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Flores rotas

 

Tootsie

Oscilaba entre el miedo y el temor. No sabía si debía volver a ver esta película de Sydney Pollack pues la vi hace casi 40 años. Ya sabéis que eso me ocurre mas con el género de la comedia que con cualquier otro. Lo que en un momento te cautiva, en otro te puede repeler.  Guardaba de ella un feliz recuerdo con un Dustin Hoffman extraordinario y con una bellísima y esplendorosa Jessica Lance. Pero, tras algunas dudas me he decidido a verla, y nada...Pero no ha sido así, lo qiue implica que estamos, al menos para mí, en una comedia a la que ya se le puede atribuir el título de "clásico" de los ochenta. 

La película sigue manteniendo toda su frescura y, es más, con el tiempo  ha ido ganando sentido pues hay una reivindicación de la posición de la mujer en la sociedad y , en este caso, también en el medio televisivo, que hace casi cuarenta años yo no aprecié. Creo que la película es una reflexión magnífica en este entorno del 8M. 

El responsable de la película no es otro que Sydney Pollack que en la misma está en una triple posición: productor, director y actor. 

Nacido en Indiana en el seno de una familia judía de origen ucraniano se formó en Nueva York como actor teatral. Tras asentarse en Broadway pasó  a inicio de los sesenta a otro medio, la televisión, lugar en el que encajó de maravilla recibiendo varios Emmys. 

En 1966 da el salto a la gran pantalla debutando con la película The Slender Thread, participando después en Propiedad condenada (1966) con un reparto de luces - Natalie Wood, Charles Bronson y Robert Redford- , con ella iniciaba una relación profesional con éste último actor al que descubbriremos en algunas de sus películas posteriores. 

Tras esa llegó The Scalphunters (1968) y ese mismo año consigue el éxito con El nadador / The Swimmer (1968) . 

Tras esta vino They Shoot Horses, Don't They? (1969) - aquí Danzad, danzad , malditos - así como tres películas con Redford como son Las aventuras de Jeremías Johnson (1972), Tal como éramos (1973) y en Three Days of the Condor (1975) . 

Ese mismo año estrena la mítica Yakuza (1975) con Robert Michum, Bobby Deerfield (1977) con Al Pacino y vuelve con Redford y Jane Fonda con El jinete eléctrico (1979). En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman. Y tras estas, dos bombazos: la que acabo de ver, Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, que obtuvo diez nominaciones al Óscar y en 1985 se convirtió en un mito como director por Out of Africa, protagonizada por Robert Redford y Meryl Streep e inspirada en la obra autobiográfica de la escritora danesa Isak Dinesen. 

En estos años estaba implicado como director y productor, pero , a partir de Tootsie , ya aparece como actor de manera más regular y desde Memorias de África los vemos implicado como productor como ocurre con The Fabulous Baker Boys (1989), Sentido y sensibilidad (1995), Sliding Doors (1998) y El Talento de Mr. Ripley (1999. 

Como actor lo vemos antes del fin de milenio en Maridos y mujeres (1992) y La muerte le sienta bien (1992) y Eyes Wide Shut (1999) . 

Deja la dirección para algunos proyectos en los que está como director y productor como son Habana (1990), La tapadera (The Firm) (1993), Sabrina (y sus amores) (1995) y Random Hearts (1999) . En el nuevo milenio su labor se centró en la producción en películas como Iris (2001) , The Quiet American (2002) y Cold Mountain (2003), Michael Clayton (2007) en la que hizo de productor y actor . 

Sus dos últimas películas como director son La intérprete (The Interpreter) (2005) y Sketches of Frank Gehry (2005). 

Su último proyecto en el cine lo hizo junto al último también de Anthony Minghella en calidad de productores ambos fue El lector (The reader) (2008) falleciendo ese mismo año uno y otro antes de que se estrenara. Como véis , Pollack es historia del cine. 

Para Tootsie, Sydney Pollack contó en la producción con Charles Evans, Dick Richards y Ronald L. Schwary a través de las productoras Columbia Pictures Corporation, Mirage Enterprises, Punch Productions y Delphi Films que manejaron un elevado presupuesto de 22.000.000 de dólares que serán recuperados con creces. 

La historia fue creada por Don McGuire y Larry Gelbart, estando este último implicado en el guión junto con Murray Schisgal, Robert Garland, Barry Levinson y Elaine May. 

La película cuenta con la música ochentera de Dave Grusin, que por momentos suena a Christopher Cross, la fotografía de Owen Roizman, el montaje de los hermanos William Steinkamp y Fredric Steinkamp y el maquillaje, esencial en la película de Dorothy J. Pearl, George Masters, C. Romania Ford y Allen Weisinger. 

El elenco lo encabeza Dustin Hoffman como Michael Dorsey / Dorothy Michaels, Jessica Lange como Julie Nichols, Teri Garr como Sandy Lester, Dabney Coleman como el director televisivo Ron Carlisle, Charles Durning como Leslie "Les" Nichols, Bill Murray como el dramaturgo Jeff Slater, Sydney Pollack como el agente George Fields, George Gaynes como el actor televisivo John Van Horn, Geena Davis - que debutaba- como la actriz de reparto April Page, Doris Belack como la productora Rita Marshall, Lynne Thigpen como la asistente de producción Jo . Aparecen igualmente Ellen Foley como Jacqui, otra asistente de producción, Anne Shropshire como la Sra. Crawley, la niñera de Julie, Amy Lawrence como Amy, la hija de Julie, Susan Egbert como Diane, la novia de Jeff, Christine Ebersole como Linda, una actriz en la fiesta de cumpleaños de Michael. 

La historia tiene como protagonista a Michael Dorsey (Dustin Hoffman) es un actor respetado, con talento, que se gana la vida dando clases de interpretación, pero es también un actor difícil que nadie en Nueva York quiere contratarlo porque es un perfeccionista y se salta las directrices marcadas por los directores. Lleva tiempo sin trabajar como le dice a su agente George Fields(Sydney Pollack) y la última vez que interpretó lo hizo oculto tras un disfraz de tomate. 

Después de muchos meses sin trabajo, y tras discutir con su agente, que le echa en cara su carácter díscolo como actor - vemos como efectivamente no pasa algunos castings a los que se presenta por no seguir las directrices de los directores- o por no responder a lo que piden (edad, altura, aspectos,...) marcha a casa junto con su compañero de piso un dramaturgo sin éxito Jeff Slater (Bill Murray) descubre que sus amigos, conocidos y mucha gente que no conoce están en su piso dándole una fiesta de cumpleaños. Entre las que están se encuentra una de sus alumnas Sandy Lester (Teri Garr), una chica que siente verdadera veneración por su maestro. 

Tras la fiesta, y al verla desanimada por la prueba del día siguiente, le acompaña a su casa y trabaja para la misma. Michael va como acompañante a la prueba. Se trata de un trabajo para una popular telenovela de nombre Southwest General, aquí presentada como Hospital General. Allí se va a presentar su amiga y estudiante de interpretación Sandy Lester, una actriz y mujer indecisa, pero que aspira al papel de Emily Kimberly, la administradora del hospital . 

Una vez le ha infundido ánimos se marcha, pero antes de salir por la puerta ve como Sandy ya ha sido excluída de la misma por la directora de casting por no dar el aire al personaje. Desesperado, pero sobre todo indignado por no haberle dado a Sandy ni la más mínima oportunidad decide hacerse pasar por una mujer, audicionando como "Dorothy Michaels", para el papel de Emily Kimberly. 

Tras mostrar un fuerte carácter ante las cámaras obtiene el papel. Michael acepta el trabajo como una forma de recaudar $ 8,000 para producir una obra de su compañero de cuarto Jeff Slater, que estará protagonizada por él y Sandy. Michael , desde ese día se disfraza de señora para interpretar a Dorothy, una mujer de mediana edad, feminista y luchadora, y hace sorprendiendo a sus compañeros de reparto y al equipo. 

Entre los compañeros de reparto está Julie Nichols (Jessica Lange) que interpreta a una joven enfermera, presentada como una chica fácil, así como como un veterano actor como John Van Horn (George Gaynes) que lleva décadas en pantalla llamado "el besucón" pues gusta de acercarse en exceso a las otras actrices entre las que se encuentra una joven actriz de reparto, April Page (Geena Davis). 

Igual le ocurre al equipo de producción encabezado por el director televisivo Ron Carlisle (Dabney Coleman), que tiene una relación amorosa con Julie, a la productora Rita Marshall (Doris Belack) , a la asistente de producción Jo (Lynne Thigpen) o Jacqui (Ellen Foley) , otra asistente de producción, quedan sorprendidos ya que no cumple con el guion escrito , pero la escena funciona, se mantiene y desde ese día su personaje se convierte rápidamente en una éxit a nivel nacional. Michael de cualquier manera ahora se tiene que hacer con un vestuario. 

Mientras se encuentra en casa de Sandy, con la que sale como amiga que es, y a la que todavía no ha contado su sorprendente éxito, entra en su vestidor para ver su ropa y encontrar ideas para el guardarropa de Dorothy. Se desnuda para vestirse en la habitación de Sandy que en ese momento entra en la ducha. Cuando Sandy sale de la lucha se encuentra a Michael en su habitación medio desnudo y él disimula diciendo que quiere tener sexo con ella. Así que lo tienen. 

Comienza entonces una relación no muy deseada con Sandy, especialmente, porque Michael desde el primer momento se siente atraído por una de sus compañeras de reparto, Julie Nichols, una madre soltera que tiene una relación con director del programa, Ron Carlisle. 

Día tras día la atracción que siente hacia Julie es mayor. Por otro lado, Micheal no entiende la relación que tiene con el director que no tiene reparo alguno de estar con otras chicas como otra chica del reparto muy joven, April Page. 

En una fiesta, a la que el agente George Fields invita a Michael, éste va acompañado de Sandy. Cuando Michael ve que Ron le está tirando los tejos a otra chica se acerca a Julie que está en el balcón con una copa de champán y le suelta una parafada en la que invita a tener sexo a la actriz - parrafada que estaba escrita para Dorothy y que debería hacer reaccionar a Julie. Pero esta reacciona arrojándole la copa de champán a la cara. 

Poco después Julie invita a Dorothy a su casa para ensayar y el acercamiento hace que Michael cada día se sienta más atraído. Pero lo cierto es que Julie también tiene interés en que Dorothy comience a salir con su padre Leslie "Les" Nichols (Charles Durning) que desde ha conocido a Dorothy se siente atraído por ella. Por esa razón invita a Dorothy a pasar un fin de semana con ella y su hija a la actriz en la casa del padre , situada al norte de estado de Nueva York. 

El fin de semana es agradable, aunque Dorothy ve los acercamientos no deseados de Les , que no deja de ser un buen hombre, viudo, que necesita calor humano. 

De vuelta en Nueva York, una noche en el piso de Julie, Dorothy no puede evitar acercarse en exceso a Julie. Pero esta sorprendida y que acaba de terminar su relación con Ron por consejo de Dorothy, le hace saber que no es lesbiana. Dorothy afirma que tampoco lo es, pero Julie no se lo cree. La actriz está especialmente dolida por su padre, Les. 

Lo cierto es que Les, acaba de llamar para invitar a cenar a Dorothy. Durante la cena y tras bailar, Les le propone matrimonio, insistiendo a Dorothy que lo piense antes de responder. 

Cuando Michael regresa a casa, se encuentra con John Van Horn que insiste en que tiene que invitarle a una copa. Ella no quiere, pero al escuchar el escándalo que el veterano actor está montando en la calle le obliga a abrirle la puerta, prepararle una bebida. Y tras tomarla de golpe intenta seducir de manera brusca a Dorothy que se resiste. Únicamente la llegada del compañero de piso, Jeff hace que lo suelte tras pedir disculas. 

Unos minutos más tarde, llega Sandy y le pregunta por qué no ha respondido a sus llamadas. Michael admite que no ha podido y le entrega los bombones de chocolate rellenos de licor y cereza que son sus favoritos. Pero al leer que está dedicado por Les , Sandy le pregunta si es marica. El responde que no, pero también le dice que está enamorado de otra mujer, y Sandy grita y rompe con él aunque se lleva los bombones. 

Dorothy, está en un callejón sin salida. Julie no le saluda. Ha roto con Sandy. Jeff está un poco harto de él y Les le presiona para el matrimonio. A esto se suma que los productores del programa quieren extender su contrato por un año más. 

Michael no sabe como poner fin a esta tortura y, aprovechando un fallo técnico que obliga a rodar y emitir en directo, supone el momento de liberación cuando como Dorothy improvisando hace una rebelación sobre ella misma y dice afirmar su nombre es Edward, el hermano gemelo de Dorothy y que tomó su lugar para vengarla. Esto les permite a todos una salida, pero Julie está tan indignada por el engaño de Michael que le da un puñetazo en el estómago una vez que las cámaras dejan de rodar. 

Algunas semanas más tarde, encontramos a Michael en Syracuse , una ciudad universitaria del Estado de Nueva York donde han conseguido con el dinero alquilar un teatro y montar la producción de la obra de Jeff tal y como le había prometido. En un bar lo vemos que se toma una copa. Es al mismo bar al que va Les. Se sienta junto a él y le devuelve el anillo de compromiso. Michael le pregunta por Julie. Y Les le dice: "La única razón por la que todavía estás vivo es porque nunca te besé". A pesar de su enfado, Les admite que Michael era una buena compañía como Dorothy, y Michael le compra una cerveza. 

Por último vemos que Michael luego espera a Julie a la salida del estudio. Ella es reacia a hablar con él, pero él le dice que él y su padre jugaron al billar y lo pasaron bien. Finalmente ella admite que extraña a Dorothy. Michael le dice: "Fui mejor hombre contigo como mujer que nunca con una mujer como hombre". Julie sonrie, lo perdona y caminan juntos por la calle, conversando mientras salen los títulos de crédito. 

La historia de esta película se remonta a una década antes. A principios de la década de 1970, Don McGuire había escrito una obra de teatro con el título ¿Te mentiría? , sobre un actor masculino desempleado que se viste de mujer para conseguir un trabajo. Se intentó vender en Hollywood durante varios años hasta que llamó la atención del comediante y actor Buddy Hackett en 1978. 

Este la llevó ante Charles Evans, hermano del actor y productor Robert Evans, con una importate trayectoria. A pesar de que Charles venía del mundo de la moda, estaba interesado en entrar en el cine y que tras ver el guion, se decidió a llevarla al cine al comprar una opción sobre la obra. Los retrasos en la producción de la película obligaron a Evans a renovar la opción una o dos veces. 

Pero en 1979, coescribió un guión basado en la obra con el director Dick Richards y el guionista Bob Kaufman. Antes de que Hoffman se involucrara oficialmente, se ofreció su papel a Peter Sellers y Michael Caine . 

Unos meses después de iniciado el proceso, Richards se lo mostró a Dustin Hoffman , su socio en una empresa que compraba y desarrollaba propiedades para convertirlas en películas. Hoffman quería un control creativo completo , y Evans acordó retirarse de las tareas de escritura de guiones, en lugar de convertirse en productor de la película, que pasó a llamarse Tootsie.

La película permaneció en desarrollo un año más mientras los productores esperaban un retoque del guion. Cuando comenzó la preproducción, la película sufrió retrasos adicionales cuando Richards renunció como director debido a "diferencias creativas". En cambio, se convirtió en productor y Hal Ashby asumió el cargo de director. Columbia Pictures luego obligó a Ashby a renunciar debido a la amenaza de acciones legales si no se cumplían sus compromisos de posproducción en Lookin 'to Get Out . 

En noviembre de 1981, Sydney Pollack firmó con la película como director y productor por sugerencia de Columbia.Fue idea de Hoffman que Pollack interpretara al agente de Michael, George Fields, un papel escrito para Dabney Coleman . Pollack se resistió a la idea, pero Hoffman finalmente lo convenció; fue el primer trabajo de actuación de Pollack en años.

Pollack todavía quería mantener a Coleman a bordo y presentarlo como el sexista y arrogante director de telenovelas Ron Carlisle.

Para prepararse para su papel, Hoffman vio la película La Cage aux Folles varias veces. También visitó el conjunto del Hospital General para realizar una investigación y realizó extensas pruebas de maquillaje. Dustin Hoffman probó para hacer su papel probar el disfraz de Dorothy haciéndose pasar por la tía Dorothy de su hija en una noche de visita en la escuela. Su trabajo convenció a los maestros que nunca sospecharon que era él disfrazado.

El mayor desafío para Dustin Hoffman fue conseguir que la voz de Dorothy fuera correcta. Según los informes, recibió ayuda y entrenamiento de Meryl Streep (con quien acababa de coprotagonizar Kramer contra Kramer , 1979). 

Dustin Hoffman afirmó que después de interpretar a Tootsie por primera vez, se fue a casa, rompió a llorar y le confesó a su esposa que interpretar a una mujer lo obligó a confrontar sus propias percepciones sexistas de las mujeres que nunca se dio había percatado. El equipo de rodaje llgó a decir que Hoffman era "mucho más agradable como mujer". 

Fue el primer trabajo como actor dramático de Bill Murray muy alejado del papel gamberro con el que se vinculaba y que aparece en películas como Los incorregibles albóndigas (1979) o El club de los chalados (1980). De cualquier manera gran parte de su actuación es improvisada, en la misma medida que algunas de las experiencia de Dustin como actor para los casting fueron extraídas de su propia vida profesional. 

En una entrevista para el American Film Institute , Hoffman dijo que estaba sorprendido de que, aunque podría maquillarse para parecer una mujer creíble, nunca sería hermosa. Concluyó que nunca había considerado a Tootsie como una comedia. Tanto es así que a los actores y actrices se les dijo que no se acercaran a sus personajes como personajes cómicos, sino como personajes dramáticos en una situación divertida. El propio Sydney Pollack comentó en una entrevista en Sydney que "Nadie se rió nunca durante el rodaje de ninguna escena de la película. Solo es gracioso por la estructura de la historia". 

El propio Hoffman relató la dificulad del maquillaje. Los preparativos de maquillaje de dos horas de Dustin Hoffman incluyeron afeitarse las piernas, los brazos y el dorso de los dedos mientras estaba en un sauna, cubrirse la piel de la cara con cinta para tensar sus rasgos e instalar dentaduras postizas de aspecto más delicado. Sin embargo, ninguna cantidad de maquillaje podría ocultar la sombra de la barba durante mucho tiempo. Solo podía ser filmado durante tres o cuatro horas seguidas.

Los senos de Dorothy eran prótesis hechas a medida compradas en un establecimiento especializado en productos para posmastectomía y costaban ciento setenta y cinco dólares cada una. 

Los productores contrataron a Holly Woodlawn, una conocida actriz transgénero puertorriqueña y "superestrella" de Andy Warhol, para entrenar a Dustin Hoffman en el arte de ser un hombre que se siente y actúa como una mujer. De hecho Warhol tiene un cameo en la película. 

Jessica Lange dijo una vez de esta película: "Sydney Pollack tardó mucho en conseguir que hiciera Tootsie (1982). Me pregunté si quería interpretar a un personaje espumoso y tonto después de haber hecho el drama Frances (1982). Obviamente , estoy encantada de haberlo hecho ". Al principio tuvo problemas para modular su actuación para una comedia. 

El director de fotografía Owen Roizman se opuso inicialmente a que el personaje de Dorothy usara gafas, ya que la naturaleza reflectante de sus lentes tiende a obstaculizar a los equipos de iluminación. Sin embargo, después de algunas pruebas, se decidió que las gafas agregaban una dimensión distintiva y halagadora a Dorothy: la nariz prominente de Hoffman se volvió menos molesta y las gafas feminizaron aún más su personalidad, creando una separación de género más notable entre los personajes de Dorothy y Michael. Las gafas se quedaron, pero se llegó a un compromiso cuando Sydney Pollack sugirió que la producción probara un recubrimiento especial no reflectante desarrollado por el entonces director de Panavision, Robert Gottschalk. El aerosol se había utilizado para revestir lentes de cámaras, mejorando la transmisión de luz a través de los elementos frontales. Cuando se usó el aerosol en las gafas de Dorothy, resultó ser una bendición. 

El guión todavía se estaba reescribiendo cuando comenzó la filmación. El rodaje se realizó entre abril y agosto de 1982. 

El director, productor y actor le reconocía en una entrevista a Maruja Torres en febrero de 1983 en el diario El País que " Pollack cuenta cómo se metieron unos cuantos directores en el proyecto antes de que dirigiera él Tootsie. De la película lo que más le interesó fue "lo que podía ocurrir al protagonista cuando descubre a la mujer que lleva dentro y cómo ese hallazgo le hacía convertirse en un ser humano mejor". 

El director le contó a la redactora entonces que " Es un guión que estuvo mucho, mucho tiempo detenido, y que sufrió muchas, muchas modificaciones. Dustin Hoffman estaba en ello antes que yo, y, de hecho, metió a unos cuantos directores en el proyecto, pero no funcionaron. Cuando yo lo cogí, era la típica historia de un hombre que se disfraza de mujer y de los equívocos que surgen en torno a esta situación. Lo que a mí me interesaba, sin embargo, es lo que le podía ocurrir a ese hombre cuando descubría a la mujer que llevaba dentro, y cómo ese hallazgo le hacía convertirse en un ser humano mejor." 

Con respecto a Hoffman le contó el director a la hoy escritora que exigió que no fuese productor de la misma, aunque sí estuviese su amigo Dick Richards y que con respecto al trabajo "Ensayamos durante unos tres meses, comenzando a base de improvisaciones, de modo que él iba encontrando el tipo de mujer que quería interpretar. Yo le hacía preguntas inesperadas, como por ejemplo, qué sentiste la primera vez que un hombre te besó, y él cogía el tema e inventaba. Fue una experiencia apasionante para los dos, y muy divertida" Y acaba contándole el director a Maruja Torres que "A mí no me ha costado hacer un filme como éste. Los seres humanos y las historias que les conciernen vuelven a interesar al público. Y una cosa es verdad. Que una película como Tootsie, de presupuesto relativamente limitado, ha batido las marcas de recaudación de todos los tiempos en la especialidad de comedia, situándose exactamente detrás del monstruoso éxito de E. T. " 

En cuanto al rodaje. Las escenas ambientadas en el salón de té ruso de la ciudad de Nueva York se filmaron en el restaurante real, el Russian Tea Room en la 57th Street de Manhattan y en el National Video Center en la 42nd Street . También se rodaron escenas adicionales en Central Park y frente a Bloomingdale's . Las escenas también se filmaron en Hurley, Nueva York , y en los National Video Studios en la ciudad de Nueva York y en la ciudad de Hurley del mismo estado. También se rodó, según la Wiki, en Fort Lee, Nueva Jersey. 

La película se estrenó en diciembre de 1982 e hizo una espectacular taquilla de 177,2 millones de dólares. 

En cuanto la crítica fue mayoritariamente positiva. El crítico de The New York Times , Vincent Canby - fallecido en el año 2000- dijo de ella en su estreno que "Tiene mucho más que su chiste (...) Restaura el significado original de 'comedia de situación', libre de asociaciones peyorativas".

Roger Ebert , el critico del Chicago Sun Times elogió la película al escribir sobre ella señalando que "Tootsie es el tipo de película con M - de movie- mayúscula que solían hacer en la década de 1940, cuando no temían mezclar el absurdo con la seriedad, el comentario social con la farsa y un poco de ternura sincera junto con las risas. Esta película te hace ir y venir ... La película también logra hacer algunas observaciones alegres pero bien dirigidas sobre el sexismo. También se burla satíricamente de las telenovelas, los agentes del mundo del espectáculo de Nueva York y el orden jerárquico social de Manhattan". 

En las páginas de Variety,Todd McCarthy defendía que la película era "Notablemente divertida y totalmente convincente, consigue el raro logro de ser una comedia travestida en la que aparecen también personajes tridimensionales" 

Y Geoff Andrew de Time Out afirmó que era "Una de las comedias de situación más pulidas de los últimos años". 

Ya en España y después de la entrevista referida de Maruja Torres en El País Miguel Ángel Palomo dijo de ella que ""Pollack acertó de pleno en esta divertida comedia, que juega con un magnífico Dustin Hoffman (...) El director contiene los posibles excesos (...) potencia la interpretación de Hoffman y la eficacia del guión, que aporta una sucesión de gags de lo más jocosos" ".

En cuanto a premios señalar que estuvo multipremiada en Estados Unidos y fuera de su país. En los Oscar correspondientes al año 1983 consiguió el de mejor actriz secundaria (Jessica Lange) , pero fue nominada a Mejor película ( Sydney Pollack y Dick Richards), Mejor director (Sydney Pollack), Mejor actor (Dustin Hoffman), Mejor actriz de acompañamiento (Teri Garr), Mejor guión ( Larry Gelbart , Murray Schisgal y Don McGuire), Mejor fotografía (Owen Roizman), Mejor montaje cinematográfico ( Fredric Steinkamp y William Steinkamp), Mejor Canción Original " Puede que seas tú "de Dave Grusin , Alan Bergman y Marilyn Bergman y Mejor sonido (Arthur Piantadosi , Les Fresholtz , Dick Alexander y Les Lazarowitz). 

En los Globos de Oro se llevó el de Mejor Película - Musical o Comedia, Mejor actor en comedia o musical (Dustin Hoffman), Mejor actriz de reparto - Película (Jessica Lange) siendo nominado a Mejor director - Película (Sydney Pollack) y Mejor guión - Película (Larry Gelbart y Murray Schisgal). 

En los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York se llevó el de Mejor director (Sydney Pollack) siendo nominado a mejor película, Mejor actriz (Jessica Lange), Mejor guion (Murray Schisgal y Larry Gelbart) y nominado a Mejor actor (Dustin Hoffman) y Mejor actor de reparto (George Gaynes). 

La National Society of Film Critics concedió el Premio al mejor actor (Dustin Hoffman), y a la mejor actriz secundaria (Jessica Lange); a la mejor película y al mejor guion. Quedaron las nominaciones a Mejor director (Sydney Pollack) y Mejor actriz Jessica Lange y Mejor actriz de soporte (Teri Garr) al igual que al Mejor guion. 

Los Premios WGA del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos premiaron ese año al mejor guion escrito para cine (Larry Gelbart y Murray Schisgal) el mismo Premio que le concedió la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles . La Kansas City Film Critics Circle (KCFCC) premió a Jessica Lange que también premió la Boston Society of Film Critics (BSFC) aquí conjuntamente con Dustin Hoffman. 

Los Premios del Gremio de Directores de América nominó a Pollack, y el de editores (American Cinema Editors ) a los hermanos Steinkamp. 

Fuera de Estados Unidos destacan los muchos premios recibidos en los Bafta, los Premios de la Academia Británica de Cine con nominaciones a La mejor película y Mejor dirección así como a la actriz principal (Lange) y de reparto Teri Garr , Mejor guión adaptado (Larry Gelbart y Murray Schisgal), Mejor diseño de vestuario (Ruth Morley) y Mejor Canción Original "Puede que seas tú" (Dave Grusin, Alan Bergman y Marilyn Bergman) , pero ganando en el mejor actor (Dustin Hoffman) y el Mejor artista de maquillaje (Dorothy Pearl, George Masters, C. Romaina Ford y Allen Weisinger) . 

En los Premios de la Academia danesa de Cine, los Bodil ganó el de la mejor película no europea (Sidney Pollak). 

Los franceses nominaron Tootsie a la Mejor película para los Premios César y los italianos nominaron en sus David di Donatello a Dustin Hoffman y a Jessica Lange 

En Japón los premios de la revista Kinema Junpo le dieron el de la mejor película en lenguaje extranjero (Sidney Pollak). 

En 1998 la película fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada «cultural, histórica o estéticamente significativa» y está incluida en el libro "1001 Movies You Must See Before You Die", editado por Steven Schneider. La película hoy como dije al principio es un clásico.

All the Jazz

Esta noche presentan los BAFTA - British Academy Films Awards- llegan hoy al Royal Albert Hall para premiar lo que los académicos británicos dados de alta en "yours Brexit Academy" a las mejores películas de cine. Hace un par de años vi la ceremonia y es, como todas, aburrida. Sin embargo, como son , indudablemente, importantes además de emitir la Gala en director Movistar +, el magnífico canal TCM decidió poner en su parrilla películas reconocidas en los BAFTA y anoche le tocó el turno a All That Jazz.

Yo es escuchar ese título y pensar en como fue traducida en español con un curioso título "Empieza el espectáculo" y en recordar un programa de se emitió desde el año 1978 hasta los inicios de los años ochenta . en concreto hasta el 83- que emitía televisión española en horario de tarde. Su nombre mítico era Aplauso.

La estructura del programa, presentado a modo de revista - aunque la revista no existía como tal- tenía distintas secciones que iban desde la infantil , hasta el humor , pasando por , sobre todo al principio, una sección dedicada a las bandas sonoras cinematográficas. Y en eso pusieron un par de cortes de la película que me impactaron. El primero con el que daba inicio la película con una canción de George Benson y que llevaba por título " On Broadway " es una canción escrita por Barry Mann y Cynthia Weil en colaboración con el equipo de Jerry Leiber y Mike Stoller y que interpretaba George Benson. Pero sobre todo la última una adaptación del "Bye Bye Life" de los Everly Brothers, que venía como anillo al dedo a la historia desarrollada en la película. Impresionado quedé.

Pero yo por aquel entonces - estúpido de mí- despreciaba el género musical y , ni por asomo, pensé en ir a ver la película. La película fue multipremiada, como luego veremos - entre ellas en los BAFTA donde ganó dos Premio BAFTA a la mejor fotografía y al mejor montaje y obtuvo otras cuatro nominaciones. Como diría mi abuelo: La vida.


Han pasado desde su estreno en España cuarenta años y , por fin he visto este musical estadounidense del año 1979, dirigida por Bob Fosse . El guion, escrito por Robert Alan Aurthur y Bob Fosse, tenía mucho semiautobiográfico, pues estaba basado en gran medida en la vida y carrera profesional como bailarín, coreógrafo y director de Bob Fosse. Este hombre natural de Chicago dirigió y coreografió musicales tanto para el escenario como para la gran pantalla, incluidos los musicales The Pajama Game (coreografía) en 1954 y Chicago en 1975 o la película Cabaret en 1972.

Era un todoterreno capaz de ganar los premios Oscar , Emmy y Tony en el mismo año (1973) por Cabaret como director y ocho Tonys tanto por su coreografía como la dirección de otro musical de Broadway, Pippin .

Cuando tenía 13 años, Fosse actuó profesionalmente en Chicago con Charles Grass, bajo el nombre de The Riff Brothers - espero que no le pasara lo que se ve en la película, aunque es probable- .

Después de la guerra- durante la misma fue asignado a la agrupación de variedades para entretener a las tropas- Fosse se mudó a la ciudad de Nueva York con la ambición de ser el nuevo Fred Astaire . Su primer papel en el escenario fue en Call Me Mister , donde conoció a su primera esposa y compañera de baile, Mary Ann Niles (1923-1987). 

Tras ser vistos por Dean Martin y Jerry Lewis programaron que la pareja apareciera en The Colgate Comedy Hour . En una entrevista de 1986, Fosse le dijo a un entrevistador: "Jerry comenzó a hacer coreografía. Me dio mi primer trabajo como coreógrafo y estoy agradecido por eso". Así entró en el mundo del cine sobre todo tras firmar un contrato con MGM en 1953, aunque se actividad la compatibilizó con el teatro y los musicales, actividad que nunca dejó y por la que ganó multitud de premios. Pero como la imagen era la imagen, y la calvicie daba - dicen- y esto lo escribe un calvo "mala imagen" en un Hollywood y un Broadway de guapos y guapas se centrará en las coreografías y en la dirección.

Como director fue responsable de cinco títulos. All that Jazz es su cuarta. Sweet Charity (1969), fue se primero y estuvo protagonizada por Shirley MacLaine , siendo una adaptación del musical de Broadway que había dirigido y coreografiado. A este siguió la inmortal Cabaret (1972).

En 1974, Fosse dirigió a Lenny , una película biográfica sobre el comediante Lenny Bruce protagonizada por Dustin Hoffman y por la que fue nominada a los Premios de la Academia a la Mejor Película y al Mejor Director.

La última película de Fosse, Star 80 (1983), fue una película sobre Dorothy Stratten , una Playmate asesinada. La película basada en un artículo que ganó del Premio Pulitzer se presentó en el 34º Festival Internacional de Cine de Berlín . Después de Star 80 , Fosse comenzó a trabajar , aunque ya con la salud muy deteriorada, se sabía que era epiléptico desde los 60 , en una película sobre el columnista de chismes Walter Winchell que habría protagonizado a Robert De Niro como Winchell. El guión de Winchell fue escrito por Michael Herr . Fosse murió antes de comenzar el proyecto Winchell.

Esa salud deteriorada es la columna vertebral de un hombre vitalista, pero sin control , el corazón y el alma destrozado es ese coreógrafo al que él llamó Joe Gideon.

La película cuenta en la dirección artística con Philip Rosenberg, Tony Walton, Edward Stewart y Gary J. Brink quedando en la producción Robert Alan Aurthur mientras que la producción y distribución fueron para la 20th Century Fox y la Columbia Pictures.

La película responde al guion de Robert Alan Aurthur y el mismo Bob Fosse; a la música de Ralph Burns, a la fotografía de Giuseppe Rotunno y al montaje de Alan Heim. En otros aspectos técnicos participan en el vestuario Albert Wolsky , la decoración del set Edward Stewart y Gary Brink . La película está inspirada en el intenso período de trabajo de Bob Fosse cuando editaba su película Lenny y simultáneamente preparaba el musical Chicago, para Broadway en 1975.

La película la protagonizan Roy Scheider como Joseph "Joe" Gideon, Keith Gordon como el joven Joe, Jessica Lange como "Angelique", el ángel de la muerte, Leland Palmer como Audrey Paris, ex esposa de Gedeón, Ann Reinking como Katie Jagger, la novia actual de Gideon, Cliff Gorman como Davis Newman, el "Stand-Up", Ben Vereen como O'Connor Flood, Erzsébet Földi como Michelle Gideon, la hija de Joe, David Margulies como Larry Goldie, Michael Tolan como Dr. Ballinger, Max Wright como Joshua Penn, William LeMassena como Jonesy Hecht, Deborah Geffner como la bailarina y amante ocasional Victoria Porter, John Lithgow como Lucas Sargeant y Jules Fisher como Jules.

Aparecen igualmente Chris Chase como la crítica cinematográfica Leslie Perry, Sandahl Bergman como la bailarina principal del supuesto vuelo - un gran baile-  de Phoenix a Los Ángeles , CCH Pounder como la enfermera Blake y Wallace Shawn - un actor al que vi en una taberna sevillana hace años- como asistente de seguro.

Como dije anteriormente un número musical de carácter colectivo " On Broadway " da inicio a la película. En ella vemos a Joe Gideon (Roy Scheider) , coreógrafo y director de teatro, adicto a su trabajo, que está en pleno proceso de selección de los actores y actrices, bailarines, que han de protagonizar su próximo espectáculo.

Está preparando la coreografía de su próximo espectáculo en Broadway y seleccionando los bailarines al mismo tiempo que monta una película para Hollywood sobre un cómico que hace monólogos (Cliff Gorman).

Descubrimos que su rutina, que vemos una y otra vez, en la que siempre aparece fumando un cigarrillo tras otro y acostándose con las bailarinas que conquista, comienza con todos los días escuchando a Vivaldi y su " Concierto alla rustica", poniéndose gotas de Visine en los ojos, tomando , Alka-Seltzer o antiácidos estomacales y estimulantes para poder seguir manteniendo el más grande espectáculo como Dexedrina: su propia vida., mirándose al espejo y animándose diciendo : "it's showtime folks!" , es decir, comienza el espectáculo.

Tiene novia Katie Jagger (Ann Reinking),pero a su vez comparte la cama con una de las bailarinas seleccionadas , Victoria Porter, (Deborah Geffner ) a los que descubre una noche en la cama ; y la vida con su exesposa Audrey Paris (Leland Palmer), tmbién bailarina que está en este musical y su hija Michelle (Erzsebet Foldi) que tratan de sosegarlo.

Pero su capacidad de trabajo, su adicción a los medicamentos , alcohol, drogas y sexo lo impide. Su cuerpo está exhausto y su corazón debilitado: décadas de trabajo agotador y estrés casi han terminado con él. Igualmente y en paralelo lo vemos como imaginariamente flirtea con un ángel de la muerte llamado Angélique (Jessica Lange). Su condición física empeora.

Con el brazo avisando y, luego tras una nueva crisis después de un incidente con los que financian su show, sufre de dolores en el pecho.

Primero es analizado por un Doctor y es internado en un hospital, siendo diagnosticado de angina de pecho. Angélique cada vez está más presente en sus ensoñaciones. Pasada esta crisis, Joe regresa a su trabajo, diseñando y cambiando coreografías como hace con "Take off with us" o "Viaja con nosotros" con una versión pseudo erótica que es vista por su exmujer como la más brillante de su carrera, en la que participa como primera bailarina Sandahl Bergman, y que no gusta tanto a los productores, pero los médicos le advierten que está arriesgando su vida y le ordenan reposo estricto durante cuatro semanas.

Debido a ello se show es postergado pero Joe no abandona los excesos ni siquiera dentro del hospital: El champaña corre, las mujeres circulan incesantemente a su alrededor y en la cama , los cigarrillos están siempre encendidos.

Los resultados del electrocardiógrafo no registran mejoría y, cuando se entera que su película (que habían terminado sin él) ha conseguido malos resultados de crítica, sufre un infarto agudo de miocardio y tiene que ser sometido una operación de implante de un bypass. Los mecenas de su show deben decidir si suspender la obra o reemplazar a Joe como director. Las reuniones con la compañía aseguradora resultan en una fría conclusión: lo mejor para los inversores es que Joe muera, ya que así recibirán 1 000 000 dólares, lo que cubriría con creces los gastos que han tenido hasta el momento. 

En su lecho del hospital, la vida de Joe Gideon comienza a pasar por su mente en forma de escenas de un show dirigido por él mismo. En ese espectáculo participan activamente su novia, su hija y su ex. Joe se da cuenta de que su muerte está cercana. El ángel de la muerte aparece cada vez con más frecuencia en sus sueños. Las cinco fases de Kübler-Ross que hemos visto en el espectáculo de monólogos se repiten y el pasa por las que pasan aquellos que van a morir (negación, ira, pacto, depresión y aceptación) forman parte de las escenas de su show mental, que se hacen más y más alucinantes, y finalmente llega el momento de la muerte, que Gideon vive como si fuera un show monumental, en el cual la estrella es él mismo.

Junto a O'Connor Flood (Ben Vereen), Gideon canta y baila interpretando la canción Bye bye life (una parodia de la canción Bye Bye Love) acompañado por bailarinas cuyos vestuarios marcan sus venas y arterias, en un auditorio donde están presentes todas las personas implicadas en la vida del frustrado director. Joe salta del escenario para despedirse de todos ellos: su amante (ya con otra pareja), su esposa ("Al menos ya no tendré que mentirte más!" le dice Joe), su hija que lo abraza con fuerza y dolor por su partida, sus productores, y hasta su médico, que cuando termina el número musical mira el reloj para anotar la hora de la defunción.

El film termina con Gideon avanzando al encuentro de Angélique que lo espera en una habitación llena de luz, mientras suena parte de la canción Bye bye life, interrumpida en seco por el sonido del cierre de su bolsa de plástico.

La película rodada entre el verano y otoño de 1978 se rodó principalmente entre los Kaufman Astoria Studios en la 36th Street de la neoyorkina Astoria en Queens, así como en el Palace Theater de esa calle en diagonal que es Broadway, sita en Manhattan, New York City. El rodaje de la película duró 101 días aunque pero fue la post-producción que duró 8 meses.

La compleja escena de la llamada de ganado "On Broadway" que abre la película se filmó en solo dos días, el tiempo disponible que Fosse y su equipo obtuvieron permiso para filmar en ese teatro.

Con el aumento de los costos de producción y la pérdida de entusiasmo por la película, Columbia trajo a Fox para financiar su finalización, y este último estudio adquirió los derechos de distribución nacional a cambio.

Según Shirley MacLaine en su autobiografía "My Lucky Stars", la idea de esta película surgió cuando Bob Fosse fue hospitalizado por un ataque al corazón. MacLaine afirma que ella fue quien le dio la idea de hacer "un musical sobre su muerte", aunque dijo que Fosse parecía no recordarlo más tarde. Bob Fosse consideró interpretar el papel principal él mismo. El productor David H. Melnick señaló que Fosse, que tenía antecedentes de problemas cardíacos, no sobreviviría al rodaje.

Entonces Richard Dreyfuss fue originalmente elegido para el papel de Joe Gideon, pero dejó la producción durante la etapa de ensayo, citando una falta de confianza en la producción. Más tarde admitió que cometió un error al dejar pasar la oportunidad de trabajar con Bob Fosse. El elegido fue Roy Scheider, aunque la productora estaba interesada en Warren Beatty,  incluso Jack Lemmon - que fue considerado demasiado mayor- y Paul Newman rechazó el papel, pero Roy comentó una vez que había cantado, bailado en el escenario y actuado antes, pero hasta esta película nunca había hecho los tres en la misma producción.

El personaje de "Angelique" interpretado por una de las muchas compañeras de Bob Fosse  en la vida real, Jessica Lange, se basó en gran medida en la fallecida esposa de Bob Fosse, Joan McCracken, quien murió en 1961 y lo influenció mucho en sus primeros años de carrera.

La relación entre los personajes Victoria Porter y Joe Gideon se basó en la relación durante los ensayos entre el director Bob Fosse y la bailarina Jennifer Nairn-Smith mientras trabajaba en el musical "Pippin". Nairn-Smith aparece en esta película interpretando a una bailarina principal. 

Muchos de los personajes de la película están basados en personajes de la vida real del mundo teatral de Nueva York. Además de Roy Scheider, el personaje de Leland Palmer se basó en su esposa / estrella habitual Gwen Verdon.

El personaje de John Lithgow también se basó en el director de teatro de Nueva York Michael Bennett, el director de "Dreamgirls" con quien Bob Fosse tuvo una larga rivalidad. El personaje del productor Jonesy Hecht se basó en el viejo rival Harold Prince de Fosse. El personaje del compositor "Paul Dann" es una representación de Stephen Schwartz, con quien Fosse había trabajado infelizmente en "Pippin".

Jules Fisher, el diseñador de iluminación en muchos de los espectáculos de Fosse y más tarde el productor de su espectáculo "Dancin '", aparece como diseñador de iluminación en la escena con Lithgow. El personaje de Davis Newman se basó en Dustin Hoffman, quien había interpretado el papel principal en la película anterior de Bob Fosse, Lenny (1974). Gorman había retratado inicialmente a Lenny Bruce en la obra original de Broadway de la obra de la cual se adaptó la película, pero fue ignorado a favor de Hoffman para la versión cinematográfica.

La película se basa en el ataque cardíaco real de Fosse mientras edita su película Lenny (1974) y simultáneamente dirige la producción original de Broadway de 1975 de "Chicago".

La hija de 16 años de Bob Fosse, Nicole Fosse, aparece brevemente como una bailarina, haciendo estiramientos frente a una máquina expendedora, a quien se le pregunta: "¿Te importaría hacer eso en otro lugar?" mientras Joe Gideon presenta su nueva idea para el número de Air-otica. El editor bigotudo ("Eddie") de la película dentro de una película, "The Stand-Up", es interpretado por Alan Heim, el editor real de esta película.

El presupuesto pasó de $ 6.5 millones a $ 10 millones. El director Bob Fosse superó el presupuesto antes de filmar el famoso final de "Bye, Bye Life". Columbia Pictures se negó a darle más dinero. En un callejón sin salida, los ejecutivos de Columbia exhibieron en privado gran parte de lo que ya había rodado para el presidente de 20th Century-Fox. Impresionado, acordó que Fox financiaría el resto del rodaje; También solicitó y recibió derechos de distribución y cable. Las ganancias de la película se dividieron de acuerdo con el contrato entre los dos estudios, aunque Fox recibió la mejor facturación sobre Columbia en los créditos.

La estructura de la película a menudo se compara con la 8½ de Federico Fellini , otra película autobiográfica en la que aparecen elementos fantásticos. Lo cierto es que la estructura de la historia refleja de cerca los problemas de salud de Fosse en ese momento. En este punto nos dice el escrito cubano Cabrera Infante "El cine moderno sería otro de no haber existido Fellini y su colecciómn de grotescos vistos por la cámara amable, amorosa. Películas tan distintas como All that Jazz y Radio Days de Woody Allen ... son vistas con la visión de Fellini"

Mientras trataba de editar Lenny y llevaba a cabo la coreografía de Chicago , Fosse sufrió un ataque cardíaco masivo y se sometió a una cirugía a corazón abierto. Gran parte de las mujeres que aparecen tuvieron una relación directa y afectiva con el director.

El personaje de Audrey Paris, la ex esposa de Joe interpretada por Leland Palmer refleja fielmente la de la esposa de Fosse, la bailarina y actriz Gwen Verdon , quien continuó trabajando con él en proyectos como Chicago y All That Jazz . Mientras que la historia de la corista Victoria Porter se parece mucho al trato que le dio Bob Fosse a Jennifer Nairn-Smith durante los ensayos para Pippin . La propia Nairn-Smith aparece en la película como Jennifer, una de las bailarinas. Igualmente, Ann Reinking que había sido una de las parejas de Fosse y que de hecho lo era en ese momento y que estaba más o menos interpretando a sí misma en la película, tuvo que hacer una audición para el papel de la novia de Gideon, Kate Jagger.  Todas ellos forman los que Guillermo Cabrera Infante llamó "las musculosas mujeres de Bob Fosse, todas hembras con hambre que baile...donde el coreógrafo es el héroe no el bailarín"

Cliff Gorman que fue el actor que aparece en la representación de Lenny Bruce en la producción teatral original del espectáculo (por la que ganó un Premio Tony ), fue ignorado por la versión cinematográfica de Fosse de la producción a favor de Dustin Hoffman .

La película obtuvo muchos reconocimientos. La película fue ganadora de cuatro Oscar. Entre ellos a la mejor dirección artística en las personas de Philip Rosenberg y Tony Walton así como a las vinculadas con la decoración del set como fueron Edward Stewart y Gary Brink; al mejor diseño de vestuario (Albert Wolsky ) , al mejor montaje (Alan Heim ) y a la mejor banda sonora (Ralph Burns ) . Pero además fue nominada a cinco premios más. En concreto a la Mejor película (el productor y coguionista Robert Alan Aurthur recibió dos nominaciones póstumas al Oscar por su trabajo en esta película y murió en 1978, siendo aquí nominado), Mejor actor (Roy Scheider), Mejor director (Bob Fosse), Mejor guión original (Robert Alan Aurthur y Bob Fosse) y Mejor fotografía (Giuseppe Rotunno). La película sería el último musical nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Película hasta que la Academía premió a la película de Disney , La Bella y la Bestia ( Beauty and the Beast) en 1991, y fue el último musical de acción en vivo en competir en la categoría hasta Moulin Rouge de Baz Luhrmann que fue nominado más de veinte años después.

En los Globos de Oro fue nominada al Mejor actor comedia/musical (Roy Scheider) El Círculo de Críticos de Nueva York también nominó al Mejor director. En los Eddie American Cinema Awards ganço el Premio a la Mejor edición para Alan Heim Won.

La película fue nominada al Premio de la Academia de Japón a la Mejor película de lengua extranjera aunque ganó el Premios Bodil a la Mejor película no europea . En el Festival de Cannes recibió la Palma de Oro a la mejor película (ex aequo).

Y en los ya nombrado Premios BAFTA ganó el de Mejor fotografía y mejor montaje de sus 6 nominaciones

En 2001, All That Jazz fue considerado "cultural, histórica o estéticamente significativo" por la Biblioteca del Congreso y seleccionado para su preservación en el National Film Registry . También fue preservado por el Academy Film Archive en el mismo año.

La película fue incluido entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider.

En cuanto a las críticas en el The New York Times , Vincent Canby calificó la película como "una exhibición estruendosa de brillantez, nervios, danzas, confesiones, bromas internas y, especialmente, ego" y "una película esencialmente divertida que busca operar en demasiados niveles al mismo tiempo ... algo de eso te hace estremecer, pero mucho es muy divertido ... Una clave para el éxito de la producción es la actuación de Roy Scheider como Joe Gideon ... Con un actor de menos peso e intensidad, All That Jazz podría haberse evaporado mientras lo veíamos. El Sr. Scheider es una presencia a tener en cuenta ".

Variety lo describió como "una película egoísta, egomaníaca , maravillosamente coreografiada, a menudo convincente" y agregó: "Roy Scheider ofrece una actuación excelente como Gideon, creando un personaje lleno de energía nerviosa ... El principal defecto de la película radica en su falta de real explicación de lo que, más allá del ego, realmente lo motiva [a él] ".

Leonard Maltin en su guía de cine de 2009 señaló que " la película era "autocomplaciente y en gran medida negativa", y que "los grandes momentos del espectáculo y el baile maravilloso finalmente se entierran en pretensiones"; También llamó al final "un final interminable que deja un mal gusto para toda la película".

Julie Klausner en The New Yoker comenta que " "All That Jazz", es mi película favorita de Fosse. Veo esta película solo, porque así es como funcionó, pero también porque todos morimos solos. Sigue brillando, deslumbrante y grandioso, y todavía me deja destripado. Sollozo al final, cuando Roy Scheider abraza a su hija durante "Bye Bye Love", y pienso en otros autores masculinos cuyas actitudes hacia las mujeres son, para ser generosas, complicadas, pero que deifican a sus hijas en su arte. "

La TV Guide dijo de ella "El baile es frenético, el diálogo penetrante, la fotografía espléndida y la actuación de primer nivel, con Scheider, que no es un showman, es un ilustre ejemplo de casting contra el tipo ... All That Jazz es atractivo pero no fácil. mirar. La visión indulgente de Fosse a veces se acerca al odio a sí mismo ".

En la revista Time Out London se afirma que "Como se tradujo en la pantalla, la historia de [Fosse] es horrible: los chistes son implacablemente groseros y objetables; las rutinas de canto y baile se han creado en la sala de corte y han perdido la sensación de diversión; Fellini "los momentos de la aventura agregan poco más que pretensión; y las escenas de una verdadera operación a corazón abierto, alternando con imágenes de un simbólico ángel de la muerte con velo y guantes blancos, fallan incluso en términos de lo surrealista".

Tras su estreno en 1979, el director Stanley Kubrick dijo de ella que era "[la] mejor película que creo haber visto".

Ya en España Elsa Fernández-Santos de El País escribía que era un "Implacable autorretrato de un famoso y lascivo coreógrafo al que su corazón no le da más treguas, cumple las leyes de las profecías autocumplidas. Una película premonitoria y extraordinaria."

Y en este mismo diario, Fernando Morales decía que era un "Interesantísimo musical dramático, totalmente imprescindible"

Terenci Moix señala en el tercer volumen de su Historia del Cine escrito para el dominical de ABC Blanco y Negro comentaba que "Fosse coronaría su carrera con All that Jazz retrato con bisturí de las contradicciones entre de un gran coreógrafo tras una operación a corazón abierto - con una serie de conversaciones con la Muerte en lo que supone el debut fílmico de Jessica Lange - sospechosamente parecida a la que sufrió el propio Fosse. Esta coincidencia autobiográfica , así como el enforque decididamente experimental de los problemas formales , hicieron que algunos críticos comparasen All that Jaz con Fellini Ocho y Medio" Y termina diciendo el crítico y escritor catalán que "El empeño no estaba lleno de pretenciosidad ".

Adrián Massanet en espinof "Filmada un poco al estilo de un falso documental, en el que la vida cotidiana del coreógrafo y director se va alternando con diálogos oníricos con una misteriosa dama que probablemente sea la Muerte, llamada Angelique (interpretada por Jessica Lange) a menudo tendremos la sensación no de estar asistiendo a una ficción, sino de estar viendo ensayos grabados, pruebas de casting reales, sucesos que un documentalista ha mezclado con la ficción de manera magistral. La serena cámara de Fosse convive con un montaje sincopado, salvaje, en parte responsable de esos montajes de ahora a lo Guy Ritchie, pero mucho más elaborado, más inteligente y más rico en su búsqueda formal. Fosse nunca fue un genio del cine, pero desde luego tenía personalidad, y sabía otorgar a las herramientas cinematográficas una fuerza, un estilo muy propio, que hacía perdonar sus carencias. ( ) Lo peor, si es que algo malo se puede decir, es que es tan personal que si no entras en ella, poco se puede hacer. Lo mejor el maravilloso Roy Scheider y todo lo que rodea la creación de coreografías. "

Para acabar un par de cosas. Una sobre el director que no la digo yo sino Julie Krausner del New Yorker "Se derrumbó en la calle y murió de un ataque al corazón. Gwen Verdon, su pareja, colaboradora y esposa sufrida y humillada, estaba con él. Tal vez no tengas que morir solo después de todo. "

La segunda es decir que me ha gustado mucho la película y sobre todo tengo la sensación de haber cerrado un círculo abierto allá por 1980 cuando me mostraba renuente a todo lo que oliese a un musical. De los errores se aprende. Yo, al menos,  he aprendido a valorar uno de los más importantes géneros.

El cabo del miedo

Puede que sea el director en activo más relevante del cine actual . Puede que sea la referencia cinematográfica de los nuevos maestros. Indudablemente es uno de esos directores que mamaron de las fuentes del cine clásico. Es un amante de su ciudad, Nueva York- de hecho es un cronista de sus historias, tanto las de los barrios elegantes como la de sus más marginales habitantes - , de su "mamma" que le ha acompañado en muchos de sus rodajes, de sus amigos con los que cuenta una y mil veces, de su barrio "Little Italy", de sus experiencias vividas o estudiadas. Es un cineasta y un artista. Es Martin Scorsese. 

Como buen amante del cine clásico no tuvo duda alguna en hacer un remake de una obra clave del género del cine negro : El cabo del terror. Se trata de una película del año 1962.  ​ Está basada en la novela de 1957 The Executioners, de John D. MacDonald, y es un buen remake del filme homónimo del 1962 en el que los principales papeles fueron asumidos por Robert Mitchum y por el hombre marcado por las leyes cinematográficas del cine clásico, Gregory Peck.

Cape Fear , espacio en el que se desarrolla los últimos minutos de la película , titulada El cabo del miedo se presentó en público en aquel año de 1991 siendo la undécima película dirigida por Martin Scorsese desde la mítica Malas Calles o Mean Streets con la que debutó ante el gran público tras dos otras película menores (1967: Who's That Knocking at My Door, 1967 y Boxcar Bertha, 1972).

En este caso aparece como productora principal Barbara de Fina y lo que yo llamo el grupo Amblin en el que se integraban Steven Spielberg, Frank Marshall y Kathleen Kennedy  (aunque sin acreditar o como productores ejecutivos) por medio de sus productoras Amblin Entertainment , la neoyorkina TriBeCa Productions y la Cappa Films, siendo la distribución de la Universal Pictures. Se manejó un Presupuesto de $35,000,000.

 En este caso el guión es de Wesley Strick inspirándose en The Executioners de John D. MacDonald y del guión original de James R. Webb que hizo para la primera Cape Fear. Pero la apuesta por el tributo a los clásicos, y en concreto a Sir Alfred, no se queda en la actualización del guión sino en la música Elmer Bernstein que sigue lo marcado , básicamente reutiliza, en su momento por la partitura original de su músico habitual Bernard Herrmann,

Además, la versión de Scorsese tiene créditos de apertura diseñados por el colaborador habitual de Hitchcock, Saul Bass quedando la fotografía para Freddie Francis y el montaje para Thelma Schoonmaker. Scorsese hizo su versión siguiendo la idea de estilo de Hitchcock, en lo referente al uso de ángulos de cámara inusuales, a la iluminación y a la técnicas de edición. Esta fue la primera película en la que Martin Scorsese utilizó efectos visuales.

Los protagonistas son Robert De Niro como Max Cady, Nick Nolte como el abogado Sam Bowden, Jessica Lange como la mujer del anterior, Leigh Bowden, Juliette Lewis como la hija de ambos Danielle Bowden.

Junto a ellos están Joe Don Baker como el investigador privado Claude Kersek , Illeana Douglas como Lori Davis, Fred Dalton Thompson como Tom Broadbent, Zully Montero como Graciela. Pero la traca final está en la aparición de tres de los protagonistas de la película original que son Robert Mitchum como el Teniente Elgart, Gregory Peck como el abogado Lee Heller y Martin Balsam como el Juez.

La película comienza con un reo en prisión realizando flexiones. Lo descubrimos de espaldas. Lleva la misma tatuada con una enorme cruz y muchos epigramas. Mientras las realiza llega un funcionarios de prisiones que le llama por su nombre, Max Cady (Robert De Niro) , y que le informa que hoy saldrá a la calle. Momentos después vemos su salida a la calle.

Casi de inmediato descubrimos a un abogado en la ciudad de New Essex, en Carolina del Norte. Su nombre es Sam Bowden (Nick Nolte) está casado con una artista cuyo nombre es Leigh (Jessica Lange) y tienen una hija adolescente de 14 años , Danielle ( Juliette Lewis). Los tres viven en una casa acomodada de New Essex en la que trabaja una hispana de nombre Graciela (Zully Montero).

Un día cuando Sam sale del trabajo en su despacho y se monta en su coche es asaltado por Max Cady (Robert De Niro) . Le pregunta a Sam si lo recuerda y Sam no sabe quién es. Max le dice que es un antiguo cliente al que Bowden defendió 14 años atrás cuando trabajaba en el turno de oficio.

Sam no lo recuerda, pero Cady fue juzgado por violar y golpear brutalmente a una joven, y Bowden, horrorizado por el crimen de Cady, ocultó pruebas que podrían haber reducido la condena de Cady e incluso haberle permitido ser absuelto. Como Cady era analfabeto en el momento del juicio, no se dio cuenta de ello. De hecho Sam lo califica de paleto.

Tras ser puesto en libertad, como ya hemos dicho, Cady localiza a Bowden no sólo en el aparcamiento sino en el cine. De hecho se coloca delante de la familia mientras están viendo una película y enciende un puro enorme y se escuchan en el mismo las risas extemporáneas de Max. A pesar de que Sam le llama la atención, éste no le hace ni caso. Tras eso van a tomarse un helado y la familia Bowden es invitado para su desagrada por Cody. Cuando Sam va a buscarle al aparcamiento,  éste se marcha en su deportivo rojo.

Luego vemos a jugando al squad con una pasante del despacho, Lori Davis (Illeana Douglas),  una chica soltera con la que Sam parece que ha vivido una aventura al margen de su matrimonio.

Sam de cualquier manera empieza a informarse sobre que ha hecho Cody estos años en la cárcel y descubre que durante su condena ha aprendido a leer, ha estudiado Derecho y se convirtió en su propio abogado, solicitando la revisión de su caso varias veces sin éxito. Cady da muestras de saber que Bowden ocultó pruebas en el juicio algo que Sam le comenta a su jefe de despacho, Tom Broadbent (Fred Dalton Thompson).

Varios incidentes relacionados con Cady afectan a la familia de Bowden. Hay dos especialmente significativos. El primero que alerta a Sam de hasta donde puede llegar Max es la aparición del perro de los Bowden envenenado .

A esto se suma que el 4 de julio , durante la ceremonia del día nacional, Sam se pone delante de la familia y al ver a Max, cruza y se encara con él públicamente; esa misma, noche entre los fuegos artificiales  su esposa Leigh (Jessica Lange) descubre a Max en lo lato de la valla de la casa, cuando sale Sam este ya ha desaparecido, pero un colérico Sam dispara sin dirección.

Bowden intenta hacer que Cady sea arrestado, pero el teniente de policía Elgart (Robert Mitchum) le dice que no hay pruebas de que Cady haya cometido ningún crimen y que no puede detener a Cady por ser visto merodeando por los alrededores de su propiedad.

Una noche en un bar, Cady conoce a una compañera de trabajo de Bowden, Lori Davis (Illeana Douglas). Allí tontean. Max confiesa su pasado presidiario, pero Lori, que lo único que quiere es vengarse de Sam por no acudir a su última cita, decide llevarlo a casa para tener relaciones, pero él en un momento dado le pone unas esposas, le da un brutal bocado en la cara que le quita parte de la mejilla, le rompe el brazo y la viola.

Al enterarse Sam va al hospital pues se siente responsable y le pide a Lori que presente cargos contra Cady, pero ella se niega avergonzada, pues la responsabilizarán a ella por "buscona" y "libertina" pues conoce bien el procedimiento de los abogados y traumatizada por lo ocurrido.

Ante estas circunstancias Bowden contrata al detective privado Claude Kersek (Joe Don Baker) para que vigile a Cady. Comienza así un seguimiento que es detectado por Max y que Claude asume cuando lo invita en una cafetería. Tras eso Claude le amenza en la calle, pero Max parece no arredrarse ante nada. Claude, ante la realidad, le recomienda que contrate a tres matones para que le den una paliza, pero Sam , como abogado, no quiere estar al margen de la ley.

Max Cady da un paso adelante y llama a la casa y pregunta por Daniella. Se hace pasar como el monitor que le llevará a sus actividades extraescolares de interpretación. En el retirado teatro de la escuela tiene lugar un encuentro en que Max se muestra lascivo con la adolescente y todo culmina con un acercamiento dialéctico que concluye con una tocamiento y un intenso beso a Danielle.

Los Bowden , al enterarse , se desesperan, más aún cuando Leigh se ha enterado de la relación paralela que ha llevado Sam con Lori; pero esta nuevo vuelta de tuerca provoca que Sam vaya a un bar en el que está desayunando Max y le advierte a Cady que se aleje de su familia o sufrirá las consecuencias, mientras Cady graba secretamente la conversación con una grabadora oculta.

A esto se suma de que Kersek convence a Bowden de que contrate a tres hombres para que den una paliza a Cady. Esa noche tiene lugar en un solitario aparcamiento mientras Bowden observa escondido. Pero Cady se defiende de sus atacantes y los agrede violentamente. Tras eso escucha un ruido y le grita a un invisible Sam que lo pagará caro.

Ante esas circunstancias Sam quiere ponerse en manos de una de los mejores abogados del Estado para intentar la detención de Max, pero cuando llama a  Lee Heller (Gregory Peck) descubre que Max Cady se le ha adelantado y lo va a llevar a juicio.

La audiencia tiene lugar presidida por un juez  (Martin Balsam ) que escucha las amenazas de Sam a Cady y que han sido grabadas y ante las evidencias de sus lesiones para pedir una orden de alejamiento contra Bowden. El nuevo abogado de Cady, Lee Heller (Gregory Peck), presentará además una denuncia ante el colegio de abogados de Carolina del Norte, prometiendo hacer que inhabiliten a Bowden para ejercer la abogacía.

Por su parte, Kersek cree que Cady intentará entrar en casa de Bowden mientras éste acude a testificar en la vista contra él como abogado y que tendrá lugar fuera de la ciudad, por lo que fingen la partida de Bowden y se ocultan todos en la casa junto a Claude, esperando que Cady intente entrar y pueda ser disparado en defensa propia por el investigador.

Durante la primera noche no ocurre nada. A la segunda Cady logra infiltrarse en la casa, mata a Graciela y vestido como ella mata a Kersek con la cuerda del piano que San había detectado coincidiendo con la muerte del perro y escapa.

Esa misma noche, cuando ven correr por el exterior a Max,  Bowden, Leigh y Danielle descubren los cuerpos, manchados de sangre y horrorizados huyen a su casa flotante, un barco anclado en la zona norte del estado, en Cape Fear.

Creen haber puesto millas entre ellos y su amenaza criminal, pero sin saberlo Cady los sigue, sujeto al chasis de su coche.

Esa noche, sube al barco y ataca a la familia. Golpea  y ata  a Sam Bowden en el exterior, cuando este había salido para ver porque el barco iba libremente azotado por la tormenta. Descubrimos que Max  se dispone a violar a Leigh y a Danielle, que previamente es colocada en un espacio para herramientas de barco, obligando a Bowden a verlo.

Cuando parece que la violación se va a consumar y mientras Max se enciende un puro, mientras les echa en cara los  14 años de su vida perdidos en prisión y la sodomización que sufrió y todo por las  tácticas de una defensa que intencionalmente no utilizó durante su juicio para exonerarlo.   Danielle rocía a Cady con líquido inflamable cuando él enciende un cigarro, envolviéndole en llamas y haciéndole saltar del barco. Sin embargo, Cady agarra una cuerda y vuelve a subir a bordo.

El barco se ve sacudido por una fuerte tormenta, mientras Cady, con graves quemaduras en el rostro, se enfrenta a Bowden. El movimiento del barco hace que Cady pierda el equilibrio, permitiendo a Bowden tener ventaja mientras Leigh y Danielle llegan a la orilla. Bowden usa las esposas de Cady para atarle un pie al barco. El barco choca con una roca y  comienza a hundirse , pero la pelea continúa en la orilla.

Una fuerte ola arrastra los restos del barco y también a Cady, que termina hundiéndose y , presumiblemente, ahogándose. Bowden se limpia la sangre de Cady de las manos y se reúne con Leigh y Danielle que están en la orilla, acabando así la película.

La película se rodó entre noviembre de 1990 y marzo de 1991 en las localidades de Savannah, en Georgia; Fort Lauderdale y el Hollywood de Florida, así como en algún puntos más de este estado sureño y en Swimming Pool, Columbia/Warner Bros. Ranch en North Hollywood Way, en Burbank, California. La escena climática en el pantano se filmó en el Parque Estatal John U. Lloyd, en medio de un manglar al sur de Florida. Una depresión tropical se extendió sobre el set durante cuatro días, por lo que el equipo de filmación tuvo que esperar a que la tormenta se detuviera para que pudieran producir su propia lluvia.

Como ya hemos señalado la película fue adaptada por Wesley Strick del guión original de James R. Webb , que fue una adaptación de la novela The Executioners de John D. MacDonald . En principio iba a ser desarrollada originalmente por Steven Spielberg , pero viendo lo violenta que era se lo cambió a Scorsese para recuperar la Lista de Schindler , que Scorsese había decidido no hacer. Eso sí Spielberg junto a sus socios se mantuvieron como productores, a través de Amblin Entertainment , pero optó por no ser acreditado personalmente en la película terminada. Martin Scorsese leyó el guión original tres veces mientras creaba Uno de los nuestros (1990) y lo odiaba cada vez, debido a que los Bowdens eran una familia feliz y querían que fueran miserables. El guion pasó por veinticuatro borradores.

Cape Fear marca la séptima colaboración entre Scorsese y De Niro .  De Niro en esta película se puso en forma como antes había hecho en Toro Salvaje. Desarrolló músculos hasta que De Niro parece ser un hombre fuerte y poderoso. De Niro según informes, bajó su grasa corporal al 4%. Robert De Niro estaba tatuado con tintes vegetales, que se desvanecieron después de unos meses. Robert De Niro ayudó a la diseñadora de vestuario Rita Ryack a elegir la ropa de Cady.

De Niro también le pagó a un médico $ 5,000 para modificar sus dientes por el papel para darle al personaje una mirada más amenazadora, y luego pagó $ 20,000 para que le restauraran los dientes después de que terminara la producción de la película.

A pesar de haber trabajado con Nolte en Historias de Nueva York (1989), Scorsese no lo tenía en mente para retratar a Sam Bowden ya que quería que Harrison Ford interpretara el papel. Ford, sin embargo, aceptó hacer la película solo si iba a interpretar a Max Cady. Nolte, quien estaba interesado en retratar a Bowden, logró convencer a Scorsese para que lo eligiera para el papel. Nolte que era más alto que Robert De Niro, pero para la película, Nolte perdió peso y De Niro ganó masa muscular.

Además, Drew Barrymore ,Alyssa Milano , Sarah Jessica Parker y Reese Witherspoon audicionaron para el papel de Danielle Bowden . De hecho, Drew Barrymore hizo una presentación del papel de Danielle Bowden, pero falló en la audición. Más tarde dijo que había " que fue el mayor desastre de mi vida".Jennifer Connelly y Winona Ryder rechazaron el papel de Danielle.

Además de Mitchum y Peck, que se despidieron del cine con ella, supuso la aparición de otro de los intervinientes en la original Martin Balsam. Fue la última aparición de Gregory Peck en un estreno cinematográfico antes de su muerte el 12 de junio de 2003, a la edad de ochenta y siete años. Originalmente se suponía que George C. Scott interpretaría al teniente Elgart. Pero debido a problemas de salud, se retiró unos días antes de filmar y trajeron a Robert Mitchum .

Todos los actores aportaron mucho.Las escenas de Robert De Niro e Illeana Douglas fueron improvisadas. Fue la actriz la que propuso la risa nerviosa sobre la cama, acta la escena improvisada de la seducción de De Niro y Lewis, o la idea que no estaba en el guión original, en la que Leigh solo conocía a Max Cady al final. Jessica Lange sugirió que la escena donde hablan fuera de su casa se agregue al guión, porque sintió que debería haber una reunión entre los dos antes del clímax. Por cierto, el climax final fue filmado dentro de un tanque de agua de gran altura en un estudio de sonido. Duro cuatro semanas en rodarse.

Cuando Cady estrangula a Kersek ( Joe Don Baker ) con el cable del piano, Steven Spielberg sugirió que se vistiera de ama de llaves mientras lo hacía.

Es una película en la que la literatura en su espectro más amplio está presente. En la celda de Max entre el material de lectura en la cárcel uno de los libros presentados es "The Cell Within" de Jake Manning, un libro nunca publicado. Vemos a Danielle leyendo  en muchas ocasiones entre otras cosas la novela de Thomas Wolfe de 1929, Look Homeward, Angel .

Por su parte, Kersek le dice a Sam que vio a Cady en la biblioteca pública leyendo a Friedrich Nietzsche , Así hablaba Zarathustra .

Cuando Cady se pone en contacto con Danielle  alude a la trilogía de Henry Miller The Rosy Crucifixion , que contiene los libros Plexus, Nexus y Sexus. Danielle dice que leyó partes del Trópico de Cáncer . De hecho le deja en casa un ejemplar de Sexus.

Cady le dice a Sam que le enseñará "el significado del compromiso". Él le dice a Sam que "revise la Biblia , y le aconseja que lea lo que está en Esther y los Salmos . Sam  descubre que Cady se estaba refiriendo al Libro de Job . Cady cita una traducción del sacerdote, médico, místico y poeta del siglo XVII, Angelus Silesius , que dice: " Yo soy como Dios, y Dios como yo. Yo soy tan grande como Dios, Él es tan pequeño como yo. Él no puede sobre mí, ni yo debajo de él, ser. ”

Además Cady alude al Infierno de  Dante y a Virgilio guiando Sam hasta el noveno círculo del infierno, el último y el más bajo círculo, reservada para los traidores.

Aparte de conseguir una taquilla bastante lustrosa, con $183,000,000 en su recorrido nacional e internacional La película recibió  algunos premios y nominaciones.

Por lo pronto fue nominada a los Premios de la Academia por Mejor Actor Principal (Robert De Niro) y Mejor Actriz de Reparto (Juliette Lewis). También recibieron nominaciones y al Globo de Oro a Mejor Actor (De Niro) y Mejor Actriz de Reparto ( Juliette Lewis ).

También fue nominada para el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

El Círculo de Críticos de Nueva York nominó a Mejor actriz secundaria a Lewis así como su fotografía y la Asociación de Críticos de Chicago premió a Mejor actriz revelación  a Julitte Lewis al igual que hizo en la entrega de Premios del Círculo de Críticos de Cine de Kansas City a la Mejor actriz. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine concedió el segundo premio a la Mejor actriz de apoyo a Juliette Lewis. Hay que señalar que la escena en el auditorio de la escuela secundaria fue completamente improvisada por Robert De Niro y Juliette Lewis , y se realizó en la primera toma.

Tuvo , además, dos nominaciones a los BAFTA: a la Mejor fotografía y Mejor montaje. Y en los Broadcast Music, Inc. , los BMI Film Music Award- se premió a  Elmer Bernstein

En los Premios CFCA fue nominado como Mejor director a Martin Scorsese , Mejor actriz de soporte Juliette Lewis , aunque se llevó el premio a la actriz más prometedora.

En los Premio David di Donatello del cine Europeo la nominación fue para Robert De Niro al Mejor actor extranjero .

En los Premio Jupiter se llevó el Premio al Mejor actor internacional  . Y en los MTV Movie Awards fue nominado al Mejor beso , también Robert de Niro a la  Mejor actuación masculina y  Mejor villano .

La película recibió críticas positivas. De entre ellas destaca la de Vincent Candy en el New York Times que escribió sobre ella "Aléjate si eres aprensivo, pero si lo haces, te perderás un trabajo esencial de uno de nuestros maestros, así como dos de las actuaciones más exitosas del año, las del Sr. De Niro y la Sra. Lewis".

En Rolling Stone Peter Traves escribe " Aunque Scorsese no siempre trasciende lo "pulp" en Cape Fear, verlo intentarlo nos permite compartir la emoción que experimenta detrás de la cámara. "

El crítico habitual del Chicago Sun Times  Roger Ebert  que escribió sobre la misma que" Cape Fear es una película impresionante, mostrando a Scorsese como un maestro de un género tradicional de Hollywood que puede moldear sus propios temas y obsesiones. Pero cuando veo esta película de $ 35 millones con "grandes estrellas, efectos especiales y valores de producción, me pregunto si representa un buen augurio del mejor director que está trabajando".

Por contra en el Chicago Reader, Jonathan Rosembaum molesto con la película "Es difícil entender por qué Martin Scorsese quería rehacer una película de suspense de 1962 desagradable y formal, cuyas únicas credenciales "clásicas" son una actuación aterradora de Robert Mitchum y una música de Bernard Herrmann. "

En Variety se dijo de ella que era "Inteligente y con estilo. " Y en Newsweek , David Ansen escribió no hace mucho que "Te da un paseo feliz y emocionante (asumiendo que tienes estómago para la pulpa violenta) pero no permanece en la mente como las películas más ricas de Scorsese. Es una buena película de B vestida con alta costura cinematográfica. "

En España Fernando Morales en El País señaló que era un "Irregular remake (...) psicothriller demasiado confuso (...) No obstante, encierra escenas de gran interés"

Yo considero que es una película notable de Martin Scorsese, siendo cierto que no está altura de otras joyas más brillantes del director como Goodfellas , Toro Salvaje u otras que llegarán después, pero es una buena película. Reconozco que me gustan los homenajes y estas está llenas de ellos , a los directores clásicos como Sir Alfred tanto a su estilo como a sus colaboradores estilistas, a los actores que nos deleitaron entre los 40 y los 70, al cine negro, a la literatura, sacando lo mejor de una ramillete de grandes actores y fantásticas actrices, que en el caso de Lewis, dio lo mejor de sí en esta película. Muy recomendable, como casi todo lo de Scorsese.