Cocktails entre sueños

¡ Vivan los ochenta! Su música, sus videoclubes, los walkman. Su estética de pelos cardados , hombreras en las chaquetas, camisas anchas. Los yuppies, el dinero fácil ganado especulando. Vivan el sexo, las drogas y el rock and roll. La máxima: vivir rápido, aunque jugándote la salud física, material y espiritual. 

Una ciudad se convierte en metrópoli mundial; New York y con ella Manhattan la ciudad que se convierte en escaparate del capitalismo y la ciudad que sirve de marco para desarrollar grandes y pequeñas historias, algunas algo tontas, pero que marcan una década como la que te cuenta en Cocktail, la película estadounidense que dirigida por el director australiano Roger Donaldson y que se convirtió en un exitazo al igual que otros título de está década e inicios de este milenio. 

Entre las películas del director estrenadas en los ochenta destaca una película junto a un joven Kevin Costner. como No Way Out (1987) con el que volverá a trabaja en Thirteen Days (2000), dejando otros títulos en el cine estadounidenese tras su presentación en Cannes bajo bandera neozelandesa Smash Palace como el remake del " Mutiny on the Bounty" (1984) con Mel Gibson y Anthony Hopkins más el apoyo en la producción de Dino de Laurentiis, y en los noventa con títulos como Cadillac Man (1990) protagonizada por Robin Williams y Tim Robbins , White Sands (1992) con Willem Dafoe, Mary Elizabeth Mastrantonio, Samuel L. Jackson y Mickey Rourke y sobre todo dos , Species (1995 ) con la bella Natasha Henstridge, Ben Kingsley, Michael Madsen, Alfred Molina, Forest Whitaker y Marg Helgenberger y en 1997 una película que ya pasó por aquí,  Dante's Peak . 

Desde el 2000 su carrera languideció con película que so dejan de ser thrillers convencionales y/ o películas de acción como El recluta (2003), El indio más rápido del mundo (2005), Bank Job (2008), Buscando justicia (2011) , El hombre de noviembre (2014) o McLaren (2017).

En este caso en la que estreno en 1988 la película estaba producida por Ted Field y Robert W. Cort con el apoyo de la Touchstone Pictures, Silver Screen Partners, Interscope Communications y la distribución de Walt Disney Studios Motion Pictures en la que invierten $ 20 millones y que estrenada en 1988 refleja bastante bien una época. 

La película se basaba en el guion escrito por Heywood Gould basada en su obra Cóctel escrita por el mismo y que hablaba en parte de su experiencia detrás de la barra. La película contó con la música de J. Peter Robinson, la fotografía de Dean Semler y el montaje de Neil Travis.

Como protagonistas aparecen Tom Cruise como Brian Flanagan, Bryan Brown como Doug Coughlin, Elisabeth Shue como Jordan Mooney, Lisa Banes como Bonnie, Laurence Luckinbill como Mr. Mooney, Kelly Lynch como Kerry Coughlin, Gina Gershon como Coral, Ron Dean como tío Pat y Ellen Foley como Eleano. 

La película comienza cuando un joven Brian Flanagan ( Tom Cruise) tras dejar el ejército de los Estados Unidos vuelve a casa en Queens y va en busca de su tío Pat. Lo localiza en su bar. El chico llega con muchos sueños , pero uno lo preside todo: habla de hacer un millón de dólares. 

Está en el sitio adecuada, New York , así que marcha a Manhattan y allí Brian acude a muchas entrevistas, pero ninguna sale adelante ya que las empresas pidem los que piden, personas tituladas y el carece de un título universitario. 

Tras mudarse a Nueva York, Brian Flanagan (Tom Cruise) que deambula `por la ciudad ve que hay un puesto para trabajar en la barra. Tras entrevistarse con el encargado Doug Coughlin (Bryan Brown ), un hombre al que le gusta apostar por cualquier cosa, consigue un trabajo a tiempo parcial como camarero en un pub , el Friday's . Trabaja por la noche mientras cursa por la mañana un grado en empresariales que necesita para tener un empleo en publicidad. 

Al principio, Brian es un camarero espantoso, pero con el tiempo y la ayuda de su jefe, Doug Caughlin (Bryan Brown), aprende los trucos del oficio, incluido el flagelo .

Ambos personajes pronto se hacen grandes amigos y Doug se convierte en el mentor de su aprendiz. Su tutela tiene una gran repercusión en el joven. El le da lo que llama la "Ley de Coughlin, que en realidad resulta ser expertos o consejos de un hombre con experiencia vital, pero sin grandes conocimientos. Entre ellos está el de que "Todo lo demás es siempre algo mejor".

Brian , tras un incidente con un profesor, deja la universidad, manteniendo sus aspiraciones personales de abrir un local de copas, pero Doug desconfía de que los dos puedan propio bar juntos. Doug tiene la intención de llamar a su bar "Cócteles y sueños". 

Finalmente, tras una de sus exhibiciones de "flair bartending", los dos amigos acaban trabajando en un club nocturno de moda para la jet set - o gente guapa como se le llamaba en la época- de Nueva York. En el que se presentan muchos de los poetas yuppies de la ciudad.

El establecimiento tiene un piso en la parte superior, justo debajo de las vigas del techo, para que todos los usuarios puedan escuchar los "presuntos" poemas. Brian incluso se atreve con algunos.

Una noche llama la atención de una sensual morena llamada Coral (Gina Gershon) una fotógrafa guapa y rica con la que pasa la noche y que desde entonces considera como su novia. Pero Doug, aplicando sus teorías, duda de que cualquier mujer pueda sentirse tan atraída por un camarero. Así que, mientras están lanzando tiros libres en la pista de baloncesto del barrio, Doug apuesta con Brian que Coral le dejará en una semana. Fundamentalmente, duda de que haya algo especial en la aparentemente perfecta relación de ambos. 

Sin saberlo Brian, Doug sale vencedor de la apuesta acostándose con la chica y engañando a Coral para que se acueste con él. Para mostrar su triunfo vemos como se dan un beso con Coral frente a Brian. Coral rompe con Brian y tras lo mismo Brian y Doug se pelean y terminan su relación. 

Brian, muy molesto, sale del local y pone fin a su amistad y asociación con su veterano y sabio compañero. 

Tres años más tarde, encontramos que Brian está trabajando en Jamaica , siguiendo los consejos de Cora, como camarero en un resort para ganar dinero y poder montar luego su propio local. Allí como camarero atiende a los ricos norteamericanos y yuppies de Manhattan. 

Tras un incidente en la playa en la que una chica le pide ayuda conoce a Jordan Mooney (Elisabeth Shue), una aspirante a artista de Nueva York que, mientras tanto, trabaja como camarera. Ella y Brian inician una romántica historia de amor pues parecen el uno para el otro al son de la canción de Bobby McFerrin, "Don't Worry, Be Happy".  

Sin embargo, en la barra vuelve a aparecer Doug, ahora casado con Kerry (Kelly Lynch), una mujer rica que coquetea abiertamente con otros hombres.

Rápidamente reinicia su gusto por las apuestas y reta a Brian a ligarse con una adinerada mujer que está en la barra. Se llama Bonnie (Lisa Banes) tras un primer encuentro muy borde Brian acepta el desafío y esa noche se gana a una bebida Bonnie. 

Pero Jordan, que se llega al final de la jornada al bar, les ve y, destrozada, coge un vuelo de vuelta de regreso a la ciudad de Nueva York . 

A la mañana siguiente, Brian lamenta haberse acostado con Bonnie. Él va a buscar a Jordan pero se entera de que ella se fue. Doug se burla de Brian sobre la situación. También Flanagan regresa a Nueva York con Bonnie. 

El chico saca provecho a su relación amorosa intentando que ella le sirva de trampolín a un alto cargo dentro de la empresa de su compañera. A pesar de que ella le pide tiempo Brian se impacienta ya que el sueldo es demasiado bajo. De mala gana asume el papel de chico mantenido y se molesta por su estilo de vida. Una noche su relación finaliza de mala manera cuando asistiendo a una exposición de arte Brian bebe más de la cuenta y se pelea con un escultor.

Tras el incidente Brian y Bonnie rompen definitivamente. Brian va entonces en busca de Jordan al restaurante donde trabaja. Ella rechaza su coqueteo pero acepta escuchar sus disculpas después del trabajo. 

Hablan pero Brian sigue diciendo las cosas equivocadas. Luego, para su sorpresa, ella lo lleva a su piso y le dice que está embarazada . Para sorpresa de ella el pregunta si el hijo es suyo. A partir de ese momento, se propone demostrarle a la chica que él, a pesar de ser solo un camarero, puede ser un buen y digno padre. Pero ella dada la pregunta le dice que se vaya. 

Más adelante, Brian , tras rumiar lo ocurrido, se pone en contacto con ella. Va al piso y por medio de una vecina descubre que Jordan pertenece a una familia rica que vive en Park Avenue. Al llegar se presenta al portero de la finca que le dice que la familia Mannet vive en el ático de sus padres. El intenta hablar con ella, pero el padre de la muchacha, Richard (Laurence Luckinbill), descontento con la situación, trata de comprar a Brian aunque sin éxito pues él rechaza el dinero. Jordan, que llega poco después, se niega a sus avances, no queriendo ser lastimada nuevamente. 

Tras romper con ella va en busca de su único amigo, Doug, que está en eun local de moda cerca del puerto. Allí Doug se alegra de verlo. Doug le confiesa a su amigo que ha perdido casi todo el dinero de su esposa en el mercado de valores. Coughlin está abatido , no mujer no lo quiere y se enrolla con todos los tipos que saluda. Doug , además, no quiere revelar a su mujer la precaria situación monetaria en la que se ha metido. 

Juntos van a su yate y beben un cognac producto de una apuesta realizada en Jamaica. Ambas parecen haber perdido. Mientras beben llega Kerry que alega que está cansada. 

Brian lleva a Kerry a su casa pues Doug está demasiado borracho para hacerlo. Una vez en la cochera ella le pide subir al apartamento. Allí ella intenta seducirlo. Brian evita que vaya más lejos por respeto a su amistad con Doug. Kerry está enojada por ser rechazado y llama a Brian cobarde. 

Más tarde, el protagonista va al barco y encuentra el cuerpo de Doug que se ha suicidado cortándose las venas con la botella rota. Tras el funeral, la esposa del difunto le envía una carta escrita por su marido, donde le explica por qué se quitó la vida. En la misiva que no deja de ser una nota de suicidio de Doug, Brian asume que Doug se suicidó porque su vida era una farsa. 

Una vez recuperado de la desgracia, Brian acude a Park Avenue. Allí habla con Jordan sobre la pérdida de su mejor amigo y le suplica perdón, nuevamente. Él le dice que Doug se suicidó porque era demasiado orgulloso para pedir ayuda y que él no quiere cometer el mismo error. Él promete cuidar de ella y su hijo. Brian y Jordan se van juntos, mientras el padre promete a voces no dar un centavo a la pareja. Ambos se dirigen a la puerta cogidos de la mano. 

La pareja se casa y lo celebran en el bar del tío de Brian, Pat en Queens . El tío Pat le presta dinero a Brian para abrir un bar en el vecindario Finalmente, Brian es capaz de alcanzar su meta en la vida, la apertura de un bar llamado "Flanagan's Cocktails & Dreams".

En la inauguración del local, vemos a una Jordan embarazadísima que desvela, antes de los créditos, que espera gemelos. Brian ofrece bebidas gratis para celebrar, para disgusto de su tío Pat. 

La película fue rodada entre octubre de 1987 y enero de 1988. Se rodó entre Estados Unidos, Canadá y Jamaica. Además de en Los Ángeles se rodó en Nueva York , en concreto en Regency Theatre, The Water Club, en Chambers St, entre Manhattan y Queens en concreto en Jackson Avenue and 50th Avenue.

Gran parte del rodaje se realizó en Toronto , Ontario en algunos establecimientos como Don Jail, Casa Loma, Stoopy's Tavern, Lee's Palace, Lakeview Restaurant , Canada Life Building, St John's Norway Cemetary, y el Medical Sciences Building de la University of Toronto.

En Jamaica se rodó en Dragon Bay Beach Portland Parish, Jamaican Inn, Dunn's River Falls en Sandals Royal Plantation, en Ocho Rios, en la localidad St. Ann, Jamaica ). 

La película se basó en la novela semi-autobiográfica de Heywood Gould publicada en 1984. Gould había trabajado como camarero en Nueva York desde 1969 hasta 1981 mientras inicia su carrera de escritor. Gould dijo que "conoció a muchas personas interesantes detrás de la barra y rara vez fue alguien que quisiera tener relación con un camarero. Todos tenían ambiciones...". 

Gould comentó que el personaje principal era" una combinación de muchas personas que conocí, incluyéndome a mí en esos días. Tenía poco más de 30 años, estaba bebiendo bastante mucho y comenzaba a sentir que me estaba perdiendo . El personaje del libro es un hombre mayor que ha estado alrededor y comienza a sentir que está bastante cansado ". 

La Universal compró los derechos de la película y Gould escribió el guion, cambiándolo con respecto a su novela. Él dice que el estudio puso el proyecto en marcha " aunque el personaje no fuese lo suficientemente agradable". 

Disney retomó el proyecto "y pasé por el mismo proceso con ellos. Pelearía con ellos en cada momento, y hubo una gran batalla por hacer que el protagonista fuera más joven". 

Más tarde, Gould admitió que las personas que querían que él hiciera cambios "eran correctas. Querían personajes de películas. Personajes que fueran optimistas y que iban a tener un final feliz y un posible futuro en sus vidas. Eso es lo que quieres para una película comercial de Hollywood. Así que traté de caminar por esa delgada línea entre darles lo que querían y no traicionar por completo la idea inicial". 

Goud declaró que "Había muchos barman como Tom Cruise, chicos más jóvenes que vinieron y estuvieron haciendo esto por un tiempo, y luego 10 años después, todavía lo hacen", dijo Gould. " Era una cuestión de hacer que el personaje fuera más idealista, más esperanzador: tiene su vida por delante. Tiene el encanto, sin el cínico filo amargo de los hombres mayores. ". 

Tom Cruise expresó interés en desempeñar el papel, aunque Robin Williams fue considerado para el papel de Brian Flanagan al igual que Jim Carrey y Charlie Sheen. De hecho ayudó a financiarlo. En 1992, Cruise dijo que la película "no era una joya de la corona" en su carrera.

Como buen profesional recibió lecciones de John Bandy, un camarero profesional, para el juego en la barra.

La actriz Gina Gershon declaró en una entrevista que durante la escena de cama, Tom Cruise, sabía que ella era extremadamente delicada y le hizo cosquillas con tanta fuerza que ambos se cayeron de la cama. Fue, de hecho, la toma utilizada en la película. 

Bryan Brown dijo más tarde que el guión original "era uno de los mejores guiones que había leído. Muy oscuro ... sobre el culto a la celebridad y todo lo relacionado ... Tom Cruise es un hombre muy dulce, era entonces y todavía lo es. Pero cuando entró Tom, la película tuvo que cambiar. El estudio hizo los cambios para proteger a la estrella y se convirtió en una película mucho más ligera debido a eso ".  Bryan Brown tuvo que acabar su película más representativa, F / X, efectos mortales que se estrenaría dos años antes que esta. 

Jennifer Gray, Demi Moore, Ally Sheedy,Heather Graham , Jodie Foster, Daryl Hannah, Sarah Jessica Parker y Jennifer Jason Leigh fueron consideradas para el papel de Jordan Mooney, que al final fue elegida con Elisabeth Shue.

Kelly Lynch señaló años después que la película "era en realidad una historia realmente complicada sobre los años 80 , sobre el poder y el dinero, y fue reeditada en gran medida cambiando la historia de fondo de mi personaje: su baja autoestima, quién era su padre, por qué ella era esa persona que era, pero obviamente fue una película realmente exitosa, pero no tan buena como podría haber sido ". Afirmó que Disney volvió a filmar "aproximadamente un tercio de la película ... y se centró en el espectáculo de las botellas y esto y aquello ... Pero lo pasamos muy bien. Y Tom fue muy divertido tanto dentro como fuera de la cámara ". 

Gould señaló que los trucos relacionados con tirar botellas no estaban en el libro, sino que introdujeron Cruise y Bryan Brown. Lo usaron y se convirtió en la característica más destacada de la película. Gould señaló que "No estaba contento con el producto final". "Las críticas lo pusieron tan mal ... Me acusaron de traicionar mi propio trabajo, lo cual es estúpido. Así que quedé bastante devastado. Literalmente no pude salir de la cama por un día. Lo bueno de esa experiencia es que me endureció ". 

Una partitura musical fue hecha originalmente por Maurice Jarre . Sin embargo, en el último momento se cambió por la creada por J. Peter Robinson. 

La película fue un éxito en taquilla alcanzando $ 171.5 millones casi nueve veces su presupuesto de $ 20 millones, y se clasificó como la octava película más taquillera de 1988 en todo el mundo. 

Pero las críticas fueron duras con ella. Vincent Canby de The New York Times dio una crítica negativa, calificándola como "una variación exclusiva y completamente sin cerebro de esas viejas películas B eficientes de los años 30 y 40 sobre las vidas, los amores y las habilidades de los mineros del carbón, (...) o los trabajadores telefónicos , entre otros." 

Para Roger Ebert del Chicago Sun-Times la película "cuanto más piensas en lo que realmente sucede en Cocktail , más te das cuenta de lo vacío y fabricado que realmente es". 

A pesar del éxito de taquilla de la película pero con una crítica tan poco favorable, pasó lo que era de esperar. Ganó dos Premios Golden Raspberry, a peor película y peor guion. Además, Tom Cruise fue nominado en la categoría de peor actor y Donaldson como peor director . 

Destacaban como "méritos" para ello el peinado y el corte de pelo de Tom Cruise cambian durante toda la película, incluso en escenas consecutivas. 

La película figura en el libro del fundador de Golden Raspberry Award , John Wilson , The Official Razzie Movie Guide, como una de las "100 películas más malas de la historia". La película también fue nominada a la peor película en los Stinkers Bad Movie Awards de 1988, pero perdió ante Caddyshack II . 

Sin embargo, no todo fueron desgracias, y para no acabar tan mal comentar que el sencillo oficial de la banda sonora, " Kokomo " de The Beach Boys , tuvo éxito comercial y encabezó las listas en Estados Unidos, Australia y Japón. La canción fue nominada para un Grammy y un Globo de Oro .

Desde luego agradecer en la misma la banda sonora que trufa algunos momentos en la película. Momentos delirantes por lo absurdo son los poemas sobre la barra que pueden que en inglés no sean tan horribles como sueñas en español.

Lo interesante para mi en la película es mostrar una época , creo que ese y no otro es el gran acierto de una película bastante plana que tiene como trasfondo una historia de amor poco más que adolescente entre un ambicioso chico mal asesorado por su amigo ludópata y una chica , eso sí, con mucho encanto.

Vemos en ella a un Tom Cruise creciente , a una Elisabeth que se quedó en la gran promesa de actriz que se quedo en eso , y a un actor como Bryan Brown  que tocará el cielo en su siguiente película , FX que ha sido vista recientemente, pero que no he podido realizar la entrada. Hay que verla para recordar el espíritu de esos años crecientes, hoy menguantes. 

No todo fue un mal sueño, aunque se acercara a pesadilla. Como imagen de una época me parece magnífica, como película es una películita, que hay que ver aunque , por momentos de vergüenza ajena, y por momentos, sueño. La razón, fue referencia en los ochenta.

Una casa en las afueras

Jennifer Lawrence es una actriz de moda. Su participación como Katniss Everdeen en The hunger games o como Mystique en los X Men la presentó al gran público, pero esta chica de Kentucky nacida en 1990 que roza en la actualidad los 26 años ya ha ganado una buena cantidad de premios desde que apareció por primera ver para el público de televisión y de la gran pantalla. Entre sus premios hay ya un oscar obtenido en 2012 por su actuación en Silver Linings Playbook. Pero junto a éste hay otros como tres globos de oro , un Bafta así como muchos más. Parece ser una chica prodigio de la interpretación. 

Pero ese exitoso año de 2012, no sólo tuvo tiempo para ser Katniss Everdeen o para la Tiffany Maxwell de la premiadísima Silver Linings Playbook, sino que asumió el rol  de Elissa Cassidy en House at the End of the Street o La casa al final de la calle  que pude ver en el día de ayer. 

Desde luego por esta premio no se merece alguno, pues se trata de una película de terror y suspense estadounidense , una más , y del montón dirigida por Mark Tonderai y protagonizada junto con otro actor joven,  Max Thieriot, al que yo conozco de Bates Motel. 

La película de  Mark Tonderai es una producción estadounidense en la ue participan Aaron Ryder , Peter Block y   Ryan Kavanaugh con representantes de las productoras A Bigger Boat , FilmNation Entertainment y Relativity Media, que invirtieron en ella cerca de 7 millones de dólares y que  distribuyó esta última productora consiguiendo para ello una cifra cercana a los 48 millones de dólares.

Para su realización parten de un guión firmado por David Loucka y Jonathan Mostow. Además la película cuenta con la música de Theo Green, la fotografía de Miroslaw Baszak y el montaje de Steve Mirkovich y Karen Porter.

El reparto está encabezado por Jennifer Lawrence como Elissa , Elisabeth Shue como su madre,  Sarah, Max Thieriot como Ryan, Nolan Gerard Funk como Tyler, Gil Bellows como Weaver , Eva Link como Carrie Anne, Nolan Gerard Funk como Tyler, Allie MacDonald como Jillian. Junto a ellos se encuentran  Krista Bridges, Allie MacDonald, James Thomas, Jon Nathan Malen, Jon McLaren y  Joy Tanner 

La historia comienza con una escena en la que vemos un asesinato. En el mismo participa una asesina psicótica en camisón, matando primero a la madre y luego a su padre con un martillo, todo esto en el medio de una noche de tormenta. Los eventos son borrosos y deformados como si la asesina estuviese trastornada.

Cuatro años más tarde, una mujer recién divorciada, Sarah Cassidy (Elisabeth Shue), y su hija Elissa Cassidy (Jennifer Lawrence) que salen de Chicago y que buscan una nueva residencia la  encuentran en una pequeña ciudad.

Sarah informa a su hija que pueden darse el lujo de esa casa, porque al final de la calle , a poca distancia se encuentra la casa donde vivía una familia cuyos todos sus miembros fueron asesinados una noche hace cuatro años.

Tras ser recibidos por algunos de sus vecinos, encargado alguno de ellos de alquilarle la vivienda, hace cuatro años antes: una chica llamada Carrie Anne Jacobson mató a sus padres en la casa de al lado y luego huyó hacia el bosque. Los lugareños creen que Carrie Anne se ahogó en el río pero su cuerpo nunca fue encontrado. La leyenda dice que la chica  todavía vive en el bosque cosa que le cuadra a Elissa que ha visto opa de chica tirada en el bosque.

Una noche, Sarah se despierta de madrugada y descubre on sorpresa como la luz de una ventana en esa casa se ilumina. Se informa y resulta que hay un superviviente en la familia. El hermano de Carrie Anne, Ryan Jacobson, es el único superviviente que en el momento de la tragedia, estaba lejos cuidando a su tía enferma. Después del accidente Ryan volvió a la casa donde ahora vive solo, ya que su tía se murió una año antes de la mudanza de Elissa y su madre, pero todo el barrio lo odia a él y a la casa, porque hace bajar los valores de las otras propiedades.

Elissa, mientras tienen que normalizar su vida y empieza a integrarse en la High School de la localidad. Allí conoce a unos chicos , entre ellos uno de sus vecinos Tyler (Nolan Gerard Funk),  Un chico bastante falso que le tira los tejos, pero sin buen resultado. Cuando es invitada a una fiesta y suvecino le intenta meter mano ella decide irse de la fiesta, no sin antes ayudar a una chica que está bebida, Jillian (Allie MacDonald), que desde ese momento es su mayor apoyo en el instituto y le acerca a un grupos de chicos con los que hace un grupo musical .

Al irse de la fiesta se encuentra sola en la carretera hasta que un coche se para. Le pregunta dónde va y él le comenta que va al lado de su casa. Resulta ser Ryan Jacobson (Max Thieriot), que se muestra muy amable y encantador quedándose prendada la chica de Ryan.

Al día siguiente Sarah conoce a Bill Weaver (Gil Bellows) , un oficial de la policía local. Ella preocupada por la admiración que su hija siente sobre el chico. El oficial Weaver parece ser el único partidario de Ryan en la pequeña comunidad.

Contra los deseos de Sarah, Elissa y Ryan comienzan una relación que sólo es conocida por Jillian, una amiga de Elissa, se compromete a mantener eso en secreto.

Un día mientras Elissa visita a Ryan, éste le cuenta a Elissa que él había sido el responsable del accidente de Carrie Anne en su infancia, mientras balanceaban en los columpios. Se suponía que él debía cuidarla mientras sus padres estaban dentro de la casa. Entonces Carrie Anne, queriendo ir más alto, se cayó del columpio y según Ryan eso le produjo un daño cerebral que la hizo extremadamente agresiva.

Nada más salir descubrimos que Ryan secretamente ha estado cuidando de una niña que parece ser Carrie Anne, en una habitación oculta. Nadie sabe de la existencia de Carrie Anne, quien escapa de la habitación en dos ocasiones y aparece para intentar atacar a Elissa.

Durante el segundo intento de fuga, Ryan accidentalmente mata a Carrie Anne mientras trataba de esconderla de Elissa y Jilliam por mantenerla callada. En su dolor, visita un restaurante donde una joven camarera intenta consolarlo dándole un  trozo de pastel.

En una noche  Elissa que va a tocar con su grupo presencia un altercado entre Ryan y un grupo de chicos pijos que vacilan a Ryan y que  destrozan su coche. Ryan le ataca y le rompe el tobillo con suma frialdad y eficacia. Trass Ryan rompe el tobillo de Tyler y huye a casa.

El resto de sus amigos decide quemar su casa, pero Elissa logra detener el fuego. Cuando Elissa entra a la casa y mira la basura, se encuentra algo que le llama la atención: un paquete de tampones y una caja de lentes de contacto azules. Después empieza a recorrer la casa y encuentra la habitación secreta de Ryan. Cuando este llega, ella es atacada por Carrie Anne. Entonces Ryan entra y contiene a Carrie Anne mientras le pide a Elissa que salga de la habitación. De cualquier manera a Elissa le ha dado tiempo para ver que los  ojos de Carrie Anne, uno es de color marrón, mientras que el otro es azul.

Mientras Ryan se queda con su hermana, Elissa encuentra un lente de contacto azul y recuerda lo que vio en la basura, entonces desenrolla la caja para ver que se trataba de una caja de lentes de contacto "True Blue". A continuación, busca más efectos entre  la basura y encuentra una billetera con una identificación de la estudiante Peggy Jones - que es realmente la camarera de la cafetería a la que Ryan fue-. En ese momento, se revela que la actual Carrie Anne es realmente Peggy que ha estado cautiva y fue obligada a vestirse para parecer Carrie Anne.

Para mantener a Carrie Anne en secreto, Ryan llama a Elissa y la ata a una silla. Él le cuenta  que Carrie Anne realmente murió en el accidente de las hamacas, ya que se rompió el cuello y no recibir atención médica; pero que aún necesita a una Carrie Anne en su vida. En ese momento vemos un flashback donde el padre de Ryan termina enterrando a Carrie Anne.

Entonces Ryan dice que va a hacer de Elissa su nueva Carrie Anne. Se hace evidente que la primera "Carrie Anne" fue otra víctima que intentaba escapar de Ryan.

Avisada por Sarah que intenta saber dónde está Elissa y que se encuentra preocupada por ella dado el carácter violento presentado por Ryan, le pide a su mejor nuevo amigo en la localidad, el policía Weaver,

Al preguntare a Ryan por Elissa le dice que ella no está allí, pero Weaver decide llamar al teléfono de su casa (el cual redirige las llamadas al móvil de Elissa), sonando así dentro de la casa de los Jacobson.

En una pelea previa que ha tenido con Ryan sel móvil se le ha caído, al llamarle nuevamente Weaver y escucharlo sonar en el interior, Weaver vuelve a entrar en la casa y le dice a Ryan que siempre lo ha defendido, pero Ryan se enoja con Weaver y lo apuñala hasta la muerte.

En ese momento Elissa escapa pero es parada  por Ryan que la desvanece con cloroformo y echada en el maletero de su coche junto al cuerpo de  la chica asesinada,  Peggy.

Más tarde ella despierta y se escapa. En ese momento Sarah llega a la casa y oye los gritos de Elissa, pero es apuñalada por Ryan.

Durante la lucha, Elissa aparece y dispara sobre Ryan varias veces pues Elissa ha usado el arma de Weaver,

La pesadilla ha terminado. Elissa y Sarah finalmente se mudan de la casa, y Ryan termina en un hospital mental. Para explicar cómo llegó a ser un perturbado y por qué mató a sus padres, un flashback muestra al joven Ryan, a punto de soplar las velas de cumpleaños, pero es llamado por sus padres "Carrie Anne". Él le dice a su madre que su nombre es Ryan, no Carrie Anne, pero ella le da una bofetada diciéndole que su nombre es Carrie Anne varias veces, dejando entrever que sus padres lo obligaron a vestirse y actuar como Carrie Anne después de su muerte. Hasta aquí la película.

La película fue estrenada el 21 de septiembre de 2012 y recibió mayoritariamente críticas negativas. En el sitio web Rotten Tomatoes se le da un 13% de aprobación basada en veintitrés reseñas.

En su primer fin de semana en la cartelera estadounidense, House at the End of the Street recaudó US$ 13 000 000, posicionándose en el primer lugar. 

Las críticas fueron unánimes en lo negativo. Mark Olsen, por ejemplo, nos dice  en  Los Angeles Times  "¿Qué puede ser tan malo de una película de Jennifer Lawrence cuando su distribuidora opta por mantenerla apartada de los críticos y la estrena con un mínimo soporte publicitario? (...) Deja que 'House at the End of the Street' conteste a esta pregunta"

John DeFore del The Hollywood Reporter comenta que se trata de "Un thriller arquetípico con escasos sustos o suspense"

Para Wesley Morris del  Boston Globe es simplemente "Una peliculita horrible incluso bajo los estándares del género"

En España destaco la opinión que se vierte en ese magnífico blog de cine en este caso firmada por  Mikel Zorrilla y que afirma que 'La casa al final de la calle', es un terrorífico truño que tardó casi diez años en recibir luz verde. (...) Al final un desastroso resultado de una cinta en la que aún no me explicó cómo acabó implicada Jennifer Lawrence. un disparate sin pies ni cabeza.

Zorrilla entiende que gran arte del mismo se encuentra en el guión de David Loucka y Jonathan Mostow, que iba a ser el director de la película en primera instancia, pero fue aplazándose todo tanto que imagino que al final simplemente tuvieron que acreditarlo Mikel Zorrilla critica abiertamente el trabajo de ambos protagonistas, una desdibujada Jennifer Lawrence y un "patético"  Max Thieriot

Acaba diciendo que 'La casa al final de la calle' es un filme previsible , lleno de tópicos  y un bodrio perfecto.En definitiva, es un desastre absoluto.

En la prensa Argentina en el Diario La Nación  Fernando López vuelve a criticar el guión "No hay creatividad actoral que pueda disimular un guión tan torpe." , igual que  Pablo O. Scholz del  Diario Clarín  crítica a sus actores.

A mi personalmente la película no me ha aportado nada. Me ha sorprendido de hecho encontrarme en ella a una top como  Jennifer Lawrence, la actriz mejor pagada en estos momentos , y la intérprete que ganó 46 millones de euros en los últimos 12 meses, según la revista 'Forbes' en agisto de 2015, 14 millones más que Scarlett Johansson. La película no tiene energía ninguna y como he leído en alguna crítica es tremendamente previsible. La ves sin más. De hecho le pasa una de las cosas que nunca le ha de ocurrir en un thriller carece de todo tensión, es plana, como la historia, como las actuaciones, como las paredes de una casa al final de la calle o en las afueras. Esté donde esté.

Regreso al futuro (II)

Tras ver la primera tocaba ahora la segunda de Back to the Future Part II, o sea, de nuestra Regreso al futuro II  estrenada en 1989 como segunda parte de la trilogía de Back to the Future. 

Fue dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg. y cuenta con los habituales guionistas el mismo  Robert Zemeckis y Bob Gale. En la distribución aparece la Universal Pictures, mientras la producción fue labor de Amblin Entertainment y  U Drive Productions. Contó con un presupuesto de 40 millones de dólares que se multiplicaron en caja con más de 331 millones en ingresos.

En la banda sonora articipa Alan Silvestri , mientras que en la fotografía, ¡para qué cambiar! Dean Cundey .

En cuanto al elenco de actores y actrices señalar que aquí algunos cambios. En el papel protanista están Michael J. Fox como Marty McFly / Marty McFly Jr / Marlene McFly y Christopher Lloyd como Doctor Emmett Brown. Aparece iualmente  Lea Thompson como Lorraine, Thomas F. Wilson como Biff Tannen / Griff, Elisabeth Shue como Jennifer, Charles Fleischer como Terry, Billy Zane como Match, Jeffrey Weissman como George McFly, James Tolkan como Strickland, J.J. Cohen como Skinhead, Casey Siemaszko como 3-D, así como Joe Flaherty y Harry Waters Jr..Elijah Wood, aparece con sólo ocho años de edad siendo esta su primera aparición en el cine es uno de los chicos que miran Marty jugar a un videojuego en 2015.

Esta vez la trama acontece entre 1985 y 2015. Esta segunda parte comienza donde terminó la primera, con Marty McFly y Jennifer Parker (en este caso Elisabeth Shue) que vuelven a encontrarse después de lo ocurrido en la película anterior. Desde luego la chica no sabe nada. 

Entonces llega el doctor Brown con la máquina del tiempo (modificada para funcionar con basura en vez del plutonio que, en la primera Doc robó a terroristas libios ), y le dice a Marty y a Jennifer que deben ir con él, puesto que sus hijos corren peligro en el futuro.

Marty, Doc y Jennifer suben al DeLorean para viajar en el tiempo hasta el 21 de octubre del año 2015. Antes de salir Biff, que ahora trabaja para el padre de Marty limpiando automóviles, ve al DeLorean elevándose y desapareciendo.

Cuando el trío llega a Hill Valley ven la ciudad completamente «futurizada»  y Doc le explica a Marty el conflicto y la forma de arreglarlo, que consiste en evitar que su hijo Marty Junior sea encarcelado por culpa de Griff Tannen (el nieto de Biff) y que su hija, Marlene, ayude a Marty Junior a fugarse de la cárcel (lo que también causaría su arresto). La orden es clara por parte de Doc. En el café que ha de entrar debe decir que no a Griff Tannen.

Marty entra en el Café de los 80 y conoce a su hijo, que resulta ser idéntico a él físicamente, pero parecido al joven George McFly (su abuelo) por lo tímido e inseguro.

También se encuentra en ese restaurante con Biff, que es un anciano amargado y decrépito que vive aún bajo la sombra de los McFly (y de su propio nieto), pero espera su oportunidad de vengarse. Éste le cuenta a Marty (creyendo que es Marty Junior) lo fracasado que él ha llegado a ser en el futuro.

Marty, al mismo estilo de la primera película, se enfrenta a un abusivo Griff y a sus amigos tras llamarle gallina haciendo que caigan volando en el edificio de la torre del reloj (el viejo juzgado de Hill Valley) y que sean arrestados, salvando una vez más del desastre a la familia McFly.

El problema surge cuando Marty compra un almanaque deportivo con todos los resultados de los deportes de Estados Unidos desde 1950 hasta 2000, con el fin de llevarlo al pasado y ganar «algo de dinero fácil». Pero Doc, más prudente, le dice que la máquina del tiempo no debe usarse para beneficio personal, sino de la humanidad entera. Marty acepta a regañadientes y Doc tira el libro a un cubo de basura. Con el desastre de su familia completamente evitado, Marty y Doc se preparan para partir a 1985 y van a por Jennifer, que fue dormida por Doc para evitar que conociera su destino.

Pero en ese momento, es recogida por la policía y llevada a su casa del futuro. Doc sabe que ahí podría encontrarse consigo misma lo que le causaría que se desmayase de la impresión o hasta una posible paradoja expplosiva por lo que deben evitarlo a toda costa.

Jennifer es dejada en la casa y ahí se entera de toda una vida llena de fracasos: Marty y ella se casaron y tienen dos hijos, pero un accidente de automóvil hizo que quedara lisiado de la mano, imposibilitándolo de seguir su carrera musical, e incluso el dueño del auto que Marty chocó, lo demandó, con la cual su vida hubiera sido diferente.

También ve que el Marty del futuro tiene problemas con la empresa donde trabaja y se lleva un papel impreso que dice: "Está despedido".

Jennifer trata de salir de la casa, pero se encuentra con ella misma en el futuro; al verse una a la otra ambas se desmayan de la impresión.

Marty y el Doc logran ubicarla para luego regresar a 1985. Mientras Marty y Doc  van a  por Jennifer, Biff del futuro los ha seguido y tras haber descubierto que viajaron en una máquina del tiempo, se introduce en el DeLorean, que Marty accidentalmente dejado con  la puerta abierta en un descuido de él, se da cuenta de que tiene el poder de destruir a los McFly.

A sabiendas de que puede ambiar el hilo de su historia vital, toma el almanaque que había sido dejado en la basura y viaja a 1955 para darle el libro a su otro yo de ese año con el fin de hacerse millonario, volviendo al mismo instante sin que Marty y Doc lo hayan visto.

Cuando regresan a la máquina del tiempo, Doc insiste en que una vez que hayan regresado a 1985 deberá destruir el coche  para evitar que su uso cree el riesgo de trastornar la realidad histórica, poniendo en riesgo el futuro que mejor sea para la humanidad.

Cuando Doc y Marty vuelven a 1985, creyendo que habían terminado su misión, se encuentran con una Hill Valley apoderada por Biff. La historia había sido alterada. La zona de Lyon States, barrio residencial donde vive Marty, es ahora un barrio marginal  donde todas las casas están a la venta salvo una, la que le pertenece a su familia en el 1985 original, pero que ahora perteneciente a una familia afroamericana que se niega a venderla.

El instituto de Hill Valley ya no existe, ya que se quemó en 1979, obligando a su director, el Señor Strickland, a pasar todas las noches en casa armado con una escopeta para proteger su casa de los delincuentes que ahora abundan en Hill Valley.

También todos los alrededores de la ciudad son ahora una zona industrial, producto de las plantas de tratamiento de residuos llamadas Biffco, propiedad de Biff Tannen. El ejército y la policía están siempre en las calles y toda la población es vagabunda.

Por si fuera poco, el juzgado de Hill Valley fue transformado en un lujoso casino-hotel de más de veinte pisos en el año 1979. Biff es el hombre más rico y poderoso de América; Lorraine, la madre de Marty, está infelizmente casada con Biff, ya que su padre George había muerto en 1973 a manos del abusivo Biff, quién lo mató para poderse casarse con Lorraine, a quien por si fuera poco obliga a vivir un infierno oculto por una vida de lujos.

Biff la agrede física y verbalmente sin el menor reparo, mantiene a Marty lejos de ella enviándolo a un reformatorio, e incluso la obliga a cargar con un implante de pecho que él quería que se hiciese para hacer su vida sexual más placentera. Su hermano Dave es un vagabundo, y su hermana Linda tiene graves problemas con los bancos.

Queda en evidencia que si Lorraine todavía no lo ha dejado es porque Biff es el único con el suficiente dinero y poder para evitar que los graves problemas que afectan a la familia que ella formó con George acaben hundiendo a sus miembros, circunstancia que él aprovecha para chantajearla emocionalmente y convencerla de que haga lo que él quiera.

También el Doc ha tenido un mal final, ya que ha sido encerrado en un hospital psiquiátrico y entretanto su laboratorio se ha vuelto un desastre.

Marty al principio no entiende nada de lo que sucede pero Doc descubre la causa de todo y ambos entienden que el único modo de convertir el infernal 1985 en el que se hallan ahora en el 1985 más favorable para ambos es ir al pasado e impedir que el plan del Biff del año 2015 tenga éxito.

Marty va a preguntarle a Biff sobre el almanaque. Marty logra escapar de ser asesinado después de que Biff le contara todo, ya que el Biff del futuro le dijo a éste que algún día debería matar a un chico (Marty) y/o un científico con cara de loco (Emmett Brown) cuando llegaran a preguntar algo sobre el almanaque.

Después de eso, junto al Doc viaja al año 1955 al mismo día en el que Marty regresó al futuro en la primera película (que fue el día en el que el Biff del futuro se dio el libro a él mismo, el 12 de Noviembre de 1955) para poder quitarle el almanaque a Biff y volver a restablecer el año 1985.

Cuando Doc ajusta la fecha a la que deben volver, el tablero se descompone  haciendo que la fecha a la que deben ir cambie a 1 de Enero de 1885, fecha a la que, producto del mismo fallo, Doc acabaría siendo transportado más tarde.

Como en la primera película, Marty pasa por muchas situaciones cómicas y peligrosas para poder recuperar el libro y con esto evitar el mundo corrupto de Biff, en las que también debe tener cuidado de que tanto sus padres como su yo del pasado no lo vean (y también asegurar el regreso a 1985 del Marty del pasado) ya que de lo contrario causará una paradoja en el tiempo.

Con el futuro arreglado, Marty y Doc se disponen a volver a su época original. Parece que ahí acabaría la historia, sin embargo un rayo impacta en el DeLorean mientras vuela y desaparece.

Marty se queda atrapado en 1955, pero al momento llega un cartero con una carta de más de 70 años escrita por Doc, diciéndole que está en 1885. Marty sólo tiene una salida: encontrar al Doc de 1955 para viajar a 1885. Y allí vuelve acabando la segunda entrea y dándonos una aviso de que existe una tercera entregado ya en fase de rodaje.

La película fue un éxito absoluto de taquilla al igual que la primera, llegando a ser la segunda más taquillera de 1989. 

Según cuenta el mismo Robert Zemeckis, la primera película no fue ideada para tener una secuela. La razón de transformarse en una trilogía fue debido al éxito taquillero de la primera parte. Esto incitó a realizar p la segunda e incluso la tercera parte que se filmaron simultáneamente . Tanto es así que, en la edición de DVD, Robert Zemeckis comenta que el hecho de que el DeLorean volara fue solamente un gag humorístico, y fue por eso que Jennifer estaba dentro de él. Un gag que casi le costó muy caro ya que en el momento de hacer la secuela tuvieron que inventar una historia que involucrara a Jennifer, lo cual -según sigue comentando- si se hubiese sabido de antemano que iba a haber una segunda parte, no hubiese sucedido.

Robert Zemeckis accedió a hacer una secuela, pero sólo si Michael J. Fox y Christopher Lloyd estaban en la misma. Con Fox y Lloyd confirmados, Zemeckis y Bob Gale diseñaron una historia para la secuela. Bob Gale escribió la mayor parte del primer proyecto y como Zemeckis estaba ocupado haciendo Quién engañó a Roger Rabbit el eso de la misma lo llevó él. 

Al principio, la película iba a tener lugar en 1967, pero Zemeckis indicó más adelante que las paradojas del tiempo proporcionaban una buena oportunidad para volver a 1955 y ver el tiempo con una persectiva  nueva. Del  elenco original apenas se descolgó nadie, auqnue el roblema surgió con los honorarios del Crispin Glover para retomar el  papel de George McFly. Cuando quedó claro que no iba a volver, el papel fue reescrito para que George está muerto cuando la acción tiene lugar en la versión alternativa de 1985. 

El mayor reto fue la creación de la visión futurista de la ciudad natal de Marty en 2015. El diseñador de producción Rick Carter quería crear una imagen muy detallada con un tono diferente de otras elículas futuristas.  Carter y su equio  pasaron meses planificando ese futruro que es el presente y en la preparación de la transformación de Hill Valley en una ciudad del futuro. 

El director artístico de efectos visuales John Bell declaró que no tenían fundamento para trabajar, sólo los indicios de que el ajuste sería 30 años en el futuro. Al escribir el guión de la película, Gale quería impulsar las ideas del primero para el efecto humorístico. Zemeckis dijo que estaba un poco preocupado por retratar el futuro, debido al riesgo de hacer predicciones salvajemente inexactos. De acuerdo con Gale, trataron de hacer que el futuro es un buen lugar en contraste con el pesimismo orwelliano sobre el futuro.

Para a mantener los costos de producción bajos y avanzar arovechando el  descanso que Michael J. Fox tenía tras  Family Ties se necesitaron dos años para terminar la construcción de set y el guión. 

Durante el rodaje, la creación de los personajes "envejecidos" era un secreto bien guardado, que involucraba al equio de maquillaje. 

El rodaje comenzó el 20 de febrero de 1989 y duró casi once meses debido a que se rodaron la parte segunda y tercera. 

La película fue considerado uno de los proyectos más innovador de Industrial Light & Magic y fue una de las primeras incursiones de la casa efectos digitales, así del rodaje or medio de un nuevo modelo de cámara que permitía  rodar una de sus secuencias más complejas, en las que Fox aparecía como  tres personajes distintos (Marty Sr., Marty Jr. y Marlene), en todos los cuales interactuó con los demás. La técnica también se utilizó en las escenas donde Thomas F. Wilson, Christopher Lloyd, y Elisabeth Shue se encuentran e interactúan con sus contrapartes. 

También incluye un breve momento de imágenes generadas por ordenador en un holográfica tiburón utilizado para promover una ficticia Jaws 19, que terminó sin cambios desde la primera prueba realizada por el departamento digital de ILM, porque el supervisor de efectos Ken Ralston "le gusta el hecho de que todo estaba en mal estado." 

A medida que la película se acercaba a ser presentada y com buena parte de la tercera se había rodado una parte se añadió y se montó al final de la misma antes de que los créditos de cierre, para dar seguridad a los aficionados al cine que no había más que seguir. 

Zemeckis utilizó alunas imágenes grabadas de Crispin  Glover (George McFlyde) de  la primera película, cuando no se alcanzó un acurdo económico con el actor. Debido a ello Glover presentó una demanda en contra de los productores de la película con el argumento de que no tenían permiso para usarlo. 

Claudia Wells, que había interpretado en la primera película a Jennifer Parker, la novia de Marty McFly en la primera película, iba a repetir su papel, pero lo rechazó debido a la mala salud de su madre. Los productores contactaron con Elisabeth Shue que volvió a rodar las escenas finales de la primera película para el comienzo de la segunda parte. 

Con respecto a ese futuro previsible de 2015  Zemeckis destacó los  hoverboards ( o monopatines voladores). Incluso llegó a comentar que los utilizados en ella eran reales, pero que aún no lanzado al público. Un número de personas pensaba que Zemeckis estaba diciendo la verdad y los pidió en las tiendas de juguetes.

Según Zemeckis, el 2015 representa en la película no estaba destinado a ser una descripción exacta del futuro. "Para mí, la filmación de las futuras escenas de la película fueron las menos agradables de hacer de toda la trilogía, porque no me gusta películas que tratar de predecir el futuro. (...) Por lo tanto, en lugar de tratar de hacer una predicción científica sólida que probablemente íbamos a hacerla mal apstamos por hacerla más divertida ".

A pesar de esto, los cineastas hicieron hacer algunas investigaciones en lo que se puede producir científicos pensamiento en el año 2015. Bob Gale dijo: "Sabíamos que no íbamos a tener coches voladores en el año 2015, pero  teníamos que crearlos para nuestra película ".  Sin embargo, la película predijo correctamente una serie de cambios tecnológicos y sociológicos que se produjeron en 2015, entre ellos: el ascenso de las cámaras; ls drones no tripulados  para tareas mundanas; la pantalla plana, ls televisores de pantalla para  visualizar múltiples canales, el chat de vídeo; los sistemas de videojuegos de manos libres; los hologramas como carteleras; la tecnología portátil; incluso, las aplicaciones de pago   en dispositivos portátiles por medio de las  huellas digitales y , en parte, está en uso en  la seguridad de algunos aeropuertos. El uso del biodiesel combustible generado a partir de desechos de alimentos, aunque no a través de un reactor de fusión como se sugiere en la película. La popularidad de la película en 3-D en la década de 2010 también se predijo con exactitud.

Otros aspectos de la representación de un futuro no han llegado a pasar en 2015, pero se hicieron esfuerzos para replicar los avances de la tecnología como el uso de zapatillas con cierres automáticos. De hecho Nike recreó un modelo similar, la McFly Air. En abril de 2009, se presentó la patente de los zapatos de auto-cordón, y su diseño tiene un parecido a los usados ​​por Marty en la película.

El concepto del aerotabla de  skate que puede flotar sobre el suelo, ha sido explorado por varios grupos desde el lanzamiento de la película. Intentos se han realizado con  aire de inyección.

En la películase habla de que los Chicago Cubs ganan la Serie Mundial de 2015 contra el Miami Gators haciendo referencia a las malas temporadas precedentes, pero lo cierto es que el equipo de Florida ha passado ya por dos franquicias: los Marlins de Florida (ahora los Marlins de Miami) en 1993 y los Devil Rays de Tampa (ahora el Tampa Bay Rays) en 1998.

La película fue rodada entre California como Los Ángeles , Pasadena, Arleta, El Monte, Whittier y Monrovia y Nevada en concreto en The Plaza Hotel (Biff Tannen's Pleasure Paradise Hotel). 

La película fue estrenada en cines en América del Norte el miércoles 22 de noviembre de 1989, el día antes de Acción de Gracias. Se recaudó un total de $ 27.8 millones más de viernes a domingo, y $ 43 millones a través de la abertura de vacaciones de cinco díaPremios 1989: Nominada al Oscar: Mejores efectos visuales.

La película ganó el Premio Saturn a los mejores efectos especiales realizados por Ken Ralston, el supervisor de efectos especiales. Obtuvo el Premio BAFTA a los mejores efectos visuales especiales nuevamente para Ken Ralston, conjuntamente con Michael Lantieri, John Bell y Steve Gawley. Ganó iualmente  un premio Young Artist, y los Premios Blimp. 

Fue nominado en 1990 para un Oscar por Efectos Visuales (John Bell, Steve Gawley, Michael Lantieri y Ken Ralston).  La mayoría de las nominaciones de efectos visuales se debieron al desarrollo de un nuevo sistema de cámara controlada por ordenador, llamado VistaGlide, que fue inventado especialmente para la película - que permite a un actor asumir dos o tres personajes en la misma escena.

Para la crítica la elícula recibió críticas , por lo general, ositivas como las ue se recogen en el portal  de Rotten Tomatoes con un 64% de aceptación basada en 58 reseñas y un 57 %  en Metacritic.

Janet Maslin del The New York Times escribió que la película es "lista para alanzar metas mayres ". Maslin dijo más adelante que "se las arregla para ser vertiginosamente y alegremente alucinante, más que confuso." 

Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader dio a la película una crítica negativa, criticando a Zemeckis y Gale por convertir a los personajes en "frikis estridentes y abusar de  la acción frenética estrictamente formulista."Critica igualmente la  "galopante misoginia", porque el personaje de Jennifer Parker "queda inconsciente desde el principio para que no interfiera con los juegos del Marty".  

En Variety se criticó la "fascinación del director Robert Zemeckis por tener personajes interactúan en diferentes edades de su vida, criticando igualmente  algunos diseños de maquillaje muy cursi ". 

Un clásico de la crítica nrteamericana como Roger Ebert columnista del Chicago Sun-Times señalaba  su falta de "poder genuino de la original," pero lo elogió por su humor slapstick y el aerotabla en su secuencia de persecución. Una excursión entre varias versiones del pasado y del futuro tan incomprensibles que los personajes están constantemente tratando de explicárselo los unos a los otros (...) Y aun así, la película es divertida, precisamente por ser tan retorcida (...) "

Uno de los clumnistas de Time Out escribió en su interior que era "Un entretenimiento impresionante y, lo mejor: nunca degenera en sentimentalismos spielbergianos: puedes reírte, emocionarte y reflexionar sin sentirte avergonzado" Críticas

En España Fernando Morales en el Diario El País  llegó a escribir que "Aunque no encierre los encantos de la primera parte, se trata de una divertida continuación" 

Right, the circle. Left, the circle

El título lógico y coherente de esta entrada sería dar cera / pulir cera, pero como era algo obvio he optado por este otro. No sé el número de veces que la he visto, cuatro o cinco. Reconozco que la película nunca me interesó. Verla con 19 años o con 20 implica cierto alejamiento de esta historia “teenager”. Sin embargo, la vida pone las cosas en su sitio y con mis hijos he aprendido a disfrutarla. Ahora la película me entretiene y la hemos visto en Clan un par de veces, esta última en inglés con subtítulos en castellano – de ahí el título-. Es más hace cosa de un año, más o menos, la vimos tanto esta como la versión de 2010 en la que participó el hijo de Wilt Smith. La película dura dos horas largas, concretamente 126 minutos. 

Karate Kid es una película estadounidense de 1984 dirigida por John G. Avildsen, ganador del Oscar a la mejor dirección en 1976 por Rocky. La película fue origen a una saga que continuó con su segunda, tercera y cuarta entrega, en este caso titulada El nuevo Karate Kid. De 2010 es la versión de la antes he hablado The Karate Kid. Toma como base el cuento ¡oh sorpresa! (no tenía ni idea) A veces el corazón de la tortuga, escrito por el Nobel de Literatura Kenzaburo Oé. 

La película estuvo producida por Jerry Weintraub, R. J. Louis como productor ejecutivo y Bud S. Smith como productor asociado. El diseño de producción es de William J. Cassidy. La música de Bill Conti. El maquillaje, apropiado para una película en la que los mamporros juegan lo suyo es de E. Thomas Case. La fotografía es de James Crabe. El montaje recayó en un equipo formado por John G. Avildsen, Walt Mulconery y Bud S. Smith. La escenografía fue cosa de John H. Anderson, mientras que los efectos especiales, que alguno tendrá la película, fue obra de Frank Toros. La distribución de la película estuvo en manos de la Columbia Pictures. 

Señalar que los actores fueron Ralph Macchio, el ya desaparecido Pat Morita, Elisabeth Shue, William Zabka, Randee Heller, Martin Kove como el malvado excelente Martin Kove y Ron Thomas. A destacar la presencia de la futura gran actriz Elisabeth Shue y de Pat Morita, quien estuvo nominado al Oscar por esta película como mejor actor de reparto. 

El argumento es simple y lo he copiado tal cual de la Wikipedia, como en otras muchas ocasiones. Aunque eso sí, a mis hijos, sobre todo al pequeño, la historia de amor le es absolutamente prescindible. 

Cuando Daniel Larusso (Ralph Macchio) se muda con su madre a California (Estados Unidos) no imagina que, debido a unos conflictos con unos alumnos de kárate, su vecino Miyagi (Pat Morita) le enseñará técnicas de defensa oriental para poder defenderse en una batalla final con motivo de la celebración del campeonato local de kárate. Mientras va aprendiendo, Daniel se enamora de Ali (una jovencísima Elizabeth Shue, de la que hemos hablado ya en Leaving Las Vegas), la ex novia del líder de sus enemigos. 

La película comienza con la llegada de Daniel junto con su madre a su nuevo hogar en un suburbio de Los Ángeles (California), provenientes de New Jersey. A los pocos minutos de su llegada entabla amistad con un joven que vive en su mismo edificio, quien lo invita a participar en una actividad recreativa en la playa. Antes de partir, Daniel va en busca del conserje para reparar una llave de su departamento. Cuando entra en la conserjería, se da cuenta que el conserje es un anciano japonés, el señor Miyagi (Pat Morita). 

Cuando se encontraba en la playa con sus nuevos amigos, casualmente conoce a Ali (Elizabeth Shue), una hermosa joven con la que entabla amistad inmediatamente. Pero mientras conversaban tranquilamente, irrumpe un grupo de jóvenes en motocicleta liderados por el violento Johny Lawrence (William Zabka), quien además es el ex-novio de Ali. Éste trata de hablar con Ali, pero como ella lo rechaza reacciona violentamente destrozando el equipo de música de ella. Daniel trata de calmar la situación, pero es agredido por Johnny, quien le propina una gran paliza. Daniel cae al suelo vencido y la pandilla se retira del lugar. Sus nuevos amigos lo abandonan, y Ali trata de ayudarlo pero él le pide que lo deje solo. 

Al día siguiente su madre lo ve con hematomas producto de la riña, pero él le dice que fue por un accidente y se dirige a la escuela. Una vez allá se encuentra con Ali durante un partido de fútbol, pero para su mala suerte, en el equipo contrario jugaban los chicos de la pandilla que lo golpeó, por lo que termina trenzándose a golpes con uno de ellos que lo había lanzado al suelo intencionalmente. Tras ser expulsado del partido, Daniel se dirige a su casa, donde practica algunas patadas de kárate con la ayuda de un libro. Mientras estaba en ello, llega al departamento el señor Miyagi, quien lo observa practicar sin emitir mayores comentarios. 

Días después y mientras se disponía a almorzar con su madre en un restaurante, Daniel se dirige a un Dojo de karate del lugar, la escuela Cobra Kai. Una vez dentro, al observar la clase se da cuenta que el Sensei de esa escuela, el ex-capitán del ejército John Kreese (Martin Kove) incita a sus alumnos a actuar en forma agresiva y violenta, y a "Golpear primero, golpear fuerte, sin piedad". Asimismo, se da cuenta que el alumno más antiguo de esa escuela era nada menos que Johnny y que todos los miembros de su pandilla eran avanzados estudiantes de karate. Johnny se da cuenta de la presencia de Daniel, ante lo cual este último abandona el Dojo y vuelve con su madre, la que nota que Daniel estaba decepcionado del lugar al que recién se había mudado. 

Esa noche, mientras Daniel conducía su bicicleta, es interceptado por la pandilla Cobra Kai, quienes lo sacan del camino, cayendo por una pendiente pronunciada y golpeándose duramente. Logra llegar a su casa con la bicicleta y en un ataque de furia la arroja dentro de un contenedor de basura. Su madre lo observa y ve su herida. Muy preocupada le pregunta a qué se debe todo esto, y él le responde que necesita aprender karate y que quiere volver a New Jersey, como también le recrimina a su madre el que se hayan mudado sin preguntarle a él. Tras una puerta se encontraba el señor Miyagi, quien escucha todo lo ocurrido. 

Al día siguiente, Daniel se encuentra con Ali en la escuela, pero se encuentran con los Cobra, por lo que huye del lugar. Ali se da cuenta de ello. Cuando Daniel vuelve a su casa, encuentra su bicicleta completamente reparada, descubriendo que fue Miyagi quien la arregló. Cuando va a su taller para agradecerle, descubre que el anciano es un experto en la preparación de árboles bonsai. Como Miyagi ve el interés del muchacho, le invita a pasar y le enseña su trabajo. 

Daniel transcurre un tiempo evitando encontrarse con Ali porque se siente avergonzado por la situación que le aqueja. Finalmente llega el día de Halloween y decide no asistir a la fiesta de su escuela. Miyagi le manifiesta su preocupación porque siempre le ve solo y le ofrece su ayuda para la fiesta, disfrazándolo como una ducha para que nadie lo reconozca. Una vez en la fiesta Ali se le acerca y ambos bailan y hacen las paces. En eso llega un chico disfrazado de gallina y lanzando huevos, llegándole uno a Daniel en la cabeza. 

Cuando se encontraba en el baño limpiándose, observa a los Cobra Kai, pero éstos no lo reconocen, así que decide vengarse. Mientras Johnny estaba preparando cigarros con marihuana al interior de una caseta del baño, Daniel coloca una manguera sobre él y abre la llave de paso, mojándolo completamente y huyendo inmediatamente del lugar, pero la pandilla lo persigue, alcanzándolo a pocos metros de su casa. Nuevamente lo golpean salvajemente, pero repentinamente aparece Miyagi y repele el ataque con certeros y efectivos golpes, venciéndolos fácilmente. Daniel alcanza a observar esto, pero pierde rápidamente el conocimiento. 

Cuando logró despertar se encontraba en el taller de Miyagi. Daniel se da cuenta que Miyagi es un experto en kárate, por lo que le pide que lo entrene. Miyagi le dice que lo primero que se debe hacer es enfrentar la situación por la razón, esto es, ir al Dojo Cobra Kai y hablar con el sensei de los pandilleros. Miyagi accede a acompañarlo al día siguiente. 

Cuando llegan al Dojo, Johnny los ve llegar y reconoce a Miyagi, diciéndole al sensei que él los había atacado. Kreese encara a Miyagi, quien le pide que dejen en paz a Daniel, pero Kreese entiende esto como un desafío e insiste con sus ideas violentas, exigiendo que Daniel y Johnny se enfrenten de inmediato en el tatami. Finalmente deciden que se enfrentarían en un campeonato a realizarse prontamente, por lo que los Cobra deben dejar de molestar a Daniel para que pueda entrenar. 

Miyagi lleva a Daniel a su casa donde lo entrenaría, pero para sorpresa de éste, Miyagi lo hace limpiar una gran cantidad de automóviles, pero recalcando en hacer "círculos hacia fuera" con cada mano. 

Al poco tiempo Daniel se encuentra con Ali, invitándola a salir. Finalmente una noche se dirigen a un centro de entretenimientos, pero previamente Daniel se enfrenta al bochorno de darse cuenta de la enorme diferencia de sector socioeconómico que hay con Ali. 

Esa noche se divierten mucho, dejando entrever que ambos se están enamorando. La espectacular velada juntos queda empañada al momento de retirarse, cuando nuevamente aparecen los Cobra Kai y se burlan de Daniel, ya que ellos iban en auto y a él lo fue a recoger su madre. Daniel vuelve a la casa de Miyagi para entrenar, pero esta vez lo hace lijar todo el piso de madera de su casa japonesa, pero esta vez haciendo "círculos hacia adentro" con cada mano. Daniel termina exhausto y debe volver al día siguiente. Esta vez lo hace pintar toda la cerca de su casa, pero esta vez haciendo un movimiento "arriba-abajo" con cada mano. 

Al otro día vuelve y Miyagi no estaba en casa, pero dejó una nota indicando "Pinta la casa, pero no de arriba a abajo, sino de lado a lado". Esto provocó la ira de Daniel, quien seguía sin entender por qué debía trabajar así en vez de entrenar karate. 

Ya entrada la noche Miyagi vuelve a casa y Daniel lo encara sin entender la finalidad de tanto trabajo. Miyagi le pide que estando de pie le muestre los cuatro movimientos aprendidos y luego los corrige. Posteriormente y sin aviso le lanza diferentes golpes y Daniel instintivamente los bloquea con los movimientos aprendidos, percatándose que se trataba de movimientos que sirven de base para unos efectivos bloqueos de karate. 

Poco después, ambos van a entrenar a la playa. Mientras Daniel se encontraba en el agua, observa a Miyagi practicando la "Técnica de la Grulla", una patada frontal con salto dirigida a la cara del oponente. 

A lo largo de su entrenamiento, Daniel se da cuenta que el Karate y en general las artes marciales no son un método para pelear, sino que una forma de superarse a sí mismo y a ser mejor persona, por lo que él mismo cambia desarrollando su personalidad y dejando de lado temores para enfrentarse a la vida. 

Después, nuevamente acuerda salir con Ali, por lo que la va a buscar al Country Club donde estaba con sus padres, pero en medio de la cena se ve prácticamente obligada a bailar con Johnny, quien también estaba ahí. Éste, ante la presencia de Daniel, trata de sobrepasarse intentando besarla, y Daniel los ve, por lo que abandona el lugar furioso, pero tropieza con uno de los mozos, ensuciándose completamente y causando la risa de todos los presentes. Ali furiosa, golpea a Johnny. 

Daniel se dirige donde Miyagi, quien se encontraba completamente ebrio. Daniel se entera que su maestro estaba conmemorando la muerte de su esposa e hijo años atrás durante el parto, mientras él combatía en la Segunda Guerra Mundial. Llama la atención el dato del internamiento de la mujer de Miyagi en un campo de “concentración” americano para americano-japoneses y la nula atención médica recibida por las autoridades norteamericanas. 

Daniel continúa entrenando para el campeonato, perfeccionando cada vez más sus movimientos. La noche anterior al encuentro, Miyagi prepara la celebración del cumpleaños de Daniel y le hace entrega de dos regalos: el karategui que usará en el campeonato y un viejo auto completamente operativo. 

Daniel entonces se dirige al parque de atracciones para buscar a Ali. Finalmente y después de una discusión, ambos hacen las pases y se besan apasionadamente. Finalmente llega el día del campeonato. Estando en los camarines, es provocado por los Cobra Kai para que pelee, pero son interrumpidos por un árbitro que calma la situación. Daniel participa en su primer combate, en un principio muy atemorizado. Pero luego sigue los consejos de Miyagi y vence a su oponente. Así va avanzando cada vez más y acercándose a la final.

Cuando se inicia el combate de semifinal, su oponente Bobby Brown de Cobra Kai lo lesiona en una pierna por instrucciones de Kreese. Daniel no puede seguir peleando, pero en la enfermería Miyagi le aplica una técnica similar al reiki y lo sana, por lo que pasa a competir en la final. 

El combate es nada menos que con Johnny Lawrence. Después de un largo combate, llegando el marcador a 2-2 (con 3 puntos se ganaba), Daniel decide aplicar la Técnica de la Grulla, logrando vencer a su rival y coronándose como campeón, ganándose el respeto incluso de sus enemigos. 

A destacar la relación entre Miyagi y Daniel, una relación de amistad en la que ambos entregan todo su cariño y respeto el uno hacia el otro. El nominado Miyagi se convierte en un adorable personaje que con su filosofía japonesa y su experiencia ante la vida ayudará a Daniel a salir de lio vital en la que se encuentra. Imagino que para muchos el film no pasará del “dar cera, pulir cera” o de su operístico final fácil de criticar sobre todo por la pose de “grulla”. Es algo más que eso, se adivinan valores en los que la violencia escolar, lo que es actualmente el “bullying” es representada como brutal e innecesaria. Señala alguien en las críticas de filmaffinity, que esta película sería de imprescindible visión en cualquier instituto para que los gamberros, los “bully” que existen en los mismos se vean dibujados como ridículos anormales que siempre han existido, y aquellos que reciben tengan al menos la esperanza de que las cosas pueden cambiar cuando recurres a la persona adecuada. Por cierto, ¡qué malo el instructor de los Cobras!

¡Qué malo es el alcohol!

Un sabor de boca agridulce me deja esta película. Es la segunda vez que la veo y todavía no siento una gran atracción total hacia ella, y especialmente hacia su protagonista. Sospecho que el tema del suicidio alcohólico no me parece atractivo. Me parece más bien, repulsivo. Y el producto final no me atrae mucho. El trabajo de actores, bien, pero, sinceramente, mejor ella que él. 

Leaving Las Vegas es una película norteamericana de 1995 dirigida por el británico Mike Figgis, y protagonizada en sus papeles principales por Nicolas Cage y Elisabeth Shue. A estos se le unió Julian Sands en un breve papel como el proxeneta letón de Sera, así como otros secundarios como Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino. 

Nicolas Cage y Elisabeth Shue fueron reconocidos internacionalmente por sus interpretaciones, y ambos actores resultaron nominados al Óscar al mejor actor, aunque sólo Nicolas Cage consiguió ganar el premio. 

Estuvo producida por Lila Cazès para Lumière Pictures e Initial Production. El guión está escrito por el propio director y John O'Brien. La fotografía de tonos principalmente oscuros es de Declan Quinn, mientras que el montaje correspondió a John Smith. La escenografía y el vestuario fueron obra de Barry Kingston y Laura Goldsmith, respectivamente. La música fue obra del propio director y a la misma se suman las canciones lánguidas de Sting. 

La película está basada en la autobiografía de John O'Brien, que se suicidó pocos meses antes del estreno de la película. Este es uno de los escasísimos casos en que el guión supera con creces a la novela, autobiografía de John O'Brian, que escribió los dos y se pegó un tiro antes de que la película viese la luz. 

La película es un drama que se desarrolla durante 112 minutos y se rodó en escenarios reales de California (L.A., Burbank, Santa Mónica...), Nevada (Las Vegas) y Canadá (Halifax) y en estudio, con un presupuesto ajustado de 4 millones de dólares USA ($).

Nominada a 4 Oscar, ganó uno (al mejor actor, Nicolas Cage)como dijimos anteriormente. Además ganó un Globo de oro el actor, aunque igualmente obtuvo 4 nominaciones. Tres fueron las nominaciones para los BAFTA (actor, actriz y guión adaptado). El círculo de críticos de New York le otorgó el primer premio a la mejor película.

Se proyectó por primera vez en público el 15 de septiembre de 1995 en el Toronto Film Festival. La generó por venta en taquillas la cantidad de 49,8 millones de dólares, además recibió 43 nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, de los cuales ganó 26 de ellos, incluyendo un Oscar para Nicolas Cage como mejor actor (estuvo nominada para Mejor director (Mike Figgis). - Mejor actriz (Elisabeth Shue). - Mejor actor (Nicolas Cage). - Mejor guion adaptado (Mike Figgis). 

El festival de San Sebastián le otorgó 2 premios al mejor director y mejor actor (Nicolas Cage) y la National Board of Review concedió el de mejor actor a Nicolas Cage. 

La acción dramática tiene lugar en Hollywood y Las Vegas, a lo largo de unas semanas, en 1995. Benjamin “Ben” Sanderson (Nicolas Cage), guionista, pierde el trabajo a causa de su adicción al alcohol. Recibe la noticia de su despido sin sorpresas y sin hostilidad. Ben cae en una espiral autodestructiva después de que su esposa lo abandone. Esta autodestrucción le lleva a la bebida y de ahí al tobogán. 

Tras perder también su trabajo en Los Ángeles y ser repudiado por sus amigos y compañeros de trabajo por su dependencia del alcohol se traslada a Las Vegas la ciudad del juego, del pecado y la malicia decidido a beber sin freno hasta morir. 

Elige la ciudad de Las Vegas porque en ella los bares permanecen abiertos las 24 horas del día. Allí conoce a Sera (Shue), una joven y atractiva muchacha, que trabaja como prostituta. 

Él es un hombre desesperado, solitario, sin familia y con deseos de que su vida acabe en poco tiempo. Ella es dulce, amable, sensual, sensible y comprensiva. y entablan una relación marcada por el amor y el alcohol en donde ella depende de él y él depende de la botella Como le pide él a ella en un momento “Pídeme lo que quieras, pero nunca que deje de beber” muestra de su idea autodestructiva. Elisabeth Shue es la prostituta Sera la que lo redimirá y le dará amor. 

Mike Figgis nos regaló un retrato demoledor y durísimo sobre dos personas al borde del abismo que intentan redimirse una a la otra. Por donde se la mire esta historia de amor bizarra que, para unos, puede ser maravillosa y, para otros, sumamente angustiosa y sombría sin esperanza alguna. 

Es una película para escuchar, con buena música y buenas frases, algunas lapidarias en medio de luces y acariciantes sonidos de Jazz, una película que se sostiene por la perfecta dirección de Figgis y por la monumental actuación del genio que es Nicolas Cage, sin duda en su trabajo más premiado, quién dota de una intensidad increíble a su criatura, no hay palabras para describir a los momentos que tiene este con la hermosa y maravillosa Elisabeth Shue, que con un trabajo consagratorio, emocionó e hizo vibrar a muchos, aunque no a todos. 

Como ya he dicho es una película de frases. En un momento dado él le dice a ella: Beber es mi forma de matarme ó matarme es mi forma de beber. Sin duda con esa frase se resume esta historia de amor en la que Nicolas Cage que decide morir bebiendo, a lo largo del camino contemplamos con desasosiego su actitud hacia un mundo al que ya no pertenece y del que se encuentra muy lejos, su breve estancia en la ciudad del juego, se convierte en una especie de purgatorio donde su espíritu se libera, se trata de la libertad que te proporciona el no tener ya nada que perder por que ya está todo perdido de antedicho y pasar por encima de todos los convencionalismos que nos encadenan a este mundo, eso sí, siempre pagando religiosamente su tributo a la bebida, todas las bebidas. El desencadenante se nos presenta en breves fotos de su matrimonio, de su hijo o de la bicicleta de su hijo. La decisión se toma cuando quema todo lo que tiene antes de su salida de Los Ángeles. 

Al entrar en la ciudad de Las Vegas topa con la prostituta. Iniciándose por parte de ella tras la negociación un cariño cercano al que le daría una madre a un hijo cuando se hace una herida, de ahí la hermosura de la historia, aunque existen algunas frases dirigidas por Cage a Shue cercanas al bochorno como la de 'Gatita, eres luminosa!' "He venido a Las Vegas a matarme bebiendo". Otras de cierto calado como la de "No sé si empecé a beber porque mi mujer me dejó, o si mi mujer me dejó porque empecé a beber" o la tremenda "Aparte del olor a alcohol y de algún babeo ocasional, algunas veces dices cosas muy interesantes." 

Dos personas olvidadas o rechazadas por cualquier sociedad decente unen su vidas de la manera menos prevista en el mejor lugar del mundo acorde para dicho evento, Las Vegas, uno toma sin un aparente porque y la otra trabaja como puta para mantener su estilo de vida y el de su proxeneta, quien para variar debe mucho dinero. 

La película está salpicada del buen gusto auditivo de escuchar a Sting en My one and only love hasta su apasionado final. Lo dicho, magnífica la Banda Sonora, compuesta por Mike Figgis (que no es otra cosa que un músico de jazz metido a director de cine en sus ratos libres) a la que acompaña la voz de Sting, suave y melancólica cantando la estrofa de Angel Eyes, que da título a esta crítica. 

Elisabeth Shue juega con la dureza inicial visible en su relación con su chulo, Yuri (Julian Sands), un inmigrante letón, que desaparecerá súbitamente y con la dulzura al tratar con delicadeza a Cage y la fragilidad notoria cuando es violada y vejada por una panda de jóvenes que la destrozan. Ella encarna a la perfección el ángel protector lleno de ternura y sexualidad que es necesario desechar para inmolarse apestando a alcohol de 40 grados. Ella acaba por acompañándole en su tristísimo descenso hacia los infiernos y la muerte. Ben por momentos se pierde y es Sera quien lleva el mando de la película, siendo ella la auténtica protagonista, aceptando la decisión de Ben de morir bebiendo, en la misma medida que el acepta la prostitución de ella. - Voy a salir a trabajar, dice ella. - Voy a matarme bebiendo, dice él. 

La oscuridad y el tenebrismo de la fotografía en los muchos planos nocturnos, los duros y oníricos delirios etílicos del protagonista, la castigada vida cotidiana de la prostituta, que tiene que soportar los malos tratos y las humillaciones a que la someten sus clientes, la conmovedora y penosa relación sin esperanzas que se establece entre los dos, el infructuoso intento de ella por sacarlo del abismo... Mientras él acepta la compañía de ella sin darle falsas esperanzas y ella decide permanecer a su lado pese a todo... 

La película puede provocar, como a mí, muchos sentimientos encontrados, una gran confusión dentro de nosotros los espectadores y mucha amargura. Sobre todo amargura. Toda la historia es contada en flashback a terceras personas (y a los espectadores) por Sera. Sólo para verla con el estado de ánimo adecuado y dispuesto para soportar mucho dolor y mucha incomodidad. 

El film suma drama, alcoholismo, prostitución y romance. Superpone dos historias dramáticas, la de Ben y la de Sera. Ben se halla inmerso en un proceso acelerado de autodestrucción, del que no quiere salir ni por la vía del suicidio rápido, ni por la de someterse a un tratamiento de desintoxicación y deshabituación. 

El film explora el mundo del alcoholismo en su fase más avanzada. Muestra los niveles de autodestrucción y degradación a los que puede llegar una persona, arrastrada por la adicción al alcohol. El retrato que compone, con delirios, desajustes etílicos y alucinaciones, es impresionante y conmovedor. La descripción es seca, cortante y despiadadamente realista. No hay hipérboles, ni artificios. Las escenas que se muestran hielan el alma. Las elipsis y la suavización de las imágenes las acompañan son las justas para evitar irritación y rechazo. 

El film estudia de modo sucinto pero efectivo el mundo de la prostitución femenina. Es de gran interés la descripción del universo que la rodea, hecho de perversiones, abusos, maltratos y agresiones. La música casa perfectamente con cada escena y la fotografía triste y apagada te sumerge en lo más profundo y conmovedor de la historia. Una historia triste y dura, pero hermosa. 

Como hemos dicho es una historia verbalizada. He seleccionado la siguiente:

"Sera... me encanta ese nombre. S-e-r-a. Antes de continuar hay algo que necesito decir, ¿bueno? De acuerdo. He llegado hasta aquí. Aquí estoy en tu casa. Quiero que me dejes pagar el alquiler de este mes. No. ¿Por qué? Porque... Porque es mejor para mí así, ¿de acuerdo? Bien. Te diré... ahora mismo... estoy enamorado de ti. Pero aunque sea así... no estoy aquí para encajar mi alma retorcida... en tu vida."