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viernes, 8 de marzo de 2024

Hacia rutas salvajes



Estados Unidos es el país en que la Road Movie tiene todo el sentido. Sus espacios naturales, inmensos y espectaculares, inviten a desplazarte a ellos y descubrir mundos nuevos. Este es lo que descubrimos en Into The Wild , el viaje de un joven , Christopher McCandless, que nada más graduarse en la universidad este chico de veintidós años al que todos especialmente sus padres auguran un brillante futuro, decide dejar atrás su cómoda vida en busca de soledad y de aventuras. 

Está basada en el libro Hacia rutas salvajes de Jon Krakauer, escrito en 1995, que narra la historia real de Christopher Johnson McCandless que fue transformado en guion por el mismo Sean Penn.

La película producida por Paramount Vantage en la que están presentes Sean Penn, Art Linson y William Pohlad El periplo del joven trotamundos le convirtió en un símbolo para muchas personas. Su espíritu inquieto le llegó desde su estado natal, Virginia Occidental, hasta la gélida Alaska, pasando previamente por la árida Arizona norte de California los inmensos campos de trigo de Dakota del Sur, o aún peligroso descenso por el río Colorado hasta llegar a su desembocadura en el Mar de Cortés en México regresando a California hasta es Slab city, una ciudad californiana refugio de inconformistas y mucho más allá.

En su camino conoce a numerosos personajes pintorescos que no encajaban en la sociedad estadounidense pero que eran capaces de prestarle ayuda y sobre todo le ayudan a comprender la vida y él a su vez a cambiarse la.

Al final decidió ponerse a prueba adentrándose en el gran objetivo de su vida que no es otro que los bosques del gran norte de Alaska donde todo lo que había visto aprendido y sentido se materializó como nunca lo había imaginado, aunque finalmente le superó.

La película inicia paralelamente en dos momentos cruciales en la vida de Christopher McCandless. En el inicio vemos imágenes panorámicas de Alaska tomadas desde un tren en el que, a manera de créditos, se aprecia una carta que supone ser escrita por McCandless a uno de los personajes que hasta ese punto del largometraje resulta desconocido. 



Estamos en abril de 1992, y Chris McCandless llega a una zona remota llamada Healy, justo al norte del Parque Nacional y Reserva Denali en Alaska. Al notar la falta de preparación de McCandless, el hombre que lo deja le deja unas botas de goma . McCandless instala su campamento en un autobús urbano abandonado al que llama "El autobús mágico". 



Está contento con el aislamiento, la belleza de la naturaleza y la emoción de vivir de la tierra. Caza con una calibre 22, lee libros y lleva un diario mientras prepara su nueva vida en la naturaleza. Éste es el primer momento crucial en la película, la llegada del protagonista al destino trazado en la trama paralela a la historia de la película, en el que narra toda la travesía desde su graduación, pasando por diferentes lugares y conociendo personas que los conformaron en momentos precisos. 

La otra parte de la película se divide en tres capítulos titulados desde el punto de vista que el protagonista posee, en el que según la historia podemos tratar de interpretar las enseñanzas que pudo aprender desde la perspectiva de un nómada. Esta parte narra cómo decidió alejarse de la sociedad tras graduarse en la universidad Emory, debido al conjunto de prácticas y costumbres que conllevaba el estilo de vida en el que se crio: los problemas familiares que llevaron a la ruptura de lazos afectivos hacia sus padres y su gusto por la lectura naturalista y existencialista de Tolstói o Thoreau lo llevan a tomar la decisión de destruir todos sus documentos identificativos y tarjetas bancarias y convertirse en un trotamundos. 

Hemos pasado al pasado, a mayo de 1990, cuando McCandless se gradúa con altos honores de la Universidad Emory . Está desencantado con la sociedad moderna después de descubrir que él y su hermana Carine nacieron fuera del matrimonio. McCandless destruye sus tarjetas de crédito y su identificación, dona sus ahorros a Oxfam y emprende un viaje a través del país en su Datsun 210 para experimentar la vida en la naturaleza. No les cuenta a sus padres ni a Carine lo que está haciendo ni adónde va y no se pone en contacto con ellos después de su partida. Esto hace que sus padres se pongan cada vez más ansiosos. 

En el lago Mead , el coche de McCandless queda atrapado en una inundación repentina; lo abandona y comienza a hacer autostop . Quemando lo que queda de su dinero en efectivo, asume el nombre de "Alexander Supertramp". 

En el norte de California , McCandless se encuentra con la pareja hippie Jan y Rainey. Rainey le dice que su relación con Jan está fallando, lo que McCandless ayuda a reavivar. 

En septiembre, McCandless llega a Carthage, Dakota del Sur , y trabaja para una empresa de recolección de trigo por contrato,  propiedad de Wayne Westerberg. Se marcha después de que arrestan a Westerberg. 

Tras atravesar Arizona, California, Oregón y Dakota del Sur, entre otros lugares, en un viaje que duró más de dos años, sintió el impulso de vivir solo en contacto con la naturaleza salvaje, por lo que desea fervientemente ir a Alaska.

McCandless navega en kayak por el río Colorado y, aunque los guardaparques le dicen que no puede hacerlo sin una licencia, ignora sus advertencias y se dirige río abajo hasta México. Su kayak se pierde en una tormenta de polvo y regresa a los Estados Unidos a pie. 

Incapaz de conseguir transporte, se sube a trenes de carga hacia Los Ángeles . Sin embargo, poco después de llegar, comienza a sentirse "corrompido" por la civilización moderna y se marcha. Se ve obligado a volver a hacer autostop cuando la policía ferroviaria lo atrapa y lo golpea. 

En diciembre de 1991, McCandless llega a Slab City , en el Valle Imperial , y se reencuentra con Jan y Rainey. También conoce a Tracy Tatro, una adolescente que muestra interés en él, pero él la rechaza porque es menor de edad. 



Después de las vacaciones, Alex McCandless continúa rumbo a Alaska. Un mes después, mientras acampaba cerca de Salton City , McCandless conoce a Ron Franz, un viudo jubilado que perdió a su familia en un accidente automovilístico mientras servía en el ejército de los Estados Unidos . Lleva una vida solitaria en un taller como trabajador del cuero. Franz le enseña a McCandless el trabajo del cuero, lo que resulta en la confección de un cinturón que detalla sus viajes. 

Después de dos meses con Franz, McCandless decide partir hacia Alaska. Franz le da a McCandless su viejo equipo de viaje y para acampar, junto con una oferta para adoptarlo como nieto. McCandless le dice que deberían discutirlo después de que él regrese de Alaska. 

Con ayuda de un rifle de caza y libros sobre plantas silvestres comestibles, sobrevivió durante semanas Cuatro meses después, en el autobús abandonado, la vida de McCandless se vuelve más difícil y toma malas decisiones. Intentando vivir de la tierra, caza un gran alce con su rifle, pero no puede conservar la carne y se echa a perder en cuestión de días. Eso le entristece pues ha matado un gran animal para nada.



A medida que sus suministros disminuyen, se da cuenta de que la naturaleza puede ser dura. McCandless concluye que la verdadera felicidad sólo se puede encontrar cuando se comparte con otros, y busca regresar de la naturaleza a sus amigos y familiares. El Parque Nacional de Denali en el que se encontraba contaba con refugios y rutas hacia vías transitadas a pocos kilómetros pero la crecida de un río le impide emprender el regreso. 

El Parque Nacional de Denali en el que se encontraba contaba con refugios y rutas hacia vías transitadas a pocos kilómetros pero la crecida de un río le impide emprender el regreso y lo lleva a la decisión de quedarse viviendo en el autobús y buscar la forma de sobrevivir ante el paisaje que poco a poco se va convirtiendo en hostil con la llegada del invierno. Sin embargo, descubre que el río que cruzó durante el invierno se ha vuelto ancho, profundo y violento debido al deshielo, y no puede cruzar. 

Derrotado, regresa al autobús. En un acto desesperado, McCandless busca la forma de sobrevivir de lo que la naturaleza le ofrece. Recolecta y come raíces y plantas. Pero confunde plantas similares y come una planta venenosa, como resultado enferma mortalmente. 



Ahora sabe que la forma de sobrevivir ante el paisaje que poco a poco se va convirtiendo en hostil con la llegada del invierno es complicada, casi imposible. Muriendo lentamente, continúa documentando su proceso de autorrealización e imagina cómo habría sido si hubiera logrado regresar con su familia. Escribe una nota de despedida al mundo y se mete en su saco de dormir para morir. 

Finalmente encuentra la liberación moral y espiritual cuando el hambre le deja sin fuerzas y comienza a delirar sobre su pasado hasta que fallece dentro del autobús.

Dos semanas después, unos cazadores de alces encuentran su cuerpo. Poco después, Carine regresa a Virginia con las cenizas de su hermano en su mochila.

Hacia rutas salvajes está dirigida por el actor Sean Penn. Fue realizada en el año dos mil siete y cuenta con la participación de Émile Hirsch, como Chris McCandless; Marcia Gay Harden y William Hurt, en el papel de sus padres Billie y Walt, Jean Malone como su hermana Caribe. Igualmente aparecen Brian Dierker como Rainey, Catherine Kerner como Jan Burres, Vince Vaughan como Wayne Westerberg, Kristen Stewart como Tracy Tarro o Hall Hollbrook como Ron Franz. 

La película que juega permanentemente con flashback tanto de la presencia de Alex "Christ" Supertramp en Alaska como su paso por otros estados, aparece dividida en capítulos perfectamente definidos y homogéneos.

Al final de la película justamente cuando aparece la foto auténtica del protagonista se nos comenta qué su cuerpo fue hallado dos semanas después de morir encontrado por dos cazadores. Y que en la película es en memoria de Cristofer Johnson Matt Carles, nacido el doce de febrero de mil novecientos sesenta y ocho y fallecido el 18 de agosto de 1992. La imagen que vemos es la que aparece en su cámara y corresponde a un autorretrato. El diecinueve septiembre de 1992 su hermana Karine voló con la cenizas de su hermano desde Alaska hasta su casa. La llevo en el avión y en su mochila.

En la película el director da las gracias a Jon Krakauer, padre agradeciendo igualmente la interesa de la familia Mccandless tanto Walt, Billie como Carine, ya que sin su ayuda no se habría podido hacer esta película.

En la misma destaca la banda sonora de Eddie Vedder, la fotografía de Eric Gautier, el complejo montaje de Jay Cassidy y el vestuario de Mary Claire Hannan. La misma se rodó en distintos estados norteamericanos destacando entre ellos las localidades de Cantwell, Anchorage, Fairbanks, Healy, todas ellas en Alaska. Igualmente se rodó en Page, Lago Mead, Bullhead City, Peach Springs, Lee's Ferry, Gran Canyon, Parker, Yuma y topo todos ellas en Arizona. En California se rodó en Catalina island, El centro, Los Ángeles, coma el lago Tahoe, Palm  springs,  Needles, Salton city, Slab city. Cerrado igualmente en la ciudad de Atlanta en Georgia así como en algodones el golfo de Santa María Clara en México. En Nevada se rodó en Las Vegas Jane en Reno, Bolder city y Laughlin. Por último en Oregón se rodó en astoria Portland el monte Hood, Sisters. Indaq en el sur de Dakota se rodó en Hot Springs, Winner y Carthage. Finalmente en el estado de Washington se rodó en Seattle y en el cabo Disappointment. 



La película se estrenó durante el Festival de Cine de Roma de 2007 y se estrenó en las afueras de Fairbanks, Alaska , el 21 de septiembre de 2007. Recibió elogios de la crítica y recaudó 56 millones de dólares en todo el mundo. En cuanto a la crítica destaca la buena acogida que tuvo en la prensa norteamericana. Para Peter Travers, de Rolling Stone, será una de las mejores películas del año y expresó que el director "Penn, haciendo tándem con el magnífico director de fotografía Eric Gautier,captura la majestuosidad y el terror de la naturaleza salvaje de un modo que te hace contener el aliento". 

Claudia Puig, de USA Today, expresó que "es una película cautivadora y que aborda muchas facetas", y añadió que "es una inquietante y conmovedora experiencia (...) Una inquietante y conmovedora experiencia (…)" . 

Para Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, también la nombró como una de las mejores películas del año , dijo de ella que era "Una película seria, brillante y pesarosa sobre un hombre barrido por sus propias decisiones intransigentes (…)" y alabó la actuación de Emile Hirsch diciendo que "interpreta a McCandless en una actuación hipnótica, sus ojos se hunden en su cráneo mientras que todavía arden con celo. Es una gran actuación, significa más que actuar" y agregó que "es una película reflexiva, lamentable y grave sobre un joven arrebatado por sus elecciones sin compromiso". 

Para A. O. Scott del The New York Times se trató de "Una película infundida con un expansivo, casi vertiginoso sentido de posibilidad, y que transmite un placer puro y natural en sus espacios abiertos, el aire fresco y la luz del sol brillante. (...) La imperfección del filme, como su grandeza, surge de un apasionado y generoso impulso que resulta tan difícil de resistir como la llamada de una carretera que se pierde en el horizonte." 

En el escrito de Owen Gleiberman en Entertainment Weekly la película "Se convertirá en la obsesión de todo aquel que esté dispuesto a realizar este viaje." Y para Ann Hornaday del The Washington Post "Sean Penn ha elaborado un himno poderoso y poético sobre norteamérica con 'Into the Wild', una adaptación sensible, arrebatadora y muy emotiva del bestseller de Jon Krakauer." 



Por el contrario, Dana Stevens, de Slate, discordó con el trabajo de Sean Penn diciendo que "no utiliza en su favor y pierde la oportunidad para mostrar una reflexión más seria sobre la ambigüedad de la búsqueda del viaje de McCandless". 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian señaló que era "Una película seria y personal sobre lo que significa ser humano y sobre lo que pasa cuando admiramos más la naturaleza que la humanidad (…) . 

Ya en España, la película no tuvo tanta repercusión y de hecho salvo a Jordi Costa de Fotogramas que dijo de ella que era un "Desbordante de una gran belleza épica (...) Lo mejor: el encuentro con el viejo. Lo peor: el maquillaje de las últimas escenas. (...)" la película pasó sin pena ni gloria . 

Para Javier Ocaña de El País el personaje es "Ingenuo y falaz. (...) Podría haber estado cerca del espíritu aventurero de los iluminados personajes de Werner Herzog (...) pero de lo que queda más cerca es de un libertario (y ultracapitalista) anuncio de automóviles."; mientras que en El Mundo, Alberto Bermejo coment´´o que era " (...) ese tipo de película que a algunos puede resultarles ingenua, incluso pueril, y que sin embargo otros, a los que les toque en profundidad, acabarán viendo con lágrimas en los ojos. (...)

En cuanto a los reconocimientos destacan las dos nominaciones al Oscar: tanto al mejor actor de reparto (Hal Holbrook) y al mejor montaje. En los Globos de Oro destaca el premio a la Mejor canción original, obteniendo otras dos nominaciones. Para la National Board of Review lo mejor fue el reconocimiento al Mejor actor revelación (Hirsch), y la incluyó entre las 10 mejores películas. Para la Asociación de Críticos de Los Angeles lo mejor fue la labor de un secundario, siendo nominado al Mejor actor secundario en la persona de Hal Holbrook. La American Film Institute (AFI) la incluyó en el Top 10 - Mejores películas del año 2007 y en los Premios Gotham se llevó al premio a la mejor película.


Como triste anécdota final señalar que el autobús abandonado y en descomposición en Stampede Trail donde murió McCandless se convirtió en un destino de peregrinación para curiosos y fanáticos. El origen del mismo se remonta a la década de 1940, cuando unos excursionistas tomaron el autobús hasta un sendero remoto en el distrito de Denali, Alaska , a 50 kilómetros (30 millas) de la ciudad más cercana, según el alcalde del distrito de Denali, Clay Walker. Cuando se rompió los que en el iban tuvieron que cruzar el peligroso río Teklanika. 

En 2010, una mujer suiza se ahogó cerca. En 2019, una mujer bielorrusa recién casada se ahogó en el río crecido cuando se dirigía al lugar. Cinco italianos fueron rescatados en febrero de 2020, uno de ellos sufrió una grave congelación, y un brasileño varado fue rescatado en abril de 2020. En total, se llevaron a cabo 15 operaciones de búsqueda y rescate de visitantes entre 2009 y 2017. 

El 18 de junio de 2020, el autobús fue retirado por motivos de seguridad pública. Fue transportado por un helicóptero Chinook del ejército estadounidense a un lugar no revelado en espera de una decisión sobre su destino final. En septiembre de 2020, el Museo del Norte de la Universidad de Alaska sita en Fairbanks anunció que se había convertido en el hogar permanente del Magic Bus 142, que sería restaurado para una exhibición al aire libre. Nada más sabemos del tema. 



Eso sí, reconozco que he visto una gran película, bien dirigida, fantásticamente montada, con una gran banda sonora, bella fotografía, muy bien interpretada, especiamente por Hirsch y Holbrook, y con la que he disfrutado de esos espacios salvajes que aún guarda los Estados Unidos.  



domingo, 4 de octubre de 2020

El bosque infinito


 

Hace unos años estuve recorriendo los Estados Unidos. Realmente recorrí el oeste al centrar mi viaje en California, Arizona, Nevada, Wyoming y Montana, aunque también estuve en puntos del Estado de Nueva York y Nueva Jersey. Cuando se lo comenté a una compañera, me dijo ella que conocía principalmente el este del país por el que estuvo viajando especialmente en la zona cercana al Canadá. Recuerdo que me comentó que lo más le impresionó, aparte de algunas ciudades del este, eran los árboles, altos y la naturaleza frondosa. Estoy convencido de que si eso es así en la actualidad, o almenos, cuando ella fue, en el siglo XVII tendría que ser espectacular. 

Efectivamente los colonos ingleses y franceses que llegaban al nuevo continente se encontraban en esos espacios con un bosque infinito. Precisamente, ese el título que se le ha dado en castellano a la serie Barkskins, aquí presentada como El bosque infinito. 


La serie se basa en un bestseller del mismo nombre escrito por Annie Proulx, una obra que transporta a los espectadores a esta frontera salvaje de finales del siglo XVII. El resultado es una miniserie de ocho episodios que ha emitido National Geographic, creada por Elwood Reid , responsable que fue de otra, "The Bridge". Aquí ejerce de showrunner y productor ejecutivo aunque no está solo pues aparece acompañado de Scott Rudin por medio de su Scott Rudin Productions, responsable que fue de "No es país para viejos", Garrett Basch ("The night of"), Eli Bush ("Lady Bird"), David Slade ("Black Mirror: Bandersnatch") y la misma Anne Proulx, todos ellos con cierta trayectoria y solvencia en el mundo del cine y de las series. 


Annie Proulx es autora de ocho libros, incluida la novela "Atando cabos" y la colección de relatos cortos titulada "Close Range”. Entre sus numerosos premios cabe destacar un Premio Pulitzer, un Premio Nacional del Libro, el Premio Internacional de Ficción del Irish Times y un Premio PEN/Faulkner. La adaptación para el cine de su relato Brokeback Mountain, que apareció originalmente en The New Yorker, ganó el Premio de la Academia. 

El texto de El bosque infinito fue transformado en guion por Sheri Holman, Kseniya Melnik y Elwood Reid. 

Para el desarrollo de la misma han contado con directores como Lukas Ettlin, Daniel Attias, Darren Grant y David Slade, mientras que en la grandiosa fotografía están Gavin Finney, John Lee y James Hawkinson. 


La serie cuando con un elenco de peso en el que están presentes David Thewlis -al que conocemos de Harry Potter y Wonder Woman-) como el colono y terrateniente Claude Trepagny , Marcia Gay Harden cara visible en "The Newsroom" y en La favorita como la emprendedora tabernera viuda Mathilde Geffard, Aneurin Barnard cara visible en "Dunkerque" que aquí hace de inglés en territorio francés que busca a su cuñado en el papel de "Hamish Goames", James Bloor también reconocible en "Dunkerque" como un francés buscavidas en el papel de Charles Duquet, Christian Cooke que hace de leñador en el papel de Rene Sel, David Wilmot como el Alguacil Bouchard , Thomas M. Wright como el escocés viudo de una francesa Elisha Cooke, la rubia Tallulah Haddon que salió en "Black Mirror: Bandersnatch" como la trepa de Melissande, Kaniehtiio (Tiio) Horn como la indio Mari y la Lily Sullivan como Delphine y el nativo americano Zahn McClarnon como Yvon ue trabaja por la compañía. Junto a ellos están Matthew Lillard como Gus Lafarge, Domenic Di Rosa como el padre Gabriel, Eric Schweig como Jefe Tehonikonhraken y Leni Parker como Madre Sabrine.

La serie se ambienta en Wobik, un pequeño asentamiento francés en lo que hoy es la provincia canadiense de Québec en el ue la Compañía británica del Hudson tiene intereses comerciales y de ocupación. Mientras la Iglesia Católica envía sacerdotes jesuitas para convertir a los pueblos indígenas, Francia envía siervos contratados para poblar sus territorios, junto con las denominadas "Filles Du Roi" o"Hijas del Rey", mujeres jóvenes que deben casarse con colonos solteros asentados para formar familias y contribuir así a la prosperidad de las colonias. 

A Wobik llegan un nuevo grupo de franceses. Nada más acercarse al puerto ven a un grupo de indios iroqueses colgados a los que se han hecho responsables del incendio con el que se inicia la serie. Entre ellos están inmigrantes que llegan a Nueva Francia para trabajar durante tres años en servidumbre por contrato como castigo por delitos cometidos en otros lugares o como fuerza de trabajo. Es el caso de René Sel (Christian Cooke) un leñador, un piel de corteza, y Charles (James Bloor) es un ladrón que no tiene intención de cumplir su condena. 

En cuanto las mujeres que llegan son recibidos por una monja, la Madre Sabrina y con ella llegan unas señoritas que llegan en el mismo barco de inmigrantes que transportaba a René y Charles. Las mujeres están allí para ser preparadas como mujeres adecuadas y luego casadas como son Melissandre y Delphine. 

Este grupo dispar de marginados debe abrirse camino entre dificultades, intereses opuestos y lealtades en la encrucijada de la civilización en este nuevo espacio que es Nueva Francia de 1690, un capítulo, el primero, dirigido por David Slade. 

Tras ser entregados los trabajadores a Trepagny vemos que uno de ellos, Duquet escapa de la servidumbre por contrato y se encuentra a merced del vasto bosque. Por su parte la mujer del cantinero, Mathilde tiene la tarea de proteger a los supervivientes de la masacre del arroyo. 


Tras el asesinato de su marido por la conspiración que se vive en Mobik auspiciada por Cooke, Mathilde se hace cargo de la posada, mientras los "Filles" se preparan para el baile de emparejamiento. Trepagny se une a los hombres elegibles para una sesión de emparejamiento. Poco a poco los iroqueses van apareciendo en la zona y regresan a Wobik para recoger a sus muertos. 


Por su parte, Trepagny lleva a Melissande a la finca, la Dome. Por su parte, Delphine emprende un nuevo viaje con el granjero Pierre Gasquet que , finalmente, la repudia al ver una marca en la zona baja de su cuerpo. Más tarde, Mathilde persuade al jefe Bouchard para que restablezca su poder y autoridad en la zona frente a la ingerencia francesa. 

Más tarde, Trepagny es embarcado en una misión peligrosa frente a los iroqueses. Por su parte, el destino de Delphine cambia de rumbo tras ser descubierta en su esplendor por Cooke. La intervención de rescate de Trepagny y Bouchard acaba de mala manera con todos los sacerdotes que intervienen muertos e iniciando un levantamiento de los iroqueses contra los franceses. Por su parte, el que escapa es Sel que contempla la muerte del Gabriel. Igualmente, la lealtad de Cooke es puesta a prueba por las autoridades. Trepagny se salva por poco y en Wobik se reencuentra con Melissande. 


Por su parte, Mathilde anima a Delphine a entretener el interés de Cooke mientras Bouchard y las autoridades francesas es obligado a recuperar los cadáveres que han muerto en la refriega. En el último capítulo vemos que Melissandre sigue empeñada en los preparativos de una boda ahora que el otoño pone su fin. Pero además vemos que la decisión de Duquet de hacer un trato con el inglés Goames podría significar el final de Wobik. 


En el último momento vemos que , por un lado, los indios se lanzan aacabar con el asentamiento, mientras que , por otro, Trepagny que parecía muerto revive en lo alto de su atalaya y mira, supongo, el "El sol negro". 

El showrunner y productor ejecutivo de la serie Elwood Reid declaró que “El bosque infinito es una historia sobre la supervivencia y el afán por construir una civilización” y añade “Los colonos que han venido a buscar fortuna en el inmenso e implacable 'Nuevo Mundo' los forman pobres sin tierra, huérfanos sin hogar, puritanos religiosos, comerciantes codiciosos y mujeres jóvenes y pobres que esperan casarse para obtener tierras y dinero... todos persiguen sus sueños y deben enfrentarse a la cruda realidad en su intento de encontrar un lugar en ese nuevo mundo. Están en el bosque del mundo, una tierra oscura y despiadada habitada desde hace mucho tiempo por naciones indígenas que ven su llegada con desdén pero que comprenden que una alianza con estos recién llegados tan dispares es cada vez más necesaria para sobrevivir”. 

La serie cuenta una historia de exploración, aventura y de ambición en la que hay soñadores y luchadores. Algunos tienen una visión utópica del mundo, otros son rufianes, pero todos deben afrontar los riesgos de una nueva y peligrosa frontera. 

A medida que aumentan las tensiones, se forjan extrañas alianzas entre franceses e ingleses y entre estos y los nativos americanos , se intensifican las antiguas rivalidades territoriales y comerciales y se forman nuevas familias en contraposición a las riquezas naturales aparentemente infinitas y a los peligros ocultos de un nuevo continente americano. 

El bosque infinito es la lucha contra la naturaleza, contra la ambición y la supervivencia del más fuerte. La serie se puso en marcha en 2016 y se anunció en una rueda de prensa ante la Asociación de Críticos de Televisión que National Geographic se había asociado con Scott Rudin Productions para optar por los derechos de pantalla de la novela de entonces próxima publicación de Annie Proulx , Barkskins . 

El 3 de diciembre de 2018, se informó que National Geographic le había dado a la producción un pedido de serie para una primera temporada que constaba de ocho episodios. La serie fue creada por Elwood Reid, de quien también se esperaba que fuera productor ejecutivo junto a Scott Rudin , Eli Bush y Garrett Basch . 

El 10 de febrero de 2019, se anunció que David Slade dirigiría el episodio piloto de la serie y actuaría como productor ejecutivo. 

En cuanto a las críticas comentar que la serie ha tenido críticas mixtas. Para Inkoo Kang de The Hollywood Reporter la serie "Está llena de personajes intrigantes pero ofrece muy pocas razones para interesarnos por ellos" 

Sonia Saraiya en Vanity Fair escribe que está "Recomendada para aquellos a los que les gustaron los libros de 'Little House' tanto como 'Little Women'. No se la recomiendo a los que son quisquillosos." 

Allison Keene de Paste Magazine entiende que "Demuestra rápidamente que tiene suficientes extravagancias para compensar la oscuridad y mantenerme interesada".

Por mi parte decir que la serie me ha sabido a poco. Queda inconclusa, con muchos frentes abiertos, con elementos esotéricos o cátaros esbozados, pero poco definidos. A favor el espacio natural en el que se desarrolla y los grandes actores y actrices que participan. En su contra los múltiples frentes abiertos y casi ninguno cerrado. Espero que tenga continuidad con una nueva temporada. Hay que apostar por ella. 



lunes, 2 de marzo de 2020

Krasner a la sombra de Pollock


Tuvo que ser uno de los últimos temas de aquella materia de Historia de Arte . Estábamos en quinto de carrera. Y nos centrábamos en el expresionismo abstracto, una corriente pictórica que se caracterizó por su libertad y su intento de romper moldes y convencionalismos a través de defender una pintura dejaba toda la libertad al creador que si quería podía apostar por un colorido fuera de lo tradicional y a lo imprevisto.

Para los que amaban el uso o la integración de nuevos materiales (siendo en ese caso pintura matérica) nos centramos más en el caso de los españoles especialmente el grupo catalán de los Dau al Set que tenía como abandero a Antoni Tàpies y a Modest Cuixart,  entre las que se incluyen como añadidas al cuadro, la arena, arpillera, chatarra, harapos, madera, serrín, vidrio o yeso o mutilaciones al ser destruidas con cortes, perforaciones o desgarrones. La composición se diferencia entre zonas con materia y zonas de no materia y gusto por lo informal .

Pero volviendo al inicio el expresionismo abstracto pictórico que estudiamos fue sobre todo el americanos que empezamos estudiando a Jackson Pollock junto a su coetáneo, Willem de Kooning, el hombre que le sustituyó en el trono. Tras éste el trono en el expresionismo abstracto estadounidense sería para el letón asentado en los Estados Unidos, Mark Rothko, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto. 

Pero quien centró nuestra atención entre los americanos representantes de la primera vanguardia plenamente estadounidense, y quién consiguió la vitola del título de “el mayor artista vivo” en su país, como sentenció la revista Time en 1948, fue Pollock. Su trágica muerte una noche de verano bajo la luna llena dio inició a la posmodernidad.

Pollock fue un artista, a pesar de que pensemos que era improvisación pura, calculaba cada uno de sus chorreos sobre el lienzo siguiendo su instinto plástico que, más que a la intuición, se correspondía con un método científico; un pacto secreto que el pintor mantenía con el orden particular de la materia. Y aunque parezca  contrario a los principios que guiaron al expresionismo abstracto norteamericani, el chorreo colorista de las líneas que Pollock que trazaba sobre el lienzo está dotado de una estructura fractal que, en su caso, es una base geométrica que se repite a diferentes escalas en toda la extensión de esos cuadros que decidió pintar no sobre un caballete, sino sobre el suelo.

El término fractal deriva del latín fractus y significa quebrado o fracturado y, aunque parezca mentira, aparece en la década de los setenta a propuesta de un matemático Benoît Mandelbrot. Era el 1975 Pollock llevamos años muerto , pero en su torturada mente de hombre con problemas psicológicos aumentados por un alcoholismo irrefrenable por momentos pintaba siguiendo un patrón geométrico tal y como ha demostrado hace poco, ya en este siglo , y hace unos años  un grupo de investigadores de la Universidad australiana de New South Wales, en Sydney. Son ellos los que descubrieron las matemáticas ocultas bajo los goteos coloristas de su pintura. los estudios darían como resultado una curiosa observación: las fractales que se introducían en el espacio del lienzo con continuidad geométrica. El pintor los conseguía escurriendo la pintura en sus vueltas alrededor del cuadro aprovechando que el artista trabajaba colocando el lienzo en el suelo hasta completarlo a base de chorretones de pintura que iba derramando por encima, intuyendo a cada paso alrededor del cuadro estas réplicas geométricas que los científicos  encontraron.

Años antes a este descubrimiento, en el año 2000,  Ed Harris, un hombre que tenía un aire a Jackson Pollock, decidió estrenarse como director con una película biográfica, un biopic, sobre “Jack the Dripper” o Jack “El Salpicador” , una película que cuenta la historia  del pintor estadounidense  nacido en Cody, Wyoming, en 1912 y fallecido como vemos al final en una carretera de la neoyorkina Long Island, en 1956.

Pollock fue producida por Peter M. Brant y Joseph Allen como productores ejecutivos, a los que se sumaron con los asociados Heiner Bastian , Fred Berner, Ed Harris, Jon Kilik a los que también se sumaron Cecilia Kate Roque, Candy  Trabacco y James Francis Trezza . Estos estuvieron amparados por las productoras de Brant-Allen , Fred Berner Films, Pollock Films y Zeke Productions y que manejaban un presupuesto de unos $6,000,000.

La película partía de un guion escrito por Barbara Turner , Susan Emshwiller basado en el libro  Jackson Pollock: una saga estadounidense - Pollock: an American saga - que tras ser leído por Ed Harris , inspiró la película.

La película contó con la música de Jeff Beal, la fotografía de Lisa Rinzler y el montaje de Kathryn Himoff.

La película contó con el protagonismo absoluto de Ed Harris como Jackson Pollock  secundado magistralmente por Marcia Gay Harden como Lee Krasner .

Junto a ellos aparecen Tom Bower como Dan Miller , Jennifer Connelly como Ruth Kligman , Bud Cort como Howard Putzel , John Heard como Tony Smith , Val Kilmer como Willem de Kooning,  Amy Madigan como Peggy Guggenheim , Sally Murphy como Edith Metzger,  Stephanie Seymour como Helen Frankenthaler , Matthew Sussman como Reuben Kadish , Jeffrey Tambor como Clement Greenberg , Norbert Weisser como Hans Namuth , Everett Quinton como James Johnson , Sweeney Annabelle Gurwitch como May Rosenberg , John Rothman como Harold Rosenberg , Kenny Scharf como William Baziotes , Sada Thompson como Stella Pollock y Robert O'Neill como Herbert Matter.

La película comienza con una exposición en el año 1950 en la que el pintor expresionista abstracto Jackson Pollock ,parece haber tocado el cielo del éxito. Tanto es así que una chica le pide un autógrafo sobre una revista como es Life.

Sin embargo, mientras firma la película nos lleva a nueve años antes, cuando Pollock se gana la vida exhibiendo su pintura en exposiciones de arte junto a otros pintores. Se encuentra absolutamente insatisfecho. Vive o malvive junto a su hermano Sande (Robert Knott ) y a su cuñada Arloie (Molly Regan ) en un pequeño apartamento de Nueva York . Arloie le dice de mala manera que van a tener un bebé, insinuando a Pollock que debe mudarse.

Un día se persona en el piso de Pollock en el Greenwich Village una pintora que se interesa por el artista. Se trata de Lee Krasner (Marcia Gay Harden ) . Ella ha visto su obra pues ambos han exhibido en la Galería McMillen. Krasner estaba intrigada por su trabajo y el hecho de que ella no sabía quién era él, ya que conocía a muchos pintores abstractos en Nueva York y como vive cerca lo visita y le habla de su interés por lo que hace.

A la salida le entrega una tarjeta y le invita a visitarla. Al cabo de tres semanas va a su casa / estudio. Con esa visita se inicia una relación que culmina con alguna salida que acaba en la cama. Poco después vemos al pintor y su novia cenado en casa de su hermano.

A la cena, además, acude su madre Stella (Sada Thompson). La cena resulta especialmente silenciosa para Lee, pero se tensa en exceso cuando el hermano y su cuñada comenta que se mudarán a Connecticut para trabajar en la construcción de planeadoras militares pues la guerra está a punto de estallar. Incapaz de manejar unos sentimientos conflictivos, Pollock tira la mesa.

Casi de inmediato vemos que la inestabilidad emocional lleva a Pollock a emborracharse. Tanto Lee como Sande lo encuentran desaliñado. Lee se entera por medio de Sande que Pollock está diagnosticado como una persona "clínicamente neurótico"; aún así, Lee lo lleva a casa y decide ser su agente.

Un día, un viejo compañero de estudios y amigo de Pollock, Reuben Kadish (Matthew Sussman) se topa con el artista. No está sólo pues se encuentra con el tratante de Peggy Guggenheim, Howard Putzel (Bud Cort ) , quien trabaja para la rica coleccionista de arte que responde al nombre de Peggy Guggenheim (Amy Madigan ) .

Tras ver su arte y gustarle, un día  -  uno de aquellos en los que ha salido a beber y que se ha visto con un grupo de artistas entre los que está otros pintores y gente del arte como Tony Smith (John Heard ) o Willem DeKooning (Val Kilmer) - Peggy Guggenheim va a su casa a ver su arte.

Tras una discusión sobre las veces que ha tenido que subir a un quinto piso sin ascensor, que le lleva a decir que no quiere verla, decide finalmente verla y , tan satisfecha queda que le firma un contrato de venta de $ 2400 por sus pinturas, más una comisión para pintar un mural de grandes dimensiones destinado a estar en el hall de entrada de su casa de Nueva York. Además le promete exposiciones individuales. Su primera exposición no logra atraer compradores.

Así que eso le arrastra nuevamente a la bebida. Después de una fiesta de Nochevieja , en la que Pollock mea en la chimenea e intenta seducir a Peggy, pero cuando reacciona y ve que está demasiado borracho para actuar adecuadamente se marcha de su compañía. Él entra en una deriva personal que le lleva a la bebida.

La muerte de su principal valedor, Howard, ahonda en su crisis personal. De la crisis sale cuando Reuben invita al pintor y a su compañera a pasar una temporada en las playas de Long Island. Allí frente al mar se siente feliz.

Tras regresar con nueva energía, Lee le pide a Pollock que tome una decisión: o casarse con ella y continuar pintando obras de arte, o "separarse". Pollock acepta lo primero, pero insiste en una boda por la iglesia, y Lee pone como condición que no asistan invitados. Se casaron en una iglesia con dos testigos presentes.

Tras esto y tras el amparo de Peggy, Pollock y Lee se mudan a una casa frente al mar en Long Island . Incluso adoptan un perro abandonado al que llaman Gyp. Estando en el campo y trabajando en un espacio anexo a la casa, Pollock da con un nuevo momento pictórico y un nuevo concepto artístico, el de sus drip paintings o pinturas "de goteo" en el taller adjunto a su casa del pintoresco pueblo de Springs, (Long Island, Estado de Nueva Yok).

El comienza su momento más peculiar y significativo. Mientras los dos vivían en la granja en The Springs, ambos continuaron creando arte. Trabajaron en espacios de estudio separados en su propiedad. Krasner trabajaba en una habitación de arriba en la casa mientras Pollock trabajaba en el granero en su patio trasero. Pollock atiende a los requerimientos de Lee, sin embargo se desanima cuando Lee deja en claro que no quiere tener un bebé ya que ella considera que puede ser un intruso o extraños en sus vidas centradas en el arte.

En una reunión en su casa en la que asiste Peggy, y a pesar de los comentarios del crítico de arte Clement Greenberg (Jeffrey Tambor ) que lo considera el primer gran pintor contemporáneo de América. El , de cualquier forma, muestra que es difícil para él cambiar su pintura y adaptarla al gusto de los demás. Esto se debe a que las pinturas de Pollock todavía no se están vendiendo, pero Clement le asegura que las cosas cambiarán después del artículo de Life y la exposición posterior con la que empezó la película.

Lee otro día , aprovechando la presencia de sus amigos pintores, se pone celoso cuando Pollock abraza a otra mujer. Mientras tanto, intenta hacer otros negocios para ganarse la vida, pero su alcoholismo se interpone en el camino.

También recibe la visita de todos los miembros vivos de sus familia . Los lazos familiares que Pollock necesita no aparecen por ningún sitio ya que la mujer y el pintor están más atentos a lo que dicen las críticas que al peso de la familia, algo que le echan en cara en un momento. A su hermano Sande le miente sobre su estado financiero.

Lo cierto es que tras un momento de éxito profesional, en el parecía que había incluso superado a Picasso, al que admira y al que envidía, tal y como lee en una revista de arte italiana, deja de ser interesante para algunos críticos que miran ahora a otro pintor como Willem de Kooning, el número referente de la cultura abstracta, el sujeto de interés de Penny.

La relación con su mujer se enfría , también con sus amigos en un periodo que trata de abstenerse del alcohol. Más tarde, el cineasta Hans Namuth (Norbert Weisser ) intenta filmar a Pollock mientras pinta. Sin embargo, la presencia de Hans interrumpe la naturaleza espontánea del trabajo de Pollock, haciendo que el artista se sienta como un farsante actuando. La propia idea creativa de Hans choca con el quehacer del pintor, a pesar de que aparecen posiciones interesantes como la de pintar sobre un cristal y rodar el resultado colocando la cámara en un punto inferior.

Pero entre las condiciones atmosféricas de frío como la falta de paciencia del artista llevan a éste , a pesar de la desaprobación de Lee, a beber de nuevo y arruinar la cena prevista de día de Acción de Gracias .

Cinco años después de la exposición de 1950, el crítico Clement que ha ido desde Nueva York a Long Island para decirle a su amigo Pollock que a pesar de las buenas críticas que el realiza como editor de la revista Commentary, la prestigiosa Partisan Review , una pequeña "revista" trimestral sobre literatura, política y comentarios culturales publicados en la ciudad de Nueva York, está favoreciendo al pintor Clyfford Still , y que su técnica original podría ser la próxima dirección del arte moderno. 

Un Pollock borracho en su deportivo no se lo toma bien, y se enoja aún más cuando Lee lo regaña por beber y lo critica por ser mujeriego. Pollock argumenta que todo se debe a que ella no tendrá un hijo.

Lee sabe que está teniendo una aventura con una joven Ruth Kligman ( Jennifer Connelly) , pero no le dará el divorcio nunca a Jackson. Cuando recibe una invitación para ir a la Bienal de Venecia , ella decir y visitar a Peggy, aunque él decide quedarse en The Springs en las afueras de East Hampton. . Este nuevo Jackson Pollock bebe y ha engordado. Sale con su amante y se la lleva a casa mientras Lee no está. Estando con su amante recibe una llamada de Lee, después de lo cual le dice a Ruth: "Le debo algo a esta mujer".

En una salida posterior, Ruth trae a una amiga, Edith Metzger; van a dar un paseo, pero Pollock está irrascible quiere y no quiere salir. Van a entrar en una fiesta , pero Jackson está borracho y con las chicas en el coche se pone a correr por la solitaria carretera en esa noche del verano de 1956. Tras ir cada vez más rápido el coche se sale de la misma y choca. El siniestro dejó dos víctimas. Una fue el del pintor con tan sólo 44 años . La otra era la joven Edith Metzger.

Hay que destacar que Ruth Klingsman, la amante de Pollock, también iba en el auto siniestrado y que se salvó al salir despedida del asiento.

Con una sobreimpresión en la pantala indicando que ocurrió con los que iban en el coche y la reacción de Lee Krasner acaba la película.

La película fue adaptada por Barbara Turner y Susan Emshwiller del libro Jackson Pollock: An American Saga escroto por Steven Naifeh y Gregory White Smith . Esta película era el sueño tenido durante un largo tiempo por el aquí director, actor y productor Ed Harris. Especialmente después de que su padre le dio una copia de la biografía de Pollock, artista al que físicamente se parecía.


Tras leer el libro Ed Harris quedó fascinado con la vida de Pollock y comenzó a pensar en el proyecto, que tardó casi 10 años en concretarse.

Una vez terminado el rodaje de esta película Ed Harris declaró con respecto a su Jakson Pollock , que "era un hombre que no tenía fronteras: ni en sus miedos, ni en sus alegrías, ni en su inseguridad, ni en su arrogancia” . Probablemente es esa capacidad de abrirse de vivir hasta el final las emociones, la que propició una ruptura con lo académicamente establecido hasta ese momento. El arte fue sin duda alguna el modo de expresión a través del cual, Jackson Pollock nos dejó su modo diferente e inigualable de entender la creación artística.

La filmación duró solo 50 días desde abril a agosto de 1999 con una parada de seis semanas después de cuarenta días para que Harris pudiera tener tiempo de engordar y dejarse crecer la barba. El rodaje tuvo lugar en Long Island, en la misma ciudad de New York, y en East Hampton, también en la ciudad neoyorkina de Long Island.

A destacar que el propio Harris hizo toda la pintura que se ve en la película. Las pinturas terminadas de Pollock fueron reproducidas por un equipo de artistas escénicos. Protagonizar, pintar y dirigir la película fue tan agotador para Ed Harris que colapsó en el set y tuvo que ser hospitalizado brevemente. Es más cuando Ed Harris se cae de la bicicleta durante la escena en la que Pollock está tratando de regresar a su casa con una caja de cervezas, puede verlo mirándose la mano mientras se levanta. En realidad, Harris realmente se había lastimado la mano, que sangraba, y tuvo que recibir 5 puntos de sutura.

El padre de Ed Harris, Bob L. Harris, quien inicialmente le dio a Harris la idea de hacer una película sobre Pollock, interpreta al veterinario que sale a revisar al perro que Pollock encuentra lastimado en el camino.

Señalar que la fundación Pollock-Krasner Foundation , de la que se habla al final de la película creada por la mujer de Pollock tras su muerte, no autorizó ni colaboró con nada en la producción. Entre las actividades de la Pollock-Krasner Foundation está financiar y subvencionar a nuevos artistas.

Hay imágenes de la actriz Debbie Reynolds aparece brevemente como ella misma en varias tomas; su rostro aparece en la portada de la edición del 8 de agosto de 1949 de la revista "Life" vista en varias escenas. La portada fue la primera para "Life". Para la filmación, se utilizó la portada real del tema "Life", pero las páginas del artículo de Jackson Pollock en el interior son reproducciones del original, con la imagen de Ed Harris sustituida por la de Pollock.

La película fue distribuida por Sony Pictures Classics y tuvo su estreno el  6 de septiembre de 2000 consiguiendo una taquilla de $ 10.5 millones.

La película tuvo sus reconocimientos y premios. La actriz Marcia Gay Harden ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por interpretar a Lee Krasner, la esposa de Pollock. Ed Harris recibió una nominación al Oscar al Mejor Actor por su interpretación de Pollock.

Para el Círculo de Críticos de Nueva York ella nuevamente fue la Mejor actriz secundaria. En el Festival de Toronto concedió al premio al Mejor actor Ed Harris.

En los Premios Independent Spirit Marcia Gay Harden fue nominada a la Mejor actriz secundaria.

En cuanto a las críticas en la revista neoyorkina Vulture escribió "Peter Rainer Harris como actor hace justicia a su pasión a largo plazo por interpretar a Pollock".

Mucho más interesante me ha parecido la opinión de Roger Ebert el que fuera crítico del Chicago Sun Times quien dejó por escrito que : "Pollock" evita la trampa de hacer conexiones simplistas uno a uno entre la vida del artista y sus pinturas. Esta no es una película sobre arte sino sobre trabajo. Se trata del trabajo físico de hacer pinturas, y del trabajo adicional de la vida cotidiana, que es una carga para Pollock debido a su mente torturada y su cuerpo herido" Y añade "Esta es la película de Ed Harris. Él encargó el guión. Recaudó el dinero. Él protagoniza en él, y lo dirigió. Sabía que se parecía mucho a Pollock (...). Parece haber hecho una conexión más profunda, haber sentido una simpatía instintiva por este gran hombre infeliz... No sé si Ed Harris sabe pintar, pero sabe cómo lucir como si estuviera pintando. Hay una escena virtuosa en la que pinta un mural para la casa de la ciudad de Peggy, completamente seguro, rápido y seguro, en el flujo. Y otros donde vemos la famosa técnica de goteo (y vemos que "cualquiera" no podría hacerlo). Su juez y jurado es el crítico Clement Greenberg . Y concluye el crítico diciendo "Pollock" es un trabajo confiado y perspicaz, una de las mejores películas del año. Harris siempre es un buen actor, pero aquí parece poseído, como si tuviera un salto de empatía por Pollock. Su dirección es segura, económica, sabe a dónde va y qué quiere hacer. No hay trucos visuales sofisticados, solo la apariencia de este mundo. "

Neil Smith en BBC.com " Un análisis muy personal, riguroso y reflexivo de un genio verdaderamente problemático." Ya en España Carlos Boyero desde su columna en El Mundo dijo de ella que era "Trágica, compleja, tiene emoción."

Javier Ocaña en El País considera que es "Una buena película (...) mejor película cuanto más se aleja de las complejidades de la mente humana (que quedan algo dispersas) y más se acerca a las complejidades en la elaboración de una obra de arte. (...) Harris dirige con elegancia y gusto (...) interpretaciones memorables"

Por su parte Omar Khan en Cinemanía escribió sobre ella que era un "Certero retrato de un artista atormentado. (...) Película sabia, conmovedora y fidedigna (...)."

Por último decir que la gran aportación del pintor fueron los " drip paintings" pero que este periodo en su obra duró solo tres años, de 1947 a 1950. A principios de los 50, su experimentación con los drip paintings o el "dripping" como yo estudié tocará techo. Pollock volverá a apostar entonces por lo figurativo.

De cualquier manera en la película se ve su célebre estilo esparciendo pintura sobre lienzos de formato gigantesco, con los que logró alterar el canon artístico del siglo pasado. La leyenda de cómo surge esta técnica es múltiple como corresponde con los pintores legendarios como éste. Se habla de un accidente (un bote de pintura derramado en el lienzo, salpicaduras….). Según otras teorías, el pintor habría dado con esa técnica al recordar cómo su padre orinaba sobre las rocas cuando era niño, dibujando sobre ellas de manera aleatoria (una explicación que el crítico Clement Greenberg, uno de los primeros defensores de Pollock, tildó de “estupidez”).

También se ha escrito en alguna biografía que el pintor tuvo inclinaciones homosexuales, lo que ha negado su amigo y biógrafo Jeffrey Potter. “Lo que era es asexual. Todo su impulso sexual iba a parar a su trabajo”, afirmó en 1990.

Lo cierto es que en la película se ve la pasión y odio o envidia que siente Pollock por Picasso, pese a que veía en él a un rival al que superar constantemente.Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente estadounidense empezaron a apoyar este nuevo estilo. Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los trazos se entrelazan hasta formar una maraña densa y compacta que se iba creando de forma automática fue su gran descubrimiento y la gran apuesta americana de la crítica.

En cuanto a la película destacar que es una buena manera de recordar lo que en su momento estudié en la primavera del 89, y de recordar su obra y su manera de crear; pero indudablemente es una forma de acercarnos a la persona , un hombre problemático, complejo, de alma atormentada, pero que atormenta a su compañera. La atormenta y la eclipsa, la mete en la sombra , pues ella ha quedado en los manuales en una segunda fila, oscurecido por el el hombre complejo, alcoholizado , fumador empedernido , genial y atormentado. 

Por cierto considero que estamos ante unas interpretaciones fantásticas por parte de los dos protagonistas. Laureada ella, y menos él, pero que asume ese yo con la misma profundidad que se introdujo Kirk Douglas en el cuerpo de Vincent Van Gogh. 

La película está magníficamente filmada en sus exteriores y en la captura de los ambientes interiores domésticos y expositivos. Nos permite ver el modo de la creación desde múltiples perspectivas. Con primeros planos, planos cenitales, pues en el momento de pintar nos ponemos como espectadores detrás del pintor como si fuésemos - que lo somos- testigos del parto creativo.

Pero realmente la virtud de la película está en haber rodado el arte de la composición de un pintor complejo para entender que responde en sus obras, en sus fractales con renglones torcidos. Una gran película sobre el hombre que relegó a Krasner y de la mujer a la sombra de Pollock.


domingo, 11 de diciembre de 2016

Jon Polito en Miller´s Crossing


Jon Raymond Polito murió hace unos meses a los 65 años de edad, en concreto el 1 de septiembre de este año, dejando atrás 35 años de actividad como actor y con más de 220 participaciones en películas y series de televisión. Comenta Gregorio Belinchón en su obituario para el Diario El País que "Nunca fue candidato al Oscar o al Emmy, jamás ganó un premio en un gran festival, pero los aficionados echaremos de menos su cara regordeta, su voz raspada, y su bigotillo y su calva, un físico al que Polito supo sacar máximo partido en una pléyade de personajes: policía, gánster, casero... "He aceptado todos los papeles que me han ofrecido. Soy una puta total. No tengo criterio, lo acepto todo", dijo en una entrevista. Y en esta disponibilidad absoluta siempre tuvo hueco para los Coen, que lo llamaron hasta en cinco ocasiones para participar en sus películas. Su colaboración con ellos comenzó con Miller Crossing, aquí conocida como Muerte entre las Flores. 

Miller´s Crossing es el cementerio clandestino en el bosque, donde algunos de los protagonistas de la película están enterrados. Miller's Crossing es una película estadounidense dramática de gángsters de 1990 escrita y dirigida por los hermanos Coen. En la producción estaban implicados los mismos así como Ben Barenholtz, y que contó con la productora Circle Films y con la distribución de la 20th Century Fox tras manejar un presupuesto que oscila , según fuentes desde los 10 a los 14 millones de dólares. La música fue escrita por Carter Burwell, en su tercera colaboración con los hermanos Coen, mientras que la magnífica fotografía es de Barry Sonnenfeld y el montaje de Michael R. Miller. 

La película está  protagonizada por Gabriel Byrne como Tom Reagan, Marcia Gay Harden como Verna Bernbaum, John Turturro como Bernie Bernbaum, Albert Finney como Liam "Leo" O'Bannon y Jon Polito como Johnny Caspar. A estos se suman J.E. Freeman como Eddie Dane, Mike Starr como Frankie, Al Mancini como Tic-Tac, Richard Woods como el Mayor Dale Levander, Thomas Toner como O'Doole, Steve Buscemi como Mink, Mario Todisco como Clarence "Drop" Johnson, Olek Krupa como Tad, Michael Jeter como Adolph, Sam Raimi como el hombre que dispara sobre el pub irlandés Snickering , Lanny Flaherty como Terry, Danny Aiello III como el Policía / Delahanty, Michael Badalucco como el Chófer de Caspar y Frances McDormand como la Secretaria del alcalde.

Estamos en la década de 1930 durante la Prohibición o ley seca, en una ciudad del noreste no especificada, aunque posiblemente sea Nueva Orleans. En los bajos fondos de la ciudad está controlada por un mafioso de origen irlandés Leo (Albert Finney), un gangster irlandés estadounidense que dirige la organización criminal más poderosa de la zona, y al que aconseja Tom (Gabriel Byrne), un sujeto pétreo, cínico, estoico y amoral y el hombre consejero y mano derecha de Leo O'Bannon su compañero y consejero.

Un día se persona ante Leo un  rival , el gángster italiano Giovanni "Johnny Caspar" Gasparo , conocido como Johnny Caspar ( Jon Polito ) que controla el negocio de las apuestas de Boxeo y que participa en la manipulación del mismo. Esta dolido con Bernie Bernbaum (John Turturro), por fastidiar en su negocio y anuncia su intención de matar a corredor de apuestas judio y homosexual que es Bernie porque interfiere en su negocio.

Sin embargo, Leo le avisa que no puede hacerlo yendo así en contra de los consejos de Tom y a que Leo tiene bajo su a Bernie que es , a la sazón, la novia de Leo.

Sin embargo, Leo no sabe que Tom está enamorado de la misma mujer, Se trata de Verna (Marcia Gay Harden),la hermana de Bernie  y con la que mantiene con ella una relación. Tom considera que es más gravoso para los negocios la protección de Bernie que el enfrentamiento con Caspar, pero no hay nada que hacer.

A partir de ese momento sabe que se va a iniciar una guerra entre el clan de los irlandeses que capitanea Leo y el italiano, liderado por Caspar y su brutal mano derecha, Eddie "The Dane (El Danés)" Dane (J.E. Freeman).

La situación se agrava cuando Leo, ante las amenazas Caspar, coloca a un anster para proteger a Verna de la gente de Caspar. Pero este, un antiguo político, aparece asesinado, y mientras que Leo mantiene que Caspar es el culpable de esa muerte obliga a los policías corruptos a toman la sala de juego de Caspar y logran parar la paliza que le están dando a Tom Reagan.

Esa noche hay un intento de asesinato contra Leo, del que escapa milagrosamente tras acabar con los dos asaltantes y el coche que estaba en el exterior.

Por su parte, Tom tratando desesperadamente de calmar a Leo le dice que sabe que Verna tenía motivos para matar a sus propios guardias - ya que esa misma noche la había pasado con Tom, incluso cuando el fue a buscarla a su casa y que Verna con Leo es una persona deshonesta. Para detener la guerra de bandas, Tom confiesa a Leo su relación con Verna. Esta provoca una guerra abierta entre Tom y Leo, ya que Leo está enamorado de la hermana de Bernie,  Verna Bernbaum y quiere casarse con ella. Enfurecido Leo le golpea a su asesor y termina así su cooperación.

Tom sale del círculo clánico de Leo y desde ese momento se inician una serie de traiciones, manipulaciones y peleas internas, que en parte son causadas e incentivadas por Tom, quien mantiene ocultas sus verdaderas intenciones hasta el final.

Para empezar Tom se reúne junto a Caspar y a Dane. Tom, es consciente que Caspar es cada cada vez más poderoso, ya que tanto el alcalde con el jefe de la policía empezarán a comer en sus manos,  y ofrece sus servicios en busca de trabajo.

Caspar quiere un voto de confianza: le ordena ir a por Bernie y matarlo en el bosque de Miller's Crossing para demostrar su lealtad. Tras sacarlo del hotel en el que se refugiaba y que le es descubiro a Tom por Verna, Bernie es llevado en coche a Miller's Crossing. Cuando lo lleva por el bosque Bernie le suplica a Tom que le deje huir, diciendo "Mira en tu corazón". Finalmente, Tom dispara su arma en dos ocasiones para fingir la matanza y le dice a Bernie que corra con la condición de que desaparezca para siempre y que se esconda de por vida.

Caspar asume la posición de Leo como jefe de la ciudad, controlando a la policía y al alcalde, usándolos para destruir las operaciones de Leo, asaltando su club de juego, Sherandoah y así como otros locales.

Mientras tanto, Tom comienza a sembrar la discordia entre Caspar y su fiel ejecutor , el brutal, homosexual Eddie "el danés" Dane ( JE Freeman ). Éste, que no se fía un pelo de Tom, al descubrir que sus hombres no vieron a Tom matar a Bernie, decide por un lado, secuestrar a Verna, aunque fracasa dada la intervención de la gente de Leo.

Dane decide llevarse a Tom, que también es golpeado con anterioridad por la gente de  Tom, y lo lleva de vuelta a Miller's Crossing para ver si el cuerpo de Bernie está allí. Tom casi se descompone  cuando se acercan a la ubicación, pero allí encuentran un cuerpo que había sido disparado en la cara y desfigurado por los pájaros.

Para sorpresa de Tom, cuando regresa a  su habitación se encuentra con Bernie regresó a la ciudad ya que, según le cuenta, no tiene dinero y ni amigos por lo que ha decidido volver. Esto supone para Tom un chantaje en toda regla.

Tom ahora debe proveerle protección a Bernie  para su propia seguridad, y preservar así el secreto de su desobediencia a Caspar.

Cuando se entera por Dave de que ha desaparecido  Mink (Steve Buscemi), que era amante de Bernie, pero también lo era de Dane, deduce que fue Bernie quien lo mató  y quién colocó el cuerpo dónde debería haber estado.

Tom utiliza el paradero desconocido de Mink para convencer a Caspar de que Eddie Dane lo ha traicionado, que no s´çolo desea su dinero, sino, sobre todo, su sillón de mando. Caspar lo duda, aunque poco a poco se va decepcionando de estar viviendo en un mundo sin ética.

Una noche Caspar se reúne con Tom, pero también allí está Dane quien lo niega. Ahora un dubitativo Caspar tiene que decidir a quién cree, y a quién va a matar. En un ataque de rabia, mata con una pala dechimena a Eddie Dane antes de dispararle en la cabeza.

Tom entonces organiza una reunión con Bernie, pero envía a Caspar en su lugar con el pretexto de que él encontrará a Mink, con el que ice Tom que acaba de hablar.

Bernie consigue sorprender a Caspar y lo mata. Al momento llega Tom llega y ve a Bernie diciendo que pueden culpar a Eddie Dane,aunque Tom luego revela que Dane está muerto en la otra parte de la ciudad, y que tiene la intención de matar a Bernie en represalia por el chantaje de él. Bernie nuevamente pide misericordia, diciendo "Mira en tu corazón", pero Tom pregunta "¿Qué corazón?" y le dispara en la frente.

Desde ese instante vemos que la lealtad de Tom resulta que era desde el principio a Leo. Con Caspar y Eddie Dane muertos, Leo vuelve a su puesto como jefe superior. Verna es ahora quien le ha pedido matrimonio a Leo , y ésta ha perdonado a Tom. Verna  reacciona fríamente a Tom.

El día en que Bernie es enterrado en una ceremonia judía, Leo anuncia que Verna le ha propuesto el matrimonio y le ofrece a Tom su vuelve a su antiguo trabajo de consejera. Sin embargo, Tom se niega, y se queda detrás, observando cómo se marcha Leo por el camino de Miller´s Crossing. Acabando con la miraba baja de Tom la película.

La historia de esta película comienza cuando los hermanos Coen una vez realizada Sangre fácil (1984) y Arizona Baby (1987) se dispusieron a escribir el guion.

Los hermanos Coen titularon provisoonalmente la película como The Bighead, el sobrenombre de Tom Reagan.

La primera imagen que les vino a la mente fue la de un sombrero negro que vuelo perdido por el bosque de Miller´s Crossing; luego una ráfaga de viento lo levanta por los aires, volando hacia un camino de árboles. Así es como comienzan los títulos de crédito iniciales.

Debido al complejo y denso argumento, los Coen sufrieron en un momento dado un bloqueo propio de los escritores ante  el guion. Ante esta circunstancia los hermanos quedaron con un amigo William Preston Robertson, en Saint Paul, Minnesota, esperando que un cambio de paisaje los ayudara a iniciar el contenido de su guión.

Después de eso una noche regresaron a la ciudad de Nueva York y escribieron entonces el guión de Barton Fink (en tres semanas; acerca de un escritor que sufre un bloqueo). Curiosamente Barton es el nombre del hotel o apartamento en que se refugia Bernie, antes de morir. Tras esta liberación consiguieron reanudar la escritura del guion de Miller's Crossing.

Se dijo en revistas cinematográficas que el presupuesto de la película era de 14 millones de dólares, pero los Coen afirmaron en entrevistas que fue de 10 millones.

Durante el proceso de casting lo realizó Paul Coughlin y este declaró que "el casting de Byrne permitía una apuesta por la seguridad psicológica, la confianza en sí mismo y la actitud de hielo que reproduce el físico  del actor con su presencia robusta e imperturbable". A pesar de que Byrne es irlandés nativo y asume el papel  mafioso irlandés, los Coen originalmente no quisieron a Gabriel Byrne para usar su propio acento en la película. Byrne argumentó que su diálogo estaba estructurado de tal manera que necesario  un buen ajuste para su acento, y después de probarlo ,  los Coens lo aceptaron.. En última instancia, tanto Byrne como Finney utilizaron sus acentos irlandeses en la película.

Durante el casting se planteó la posibilidad de incorporar en el elenco a  Trey Wilson como el jefe Leo O'Bannon, pero dos días antes del comienzo de la filmación Wilson murió a causa de un derrame cerebral. Fue reemplazado por Albert Finney.

Para Roger Westcombe lAlbert  Finney como Leo "... aparece perfectamente matizado en una actuación brillante."

Además los Coen incluyeron a familiares y amigos haciendo papeles menores. Entre ellos está Sam Raimi, director y amigo de los Coen, que aparece como el risueño hombre armado en el asedio al Sons of Erin, el club social , mientras que Frances McDormand, la esposa de Joel, interpreta a la secretaria del alcalde.

Había un papel con el nombre de The Swede (El sueco) que fue escrito para Peter Stormare, pero no al no poder formar parte del reparto debido a que en ese momento se encontraba trabajando en Hamlet, una producción de Broadway su papel fue entregado a  J. E. Freeman con lo que también cambió el nombre del personaje fue cambiado a The Dane (El danés). Stormare trabajaría luego a las órdenes de los Coen en Fargo y El gran Lebowski.

La ciudad en donde tiene lugar la historia no fue especificada, pero la película fue filmada en New Orleans, ciudad que atrajo la atención de los Coen debido a su apariencia. Ethan Coen comentó en una entrevista: "Aquí hay barrios enteros solamente de arquitectura de 1929. New Orleans es una ciudad un poco deprimida; no se ha aburguesado. Hay un montón de arquitectura que no ha sido tocada, ventanas de fachadas que no han sido reemplazadas en los últimos sesenta años".

Miller's Crossing bebe de otras fuentes cinematográficas y  literarias. Entre las cinematográficas hay varias películas de gángsters y cine negro. Sin embargo, la uente principal es la literaria. Muchas situaciones, personajes y diálogos provienen del trabajo de Dashiell Hammett, especialmente de su novela de 1931 titulada The Glass Key. Existen algunos paralelismos entre las dos historias como  la relación entre Tom y Leo en la película se asemeja a la relación entre Ned Beaumont y Paul Madvig, los personajes principales de la novela de Hammett.Esta novela de Dashiell Hammett fue llevada al cine en 1935 (con George Raft ) y 1942 (con Veronica Lake y Alan Ladd ). Otras fuente importante procedente de Hammett fue su novela de 1929 Cosecha roja, la cual detalla la historia de una guerra entre bandas en una corrupta ciudad estadounidense durante la ley seca, una guerra iniciada por las maquinaciones de los personajes principales. Mientras que Miller's Crossing sigue de cerca el argumento y los protagonistas de The Glass Key, la película no tiene escenas directas, ni personajes o diálogos de Cosecha roja.

En cuanto al cine, en The Atlantic, Christopher Orr ve en la escena de apertura, en la que Johnny Caspar (Jon Polito) se enfrenta a Leo O'Bannon (Albert Finney) y Tom Reagan (Gabriel Byrne) ", un claro guiño a la apertura de El padrino ".

Orr también señala, "El final de la Muerte entre las flores hace referencia más clara a la escena final impecable de El tercer hombre : un funeral, un protagonista abandonado por su coche, que ve como la última persona que se preocupa por el mundo se aleja por una Camino de tierra rodeado de árboles ". 

Miller's Crossing fue un fracaso en la taquilla en su momento, recaudando poco más de 5 millones de dólares, con un presupuesto de entre 10 y 14 millones.Una de las razones para el fracaso fue que en ese año 1990 se estrenaron otras películas de tema y tono similar como Goodfellas , Dick Tracy o El Padrino III ya tres películas de gángsters . Sin embargo, ha conseguido importante ingresos con las ventas de video y DVD.

La película fue elogiada por la crítica, con un puntaje de 91% en Rotten Tomatoes y 66 en Metacritic.

El crítico de cine David Thomson la llamó "una magnífica, lánguida fantasía sobre la temática de películas de gangsters que devuelve interminables visionados".Sobre la actuación de Turturro dijo que : "Este podría ser el mejor trabajo de uno de nuestros mejores actores de reparto".

Para Roger Ebert "es probable que sea más apreciada por los amantes del cine que disfrutaran su reminiscencia a películas del pasado".

El citado anteriormente, Christopher Orr observó, "Muerte entre las flores ... es un placer estético de primer orden en casi todos los niveles."

En España Carlos Boyero del Diario El Mundo  djo de ella que era "Maravillosa, deslumbrante" Miguel Ángel Palomo del  Diario El País comenta que "Los Coen reinventan el cine negro en este filme sorprendente y virtuoso (...) película viva y apasionada (...) una obra maestra"

Para Adrian Massenet de blog de cine al que le parece demencial la traducción del título como 'Muerte entre las flores', y que nada tiene que ver con las muertes brutales, alejadas de toda pseudo poesía, incrustadas, talladas a fuego, en esta obra imperecedera, bellísima, extraña, tumultuosa, creada por dos genios (...) Una película que es, con toda seguridad, la más bella de todas suyas, la más compleja y arriesgada . La está trufada de violencia, pero también de contención; de muertes en off, pero también gráficas; de lirismo, pero también de cruel vulgaridad.

Para Sergio Benítez en blog de cine se trata de "Una cinta que basa su enorme eficacia en sus actores —imposible destacar a uno sólo, todos están perfectos—, en unos diálogos asombrosos que puestos en boca de aquellos cobran una vida inusitada, en un sentido de la violencia que en su momento fue muy criticado y sin el que la cinta habría perdido por completo su fuerte idiosincrasia y su razón de ser y, por supuesto, en una dirección que es, como poco, portentosa". Sergio Benítez en blog de cine nos da un camino para entender la clave de esta película que Gonzalo González Laiz en su imprescindible "Guía para ver y analizar: Muerte entre las flores"

Joel Coen ganó en 1990 la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y fue nominado para la Concha de Oro. También ganó de la crítica en la segunda edición del Premio del Festival de Cine Fantástico de Yubari en febrero de 1991.

Miller's Crossing fue nominado para el Gran Premio del Sindicato de Críticos de Cine belga .PEl Círculo de Críticos de Nueva York la nominó al mejor actor de reparto

En cuanto a la banda sonora esta incluye composiciones de jazz, como "King Porter Stomp", refelxivos de la era en la cual está ambientada la película. También se incluye "Danny Boy", cantada por Frank Patterson, un tenor irlandés, que puede ser oída en la casa de Leo. A Patterson también se lo puede escuchar cantando "Goodnight Sweetheart" de Jimmy Campbell en una escena en el Shenandoah Club. La canción principal está basada en la composición folk irlandesa "Lament for Limerick".

En el año 2005, la revista Time eligió esta película como una de las 100 mejores desde la aparición de la revista. Es posible, con todo yo me quedo con el discurso inicial de Jon Polito ante Estoy hablando de amistad. Estoy hablando de carácter. Estoy hablando —vamos Leo, no me importa llamarlo por su nombre— estoy hablando de ética.


sábado, 18 de junio de 2016

La niebla que lo invade todo


Esta entrada y la hice en octubre de 2012. El tema es que he vuelto a ver la película inspirada en la obra de Stepheng King y dirigida por Frank Darabont, y eso entre temporada y temporada de Breaking Bad van cayendo  algunas peliculas que- como podéis ver-  tienencmo común denominador de pertenecer al género de terror, ya que uno de los mio sigue presionando  para recuperar ese tiempo perdido en lo que a este género  afecta. En este caso más que ver algo nuevo he apostado por revisar una película que ya ha sido vista 8 en tres ocasiones, nada menos)  y presentada en est blog.

Se trata de La Niebla, la pelicula de Frank Darabont inspirada en la obra - un novela corta de 1983 - de uno de los más valorados escritores de este género como es Stephen King y uno de los más adaptaciones se han llevado tanto a la gran como la pequeña pantalla. La entrada se llamaba Sin visibilidad, y decía así.

Ya hemos comentado como el pasado viernes tuve la fortuna de ver El resplandor desde la perspectiva de Stanley Kubrick. 

Al día siguiente, el azar hizo que viese La niebla, otra obra de Stephen King. Mi opinión sobre S. King es bien conocida, al igual que sobre el mundo imaginario y terrorífico que nos ha creado. La Niebla, The Mist, también conocida como Stephen King's The Mist o como Sobrenatural en México es una película estadounidense del año 2007 y del género de terror basada en la novela corta de 1983 La niebla de Stephen King, que fuera publicada dentro de la antología Skeleton Crew. 

En concreto esta obra fue llevada al cine por Frank Darabont, quien había escrito el guión inspirándose en el texto de King – y consensuándolo con él, sobre todo el final- y dirigido la película. 

Ya comenté en su momento que Frank Darabont es el encargado de ese mundo apocalíptico y de esa invasión zombie, que es The Walking Dead , y prueba de ello es que parte del elenco de la serie está en la película. Parece ser que Darabont estaba interesado en adaptar La niebla a la pantalla grande desde la década de los 80. 

La producción estuvo controlada igualmente por Frank Darabont, aunque en esta aventura se acompañado de otros dos productores Martin Shafer y Liz Glotzer, y contaron para ello con un presupuesto de 18.000.000. dólares USA $ en la que las productoras Dimension Films y Darkwoods Productions tuvieron un importante papel. 

La música es obra de Mark Isham, mientras que la fotografía fue encargada a Rohn Schmidt. El montaje, por su parte, estuvo en manos de Hunter M. Via. 

La distribución comercial de estos 125 minutos de metraje recayó en otras productoras, una grande, la Metro-Goldwyn-Mayer y otra pequeña, The Weinstein Company. 

Con el elenco de Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Laurie Holden, Sam Witwer, Toby Jones, Andre Braugher, y Jeffrey DeMunn, 

Darabont comenzó a filmar La niebla en Shreveport (Louisiana) en febrero de 2007. 

El director modificó el final del filme para lograr más oscuridad en comparación con el de la novela, un cambio logrado en mutuo acuerdo con King. Se intentó dar a las criaturas un aspecto único para lograr una diferencia respecto a las criaturas de otras películas con monstruos. 

La niebla fue estrenada en los Estados Unidos y Canadá el 21 de noviembre de 2007. 

La historia es básicamente que un grupo de cientificos y militares querían ver como era la vida en otros mundos, en otro universo paralelo, y para ello crearon una especie de ventana (o portal), pero las criaturas de la otra dimensión cruzaron el portal e invadieron la Tierra. En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces surge una espesa niebla que va entrando en casas y supermercados, atrapando y matando a todos los que se ven envueltos por la oscuridad. 

Un artista, David Drayton (Thomas Jane) y su hijo Billy, de 5 años de edad busca refugio de la niebla y se queda atrapado en el supermercado con otros muchos. Allí coincide con otras muchas personas de naturaleza muy variada como Mrs. Carmody (Marcia Gay Harden), una mujer religiosa profundamente perturbada, quien logra la devoción de los clientes, bajo presión psicológica, Amanda Dumfries (Laurie Holden) una joven maestra de escuela sin hijos quien cuida a Billy (Nathan Gamble) en el supermercado. 

Igualmente hay otras personas atrapadas en el mercado como un grupo de soldados, entre ellos Private Jessup (Sam Witwer) ; Ollie Weeks (Toby Jones) el asistente del gerente del supermercado, el único poseedor de un arma de fuego con la que acaba con muchos bichos y con Mrs Carody acabando así con su reinado del terror y que ayudará a David a escapar del supermercado. 

También se encuentra Brent Norton (Andre Braugher) vecino de David y abogado cuyo escepticismo lo lleva a salir del supermercado para probar que no hay peligro y buscar ayuda. Dan Miller (Jeffrey DeMunn) un ciudadano local que planea, apoya y ayuda a escapar a David del supermercado; Irene Reppler (Frances Sternhagen) una maestra jubilada de primaria, que está del lado de David hasta el último momento. Sally (Alexa Davalos), una cajera del supermercado, enamorada del Cabo Jessup y que será la primera victimas de los seres en el interior del supermercado. Otros refugiados serán Jim Grondin (William Sadler) un mecánico local que se vuelve seguidor de la señora Carmody, Norm (Chris Owen) ,un embolsador, Bud Brown (Robert Treveiler) gerente del supermercado y Myron LeFluer (David Jensen) un mecánico local que se pone del lado de David e intentan escapar del supermercado. 

Un primer grupo intenta escapar dirigido por Brent intenta la huida convencidos de que en la niebla no hay nada. Sin embargo, el grupo es masacrado por la niebla. El espanto se apodera de los demás al ver su vertiente mortal. 

Por la noche, y atraídos por las lámparas se acercan unos inmensos insectos que intentan entrar. Tras ellos unos extraños seres con pico curvado los atrapan. El temor aumenta cuando unos seres y otros entran en el supermercado y acaban con Sally, así como se producen bajas por quemaduras entre los que se refugian. 

Un hecho singular como que los insectos hayan pasado de Mrs. Carmody hace que aumente su liderazgo y el poder de convicción de su discurso apocalíptico. De entre los supervivientes de esta primera oleada surge una tentativa de buscar fármacos para atender a los heridos. 

En la farmacia de Stephen son atacados por los insectos, además de descubrir que algunos de ellos utilizan a los humanos como nido y cobijo. Ante el retorno del grupo se aprecia una polarización entre los partidarios fanáticos de Mrs. Carmody y los de David. En esa lucha de poder vence Mrs Carmody sobre todo al enterarse que la niebla es producto de un experimento militar con el fin de descubrir un nuevo mundo en otra dimensión. La puerta ha quedado abierta y favorece la invasión de seres de otro mundo. 

La ira del grupo de Mrs. Carmony y el suicidio de alguno de los militares genera una locura colectiva de la que es victima el soldado Jessup, que tras ser herido por arma blanca por parte de un seguidor de la fanática es expulsado del supermercado y devorado ante los ojos de los demás. 

La situación de ambos grupos se colapsa optando el grupo de David por la huida. Mrs. Carmony se opone pues quiere un nuevo sacrificio, señalando al joven Billy para ello. David y los suyos se oponen, y en el enfrentamiento Ollie mata a Mrs. Carmony. 

Aprovechando el impacto huyen al parking aunque se dispersan por la niebla. Ollie se pierde y es atacado por los extraños seres, al igual que a otros. Finalmente, consiguen escapar David, Billy, Amanda, Irene y Dan. 

David además ha cogido el revolver de Ollie, pero con cuatro balas. Billy previamente le pide a su padre que no permita que lo devoren los seres. El coche avanza rodeado de extraños seres, y lo hace hasta que se agota la gasolina. 

David opta por matar a los demás para que no mueran en las garras de los bichos. Cuando parece que a su vida le restan unos minutos, un militar se acerca. 

Tras él, el ejército y con ellos los supervivientes. Esto provoca la desazón de David quien aparecer desolado gritando ante lo que acaba de hacer. 

El director Frank Darabont tras leer la novela de los 80 se mostró interesado en dirigir la adaptación fílmica para su debut en dirección. Y tras haber filmado The Shawshank Redemption, también de Stephen King en octubre de 1994, reiteró su interés en dirigir The Mist. 

Darabont no lo llevó a cabo de inmediato, pues antes adaptó otra obra de Stephen King en 1999 la novela The Green Mile (La milla verde o El pasillo de la muerte) por la que fue premiado. Darabont firmó un contrato la Paramount Pictures y consiguió los derechos cinematográficos de The Mist. 

En diciembre de 2004, Darabont contó que había comenzado a escribir una adaptación fílmica para The Mist, y en octubre de 2006, el proyecto pasó de la Paramount a Dimension Films. Darabont ya era el director del proyecto y contaba con el actor Thomas Jane para unirse al elenco. 

El director Frank Darabont escogió filmar La niebla después de la filmación de dos dramas, The Shawshank Redemption y The Green Mile porque "quería hacer un film diferente y muy directo". Darabont concibió un nuevo final al trasladar la novela a la pantalla grande. 

El autor Stephen King alabó el nuevo final de Darabont, describiéndolo como uno perturbador para los estudios King dijo "El final es como una sacudida, ¡zas! Es aterrador. Pero la gente que va a ver una película de terror no necesariamente quieren irse con un final Pollyanna.”. 

Se rodó en Estados Unidos. En la novela, el personaje David Drayton -quien está casado- tiene una relación sexual con Amanda Dumfries, quien también está casada. Darabont no creyó conveniente mostrar en escena al protagonista teniendo una aventura extramarital. 

Los personajes en el film, retratados por Thomas Jane y Laurie Holden respectivamente, comparten básicamente una relación emocional. Jane explicó "Es como que forman una pequeña familia, una especie de familia sustituta, donde está mi hijo y yo soy su padre y ella se convierte en su madre. Nos convertimos en una pequeña unidad que estamos tratando de salir de esta pesadilla juntos". Holden comparó la pesadilla experimentada con la de los refugiados dentro del superdrome de Louisiana en el huracán Katrina. 

The Mist fue proyectada en el festival de películas ShowEast y fue lanzada en DVD el 25 de marzo de 2008. Ha servido de modelo para algunos dibujos animados, por ejemplo y curiosamente acabo de verlo en Fan Boy. En el ataque nocturno, cuando uno de los refugiados se incendia, se logra ver como lanza al suelo un pequeño estante, con libros de Stephen King. 

La farmacia donde entra el grupo de David se llama "Farmacia de Stephen", haciendo referencia Stephen King, el escritor del relato original. Sin entrar en cuestiones técnicas ni nada que se le parezca indicaré lo que de ella dijeron algunos críticos. 

En España, Desirée de Fez en Fotogramas afirma que La niebla es "Una de las películas de terror más asombrosas de los últimos años (...) . En este sentido Jordi Costa en el Diario El País señala que "Darabont se bate con un King de género -es decir, con la quintaesencia King- y el resultado es tan estimulante como definitivamente extraño: casi una película de horror de arte y ensayo construida con material de serie B." 

Por su parte, Javier Cortijo en el Diario ABC decía que la película eran "Jirones de puro terror. (...) Darabont, naturalmente, no defrauda (...) con un tempo y una valentía envidiables (...) Lástima que no puliese algún personaje maniqueo típico del novelista (...). Pablo Kurt en filmaffinity es más crítico al afirmar que la película era una decepción monumental. 

En Estados Unidos Peter Hartlaub en el San Francisco Chronicle decía que "La espeluznante 'The Mist' evita los clichés del cine de terror. (...) Aunque es en todo momento fascinante, está un poco hinchada." Por su parte, Rene Rodríguez en Miami Herald afirmaba "Es una película B con aspiraciones a ser A, y es mejor cuando no está intentando ser algo que no es. (...). 

En The New York Times Manohla Dargis dijo "Hasta el momento en que el director Frank Darabont decide que está diciendo algo importante, en lugar de haciendo una hábil película de terror, 'The Mist' no está mal." 

Stephen Hunter en el The Washington Post dijo "Es más una alegoría política que una película de terror. (...) Tiene un giro fácil al final, que parece fuera de contexto, y la película podría fácilmente tener 20 minutos menos, quizá 40." 

Por último un clásico Roger Ebert en el Chicago Sun-Times "Es una película competente (...) Pero si piensas que Darabont ha igualado los pasos de 'Shawshank' y 'Green Mile', tendrás una triste decepción. (...) . 

En Gran Bretaña, Alexander Kent en The Times afirmaba "La historia no se trata tanto sobre los monstruos afuera o adentro, es sobre la gente con la que estás atascado, tus amigos y vecinos rompiéndose ante la presión." Bueno, realmente la película no está mal y además es inquietante por lo tanto - si puedes - disfrútala. 

Añadiré ahora que La niebla fue publicada por primera vez como la primera y más larga historia de la colección de Dark Forces y que coincidiendo con con el estreno en cines en una película, la novela se volvió a publicar en 2007. 

El reparto aparte de los siete destacados en la primera entrada aparecen otros como Alexa Davalos, Frances Sternhagen, Nathan Gamble, Sam Witwer, Chris Owen, Melissa Suzanne McBride, Brian Libby, así como más de un centenar de extras de Shreveport, Louisiana, que fueron incluidos en la niebla.

Darabont intentó dar a las criaturas un aspecto único para lograr una diferencia respecto a las criaturas de otras películas con monstruos. El escritor dice que se inspiró en La niebla en una experiencia de la vida real. Si bien no hubo extrañas criaturas, lo cierto es que una tormenta muy parecida a la que aparece en la historia ocurrió en donde vivía King.

El día después de la tormenta, King fue al supermercado local con su hijo. Mientras buscaba panecillos de perrito caliente, King se imaginó un "gran reptil volador prehistórico" aleteando alrededor de la tienda. En el momento en que los dos estaban en la fila para pagar sus compras, King tenía la base de su historia: sobrevivientes atrapados en un supermercado rodeados de criaturas desconocidas.

La niebla también muestra fuertes influencias de Howard Phillips Lovecraft. King, un admirador del trabajo de Lovecraft, a menudo incorpora ciertos elementos de Lovecraft en sus historias, muchas de las cuales se relacionan con la indefinible sensación de horror que surge más allá de la capacidad de conocimiento humano que Lovecraft buscó enfatizar en sus obras.

King incorpora este horror amorfo con la inexplicable aparición de criaturas horribles que atormentan a los personajes principales en la historia, pero más  en la descripción de las propias criaturas; no se da una descripción concreta, sin embargo, la aparición de tentáculos, como apéndices, son claras aberraciones inspiradas por Lovecraft.

En diciembre de 2004, Darabont contó que había comenzado a escribir una adaptación fílmica para The Mist, y en octubre de 2006, el proyecto pasó de Paramount para Dimension Films, con Darabont deseado como el director del film y con el actor Thomas Jane en negociaciones para unirse al elenco.    

La desoladora música final, The Host of Seraphim ("El albergue del Serafín"), es de Mark Isham y fue concebida como un himno funeral por toda la humanidad.

Al principio de la película David Drayton está pintando un cuadro de un pistolero delante de un silo y una rosa, después cuando están en el supermercado dicen que David es pintor de carteles cinematográficos y dado eso es probable que el cuadro fuera una referencia a una posible adaptación a la gran pantalla de la saga de La torre oscura de Stephen King. También aparece pintado un cuadro de la película The thing de 1982. Todos estos cuadros son obra de Drew Struzan y fueron un préstamo personal para el rodaje. La referencia a La torre oscura también puede deberse a que el argumento gira en torno a la unión de dos universos paralelos, tema recurrente de la serie.

De entre la críticas no incluidas yo aporto ahora dos una americana firmada por James Berardinelli y otra de un clásico Juan Luis Caviaro. La de James Berardinelli quien escribió acerca de la película, que "La niebla tiene todo lo que una película de terror debe tener -. Es oscura, tensa, y con la suficiente la sangre derramada y el estremecimiento que debe dar al espectador ... Finalmente, después de una larga lista de fracasos, alguien ha hecho justicia en realizar bien una de las historias de terror de King a la pantalla.

Juan Luis Caviaro en blog de cine nos dice que "'La Niebla' es un brillantísimo film de terror, pero donde lo central no es el monstruo, la faceta/excusa fantástica (precisamente, es su punto débil, con unos efectos digitales algo pobres). Lo principal y lo que hace grande a la película es la dura mirada, sin concesiones, al lado más temible y estúpido del ser humano. Puede que te de algún que otro susto, pero lo que Darabont pretende es que, en repetidas ocasiones, te quedes pegado a la pantalla, con el corazón a mil y los dedos clavados en la butaca. Y, te lo aseguro, lo logra."

La película fue un éxito económico llegando a alcanzar los 58 millones de dólares. Esto no pasó desapercibido para el mundo de la televisión más aún  estando implicado Frank Darabont, creador de exitosas series, así que de la película partirá un serie.

En noviembre de 2013, Bob Weinstein reveló que él y Darabont estaban desarrollando una serie de televisión de 10 capítulos basada en la película. En febrero de 2016, un canal de televisión por cable, Spike, propiedad de Viacom Music and Entertainment Group, ordenó la realización de un capítulo piloto. En abril de 2016, Spike ordenó la serie, cuyo director será Adam Berstein ganador de un Emmy quien dirigirá el piloto que se estrenará en el verano de 2017.