Shakespeare enamorado

Recuerdo haber ido al cine en el año 1998, o a inicios del 99, aunque no recuerdo bien la sala. Pudo ser los Multicines del Zoco, pero no lo puedo asegurar. Hoy los mismos no existen, para mi desgracia, y para todos aquellos que gustan ir al cine paseando y no  tener que tomar el coche. 

Recuerdo que en los programas de cine de la época recalcaban como en la época isabelina las mujeres tenían estrictamente prohibido subir al escenario, por lo que los papeles femeninos eran interpretados siempre por hombres jóvenes. El feminismo necesario y justo creciente, pero en su versión cercana al wokismo, comenzaba. La historia era así a finales del siglo XVI, juzgar lo de ese siglo con nuestros valores parece absurdo, tanto como la medida que se aplicaba. Era una época, otra época. 

Me imagino que fueron las nominaciones o las críticas favorables las que me llevaron junto a mi mujer al cine. Finalmente, la película fue ganadora en 1999 del Oscar a la mejor película, a la mejor actriz principal (Gwyneth Paltrow) y al mejor guion original (entre numerosos premios más).

Desde que la vi me pareció una películita, bien realizada, fenomenalmente interpretada, pero no dejaba de ser una emotiva comedia romántica de tintes dramáticos y un estudio sobre el amor y el proceso de creación con el teatro isabelino como telón de fondo. 

La cinta, que se convirtió también en la gran triunfadora en los Globos de Oro y los BAFTA de dicho año. Contó con Joseph Fiennes - un actor que ha ido a menos, de hecho, lo he visto hace poco interpretando a Southgate, el seleccionador btitánico- interpretando el papel principal del joven Shakespeare mientras que la Paltrow dando vida a su clandestina e inesperada musa. Una historia de sueños, pasión y pérdida en una época marcada por persecuciones, seducciones e intrigas. 

Shakespeare enamorado se estrenó el 11 de diciembre de 1998 en Estados Unidos, distribuida por Miramax Films, y el 29 de enero de 1999 en el Reino Unido, distribuida por Universal Pictures. 

En la producción aparece The Bedford Falls Company que aportó 25 millones de dólares y aparecen como productores David Parfitt, Donna Gigliotti, Harvey Weinstein, Edward Zwick y Marc Norman La película recibió elogios de la crítica, recaudó 289 millones de dólares con un presupuesto de 25 millones y fue la novena película más taquillera de 1998. 

Como ya he señalado, recibió numerosos galardones, entre ellos tres Globos de Oro (incluidos Mejor Película - Musical o Comedia y Mejor Actriz en una Película - Musical o Comedia para Paltrow), dos Premios del Sindicato de Actores (Mejor Reparto y Mejor Actriz para Paltrow) y cuatro Premios BAFTA (incluido Mejor Película). Ganó siete premios Óscar de trece nominaciones en la 71.ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Actriz para Paltrow, Mejor Actriz de Reparto para Dench, Mejor Guion Original, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario. 

La película narra un romance ficticio entre el dramaturgo William Shakespeare (Fiennes) y Viola de Lesseps (Paltrow) durante la escritura de Romeo y Julieta. Varios personajes están basados en figuras históricas, y muchos de ellos, diálogos y recursos argumentales aluden a las obras de Shakespeare. 

Shakespeare in love o enamorado está dirigida por John Madden y escrita por Marc Norman y Tom Stoppard y protagonizada muchos grandes actores y actrices británicos, que en las películas de época, son inigualables como son Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck y Judi Dench.

Richard Greatrex fue el responsable de fotografía, siendo el montador David Gamble y cuenta con la música de Stephen Warbeck. 

La película comienza en el Londres del año 1593. El joven dramaturgo William Shakespeare (Joseph Fiennes ) sufre un bloqueo total. Por mucho que lo intenta, y a pesar de la presión que recibe de financieros y dueños de salas de teatro, no consigue inspiración para su nueva obra. Lo que Will necesita es una musa. 

En ese Londres Shakespeare era actor ocasional en la compañía teatral Lord Chamberlain's Men y dramaturgo para Philip Henslowe (Geoffrey Rush ) , propietario del teatro The Rose. 

Aquejado de bloqueo creativo con su nueva comedia, Romeo y Ethel, la hija del pirata, Shakespeare intenta seducir a Rosalina ( Sandra Reinton ), amante de Richard Burbage (Martin Clunes ), dueño del teatro rival Curtain, y convencerlo de que le compre la obra a Henslowe. 

Shakespeare recibe consejos de su amigo y rival, el dramaturgo Christopher Marlowe (Rupert Everett ) , pero se desanima al descubrir que Rosalina tiene una relación con el maestro de ceremonias Edmund Tilney (Simon Callow ). 

El desesperado Henslowe, en parte por los efectos de la peste en la ciudad, está endeudado, con el despiadado prestamista Hugh Fennyman (Tom Wilkinson), comienza las audiciones de todos modos. 

En una representación está presente Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow ) , la hija de un rico comerciante, atendida siempre por su ayudante o aya (Imelda Staunton ) que había visto las obras de Shakespeare en la corte y junto a la Reina Isabel I (Judi Dench ).

Para la audición de la nueva obra de Shakespeare ella, Viola , se disfraza de hombre con el nombre de Thomas Kent para la audición. Kent despierta el interés de Shakespeare con un discurso de Los dos hidalgos de Verona, pero huye cuando Shakespeare la interroga. Persigue a Kent hasta la casa de Viola y deja una nota con su nodriza, pidiéndole que comience los ensayos en el Rose. 

Shakespeare se cuela en un baile en la casa, donde los padres de Viola arreglan su compromiso con Lord Wessex (Colin Firth ), un aristócrata necesitado de dinero. 

Bailando con Viola, Shakespeare queda sin palabras. Al ser confrontado por Wessex, Shakespeare se presenta como Christopher Marlowe. Wessex expulsa a "Marlowe" y amenaza con matarlo. Shakespeare encuentra a Viola en su balcón, donde confiesan su mutua atracción antes de que su nodriza lo descubra y huya. 

Inspirado por Viola, Shakespeare transforma rápidamente la obra en lo que se convertiría en Romeo y Julieta. Comienzan los ensayos, con Thomas Kent como Romeo, el destacado actor trágico Ned Alleyn (Ben Affleck ) como Mercucio y el joven Fennyman, con gran talento para el teatro, en un pequeño papel. Después de que Shakespeare descubre la verdadera identidad de Viola, comienzan un romance secreto. 

Mientras tanto,  Viola es convocada a la corte para obtener la aprobación de su propuesta de matrimonio con Wessex. Shakespeare la acompaña, disfrazado de prima de su niñera, y persuade anónimamente a Wessex en público para que apueste 50 libras a que una obra de teatro puede capturar la verdadera naturaleza del amor, la cantidad que Shakespeare necesita para comprar una participación en la compañía teatral Chamberlain's Men. La reina Isabel I declara que juzgará el asunto. 

Burbage se entera de que Shakespeare ha seducido a Rosalina y le ha estafado el pago por la obra, y provoca una pelea en el Rose con su compañía.

Los actores del Rose repelen a Burbage y sus hombres y celebran en el pub, donde un Henslowe borracho le confiesa a Viola que Shakespeare está casado, aunque separado de su esposa. 

Poco después llega la noticia del asesinato de Marlowe. Un Shakespeare atormentado por la culpa supone que Wessex mandó matar a Marlowe, creyendo que era el amante de Viola, mientras que Viola cree que Shakespeare es la víctima. 

Shakespeare aparece en su iglesia, tranquilizando a Viola y aterrorizando a Wessex, quien cree que es un fantasma. Viola confiesa su amor por Shakespeare, pero ambos reconocen que no puede eludir su deber de casarse con Wessex. 

John Webster, un muchacho desagradable que merodea por el teatro, jugueteando con unos ratones, espía a Shakespeare y Viola mientras hacen el amor e informa a Tilney, quien clausura el Rose por infringir la prohibición de actrices. 

La identidad de Viola queda al descubierto, dejando a Shakespeare sin escenario ni actor principal, hasta que Burbage ofrece su teatro y el desconsolado Shakespeare acepta el papel de Romeo. Tras su boda, Viola se entera de que la obra se representará ese mismo día y huye al otro teatro al norte de la ciudad, el Curtain. 

Oye que el joven que interpreta a Julieta no puede actuar, pues le ha cambiado la voz, y Henslowe le pide que lo sustituya. Ella interpreta a Julieta junto al Romeo de Shakespeare ante un público extasiado. 

Justo después de que la obra haya terminado, Tilney llega para arrestar a todos por indecencia debido a la presencia de Viola, pero la Reina se revela entre los asistentes y lo detiene, fingiendo que Kent es un hombre con un "notable parecido" a una mujer. 

Incapaz de disolver un matrimonio legítimo, ordena a Viola que zarpe con Wessex hacia Virginia. La reina también le comunica a Wessex, de quien Webster revela que ha seguido a Viola al teatro, que Romeo y Julieta ha ganado la apuesta para Shakespeare, y le pide a Kent que le entregue sus 50 libras a Shakespeare con instrucciones de escribir «algo más alegre la próxima vez, para Noche de Reyes». 

Viola y Shakespeare se despiden, y él jura inmortalizarla, imaginando el comienzo de Noche de Reyes, donde aparece una mujer llamada Viola disfrazada de hombre tras un viaje a una tierra extraña. La idea como una mujer que desembarca en una playa desierta, mientras van saliendo los títulos de crédito.

La idea original de Shakespeare in Love fue sugerida al guionista Marc Norman a finales de la década de 1980 por su hijo Zachary. Norman escribió un borrador del guion que presentó al director Edward Zwick, el cual atrajo a Julia Roberts, quien aceptó interpretar a Viola. Sin embargo, a Zwick no le gustó el guion de Norman y contrató al dramaturgo Tom Stoppard para mejorarlo (el primer gran éxito de Stoppard había sido con la obra de teatro basada en Shakespeare, Rosencrantz y Guildenstern han muerto). 

La película entró en producción en 1991 en Universal, con Zwick como director, pero aunque la escenografía y el vestuario estaban en construcción, aún no se había elegido al actor para el papel de Shakespeare, ya que Roberts insistía en que solo Daniel Day-Lewis podía interpretarlo. Day-Lewis no estaba interesado, y cuando Roberts no logró convencerlo, ella se retiró de la película seis semanas antes de que comenzara el rodaje.

Zwick y el estudio intentaron realizar pruebas de química entre Roberts y varios actores desconocidos, entre ellos Hugh Grant, Ralph Fiennes, Jeremy Northam, Rupert Graves, Colin Firth y Sean Bean, pero Roberts faltó a las reuniones o les encontró defectos a todos. 

Tras una última prueba de pantalla con Paul McGann, Roberts se retiró de la producción, lo que Zwick atribuyó a la inseguridad que sentía ante la presión por tener éxito en el papel.

La producción se paralizó y Zwick no logró convencer a otros estudios para que se interesaran por el guion. La cancelación de la película le costó a Universal 6 millones de dólares. 

Finalmente, Zwick consiguió que Miramax Films se interesara por el guion, pero Miramax eligió a John Madden como director en lugar de Zwick, quien en su lugar ejerció como productora. El jefe de Miramax Films, Harvey Weinstein, también fue productor. Que el presidente de un estudio se atribuyera el crédito de productor provocó una gran polémica en la industria, lo que dio lugar a la llamada «Regla Harvey», que estipula que, para obtener el crédito del Sindicato de Productores, un productor debe haber desempeñado un papel fundamental en la realización de la película. Para justificar su crédito, Harvey afirmó que se había ausentado de sus funciones ejecutivas en Miramax para trabajar en esta película, lo que Mark Gill, veterano ejecutivo de Miramax Films, calificó de «una completa farsa».

Weinstein convenció a Ben Affleck para que interpretara un pequeño papel como Ned Alleyn.A Kate Winslet se le ofreció el papel de Viola tras el éxito de Titanic, pero lo rechazó para dedicarse al cine independiente. Winona Ryder, Diane Lane y Robin Wright también fueron consideradas para el papel principal. 

El rodaje principal comenzó en marzo de 1998 y finalizó en  junio de 1998. La película fue considerablemente modificada tras las primeras proyecciones de prueba. La escena de Shakespeare y Viola en la barca se volvió a filmar para hacerla más emotiva, y se regrabaron algunos diálogos para aclarar las razones por las que Viola tuvo que casarse con Wessex. 

El final se filmó varias veces, hasta que Stoppard finalmente concibió la idea de que Viola le sugiriera a Shakespeare que su despedida podría inspirar su siguiente obra.

Entre los lugares utilizados en la producción se encontraban Hatfield House, Hertfordshire (para la escena de los fuegos artificiales), el Castillo de Broughton, Oxfordshire (que representó la mansión de los de Lesseps), la playa de Holkham en Norfolk, la capilla del Eton College, Berkshire, y el Gran Salón del Middle Temple, Londres. 

Gran parte de la acción de la película evoca la de Romeo y Julieta. Will y Viola recrean las famosas escenas del balcón y el dormitorio; al igual que Julieta, Viola cuenta con una ingeniosa nodriza y está separada de Will por el deber (aunque no por la enemistad familiar de la obra: se supone que las "dos familias" de Romeo y Julieta están inspiradas en los dos teatros rivales). Además, ambos amantes están igualmente marcados por el destino: no están destinados a estar juntos (ya que Viola proviene de una familia de comerciantes ricos y ambiciosos, y está prometida en matrimonio con Lord Wessex, mientras que Shakespeare es pobre y ya está casado). Rosalina, de quien Will está enamorado al principio de la película, lleva el mismo nombre que el interés amoroso de Romeo al comienzo de la obra. 

Hay referencias a versiones cinematográficas anteriores de Shakespeare, como la escena del balcón que imita la versión de Romeo y Julieta de Zeffirelli. Muchos otros recursos argumentales utilizados en la película son comunes en las comedias shakespearianas y otras obras de la época isabelina: el monarca que se mueve sin ser reconocido entre el pueblo ,  los disfraces de travestismo, las identidades equivocadas, el duelo de espadas, la sospecha de adulterio, la aparición aparente de un fantasma (cf. Hamlet y Macbeth) y la «obra dentro de la obra». 

Según Douglas Brode, la película retrata con destreza muchos de estos recursos como si los acontecimientos representados hubieran inspirado el propio uso que Shakespeare hizo de ellos en sus obras. 

Christopher Marlowe es presentado en la película como el maestro dramaturgo a quien los personajes consideran el más grande dramaturgo inglés de la época; esto es históricamente preciso, pero también humorístico, ya que el público de la película sabe lo que finalmente le sucederá a la reputación de Shakespeare. Marlowe le da a Shakespeare un argumento para su siguiente obra, «Romeo y Ethel, la hija del pirata». Se cita repetidamente el Doctor Fausto de Marlowe. También se hace referencia a la última obra inconclusa de Marlowe, La masacre de París, en una escena donde Marlowe (Rupert Everett) le pide a Richard Burbage (Martin Clunes) que le pague por el acto final. Burbage promete pagarle al día siguiente, por lo que Marlowe se niega a entregar las páginas y parte hacia Deptford, donde muere.

El niño John Webster (Joe Roberts), que juega con ratones, es una referencia a una figura destacada de la siguiente generación de dramaturgos, la jacobina. Sus obras (La duquesa de Malfi, El diablo blanco) son conocidas por su "sangre y violencia", a lo que el niño hace referencia humorísticamente al decir que disfruta de Tito Andrónico, y también al decir de Romeo y Julieta, cuando la reina le pide su opinión: "Me gustó cuando ella se apuñaló a sí misma".

Asimismo, el barquero del Támesis que transporta a Shakespeare a la finca de Robert de Lesseps, y trata de obtener la opinión de Shakespeare sobre su propia escritura, hace referencia a John Taylor. 

La película «no se ve limitada por preocupaciones sobre la precisión literaria o histórica» e incluye anacronismos, como una referencia a las plantaciones de tabaco de Virginia, en una época anterior a la existencia de la Colonia de Virginia.

Otra licencia histórica concierne al tema central de la lucha de Shakespeare por crear la historia de Romeo y Julieta, mientras que en la vida real simplemente adaptó una historia ya existente. Arthur Brooke tradujo al inglés el relato en verso italiano La trágica historia de Romeus y Julieta en 1562, 32 años antes de la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta. 

Uno de los personajes principales es un conde de Wessex, un título que en la época de Shakespeare no existía desde hacía más de 500 años. El Sunday Telegraph informó que el príncipe Eduardo, tercer hijo de Isabel II, se sintió atraído por el condado de Wessex, que se convirtió en su título al casarse, después de ver la película y conocer al personaje, y eso, según The Sunday Telegraph, el Príncipe Eduardo que iba a ostentar el título de Duque de Cambridge tras su matrimonio con Sophie Rhys-Jones en 1999, un año después del estreno de la película. Sin embargo, tras ver Shakespeare enamorado, se sintió atraído por el título del personaje interpretado por Colin Firth y solicitó a su madre, la Reina Isabel II, que se le otorgara el título de Conde de Wessex, recuperándose así el título. . 

De ella los críticos han escrito con más o menos satisfacción. En Gran Bretaña Quentin Curtis en el Telegraph valora la película "En su matrimonio de farsa y sentimiento, hay una magia innegable, un espíritu cómico que puede llamarse con certeza Shakespeariano. (...) 

Ian Nathan en Empire consideró que "Esto es posmodernismo sin pretenciosidades, una obra de época sin la pomposidad (...) La inteligencia de 'Shakespeare In Love' no aliena (...). 

Time Out valoró la película como una " (...) muestra su superficialidad con buen humor y el reparto merece gran parte del reconocimiento (...) Es el inteligente guion de Tom Stoppard el que la hace tan satisfactoria" 

En la BBC, William Gallagher escribió que "Es una comedia alegre y muy inteligente (...) Todo el reparto está excelente (...)" En The Guardian Alex von Tunzelmann dejó negro sobre blanco que "La entretenida versión de John Madden del proceso creativo de Shakespeare hace suficientes alusiones ingeniosas para contentar a todos excepto a los estudiantes de Shakespeare más rigurosos" 

En Radio Times, Lorien Haynes escribió que era "Una película que es apasionada, inteligente e histéricamente divertida (...) 

En los Estados Unidos críticos como  Janet Maslin, del New York Times, incluyó la película en su lista de "Recomendaciones de la Crítica del NYT", calificándola de "puro encanto". Según Maslin, «Gwyneth Paltrow, en su primera gran interpretación protagonista, crea una heroína tan impresionante que resulta totalmente creíble como la inspiración del dramaturgo». Janet Maslin además en estas páginas del The New York Times consideró que la película "Introduce con inteligencia el lenguaje y la emotividad de Shakespeare en un romance glamuroso y embriagador." 

Roger Ebert, del Chicago Sun Times escribió: «El humor contemporáneo (como la taza de café de Shakespeare, con la inscripción "Recuerdo de Stratford-upon-Avon") hace que la película parezca una competencia entre Masterpiece Theatre y Mel Brooks. Luego, la película incorpora una dulce historia de amor, intrigas palaciegas, política entre bastidores y algunos momentos encantadores de Romeo y Julieta... ¿Es una película o una antología? Me daba igual. Me dejé llevar por el ingenio, la energía y una dulzura sorprendente». 

En otro diario de Illinois como el Chicago Reader en el que escribía Lisa Alspector consideró que "Su inteligente relación con lo que se conoce y lo que no está resuelto es en parte lo que la hace tan intrigante y romántica".

Keith Phipps de AV Club valora el film al decir que era "Una película entretenida pero bastante ligera (...) 'Shakespeare In Love' ofrece lo que promete".

Lael Loewenstein en Variety la describió como "Exquisitamente interpretada, dirigida con firmeza y ensamblada de forma impresionante." 

En la revista Rolling Stone, Peter Travers escribió que "No te puedes perder una película que habla el lenguaje del amor con tanta pasión y deleite. 

Stephen Hunter en The Washington Post aseveró que "La película se convierte en algo único y mágico: un texto sobre un texto que está lleno de vida (...) ¡Es posmoderna y divertida a la vez! 

En línea opuesta a los demás está la opinión del cineasta canadiense David Cronenberg que criticó la película diciendo que «me molestó mucho» porque era «cine deconstructivista, pero también es solo Romeo y Julieta otra vez». 

Ya en España Carlos Boyero entonces en El Mundo calificó la película como "Obra maestra; maravillosa, espléndida". 

En El País, Ángel Fernández Santos consideró que era un "Agradable pasaratos, pero menos de lo que parece" y en este mismo diario, 

Omar Khan, consideró que era una "Película delicada y conmovedora de demostrada capacidad para seducir y complacer a todos (crítica y público), su eficacia radica en su capacidad narrativa y en su historia de amor, sin intenciones historicistas" .

Para terminar y acabar con la película reconozco que sí recuerdo donde fui a ver otra película de aquel año 1998 que me impactó y que creo que sí tuvo que ganar el Oscar a la mejor película. Se trata la de Salvar al Soldado Ryan que sí que recuerdo haberla vista en el Zoco. No entiendo como Shakespeare in love obtuvo la victoria como Mejor Película o como Judi Dench se llevó el galardón interpretando a la reina Isabel I apareciendo únicamente unos ocho minutos en toda la cinta, y como compitió y venció a la gran favorita de la crítica: Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg. No hay color en favor de la de Spielberg.

La mejor oferta

Durante minutos he pensado que podía ser una de las últimas bandas sonoras que compuso brillantemente del como siempre grandioso Don Ennio Morricone. Sin embargo al ver el año de la realización de la película que es en 2013 pues he salido de mi engaño. 

No grabé la película por Morricone si no porque ese director era Giuseppe Tornatore que en este caso hace una película digamos italo-estadounidense. El título en italiano de la película era La migliore oferta, imposiblemente fue rodada en inglés puesto que el elenco casi en su totalidad es anglosajón. Entre ellos se encuentra Geooffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoels, Donald Sutherland, Phillips Jackson, Dermot Crowley y Liya Kebade. 

La película nos cuenta la historia de Virgil Oldman (Geoffrey Rush) un solitario y excéntrico experto en arte y agente de subastas, muy apreciado y conocido en todo el mundo. Virgil es director gerente de una importante casa de subastas, ya mayor y famoso, pero exigente y muy temperamental. Su vida transcurre al margen de cualquier sentimiento afectivo. 

Aunque Virgil ofrece una actuación atractiva para el público en una subasta, no se siente cómodo con ellos individualmente; se niega a usar un teléfono móvil y solo se quita los guantes para tocar las obras de arte, ya que padece un tipo de Toc. 

Un día recibe Virgil recibe una extraña llamada de una misteriosa joven que le encarga tasar y vender las obras de arte heredada de sus padres.  Se trata de una misteriosa joven heredera, Claire Ibbetson (Sylvia Hoeks), que le pide subastar una gran colección de arte y antigüedades que le dejaron sus padres. 

Claire, que sufre de agorafobia severa, se niega a que la vean y se esconde en una habitación segura cerrada. Ha decidido confiar en Oldman, ya que su propio trastorno significa que también evita el contacto físico con los demás. 

Pronto Virgil, un soltero de toda la vida que nunca ha sido capaz de relacionarse con una mujer que no sea un lienzo, se da cuenta de que la aparición de esta chica joven, que sufre esta extraña enfermedad psicológica cercana a la agorafobia y que la mantiene aislada del mundo, está transformando su vida. Conforme aumentan las llamadas y el trato Virgil se va obsesionando con ella. 

En paralelo Virgil va confiando cada vez más con un hábil artesano. Se trata de un chico joven, Robert (Jim Sturgess), que tiene un taller de reparación y restauración de cualquier cosa mecánica. Éste ayuda a Oldman a restaurar y volver a ensamblar algunas piezas mecánicas con engranajes que, curiosamente, siguen apareciendo en la propiedad de Claire y que parecen ser de un autómata histórico potencialmente valioso. 

Robert, que tiene mucho éxito con las mujeres, pronto le da consejos sobre cómo hacerse amigo de Claire y cómo lidiar con sus sentimientos hacia ella. La narrativa paralela del autómata es que supuestamente podría hablar; mientras que Robert teoriza que debe haber sido diseñado para contener a un enano para lograr esto, Virgil señala que, si bien debe haber habido algún truco de ese tipo, nadie ha podido explicar cómo el autómata siempre proporcionó las respuestas correctas a las preguntas que se le hacían. 

Virgil, de vez en cuando comienza a frecuentar un café frente a la casa de Claire para poder vigilar las puertas. Consciente del más mínimo detalle y matiz en lo que se refiere al arte, siempre ignora lo que una enana que está sentada junto a la ventana, a la que no sólo ignora cuando calcula con precisión en voz alta los puntos que acumula el juego de pinball del otro lado de la sala, sino que confunde a los clientes del café con cálculos correctos y fórmulas matemáticas en respuesta a sus preguntas. 

La reputación de Virgil como un autenticador irreprochable se ve desmentida por una estafa en curso, mediante la cual presenta retratos de mujeres de maestros reales en subasta como si no fueran auténticos, obra de artistas menores o falsificadores, para que su amigo Billy Whistler (Donald Sutherland) pueda actuar como su cómplice, pujando por ellos a precios muy por debajo de lo que realmente deberían haber obtenido. 

Aunque Billy ha ayudado a Virgil a adquirir una gran colección privada valorada en muchos millones, está decepcionado de que, como aspirante a artista, Oldman no se tome en serio su trabajo, declarando que Billy "no tiene ningún misterio interior". Un ejemplo de las manipulaciones de Virgil para estafar a sus clientes se revela cuando descubre un trozo de madera mohoso y carbonizado en la propiedad de un cliente. Declara que probablemente no tiene ningún valor y no se lo pide como regalo. Sin inmutarse, cuando una restauración profesional revela que hay una pintura debajo, Virgil certifica que es de una falsificadora del siglo XVI que se identificó con una "V" oscuramente colocada, y señala que todos los falsificadores se sienten irresistiblemente tentados a modificar el original añadiendo algo de ellos mismos, que la autotraición revela la propia sensibilidad auténtica del falsificador. 

Después de haber preparado a sus clientes de que la pieza se venderá por un precio modesto en una subasta, confía en Billy para adquirirla, pero Billy es demasiado lento en hacer una oferta competitiva y, en una confrontación embarazosa a mitad de la subasta con el otro postor, el cuadro se vende a ella por 90.000 libras. Virgil, furioso, se enfrenta más tarde a Billy y le revela que en realidad se trataba de un cuadro original valorado en 8 millones de libras, y no de una falsificación. 

Poco después, Billy compra el cuadro al postor por 250.000 libras y se lo vende a Virgil al precio de coste, alegando que sólo quiere restaurar su relación dañada. 

Mientras tanto la atracción de Virgil con Claire va a más. Enamorado, acaba iniciando una relación con Claire que compromete su trabajo, a pesar de que Billy le advierte de que las emociones humanas son como obras de arte; se pueden falsificar, lo que significa que incluso el amor se puede fingir. 

Cuando la relación con la chica se ha consolidado, Virgil es golpeado por una banda tras salir de la villa y se queda tirado en la calle, Claire supera su miedo al mundo exterior y acude en su rescate. 

En el punto álgido de la relación, Virgil deja a un lado sus guantes y Claire, todavía frágil, se va a vivir con él. Él confía en ella lo suficiente como para mostrarle su colección secreta de toda la vida. Abrumada por la emoción, le dice a Virgil que, pase lo que pase con los dos, lo ama. 

En una cena en un restaurante con Robert y su novia, Virgil le presenta a Claire el catálogo de la colección. Cuando ella confiesa que ha decidido no vender, en lugar de enfadarse porque todo su esfuerzo haya sido en vano, Virgil, enamorado, lo rompe felizmente y declara que haría lo mismo si la propiedad fuera suya. Luego anuncia que su actuación de subasta de despedida será en Londres en una semana. 

Después del exitoso evento, Billy lo felicita y le dice que, para recordarle el gran artista que podría haber sido si Virgil hubiera creído en él, le ha enviado una de sus pinturas. Virgil, entre risas, promete no quemarla. 

Cuando regresa a casa, descubre que Claire y toda su colección han desaparecido. La bóveda vacía contiene solo el autómata restaurado, que reproduce el mensaje de Robert que dice que hay algo auténtico oculto en cada falsificación, por lo que realmente extrañará a Virgil. 

Virgil también descubre que un supuesto retrato de la madre de Claire era en realidad un retrato de ella, pintado por Billy, y que le han dejado a Virgil, con una dedicatoria elocuente "con amor y gratitud". 

Virgil no puede acudir a la policía como víctima del elaborado fraude, ya que adquirió las obras robadas por medios ilícitos. Pronto descubre que la enana del restaurante no solo se llama Claire, sino que es la verdadera dueña de la villa. Ella revela que, si bien la ha alquilado a algunos directores de cine, durante los últimos dos años ha estado alquilada por "un ingeniero" muy cariñoso que solo podría haber sido Robert. Luego le da el número exacto de los cientos de veces que la supuestamente agorafóbica "Claire" abandonó la villa y que, durante el transcurso de la estafa, el contenido de la villa se había trasladado tres veces y se había retirado tres veces. 

Después de meses de recuperarse de la traición en una institución mental, Virgil todavía está atormentado por los recuerdos de haber hecho el amor con Claire. Virgil lleva consigo el retrato que Billy le hizo de ella y viaja a Praga, donde las habitaciones que hay frente al famoso reloj de la torre medieval han sido diseñadas según sus especificaciones. Cuelga el retrato en la pared y visita un restaurante que Claire afirma que añora, ya que allí había sido feliz. Está lleno de relojes y mecanismos. 

Cuando el camarero le pregunta si está solo, Virgil responde que está esperando a alguien. A medida que la cámara se aleja, revela una miríada de relojes que zumban, hacen tictac y se mueven ruidosamente, todos en movimiento, acabando así la película.

El cineasta italiano Giuseppe Tornatore es quien dirige y escribe como guion este drama romántico con grandes dosis de suspense rodado en inglés y ambientado en el mundo de la subastas de arte. Con un reparto internacional encabezado por los citados y con la colaboración del extraordinario compositor Ennio Morricone, habitual del cine de Tornatore. 

La producción estuvo en manos de Isabella Cocuzza y Arturo Paglia para la Warner Bros. con la colaboración de FVG (Friuli Venezia Giulia). El proceso de rodaje comenzó en Trieste el 30 de abril de 2012 y se rodó durante seis semanas en la región de Friuli-Venecia Julia, Trieste, Bolzano, Parma, Milán, Roma, Viena y Praga. La villa Colloredo Mels Mainardi, residencia de Claire en la película, está situada en Camino al Tagliamento (Gorizzo di Camino al Tagliamento), pequeña localidad en la provincia de Údine. 

Para rodar en estas localizaciones e interiores contó con la fotografía de Fabio Zamarion que luego montó Massimo Quaglia. 

La película es una canto al amor, al desamor, a la mentira y a las apariencias, pero también a la sensibilidad y el conocimiento artístico. 

En la película se citan numerosas obras de arte. El retrato que Oldman encuentra y hace restaurar lo que aparentemente es una copia del Retrato de muchacha de Petrus Christus, que luego resulta ser la obra original valorada en 8 millones de libras. Entre las obras que analiza está El nacimiento de Venus, de William-Adolphe Bouguereau. 

Los retratos femeninos de su colección datan desde el siglo XV al XX. Algunos de ellos son obras célebres, mientras que otras son versiones menos famosas, acaso espejadas o recortadas. Se reconocen La Fornarina y La Muta de Rafael, algunas obras de Tiziano (Violante, La Bella y un fragmento del Retrato de Eleonora Gonzaga Della Rovere), algunas piezas de Agnolo Bronzino (Retrato de Eleonora de Toledo con su hijo Giovanni, Retrato de Lucrezia Panciatichi), una de Lorenzo di Credi (La dama dei gelsomini), una de Boccaccio Boccaccino (Muchacha gitana), una de Bartolommeo Veneto (Retrato de Lucrezia Borgia), una de Lorenzo Lotto (Retrato de Lucina Brembati), una de Andrea del Sarto (Dama con Petrarchino), un retrato de Bianca Cappello, una obra de Alberto Durero (Retrato de Elspeth Tucher), una de Lucas Cranach el Viejo (una versión de Salomé), una pintura de Sofonisba Anguissola (Retrato de Minerva Anguissola), un autorretrato propio y uno de su hermana Lucía, el autorretrato de Tintoretta, un Peter Paul Rubens, un Godfried Schalcken (Ragazza con la candela), dos Guido Reni (Retrato de Beatrice Cenci y Retrato de la madre), un Francisco Goya, un par de Rosalba Carriera (Autorretrato y Retrato de dama anciana), uno de Rose-Adélaïde Ducreux (Autorretrato con arpa), algunos de Ingres (Retrato de Delphine Ingres, Retrato de Madame Aymon), un par de Dante Gabriel Rossetti (Joli Coeur, La joven de la ventana), un Pierre-Auguste Renoir (Jeanne Samary con vestido escotado), un par de Amedeo Modigliani, un Morgan Weistling, un desnudo femenino de Bouguereau, el retrato de la Emperatriz María Aleksándrovna de Franz Xaver Winterhalter. 

El autómata, cuyas piezas encuentra Virgil Oldman, lleva la firma de Jacques de Vaucanson, célebre inventor del siglo XVIII que asombraba a los franceses con sus creaciones. 

La película ganó diversos premios engtre ellos tuvo varias nominaciones a los Premios del Cine Europeo venciendo en el de Mejor Banda Sonora. En los Premios del Cine italiano, los David de Donatello concedidos por la academia de cine italiana consiguió bastantes, entre ellos, los de mejor película, mejor director, mejor banda sonora, mejor escenografía ((Maurizio Sabatini y Raffaella Giovannetti) ), mejor vestuario ((Maurizio Millenotti) y el premio del público joven. 

De ella han escrito como críticas mixtas, algunas a favor y otras en contra, así como muchas indiferentes, críticos de muchos lugares. 

En los Estados Unidos Deborah Young del The Hollywood Reporter comentó que estaba "Escrita con ingenio (...) Aunque se echa en falta algo más de claridad, un momento de ironía o un guiño a la audiencia, este serio relato (...) merece la pena verse por la sensible interpretación de Rush" 

Jay Weissberg de Variety dijo que era "Suntuosa (...) Pretende tener un toque 'a lo Hitchcock' (...) pero la película acaba más en el territorio de Dan Brown, remarcando las obviedades y con una visión simplona del mundo del arte." 

Sheila O'Malley que está detrás junto a otros en la web cinematográfica de rogerebert.com dice que "El problema surge cuando el guion (también de Tornatore) sigue insistiendo en explicar su propio simbolismo y subtexto (...) " 

En AV Club, Mike D'Angelo, señala que "Aunque su destino final es bastante obvio desde el principio, el viaje ofrece ciertos placeres." 

Jessica Kiang de IndieWire sostuvo que "La película resultante es tan cutre y desastrosa que por un momento te la puedes imaginar como artefacto kitsch de culto" 

Nicolas Rapold del The New York Times habla de que es "Un cortejo aburrido que acaba mal (...) El director escenifica su aceptable misterio gótico con la elegancia de una subasta." 

Desde Illinois, Ben Sachs del Chicago Reader destaca que "Tornatore crea un tono fascinante (...) por desgracia, el tono se disipa cuando el director empieza a desvelar los diferentes misterios. La resolución se extiende en exceso." 

Desde Gran Bretaña y la recientemente fugada de X- antes Twitter- The Guardian, Andrew Pulver destaca que la película está "Fatalmente lastrada por diálogos impostados (...) Tan buenos actores como son Rush, Sturgess y Hoeks, casi todo lo que dicen se queda muerto en las páginas (...) . 

Ya en España Carlos Boyero desde las páginas de El País destaca de la misma que es una "Mezcla de gran cine (...) la ha escrito y dirigido con inteligencia, complejidad, misterio, sentimiento y originalidad un Tornatore en permanente estado de gracia" 

En El Mundo, Luis Martínez, la califica como "Pomposa, cursi y académica propuesta" lo que contrasta con lo que nos dice Federico Marín Bellón en ABC la califica como "Una obra inteligente y ambiciosa (...) algo artificial flota en el ambiente, tan bien fotografiado. A los personajes, en verdad fascinantes, se les adivina el tubo de ensayo (...) " 

Sergi Sánchez de La Razón las describe como "Un autómata de baratillo que, con hálito mecánico, imita el «giallo» más imposible, el romance gótico más grotesco y el «thriller» metadetectivesco más demencial (...) el gran problema es que se toma demasiado en serio a sí misma" 

Y el gran Fausto Fernández desde Fotogramas dijo de ella que era a tono con la película una "Una falsificación (exquisita, a ratos subyugante) genérica (...) en cuyo fondo se encierra una verdad: que el autor de 'Cinema Paradiso' siempre acaba cediendo a sus veleidades sentimentaloides (...) " 

Por último, para Sergio F. Pinilla en Cinemanía sentencia diciendo que "Tornatore pergeña una intriga guiñolesca tan eficaz como artera (...)

Con respecto a este thriller psicológico que explora temas de obsesión, soledad, engaño y el valor de la belleza y el arte lo que tengo que destacar es su belleza, su apariencia, pero no me lo he creído. Es un buen envoltorio para un producto poco creíble. es elegante en las formas, llegando incluso a ser sofisticada Me gusta eso sí, que pase de una historia de obsesión y de amor, a una de engaño, al contraste entre lo que se ve y lo que se oculta. 

La mejor oferta es una reflexión sobre el valor del arte y el dinero, pero también sobre el deseo, la manipulación y el engaño, así como la falta de ética para conseguir unos objetivos. A destacar igualmente la brillante y compleja actuación de Geoffrey Rush, quien interpreta a un personaje atormentado por su personalidad, obsesivo y lleno de matices.

Camino del guerrero

 

Teogonía egipcia

Cine a la luz de la luna , lo que implica en mi caso ver una película sentado en sillas de plástico, cena de bocadillos, cervecita en lata muy fría, patatas fritas ...y buena compañía. La pelítula la que tocaba, no había otra opción ni para el día ni para la hora. Gods of Egypt o Dioses de Egipto era la que emitían. Tenía interés en ver como Hollywood había planeado la compleja Teogonía egipcia y , bueno, como planteamiento es un despropósito, como entretenimiento, no está mal hasta la primera hora de la película, pero los últimos treinta minutos se hacen imposibles, infumables, vamos, un coñazo de tomo y lomo. 

Parece mentira que una historia tan interesante como la egipcia rara vez haya sido tratada desde el punto de visto histórico con eficacia por parte de la meca del cine. Admite que hay una película polaca, Faraón de Jerzy Kawalerowicz del año 1966, que era rigurosa en el sentido histórico, pero la recuerdo como algo plúmbea. Después Hollywood, en su época dorada trató el tema en varias ocasiones, y bueno, de una manera espectacular pero sin mucho rigor. Tengo en mente Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz (1963), Sinuhé, el egipcio de Michael Curtiz realizada en 1954 o Tierra de faraones de Howard Hawks en 1955. Pero o se centraban en la historia de amor, o en su espejo religioso alternativo y monoteísta, judío o cristiano. En los ochenta, en concreto en 994, Roland Emmerich y su Stargate, creó un espectáculo visual interesante, pero históricamente ajeno a este mundo. No, no se ha logrado acercar el mundo egipcio al cine.

Por supuesto, este juegos de luces - y sombras, evidentemente- que es Dioses de Egipto tampoco lo consigue. Entrando ya en faena os diré que se trata de una película estadounidense inspirada en las antiguas deidades egipcias.

La película está dirigida por Alex Proyas, quien co-escribió la película con Matt Sazama y Burk Sharpless y el mismo Alex Proyas declaró que la película "Se inspira en la mitología egipcia, pero no hace ninguna tentativa en la exactitud histórica, porque eso sería inútil - ninguno de los acontecimientos en la película de la historia que realmente sucedió. Se trata como realidad-basados ​​como Star Wars - que no es real en absoluto ... Tal vez un día si llego a hacer más capítulos voy a revelar el contexto del momento y el lugar de los hechos. Pero una cosa es segura - no se establece en el antiguo Egipto en absoluto.

La producción estuvo en manos del mismo Alex Proyas y de Basil Iwanyk que lo hacen por medio de las productoras Thunder Road Pictures, Summit Entertainment y Mystery Clock Cinema , y con el apoyo en la distribución de Lionsgate.

Con estas productoras de reparto la película contó con un presupuesto de $ 140 000 000, que apenas se ha recuperado, pues la recaudación ha sido de $ 143 030 000. El diseño de producción estuvo en manos de Owen Paterson La música fue labor encargada a Marco Beltrami, mientras que la fotografía lo fue de Peter Menzies Jr mientras que el montaje lo fue de Richard Learoyd y el vestuario de Liz Keogh.

El reparto de la película- ya hablaremos de la polémica , desde mi punto de vista absurda sobre la etnicidad del mismo- está integrado por Nikolaj Coster-Waldau como Horus , dios del cielo, Brenton Thwaites como el humano Bek , Gerard Butler como Set , dios de la oscuridad, Chadwick Boseman como Thoth , dios de la sabiduría, Elodie Yung como Hathor , diosa del amor, Courtney Eaton como la humana Zaya , Rufus Sewell como Urshu, el arquitecto real, Geoffrey Rush como Ra , dios de la luz, Bryan Brown - el eterno hombre FX- como Osiris , dios de la vida , Goran D. Kleut como Anubis , dios del más allá, Rachael Blake como Isis , esposa de Osiris, Emma Booth como Neftis , diosa de la protección, Alexander England como Mnevis, Yaya Deng como Anat, Abbey Lee como Astarté, Kenneth Ransom como la Esfinge, Robyn Nevin como Sharifa y Bruce Spence como Juez Principal. También participa Paula Arundell

En un Egipto dual, en el que conviven en el mismo plano, dioses que viven entre los humanos, evidentemente, mortales. Los dioses egipcios se distinguen de los seres humanos por su mayor altura, la sangre de oro, y la capacidad de transformarse en otras formas de deidad con cabeza de animal. En este territorio de vida y muerte, cruzado por el Nilo vamos a conocer un cambio en la jefatura de los monarquía divina egipcia.

De cualquier manera, al pimero que conocemos es a Bek, un ladrón mortal con poca fe - ninguna, más bien- en los dioses y que está muy enamorada de Zaya. Lo conocemos robando un vestido para que ella pueda asistir dignamente a la ceremonia de coronación de Horus , señor del aire, por su padre Osiris, el rey, que ha decidido abdicar de la jefatura divina de Egipto .

Descubrimos a Horus preparándose para su coronación tras una fiesta. A ella no ha asistido su amor, la diosa Hathor , que de cualquier manera muestra una alta simpatía por Horus. Éste le insinúa el matrimonio y discuten tras ellos, pero Horus le hace entrega de una pulsera de protección a Hathor hecha de estrellas que Horus le entrega con el fin de protegerla y salvarla de su cargo anterior como una guía para las almas muertas en los bajos fondos.

Llega ya el momento culminante de coronación de nuevo rey-dios. Sin embargo, durante la ceremonia de cesión de la corona , realmente al final de la misma, se persona Set, el hermano de Osiris que es recibido con alegría por hermano y sobrino. Pero de la alegría inicial pasa a la sorpresa cuando Set viene acompañado de un ejército que se coloca en primera fila, expulsando a los hombres y mujeres que asistían a la coronación , entre ellos a Bek y a Zaya. Set, realiza una declaración de intenciones postulándose como legítimo rey por ser hijo de Ra, pero Osiris le echa en cara que él fue el elegido por su padre para la jefatura.

Osiris le declara su amor a su hermano, pero , ante todo el mundo, Osiris es asesinado por su celoso hermano Set , dios del desierto, que se apodera del trono y declara un nuevo régimen donde los muertos tendrá que pagar con riquezas para pasar a la otra vida.

Tras el asesinato Set y Horus se enfrentan con todos sus poderes, pero Horus en un momento de debilidad es despojado de sus ojos, que son la fuente de su poder. Set derrota a Horus que casi muere, pero Hathor suplica por su salvación y en su lugar opta por exiliarlo. Hathor se convierte así en un amante esclavizada de Set. Comienza así la tiranía del mal.

Un año más tarde Bek lo vemos trabajando en un edificio monumental con otros muchos esclavos, mientras que Zaya está ahora bajo la propiedad del arquitecto jefe Urshu. Zaya que cree profundamente en la bonda y justicia de los dioses convence a Bek , como buen ladrón, para intentar devolver el poder a Horus, pues según ella es el único que puede derrotar a Set, así que para devolverle el poder le pide a Bek que robe sus divinos ojos que están en una cámara acorazada realizada por el arquitecto Urshu.

Zaya le proporciona los planos de la cámara acorazada y con ellos , tras salvar múltiples dificultades, Bek es capaz de robar de nuevo uno de los ojos de Horus. Sin embargo, Urshu , muy ordenado él, se entera de su robo y decide devolver a ambos a la esclavitud, sin embargo, Bek y Zaya escapan en un carro de caballos y en la huída Urshu mata a Zaya mientras la pareja huye.

Bek lleva su cuerpo al Horus cegado y, ahora descreido y que está a punto de matarlo, le y hace una oferta: Horus se compromete a traer a Zaya de la muerte y el le consigue el otro ojo y pues Bel tiene un buen conocimiento de la pirámide de Set donde se oculta. Más tarde, ambos se dirigen en busca de Ra que se encuentra presidiendo el cielo en su buque divino, por encima de la Tierra.

Horus es incapaz de convencer a Ra . Ra, como abuelo suyo que es y padre de Set, quiere ser neutral en su conflicto, además le dice que su preocupación está permanentemente en su diaria guerra con una enorme y bestial sombra, Apophis , que amenaza con el caos y devorar el mundo. Sin embargo, Horus, consciente de que el poder de Ra reside en el desierto, obtiene unas aguas divinas de la nave de Ra, que puede utilizar en la pirámide de Set para apagar la sed del desierto y debilitarlo.

Ra le dice a Horus que su debilidad es el resultado de lo que no cumplen su destino, y que cree Horus ha de vengar la muerte de sus padres.

Set, recibe la información de la huida de Horus y de que ahora tiene, a menos, uno de sus ojos lo que aumenta su ira, dando la orden de localizarlo. Le pide a Hathor que lo conduzca al inframundo para allí vencerle, pero ella se niega y se las arregla para escapar.

Con el tiempo, Hathor y Horus encuentran a Bek. Horus en un principio no confía en ella, ya que ella es la amante de Set, que lo había cegado, mientras ella trata de convencerlo de que Set es su enemigo también. Cuando le dice su plan con respecto a la pirámide de Set, les advierte de que han de superar una esfinge que matará a todo aquel que no sea lo suficientemente sabio para solucionar un acertijo. El grupo luego se dirige a la biblioteca de Thoth, el dios de la sabiduría, y le pide, y , finalmente, convence para que él resuelva el enigma.

 Al llegar al santuario de Set, el cuarteto formado por Bek, Horus, Hathor y Thot superan sus trampas, incluyendo la esfinge, para llegar a la fuente del poder de Set. Pero antes de que puedan verter el agua divina, son atrapados. Set revela que Bek ha sido engañado por Horus: ya que es incapaz de sacar a Zaya de entre los muertos. Set destruye su botella de agua divina y mata a Thoth quedándose con su cerebro, pero Horus es capaz de salvar a Hathor y Bek. Horus admite, ante el enfurecido Bek, que le preocupa más su venganza que el futuro de los mortales.

Hathor se siente culpable por no haber comentado todas sus limitaciones, pero en esto que interviene Hathor , como la diosa del amor, y ayuda a los amantes condenados. Ella se sacrifica entregando a Zaya para el pago que ha de realizar en la otra vida, el brazalete protector que impide que las almas de los bajos fondos la secuestren y llamando Anubis para enjuiciar a Zaya. Por lo tanto, se deja arrastrar al mundo subterráneo, mientras que Horus se da cuenta de que aún la ama.

Después de haber obtenido el cerebro de Thoth, el corazón de Osiris, uno de los ojos de Horus y las alas de su antigua Neftis, que ya vimos con anterioridad como se las corta, Set las combina en su divinidad. Con todo ello realiza el viaje par ver a Ra, y apelando ante su padre para su aprobación , no sólo como rey de los dioses y humanos, además de preguntar por qué Osiris se vio favorecido, mientras que a él se le negó el liderazgo. Ra afirma ante Set que todas las dificultades encontradas eran pruebas de preparación para Set para descubrir su verdadero papel, y ha demostrado estar muy limitado. Ra le insiste que es un honor y una enorme carga la de ocupar el lugar de Ra como defensor del mundo a bordo de su barcaza solar con la que lucha a diario contra el demonio Apophis. Ra le dice que como su sucesor ha de realizar esto eternamente, aunque Set le dice que no quiere que su mundo está en la Tierra, en el desierto. Set , consternado al oír su destino, el de estar solo hasta que muera, se niega. Set quiere ser inmortal, pero también renunciar a las responsabilidades.

Ra lucha contra él, pero no puede, ya que tiene todas las facultades de los otros dioses. A continuación, apuñala a Ra, y toma su lanza de fuego que le da el poder, y lo arroja fuera del barco, liberando a Apophis para se lanza a devorar los reinos mortales y el inframundo.

En el inframundo Bek encuentra con Zaya que se niega a aceptar el regalo de Hathor ya que ella no quiere una vida futura sin Bek, pero ante el ataque de Apophis y el cierre de la novena puerta que da acceso a la otra vida Bek vuelve al mundo de los mortales, donde Horus se sorprende al encontralo y en el deseo de Bek de ayudarlo a acabar Set, pero Bek le dice que es Zaya quien le dijo que, ya que todavía tiene fe en Horus.

Horus sube por la pared exterior del obelisco y se enfrenta a Set que está sobre él . Por su parte, Bek asciende por el el interior y se une a la batalla eliminando el ojo robado de Horus de la armadura de Set, que ha sido herido en la lucha. Bek se desliza hacia el borde del obelisco, y le lanza el ojo a Horus que debe elegir entre salvar su ojo y guardarlo o salvar a Bek. Horus opta por salvar a Bek y se disculpa por todo lo que le ha hecho pasar.

A medida que caen en picado hacia el suelo, Horus descubre que ahora tiene el poder de transformarse en su forma divina, y lo atrapa Bek durante su caída y le lleva a una zona segura. Horus se da cuenta de que no era la recuperación de su ojo o la venganza lo que le guardaba el destino, sino que era la protección de su pueblo por el que tenía que luchar.

Ahora Horus tiene la fuerza para luchar contra Set y derriba su obelisco y lo mata. Después de la batalla y la muerte de Set, se encuentra a continuación con Ra herido y flotando en el espacio y devuelve su lanza, lo que permite a Ra, una vez más, rechazar a Apophis. Horus vuelve con Bek, mientras un niño ha encontrado su otro ojo , mientras los humanos celebran la victoria de Horus.

Pero la alegría de Horus se convierte en tristeza cuando ve que Bek está moribundo. Horus lo lleva a la tumba de Osiris y lo pone al lado Zaya. Ra, su abuelo, llega y se ofrece a conceder un poder sobre él en agradecimiento por devolverle la vida y conseguir la supervivencia de Egipto, pero Horus sólo quiere traer a Bek y Zaya de vuelta a la vida. Cosa que concede.

Los otros dioses también han revivido y tienen sus atributos restaurados. Horus es coronado como rey por Thoth y declara que la otra vida será de los que hacen el bien en el mundo. Bek se ha hecho asesor jefe de Horus, y le da la espalda a Horus y la pulsera de Hathor, Horus marcha a rescatar a Hathor del inframundo. Acabando así, tras una lucha que a mi se me hizo eterna, la película.

Summit contrató a Proyas en mayo de 2012 para escribir el guion con Sazama y Sharpless y para dirigir la película. Lionsgate tenía previsto que esta película fuese la primera de una nueva franquicia después del termino de  Los Juegos del hambre. Proyas dijo que trató de hacer un gran presupuesto película, cosa que evidentemente sí lo tuvo,  con el deseo de hacer algo  original y asumiendo influencias de otras películas, muchas de ellas clásicas como iLos cañones de Navarone (1961), Lawrence de Arabia (1962), El hombre que pudo reinar (1975), En busca del arca perdida (1981), y los western de Sergio Leone . 

Su empresa matriz, Lionsgate, planeo el estrenó de Dioses de Egipto en los cines el 26 de febrero de 2016 y fue estrenada en 2D y RealD. 

El casting racial y étnico de la película generó mucha controversia y crítica debido a la mayoría blanca del elenco de la película y dio lugar a que muchos consideren a la película un blanqueamiento de cine. De hecho la mayor parte de los actores son blancos, cuando a lo mejor tendrían que ser nilóticos, pero ¿hay actores de alto caché de origen nilótico o en su defecto nubios? Puede que existan, pero el cine, ¿no es ficción? .

El actor Nikolaj Coster-Waldau fue incluido en junio de 2013, mientras que Gerard Butler, Geoffrey Rush, y Brenton Thwaites fueron incluidos en el al reparto a finales de 2013. Chadwick Boseman y Elodie Yung fueron incluidos al reparto a inicios de 2014. 

El rodaje tuvo lugar en Australia en los Estudios  Summit Entertainment. Un equipo de 200 personas comenzaron la pre-producción en Sídney, Nueva Gales del Sur,  auque los productores consideraron filmar en Melbourne en el Estado de Victoria . De hecho los Docklands Studios Melbourne fueron reservado para realizar Gods of Egypt, y a los productores se les ofreció una instalación aeroportuaria para la producción. 

Pero los estados australianos de Nueva Gales del Sur y Victoria competían por ser la localización de la producción de la película, y Summit seleccionó Nueva Gales del Sur para el rodaje  en febrero de 2014. 

Sin embargo, aparecieron dificultades tanto políticas como sindicales. El viceprimer ministro del estado Andrew Stoner estimó que la producción aumentaría 400 puestos de trabajo para el Estado y contribuiría con US$75 millones a su economía. El sindicato Media Entertainment & Arts Alliance presentó una objeción ante la Comisión de Trabajo Justo de Australia indicando que la película iba a adoptar condiciones de trabajo injustas. El sindicato impugnó la producción para que fuese lo suficientemente australiana para recibir un 40% de reembolso de la productora, con mejores condiciones de trabajo para Australia.

El rodaje comenzó el 19 de marzo de 2014 en Fox Studios Australia en Sídney. El presupuesto de producción fue de US$140 millones. 

Jon Feltheimer, el presidente de Summit, empresa matriz de Lionsgate, dijo que la inversión financiera de Lionsgate rondaba los US$ 10 millones debido a los incentivos fiscales de rodaje en Australia, así como las pre-ventas extranjeras.

La fotografía principal comenzó el 19 de marzo de 2014, a los Estudios Fox Australia en Sydney. El templo de  Anubis fue filmado en el Centennial Park en Sydney, y en la postproducción se añadieron los efectos especiales sobre la escena.

En la película, los dioses tienen una forma humanoide son de 9 pies (2,7 m) de altura y aunque en la  "batalla final" alcanzan más de 12 pies (3,7 m) de altura. Proyas utilizó una  forzada perspectiva y control de la fotografía en movimiento para retratar la diferencia de altura entre los actores que representan a los dioses y los seres humanos. Proyas llamó el desafío logístico "la inversión Hobbit", en referencia a El Señor de los Anillos .

Para la Esfinge , el actor Kenneth Ransom retrata la criatura gigante a través de la captura de movimiento . Para el dios Thot, que pueden aparecer como muchas copias, el actor Chadwick Boseman fue filmado cientos de veces desde diferentes ángulos y tardaron  tres días para rodar esa escena. 

Sin embargo, una de la mayores y más absurdas polémicas está en el llamado blanqueamiento de la película. Es cierto que los actores blancos constituyen la mayor parte del elenco principal de Gods of Egypt. En marzo de 2014, Rubí Hamad, de Daily Life, calificó el casting como el "blanqueo de Hollywood".Algo que generó polémica a través del Twitter y que fue recogido en The Guardian. De hecho hay un única  personaje y actor negro, el actor Chadwick Boseman, quien interpreta al dios Thot . El año anterior, en la epopeya bíblica Exodus: Gods and Kings, del director Ridley Scott recibió un crítica similar  por tener un elenco blanco.

Soraya Nadia McDonald, de The Washington Post, también desacreditó el casting utilizado en Gods of Egypt . McDonald dijo, "La promoción para la película empieza justo cuando estamos envolviendo un año excepcional para las discusiones de la diversidad y equidad de género de pago en la industria del cine." 

Lionsgate planeaba estrenar Gods of Egypt en los cines entre el 12 y el 26 de febrero de 2016  pero se pospuso el estreno al 8 de abril de 2016.

Dioses de Egipto ha recibido , en general críticas negativas por parte de la crítica y la audiencia. En  Rotten Tomatoes, hoy criticado en twitter, por su valoración al "Escuadrón Suicida" tiene una calificación de 13% basada en 110 reseñas, con una puntuación de 3.8. La página Metacritic le ha dado a la película una puntuación de 23 de 100, basada en 24 críticas, indicando "reseñas generalmente desfavorables". 

Hay pocos críticos que la salven, yo tampoco lo hago. En el  Reino Unido Sarah Ward en Screendaily afirma que "A pesar de empezar con una sensación de grandeza (...) esta aventura de fantasía del director de 'I, Robot' y 'Knowing' es incapaz de volver a su confianza inicial en su material" En la también británica Time Out se deja por escrito que  "Es como si una buena parte de su presupuesto hubiera ido a parar al bronceador de Butler...dinero que hubiera estado mejor empleado en los efectos especiales de baratillo, que parecen descartes de 'Ghostbusters II' (...) " 

Ya en Estados Unidos, para Justin Chang en Variety se trata de "Una película horrible, un recargado engendro digital que rezuma estupidez y autoindulgencia por todos sus poros (...) Eso sí, Proyas le pone una demencial convicción que es de admirar" 

Colin Covert del Minneapolis Star Tribune comenta, con toda razón ,  que es "Demasiado excesiva, atiborrada y extensa, 'Gods of Egypt' presenta un escuadrón de dioses mitológicos totalmente olvidables en 127 incompetentes minutos (...) " 

Frank Scheck del The Hollywood Reporter afirma que es "Una película que parece inspirada por un videojuego aunque no sea así (...) Es todo tan ridículo como suena y de alguna manera, la película no consigue ser tan exagerada como para convertirse en un entretenido placer culpable" 

Michael Phillips del Chicago Tribune sostiene que es "Un disparate que no tiene la energía o el delirio para considerarse una basura entretenida. Es sólo basura" 

En el neoyorkino The New York Times Manohla Dargis  escribe que es "Un entretemiento histérico (...) Disfruté de 'Gods of Egypt', a pesar de la génerica trama, el dudoso reparto europeo y los (¿intencionales?) poco convincentes efectos especiales"

Para  Peter Travers en Rolling Stone  dice irónicamente "Vuelve, 'Clash of the Titans', te lo perdonamos todo. (...) " 

Mick LaSalle en el San Francisco Chronicle comenta que "Lo de 'Gods of Egypt' es épico: un épico desastre"; mientras que   Chris Nashawaty del Entertainment Weekly dice que "Hasta ahora, yo siempre había defendido (y a veces, disculpado) a Proyas (...) Pero nunca podrías imaginarte que 'Gods of Egypt' estuviera hecha por el mismo director" 

Ya en España Javier Ocaña en las páginas del Diario El País comenta que "Puede recordar a una joya de la serie B: 'Jasón y los argonautas' (Don Chaffey, 1963) (...) Pero la comparación, que suena a sacrilegio, es la demostración de lo que separa la artesanía entusiasta de la aparatosa nadería." 

Francisco Marinero del Diario El Mundo la aproxima al carnaval de Cádiz al decir que es "Epopeya carnavalesca. (...) El caótico guion va y viene del acá al más allá, como pretexto para una exhibición de efectos especiales (...)" 

Javier Cortijo en Cinemanía dice sacásticamente que "Película (por decir algo) (...) aburrida, pesada y desalmada. (...) " Sin embargo,   Antonio Trashorras en Fotogramas "Para degustadores de entretenidos disparates. (...) Lo mejor: la franqueza con la que se asume como kitsch. Lo peor: su excesiva duración y su poco cuerpo dramático. (...)" 

En México Alejandro Murillo en el Cine Premiere dice de ella "La propuesta histórica es poco original y luce una desinformación brutal. Algunos episodios cómicos son chocantes y en general la tragedia es poco creíble. Pero nada que unos cuantos retoques y efectos especiales no puedan solucionar. " Adrián Ruiz Villanueva del Diario Excélsior entiende que "Esta travesía no será objeto de adoración en un futuro, es un producto entretenido con ciertas reservas, pero desechable, pese a que los personajes tengan sangre dorada.

En el cono sur  Ezequiel Boetti del argentino Diario Página 12  se trata de "Un film que no sólo no le teme al ridículo, sino que elige abrazarlo con firmeza y decisión.". En este mismo país,   Pablo O. Scholz en su columna del Diario Clarín concluye que "No todo lo que brilla es oro, y aquí lo que brilla es la falta de historia, de personajes bien construidos."

Dejamos ya de hablar de esta película que, por momentos, muchos momentos, especialmente al final , se me ha hecho eterna. La primera hora es salvable Teniamos dudas antes de ir pues habíamos visto que la puntuación sobre la misma era baja, un 3'4 sobre  diez. Como era un cine de verano, cortaron la película a hacia la mitad, y mientras iba al servicio con mi hijo pequeño, hablamos de que esa puntuación habría que elevarla. Sin embargo, vista la segunda mitad no eramos capaces de dar una valoración positiva. Parece que Set, el dios egipcio de la oscuridad, lastra la película hasta llevarla al inframundo. Ni Bek , ni Horus la salvan, ni mucho menos, la doble historia de amor .Parece que durante el rodaje Set, el despiadado dios de la oscuridad sumió al director en en el caos. Ni la lucha, ni la valentía, ni el  sacrificio logran remontar a la película, más bien la hunde. Si tengo que elegir entre producciones sobre el Egipto Antiguo, creo que me quedo con una serie de animación francesa titulada Papyrus, que , al menos, era más lúcida y más didáctica.

Munich, aquellos días

Múnich es una película estadounidense estrenada en 2005, dirigida por Steven Spielberg y basada en la Operación Cólera de Dios , la venganza secreta del gobierno israelí contra la Organización de Liberación de Palestina después de la masacre de Munich en los Juegos Olímpicos de 1972  escrita por Tony Kushner y Eric Roth.

La dirección está en manos de Steven Spielberg trabajando como casi siempre en la producción con sus habituales Kathleen Kennedy, Barry Mendel, Steven Spielberg y Colin Wilson -falta unicamente Frank Marshall- por medio de sus productoras DreamWorks SKG , Universal Pictures y  Amblin Entertainment.  La distribución estuvo en manos de la Universal Studios que consiguió una taquilla de más de $ 130 millones de dólares.

Para el guión contó con Tony Kushner y Eric Roth aunque partía de un libro titulado La venganza de Yuval Aviv , quien afirmaba haber sido  agente del Mossad. 

Como es habitual la banda sonora está en manos de John Williams y la fotografía es de Janusz Kaminski . En el montaje está Michael Kahn siendo el encargado del vestuario Joanna Johnston 

Los protagonistas de este extenso reparto son Eric Bana como Avner Kaufman,  Daniel Craig como Steve., Ciarán Hinds como Carl,  Mathieu Kassovitz como Robert,  Hanns Zischler como Hans,  Geoffrey Rush como Ephraim,  Ayelet Zurer como Daphna Kaufman, Gila Almagor como la madre de Avner,  Karim Saleh como Issa – Luttif Afif,  Michael Lonsdale como Papa,  Mathieu Amalric como Louis,  Ziad Adwan como Kamal Adwan,  Moritz Bleibtreu como Andreas,  Valeria Bruni Tedeschi como Sylvie, Meret Becker como Yvonne,  Jonathan Avigdori comos Gad Tsabari , Marie-Josée Croze como Jeanette,  Lynn Cohen como Golda Meir,  Omar Metwally como Alí. 

La película de Spielberg fue duramente criticada por la comunidad judía en Estados Unidos, ya que, según ellos, humanizaba demasiado a los miembros de Septiembre Negro mientras que mostraba crudamente a los agentes del Mossad como asesinos. Spielberg se defendió de esas críticas diciendo: "Si fuera necesario, estaría dispuesto a morir, tanto por Estados Unidos como por Israel".

Múnich comienza con una descripción de los eventos de los Juegos Olímpicos del verano de 1972 en Munich por parte del grupo terrorista palestino Septiembre Negro en la Villa Olímpica , matando a once israelíes atletas . De acuerdo con la sentencia bíblica del " ojo por ojo ... " el gobierno israelí ordena la represalia de la acción y diseña una lista negra con los nombres de once líderes. 

En la casa de la primer ministro de Israel , Golda Meir , se persona Avner Kaufman ( Eric Bana ), un agente del Mossad de origen judeoalemana e hijo de un héroe israelí, es elegido para dirigir una misión de aniquilamiento contra 11 palestinos presuntamente implicados en la matanza. Por supuesto el gobierno israelí negará cualquier implicación en el atentado contra los líderes palestinos tal y como reconoce el coordinador Ephraim ( Geoffrey Rush ). Éste le da los nombres de los involucrados en el asesinato. y les habla de la financiación segura, sin una conexión directa a Israel y sólo a través de cuentas bancarias en Suiza. 

Oficialmente, Avner renuncia al Mossad y opera sin vínculos oficiales a Israel. Desde el principio se determina que las operaciones se llevarán a cabo en Europa, nunca allá del telón de acero para que sean no surjan complicaciones políticas, ni en los países árabes - que es algo reservado para el ejército israelí -. Avner acepta la oferta, a pesar de su joven esposa Daphna está embarazada. Todo por Israel. Avner tendrá que abandonar a su mujer embarazada, cambiar su identidad y junto a otros agentes, localizar, buscar y matar a las personas que según el Mossad son responsables de esta matanza. 

Su equipo lo conocemos en un almuerzo de trabajo preparado por Avner , que aprendió a cocinas en un Kibbutz está formado por cuatro voluntarios judíos de todo el mundo: un sudafricano, el conductor, un locuaz Steve ( Daniel Craig ),Robert ( Mathieu Kassovitz ) un belga fabricante de juguetes y experto en explosivos , Carl ( Ciarán Hinds ), encargado de la limpieza posterior a cada acción y ex soldado israelí , y un danés falsificador de documentos llamado Hans ( Hanns Zischler ).

A través de unos amigos adolescentes del grupo Baader-Meinhof reciben al informante Louis, que a cambio de una suma de dólares enorme da con el paradero de los fugitivos y aporta armas y asistencia organizativa para conseguir sus objetivos. Para ello Avner se reúne en París con Louis ( Mathieu Amalric ) quien aportará una información que compra al informante francés en la sombra. 

En Roma , tendrá lugar el primer atentado cuando el equipo dispare y mate a Wael Zwaiter , traductor al italiano del libro Las mil y una noches que está que vive en la ciudad como un poeta. Se trata de un objetivo fácil, sin escolta y son Robert y Avner los que le acechan ante un ascensor y les disparó después de una breve vacilación. 

El segundo atentado se produce en París , ciudad en la que detonan una bomba en la casa de Mahmud Hamshari, representante en la capital francesa de la OLP por medio de una bomba oculta en un teléfono que, en un primer momento, será cancelada a fin de no matar a su hija. Hamshari sobrevivió a la explosión, pero queda gravemente herido y, finalmente, muere.

El tercer atentado es en Chipre , se atentará contra Hussein Al Bashir (Hussein Abd Al Chir) en la habitación del hotel, el Olimpic, colocándole una bomba debajo del colchón . En su preparación Avner alquila una habitación justo al lado con el fin de dar la señal para activar la bomba tan pronto como la víctima está acostado en la cama. La explosión resultante destruyó casi toda la planta del hotel. 

Desde ese momento Robert tiene claro que Louis ha proporcionado un explosivo diferente al demandado y piensa que incluso hay un sabotaje deliberado. Sin embargo, el grupo no puede renunciar a Louis y a su información.

La siguiente actuación tiene lugar en el Líbano.  Al ser un país árabe no tiene autorización pues ha de ser realizado por un comando de las  Fuerzas de Defensa de Israel (FDI). Se trata de la Operación Primavera de Juventud. Realmente persiguen a tres palestinos en Beirut. Se trata de  Mohamed Youssef al-Najjar (Abu Youssef); Kamal Adwan; y Kamal Nasser , pertenecientes a  Organización de Liberación de Palestina (OLP). De ellos el más importante es su portavoz que está muy bien protegido. El comando ejecuta con suma eficacia y violencia sus objetivos, cayendo alguna mujer e inocentes algo que no pasa desapercibido para la prensa internacional. La prensa mundial percibe la la guerra entre Israel y los campos de árabes y,  la intervención en la misma de otros servicios secretos como el de la KGB y la CIA para interferir en el conflicto.

Poco a poco los hombres de Avner cuestionan más lo que hacen  pues les surgen dudas a efectos de moral y la logística de su misión. Entre ellos empieza a surgir el miedo y las dudas, incluso sobre Louis, quien le aporta armamento y pisos francos por un cifra sustanciosa.

Dadas las dudas Avner hace una breve visita a Israel para ver a su esposa, que ha dado a luz a su primer bebé.

Más tarde se entrevista con Louis que lo lleva hasta la residencia familiar. Allí conocemos al padre de Louis (Michael Lonsdale ) conocido como Papa, , que es quien dirige esta organización. Entre ambos hay empatía, pero para Papá esto es un mero negocio. Nada de ética o escrúpulos. Además le informa del papel de las diversas agencias de inteligencia  y de la faltas de lealtades en este mundillo.

La siguiente operación tendrá lugar en Atenas. Allí el objetivo es Zaiad Muchasi. El equipo se instala y poco después descubre que Louis ha colocado a otro equipo a  compartir la casa de seguridad. Precisamente son integrantes de sus rivales, miembros de la OLP. Los ex-agentes del Mossad, ahora trabajando en la clandestinidad, y la gente de la OLP están a punto de matarse, pero  se hacen pasar por miembros de grupos terroristas extranjeros como ETA , IRA , el surafricano ANC , y la Fracción del Ejército rojo.

Avner tiene una conversación sincera con Ali, un miembro de la OLP  ( Omar Metwally ) sobre su tierra natal y si  merece morir o matar por esas tierras. De cualquier manera van a por su objetivo Zaiad Muchasi, hombre que recibe la cobertura de la KGB.  Este quinto intento de aniquilación mediante carga explosiva preparaba por Robert vuelve a fallar pues no se enciende la carga explosiva, finalmente, Hans, el falsicador de documentos, se lanza a acabar con el palestino lanzándole una granada. A todos pilla por sorpresa, pero Ali que está en la calle se da cuenta de que el grupo es un comando israelí  y comienza a disparar sobre ellos. Ellos repelen el ataque que acaba con Alí , pero también con un agente del KGB.

El grupo recrinina a Robert su fallo, pero el fabricante de bombas del grupo plantea la cuestión de si es un sabotaje o incapacidad, pues Robert admite que el realmente había sido preparado para la desactivación de bombas.

Tras entrevistarse con Louis este llama a su esposa y Avner le pide que marche con su hijo a Brooklyn , donde se imagina más seguro. Los asesinatos continúan, pero poco a poco, el grupo roba la presunción de ser uno mismo en el punto de mira.

Tras el fracaso el equipo  se traslada a Londres para localizar a Ali Hassan Salameh , quien orquestó la masacre de Munich, pero el intento de asesinato es interrumpida por varios estadounidenses borrachos. Se da a entender que estos son agentes de la CIA, que, de acuerdo con Louis, protege y financia a Salameh, a cambio de su promesa de no atacar a diplomáticos de Estados Unidos.

Ante el fracaso Avner marcha al bar del hotel y allí en  soledad toma una copa sentado Avner y se da cuenta de una mujer atractiva llamada Jeanette. Esta se muestra muy insinuante, pero elñ reflexionando con su matrimonio desiste. Más tarde, llega al bar otro miembro de su equipo Carl.

Luego vuelve a su habitación y llama por teléfono a su esposa. Más tarde se va otra vez en el vestíbulo, pero Jeanette ha desaparecido.Huele el aroma de su perfume cerca de la habitación de Carl y abre con una desagradable sospecha la puerta. Avner encuentra Carl desnudo y asesinado en la cama. Ahora admite que él y su gente están en el punto de mira de otras agencias desde el asesinato del miembro de la KGB.

Por Louis Avner se informa que la asesina es "Jeanette", una asesino a sueldo holandesa que trabaja de forma independiente. Simultáneamente, Papa le muestra una foto que demuestra que ya se encuentra bajo vigilancia por encargo. Ellos deciden vengar a Carl, pero sin Robert, que se ve superado por las circunstancias. En venganza, el equipo le sigue la pista, al encuentra vestida solo con una bata  y la ejecutan en su casa flotante en Hoorn , Países Bajos .

En la cena posterior con Steve y Avner, Hans se emborracha y tiene dudas sobre el significado de sus acciones. Hans es encontrado  muerto a puñaladas en un banco del parque a la mañana siguiente, mientras que Robert muere por una explosión en su taller, mientras desmontaba dispositivos.

Ahora Avner, vive obsesionado con sufrir un atentado y ahora pasa sus noches temeroso de una traición.

Avner y Steve finalmente localizan al autor intelectual del ataque de Munich, Salameh, en Tarifa, pero de nuevo su intento de acabar con él se ve frustrado tras un intento de asesinato, esta vez por los guardias armados de Salameh. En su huida matan a un soldado de  guardia muy joven .

Se da a entender que el amoral Louis ha vendido información sobre el equipo a la OLP. Un Avner desilusionados vuela a Israel, donde no está contento enser aclamado como un héroe por dos jóvenes soldados, y luego marcha a su nuevo hogar, en Brooklyn , donde sufre de estrés post-traumático y paranoia.  Avner llama desde un teléfono público a Papa que le asegura a Avner que, por su parte, no sufrirá  ningún daño. Cuando se siente perseguido va a a embajada de Israel donde  irrumpe y exige que el Mossad dejen a su esposa e hijo en paz.

Avner está profundamente traumatizada; en la cama con su esposa aparecen las escenas de lo que pasó en Munich y en el aeropuerto en su mente.

En la escena final, a las orillas del East River, Efraín, le exige obediencia ciega y rechaza cualquier duda sobre la legitimidad del contrato y las medidas utilizadas. viene a pedir Avner regresar a Israel e integrarse en el Mossad, pero es rechazado por Avner, que vuelve a negarse a dar el nombre de sus fuentes e informantes.

Efraín admite que otros equipos se enviaron con las mismas órdenes.  Avner, con la hospitalidad judía le invita a comer con él y su familia por la noche, pero rechaza Ephraim, y ambos se van por caminos separados.

Antes de los créditos finales se menciona que nueve de los once condenados a muerte habían sido eliminados, y que Salameh murió 1979. La última imagen es para el World Trade Center que se ve al fondo, acabando así la película. 

La película fue rodada en Malta, lugar que equivale a las escenas que tienen lugar en Chipre, Grecia y Roma, También fue rodada en  Budapest , París y Nueva York.

La banda sonora fue compuesta por el compositor estadounidense John Williams , el compositor principal de Steven Spielberg. La banda sonora se compone de tres ideas básicos: Avner, que describe los sentimientos de los israelíes, un canto solitario y apenado que describe la agonía de las víctimas, y expresan sonidos electrónicos apagados. En los Grammy Awards de 2007 John Williams recibió el Premio a la Mejor Composición Instrumental (Una oración por la paz)  y una nominación a la Mejor  Banda sonora compuesta para cine, televisión o medios visuales también para la ideada por John Williams

Además de la banda sonora la película recibió diversos premios en ese año 2005. Por lo pronto  cinco nominaciones al Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, edición -en este caso para Michael Kahn- y música. y dos nominaciones al Globo de Oro en concreto al mejor director  para Steven Spielberg y al mejor  guión adaptado para Tony Kushner, Eric Roth.

En ese año el American Film Institute (AFI): la incluyó en el Top 10 dentro de las  Mejores películas del año 2005 y el círculo de Críticos de Nueva York la nominó al mejor actor de reparto . Obtuvo dos nominaciones  en los Critics' Choice Awards a la Mejor película y al mejor director. También fue nominada al   mejor director por el Sindicato de Directores (DGA).

Pero también   ganó premios de los críticos de la asociación de críticos de Ohioal mejor reparto y el de  Kansas City , su Film Circle Award, al mejor director para Steven Spielberg , a la mejor película para Steven Spielberg, Kathleen Kennedy, Barry Mendel, Colin Wilson y al mejor guión adaptado para Tony Kushner, Eric Roth .

En cuanto a la crítica, extrañamente la película tuvo bastante críticas negativas o , al menos, no muy elogiosas. Para el Pope cinematográfico  Roger Ebert del Chicago Sun-Times elogió la película diciendo que "Como thriller, 'Munich' es eficiente, absorbente, efectivo. Como argumento ético, es inquietante. (...) ." Roger Ebert añade que "Con esta película [Spielberg] ha abierto de manera espectacular un diálogo más amplio, ayudando a hacer lo indiscutible sobre lo discutible." En otro diario de Illinois, Allison Benedikt  en el Chicago Tribune valoró  Múnich con  un "suspenso competente".

James Berardinelli escribió que "Munich es una revelación - una película que hace preguntas difíciles, presenta personajes bien desarrollados, y nos mantiene blanco con los nudillos en todo ".

En Entertainment Weekly el crítico Owen Gleiberman mencionó Múnich entre las mejores películas de la década.

Mike Clark en USA Today comenta que la película contiene "Un inteligente y tenso trabajo cuyo último mérito no es calculable hoy en día. (...)."

Manohla Dargis en The New York Times sostiene que "Más que otra cosa, 'Munich' es un contundente entretenimiento lleno de deslumbrantes piezas a encajar y un trabajo de cámara geométrico." En otro diario neoyorkino Rex Reed del New York Observer dijo de era una película  "sin corazón, sin ideología y no mucho debate intelectual , Munich es una gran decepción, y algo de un taladro. "

Jonathan Rosenbaum en Chicago Reader nos dice que  "Munich puede que tenga valor como acto de expiación, pero no como entretenimiento o arte."

Por su parte,  Peter Travers en Rolling Stone nos dice que "Esta sombría obra maestra es el trabajo más crudo de Spielberg hasta la fecha, incluyendo a 'Schindler's List' y 'Saving Private Ryan' (...) sin fáciles respuestas, sin finales felices, sin héroes que sirvan de ejemplo. Éste es un nuevo territorio para Spielberg. Y él completa su viaje con honor. (...)."

Todd McCarthy en Variety nos dice que "Largamente gestado thriller de Spielberg (...) en el proceso se olvida de dar un suspense mantenido (...) la gente mirará sus relojes más que buscar epifanías sobre la paz mundial" Todd McCarthy dice que  Múnich es una película "muy bien hecha". Sin embargo, criticó un "guión flácido." McCarthy dice que la película se convierte en "... un juego de moralidad."

Lou Lumenick en el New York Post califica la película como "Magistral, atípicamente política e impecablemente interpretada"

David Ansen en Newsweek afirma que la película es "Atrápalos y mátalos si puedes. (...) Un supremo y tenso thriller muy bien realizado (...) con una maestría que Hitchcock envidiaría"

Joe Morgenstern en el The Wall Street Journal afirma que "Munich es un film de Spielberg para lo bueno y para lo malo; un trepidante, a veces simplista thriller en el que la acción suena más alto que las ideas."

En el Reino Unido Ian Nathan en Empire comenta que la película "Es Spielberg a su máximo nivel; una película excepcionalmente hecha, provocadora y vital de nuestro tiempo" (...)." Y continua afirmando que "Munich es la película más difícil de Steven Spielberg y controvertida ... Es una película excepcionalmente hecho, provocadora y vital para nuestro tiempo"

En  la prensa alemana Adriano Sack que escribe en  Die Welt nos comenta que "Lo que se debate en Múnich es una guerra con un fuerte compromiso ideológico". Para Theo Sommer en Die Zeit se trata de "un apasionante thriller político. Sin embargo, un thriller político con un mensaje ético " En la revista Cinema "Spielberg hace un uso intensivo de la diversidad estilística del género del suspense (...) pero el mensaje y la actitud de la película va mucho más allá de las fronteras del suspense."

En España Carlos Boyero en el Diario El Mundo señala que se trata de "Gran espectáculo, temible reflexión. (...) muestra con lenguaje poderoso, con narrativa sabia, con tensión y claroscuros, con apabullante sentido del cine, el sangriento y modélico trabajo de esos guerreros."

M. Torreiro en el Diario El País afirma que es un "Tremendo, estremecedor filme (...) Es incómoda, dura y premonitoria; pero es también una película sencillamente imprescindible para entender en qué diablos de mundo estamos viviendo."

En el Diario ABC Oti Rodríguez Marchante  afirma que "Spielberg y el temple maldito. (...) Además de la manera opuesta de filmar, o contar, los asesinatos palestinos y judíos, se aprecia en las dudas que trasluce como película de intriga (...) ."

Algunos  han criticado Munich por  equiparar los asesinos israelíes con " terroristas ". Leon Wieseltier escribió en The New Republic , "... Lo que es peor," Munich "prefiere una discusión de la lucha contra el terrorismo a una discusión del terrorismo, o se cree que son la misma discusión ". 

Un político israelí retirado del israelí servicio de inteligencia, Shin Bet, Avi Dichter , ex Ministro de Seguridad Interna, comparó Múnich con una historia de aventuras para niños: "No hay comparación entre lo que se ve en la película y cómo funciona en realidad", dijo en una entrevista con Reuters . 

En cuanto a la autenticidad histórica hay que decir que  Munich es una obra de ficción, y describe muchos eventos reales ocurridos en los 70. En el lado israelí, aparecen personajes como la primer ministro Golda Meir y otros líderes militares y políticos, como fiscal general Meir Samgar , el jefe del Mossad, Zvi Zamir,

Spielberg intentó hacer una recreación de la toma de rehenes y el asesinato de los atletas israelíes acontecimiento históricamente auténtico. La película utiliza videos de noticias reales tomadas durante la toma de rehenes.

La cronología y el alcance de las acciones contra los palestinos es ficticio. Los miembros nombrados de Septiembre Negro , y sus muertes, también son en su mayoría hechos reales. Abdel Wael Zwaiter , un traductor en la Embajada de Libia en Roma, recibió un disparo 11 veces, una bala por cada una de las víctimas de la Masacre de Munich, en el vestíbulo de su apartamento41 días después de lo acontecido en Munich. El 8 de diciembre de ese año , Mahmud Hamshari , una figura de alto nivel de la OLP, fue asesinado en París por una bomba oculta en la tabla debajo de su teléfono.  Otros murieron durante este período como Mohammed Boudia , Basil al-Kubasi , Hussein al-Bashir , y Zaiad Muchasi , algunas de cuyas muertes se representan en la película.

Ali Hassan Salameh era también una persona real, y un miembro prominente de Septiembre Negro. En 1979 fue asesinado en Beirut por un coche bomba , que también mató a cuatro personas inocentes e hirió a otras 18 personas. La incursión de un comando en Beirut , conocida como Operación Primavera de Juventud , también se produjo. Este ataque incluyó al futuro primer ministro de Israel, Ehud Barak.

Los métodos utilizados para localizar y asesinar a los miembros de Septiembre Negro eran mucho más complicado que los métodos retratados en la película; por ejemplo, el seguimiento de los miembros de la célula de Septiembre Negro se logró mediante una red de agentes del Mossad, no un informante como se muestra en la película.

Un documental premiado en los BAFTA titulado Múnich: La venganza del Mossad , enumeran varias discrepancias entre la película de Spielberg y la información que obtiene a partir de entrevistas con agentes del Mossad que intervienen en la operación. Se observó que la película sugiere un grupo llevó a cabo casi todos los asesinatos, mientras que en realidad era un equipo mucho más grande.

Spielberg dijo en una entrevista en la  revista estadounidense Time,  que "el mayor enemigo es la intransigencia". Y en la revista Newsweek Spielberg dijo ante las críticas de la comunidad judía "Así que muchos en mi propia comunidad, la comunidad judía, están enojados por haber dado voz a los palestinos en la necesidad de diálogo y que el mismo guionista Tony Kushner ha apostado por iniciar este diálogo.". En una buena película. Es de Spielberg, que más decir