. 

El grupo de Fawcett es atacado a lo largo del río, pero él hace las paces con los nativos. La herida en la pierna de Murray se infecta gravemente y comienza a sucumbir a la locura. Fawcett lo envía con un guía nativo y su último animal de carga en busca de ayuda. 

Sin embargo, el resto del equipo abandona la expedición tras descubrir que Murray había rociado sus provisiones con parafina . Fawcett regresa a casa y conoce a su hija. Murray sobrevive y, frente a los fideicomisarios de la RGS, acusa a Fawcett de haberlo abandonado en la selva, exigiendo una disculpa. Fawcett opta por renunciar a la sociedad antes que hacerlo. 

Cuando estalla la Primera Guerra Mundial en Europa, Fawcett lucha en Francia. A él se han unido sus hombres Costin y Manley, pero éste, Manley, muere en las trincheras durante la Batalla del Somme y Fawcett queda temporalmente ciego en un ataque con gas cloro mientras lideraba un ataque de infantería. 

Su hijo mayor, Jack (Tom Holland), con quien estaba distanciado y que durante mucho tiempo lo había acusado de abandonarlos, se reconcilia con él durante su recuperación. 

En 1923, Fawcett vivía en el anonimato en Gran Bretaña, pero el interés estadounidense por explorar el Amazonas había aumentado, principalmente debido a las historias de Fawcett sobre la ciudad perdida. John D. Rockefeller Jr. y un consorcio de periódicos estadounidenses financiaron una nueva expedición de Fawcett. Ante esto la Royal Geographical Society la cofinanció en el último momento para preservar el orgullo británico. 

Fawcett le mostró una brújula a Sir John Scott Keltie , diciéndole que se la devolvería una vez que encontrara la ciudad perdida. Esta vez, Fawcett y su hijo Jack al que ha contagiado su ansia de aventuras,  viajan solos, ya que Costin está recién casado y piensa en su pequeñó hijo, declinando la petición, y con lo mínimo indispensable, durante un máximo de tres años para encontrar a "Z". 

Los Fawcett se mueven hacia el área y en su desplazamientos descubren el teatro de öpera abandonado y para poco después ser atacados por nativos y huyen, pero son presos por una segunda tribu, que afirma que los espíritus de los ingleses no pertenecen del todo a su mundo. 

Declaran que sus espíritus "deben pertenecer" a algún lugar, por lo que les ayudarán a encontrar su lugar legítimo. Los Fawcett son drogados durante una ceremonia y llevados a otro lugar. 

Años después, Nina Fawcett se reúne con Keltie en la RGS, afirmando haber oído que Fawcett y Jack siguen vivos y viven con miembros de tribus indígenas. La RGS, tras haber enviado a más de cien personas a buscar a Fawcett a lo largo de los años, se niega a realizar otra búsqueda; Keltie le aconseja a Nina que acepte la muerte de su marido. Ella se niega y le muestra algo que ha recibido. Es la brújula que Fawcett había prometido enviarle una vez que encontrara la ciudad perdida. Al marcharse, Nina se ve reflejada en un espejo, adentrándose en lo que parece ser la selva amazónica. 

La película está producida por Dede Gardner, James Gray, Anthony Katagas y Jeremy Kleiner con el respaldo de Plan B Entertainment, MICA Entertainment, Keep Your Head Productions, MadRiver Pictures.

La película está protagonizada por Charlie Hunnam como Fawcett junto con Robert Pattinson en el papel de su acompañante Henry Costin y Sienna Miller como su mujer Nina Fawcett. 

Originalmente Paramount Pictures y Plan B Entertainment contrataron a James Gray para escribir y dirigir la película basada en el libro de 2009 de David Grann en febrero de 2009 pero la película quedó en fase de desarrollo durante seis años. 

En una entrevista publicada en 2015 con Indiewire, Gray admitió que había avanzado con el guion durante un tiempo antes de continuar con la producción. Explicó que «es una producción muy complicada y la historia es asombrosa, pero es una historia complicada. Y queremos hacerlo bien. Ir a la selva y demás es una propuesta muy muy intimidante. Pero, al mismo tiempo, es fantástica. Es la razón por la que hacemos películas». En la misma entrevista señaló que "Es una película a lo David Lean pero con un sentimiento un poco más alucinógeno. Porque el protagonista se fue a la selva y se volvió algo loco."

El director James Gray (El sueño de Ellis, Two Lovers) también confesó que lo que le conquistó de la historia es esa incansable determinación de Percy de intentar descubrir esa civilización perdida a pesar de las dificultades inimaginables, el escepticismo de la comunidad científica, traiciones sorprendentes y años enteros alejado de su familia. 

El proyecto pasó por varios cambios hasta encontrar a su protagonista. Inicialmente, Brad Pitt era el elegido para protagonizar el papel del Coronel Percy Fawcett, y adicionalmente trabajando como productor con su compañía Plan B Entertainment. 

En noviembre de 2010, Pitt se bajó del papel principal por conflictos de agenda, pero continuó en el rol de productor. El 4 de septiembre de 2013, Benedict Cumberbatch fue seleccionado para el papel protagonista, junto con Robert Pattinson, quien también se unió al elenco para representar el papel del explorador Henry Costin. Pero en febrero de 2015, Cumberbatch también abandonó la producción debido a problemas de agenda, y fue reemplazado por Charlie Hunnam, mientras que Sienna Miller se unió al reparto en el papel de Nina Fawcett. 

Su estreno mundial tuvo lugar en octubre de 2016, como selección de clausura del Festival de Cine de Nueva York .  Se estrenó en Estados Unidos en  abril de 2017 de la mano de Amazon Studios y Bleecker Street . 

Recibió elogios de la crítica, pero recaudó solo 19 millones de dólares frente a un presupuesto de 30 millones. A pesar de su falta de éxito financiero, la revista Time la incluyó entre las 10 mejores películas de 2017. 

El rodaje principal comenzó en agosto de 2015 en Belfast y continuó durante cinco semanas hasta finales de septiembre. Se filmó en Greyabbey Village y Strangford Lough en Irlanda del Norte.  Hunnam y Miller filmaron escenas en Ballintoy , Condado de Antrim , en  agosto,  y se realizó otro rodaje en Craigavon ​​House en  Belfast Este, a inicios de septiembre de 2015. Además se filmaron escenas en el Ayuntamiento de Belfast y en los terrenos de la Royal Belfast Academical Institution  así como en el centro de ocio Bangor Castle en ese mes de septiembre de 2015. 

Posteriormente, el rodaje se trasladó a Santa Marta , Colombia , y continuó durante septiembre y octubre. 

En cuanto a la crítica británica ante la película destacamos la de Joshua Rothkopf de Time Out señaló que "La grandeza de esta película es inconmensurable. Para ciertos tipos de cinéfilos de vieja escuela, aquellos que creen en las precisas proporciones clásicas y en un hilo épico narrado a lo largo del tiempo, será la revelación del año. (...) 

Robbie Collin de Telegraph coemntó que la película era "Transportadora y profunda, 'The Lost City of Z' es un clásico instantáneo. (...) En su contexto, es una de las más precisas y abrumadoras expresiones de la paternidad que he visto nunca en el cine. (...) 

Para Graham Fuller de Screendaily "'Lost City' es el súmmum del cine de prestigio del siglo XXI. Sin embargo y por desgracia, también es profundamente fallida (...) La película más ambiciosa de Gray está dañada por un arco narrativo que no logra elevarse o alcanzar un clímax" 

En The Guardian Jordan Hoffman  concibe que "La película escapa de la red de la dialéctica sobre europeos malvados y nobles salvajes (...) El guion de Gray se aparta de las esperables metáforas sobre la tenaz locura de la selva (...) 

En los Estados Unidos críticos como Todd McCarthy de The Hollywood Reporter señalaron que era "Una excepcional muestra de cine clásico contemporáneo (...) ['The Lost City of Z'] honra el espíritu del riesgo físico, la curiosidad intelectual, el atrevimiento individual y el auto-sacrificio que se requieren para explorar lo desconocido" 

Para Owen Gleiberman de Variety "Una película estupendamente realizada, elegantemente rodada y muy honesta, que resulta más absorbente que poderosa (...) 'The Lost City of Z' está destinada a ser bienvenida como otra prestigiosa incorporación al canon Gray" 

Dan Callahan de The Wrap "James Gray da el salto a niveles más profundos de su arte con esta emocionante visión de los viajes del explorador Percival Fawcett a inicios del siglo XX (...) Una película sobre la gloria de la perseverancia, no sobre su coste"

David Ehrlich de IndieWire la describe como "Una aventura bellamente anticuada (...) James Gray regresa con su película más ambiciosa hasta la fecha" 

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo "El mayor prodigio de James Gray hasta la fecha (...) es una película que vive en la retina al lado de todo el cine de aventuras: el visto, el apenas imaginado y, por supuesto, el soñado (...) "

Javier Ocaña de El País afirma que "Gray es el (pen)último resistente del clasicismo cinematográfico entre los directores aún jóvenes, con una obra coherente, trascendente y rocosa" 

Oti Rodríguez Marchante de ABC comenta que "Gray encuentra un equilibrio perfecto entre el cine de aventuras, la fascinación poética y descriptiva y la crónica humana y familiar (...) Filmada, narrada e interpretada con enorme elegancia (...) " 

En  Cinemanía, Nando Salvá comenta que "Mientras acompaña a un hombre a la búsqueda de su El Dorado, James Gray encuentra el suyo propio: posiblemente, su mejor película. (...) " 

Quim Casas en  El Periódico sostuvo que  "[Gray configura] una de sus obras más atrevidas y a contracorriente, quizá no tan redonda como sus thrillers melodramáticos (...) pero igual de intensa, bella, personal. (...) " 

Ernesto J. Pastor , un historiador cinematográfico está en desacuerdo y comenta que "Cuando se estrenó muchos hablaron de obra maestra lo cual, en mi opinión, fue una exageración. Gray firma un guion, de fallida grandilocuencia, con lagunas narrativas y precipitaciones imperdonables ".

Sergi Sánchez de Fotogramas afirmó que "Gracias a su elegante, hipnótica puesta en escena, lo que parecía un relato realista se transforma en fantasmagórico (...) Percy fue tan famoso en esa época que Arthur Conan Doyle (Sherlock Holmes) se inspiró en él para el protagonista de otra de sus obras maestras, El mundo perdido (1912). Una historia épica rodada con la fuerza y la pasión de los grandes clásicos de aventuras del siglo pasado, la épica de esta película está en los personajes, en su determinación y en cómo persiguen sus sueños. Una película intensa, elegante, con un guion inteligente, bien rodada, con unos paisajes y una fotografía estupendos (está rodada en escenarios naturales)... pero en la que, sobre todo, brillan sus actores y la estupenda recreación de la época con constantes pinceladas que enriquecen la narración, como las recurrentes menciones a los éxitos de otros exploradores contemporáneos (como la carrera de Ernest Shackleton y Roald Amudsen por conquistar el polo sur), la esclavitud, la inestabilidad política, la I Guerra Mundial, o la lucha por los derechos de la mujer (el movimiento sufragista al que pertenecía la mujer de Percy).

Otro habitual de Fotogramas, pero al que yo valoró por su labor de divulgación cinematográfica en X, antes Twitter escribió sobre la película y el director que se trata de una " reflexión profunda respecto a la aventura, como odisea y como género literario y cinematográfico. Una de las grandes películas de James Gray y sobre la esencia de la aventura, del virus abstracto de la aventura, como una búsqueda, interior y exterior, sirviendo una película de aventuras de reclinatorio en este ensayo apasionante sobre la aventura "Y añade "El responso, reflexivo pese a su fascinación por este, del género de aventuras en una película de hechuras clásicas y psicológicas (David Lean) y furibundamente moderna ". 

Sobre el final hay algunos matices. Percy Fawcett consideraba que los grupos grandes morían de hambre o enfermedad en la selva, así que , realmente, viajó solo con dos acompañantes: su hijo mayor, Jack Fawcett y Raleigh Rimell , el mejor amigo de su hijo. El grupo se adentró en la inexplorada región de Mato Grosso hacia el río Xingú en abril de 1925. 

El 29 de mayo de ese mismo año, Fawcett envió una carta a su esposa desde el "Campamento del Caballo Muerto" indicando que se disponían a entrar en territorio inexplorado y cerrando con el mensaje: "No temas, no fracasaremos" . Esa fue la última señal que se tuvo de ellos.

Su desaparición desató decenas de misiones de rescate durante las décadas posteriores, algunas de las cuales costaron la vida a otros exploradores. Aunque nunca se hallaron pruebas definitivas de su destino, las hipótesis principales sugieren que o fueron emboscados por tribus hostiles locales (como los kalapalo o los xavantes) que defendían su territorio o que sucumbieron ante el hambre, la malaria o los parásitos en el denso e implacable "infierno verde". 

Irónicamente, la tecnología moderna y la arqueología aérea de los últimos años han descubierto grandes redes de asentamientos precolombinos interconectados en el Amazonas (como el complejo de Kuhikugu), demostrando que la intuición de Fawcett, este hombre que sirvió de modelo a Speilberg para su Indiana Jones, sobre civilizaciones urbanas ocultas en la selva no era del todo descabellada. 

Para finalizar reconozco que me ha costado trabajo para entrar en ella. De hecho la he tenido que ver tres veces para hacerme a la misma, algo en la línea que comenta Ernesto J. Pastor, pero ahora reconozco que estoy en la línea de Fausto Fernández , pues como idea de aventura y todo lo que ello implica, gloria y renuncias, me ha gustado. 

El vengador tóxico

Homenaje total al vengador tóxico, el clásico entre los clásicos de la productora de cine Z Troma. Esto homenaje aquí se ve en el nombre de la ciudad donde ocurre todo lo referente a The Toxic Avenger, St.Roma.

Es la quinta entrega, un reinicio de la serie de películas The Toxic Avenger y una nueva versión de la película de 1984. Peter Dinklage interpreta a un conserje mutante en esta comedia negra de terror que reinventa un clásico del culto homónimo de 1984, que con el mismo título , El vengador tóxico, respondíaa lo creado por Lloyd Kaufman aunque ahora basado en lo escrito y dirigida por Macon Blair. Producido por Mary Parent, Alex García y Lloyd Kaufman para Legendary Pictures y Troma Films que invirtieron 3, 4 millones de dólares y cotó con Dana Gonzales en la fotografía, Brett W. Bachman y James Thomas en el montaje y con la música de Will y Brooke Blair. 

Junto al actor de pequeña talla, nos encontramos con Jacob Tremblay , Taylour Paige , Julia Davis , Jonny Coyne , Elijah Wood y Kevin Bacon. 

La historia sigue a Winston Gooze ( Peter Dinklage), un conserje limpiador de una empresa química y farmaceútica que tras un accidente tóxico se transforma en Toxie, un peculiar antihéroe mutante dispuesto a enfrentarse al esperado magnate y a la fuerzas corruptas en luz en una lucha por la justicia. 

Acción, humor irreverente íntimo de situaciones grotescan caracterizan a esta película que mantiene el espíritu extravagante de la película original pero común Joker actualizado. 

Una noche cuando JJ Doherty, que trabaja en la corrupta farmacéutica BTH (Body Talk Healthstyle), envía información secreta a un periodista de investigación, son atacados por la banda The Killer Nutz, que trabaja para BTH. El periodista muere mientras JJ escapa, lo que enfurece al jefe de la banda, Fritz Garbinger. 

En St. Roma's Village, Winston Gooze, conserje de BTH, lucha por mantener a su hijastro Wade tras la muerte de su madre a causa del cáncer. Hay cierta tensión, ya que Wade se resiste a reconocer a Winston como su padre, sobre todo porque Winston no se casó con su madre. 

Un día, Winston ve cómo Spence, un matón, amenaza a su vecina Daisy para que venda su propiedad, pero no interviene. 

Bob Garbinger, propietario de BTH, y su asistente Kissy están preocupados por las deudas que tiene con el mafioso Thad Barkabus, padre de Spence. 

Cuando Fritz informa de la fuga de JJ, Bob exige su captura. Winston está desesperado por conseguir medicamentos para combatir su enfermedad cerebral y suplica ayuda en una recaudación de fondos organizada por Bob. 

Al no poder entrar, irrumpe en BTH para robar de la bóveda y fabrica un arma con lodo tóxico y una fregona. Se marcha justo cuando JJ llega para robar residuos y desenmascarar a BTH. 

Los Killer Nutz persiguen a JJ hasta Winston y ella deja caer un bidón de residuos sobre la bolsa de dinero de Winston, incinerándola. La banda dispara mortalmente a Winston y arroja su cuerpo al lodo tóxico. Revivido como mutante por los residuos, Winston regresa a casa y asusta a Wade. 

Por otro lado, Spence está obligando a Daisy a ceder su propiedad cuando Winston cae sobre el coche de Spence. Spence le dispara, pero el cuerpo mutado de Winston expulsa la bala. Winston se arranca el brazo y Daisy recupera la escritura de transferencia de propiedad justo cuando llega la policía y Winston escapa al bosque.

Poco después Winston se encuentra con el ermitaño Guthrie Stockins, quien lo insta a revelar su mutación a Wade. Winston regresa y lucha contra los terroristas de extrema derecha, Los Killer Nutz  o Chicos Malvados, con su fregona encantada, y se le conoce como El Vengador Tóxico. 

Wade, Bob y Fritz lo reconocen como Winston, y Bob ordena a Nutz que lo capture para aprender a crear supersoldados. Los Killer Nutz disparan a JJ en el estómago mientras secuestran a Wade. Winston la cura con su sangre tóxica y se enfrenta a los Killer Nutz en un concierto, acabando con la mayoría de ellos. 

Winston y JJ someten al último miembro superviviente de la banda, que también es víctima de los residuos químicos de BTH y tiene una cabeza mutada del tamaño de un frijol. Son capturados en una redada en el complejo de Bob mientras intentan rescatar a Wade, y Winston es sometido a una dolorosa extracción de sangre para desarrollar un suero que le otorgue a Bob un poder similar. 

Thad Barkabus exige que se le devuelva su inversión cuando el alcalde retira su apoyo a BTH. Bob bebe el suero experimental, matando a Thad y a sus hombres. Kissy, cautivada por la forma mutada de Bob, bebe el suero restante, muta y ataca a Fritz. 

Bob lucha contra Winston mientras este intenta escapar con JJ, pero Bob es derrotado. La mutada Kissy empala a Winston y daña la garganta de Fritz, antes de ser derrotada a su vez por Winston. Winston despierta en el hospital, aclamado como un héroe, pues su mutación cura su enfermedad. 

Los crímenes de Bob quedan al descubierto, Wade y JJ son exonerados y Fritz es arrestado. Los habitantes del pueblo celebran a Winston, quien abraza a Wade, reafirmando su vínculo de padre e hijo. 

En una escena posterior a los créditos, se revela que Kissy sobrevivió, pero sufrió quemaduras graves, mientras que Winston rompe la cuarta pared para enseñar al público cómo preparar un sándwich de queso a la plancha.

En abril de 2010, se anunció una nueva versión de The Toxic Avenger (1984).  Se dijo que la nueva versión, que apuntaba a un lanzamiento PG-13 "apto para toda la familia" similar a la serie de televisión animada Toxic Crusaders , iba a ser coescrita y dirigida por Steve Pink .

En mayo de 2013, Arnold Schwarzenegger estaba en conversaciones para un papel en la película, pero , finalmente, se retiró para trabajar en Terminator Genisys (2015). 

En septiembre de 2016, los informes indicaron que Conrad Vernon dirigiría la película, con Guillermo del Toro de Double Dare You, Bob Cooper y Alex Schwartz de Storyscape Entertainment, y Akiva Goldsman y Greg Lessans de Weed Road Pictures como productores ejecutivos, mientras que Mike Arnold y Chris Poole estaban vinculados para reescribir el guion de Pink y Daniel C. Mitchell. 

En diciembre de 2018, Legendary Pictures ganó los derechos para reiniciar The Toxic Avenger , con los productores originales, Lloyd Kaufman y Michael Herz de Troma Entertainment , regresando. 

En marzo de 2019, se anunció que Macon Blair escribiría y dirigiría. Sobre el guion, Kaufman dijo: "Macon Blair conoce Troma mejor que yo. Lo ha visto todo. Ha visto la caricatura [ Toxic Crusaders ], ha visto el especial de Halloween, lo ha visto todo. Y le encantan nuestras películas... He leído el guion y es mejor que el original, así que se lo dejo a él. Si me llaman, con gusto participaré. Aprendí en el musical a dejar que la creatividad recaiga en los creativos. Aprendí a dejar que me pidan, así que si me necesitan, ahí estoy... Espero que Legendary siga adelante. Si dejan que Macon Blair la dirija, creo que será fantástica. Conoce el sentido del humor de Troma, la combinación de comedia física y sátira con el tema ambiental."

 

Para noviembre de 2020, Peter Dinklage se unió al elenco para protagonizar. Se revelaron miembros adicionales del elenco de abril a junio de 2021.

El rodaje comenzó en junio de 2021 en Bulgaria y terminó el 14 de agosto de 2021. 

Para diciembre de 2021, Dinklage dijo que la película "no era un remake". En enero de 2022, Blair confirmó que la película emplearía efectos prácticos de gore, y que la ambientación de época sería "un poco de ambos" en el pasado y el presente.  Luisa Guerreiro usó el traje de cuerpo completo y el maquillaje de Toxic Avenger con Dinklage doblando el diálogo en la postproducción. 

The Toxic Avenger se estrenó como película de apertura del Fantastic Fest el 21 de septiembre de 2023. La película también se proyectó en el Beyond Fest el 30 de septiembre de 2023, antes de tener su debut internacional en el 56.º Festival de Cine de Sitges , como parte de la sección Fuera de Competición, el 13 de octubre de 2023. 

Tuvo su estreno en el Reino Unido en la sección Midnight Madness del 78.º Festival Internacional de Cine de Edimburgo el 19 de agosto de 2025. En enero de 2025, se anunció que Cineverse había adquirido los derechos de distribución, con planes de estrenarla sin clasificación (después de haber obtenido inicialmente una clasificación R ) en cines ese mismo año; ese mismo mes, la compañía programó su estreno en Estados Unidos para el 29 de agosto de 2025.

En marzo, Cineverse se asoció con Iconic Events Releasing para llevar la película a los cines.  En julio, miembros del reparto hicieron apariciones en la Comic-Con de San Diego y en Digital Gym Cinema para promocionar la película. 

El equipo de marketing de The Toxic Avenger y su distribuidora, Cineverse, se asociaron con la organización sin fines de lucro Undue Medical Debt para comprar 5 millones de dólares en deudas médicas en lugar de usar el dinero para marketing. Además, por cada millón de dólares que la película recaudara en taquilla, Cineverse acordó comprar otro millón en deuda.  La vicepresidenta sénior de marketing de Cineverse , Lauren McCarthy, dijo: "Pasamos horas pensando en cómo cerrar la campaña y, aunque enviar a Toxie a la luna era atractivo, ninguna idea se acercaba a combatir las deudas médicas inesperadas de las familias. La vida de The Toxic Avenger se vio trastocada por los aplastantes costos médicos, así que, como dice Toxie, 'A veces hay que hacer algo'". 

En cuanto a la crítica Michael Nordine de Variety destaca el papel de "Peter Dinklage da nueva vida a la inmortal franquicia de Troma (...) no convertirá a muchos nuevos fans, pero los que ya la conocen se lo pasarán en grande." 

En IndieWire Katie Rife  comenta que la película "Está llena de guiños que socavan cada momento de suspense, tensión o cualquier cosa que se parezca a una emoción humana auténtica (...) Los gags secundarios son la película. El resto es el relleno." 

Jacob Hall de SlashFilm escribe que "Blair ha hecho una película que parece hecha para divertirse. Y me alegro de que exista. Da la sensación de que se ha salido con la suya... en algo" 

Amelia Emberwing de IGN lo que destaca es "La asociación de Troma y Legendary en este 'no remake' ofrece un resultado desigual (...) Sin embargo, lo que le falta de tontería lo compensa con su corazón" 

Para Drew Tinnin de Dread Central "Blair hizo exactamente el tipo de película homenaje que se propuso. Si el resultado gusta o no al espectador es irrelevante (...) "

En el Austin Chronicle, Richard Whittaker nos dice que "No te dejes engañar por el gran (pero no tan grande) presupuesto: Es Troma, como a ti te gusta." 

En Gran Bretaña  Peter Bradshaw del The Guardian destaca que "Peter Dinklage lo hace lo mejor que puede como un humilde empollón transformado en un monstruo bulboso que se venga de sus matones, pero esto es deprimente (...) 

Ed Potton de The Times escribe que "Esta película es basura divertida más que completamente hilarante, y la autocomplacencia de serie B a veces resulta fatigante (...) 

Clarisse Loughrey del The Independent señala que la película "Es divertida y encantadora, con un ritmo de chistes constante. Pero no termina de funcionar como debería (...) 

En Empire Sophie Butcher la describe como "Un viaje entretenido y frívolo a través de un mundo disparatado y bien logrado, es una encantadora historia que ofrece muchas risas (...) 

Ya en España, Salvador Llopart de La Vanguardia considera que es un "Homenaje sin descafeinar a un hito gore de los ochenta (...) La historia de un héroe de estercolero, gamberra por excelencia. (...) Cine amablemente transgresor con muchas vísceras desparramadas. Puro Sitges. (...).

Raquel Hernández Luján de Hobby Consolas nos dice que la película es "Un remake sin calidad ni gracia (...) que no aporta nada más que sopor a un argumento al que no sabe sacarle partido por el terreno del humor ni el terror. Más que prescindible, nada recomendable." 

Javier Ocaña, valorando lo que había visto en Sitges al ser presentrada nos cuenta que "Sí a todo lo que propone "The Toxic Avenger" (2023). Acertadísimo remake que captura la genialidad de su original aportando frescura y un ritmazo. Una fiesta de gore y cachondeo que está a las alturas de sus expectativas. Enorme Dinklage, best casting ever ".

Por mi parte, señalar que el remake de El vengador tóxico (2023) se queda a medio gas en su intento de evocar el espíritu de la Troma ochentera, ofreciendo un ejercicio de nostalgia que se siente domesticado, excesivamente calculado y desprovisto del verdadero caos contracultural que definía a la productora de Lloyd Kaufman y Michael Herz.

La película pierde el encanto cutre del splatter ochentero. El gore de la Troma original funcionaba porque se notaba el látex barato, el sirope de maíz y la falta de medios. Aquí, la violencia gráfica se siente coreografiada para un público moderno de festival, perdiendo la capacidad de incomodar de verdad. Su presupuesto hollywoodense con efectos especiales digitales y prostéticos pulidos.

La Troma de los 80 era genuinamente ofensiva, grosera, anárquica y no le rendía cuentas a nadie. El film de 2023 intenta morder, pero tiene miedo de ir demasiado lejos. Es una sátira corporativa cómoda que prefiere mantenerse a salvo dentro de los márgenes de lo comercialmente aceptable aunque haya sutiles chistes cínicos sobre corporaciones y guiños a la decadencia social.La película sufre de "exceso de profesionalismo". 

El remake intenta replicar la fealdad y el desorden de Tromaville ahora St, Roma- demosle la vuelta y allí está- ,  pero lo hace con cámaras caras y una dirección de arte limpia. Es una imitación de diseño; parece una película cara disfrazada de serie B aunque se disimule el diseño de producción profesional y el traje de Toxie de alta gama. 

Los guiños se sienten como una lista de verificación obligatoria para complacer a los fans de nicho (fan service de manual). En lugar de integrarse orgánicamente en el espíritu de la trama, operan como un recordatorio artificial de que "esto solía ser cine transgresor" como aquellos surfistas nazis que han de morir. 

En conclusión, la película confunde el homenaje con la simple imitación higienizada. Intenta capturar la esencia de un cine que nació del underground, del bajo presupuesto y de las ganas de reventar las normas del buen gusto, pero lo hace bajo el amparo de una producción que se toma a sí misma demasiado en serio como "producto de culto". El resultado es una criatura que viste las ropas de la Troma de los 80, pero carece por completo de su alma radiactiva, por mucha burbujita verde que salga de la espalda o de la cara de Toxie .

Dos forajidos

Esta película se hizo tristemente famosa y muy a su pesar por la muerte de su directora de fotografía mientras se realizaba el rodaje en el que intervenía Alex Baldwin. Se trata de una película del año 2024 aunque llevaba por un título Rust, precisamente el apellido de los dos protagonistas..

Alex Baldwin protagoniza este western dirigido por Joel Souza, responsable que fue de mientras lanza duerme, aunque en este caso ambientado en el oeste del año 1880. Dirigido por Joel Souza Guion de Joel Souza Historia de Joel Souza Alec Baldwin Producido por Melina Spadone Ryan Winterstern Nathan Klingher Alec Baldwin Matt DelPiano Ryan Donnell Smith Anjul Nigam Grant Hill de las productoras BondIt, Buffalo 8 Productions, Cavalry Media, El Dorado Pictures, Highland Film Group, Thomasville Pictures. 20th Century Studios TSG Entertainment El Dorado Pictures Cinematografía Halyna Hutchins Bianca Cline Editado por David Andalman Música de James Jackson Lilie Bytheway-Presupuesto $8 millones  

En 1882, en el Territorio de Wyoming , Lucas Hollister, (Brady Noon ) de trece años, cuida de su hermano menor, Jacob, tras la reciente muerte de sus padres por enfermedad, la madre por eso y el padre por darse un tiro.  Lucas se ha hecho cargo de la granja, alimentando a los dops cerdos que tiene y luchando contra los lobos que se acercan, pero sobre todo de su hermano, en todos los sentidos. 

Mientras persigue a un lobo, Lucas mata accidentalmente al padre de un niño que acosaba a su hermano Jacob en la tienda, y, por ello, es condenado a la horca. 

Antes de la ejecución, recibe una visita de un familiar. Se trata de Evelyn Bassett (Francés Fisher) una tía abuela de la que no tenía noticias y , dias después, de un desconocido que lo libera de la cárcel, revelando ser su abuelo, el famoso forajido Harland Rust (Alec Baldwin ), con quien no tenía relación. 

Ambos huyen hacia el sur, rumbo a la frontera con México. Mientras viajan hacia el Territorio de Nuevo México , la animosidad inicial entre ellos se disipa y forjan un vínculo gracias a una historia compartida de pérdidas familiares. 

Son perseguidos por dos grupos: el Marshall o alguacil estadounidense Wood Helm (Jensen Ackles) y su grupo, y varios cazarrecompensas , entre ellos el inestable Fenton "Preacher" Lang (Travis Fimmel) , el Predicador. 

Un grupo de kiowa también representa un peligro para los fugitivos, pero Lucas los apacigua intercambiando un valioso rifle por un caballo. 

Los cazarrecompensas y Helm se topan con Lucas y Harland al mismo tiempo, y ambos grupos se enfrentan en un tiroteo mortal. Harland y Lucas escapan, pero Lang los persigue y los acorrala. Lang dispara a Harland y captura a Lucas. Helm llega y, en el enfrentamiento que sigue, un Harland gravemente herido salva la vida del alguacil abatiendo a Lang. 

Un Helm compasivo, que recientemente ha perdido a su hijo por una enfermedad, deja en libertad a Lucas y acoge a Harland. Helm miente a otros alguaciles estadounidenses diciéndoles que Lucas murió en la persecución y que los Kiowa se llevaron su cuerpo. 

Harland muere camino al patíbulo ; su cuerpo es ahorcado de todos modos. 

Lucas llega a México con la ayuda de Anselmo, amigo de Harland, a quien se presenta como Lucas Rust, y en México se reencuentra con Jacob, quien ha sido acogido por su tía abuela, la hermana de Harland.

Con tono crepuscular y aroma de relato clásico doforajido combina persecución, violencia y las familiares en una historia de culpa como en su dependencia y reducción. 

Participan igualmente Travis Fimmel y Francés Fisher, entre otros. 

La película fue noticia en todo el mundo por el trágico accidente ocurrido durante el rodaje cuando un disparo defecto dado por el actor principal y un mortalmente a la directora de fotografía Halyna Hutchins y alcanzó también al propio Souza. Ese contexto extra cinematográfico convirtió dos forajidos en uno de los títulos más comentados del momento. 

La historia de esta película es larga, y como ya he dicho muy a su pesar. En mayo de 2020, se anunció que Alec Baldwin produciría y protagonizaría Rust , un western basado en una historia que creó con el guionista y director Joel Souza . 

Baldwin declaró a The Hollywood Reporter que estaba encantado de trabajar con Souza tras haber perdido la oportunidad de protagonizar Crown Vic (2019). Comparó el guion con la película Sin perdón (1992) y afirmó que estaba inspirado en una historia real. Cuando se le preguntó sobre sus habilidades con las armas y a caballo, dijo: «Siempre las tengo listas. Soy un actor de la vieja escuela. Así que si lees mi currículum, verás que mis habilidades con las motocicletas, el francés, los malabares, la equitación y las armas están siempre a mi alcance». 

Rust se produjo con un presupuesto de entre 6 y 7 millones de dólares y fue descrito como un "proyecto apasionante" para Baldwin. Los derechos de distribución de la película se vendieron a The Avenue por 2 millones de dólares durante la fase de preproducción. Travis Fimmel , Brady Noon y Frances Fisher se unieron al reparto en septiembre de 2021, y Jensen Ackles fue elegido al mes siguiente. 

La producción involucró a aproximadamente 150 miembros del equipo, la mitad de ellos locales, 22 actores principales y 230 extras de Nuevo México. 

La producción tuvo un calendario de rodaje de 21 días. El rodaje comenzó en Nuevo México el 6 de octubre de 2021. En la mañana del 21 de octubre de 2021, que iba a ser el duodécimo día de rodaje, siete miembros sindicalizados del equipo de cámara de la película comenzaron a recoger sus pertenencias aproximadamente a las 6:30 a. m. MT en una huelga . Afirman que les dijeron que abandonaran el set, con un productor amenazando con llamar a la policía, y que fueron reemplazados por miembros del equipo no sindicalizados. 

Según una declaración dada a TheWrap por una fuente anónima, varios miembros del equipo sacaron varias armas de utilería del set ese día, incluyendo el arma de fuego involucrada en el incidente, para pasar el tiempo disparando a latas de cerveza con munición real. Después de un descanso para almorzar, las armas de utilería fueron devueltas.  No está claro si las armas de fuego fueron revisadas nuevamente. 

Más tarde ese mismo día, el elenco y el equipo ensayaban una escena de tiroteo que tenía lugar dentro de una iglesia en el rancho Bonanza Creek. Se sacaron armas de fuego y municiones de una caja fuerte cerrada y la armera, Hannah Gutierrez-Reed,  colocó tres armas que se usarían en el rodaje en un carrito. Entre ellas había una pistola de plástico que no podía disparar munición real, un arma modificada que no podía disparar ningún tipo de munición y una réplica de armazón sólido del revólver Colt .45 fabricada por Pietta . 

Según una orden de registro, Gutiérrez-Reed revisó brevemente las armas, antes de que el subdirector David Halls tomara el revólver Pietta del carro de utilería y se lo entregara a Baldwin.  En una declaración jurada posterior, Halls dijo que el protocolo de seguridad con respecto a esta arma de fuego era tal que Halls abriría la compuerta de carga del revólver y giraría el cilindro para exponer las recámaras para poder inspeccionarlas él mismo. Según la declaración jurada, Halls dijo que no revisó todas las recámaras del cilindro, pero recordó haber visto tres balas en el cilindro en ese momento. 

Después del tiroteo, Halls dijo en la declaración jurada, Gutiérrez-Reed recuperó el arma y la abrió, y Halls dijo que vio cuatro balas que eran claramente de fogueo, y una que podría haber sido el casquillo restante de una bala real disparada. El operador de cámara B, Reid Russell, estaba situado en un carrito de cámara , mirando un monitor con Hutchins y Souza cerca. La escena mostraba al personaje de Baldwin sacando una pistola de su funda y apuntándola hacia la cámara. 

El trío detrás del monitor estaba a dos pies (0,6 m) de la boca del arma y ninguno llevaba equipo de protección como auriculares con cancelación de ruido o gafas de seguridad. El trío detrás del monitor comenzó a reposicionar la cámara para eliminar una sombra, y Baldwin comenzó a explicarle al equipo cómo planeaba sacar el arma de fuego. Dijo: "Entonces, supongo que voy a sacar esto, tirar y decir, '¡Bang! ' " La sacó de la funda, y el revólver se disparó una sola vez. Baldwin negó haber apretado el gatillo del arma, mientras que ABC News describió un informe posterior del FBI que afirmaba que el arma solo podía dispararse si se apretaba el gatillo. 

Halls fue citado por su abogada Lisa Torraco diciendo que Baldwin no apretó el gatillo, y que el dedo de Baldwin nunca estuvo dentro del guardamonte durante el incidente. Cuando el arma se disparó, el proyectil viajó hacia los tres detrás del monitor. Golpeó a Hutchins en el pecho, viajó a través de su cuerpo y luego golpeó a Souza en el hombro. 

En octubre de 2021, la producción se suspendió después de que la directora de fotografía Halyna Hutchins muriera de un disparo cuando Baldwin disparó un arma que se usaba como utilería durante la preparación de una escena; Souza resultó herido por el mismo disparo. Se presentaron varias demandas y finalmente se presentaron cargos por homicidio involuntario contra Baldwin y la armera Hannah Gutierrez-Reed. 

Hutchins fue trasladada en helicóptero al Hospital de la Universidad de Nuevo México en Albuquerque, donde fue declarada muerta. Souza fue atendido por los servicios de emergencia y transportado en ambulancia al Centro Médico Regional Christus St. Vincent en Santa Fe, donde fue ingresado y dado de alta a la mañana siguiente. 

Como resultado del incidente, la producción de Rust se suspendió indefinidamente, aunque el coproductor Anjul Nigam confiaba en que la película reanudaría la producción una vez finalizada la investigación.

El rodaje finalmente se reanudó en abril de 2023 y se completó poco después. Gutierrez-Reed fue finalmente declarada culpable, pero Baldwin fue absuelto. 

Pero estro no fue todo, en noviembre de 2021, semanas después del incidente del rodaje, el operador de iluminación y montador de tuberías Jason Miller fue mordido en el brazo por una araña reclusa parda mientras cerraba el set. Miller sufrió necrosis y sepsis . Fue hospitalizado y se sometió a múltiples cirugías para evitar la amputación de su brazo 

Siguiendo con el incidente, en octubre de 2022, la familia Hutchins resolvió la demanda,, con la filmación programada para reanudarse en enero de 2023 en California , con Matthew Hutchins, esposo de Halyna, como productor ejecutivo.  

Muchos del equipo de la película tuvieron reacciones mixtas a la noticia, algunos la apoyaron y planearon reanudar su trabajo en ella, pero otros condenaron la decisión y decidieron no regresar. 

En cuanto a la crítica profesional, Manohla Dargis en el The New York Times "Aunque a veces la brutalidad en pantalla está justificada narrativamente, aquí resulta en gran medida una postura atroz e indulgente." 

Matt Zoller Seitz habitual en la web cinematográfica de rogerebert.com "Lo mejor de la película es su fotografía. (...) Cuando se desvanezcan los últimos ecos de aquel fatal disparo y los nuevos espectadores puedan experimentar 'Rust' como una película y no como la escena de un crimen, podría reevaluarse con desapego y encontrarse menos deficiente. Ese día está muy lejos. (...)" 

Lovia Gyarkye del The Hollywood Reporter comenta que "Está bien hecha y es absorbente en algunos momentos, pero tiene una cualidad cotidiana que ralentiza su ritmo." 

William Bibbiani de The Wrap sostuvo que "Si pudiéramos ver 'Rust' sin contexto, no sería más que otro western. Uno bueno, sin duda; no es un clásico propiamente dicho, pero es envolvente y está bien presentado." 

Johnny Oleksinski del New York Post destaca que "Lo único que merece la pena ver en este western es también lo más trágico (...) Por fin ha terminado la espera... de una película que nadie esperaba. (...)" 

Kelly Lawler de USA Today dice que es "Una historia sólida, aunque demasiado larga, sobre la familia y la redención. Los fans de 'Yellowstone' u 'Horizon' encontrarán cosas que les gustarán. (...)" 

Robert Abele de Los Angeles Times señala que "En su trillado camino de cazadores y cazados, condenados y sentenciados, le cuesta justificar sus más de dos horas de duración. (Ojalá tuviera la economía narrativa de Anthony Mann" 

Nick Schager del The Daily Beast afirma que "Se asemeja a una versión de una canción que toca todas las notas adecuadas pero no logra captar el alma áspera de sus predecesoras." 

Pete Hammond de Deadline comenta que "Con sus temas de pérdida, arrepentimiento y redención, funciona, y gran parte del mérito se debe a la aguda dirección de Souza." 

Owen Gleiberman escribió en su reseña para Variety que "es un western independiente, atractivo y entretenido, ambientado en 1882, que se convierte en una película sentimental de amistad intergeneracional. Sin embargo, no puedo decir que la película, al final, sea especialmente buena". 

El New York Times calificó la película como "un drama derivativo, hiperviolento y, en última instancia, sentimental, ambientado en el siglo XIX, sobre un huérfano (Patrick Scott McDermott) y su abuelo forajido (Baldwin), lleno de caos y carnicería". 

Lo que sí se quiso resaltar fue el papel de la fotografía de Hutchins y la codirectora de fotografía Bianca Cline que fue elogiada. 

David Ehrlich, en IndieWire , afirmó que "el brillo digital de la película encaja a la perfección con el elementalismo rústico de su género, mientras que muchos otros westerns recientes han forzado una confrontación directa entre ambas estéticas". 

Ya en Gran Bretaña Jesse Hassenger, en The Guardian , describió a Hutchins como "la salvación de la película", y añade que "La fallecida directora de fotografía Halyna Hutchins, que murió en el rodaje, se muestra como la gracia salvadora de una película mal interpretada y excesivamente larga. (...) 

Tim Teeman de The Times dijo que "La sensación es especialmente desagradable porque las armas y su uso violento son los motivos predominantes en este western ambientado en la década de 1880 (...) 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País comentó que "Es un wéstern que se deja ver, pero que resulta moroso e inflado en sus casi dos horas y media de metraje." 

Luis Martínez de El Mundo afirma que "Apenas ofrece un guion errático y unas actuaciones discutibles (...) resulta tan protocolaria como efectista y solo pendiente de que el espectador se reconozca en una sucesión casi infinita de clichés algo gastados. (...)" 

Para el habitual de ABC,  Oti Rodríguez Marchante la película "Como wéstern, la pertenencia al género de 'Dos forajidos' es absoluta en esencia y detalles (...) Muy bien contrastada en sus claroscuros, tanto de espacios como de personajes (...) " 

Quim Casas de El Periódico señala que es "Un correcto wéstern (...) Interesante intento de restituir algunos aspectos clásicos del cine del Oeste con ciertos toques de modernidad (...) es un wéstern planteado con considerable serenidad formal. (...) " 

En la La Vanguardia Jordi Batlle Caminal considera que "Su exceso de metraje, personajes y persecuciones acaba sepultándonos en un tedio prolongado. (...) " 

Y , por último, en Cinemanía Enrique Abenia destaca de la película que "Es un buen western (...) Souza ofrece un sólido y bastante solvente western alusivo a la culpa, la redención y, sobre todo, el dolor. (...). 

En definitiva, estamos ante un western crepuscular sobrio y sumamente digno que logra anteponerse a las dificultades que rodearon su producción.. Bajo la dirección de Joel Souza, la cinta se convierte en un sentido y respetuoso tributo cinematográfico que destaca por su impecable factura visual y la solidez de sus interpretaciones.

El apartado visual es extraordinario. El trabajo inicial de la fallecida Halyna Hutchins, completado con gran sensibilidad por Bianca Cline, dota al film de una atmósfera melancólica única, aprovechando los paisajes naturales y una iluminación en interiores de un gran clasicismo.Alec Baldwin (como Harland Rust) y el joven Patrick Scott McDermott (como Lucas Hollyster) sostienen el núcleo emocional de la trama. La dinámica de redención entre este abuelo forajido y su nieto resulta auténtica y conmovedora.

La película renuncia a la idealización heroica para ofrecer un Oeste polvoriento, rústico y humano, donde los silencios y los ritmos pausados juegan a favor del desarrollo de sus personajes. Las figuras de los perseguidores, encarnados por Travis Fimmel y Josh Hopkins, aportan la tensión necesaria para mantener el pulso del relato constante en la huida hacia la frontera. 

Más allá del innegable eco mediático e histórico del rodaje, Dos forajidos funciona por sus propios méritos artísticos como una clásica historia de redención. Cumple con creces para los amantes del género contemplativo y del cine sobrio que busca rescatar la verdadera esencia del western Para terminar señalar que la película, desde mi punta de vista, un buen western, está dedicada a su directora de fotografía, Halyna Hutchins, como era de esperar.

Golpes

Cine español del año 2025 que promete mucho y ofrece poco. Película dirigida por Rafael Cobos y coescrita por el mismo Cobos junto a Fernando Navarro, que tiene entre su principal cartel la presencia de Luis Tosar y Jesús Carroza. Se trata de un thriller ambientado en la Sevilla de la década de los 80 con estética kinki con el guionista Rafael Cobos quien fue responsable de la isla mínima o de la serie anatomía de un instante en la dirección gritando en ese caso en la dirección de cine. 

Sabino (Tosar) y Migueli (Carroza) son dos hermanos, Miguel y Sabano, marcados por la muerte de su padre, asesinado en la guerra civil. Ahora uno, el menor, Miguel, es un ladrón de bancos y el otro, Sabino, es policía. Separados desde niños puesto que ambos fueron llevados al Ferrol pero uno de ellos acabó adaptándose al sistema y el otro renegando de él retornando a Sevilla y buscando cobijo alguna familia, la de Angelita (Teresa Garzón ) cuya tia, Antúnez (María José Mariscal) le da cobijo. 

La mayor parte de la historia se desarrolla en una España a principios de los años ochenta del siglo pasado. 

Migueli sale de la cárcel decidido a saldar cuentas del pasado antes de comenzar una nueva vida. Migueli es un delincuente que sale de prisión en la cambiante España de inicios de los 80. Quiere mirar al futuro, pero, antes, tendrá que sellar heridas del pasado, alguna de ellas tiene que ver con el inicio de la película, pues la Guerdia Civil acabará con la vida de su padre en una noche cuando va a buscarlo a su casa de campo.  

Ahora Migueli quiere encontrar sus restos 40 años después. Para ello necesita mucho dinero, en concreto, 9 mnillones de pesetas, y lo necesita rápido. En cuanto llega a Sevilla reúne a su antigua banda, integrada por Osuna (Mafo ) , El Edi (Carlos Bernardino), El Nani (Cristalino) , La Perla (Antonio Estrada) ) y dan varios palos seguidos: sucursales bancarias, joyerías e incluso el primer casino de la zona. 

No van a tenerlo fácil: la policía ha encargado el caso a su propio hermano, Sabino, que conoce muy bien cómo piensan y sus "modus operandi" Pero Migueli no se detendrá. Está dispuesto a llegar hasta el final., por lo que reúne a los miembros de su antigua banda para llevar a cabo una serie de atracos audaces. 

Además los golpes habrá que reconocer no salen del todo bien. En la joyería, uno de los compinches, Osuna,  quedará con la mano atrapada y servirá a Sabino para saber que su hermano , efectivamnete, ha vuelto. 

El golpe en el transporte que lleva al Casino (realmente, rodado en el teatro lope de Vega de Sevilla) es un fracaso absoluto, cayendo otro de los colegas - La Perla-,  y haciendo que otro - Nani- se retire. 

Pero el gran obstáculo ante él es su hermano, Sabino, quien tampoco se encuentra satisfecho con su vida, ya que tema que su mujer, Rosa (Cristina Alcázar) , le abandone en breve, y tiene un sueño que cree que no va a cumplir, comprarse un apartamento en El Algarve. 

Pero además es que se ha convertido en un oficial de policía encargado de perseguirlo, lo que genera un enfrentamiento familiar y humano complejo entre los dos hermanos. 

El último golpe en la Talbot, donde intentan llevarse las nóminas de los trabajadores es abortada por Sabino, aunque tanto Migueli como Angelines, logran huir y busca refugio en la antigua casa de campo en la que vivían. Migueli está herido, pero no se queja, ni le dice nada a Angelines, y tampoco a su hermano cuando llega. Eso si, con él alcanza un acuerdo : le entrega el dinero para que pague el apartamento en Portugal, le pide que en cinco años estará en la calle y le ofrece el mismo para vivir con su chica y el bebé que lleva dentro. Migueli accede y Sabino se compromete a ayudarle a buscar los restos de su padre, cosa que , a la mañana siguiente, consiguen.

Mientras vuelve a Sevilla, Sabino le dice de parar en  un bar para desayunar como los señoritos una tostada de manteca colorá, pero para Migueli, es ya muy tarde. 

Golpes es aparentemente una electrizante historia sobre la familia, la tragedia y la reconciliación tanto personal como de todo un país.

Yo estoy de acuerdo con la apreciación de Ernesto J. Pastor cuando valora esta película que fue presentada en la última Seminci, en octubre de 2025, en el que fue el 70º Festival Internacional de Cine de Valladolid, y que se fue de vacío. 

Lo cierto es que esta Ópera Prima de este guionista ganador de dos Premios Goya, una persona que es brillante por lo realizado aquí me sorprende y también sorprende al historiador del cine pues presenta una historia con cuestiones de guion nada creíbles. 

Por contra, también me llama la atención lo que señala Javier Ocana en El País al decir que es un "Notable debut de Rafael Cobos con una exaltación del cine quinqui" Y añade " En ese prólogo (...) se vislumbran ya algunas de las grandes virtudes (...) La magnífica dirección artística de exteriores e interiores de Gigia Pellegrini; la banda sonora de Bronquio; y el exquisito cuidado de la imagen" . 

La película fue producida por Borja Peña y Emma Brillo para Películas Vaca, Grupo Tranquilo y Recreo. También participa Daniel Pérez Astiárraga. Al comentar sobre el proyecto, Cobos afirmó que se trata de "comprometerse con la revitalización del cine quinqui , profundizando en su esencia misma, aunque esforzándose por ser diferente", a la vez que se preocupa por un país en transición . Sin embargo, también explicó que al final, la película tenía más del "cine americano de los años 70, o del polar francés".La película es una producción de Vaca Films junto con Grupo Tranquilo y Playtime, y contó con la participación de Movistar Plus+ , RTVE y Canal Sur y el respaldo de ICAA , Junta de Andalucía y Creative Europe MEDIA. 

Los lugares de rodaje incluyeron Alcalá de Guadaíra y algunos espacios reconocicles de Sevilla.

Sergi Vilanova Claudín trabajó como director de fotografía, con tando también con el montaje de Darío García y música de Bronquio, aunque en la misma se incluye un par de canciones, una de ilegales , la de Tiempos nuevos, tiempos salvaje, y , especialmente, Tu frialdad de Triana. También fue programada en la sección ' Panorama Andaluz ' del 22º Festival de Cine Europeo de Sevilla .

Se llevó algunas nominaciones y algunos premios. En la 81.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue nominada al Mejor actor secundario (Luis Tosar) y al Director revelación (Rafael Cobos) 

En la XXIV edición de los Premios Mestre Mateo del Cine gallego de 2025  se llevó el de la Mejor interpretación masculina protagonista (Luis Tosar)

Y en la V edición de los Premios Carmen del Cine andaluz de 2025 cuya gala tuvo lugar en Córdoba hubo varias nominaciones entre ellos el de Mejor largometraje, y 6 premios como Mejor dirección novel (Rafael Cobos), Mejor interpretación masculina protagonista (Jesús Carroza), el de Mejor interpretación femenina revelación (Teresa Garzón), Mejor música original (Bronquio), Mejor canción original (Bronquio, Rafael Cobos, Jaime Gastalver, Teresa Garzón “La tierra esconde”), y Mejor vestuario (Lourdes Fuentes); quedando nominada en Mejor interpretación masculina de reparto (Antonio Estrada), Mejor interpretación masculina de reparto (Cristalino), Mejor interpretación masculina revelación (Carlos Bernardino), Mejor guion original (Rafael Cobos, Fernando Navarro), Mejor montaje (Dario García García), Mejor sonido (Jorge Marín), Mejor dirección de arte (Gigia Pellegrini) y Mejor maquillaje y peluquería (Yolanda Piña, Inés Díaz).

En cuanto a la crítica Luis Martínez en El Mundo escribe que se trata de "Un thriller emocional, pautado y desmedido (...) es una película admirable en su ambición, febril en cada unos de sus pasos y emocionante hasta el agotamiento. (...)" 

Carmen L. Lobo en La Razón defiende el valor de "Una puesta de largo madura, realista, sobre «la otra» Transición española, (...) no puede evitar cierto halo de fatalista tristeza y orfandad. Tosar y Carroza, son, en buena parte, los «culpables» de ello. Gracias. (...) " 

Desde Barcelona Salvador Llopart en La Vanguardia destaca que es "Una evocación metabolizada por la sabiduría cinéfila de Cobos, quien demuestra de nuevo aquello que decía el clásico: que lo que no es homenaje, es plagio. Como aquí. Puro homenaje al cine quinqui. (...) " 

Begoña Piña en Cinemanía destaca que "Encontrarse con una ópera prima con sentido cinematográfico, meditada, que profundiza en la historia que cuenta, pero no sobreexplica, con personajes complejos y que emocionan es una satisfacción especial. (...)" 

En Fotogramas, Eulàlia Iglesias comenta que es "En un film que quiere hacer notar en cada fotograma el poso de un pasado histórico, el desarrollo de la dimensión trágica de los personajes acaba lastrándole el pulso al thriller de golpes malogrados. (...)"