Tootsie

Oscilaba entre el miedo y el temor. No sabía si debía volver a ver esta película de Sydney Pollack pues la vi hace casi 40 años. Ya sabéis que eso me ocurre mas con el género de la comedia que con cualquier otro. Lo que en un momento te cautiva, en otro te puede repeler.  Guardaba de ella un feliz recuerdo con un Dustin Hoffman extraordinario y con una bellísima y esplendorosa Jessica Lance. Pero, tras algunas dudas me he decidido a verla, y nada...Pero no ha sido así, lo qiue implica que estamos, al menos para mí, en una comedia a la que ya se le puede atribuir el título de "clásico" de los ochenta. 

La película sigue manteniendo toda su frescura y, es más, con el tiempo  ha ido ganando sentido pues hay una reivindicación de la posición de la mujer en la sociedad y , en este caso, también en el medio televisivo, que hace casi cuarenta años yo no aprecié. Creo que la película es una reflexión magnífica en este entorno del 8M. 

El responsable de la película no es otro que Sydney Pollack que en la misma está en una triple posición: productor, director y actor. 

Nacido en Indiana en el seno de una familia judía de origen ucraniano se formó en Nueva York como actor teatral. Tras asentarse en Broadway pasó  a inicio de los sesenta a otro medio, la televisión, lugar en el que encajó de maravilla recibiendo varios Emmys. 

En 1966 da el salto a la gran pantalla debutando con la película The Slender Thread, participando después en Propiedad condenada (1966) con un reparto de luces - Natalie Wood, Charles Bronson y Robert Redford- , con ella iniciaba una relación profesional con éste último actor al que descubbriremos en algunas de sus películas posteriores. 

Tras esa llegó The Scalphunters (1968) y ese mismo año consigue el éxito con El nadador / The Swimmer (1968) . 

Tras esta vino They Shoot Horses, Don't They? (1969) - aquí Danzad, danzad , malditos - así como tres películas con Redford como son Las aventuras de Jeremías Johnson (1972), Tal como éramos (1973) y en Three Days of the Condor (1975) . 

Ese mismo año estrena la mítica Yakuza (1975) con Robert Michum, Bobby Deerfield (1977) con Al Pacino y vuelve con Redford y Jane Fonda con El jinete eléctrico (1979). En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman. Y tras estas, dos bombazos: la que acabo de ver, Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, que obtuvo diez nominaciones al Óscar y en 1985 se convirtió en un mito como director por Out of Africa, protagonizada por Robert Redford y Meryl Streep e inspirada en la obra autobiográfica de la escritora danesa Isak Dinesen. 

En estos años estaba implicado como director y productor, pero , a partir de Tootsie , ya aparece como actor de manera más regular y desde Memorias de África los vemos implicado como productor como ocurre con The Fabulous Baker Boys (1989), Sentido y sensibilidad (1995), Sliding Doors (1998) y El Talento de Mr. Ripley (1999. 

Como actor lo vemos antes del fin de milenio en Maridos y mujeres (1992) y La muerte le sienta bien (1992) y Eyes Wide Shut (1999) . 

Deja la dirección para algunos proyectos en los que está como director y productor como son Habana (1990), La tapadera (The Firm) (1993), Sabrina (y sus amores) (1995) y Random Hearts (1999) . En el nuevo milenio su labor se centró en la producción en películas como Iris (2001) , The Quiet American (2002) y Cold Mountain (2003), Michael Clayton (2007) en la que hizo de productor y actor . 

Sus dos últimas películas como director son La intérprete (The Interpreter) (2005) y Sketches of Frank Gehry (2005). 

Su último proyecto en el cine lo hizo junto al último también de Anthony Minghella en calidad de productores ambos fue El lector (The reader) (2008) falleciendo ese mismo año uno y otro antes de que se estrenara. Como véis , Pollack es historia del cine. 

Para Tootsie, Sydney Pollack contó en la producción con Charles Evans, Dick Richards y Ronald L. Schwary a través de las productoras Columbia Pictures Corporation, Mirage Enterprises, Punch Productions y Delphi Films que manejaron un elevado presupuesto de 22.000.000 de dólares que serán recuperados con creces. 

La historia fue creada por Don McGuire y Larry Gelbart, estando este último implicado en el guión junto con Murray Schisgal, Robert Garland, Barry Levinson y Elaine May. 

La película cuenta con la música ochentera de Dave Grusin, que por momentos suena a Christopher Cross, la fotografía de Owen Roizman, el montaje de los hermanos William Steinkamp y Fredric Steinkamp y el maquillaje, esencial en la película de Dorothy J. Pearl, George Masters, C. Romania Ford y Allen Weisinger. 

El elenco lo encabeza Dustin Hoffman como Michael Dorsey / Dorothy Michaels, Jessica Lange como Julie Nichols, Teri Garr como Sandy Lester, Dabney Coleman como el director televisivo Ron Carlisle, Charles Durning como Leslie "Les" Nichols, Bill Murray como el dramaturgo Jeff Slater, Sydney Pollack como el agente George Fields, George Gaynes como el actor televisivo John Van Horn, Geena Davis - que debutaba- como la actriz de reparto April Page, Doris Belack como la productora Rita Marshall, Lynne Thigpen como la asistente de producción Jo . Aparecen igualmente Ellen Foley como Jacqui, otra asistente de producción, Anne Shropshire como la Sra. Crawley, la niñera de Julie, Amy Lawrence como Amy, la hija de Julie, Susan Egbert como Diane, la novia de Jeff, Christine Ebersole como Linda, una actriz en la fiesta de cumpleaños de Michael. 

La historia tiene como protagonista a Michael Dorsey (Dustin Hoffman) es un actor respetado, con talento, que se gana la vida dando clases de interpretación, pero es también un actor difícil que nadie en Nueva York quiere contratarlo porque es un perfeccionista y se salta las directrices marcadas por los directores. Lleva tiempo sin trabajar como le dice a su agente George Fields(Sydney Pollack) y la última vez que interpretó lo hizo oculto tras un disfraz de tomate. 

Después de muchos meses sin trabajo, y tras discutir con su agente, que le echa en cara su carácter díscolo como actor - vemos como efectivamente no pasa algunos castings a los que se presenta por no seguir las directrices de los directores- o por no responder a lo que piden (edad, altura, aspectos,...) marcha a casa junto con su compañero de piso un dramaturgo sin éxito Jeff Slater (Bill Murray) descubre que sus amigos, conocidos y mucha gente que no conoce están en su piso dándole una fiesta de cumpleaños. Entre las que están se encuentra una de sus alumnas Sandy Lester (Teri Garr), una chica que siente verdadera veneración por su maestro. 

Tras la fiesta, y al verla desanimada por la prueba del día siguiente, le acompaña a su casa y trabaja para la misma. Michael va como acompañante a la prueba. Se trata de un trabajo para una popular telenovela de nombre Southwest General, aquí presentada como Hospital General. Allí se va a presentar su amiga y estudiante de interpretación Sandy Lester, una actriz y mujer indecisa, pero que aspira al papel de Emily Kimberly, la administradora del hospital . 

Una vez le ha infundido ánimos se marcha, pero antes de salir por la puerta ve como Sandy ya ha sido excluída de la misma por la directora de casting por no dar el aire al personaje. Desesperado, pero sobre todo indignado por no haberle dado a Sandy ni la más mínima oportunidad decide hacerse pasar por una mujer, audicionando como "Dorothy Michaels", para el papel de Emily Kimberly. 

Tras mostrar un fuerte carácter ante las cámaras obtiene el papel. Michael acepta el trabajo como una forma de recaudar $ 8,000 para producir una obra de su compañero de cuarto Jeff Slater, que estará protagonizada por él y Sandy. Michael , desde ese día se disfraza de señora para interpretar a Dorothy, una mujer de mediana edad, feminista y luchadora, y hace sorprendiendo a sus compañeros de reparto y al equipo. 

Entre los compañeros de reparto está Julie Nichols (Jessica Lange) que interpreta a una joven enfermera, presentada como una chica fácil, así como como un veterano actor como John Van Horn (George Gaynes) que lleva décadas en pantalla llamado "el besucón" pues gusta de acercarse en exceso a las otras actrices entre las que se encuentra una joven actriz de reparto, April Page (Geena Davis). 

Igual le ocurre al equipo de producción encabezado por el director televisivo Ron Carlisle (Dabney Coleman), que tiene una relación amorosa con Julie, a la productora Rita Marshall (Doris Belack) , a la asistente de producción Jo (Lynne Thigpen) o Jacqui (Ellen Foley) , otra asistente de producción, quedan sorprendidos ya que no cumple con el guion escrito , pero la escena funciona, se mantiene y desde ese día su personaje se convierte rápidamente en una éxit a nivel nacional. Michael de cualquier manera ahora se tiene que hacer con un vestuario. 

Mientras se encuentra en casa de Sandy, con la que sale como amiga que es, y a la que todavía no ha contado su sorprendente éxito, entra en su vestidor para ver su ropa y encontrar ideas para el guardarropa de Dorothy. Se desnuda para vestirse en la habitación de Sandy que en ese momento entra en la ducha. Cuando Sandy sale de la lucha se encuentra a Michael en su habitación medio desnudo y él disimula diciendo que quiere tener sexo con ella. Así que lo tienen. 

Comienza entonces una relación no muy deseada con Sandy, especialmente, porque Michael desde el primer momento se siente atraído por una de sus compañeras de reparto, Julie Nichols, una madre soltera que tiene una relación con director del programa, Ron Carlisle. 

Día tras día la atracción que siente hacia Julie es mayor. Por otro lado, Micheal no entiende la relación que tiene con el director que no tiene reparo alguno de estar con otras chicas como otra chica del reparto muy joven, April Page. 

En una fiesta, a la que el agente George Fields invita a Michael, éste va acompañado de Sandy. Cuando Michael ve que Ron le está tirando los tejos a otra chica se acerca a Julie que está en el balcón con una copa de champán y le suelta una parafada en la que invita a tener sexo a la actriz - parrafada que estaba escrita para Dorothy y que debería hacer reaccionar a Julie. Pero esta reacciona arrojándole la copa de champán a la cara. 

Poco después Julie invita a Dorothy a su casa para ensayar y el acercamiento hace que Michael cada día se sienta más atraído. Pero lo cierto es que Julie también tiene interés en que Dorothy comience a salir con su padre Leslie "Les" Nichols (Charles Durning) que desde ha conocido a Dorothy se siente atraído por ella. Por esa razón invita a Dorothy a pasar un fin de semana con ella y su hija a la actriz en la casa del padre , situada al norte de estado de Nueva York. 

El fin de semana es agradable, aunque Dorothy ve los acercamientos no deseados de Les , que no deja de ser un buen hombre, viudo, que necesita calor humano. 

De vuelta en Nueva York, una noche en el piso de Julie, Dorothy no puede evitar acercarse en exceso a Julie. Pero esta sorprendida y que acaba de terminar su relación con Ron por consejo de Dorothy, le hace saber que no es lesbiana. Dorothy afirma que tampoco lo es, pero Julie no se lo cree. La actriz está especialmente dolida por su padre, Les. 

Lo cierto es que Les, acaba de llamar para invitar a cenar a Dorothy. Durante la cena y tras bailar, Les le propone matrimonio, insistiendo a Dorothy que lo piense antes de responder. 

Cuando Michael regresa a casa, se encuentra con John Van Horn que insiste en que tiene que invitarle a una copa. Ella no quiere, pero al escuchar el escándalo que el veterano actor está montando en la calle le obliga a abrirle la puerta, prepararle una bebida. Y tras tomarla de golpe intenta seducir de manera brusca a Dorothy que se resiste. Únicamente la llegada del compañero de piso, Jeff hace que lo suelte tras pedir disculas. 

Unos minutos más tarde, llega Sandy y le pregunta por qué no ha respondido a sus llamadas. Michael admite que no ha podido y le entrega los bombones de chocolate rellenos de licor y cereza que son sus favoritos. Pero al leer que está dedicado por Les , Sandy le pregunta si es marica. El responde que no, pero también le dice que está enamorado de otra mujer, y Sandy grita y rompe con él aunque se lleva los bombones. 

Dorothy, está en un callejón sin salida. Julie no le saluda. Ha roto con Sandy. Jeff está un poco harto de él y Les le presiona para el matrimonio. A esto se suma que los productores del programa quieren extender su contrato por un año más. 

Michael no sabe como poner fin a esta tortura y, aprovechando un fallo técnico que obliga a rodar y emitir en directo, supone el momento de liberación cuando como Dorothy improvisando hace una rebelación sobre ella misma y dice afirmar su nombre es Edward, el hermano gemelo de Dorothy y que tomó su lugar para vengarla. Esto les permite a todos una salida, pero Julie está tan indignada por el engaño de Michael que le da un puñetazo en el estómago una vez que las cámaras dejan de rodar. 

Algunas semanas más tarde, encontramos a Michael en Syracuse , una ciudad universitaria del Estado de Nueva York donde han conseguido con el dinero alquilar un teatro y montar la producción de la obra de Jeff tal y como le había prometido. En un bar lo vemos que se toma una copa. Es al mismo bar al que va Les. Se sienta junto a él y le devuelve el anillo de compromiso. Michael le pregunta por Julie. Y Les le dice: "La única razón por la que todavía estás vivo es porque nunca te besé". A pesar de su enfado, Les admite que Michael era una buena compañía como Dorothy, y Michael le compra una cerveza. 

Por último vemos que Michael luego espera a Julie a la salida del estudio. Ella es reacia a hablar con él, pero él le dice que él y su padre jugaron al billar y lo pasaron bien. Finalmente ella admite que extraña a Dorothy. Michael le dice: "Fui mejor hombre contigo como mujer que nunca con una mujer como hombre". Julie sonrie, lo perdona y caminan juntos por la calle, conversando mientras salen los títulos de crédito. 

La historia de esta película se remonta a una década antes. A principios de la década de 1970, Don McGuire había escrito una obra de teatro con el título ¿Te mentiría? , sobre un actor masculino desempleado que se viste de mujer para conseguir un trabajo. Se intentó vender en Hollywood durante varios años hasta que llamó la atención del comediante y actor Buddy Hackett en 1978. 

Este la llevó ante Charles Evans, hermano del actor y productor Robert Evans, con una importate trayectoria. A pesar de que Charles venía del mundo de la moda, estaba interesado en entrar en el cine y que tras ver el guion, se decidió a llevarla al cine al comprar una opción sobre la obra. Los retrasos en la producción de la película obligaron a Evans a renovar la opción una o dos veces. 

Pero en 1979, coescribió un guión basado en la obra con el director Dick Richards y el guionista Bob Kaufman. Antes de que Hoffman se involucrara oficialmente, se ofreció su papel a Peter Sellers y Michael Caine . 

Unos meses después de iniciado el proceso, Richards se lo mostró a Dustin Hoffman , su socio en una empresa que compraba y desarrollaba propiedades para convertirlas en películas. Hoffman quería un control creativo completo , y Evans acordó retirarse de las tareas de escritura de guiones, en lugar de convertirse en productor de la película, que pasó a llamarse Tootsie.

La película permaneció en desarrollo un año más mientras los productores esperaban un retoque del guion. Cuando comenzó la preproducción, la película sufrió retrasos adicionales cuando Richards renunció como director debido a "diferencias creativas". En cambio, se convirtió en productor y Hal Ashby asumió el cargo de director. Columbia Pictures luego obligó a Ashby a renunciar debido a la amenaza de acciones legales si no se cumplían sus compromisos de posproducción en Lookin 'to Get Out . 

En noviembre de 1981, Sydney Pollack firmó con la película como director y productor por sugerencia de Columbia.Fue idea de Hoffman que Pollack interpretara al agente de Michael, George Fields, un papel escrito para Dabney Coleman . Pollack se resistió a la idea, pero Hoffman finalmente lo convenció; fue el primer trabajo de actuación de Pollack en años.

Pollack todavía quería mantener a Coleman a bordo y presentarlo como el sexista y arrogante director de telenovelas Ron Carlisle.

Para prepararse para su papel, Hoffman vio la película La Cage aux Folles varias veces. También visitó el conjunto del Hospital General para realizar una investigación y realizó extensas pruebas de maquillaje. Dustin Hoffman probó para hacer su papel probar el disfraz de Dorothy haciéndose pasar por la tía Dorothy de su hija en una noche de visita en la escuela. Su trabajo convenció a los maestros que nunca sospecharon que era él disfrazado.

El mayor desafío para Dustin Hoffman fue conseguir que la voz de Dorothy fuera correcta. Según los informes, recibió ayuda y entrenamiento de Meryl Streep (con quien acababa de coprotagonizar Kramer contra Kramer , 1979). 

Dustin Hoffman afirmó que después de interpretar a Tootsie por primera vez, se fue a casa, rompió a llorar y le confesó a su esposa que interpretar a una mujer lo obligó a confrontar sus propias percepciones sexistas de las mujeres que nunca se dio había percatado. El equipo de rodaje llgó a decir que Hoffman era "mucho más agradable como mujer". 

Fue el primer trabajo como actor dramático de Bill Murray muy alejado del papel gamberro con el que se vinculaba y que aparece en películas como Los incorregibles albóndigas (1979) o El club de los chalados (1980). De cualquier manera gran parte de su actuación es improvisada, en la misma medida que algunas de las experiencia de Dustin como actor para los casting fueron extraídas de su propia vida profesional. 

En una entrevista para el American Film Institute , Hoffman dijo que estaba sorprendido de que, aunque podría maquillarse para parecer una mujer creíble, nunca sería hermosa. Concluyó que nunca había considerado a Tootsie como una comedia. Tanto es así que a los actores y actrices se les dijo que no se acercaran a sus personajes como personajes cómicos, sino como personajes dramáticos en una situación divertida. El propio Sydney Pollack comentó en una entrevista en Sydney que "Nadie se rió nunca durante el rodaje de ninguna escena de la película. Solo es gracioso por la estructura de la historia". 

El propio Hoffman relató la dificulad del maquillaje. Los preparativos de maquillaje de dos horas de Dustin Hoffman incluyeron afeitarse las piernas, los brazos y el dorso de los dedos mientras estaba en un sauna, cubrirse la piel de la cara con cinta para tensar sus rasgos e instalar dentaduras postizas de aspecto más delicado. Sin embargo, ninguna cantidad de maquillaje podría ocultar la sombra de la barba durante mucho tiempo. Solo podía ser filmado durante tres o cuatro horas seguidas.

Los senos de Dorothy eran prótesis hechas a medida compradas en un establecimiento especializado en productos para posmastectomía y costaban ciento setenta y cinco dólares cada una. 

Los productores contrataron a Holly Woodlawn, una conocida actriz transgénero puertorriqueña y "superestrella" de Andy Warhol, para entrenar a Dustin Hoffman en el arte de ser un hombre que se siente y actúa como una mujer. De hecho Warhol tiene un cameo en la película. 

Jessica Lange dijo una vez de esta película: "Sydney Pollack tardó mucho en conseguir que hiciera Tootsie (1982). Me pregunté si quería interpretar a un personaje espumoso y tonto después de haber hecho el drama Frances (1982). Obviamente , estoy encantada de haberlo hecho ". Al principio tuvo problemas para modular su actuación para una comedia. 

El director de fotografía Owen Roizman se opuso inicialmente a que el personaje de Dorothy usara gafas, ya que la naturaleza reflectante de sus lentes tiende a obstaculizar a los equipos de iluminación. Sin embargo, después de algunas pruebas, se decidió que las gafas agregaban una dimensión distintiva y halagadora a Dorothy: la nariz prominente de Hoffman se volvió menos molesta y las gafas feminizaron aún más su personalidad, creando una separación de género más notable entre los personajes de Dorothy y Michael. Las gafas se quedaron, pero se llegó a un compromiso cuando Sydney Pollack sugirió que la producción probara un recubrimiento especial no reflectante desarrollado por el entonces director de Panavision, Robert Gottschalk. El aerosol se había utilizado para revestir lentes de cámaras, mejorando la transmisión de luz a través de los elementos frontales. Cuando se usó el aerosol en las gafas de Dorothy, resultó ser una bendición. 

El guión todavía se estaba reescribiendo cuando comenzó la filmación. El rodaje se realizó entre abril y agosto de 1982. 

El director, productor y actor le reconocía en una entrevista a Maruja Torres en febrero de 1983 en el diario El País que " Pollack cuenta cómo se metieron unos cuantos directores en el proyecto antes de que dirigiera él Tootsie. De la película lo que más le interesó fue "lo que podía ocurrir al protagonista cuando descubre a la mujer que lleva dentro y cómo ese hallazgo le hacía convertirse en un ser humano mejor". 

El director le contó a la redactora entonces que " Es un guión que estuvo mucho, mucho tiempo detenido, y que sufrió muchas, muchas modificaciones. Dustin Hoffman estaba en ello antes que yo, y, de hecho, metió a unos cuantos directores en el proyecto, pero no funcionaron. Cuando yo lo cogí, era la típica historia de un hombre que se disfraza de mujer y de los equívocos que surgen en torno a esta situación. Lo que a mí me interesaba, sin embargo, es lo que le podía ocurrir a ese hombre cuando descubría a la mujer que llevaba dentro, y cómo ese hallazgo le hacía convertirse en un ser humano mejor." 

Con respecto a Hoffman le contó el director a la hoy escritora que exigió que no fuese productor de la misma, aunque sí estuviese su amigo Dick Richards y que con respecto al trabajo "Ensayamos durante unos tres meses, comenzando a base de improvisaciones, de modo que él iba encontrando el tipo de mujer que quería interpretar. Yo le hacía preguntas inesperadas, como por ejemplo, qué sentiste la primera vez que un hombre te besó, y él cogía el tema e inventaba. Fue una experiencia apasionante para los dos, y muy divertida" Y acaba contándole el director a Maruja Torres que "A mí no me ha costado hacer un filme como éste. Los seres humanos y las historias que les conciernen vuelven a interesar al público. Y una cosa es verdad. Que una película como Tootsie, de presupuesto relativamente limitado, ha batido las marcas de recaudación de todos los tiempos en la especialidad de comedia, situándose exactamente detrás del monstruoso éxito de E. T. " 

En cuanto al rodaje. Las escenas ambientadas en el salón de té ruso de la ciudad de Nueva York se filmaron en el restaurante real, el Russian Tea Room en la 57th Street de Manhattan y en el National Video Center en la 42nd Street . También se rodaron escenas adicionales en Central Park y frente a Bloomingdale's . Las escenas también se filmaron en Hurley, Nueva York , y en los National Video Studios en la ciudad de Nueva York y en la ciudad de Hurley del mismo estado. También se rodó, según la Wiki, en Fort Lee, Nueva Jersey. 

La película se estrenó en diciembre de 1982 e hizo una espectacular taquilla de 177,2 millones de dólares. 

En cuanto la crítica fue mayoritariamente positiva. El crítico de The New York Times , Vincent Canby - fallecido en el año 2000- dijo de ella en su estreno que "Tiene mucho más que su chiste (...) Restaura el significado original de 'comedia de situación', libre de asociaciones peyorativas".

Roger Ebert , el critico del Chicago Sun Times elogió la película al escribir sobre ella señalando que "Tootsie es el tipo de película con M - de movie- mayúscula que solían hacer en la década de 1940, cuando no temían mezclar el absurdo con la seriedad, el comentario social con la farsa y un poco de ternura sincera junto con las risas. Esta película te hace ir y venir ... La película también logra hacer algunas observaciones alegres pero bien dirigidas sobre el sexismo. También se burla satíricamente de las telenovelas, los agentes del mundo del espectáculo de Nueva York y el orden jerárquico social de Manhattan". 

En las páginas de Variety,Todd McCarthy defendía que la película era "Notablemente divertida y totalmente convincente, consigue el raro logro de ser una comedia travestida en la que aparecen también personajes tridimensionales" 

Y Geoff Andrew de Time Out afirmó que era "Una de las comedias de situación más pulidas de los últimos años". 

Ya en España y después de la entrevista referida de Maruja Torres en El País Miguel Ángel Palomo dijo de ella que ""Pollack acertó de pleno en esta divertida comedia, que juega con un magnífico Dustin Hoffman (...) El director contiene los posibles excesos (...) potencia la interpretación de Hoffman y la eficacia del guión, que aporta una sucesión de gags de lo más jocosos" ".

En cuanto a premios señalar que estuvo multipremiada en Estados Unidos y fuera de su país. En los Oscar correspondientes al año 1983 consiguió el de mejor actriz secundaria (Jessica Lange) , pero fue nominada a Mejor película ( Sydney Pollack y Dick Richards), Mejor director (Sydney Pollack), Mejor actor (Dustin Hoffman), Mejor actriz de acompañamiento (Teri Garr), Mejor guión ( Larry Gelbart , Murray Schisgal y Don McGuire), Mejor fotografía (Owen Roizman), Mejor montaje cinematográfico ( Fredric Steinkamp y William Steinkamp), Mejor Canción Original " Puede que seas tú "de Dave Grusin , Alan Bergman y Marilyn Bergman y Mejor sonido (Arthur Piantadosi , Les Fresholtz , Dick Alexander y Les Lazarowitz). 

En los Globos de Oro se llevó el de Mejor Película - Musical o Comedia, Mejor actor en comedia o musical (Dustin Hoffman), Mejor actriz de reparto - Película (Jessica Lange) siendo nominado a Mejor director - Película (Sydney Pollack) y Mejor guión - Película (Larry Gelbart y Murray Schisgal). 

En los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York se llevó el de Mejor director (Sydney Pollack) siendo nominado a mejor película, Mejor actriz (Jessica Lange), Mejor guion (Murray Schisgal y Larry Gelbart) y nominado a Mejor actor (Dustin Hoffman) y Mejor actor de reparto (George Gaynes). 

La National Society of Film Critics concedió el Premio al mejor actor (Dustin Hoffman), y a la mejor actriz secundaria (Jessica Lange); a la mejor película y al mejor guion. Quedaron las nominaciones a Mejor director (Sydney Pollack) y Mejor actriz Jessica Lange y Mejor actriz de soporte (Teri Garr) al igual que al Mejor guion. 

Los Premios WGA del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos premiaron ese año al mejor guion escrito para cine (Larry Gelbart y Murray Schisgal) el mismo Premio que le concedió la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles . La Kansas City Film Critics Circle (KCFCC) premió a Jessica Lange que también premió la Boston Society of Film Critics (BSFC) aquí conjuntamente con Dustin Hoffman. 

Los Premios del Gremio de Directores de América nominó a Pollack, y el de editores (American Cinema Editors ) a los hermanos Steinkamp. 

Fuera de Estados Unidos destacan los muchos premios recibidos en los Bafta, los Premios de la Academia Británica de Cine con nominaciones a La mejor película y Mejor dirección así como a la actriz principal (Lange) y de reparto Teri Garr , Mejor guión adaptado (Larry Gelbart y Murray Schisgal), Mejor diseño de vestuario (Ruth Morley) y Mejor Canción Original "Puede que seas tú" (Dave Grusin, Alan Bergman y Marilyn Bergman) , pero ganando en el mejor actor (Dustin Hoffman) y el Mejor artista de maquillaje (Dorothy Pearl, George Masters, C. Romaina Ford y Allen Weisinger) . 

En los Premios de la Academia danesa de Cine, los Bodil ganó el de la mejor película no europea (Sidney Pollak). 

Los franceses nominaron Tootsie a la Mejor película para los Premios César y los italianos nominaron en sus David di Donatello a Dustin Hoffman y a Jessica Lange 

En Japón los premios de la revista Kinema Junpo le dieron el de la mejor película en lenguaje extranjero (Sidney Pollak). 

En 1998 la película fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada «cultural, histórica o estéticamente significativa» y está incluida en el libro "1001 Movies You Must See Before You Die", editado por Steven Schneider. La película hoy como dije al principio es un clásico.

Oh , hermano

Háblame, Musa, del varón de gran ingenio, que anduvo errante muchísimo tiempo, después de que destruyó la sagrada ciudad de Troya; y que vio las ciudades de muchos hombres y conoció su manera de pensar, pero padeció aún en el mar muchos dolores en su ánimo, procurando conservar su vida y el regreso de sus compañeros. Mas ni siquiera así terminó de salvar a sus compañeros, aunque lo deseaba vivamente, pues perecerieron por sus propios actos temerarios. (Homero. Odisea, XVIII, 1-7). Así comienza la Odisea y más o menos igual comienza O Brother la película de los hermanos Coen que he decidido verla dos días después de Fargo y que aún no había visto.

Es una película curiosa en la que el protagonismo lo asumen un irrefrenable y locuaz Ulisses Everret McGill interpretado brillantemente por un George Clooney acordó hacer esta película sin haber leído el guión. Curiosamente hace dos días igualmente estuve viendo Tres Reyes, y precisamente los hermanos Coen visitaron al actor de Kentucky en Phoenix (Arizona) mientras estaba rodando su papel en Tres reyes (1999). Lo cierto es que los Coen ya lo habían elegido para su película después de ver su actuación en Un romance muy peligroso, 1998. Momentos después de que pusieron en sus manos el guión sobre la mesa de la habitación del hotel Clooney aceptó y dijo "Genial, estoy adentro". Dijo que le gustaban incluso las películas menos exitosas de los Coen. Y eso que las malas lenguas dijeron en su momento que una vez leído con detenimiento el guión Clooney, no entendió gran cosa de su personaje.

Y es O' Brother! , como se tituló en España, u O Brother Where Art Thou? (2000) como se titulo en su estreno mundial , y que se podría traducir como "Oh hermano, ¿dónde estás?" será la película con la que los Coen abren su carrera en el nuevo milenio. Como siempre los Coen piensan en cine y son muchos los elementos cinematográfios en los que se inspiran , comenzando por el título que se inspira en Los viajes de Sullivan (1941) de Preston Sturges . O Brother es una película cómica y de aventuras escrita, producida, dirigida y montada por los hermanos Coen . Los Coen en vez de irse al Mediterráneo colocan la historia de este peculiar Ulises en el Mississippi rural en 1937 durante la Gran Depresión. Es , por lo tanto, una sátira moderna inspirada libremente en la Odisea de Homero . La película aborda las aventuras picarescas de Ulysses Everett McGill y sus compañeros Delmar y Pete en la Mississipi de los años treinta. Los tres tras huir de una cadena de presos de un penal y que van en busca de un tesoro enterrado tras un atraco , se enfrentan a una serie de personajes extraños que vienen a ser referencias actuales de los mitos clásicos. Así que vemos el universo particular de los Coen a la hora de recrear las sirenas, un cíclope, el profeta ciego - un Tirasias del presente - que advierte a los protagonistas sobre la vaca en el tejado y que "el tesoro que buscas no será el tesoro que encuentres", o una ladrón . Lo que hacen los Coen es combinarlos con personajes reales que pasearon por el Mississipi en aquellos años, y , en su defecto, buscar al autor clásico , a Homero - del que los hermanos hacen un homenaje mostrando un busto suyo en el restaurante detrás de Pappy O'Daniel, y referencias cinematográficas o al mundo real ,  que son muchas, muchísimas y de las que después hablaré.

Se trata por la tanto de una película dirigida a la par por Joel Coen y Ethan Coen , que aparecen igualmente en la producción. Los mismo Ethan Coen Joel Coen, junto a Homero , están en la escritura del guión, y aunque se le otorga un crédito como coescritor de la película, Joel Coen y Ethan Coen afirman no haber leído nunca "La Odisea" , aunque  están familiarizados con ella solo a través de información diversas en lo cultural y a las adaptaciones cinematográficas y televisivas de la misma.

Como productoras también aparecen Mike Zoss Productions,  Touchstone Pictures , Working Title Films , StudioCanal estando en la distribución igualmente la Universal Studios. La película tuvo un  presupuesto de $ 26 millones.

El diseño de producción estuvo en manos de Dennis Gassner . La música, esencial en la película,  fue labor  T. Bone Burnett . También importante en la película es la fotografía de Roger Deakins, siendo su quinta colaboración con los hermanos. En otros aspectos técnicos destaca el montaje de Roderick Jaynes y Tricia Cooke y la escenografía de Nancy Haigh , así como el vestuario de Mary Zophres.

El reparto lo encabezan George Clooney como Ulysses Everett McGill, John Turturro como el preso Pete Hogwallop  y Tim Blake Nelson como el preso Delmar O´Donnell. Junto a ellos están  Charles Durning como el gobernador Pappy O'Daniel , John Goodman como Big Dan Teague, Holly Hunter como Penny, Michael Badalucco como George Nelson, Chris Thomas King como Tommy Johnson , Daniel von Bargen como Sheriff Cooley, Wayne Duvall como Homer Stokes, Del Pentecost como Junior O'Daniel, Frank Collison, Brian Reddy como uno de los hombres del equipo de Pappy, al igual que J.R. Horne, Ray McKinnon como Vernon T. Waldrip , Stephen Root como el hombre de la Radio, Lee Weaver como el ciego.

Con un cantico musical de un prisionero de una cuerda de presos , aquí cadena, que trabaja rompiendo piedras, como picapedreros, da comienzo la película (y la banda sonora) que era en realidad una vieja grabación de precisamente una cadena de presos.

O Brother, Where Art Thou? cuenta la historia de tres convictos recién escapados y que vemos como huyen por un campo de maiz en el Mississippi de la depresión. Se trata de Ulysses Everett McGill, conocido como Everett (George Clooney); Pete (John Turturro); y Delmar O’Donnell (Tim Blake Nelson) que escapan de un grupo de prisioneros con el fin de recuperar 1.2 millones de dólares que Everett dice haber robado de un auto blindado y enterrado antes de su encarcelación.

Tras una veloz carrera por el maizal limitada por las cadenas y tirándose de vez en cuando para no ser vistos por los presidiarios, Everett se sube al vagón de un tren de mercancías y habla con los vagabundos, que se apoyan en las bolsas que viene marcadas por una marca de harina, Pappy O'Daniel Flour. Los presidiarios huídos tienen sólo cuatro días para encontrarlo antes de que el valle en el que está enterrado sea inundado para crear el lago Arkabutla como parte de un nuevo proyecto hidroeléctrico del New Deal.

Tras caerse del tren , en parte, por estar unidos en cadenas, se encuentran a un ciego viajando en una dresina que va por la vía del tren. Tras pedir permiso para subirse a la misma, el ciego predice su futuro de manera similar al oráculo en la Odisea de Homero. El grupo comienza la búsqueda del tesoro. Lo primero que hacen es buscar refugio en casa de un familiar de Pete.

La casa es defendida por el niño y el familiar de Wash los invita a pasar la noche y darle de cenar carne de cabalo tras haberlo matado días antes. Esa noche mientras duermen son rodeados por la policía, ya que Wash lo ha denunciado por la recompensa. Tras salir ilesos de milagro del granero que es incendiado y quemar ellos a su vez el furgón policial, deciden proseguir con el viaje.

Tras robar el vehículo al hijo de Wash que había ido en su rescate, mientras van por la carretera se encuentran con una congregación cerca de un río, y Pete y Delmar se bautizan, a pesar de las críticas de Ulisses.

Conforme el viaje continúa, se encuentran en un cruce de camino en mitad de la nada , con un joven guitarrista llamado Tommy Johnson, interpretado por el músico de blues Chris Thomas King. Cuando le preguntan por qué estaba parado en medio de la nada, les revela que vendió su alma al Diablo a cambio de la habilidad para tocar la guitarra. Este encuentro plasma un elemento del folklore del Sur de Estados Unidos al introducir la leyenda creada en torno a Robert Johnson.

Como todavía están mojados y Tommy les comenta que van a una estación de radio a grabar un disco todos se animan a grabar. Como el de la empresa es ciego, le mienten diciendo que son negros. Al verse rechazados por el color deciden decir que son blancos. Los cuatro graban "Man of Constant Sorrow" en una estación de radio, haciéndose llamar "The Soggy Bottom Boys" ("Los Traseros Mojados", en la traducción en castellano). Aunque inicialmente grabaron la canción para conseguir dinero fácil, 10 dólares, más tarde se vuelve famosa en todo el estado.

El trío se separa de Tommy después de que su auto es descubierto por policías, y continúan sus aventuras por su cuenta. Entre los varios encuentros que tienen, los más notables son el viaje en auto que hacen junto a un hombre que los recoge. Se trata de un ladrón de bancos que huye de la policía. Es cara bonita Nelson.

Junto a él participan en un robo a un banco con George Nelson. Poco después de que Nelson , al que no le importa tanto el dinero , se marche se quedan con el coche y , al pasar junto a un río escuchan el canto de tres sirenas, quienes seducen al grupo y los hipnotizan hasta dormirlos (usando una técnica similar a la de la Odisea) antes de convertir (aparentemente) a Pete en un sapo.

Delmar se lleva un disgusto al considerar que lo han transformado en un sapo. Mete al supuesto Pete en una caja de zapatos y con él se disponen a comer.

En la casa de comidas coincide con un charlatán de un sólo ojo que dice ser vendedor de Biblias llamado Big Dan Teague (John Goodman). Este los convence para participar en un negocio, pero tras terminar una comida les golpea a ambos con un palo, matando al sapo, ya que creía que el interior estaba lleno de dinero. Tras esto lo dos doloridos llegan a una ciudad en la que Ulisses descubre a sus hijas cantando en el espectáculo de un aspirante al Gobernador que le lleva ventaja a éste. El Gobernador actual, que se hace acompañar de su hijo y su equipo lo que sí hace es desde la radio ha lanzado , sin saberlo, al estrellato a los cantantes.

Tras ver a las hijas intenta localizar a la madre, su esposa, Penny (Penélope) a la que el héroe busca y, finalmente, encuentra. Everett más tarde descubre que su esposa se está a punto de casar con otro hombre y que además ella le miente a sus hijas sobre el destino de su padre, diciéndoles que él fue arrollado por un tren. Ulysses se molesta y manifiesta su desconfianza y odio por las mujeres.

Antes de eso se marchan tras descubrir que Pete sigue vivo y que ha sido nuevamente detenido. Ha tenido que confesar lo del tesoro a la policía. Todo esto ocurre mientra Delmar y Ulisses se resguardan en el cine y llega una cuerda de presos custodiada por la policía al mismo. Esa misma noche Delmar y Ulisses lo liberan.

Cuando van en busca del lugar de la presa, Pete confiesa que saben los del tesoro, pero Ulysses confiesa que el tesoro no existe, sino que era una treta para escapar conjuntamente ya que los tres estaban unidos en la misma cadena. Cuando Pete y Ulisses se pelean descubren de pronto un acto del Klu Klux Klan.

Ven con horror que la persona que va a ser quemada es Tommy que es acusado por el jefe supremo del Ku Klux Klan de ser negro, un criminal y de que «el negro de la banda le vendió su alma al Diablo».

En el mitin KKK, el canto recuerda el canto utilizado por los soldados de la bruja en el Mago de Oz. También cuando los tres personajes principales emboscan a los miembros del clan y se ponen sus capas y capuchas, recuerda al león, al hombre de hojalata y al espantapájaros vistiendo los uniformes de los soldados para ganar la entrada al castillo.

Tras disfrazarse de miembros de Klan liberan a Tommy, pero encuentran la oposición de Big Dan Teague que es un intolerante supramacista. Sin embargo, la cruz ardiente cae sobre él y los cuatro huyen. Para intentar acercarse a su mujer, Penny , que ese mismo día se casa, van a la localidad cercana y la descubre que está en un mitín del candidato a Gobernador, que resulta ser un reformista , pero también jefe suprema del Klan.

Para acercarse a ella, Everett y sus compañeros se disfrazan de miembros de la banda Soggy Bottom Boys - también traducible como traseros mojados- y, tras un actuación exitosa, con un público entregado e incluso con el gobernador Pappy O'Daniel bailando y meneando su trasero , aparece el jefe imperial del Ku Klux Klan, que resulta ser el candidato reformista a gobernador, y quien los acusa de criminales y de que «el negro de la banda le vendió su alma al Diablo», el gobernador, que también está presente, les declara a los amigos inocentes de sus crímenes pasados y son aclamados por la multitud presente, ya que el grupo le ha salvado en su carrera política.

Más tarde, Everett sale del brazo de Penny como héroe local, y además con la promesa de convertirse tanto él como sus compañeros en asesores del Gobernador. Sin embargo, Penny se niega a casarse sin su anillo.

Así que los cuatro amigos van a buscar el anillo de bodas pero en la casa lo espera el siniestro personaje que Tommy había descrito anteriormente como el Diablo. Le intentan explicar que ahora son inocentes pues el gobernador los perdonó y que incluso fue anunciado por la radio, pero el Diablo les dice que «nosotros no tenemos radio». Son capturados y preparados para ser ahorcados, pero una plegaria de último minuto de Everett trae consigo un milagro: un torrente de agua que arrastra todo a su paso y les da la oportunidad de escapar. Pete y Delmar declaran que fue el poder de Dios quien les salvó la vida , pero Everett les explica que era la inundación que crearía el lago Arkabutla.

Desde una tabla de salvación ven como una vaca está sobre un tejado. La profecia se ha cumplido. Luego, con el anillo, Everett habla con su mujer sobre la boda pero ella le dice que ese es el anillo de su tía y le ordena ir a buscar el verdadero, pero Everett cree que nunca lo encontrará en el fondo del lago. Ella le dice que «ese lago no es mi problema».

Al final, escuchamos a Everett decir que "Encontrar un pequeño anillo, en medio de toda esa agua, es una tarea heroica", una referencia a la leyenda de Teseo, que tuvo que encontrar un anillo de oro en el fondo de el océano para demostrar que era el hijo de Poseidón.

Una escena final muestra a una de las hijas de Ulysses mirando la vía del tren por la cual viaja el vidente ciego que los compañeros habían encontrado al principio de su aventura, y que efectivamente había profetizado todo.

La película fue rodada entre Mississippi y California. Fue filmado cerca de localidades en Canton, Mississippi y Florence, Carolina del Sur en el verano de 1999. [24] Después de los ensayos de disparo, incluidas las técnicas de bipack de película y bypass de lejía , Deakins sugirió que se use masterización digital. [23]  En el primer caso fueron localidades de D'Lo Water Park, en Cantón,en Jackson, en Vicksburg, en Edwards,pero también en Oxford,en Yazoo City, en el Alligator Lake de Long Lake Road de la citada Vicksburg, en Leland, y en Valley Park todas ellas en Mississippi . En California el rodaje se centró en Falls Lake, Backlot, sede de los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza, pero igualmente en Santa Clarita y Los Ángeles.

La idea de la película surgió de forma espontánea. El trabajo en el guión comenzó mucho antes del inicio de la producción en diciembre de 1997, y estaba a medio escribir en mayo de 1998. A pesar de que Ethan describió la Odisea como "uno de mis esquemas favoritos", ninguno de los hermanos había leído el poema épico .

Según relata uno de los actores sobre los hermanos Coen, en concreto, Nelson (que tiene un título en clásicos de la Universidad de Brown ) él era la única persona en el set que había leído la Odisea .

Las referencias a la "Odisea" de Homero son continuas. Visibles desde los nombres de los personajes de George Clooney y Holly Hunter (Ulises y Penélope), hasta la existencia de un  tuerto   Big Dan como el Cíclope (cegado con un palo ardiente); la presencia de las tres chicas junto al río como las Sirenas y la transformación en animales. También lo apreciamos en el hecho de que la esposa de Ulises esté a punto de casarse con otra persona o cuando vuelve a casa disfrazado del anciano cantante. Los bautistas que hicieron que las personas se volvieran leales a Dios cuando fueron bautizados son una transpolación de la  historia de los comedores de loto . El papel del Ku Klux Klan tiene un rango de Cíclope Grande (o Exaltado) o la presencia de un  profeta ciego por la vía del ferrocarril que saben que van tras la búsqueda de un tesoro. El personaje del profeta en "La Odisea" fue Tiresias, a quien Odiseo consultó en el inframundo cuando necesitaba información sobre cómo volver a casa la escena del cine como el viaje a través del Inframundo.

Igualmente Ulisses casi se ahoga, pero se aferra a un trozo de madera y en este caso la prueba no será con un arco y unas flechas sino por medio de una canción de "Man of Constant Sorrow". El nombre de pila de "Pappy", Menelao, es el mismo que el rey que declaró la guerra a Troya en primer lugar.

La matanza del ganado de Helios por la turba se refleja en los disparos de Baby Face Nelson sobre las vacas, o visible en que cada vez que Ulises se duerme algo malo sucede.

Además hay otro detalles que pueden pasar desapercibidos como que la canción que se reproduce a lo largo de la película se llama "Hombre de la tristeza constante", Odiseo significa "hombre que está en constante dolor y tristeza". E

Al igual que en la escena del Ku Klux Klan, Odiseo y sus hombres se ocultan del Cíclope vistiéndose de ovejas. La tarea de Everett de "Encontrar un pequeño anillo, en medio de toda esa agua" es una acción imposible, similar a la última tarea de Odiseo, llevando un remo a una "tierra que no sabe nada del mar".

En muchas ocasiones, Everett niega la existencia de Dios y algunas veces incluso insulta a Dios. Eso nos recuerda que Odiseo niega la existencia de Dios por su soberbia (la hubris) y que esa fue la razón de todos los obstáculos en su viaje, un viaje que acaba cuando el reza en el momento en que va a ser ajusticiado en la horca.

Joel Coen reveló que la película fue inspirada por El mago de Oz (1939), pues era una historia del retorno a casa y la peripecias, y estaban pensando más en The Wizard of Oz. Queríamos que la etiqueta de la película fuera: "No hay lugar como el hogar".

El título de la película , como ya he comentado, es una referencia a la película de 1941 dirigida por Preston Sturges , Los viajes de Sulllivan (Sullivan's Travels) en la que el protagonista (un director) quiere dirigir una película sobre la Gran Depresión llamada O Brother, Where Art Thou? y que intentaba ser un "comentario sobre las condiciones modernas, realismo crudo y los problemas que enfrenta el hombre medio". Al carecer de experiencia en esta área, el director se embarca en un viaje para experimentar el sufrimiento humano del hombre común pero es saboteado por su ansioso estudio. La película tiene cierta similitud en el tono con la película de Sturges, incluyendo escenas con bandas de prisioneros y un coro negro de la iglesia. Los prisioneros en la escena del espectáculo de imágenes también son un homenaje directo a una escena casi idéntica en la película de Sturges.

Pero hay muchas referencias a la realidad y al cine. El primer personaje real es el ladrón de bancos George "Baby Face" Nelson , que fue un personaje histórico al que le molestaba muchísimo su apodo de "Cara boita" o Baby Face Nelson . Éste era un gángster homicida llamado Lester M. Gillis, que era conocido por su temperamento candente y su fácil gatillo y que fue asesinado a tiros por agentes del FBI en Barrington, Illinois, en noviembre de 1934, tres años antes del montaje de esta película.

Igualmente una referencia real es el gobernador al vemos haciendo campaña y a su oponente. Sacados tristemente de la realidad está presente en la época el Ku- Klux- Klan - KKK-.

También hay referencias a Tommy Johnson, un famoso guitarrista de blues del mismo nombre que, según la leyenda popular, vendió su alma al Diablo en un cruce de caminos a cambio de su prodigioso talento. Robert Johnson , otro bluesman y contemporáneo de Tommy , tomó prestada la leyenda y escribió una canción sobre ella (por lo que la leyenda de la venta de almas se atribuyó posteriormente erróneamente a Robert Johnson).

El personaje del Sheriff Cooley, al que nunca se hace referencia por su nombre, se ajusta exactamente a la descripción del diablo de Tommy Johnson: "Es blanco, tan blanco como tú, con los ojos vacíos y una gran voz hueca. Le gusta viajar con una mala intención". También decir que el sheriff Cooley es también un homenaje a Boss Godfrey (interpretado por Morgan Woodward ), el siniestro jefe de los vigilantes de la cadena de presos de La leyenda del indomable (1967). Al igual que Godfrey, los ojos de Cooley nunca se ven, y sus gafas de sol reflejan sus alrededores (generalmente fuego). En esa película que en inglés es "Cool Hand Luke", y que ya hemos comentado , varios de los prisioneros llaman al jefe Godfrey "el diablo".

El cine sigue presente y se materializa en la casa de la infancia de Ulysses Everett McGill que se muestra al final de la película, donde van a buscar el anillo, en realidad está basada en la cabaña de Posesión infernal (1981). Joel Coen fue el editor asistente de esa película, su primer largometraje. Igualmente podríamos pensar que el propio Ulisses interpretado por Clooney no es sino una parodia del sureno Clark Gable repeinado en su intento de estar siempre elegante.

En una secuencia de la película vemos a Everett, Pete y Delmar pasar a dos niños afroamericanos en un camino rural. Ambos chicos llevan grandes bloques de hielo. Esto parece ser una referencia visual de una famosa fotografía de la Administración del Progreso de Obras realizada por Eudora Welty . De esta misma fotógrafa está inspirada la escena en la que Everett, Pete y Delmar se acercan a la cabaña de Hogwallop que corresponde con la fotografía de "House with Bottle Trees, 1941".

La canción "You Are My Sunshine", utilizada como el tema principal del gobernador Pappy O'Daniel, fue la canción principal del "gobernador cantante" de Luisiana, Jimmie Davis . Fue de hecho una de las canciones estatales oficiales de Luisiana a partir de 1977. Como ya he dicho el metacine está presente incluso cuando Ulisses y Delmar están el cine viendo una película que es Myrt and Marge (1933), que contó con Eddie Foy Jr. , Ted Healy y The Three Stooges , y que se para para que entre la cadena de presos con Pete entre ellos.

W. Lee O'Daniel estaba en el negocio de la harina, y usó una banda de apoyo llamada Light Crust Doughboys en su programa de radio. El personaje del gobernador Menelaus "Pappy" O'Daniel era una referencia directa a Wilbert Lee "Pappy" O'Daniel, quien era gerente de ventas de un a fábrica de harina, Burrus Flour Mills en Fort Worth, alrededor de 1925, ex gobernador de Texas y más tarde Senador de los EE. UU. de ese estado. .

Contrató y se integró en la The Light Crust Doughboys , una banda para anunciar Burrus 'Light Crust Flour y participar en un programa de radio del cual fue el locutor, y finalmente contrató a Bob Wills para dirigir la banda. O'Daniel comenzó en la Hillbilly Brand Flour de W. Lee O'Daniel en 1935, y Wills se integró con la mayoría de The Light Crust Doughboys cuando él y Pappy se separaron amargamente para formar Bob Wills y sus Texas Playboys . La banda de reemplazo se conocía como W. Lee O'Daniel y sus Hillbilly Boys y utilizó su poder para hacer publicidad y promocionar con ella no sólo la música, sino también la religión, la harina .... W. Lee O'Daniel llevaba una escoba,  un dispositivo de campaña utilizado a menudo en la era de la reforma, con la promesa de barrer el clientelismo y la corrupción ; aunque en la película lo lleva un colaborador de su oponente Homer Stokes.

Más tarde, utilizó su notoriedad como presentador de radio para postularse con éxito para gobernador de Texas,(no Mississippi) de 1939 a 1941 , y en dos ocasiones. También fue senador de Texas por dos períodos, venciendo a Lyndon B. Johnson , entonces congresista, en 1941.  La canción que usa O'Daniel en la película para su campaña " You Are My Sunshine "   fue originalmente grabado por el gobernador de la vida real James Houston "Jimmie" Davis.

Joel Coen reveló en una entrevista en el año 2000 que vino a Phoenix, Arizona , para ofrecer el papel principal a Clooney. Clooney acordó hacer el papel de inmediato, sin leer el guión. Dijo que le gustaban incluso las películas menos exitosas de los Coen.

Sin embargo, Clooney no entendió de inmediato a su personaje y le envió el guión a su tío Jack, que vivía en Kentucky, y le pidió que leyera todo el guión en una grabadora.  Desconocido para Clooney, en su grabación, Jack, un bautista devoto y cultivador de tabaco, omitió todas las instancias de las palabras "maldito" y "infierno" del guión de los Coen, que solo conoció Clooney después de que los directores se lo señalaran justo al rodar.

Esta fue la cuarta película de los hermanos en la que John Turturro ha protagonizado, pues los Coen gustan de rodearse de un elenco conocido . Esta ocurre en otros actores de  O Brother, Where Art Thou? como John Goodman (tres películas), Holly Hunter (dos), Michael Badalucco y Charles Durning (una película cada uno).

John Turturro quedó también encantado de su trabajo y el de Tim Blake Nelson, que tiene un título en clásicos de la Universidad de Brown , y que nunca había trabajado como actor. Le dijo en el set, "Mira, la forma en que funciona con sus películas -y he estado en suficientes como para considerarme una autoridad- es que tomas el guión y la película va a ser dos veces mejor que el guión. Y este guión es un clásico. Tim, vamos a ser parte de un clásico ".Para John Turturro la  película era "una aventura de comedia musical hillbilly".

La integración de Tim Blake Nelson es curiosa. Él era vecino de Joel Coen . Joel realmente no lo había visto actuar en nada. Cuando los Coen le enviaron el guión, pensó que le estaban pidiendo su consejo por su formación en el mundo clásico. Era un actor novel, lo que dio lugar a situaciones inesperadas. Una de las chicas que hacen de sirenas, Christy Taylor, cuando tuvo que seducir a Tim Blake Nelson declaró que : "Realmente lo hice sonrojar. Fue muy sincero". Tim Blake Nelson durante todo el rodaje, trabajaba de día , pero ejercía su formación de montador por la noche. En aquel momento estaba editando el Laberinto envenenado (2001). El dijo en algún momento que esta es la película menos violenta de los hermanos Coen.

Los Coen usaron corrección de color digital para darle a la película un aspecto de color  sepia . Joel afirmó que esto se debía a que el set real era "más verde que Irlanda".  El director de fotografía Roger Deakins declaró: "Ethan y Joel prefirieron una apariencia del delta más seca y polvorienta con atardeceres dorados. Querían que se viera como una vieja imagen teñida a mano, con la intensidad de colores dictada por la escena y los tonos naturales de la piel eran todas las sombras del arco iris ". Inicialmente, el equipo intentó realizar la corrección del color mediante un proceso físico; sin embargo, después de varios intentos con varios procesos químicos que demostraron ser insatisfactorios, se hizo necesario realizar el proceso digitalmente y por ordenador. Posteriormente, Deakins pasó 11 semanas perfeccionando la apariencia, centrándose principalmente en los verdes, convirtiéndolos en un amarillo quemado y desaturando la imagen general en los archivos digitales. El trabajo fue realizado en Los Ángeles por Cinesite utilizando un Spirit DataCine para escanear a una resolución de 2K, un Pandora MegaDef para ajustar el color y una grabadora Kodak Lightning II para filmar.  El proceso duró hasta 11 semanas varias semanas. El producto  digital resultante se imprimió en película nuevamente con un grabador láser Kodak para crear la impresión. Era la primera vez que esto se hacía para una película entera en Hollywood (pero no en otros países) y era completamente corregida por color por medios digitales, superando por poco al Chicken Run de Nick Park .

La película generó igualmente alguna queja y polémica. Por ejemplo, la American Humane Association, una organización que protege los derechos de los animales, confundió una vaca que es atropellada que fue generada por ordenador con un animal real y exigió una prueba antes de que permitieran el uso de su famoso descargo de responsabilidad: "Ningún animal sufrió daños en la realización de este movimiento imagen." Después de ver una demostración en Digital Domain de cómo se creó la vaca, y una vaca comiéndose a un  cocodrilo en Lake Placid, la Humane Association agregó el ahora familiar (pero mucho más raro) "Escenas simuladas que parecen poner en peligro a un animal".

Un tema principal de la película es la conexión entre la música antigua y las campañas políticas en el sur de Estados Unidos. Hace referencia a las tradiciones, instituciones y prácticas de campaña de la reforma política que definieron la política del Sur en la primera mitad del siglo XX.  El Ku Klux Klan, por aquellos años era la fuerza política del populismo blanco, y se le representa quemando cruces y participando en la danza ceremonial.

La música en la película se concibió originalmente como un componente principal de la película, no simplemente como un fondo o un soporte. De hecho he incluido en las etiquetas como género entre otros el de musical.

Lo cierto es que el productor y músico T-Bone Burnett trabajó con los Coen mientras el guión todavía estaba en sus fases de trabajo, y la banda sonora se grabó antes de que comenzara la filmación.

George Clooney practicó su canto durante semanas, pero al final su voz  fue doblada por el cantante de country blues Dan Tyminski .The Soggy Bottom Boys, o la banda de los chicos con el culo mojado, es el grupo musical que forman los personajes principales, sirve como acompañamiento para la película. El nombre es un homenaje a Foggy Mountain Boys , una banda de bluegrass dirigida por Lester Flatt y Earl Scruggs . En la película, las canciones acreditadas a la banda son sincronizadas por los actores, excepto que Tim Blake Nelson canta su propia voz en " In the Jailhouse Now ".

Los músicos actuales son Dan Tyminski (guitarra y voz principal), Harley Allen y Pat Enright . Después del lanzamiento de la película, la banda ficticia se hizo tan popular que el país y los músicos populares que fueron doblados en la película, como Ralph Stanley , John Hartford , Alison Krauss , Emmylou Harris , Gillian Welch , Chris Sharp y otros, todos se juntaron y tocaron la música de la película en una gira de conciertos de Down from the Mountain que fue filmada para TV y DVD. Todo ello debido a que la banda sonora de la película se convirtió en un  éxito, incluso superando el éxito en taquilla de la película. A principios de 2001, había vendido cinco millones de copias, generó un documental, tres álbumes de seguimiento ("O Sister" y "O Sister 2"), dos giras de conciertos y ganó Country Music Awards por el álbum del año y el single del año por su canción el "Hombre de dolor constante"). También ganó cinco Grammys, incluido Album of the Year, y alcanzó el número 1 en los álbumes de Billboard la semana del 15 de marzo de 2002, 63 semanas después de su lanzamiento y más de un año después del lanzamiento de la película.

Gran parte de la música utilizada en la película es música folclórica específica de ese período, incluida la del cantante de bluegrass de Virginia Ralph Stanley .

La selección musical también incluye música religiosa, incluyendo Primitive Baptist y el tradicional gospel afroamericano , más notablemente el Fairfield Four , un cuarteto a capella con una carrera que se remonta a 1921 que aparece en la banda sonora y como sepultureros hacia el final de la película.

Las canciones seleccionadas en la película reflejan el espectro posible de estilos musicales típicos de la vieja cultura del sur de Estados Unidos: gospel, delta blues , country , swing y bluegrass.

La canción "Man of Constant Sorrow" fue publicada por primera vez en 1913 por el ciego Richard Burnett.. La voz real de Tim Blake Nelson se escucha durante "In The Jailhouse Now". La canción grabada por Soggy Bottom Boys ("I Am a Man of Constant Sorrow") contiene la frase "Me despido de Kentucky", el lugar donde nací y crecí " y curiosamente George Clooney , que hace de uno de los Soggy Bottom Boys, nació en Lexington, Kentucky.

"Po Lazarus" es una grabación de prisioneros reales de la prisión de Parchman Farm en 1959. Los Coen localizaron a uno de los prisioneros, Joe Carter, y le pagaron $ 20,000 por usar su voz.

El uso de  canciones macabras es un tema que a menudo se repite en la música de los Apalaches  ("O Death", "Lonesome Valley", " Angel Band ", "I Am Weary") en contraste con las canciones brillantes y alegres ( "Keep On the Sunny Side", "In the Highways") en otras partes de la película.

Las voces de los Soggy Bottom Boys fueron proporcionadas por Dan Tyminski (vocalista principal de "Man of Constant Sorrow"), la compositora de Nashville Harley Allen , y Pat Enright, de Nashville Bluegrass Band .  Los tres ganaron un Premio CMA al Single of the Year   y un Grammy Award a la Mejor colaboración en el país dentro de las canciones " Vocales" , ambos para la canción "Man of Constant Sorrow".

Tim Blake Nelson cantó la voz principal en " In the Jailhouse Now ".La canción  "Man of Constant Sorrow" tiene cinco variaciones: dos se usan en la película, una en el video musical y dos en el álbum de la banda sonora.  Aunque la canción recibió poca difusión radial importante, [37] alcanzó el número 35 en la lista de sencillos y listas de Billboard Hot Country en 2002.

La versión de "I'll Fly Away" que se escuchó en la película no es interpretado por Krauss y Welch , sino por las Kossoy Sisters con Erik Darling acompañando con un banjo de cinco cuerdas de cuello largo, grabado en 1956 en el álbum Bowling Green en Tradition Records .

La película se estrenó en el Festival de Cine de AFI el 19 de octubre de 2000. Tras su estreno y pase comercial la película llegó a recaudar $ 71,868,327 en todo el mundo

Los premios no tardaron en llegar. La película tuvo dos nominaciones a los Oscars de películas estrenadas en la 73 convocatoria de los Oscar del año 2000. Lo fue en dos categorías: Mejor guión adaptado y mejor fotografía.

El director de fotografía Roger Deakins obtuvo el Premio ASC  por su trabajo en la película. Obtuvo un Globo de Oro al mejor actor comedia o musical (George Clooney) y fue nominada para el Globo de Oro a la Mejor Película, Musical o Comedia . Y en los británicos  BAFTA, cinco nominaciones incluyendo mejor vestuario, fotografía y guión.

Fue presentada en el Festival de Cannes siendo nominada a la Palma de Oro (mejor película) y lo dicho, la  banda sonora ganó un Grammy en el año 2001.

Las críticas en general fueron positivas.  En el sitio web de agregación de opiniones Rotten Tomatoes le otorga una puntuación del 77% sobre la base de 147 comentarios y una puntuación promedio de 7.1 / 10. La valoración es de 7'8 en ImBd. Un  69/100 se le da en Metacritic en base a 30 revisiones.

Para Peters Traves de Rolling Stone la película " Es una maravilla salvaje y desquiciada". Por su parte, en las páginas del Chicago Sun Times, Roger Ebert dijo que " todas las escenas de la película eran "maravillosas en sus diferentes formas, y sin embargo, me dejó la película con incertidumbre e insatisfecho".

En Time Out Geoff Andrew destaca que posee " Un gran diálogo, una excelente cámara de Scope de Roger Deakins y un deus ex machina realmente maravilloso son algunas de las delicias.

No tan contento Peter Rainer del New York Magazin dice de ella que "La deliberada deliberación del arco de los Coen no es tan deliberada, y algunos de los episodios y actuaciones son muy atractivos".

Menos generoso todavía en las páginas del Chicago Reader Jonathan Rosenbaum destaca que "Después de hacer lo que todavía son sus dos mejores características, los hermanos Coen dieron lo peor de sí mismos, una especie de nihilismo pop". En este sentido Susan Stark del Detroit News entiende que "Deja un sabor agrio" .

Ya en España Pablo Kurt como que "Siempre con algo interesante que ofrecer, los hermanos Coen firman una divertida e inclasificable comedia, con algunos eficaces giros dramáticos, que narra la historia de tres reclusos que, tras escapar de una cárcel sureña, deciden en plena fuga ganarse un dinero grabando una canción que será todo un éxito. A destacar el simpático Clooney, que demuestra su talento tanto para la comedia -se llevó el Globo de Oro al mejor actor- como para la música -la banda sonora de la película también alcanzó gran popularidad".

La película está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider . Para terminar diré que la película como idea es brillante. Combina magníficamente tragedia y drama con un buen tono de comedia divertida, original, interesante e inteligente. La película destila un humor socarrón que nace de las situaciones surrealistas, de la ironía que surgen a lo largo del viaje de los protagonistas. A destacar el trabajo de sus actores, el color que en los Coen pasa del blanco de Fargo al amarillo del sur de los Estados Unidos y a la sabiduría que siempre los Coen han sabido plantear - muy inteligentemente- en este nueva vuelta a una Ítaca enclavado en el Deep South. Y acabaré , en ese sentido, con el inicio del poema Ítaca de Kavafis, que creo que le viene como anillo al dedo en el punto y final de esta entrega fraternal: Cuando emprendas tu viaje a Ítaca pide que el camino sea largo, lleno de aventuras, lleno de experiencias...