La intervención

 

L'Intervention, bon film. Lo reconozco. Me ha gustado esta película del año 2019 inspirada en hechos reales y que pone de manifiesto lo complejos y convulsos que fueron los años 70, tanto por la manifestación del fenómeno terrorista-, tal y como señalé en una entrada realizada hace poco Aeropuerto: SOS avión secuestrado o el visible en otros como el asalto a la residencia olímpica de Munich en aquel telefilm de 21 horas en Munich con William Holden o en su cara B como es el Munich de Spielberg con Eric Bana, como por el tema del difícil proceso descolonizador del continente africano, especialmente en los pocos reductos que quedaban: las colonias portuguesas de Angola y Mozambique o en Djibuti, la Somalia francesa del cuerno de África por nombrar dos procesos. 

En este caso la dirección de la película fue asumida por el director franco-canadiense Fred Grivois, colaborador de Jacques Audiard como diseñador del títulos de alguno de sus proyectos y encargado de la dirección de algunas escenas de sus películas. 

El guion fue escrito a seis manos por Ileana Epsztajn, Fred Grivois y Jérémie Guez que recrean una historia inspirada libremente en los acontecimientos conocidos como "Prise d'otages de Loyada" ocurrida el 3 de febnrero de 1976, cuando un grupo de militantes del movimiento independentista del Front de libération de la Côte des Somalis (FLCS) secuestraron en autobús escolar en Djibouti, situado en lo que se conocía como "Territoire français des Afars et des Issas (TFAI)" y al día siguiente una compañía de paracidista de la Legión Francesa y miembros del grupo de intervención de la Gerdarmería Nacional -Groupe d'intervention de la gendarmerie nationale (GIGN) - asaltaron el autobús, matando a los secuestradores presentes y liberando a la mayor parte de los secuestrados. 

La película es una reciente producción en la que intervienen Jacques-Henri Bronckart, Raphaël Rocher y Henri Debeurme que junto con el productor asociado Olivier Bronckart y los productores Bénédicte Bellocq y Souad Lamriki como representantes de las productoras franco-belgas Agora Films , Empreinte Cinéma,Capture the Flag Films, SND-Groupe M6, Versus Production, C8 Films et Proximus ; y con la participación de Canal+, Ciné+, C8 y el apoyo de del gouvernement fédéral belge en asociación con Playtime et Indéfilms. Contó con un presupuesto de $ 6.2 millones. La música fue compuesta por Fabien Kourtzer y Mike Kourtzer, mientras que la fotografía lo fue de Julien Meurice. Los encargados de arte fueron Ileana Epsztajn, Fred Grivois y Jérémie Guez, mientras que el vestuario fue responsabilidad de Emma Bellocq quedando Baxter como el montador. 

El reparto lo encabezan Alban Lenoir como André Gerval, Olga Kurylenko como la maestra norteamericana Jane Andersen. Junto a ellos está el pelirrojo Michaël Abiteboul como Georges Campère, Sébastien Lalanne como Pierre Cazeneuve, Guillaume Labbé como Jean-Luc Larrain y David Murgia como Patrice Lorca y Ben Cura como el agente de la CIA, el estadounidense Phillip Shafer. Aparece igualmente Vincent Perez como un irreconocible Général Favrart, Josiane Balasko como la secretaria de exteriores Michèle Sampieri, Kevin Layne como el terrorista Barkhad, André Pierre como Morad, Kelyan Kezbari como Bernard, Pauline Sakellaridis como Joséphine, la hija de Gerval y Moumouni Seydou Almoctar como Mahat. Igualmente aparecen Guillaume Labbé, Kamal Kenzo y Mériem Sarolie. 

La película comienza contextualizando lo que supuso el difícil proceso de descolozación en el mundo cuyo últimos capítulos se van a manifestar a mediados de los años setenta. Este es el caso de Djibouti o Djibuti o Yibuti. 

  

En el mes de febrero de 1976 en Yibuti, la colonia de expatriados, especialmente los hijos de los militares y funcionarios franceses destacados en la colonia y que vive en la capital de este caluroso país próximo a Somalia manda a sus hijos al Liceo francés. Así que vemos como un bus escolar va recogiendo a los pequeños que van a la etapa en Primaria. 

Tras un parte de paradas por el mismo distrito de Ambouli, al mismo su suman cinco hombres armados que van a secuestrar el bus y lo llevan a la frontera somalí, aunque la frontera francesa es cerrada en el último momento tras una persecusión por parte de la gendarmería colonial. 

Se inicia así un secuestro de 30 horas de gran tensión en la que se decide organizar una operación de rescate. Lo cierto es que el autobús se queda a un centenar de metro de la frontera con Somalia en la localidad de Loyada, un puesto fronterizo con Somalia.

Mientras en la metrópoli, las autoridades francesas encabezada por la secretaria de exteriores Michèle Sampieri ( Josiane Balasko) deciden enviar al lugar a una unidad de élite de la Gendarmerie nationale française. 

Este equipo dirigido por André Gerval ( Alban Lenoir) debe afrontar una operación de alto riesgo con el fin de liberar a los niños secuestros. Así que André que acaba de ser padre convoca a su equipo de élite intergado por el sargento pelirrojo Georges Campère (Michaël Abiteboul) , el veterano Pierre Cazeneuve (Sébastien Lalanne), el implacable  Jean-Luc Larrain (Guillaume Labbé) y  el joven Patrice Lorca (David Murgia).

Mientras tanto, una maestra norteamericana Jane Andersen (Olga Kurylenko) del Liceo decide ir por su cuenta y riesgo al lugar para ayudar a sus alumnos y alumnas. Se dirige a Lodoya y se ofrece ante los secuestradores como voluntaria para apoyar a los niños tomados como rehenes. Es ella la que informa que integrantes de la 2ª compañía del 2º regimiento de la Legión paracaidistas, comandada por el Général Favrart (Vicent Pérez), está a cientos de metros comienza a desplegarse cerca del puesto fronterizo. 

Al otro lado de la frontera, los soldados somalíes toman posiciones detrás de la alambrada fronteriza de púas, y aparecen asesorados por un agente soviético. 

Esa misma tarde  ya han llegado desde Francia el grupo de cinco francotiradores del Grupo Nacional de Intervención de Gendarmería (GIGN) liderados por Gerval. Han llegado los gendarmes acompañados por un asesor de la CIA con experiencia en la guerra de Vietnam . Se trata del estadounidense Phillip Shafer (Ben Cura) que está de apoyo.

Cae la noche sin que sea posible adivinar las intenciones de los secuestradores aunque en un comunicado han expresado su voluntad de matar a los niños si no lo consiguen la liberación de compañeros de lucha. Gerval aprovechando la oscuridad se aproxima al autobús y contacta visualmente con la maestra. Descubre que la zona no tiene muchos puntos para alcanzar a los francotiradores. 

Los francotiradores se han instalados a unos 180 metros del autobús. El autobús con sus pasajeros sigue inmovilizado en el mismo lugar aunque el contacto director entre los secuestradores y los policías y militares somalíes es continuo.

La calurosa mañana va pasando y mientras los fracotiradores siguen ocultos , los legionarios envian a dos soldados, uno de ellos sargento con el fin de llevar alimentos y agua a los niños. En un momento dado, la tensión aumenta entre los secuestradores y el sargento y todo ello acaba con el asesinato del sargento. 

Ante tal circunstancias la tensión aumenta y es la maestra la que negocia la salida de uno de los niños que ha sido herido en la cara por el principal de los secuestradores Barkhad (Kevin Layne) dando autorización para llevarlo al campamento militar y que sea atendido por un médico. 

Cuando ella explica como está la situación, Gerval que escucha una y otra vez el freno para la intervención que le transmite el General Favrart tras contactar con las autoridades metropolitanas diseña un plan local al margen de la diplomacia que consiste en dormir a los niños y que ellas ejecuten la eliminación de los secuestradores por medio de "disparos simultáneos". 

Jane lleva alimentos y agua y los chicos se quedan dormidos, así que con los terroristas en los puntos de mira de los francotiradores, los integrantes de GIGN a las 15.45 horas,  abren fuego y matan a cinco secuestradores, utilizando por primera vez "disparos simultáneos": cada francotirador indica en código numérico, y cuando Gerval llega a 0 todos simultáneamente abren fuego sobre el objetivo por medio de un disparo simultáneo. 

En menos de un minuto los integrantes del GIGN han acabado con los secuestradores. Pero los soldados somalíes apostados al otro lado de la frontera han percibido lo ocurrido y comienzan a tomar represalias en particular con el autocar y los francotiradores así que desde el puesto fronterizo, otros soldados también disparan contra los gendarmes del GIGN y contra los legionarios que corren hacia el autobús. 

Algunos de los gendarmes se dirigen al autobús, mientras otros disparan desde sus puestos. Los somalíes se adentran y van cayendo bajo el fuego de los franceses, incluso el asesor soviético cae tras los disparos.

Finalmente la intervención acaba y descubren que la maestra y los niños y niñas rehenes se han salvado hasta que Campère descubre el cuerpo de una niña a la que han alcanzado los somalíes. 

Decepcionados, aunque han puesto fin a su intervención, han logrado salvar a la inmensa mayoría de los niños, y aunque se lo agradecen los padres y madres, vemos que no ha sido posible.

Finalmente nos enteramos de que esta operación también marcaría los inicios del Grupo Nacional de Intervención de Gendarmería (GIGN), creado en 1973 y reorganizado "en la primavera de 1976" tras su éxito".

La segunda película como director de Fred Grivois desarrolla una historia real, la historia de una operación de rescate en Djibouti  en el año 1976, que dio origen al Grupo de Intervención de La Gendarmería Nacional (GIGN), y que, más o menos, es lo que nos presenta la película. 

El interés de la película está en mostrarnos la compleja historia de la descolonización de la última colonia francesa, en la que la Francia metropolitana se ve casi acosada por unos somalíes empiezan a rebelarse para conseguir la independencia y que además nos incluyen pequeñas pinceladas de este proceso en medio de la "guerra fría" y las llamadas "guerras de baja intensidad". 

La historia además se complica por el hecho de los sujetos secuestrados, un grupo de chicos que se trasladan a su centro en un autobús escolar, y que son llevados a la frontera de otro país, lo que desata las alarmas internas y externas, pues ya no es un tema de interior sino de política internacional por lo que es de más difícil soluciçon . 

Vemos igualmente la tensión entre los integrantes de una Legión Francesa que parecen respetar la jerarquía de la política frente a de los gerdarmes que son partidarios de la acción directa ya que se ven motivados por sus circunstancias profesionales y personales. Algunos de los integrantes del comando son padres y sienten el dolor de los niños y empatizan con sus progenitores. Además de cómo van posicionándose en el terreno a medida que aumenta la tensión. 

Por otro lado, vemos el papel de la diplomacia y de París en un mundo que no controla, con unos altos cargos prefieren ir por la vía de la diplomacia, una decisión fácil de tomar desde un despacho, sin estar presente en el conflicto. 

La película tira de la presencia de la polifacética y políglota modelo franco-ucraniana y buena actriz que es Olga Kurylenko, muy presente en el cine  francés y en el de acción, así como de unos veteranos Vincent Perez y Josiane Balasko con papeles más secundarios. 

La película se presentó en el mercado internacional con el título 15 minutes de guerre aunque para el mercado nacional francés y el europeo se llamará L´intervention, quedando el título de 15 minutes  at War para el mercado anglosajón. 

El rodaje tuvo lugar entre junio y agosto de 2017 en Marruecos, en las localidades del Erfoud, Errachidia, Ouarzazate, Essaouira y Kénitra. Fue un rodaje duro  por las altas temperaturas y con un presupuesto limitado de 4 millones de dólares. 

Con todo la película se dio un batacazo en la taquilla al conseguir únicamente 455 000 $ lo que explica su rápido paso al mercado televisivo.

En cuanto a las críticas señalar que en Francia la veterana revista - nació  en 1934- Fiches du Cinéma dijo de ella que  “un cuarto de hora de rodaje cuadrado durante 80 minutos de psicología beta, virilismo (...) y violencia problemática” .

Por su parte, en la revista Première escribió: “La ambición es obvia: mezclar atrevidamente una película de acción y momentos valientes como el clásico del cine francés Les Morfalous (protagonizada por Jean-Paul Belmondo y dirigida por Henri Verneuil , que presenta a la Legión Extranjera Francesa durante la Segunda Guerra Mundial ). Pero en la pantalla, nada de esto funciona"

En Estados Boyd van Hoeij de The Hollywood Reporter dijo de ella que "Está bien filmada, pero su guion es horrible (...) Ojalá hubiese durado lo mismo que sugiere su título en inglés [15 Minutes of War]" 

Noel Murray en Los Angeles Times señala que "Es decepcionante como thriller, pero fascinante como mirada a un momento importante en la lucha global contra el terrorismo." 

Por mi parte decir que no es una mala película. Te mantiene la tensión en todo momento. A destacar el buen montaje de Baxter, colaborador de Alexandre Aja, acompañado de buena música y buena fotografía de Julien Meurice (La Horda) , con una construcción de actores algo débil, pero lo cierto es que tampoco interesan tanto, pero cuya ejecución en pantalla da lugar a una buena película de acción,  narrada a un buen ritmo y con un desenlace final y violento, el de la liberación de los niños, muy bien rodado. En definitiva, una buena película que vuelve a mostrar la gran capacidad del cine francés, capaz de todo, incluso de hacerlo bien.

Revisión del centurión

Hoy tocaba, como otras veces, revisión de alguna película que ya habíamos comentado en alguna entrada anterior y en este caso ha sido Centurión , una película que se vincula a aquella otra que titulé  De Pictos y Escotos .

Centurión es una película británica en base a una buena historia con imágenes espectaculares, buenas coreografías, con actores y actrices que asumen sus personajes con profesionalidad o en plena fora física y que hacen de lo que pueden para dar dignidad a este "neopeplum" de tendencias realistas transformándola en una historia interesante. 

Precedida de un inicio espectacular con una persecución en la nieve, el ataque picto y el descubrimiento de la tradición del personaje de Olga, Etain, nos lleva a un intento de recuperación del general. 

Antropológicamente interesante, aunque los pictos aquí hablen gaélico escocés y no el idioma de los pictos , aunque los historiadores creen que el idioma moderno más similar al de este indomable pueblo tendría que ser el galés  tiene el filme un buen trabajo en el vestuario - aunque se dice que los pictos no llevaban ropa- , banda sonora y sonorización general. 

La película pasa de ser una historia de conquista y resistencia con intento de liberación frustrada pasando a ser una historia de venganza personal cuando los romanos matan al hijo del jefe picto, hombre curtido en tragedias. Para el centurión se transforma todo en un viaje de ida y vuelta. 

Desenlace incierto en esta historia en la que un hombre ha d cumplir su promesa de devolver a sus hombres a casa. Así la persecución se convierte un acto de venganza en la otra parte de la película , la de más acción, a la que se suman a los pictogramas, los lobos y todas las dificultades más aún cuando el grupo se divide y aparecen las primeras bajas y alguna traición. 

El descubrimiento de una casa en el bosque con una chica que pasa por ser hechicera será su salvación. La llegada al puesto defensivo avanzado no supone un alivio tras la retirada ordenada por Agrícola. El fuerte se convierte en un espacio para su lucha final que, evidentemente, será a muerte. La coreografía y lo intrépido juegan un importante papel. 

La idea de luchar para nada, pero sobre todo contra la humanidad subyace en la lucha entre romanos que acaban con gran parte de los supervivientes y con el deseo del centurión en la fe de la cultura romana al volver junto a la chica del bosque.

El destino de la IX legio - de hecho ese fue el título provisional de la película,"Novena Legión", marchó a Escocia desde York con 3000 hombres y nunca más se volvió a ver ni se supo de ellos- será borrado de los registros o emparedada en el muro que culminará Adriano, lo poco que queda de lo romano en el limite de su civilización. Sin embargo, los arqueólogos alemanes han encontrado evidencias de que la mítica Novena Legión se asentó en las orillas del río Rin en una época posterior a lo narrado como se fechó con carbono lo que sugiere que, en lugar de ser eliminados, en Escocia se mudaron a Germania.

Señalar que el director Neil Marshall - el cual tuvo siempre presente la película de Los amos de la noche (1979) de Walter Hill , tanto es así que lo agradece a Hill en los créditos finales- y su director de fotografía Sam McCurdy pasaron cerca de dos años discutiendo el aspecto formal que tendría la película antes de hacerla. Una cosa en la que se mostraron inflexibles fue que tendría que ser filmada en espacios abiertos y nunca frente a una pantalla verde. Esto provocó que Neil Marshall optara por filmar la película en condiciones tan duras que algunos miembros del reparto sufrieron problemas de salud. El diario The Independent publicó que Noel Clarke tuvo que recuperarse de una casi congelación o que Michael Fassbender sobreviviese en esa carrera inicial sobre la nieve y sin camisa en temperaturas bajo cero o que JJ Feild dejase de fumar debido a la hipotermia con lo que, al ,menos, en este caso no hay mal que por bien no venga.

Decir que en el guión original se señalaba que Etain (Olga Kurylenko) era la hermanastra de Arianne (Imogen Poots) y que ella había marcado la cara de Arianne. Después de la batalla en el fuerte, Etain escapó, y cuando Quinto Dias ( Michael Fassbender) regresó para encontrar a Arianne al final de la película, hubo una pelea brutal entre los tres en la que Arianne finalmente mató a Etain. Este hilo y final de la historia fue eliminado por los productores antes de la filmación.

De cualquier manera , el diseñador de prótesis Paul Hyett sí que estuvo encantado de ser parte de la producción, ya que le dio la oportunidad de hacer gargantas cortadas, brazos cortados, decapitaciones, cortes en la cabeza, flechas en el cuello, hachas en el cuello, quemaduras y aplastamientos. Finalmente usaron más de 200 litros de sangre falsa. De eso hay mucho, hasta el exceso. 

La muerte de Stalin

Es difícil explicar una historia desde la ironía y la sátira sin transformar la misma en un esperpento, pero os puedo asegurar que La muerte de Stalin planteada por Armando Iannucci no deja de ser una explicación que tiende hacia lo grotesco para explicar el fin de uno de los regímenes totalitarios más criminales que vivió el mundo en ese cambalache que fue el siglo XX. Y lo explica muy bien, aunque seas tú quién separe el grano de la paja, pues hay mucha paja entre tanto grano aquí presentado en forma de píldoras informativas. El resultado una singular película que explica uno de los momentos determinantes que repercutirá en la guerra fría. Con ustedes La muerte de Stalin. 

Por lo pronto señalar que la película que llevaba por título The Death of Stalin fue prohibida en la Rusia de Putin 65 años después de la muerte del dictador . La película surge cuando un grupo de productores integrado por Yann Zenou,  Laurent Zeitoun , Nicolas Duval Adassovsky  y Kevin Loader , aunque también participan Sofia Maltseva, Anastasia Shipilova y Tanya Sokolova, entre otros, que optán por financiar un guión escrito por Armando Iannucci, el cómico británico David Schneider e  Ian Martin, así como Peter Fellows tras inspirarse en un cómic o novela gráfica escrito por Fabien Nury titulado  La mort de Staline, cuya trama narra los hechos que transcurrieron en torno a la muerte del político y dictador soviético Iósif Stalin en 1953. 

El respaldo de las productoras Quad Productions ,  Main Journey ,  Free Range Films así como la Gaumont ,  France 3 Cinema , La Cie Cinématographique  y Producciones Panache junto a AFPI  fue esencial así como la distribución de Entertainment One Films para el Reino Unido, la IFC Films para EE. UU. y la misma Gaumont para el resto de países. 

La película cuenta en lo técnico entre otras aportaciones con la música de Christopher Willis y la fotografía de Zac Nicholson. En el montaje el responsable fue Peter Lambert y Sarah Crowe del casting. Labor importante fue igualmente la de Jane Brodie y David Hindle como supervisores de arte.

En cuanto al reparto lo integran  Steve Buscemi como Nikita Jrushchov , Simon Russell Beale como Lavrenti Beria , Paddy Considine como camarada Andréyev encargado de grabaciones de Radio Moscú, Rupert Friend como Vasili Stalin , Jason Isaacs como Gueorgui Zhúkov , Michael Palin como Viacheslav Mólotov,  Andrea Riseborough como Svetlana Stálina,  Jeffrey Tambor como Gueorgui Malenkov , Adrian Mcloughlin como Iósif Stalin , Olga Kurylenko como Mariya Yúdina , Paul Whitehouse como Anastás Mikoyán , Paul Chahidi como Nikolái Bulganin , Dermot Crowley como Lázar Kaganóvich , James Barriscale como Kliment Voroshílov , Leeroy Murray como Aleksandr Vasilevski , Daniel Fearn como Iván Kónev , Luke D'Silva como Kiril Moskalenko,  Gerald Lepkowski como Leonid Brézhnev , Dave Wong como Zhou Enlai , Richard Brake como Anatoly Tarásov , Diana Quick como Polina Zhemchúzhina , Justin Edwards como Spartak Sokolov,  Tom Brooke como Sergei , Karl Johnson como Lukomsky,  Cara Horgan como Lidiya Timashuk , Jonathan Aris como Mezhnikov,  Roger Ashton-Griffiths como el músico y Sylvestra Le Touzel como Nina Khrushcheva. 

Es la noche del 2 de marzo de 1953 ese día en Radio Moscú se emitía un concierto de Mozart. Durante el concierto el encargado de la emisora , el camarada Andréyev (Paddy Considine ) recibe una llamada que le deja frío. El que se encuentra al otro lado del teléfono es el Secretario General Joseph Stalin que le dice que lo llame dentro de 17 minutos exactos. El nerviosismo le aborda , pero al volver a llamar recibe la orden por parte del máximo dirigente de la URSS de que quiere escuchar ese concierto en la radio y ordena que se le entregue una grabación.

Para desgracia del camarada Andréyev el concierto debe repetirse y grabarse apresuradamente, pero las dificultades son múltiples. El director se desmaya, parte del público se ha marchado y tiene que abrir las puertas del auditorio para que entre gente de la calle. A estos se suma que la  pianista, Maria Yudina (Olga Kurylenko )  en principio se niega a tocar ya que Stalin ha acabado con su familia y sólo lo hará si se le paga más. Cuando el concierto se graba además la chica esconde una nota para Stalin en la manga del disco, diciendo que ha arruinado el país.

Mientras todo esto ocurre vemos que Stalin (Adrian Mcloughlin ) está departiendo una velada junto a los miembros del Comité Central del Partido Comunista. Entre los mismos se encuentran   el director del Ministerio del Interior (NKVD) Lavrenti Beria (Simon Russell Beale ) , el dirigente Gueorgui Malenkov (Jeffrey Tambor ) , el primer secretario del partido y jefe del partido de Moscú Nikita Jrushchov ( Steve Buscemi ) y el ministro de relaciones exteriores Viacheslav Mólotov (  Michael Palin) quiénes entre risas y bromas toman decisiones que implican la detención , retención y muerte de muchos ciudadanos considerados sospechosos de ir contra el sistema.

Tras recibir el disco grabado por Andréyev por parte de los soldados Stalin descubre la nota de la pianista y al leer la nota en su casa de campo , sufre una hemorragia cerebral que le paraliza y cae al suelo.

A la mañana siguiente el cuerpo paralizado de Stalin es encontrado por la asistente y esta llama  a los miembros del Comité Central del Partido Comunista que son alertados. Los primeros en llegar son el director del Ministerio del Interior (NKVD) Lavrenti Beria, quien descubre la nota de Mariya. Junto a él llega el dirigente Gueorgui Malenkov.

Mientras Malenkov entra en pánico, Beria lo impulsa para que tome el mandato de asumir el poder con el objetivo de usarlo como marioneta.

Tras esto llega el primer secretario del partido y jefe del partido de Moscú Nikita Jrushchov , un hombre bromista que llega junto al resto del Comité, a excepción del ministro de relaciones exteriores Viacheslav Mólotov, a quien Stalin la noche anterior le había añadido a una de sus listas de enemigos para acabar con él.

Entre los cuatro presentes toman la decisión colegiada de llamar a un médico, pero como gran parte de ellos han sido llevados a gulags en Siberia o , simplemente, asesinados deciden llamar a la médico que ha denunciado a sus colegas así como  a otros médicos muy mayores o muy jóvenes, ya que sin ocurre algo con el dictador ellos serán los responsables.

Mientras tanto Beria cierra Moscú y ordena al NKVD que se encargue de la seguridad de la ciudad sobre el Ejército Soviético y reemplaza la lista de enemigos de Stalin por la de él, cancelando la ejecución de Mólotov.

Por su parte se inicia un auténtico juego de tronos entre Jrushchov y Beria que  luchan por victorias simbólicas como el control sobre los hijos de Stalin, Svetlana (Andrea Riseborough  ) y el inestable Vasili (Rupert Friend  ) . A la dacha además van otros importantes miembros del Politburó como  Anastás Mikoyán (Paul Whitehouse )  , Nikolái Bulganin (Paul Chahidi), Lázar Kaganóvich (Dermot Crowley )  , Kliment Voroshílov (James Barriscale).

Cuando Stalin muere, los miembros del Comité se apresuran para llegar a Moscú mientras el NKVD saquea la dacha de Stalin y ejecuta a los testigos.

Por un lado, Jrushchov va a la casa de Mólotov e intenta conseguir su apoyo, pero Mólotov, un fanático del estalinismo, se opone a cualquier revisionismo dentro del Partido. Por su parte, Beria compra su lealtad liberando a su esposa Polina Zhemchúzhina o Molotova (Diana Quick ) , que se encontraba en confinamiento.

Mientras tanto,  Malenkov es nombrado jefe de gobierno, siendo en gran parte controlado por Beria. En la primera reunión del Comité tras la muerte de Stalin, Beria deja a un lado a Jrushchov poniéndolo a cargo de la organización del funeral y sugiriendo muchas de las reformas liberales que Jrushchov había planeado.

El cuerpo de Stalin es colocado en la Casa de los Sindicatos o en el Salón de las Columnas , mientras que se libera a muchos prisioneros políticos y se ignoran algunas restricciones a la Iglesia ortodoxa rusa, lo que incrementa la popularidad de Beria.

A todo esto se suma la llegada del mariscal Gueorgui Zhúkov (Jason Isaacs) que  exige saber por qué las tropas del ejército están confinadas en los cuarteles y barracones cerca de Moscú. La llegada del maureado militar genera recelo entre los políticos.

Entre tanto, Beria se da cuenta de que Jrushchov conoce a Mariya Yudina, quien fue contratada para tocar en el funeral, y los amenaza con dar a conocer la nota.

Jrushchov se acerca a Zhúkov, quien está de acuerdo con movilizar al ejército para apoyar un golpe en contra de Beria, pero sólo si el Comité está de acuerdo.

Para socavar la popularidad de Beria, Jrushchov ordena que se reanuden los trenes hacia Moscú, permitiendo que miles de personas lleguen a la ciudad.

Tal como lo había planeado, los guardias del NKVD ubicados alrededor del edificio abren fuego contra la multitud, matando a 1500 personas. El Comité sugiere utilizar oficiales del NKVD de bajo rango como chivo expiatorio; pensando que la culpa de los servicios de seguridad lo ensuciará, Beria amenaza al Comité con documentos incriminatorios que tiene en su posesión.

Mientras tanto, Mólotov le dice a Jrushchov y a Lázar Kaganóvich que apoyará el golpe si logran el apoyo del resto, incluyendo Malenkov.

El día del funeral de Stalin, Jrushchov le miente al Comité y a Zhúkov diciéndoles que tiene el apoyo de Malenkov. El ejército soviético aplasta al NKVD y toma las posiciones fuera de la sala de conferencia. Zhúkov y sus hombres arrestan a Beria y Jrushchov obliga a Malenkov a firmar los papeles del juicio de Beria.

Jrushchov y sus aliados declaran a Beria culpable de traición y delitos sexuales en un tribunal desautorizado y lo ejecutan. Y así se ponen fin a las dos duras jornadas de luchas por el poder  a través de manipulaciones, lujurias y traiciones.

Mientras el cuerpo de Beria es quemado, Jrushchov le da a Svetlana un pasaje a Viena y le asegura que cuidará de su hermano. Varios años después, Jrushchov, ahora líder supremo de la Unión Soviética después de haber eliminado a sus conspiradores, asiste a un concierto de Mariya, mientras que el futuro líder Leonid Brézhnev, desde una fila detrás de él, lo observa.

El proyecto se comenzó a desarrollar durante el Festival de Cannes 2016. Armando Iannucci fue seleccionado como director y guionista, junto a Ian Martin, el coescritor de su serie de televisión The Thick of It.

La producción comenzó el 20 de junio de 2016 con un reparto conformado por Jeffrey Tambor, Steve Buscemi, Olga Kurylenko, Toby Kebbell, Michael Palin, Simon Russell Beale, Paddy Considine, Andrea Riseborough, Adrian Mcloughlin, Rupert Friend, Jason Isaacs y Paul Whitehouse.

La producción comenzó el 20 de junio de 2016 y finalizó el 6 de agosto. Los lugares de rodaje incluyeron la capital ucraniana, Kiev , para escenas exteriores y exteriores del edificio Public Enemies y el edificio NKVD  y el Reino Unido en Blythe House , Freemasons 'Hall y Alexandra Palace en Londres, Mongewell Park en Oxford , Hammersmith Town Hall en Londres.

La película una vez montada se proyectó en la sección Plataforma del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017 y recibió críticas positivas. .

El 20 de octubre de 2017 se estrenó en el Reino Unido lanzado por eOne Films y el 9 de marzo de 2018 en Estados Unidos por parte de IFC Films. Su distribución estuvo prohibida en Rusia, Kazajistán y Kirguistán.

La película obtuvo una recaudación de cerca de 25 millones de dólares. Y sin ser un éxito abrumador la crítica en general sí valoró positivamente la película.

Peter Debruge de Variety comentó sobre la misma que la película es "Esporádicamente brillante (...) habitualmente irregular (...) Bastantes elementos de la película no funcionan"

Eric Kohn de IndieWire sostuvo que "Las frases ingeniosas salen raudas y veloces en esta sátira triunfal (...) Armando Iannucci es uno de los mejores escritores de sátiras del mundo"

John DeFore del The Hollywood Reporter escribió que era una "Interesante de forma entretenida (...) Satisfará con creces a los seguidores de Iannucci"

Escribiendo para Financial Times, Raphael Abraham afirmó que «mientras este aquelarre de apparátchiks vampíricos se dan un festín con los restos del estalinismo, la incesante oscuridad de la situación por momentos amenaza con crear un eclipse cómico total. Pero el incómodo balance de humor y horror es precisamente el juego de Iannucci, y solo él podría lograrlo con tal habilidad»

Donald Clarke del diario The Irish Times escribió que la cinta «empieza en un estado de pánico moral y continúa de ese modo hacia su horrorosamente inevitable conclusión».

En The Guardian, Peter Bradshaw escribió que «el miedo se eleva como un gas de un cadáver en la brillante sátira de horror de Armando Iannucci». Bradshaw comentó que el «magnífico» reparto «actuó con fría y despiadada fuerza» y agregó que «no hay enlaces débiles. Cada uno tiene un rol ideal; cada uno exprime cada preciosa horrible gota». Y concluye diciendo  "Interpretada con una potencia glacial e implacable por un reparto de primer nivel. Todos lo hacen bien (…) "

Nick De Semlyen de Empire sostiene que es "La película más impresionante de Armando Iannucci (...) La sátira política de Iannucci se aplica a uno de los capítulos más oscuros de la historia moderna, con magníficos resultados (…) "

Tim Robey de Telegraph señala que  "Iannucci y su equipo de guionistas han secuestrado la historia y han hecho una parodia deliciosa (…) "

Geoffrey Macnab del proBrexit The Independent que "Es divertida e impactante pero es una visión de alguien externo (...) La versión de Iannucci está bien documentada pero no deja de ser una versión británica (…) "

Caryn James de BBC informa que "Iannucci mezcla con maestría humor negro sobre un régimen autoritario y farsa cómica interpretada con un ritmo perfecto (…) "

Ya en  España Alberto Luchini en El Mundo comenta que es una "Comedia negrísima (...) Los actores se implican en la sátira, con interpretaciones cuasiesperpénticas que convierten sus personajes en aborrecibles mamarrachos (…) "

Para  Oti Rodríguez Marchante del ABC se trata de una   "Grandiosa sátira (...) Los diálogos, la electricidad entre personajes y momentos, la sencillez sin pretensiones de la puesta en escena y la juerga tragicómica sobre el personaje y sus aledaños son devastadores. (…) "

Quim Casas en el diario barcelonés El Periódico se trata de una "Sátira, humor y escarnio en la reconstrucción de Armando Iannucci de algunos hipotéticos hechos que precedieron a la muerte y funeral de Josef Stalin (…) "

Para  Yago García en  Cinemanía "En Westminster, en Washington o en la Plaza Roja, nadie como Iannucci para hacer puré de político. (…) "

Jordi Costa en Fotogramas señala que  "Ianucci no ha hecho una comedia ni ordenada, ni limpia, pero sí inteligente, feroz y arriesgada (...) una visión del infierno como vodevil sangriento, que violenta la ética y alumbra la Historia."

En esta misma revista  Jordi Batlle Caminal dice que "Se mueve invariablemente en esa línea de humor popular tirando a pedestre. La función se apoya en el supuesto de que una galería de caricaturas extravagantes a cargo de actores familiares seducirá al respetable."

En  México Aurélie Dupire en Cine Premiere comenta que es "Una pequeña joya de humor negro y revisión histórica." En esta misma revista Javier Pérez escribe que "Su aparente candidez es la carta de presentación de una corrosiva reflexión sobre el poder político y la peligrosidad de su detentación malsana. (...)"

Alejandro Alemán del mexicano  El Universal escribe que   "Se trata de una feroz sátira política (...) Todas las actuaciones son perfectas pero por supuesto destaca siempre la presencia y el tono de Steve Buscemi."

Anaid Ramírez en la versión mexicana de Empire escribe que es  "Una película que funciona como entretenimiento para el fin de semana, pero también para reflexionar sobre cuestiones aún vigentes."

En cuanto a los Premios señalar que la película recibió algunos. Uno de los más destacados fue el Premio del Cine Europeo a la Mejor comedia. En los Critics Choice Awards fue nominada a la mejor comedia.

En los National Board of Review (NBR) se incluyó como una de las Mejores películas independientes del año En los Satellite Awards fue nominada a mejor guion adaptado

En los Premios BAFTA fue nominada a Mejor film británico y Mejor guion adaptado La Asociación de Críticos de Chicago la nominó al Mejor guion adaptado.

En los British Independent Film Awards obtiuvo cuatro premios incluyendo el de mejor actor secundario para Rusell. Además recibió una nominación al Premio Magritte en la categoría de Mejor Película Extranjera .

Uno de los aspectos más significativos fue que la exhibición de la película fue prohibida en Rusia. Su estreno, que estaba previsto para el 25 de enero de 2018, fue suspendido por el Ministerio de Cultura de dicho país, que le revocó la licencia de exhibición.

Según el consejo asesor del Ministerio de Cultura señaló que «La muerte de Stalin está dirigida a aventar el odio y la hostilidad, a humillar la dignidad de la persona rusa (soviética), a hacer propaganda de la inferioridad de la persona, en función de su pertenencia social y nacional, y eso es una manifestación de extremismo»

Nikolai Starikov , jefe del Partido de la Gran Patria de Rusia , dijo que La muerte de Stalin fue un "acto hostil de la clase intelectual británica" y parte de una "guerra de información anti-rusa". En septiembre de 2017, el jefe del Consejo Público del Ministerio de Cultura de Rusia dijo que las autoridades rusas estaban considerando prohibir la película, alegando que la película podría ser parte de un "complot occidental para desestabilizar a Rusia causando grietas en la sociedad".

El 23 de enero de 2018, dos días antes del lanzamiento programado de la película en Rusia, asistió a una proyección en la Duma del Estado ante algunos diputados, representantes de la Sociedad Histórica de Rusia, miembros de la Junta Pública del Ministerio de Cultura y miembros de la industria del cine. Dos días después, el Ministerio de Cultura retiró el certificado de distribución de la película.

Un grupo de abogados del Ministerio de Cultura de Rusia, incluida la hija del mariscal Zhukov , Era Zhukova, los cineastas Nikita Mikhalkov , Vladimir Bortko y el jefe del Museo Histórico Estatal Ruso Alexey Levykin, solicitaron al Ministro de Cultura Vladimir Medinsky que retirara la certificación de la película, diciendo " La muerte de Stalin está dirigido a incitar al odio y la enemistad, violando la dignidad del pueblo ruso (soviético), promoviendo la inferioridad étnica y social, lo que apunta a la naturaleza extremista de la película. Estamos seguros de que la película fue hecha para distorsionar el pasado de nuestro país para que el pensamiento de la década de 1950 de la Unión Soviética hace que la gente se sienta solamente terror y asco."

Los autores creen que la película denigra la memoria del ruso de la Segunda Guerra Mundial combatientes, con el Himno Nacional acompañado de expresiones obscenas y actitud ofensiva, decoraciones históricamente inexactas, y el lanzamiento previsto en la víspera del 75 aniversario de la Batalla de Stalingrado era "un escupitajo en la cara de todos aquellos que murieron allí, y todos aquellos que están siendo vivo ". Pero varios cines proyectaron la película a fines de enero, alegando que para entonces no habían escuchado que la licencia de exhibición de la película había sido revocada.

El ministerio de cultura de Rusia demandó a estos cines. Según los resultados de una encuesta realizada por el Centro de Investigación de Opinión Pública de Rusia (VTSIOM), el 35% de los rusos desaprobó la decisión del Ministerio de Cultura de sacar la película de las pantallas, mientras que el 30% apoyó la prohibición y el 35% fueron neutral. El 58% de los rusos dijeron que estarían dispuestos a ver la película en los cines si se levantara la prohibición. La película se ha descargado ilegalmente alrededor de 1,5 millones de veces en Rusia, como debe ser.

La película fue prohibida además de en Rusia, en Kazajstán y Kirguistán . Armenia y Bielorrusia fueron los únicos miembros de la Unión Económica Euroasiática que lo demostraron. En Armenia, la película se estrenó en dos cines en Ereván el 25 de enero de 2018. En Bielorrusia, la película se estrenó después de un retraso inicial. En Kazajstán, la película se proyectó solo en el festival Clique. Varios académicos comentaron la inexactitud histórica de La muerte de Stalin .

El historiador Richard Overy señaló en The Guardian que la película "está llena de errores históricos", que pueden ser "vistos como una licencia cinematográfica ". Vyacheslav Molotov no era ministro de Asuntos Exteriores cuando Stalin murió, pues había salido del Gobierno en 1949, aunque volvió a serlo en la reorganización posterior a Stalin.

También habla del mariscal (no mariscal de campo) Zhukov era un comandante de campo local cuando Stalin murió, exiliado a las provincias para satisfacer los celos paranoicos de Stalin de su muy exitoso comandante supremo adjunto en tiempos de guerra. Se convirtió en viceministro de defensa en el gobierno posterior a Stalin, pero no fue el comandante del ejército soviético en marzo de 1953. 

Nikita Khrushchev presidió la reunión para reorganizar el gobierno, no Georgy Malenkov, dándole un estatus que no disfruta en la película. Interesante es saber que Beria fue arrestado tres meses después de la muerte de Stalin, no casi simultáneamente, y eso fue precipitado por el levantamiento de Alemania Oriental de 1953 , no por una masacre en Moscú, que en realidad se basa en los 109 que fueron aplastados durante el funeral.

Además, Beria no era el jefe de las fuerzas de seguridad, un trabajo que abandonó en 1946. Overy fue muy crítico de que la película no honrara adecuadamente a los que murieron durante el liderazgo de Stalin . Iannucci dijo que "eligió atenuar el absurdo de la vida real" para hacer el trabajo más creíble.

La parte de Radio Moscú es un recuento de una historia apócrifa registrada por primera vez en el libro Testimonio de Solomon Volkov . Pero en el relato de Volkov, fue Maria Yudina quien fue despertada en medio de la noche para que la llevaran a grabar, y la grabación hizo llorar a Stalin, lo que lo llevó a pagarle a Yudina 20,000 rublos en agradecimiento. Posteriormente, la historia sirvió como la base suelta para la obra de radio de la BBC de 1989 The Stalin Sonata de David Zane Mairowitz .

Otro aspecto histórico más pequeño de la trama fue modificado para la película: el accidente aéreo de Sverdlovsk en 1950 en el que murieron 11 jugadores del equipo de hockey sobre hielo VVS Moscú . En la película, Vasily Stalin y Anatoly Tarasov tratan con un equipo nacional de hockey sobre hielo de la Unión Soviética , con una referencia a su jugador estrella Vsevolod Bobrov , que perdió el vuelo. En realidad, el accidente ocurrió el 5 de enero de 1950, más de tres años antes de la muerte de Stalin.

Samuel Goff, del Departamento de Estudios Eslavos de la Universidad de Cambridge , aunque admitió que las discrepancias históricas de la película podrían justificarse en la medida en que ayudaron a enfocar el drama, descubrió que convertir a Beria en "un avatar de las obscenidades del estado estalinista" pierde la oportunidad decir "cualquier cosa sobre los mecanismos reales del poder". Goff creía que el enfoque de Iannucci a la sátira no era transferible a algo como el estalinismo , y la película está "fundamentalmente mal equipada para localizar la comedia inherente al estalinismo, faltan marcas que no sabe que deberían estar apuntando".

En respuesta a la cuestión de la exactitud histórica, dijo Iannucci, "No estoy diciendo que sea un documental. Es es una ficción, pero es una ficción inspirada en la verdad de lo que debe haber sentido como en el momento. Mi objetivo es que la audiencia siente el tipo de ansiedad de bajo nivel que las personas deben haber [experimentado] cuando simplemente se dedicaron a su vida diaria en ese momento "

Como he dicho se trata de una sátira política adecuada para presentar el final del un régimen cruel , totalitario, malvado hasta extremos infinitos, generador de todo tipo de miedo y pánico entre civiles y militares. Es una buena aproximación a los protagonistas de una época que además son retratados de forma coral por un grupo de actores en estado de gracia. Muy recomendable.

Oblivion

Siempre me han asombrado la movilidad de los americanos. Un país enorme en el que uno pasa de un estado a otro. En ese cambio, has podía cruzar otros tres o cuatro estados y has podído hace en varias ocasiones la distancia que separa Cádiz de París. Este carácter nómada de gran parte de la población estadounidense contrasta con la idea de una América profunda en la que los naturales de una localidad pueden estar en ella toda su vida y mverse apenas en un radio de acción de unas 30 millas.

De hecho mis amigos americanos son naturales del Estado de Missouri y sin  embargo, a día de hoy viven en Montana. Esta reflexión vienen al hilo tras haber leído un poco de la biografía de Tom Cruise protagonista de la película Oblivion una película de ciencia ficción dirigida y coproducida por Joseph Kosinski.

Me ha llamado la atención el hecho de que el actor naciera en 1962 en Siracusa, en el estado de Nueva York, pero que por la inestabilidad profesional de su padre, un ingeniero electrónico, llevara una vida itinerante que lo llevó hasta Ottawa, Canadá y , finalmente, logró cierta estabilidad en Kentucky, una vez alejado de su padre. Más tarde se instaló en California donde pudo entrar en el mundo del cine con 19 años , en 1981, con la película de Franco Zefirelli que aquí se llamó - reo- Amor sin fin o Endless Love,  una vez abandonada la idea de ser monje franciscano.   

Dos años después tuvo la fortuna de estar allí, en Outsiders o Rebeldes, a las órdenes de Francis Ford Coppola. A pesar de que su papel en esta película es muy secundario , el de Steve Randle. Desde entonces ha estrenado 38 películas más. Yo acabo de ver la 35 de su lista. 

Oblivion está dirigida por Joseph Kosinski , que también la produce conjuntamente con Peter Chernin,  Dylan Clark, Barry Levine y  Duncan Henderson representante de Relativity Media , Chernin Entertainment,  Monolith Pictures , Radical Studios  y con el apoyo de la  Universal Pictures - evidentemente ya había roto con la Paramount Pictures, pues aquello fue en 2006 tras cansarse del derrotero que llevaba el actor en lo personal - , encargada de la distribución.  La suma de estas prouctores tenía mucho que ver con la inversión que fue necesaria para el desarrollo de la película que alcanzó los 120 millones de dólares, que se duplicaron a efectos de los ingresos al obtener más de 286 millones de dólares. 

La película partía de un guión del mismo Joseph Kosinski, al que se sumaban  Michael Arndt y Karl Gajdusek. La historia se inspiraba en el cómic homónimo del que es autor Joseph Kosinski y  Arvid Nelson. 

En el apartado musical  el protagonismo lo asume  Anthony Gonzalez, y  Joseph Trapanese . ; mientras que la fotografía lo es de Claudio Miranda  y el montaje es de Richard Francis-Bruce.

El reparto, muy corto en número dado los pocos habitantes de la Tierra que hay en 2077,  lo encabeza evidentemente   Tom Cruise que es  el Comandante Jack Harper, la guapísima Olga Kurylenko como Julia Rusakova, Andrea Riseborough  como Victoria "Vika" Olsen, Nikolaj Coster-Waldau como Sykes, un inteligente  experto militar, el sempiterno Morgan Freeman como  Malcolm Beech, un líder de la resistencia terrestre , Melissa Leo  como  Sally  y Zoë Bell es Kara . A estos se suman Lindsay Clift, Jaylen Moore, Julie Hardin, Paul Gunawan, Jay Oliver, Jason Stanly. 

La película se desarrolla en un mundo moribundo. Es el Año 2077 y hace más de 60 años que la Tierra fue atacada por unos seres extraterrestres, llamados carroñeros, que destruyeron la Luna inicialmente.

La humanidad ganó la guerra, pero la mitad del planeta quedó destruido por terremotos, tsunamis, y todos los seres humanos supervivientes fueron evacuados a Titán, una de las lunas de Saturno, ya que se tuvieron que usar los arsenales nucleares durante la guerra y la Tierra quedó contaminada.

En la Tierra aparentemente quedan  Jack Harper (Tom Cruise), un antiguo comandante de la NASA, y actualmente técnico de drones, y su compañera, Vika Olsen (Andrea Riseborough).

Ambos habitan una plataforma espacial elevada donde ambos trabajan. Su misión escontrolar que los drones que revisan una y otra vez la superficie de la Tierra estén en perfecto estado. Por medio de tecnología muy avanzada, van monitorizando los cielos, y, en el caso de Jack , se suma el ir patrullando todos los días por la superficie de una Tierra destruida , informando de sus avances a sus superiores en el Tet (una especie de estación espacial en órbita terrestre).

Aparentemente llevan una existencia idílica, amándose, sin embargo, a Jack le llegan destellos de recuerdos, de antes de la guerra, donde aparece una bella y desconocida joven, lo cual le resulta incomprensible.  Es precisamente con uno de estos destellos con lo que se abre la película una vez informado de lo que ha ocurrido en nuestro planeta.

De cualquier manera Jack aprovecha la obligación de salir en busca de los drones averiados para ver el resultado de la destrucción de un mundo en el que él sospecha que aún existen carroñeros. Pueden ser ellos, según Jack, los que saboteen los drones e intenten quedarse con ellos, pues en las últimas fechas alguno ha desaparecido.

Cuando le llega el aviso de que  uno de esos drones se ha averiado sale en su búsqueda. Para ello utiliza una especie de helicóptero. En el mismo lleva una moto. Con la misma se siente libre y con ela va a un último refugio que ha descubierto. Alli se ha hecho dueño de una cabaña y ha dejado efectos que ya considera personales. Cuando va gusta poner música en un tocadiscos en el que suena Ramble On de Led Zeppelin , pero en l que vemos vinilos y álbumes de Conway Twitty , el Rio de Duran Duran (1982), Some Enchanted Evening de Blue Öyster Cult (1978) , Exile on Main Street de los Rolling Stones (1972), The Wall de Pink Floyd (1979), y Asia por Asia (1982).

En día, en una de esas salidas un dron se va hasta  un montículo y parece dejar de emitir. Al acercarse en moto descubre que aquello parece la entrada en un enorme subterráneo. Cuando entra es atacado por carroñeros. Jack los repele con eficacia, hasta que un dron va en su ayuda. A la salida descubre que le han robado los carroñeros la moto.

De cualquier manera retorna a la estacvión junto a Victoria que parece sentirse cómoda en su situación de ignorancia. Con ella hace el amor mientras se bañan.

Sin embargo, su vida da un cambio repentino cuando una mañana, mientas amanece ve una explosión nuclear en el horizonte, y creyendo que se trata del derribo de una de sus hidroplataformas, Jack se persona en el lugar que supone afectado.

Cuando se da cuenta ve que se trata de una expedición al espacio, algunos de cuyos tripulantes están esparcidos dentro de sus cápsulas espaciales esparcidas por el suelo. Hay una cápsula en buen estado. En ella Jack descubre a la chica que ve repetidas veces en sus sueños recurrentes.

Mientras la atiende un dron llega y dispara sobre las otras cápsulas acabando con el resto de la tripulación, pero Jack se coloca delante de la que se encuentra una chica que resulta ser Julia Rusakova (Olga Kurylenko), la desconocida mujer de sus sueños, quien se encontraba en una nave espacial, que cae a la Tierra después de orbitarla durante más de 60 años. También protege a la chica de un ataque de carroñeros. Tras repeler el ataque se va con ella a la estación por Jack a la Torre 49. En principio Vika no la quiere dejar entrar, pero Jack insiste.

La joven cuando se recupera, una vez en la torre. Dice ser la única superviviente de la tripulación de su nave. Jack cuenta a  Vika lo ocurrido y Julia le comenta que desea recuperar la caja negra de la nave para saber lo ocurrido.

Jack la acompaña pero , en un ataque sorpresa, son capturados por los carroñeros, quienes resultan ser humanos. Su líder Malcom Haya (Morgan Freeman) y le pide a Jack , del que se fía desde que vió como recogía un libro y lo lee,  una cosa: quiere que les ayude a destruir el Tet , mediante un drone reprogramado y armado con un dispositivo nuclear potenciado por pilas de combustible robadas (que Jack y Vika habían estado buscando a raíz de varios drones derribados).

Jack inicialmente se niega y recalca que su memoria había sido  borrada como medida de seguridad en caso de que fuera capturado. Haya, con la oposición de Sykes (Nikolaj Coster-Waldau) los libera y les indica que han de  ir a una de sus "zonas de radiación" prohibidas.

De regreso a la torre 49, Jack y Julia se detienen en los restos del Empire State Building, un espacio al que Jack no es ajeno pues lo reconoce de sus sueños. Allí Julia le confiesa que ella es su esposa y que ella, Jack y Vika formaban parte de la tripulación de la nave en la que ella viajaba, que se dirigía a Titán y que la nave fue desviada para investigar el Tet.

Jack inicialmente no la cree, pero al recordar la matanza perpetrada por los drones, lo acaba haciendo y se abraza a Julia, momento en el cual aparece la nave de Jack pilotada por control remoto por parte de Vika, la cual lo ve y se siente traicionada.

Emprenden el viaje de vuelta a la torre, pero al llegar, Vika le niega la entrada y le comunica a Sally (Melissa Leo), su jefa en el Tet, que "no son un equipo eficaz", tras lo cual se activa un dron que estaba escondido en el interior de la torre y que mata a Vika de un disparo.

Luego intenta matar a Jack, pero es destruido por un disparo hecho por Julia desde la nave. La telemática Sally contacta con Jack y le expresa sus condolencias por la muerte de Vika, caracterizándola como un accidente. Jack no duda de que  ha sido un asesinato y escapa con Julia en la nave burbuja siendo perseguido por varios drones.

En una espectacular huida por el aire a través de las calles fosilizadas de una antigua ciudad acaba con la nave derribada y estrellada en una de las "zonas de radiación".

Jack y Julia sobreviven, pero ven la llegada de un nuevo helicópetro del que sale un hombre. A Jack le entran dudas y se acerca para verlo más de cerca. Allí ve que se trata del técnico 52, pero quien resulta ser un clon exacto de Jack.

El Jack 52, al ver a Julia, comienza a experimentar las mismas visiones que el Jack 49. En la pelea que surge entre ambos clones, Julia resulta fatalmente herida, Jack deja fuera de combate a su clon y le roba su nave para conseguir suministros médicos en la torre 52. Allí se encuentra con un clon exacto de Vika Olsen,

Jack coge un botiquín y regresa con Julia. Con Julia recuperada, Jack y ella regresan con los humanos, donde Malcom le revela que el Tet es la fuerza invasora y que está secando los océanos de la tierra con el fin de extinguir a la raza humana, que él es un clon del Jack Harper original y que Sally es solo una imagen generada por ordenador para comunicarse con los técnicos/clones en la Tierra.

Jack empieza a comprender por que el Tet mató a Vika, ya que, al ser Jack y Julia marido y mujer, formarían un equipo más eficaz y con la posibilidad de tener descendencia, por lo que Jack deduce que Sally  quiere a Julia para clonarla.

Jack ahora no tiene dudas y ayuda al equipo humano a transformar el dron en una bomba atómica. Cuando la resistencia está a punto de lanzar el dron reconfigurado con la pila nuclear, aparecen varios drones que habían estado siguiendo el ADN de Jack hasta el escondite de la resistencia y empiezan a atacarlo. Jack acaba destruyendo el dron, pero éste previamente ha ido matando a varios humanos en el procesoy dejando a Malcom malherido.

Jack y Julia, junto con Sykes (segundo al mando de la resistencia) consiguen destruir el dron enemigo. Sin el dron no pueden realizar el ataque al Tet, pero Julia convence a Jack pasra acompañarle, ya que el Tet  dio la orden a Jack de llevar a  Julia al Tet.

Jack introduce a Julia en la cápsula de hibernación y pone rumbo al Tet en la órbita terrestre. Durante el camino, escucha la última transmisión de la nave Odyssey, en la cual se escucha a sí mismo y a Vika (o al menos a los originales) eyectando el módulo de sueño y siendo abducidos por el Tet.

Jack se acerca a la nave nodriza del Tet e informa a Sally de que sus intenciones: entregar a la superviviente (Julia) como le habían ordenado y pide a su jefa le da autorización para entrar.

A medio camino de su objetivo entra en la sala donde se hallan todos los clones tanto de Vika como de él. Antes de llegar es  interceptado por dos drones enviados por Sally, la cual sospecha que es una trampa y amenaza con matar a Jack si no le dice la verdad. Jack se reafirma diciendo que es la única manera de que Julia sobreviva y es escoltado hasta el núcleo central donde descubre que Sally no es más que un superordenador inteligente.

Ahora en el interior del Tet, Jack abre la cámara de hipersueño y le da a entender a Sally que le ha tendido una trampa, ya que en el interior de la capsula no estaba Julia, sino Malcom, el cual posee la pila de combustible nuclear.

Malcom y Jack , éste recita estrofa XXVII de "Horacio" de las "Baladas de la Antigua Roma" antes de activar el dispositivo nuclear y de provocar la destrucción de la Tet , detonan la pila antes de que los drones les atrapasen, destruyendo el Tet en el proceso y dejando fuera de combate a los drones en tierra  que caen inservibles ante la mirada de la resistencia.

En una última escena vemos a Julia. Se encuentra en el refugio que había descubiero jack. Se encuentra con su hija. En un momento se personan en gruoo de humanos entre los que se encuentra Sykes , Jack o su clon. Pero Julia lo sabe, es lo mismo. 

El lanzamiento de la película estaba previsto en Estados Unidos para el 10 de de julio de 2013, pero tras el anuncio del reestreno de Jurassic Park en 3D el 19 de julio de 2013, la película vio la luz tres meses antes, el 19 de abril de 2013.

Fue estrenada en Europa y otros países el 10 de abril de 2013, pero antes de esto debemos de saber que el proyecto surge cuando Kosinski buscaba adaptar al cine su novela gráfica, escrita junto con Arvid Nelson.

Disney, que había producido el anterior film de Kosinski, Tron: Legacy, adquirió los derechos de rodaje en agosto de 2010. La productora californiana deseaba que la película fuera apta para todos los públicos, siguiendo con su tradición de películas familiares. Sin embargo, esa intención supondría una limitación creativa para Kosinski, por lo que rechazó la oferta de los estudios, que pusieron a la  venta los derechos de la película.

La Universal Studios que había pujado antes por los derechos originales, los compró entonces , y autorizó una versión no recomendada para menores de 13 años.

Con el proyecto sin problemas iniciales de distribución se proyecto ajustar el guión de la película siguiendo lo diseñado previamente por Kosinski , aunque ahora fue reescrito por William Monahan y revisado por Karl Gajdusek. Una vez planteado el guión y ya redactado los últimos retoques fueron dados por la Universal, Michael Arndt escribió la versión final para  la película. Tras esto, los estudios Universal se mostraron encantados con el guion, llegando a decir que «es uno de los más bonitos que hemos escrito nunca».

Antes de iniciar el rodaje se pensó en Tom Cruise para el papel principal que aceptó el papel para la película el 20 de mayo de 2011, tras haber permanecido en contacto con los productores.

Para el otro papel protagonista, se pensó en cinco actrices, que se presentaron al casting el 27 de agosto de 2011. Estas fueron Jessica Chastain, Olivia Wilde, Brit Marling, Noomi Rapace y Olga Kurylenko. Más tarde se anunció que Chastain sería protagonista de uno de los dos papeles femeninos en la película. Sin embargo, fue contratada por Kathryn Bigelow para su futura película, entonces sin nombre (posteriormente titulada La noche más oscura), quedando arrinconada a sí la  posibilidad de participar en Oblivion, desmarcándose en enero de 2012 del proyecto de Oblivion y el papel se otorgó a Kurylenko.

Para el otro papel, se pensó en tres actrices: Hayley Atwell, Diane Kruger y Kate Beckinsale. Las tres acudieron a Pittsburgh para la prueba de selección con Cruise, quien estaba rodando Jack Reacher.

Finalmente, el papel fue asignado a Andrea Riseborough, mientras que  Melissa Leo fue contratada después para el papel cibernético de Sally.

El rodaje comenzó en Luisiana el 19 de marzo de 2012 realizándose localizaciones en Baton Rouge, donde se rodó durante un mes en los Raleigh Studios y en el Celtic Media Centre ; en St. Francisvilley en Nueva Orleans, ciudad donde se filmó del 26 de marzo de 2012 hasta el 10 de abril del mismo año. Decir hat que decir que se rodó en otros muchos lugares como California, en el June Lake y Mammoth Lakes, en Islandia en Dettifoss, en el Vatnajökull National Park, en Jarlhettur, en Hrossaborg, en New York City, en concreto en su Empire State Building. Por último, se rodó en Haleakalä National Park, en Maui, Hawaii, donde se rodó durante tres semanas. .

Recibió generalmente críticas que iban desde las mixtas hasta las positivas. En Variety, Justin Chang comentaba que era   "Un rompecabezas dispótico más o menos inteligente, con un gratificante toque humano, a pesar de algunos desarrollos narrativos cuestionables

Peter Travers en la revista Rolling Stone decía que "'Oblivion' resulta árida y antiséptica, como si jamás hubiera sido tocada por la mano del hombre. Un latazo (...) "

En el  Reino Unido Tim Grierson publicaba en su columna de Screendaily lo siguiente: "Los fans de la ciencia ficción ... pueden sentirse como que ya han visto mucho de esto antes, aunque rara vez elaborado de un manera tan deslumbrante"

Peter Bradshaw en The Guardian , por su parte, opinaba que "'Oblivion' dura demasiado, moviéndose lentamente de manera consciente, y parece un de esos proyectos muy caros que se han escrito y reescrito muchas veces (...) "

En Australia Andrew L. Urban en Urbancinefile  decía que "Los escritores que dirigen sus propias historias más bien complejas a menudo están demasiado familiarizados con el material como para podérselo aclarar a la audiencia" ;  y en ese mismo espacio Louise Keller afirmaba que   "Hace todo lo posible por deslumbrarnos con su gran cantidad de efectos especiales, pero resulta confusa. Visualmente es excelente, ... y la mejor parte es la dinámica del contraste entre Cruise y sus dos notables compañeras de reparto"

En  España Jordi Costa en el Diario El País escribía sobre ella lo siguiente; "Un nuevo ejercicio de artillería pesada para arrasar taquillas, sin renunciar a una cierta mirada adulta y a una cierta ambición creativa. (...) La marca Cruise da lo que uno espera -es entretenimiento sólido y generoso-, pero ni un aliciente más"

Luis Martínez en el Diario El Mundo dijo de ella que "Un pastiche cuya única virtud corre a cuenta del departamento de los efectos visuales. (...) una historia incapaz de tomar la suficiente distancia con lo narrado para resultar inteligente"

Oti Rodríguez Marchante en el Diario ABC sostenía que "No se queda sólo en una peripecia llena de aventura, acción y entretenido espejismo (...), sino que engarza entre todo ello una idea, una fábula, entre la realidad y su manipulación (...) "

Sergi Sánchez en el Diario La Razón comentaba que "El «patchwork» de diseño que combina ideas visuales de «2001» y «Alien» es fantástico, espectacular (...) También es moroso, tedioso, lacónico. (...) a la película le cuesta aceptar su dimensión existencialista: su mensaje es demasiado benévolo".

Jordi Batlle Caminal en el Diario La Vanguardia afirmaba que "Kosinski se limita a intentar vendernos una historia trascendente que acaba siendo confusa y sin atisbo de emotividad. No es una película despreciable, pero su exceso de ambición ha podido con ella. (...) "

En Cinemania Yago García escribía que    "Sus mayores virtudes se hallan en lo estético (...) Una historia con muchas posiblidades arruinada por un tratamiento demasiado solemne. (...)

Sergio Benítez en blog de cine destaca "la componente visual de la cinta es magnífica, creando el realizador de mano del equipo de efectos digitales tanto un alucinante mundo post-apocalíptico, arrasado por la carencia de la influencia gravitatoria de nuestro satélite, como unos espléndidos diseños de las diversas máquinas y construcciones que pueblan la acción, de frías y depuradas líneas derivadas de las formas básicas de la geometría como demuestra, por ejemplo, ese tetraedro que es el Tet"

Y prosigue 'Oblivion' termina resultando una propuesta fallida que no ofrece nada nuevo al espectador en general y, mucho menos, al amante de la ciencia-ficción, que observa como una buena premisa de partida se queda a medio camino en demasiados frentes.. En Argentina Diego Batlle en el diario La Nación escribía que era una "Extraña propuesta de ciencia ficción (...) con un discurso entre místico y new-age, 'Oblivion' es un film anómalo en más de un sentido. De todas maneras, en una industria con tanta producción en serie, se trata de un mérito, más que de un defecto."

Pablo O. Scholz del diario Clarín por su parte decía de la película que "Lo mejor de 'Oblivion' es la imaginería visual. Y como se ve en el filme, hay que creer y/o reventar."

Por mi parte tengo que reconocer que Tom Cruise rara vez me decepciona, puede que en lo personal no coincida en nada , pero tengo claro ue en su cine siempre actúa con una enorme profesionalidad. n este sentido, es lógico que sea elegido tanto por los grandes Estadios como por las productoras porque se sabe que , al menos, el lo va a dar todo de sí. Lo cierto, es que últimamente su apuesta por la ciencia ficción- Minority Report (2002) , La guerra de los mundos (2005), Al filo del mañana (2014)- va acompañada de un diseño audiovisual asombroso así como por una buena inversión en efectos especiales e imágenes que en este película son casi oníricas. En contra , un poco lo que comenta Roger Ebert en su página, que parece una apuesta por un Jack por la misoginia, aunque creo con todos mis respetos una visión algo exagerada.

También por mi parte he de destacar , en este caso, la companía femenina no sólo porque sea de agradecer tanto a la vista sino por el competente trabajo realizado.

La película cuenta con una buenas secuencias de acción que sólo parecen venirse abajo con la presencia  en esta película , casi plana , de un Morgan Freeman, últimamente demasiado visto,

En definitiva una buena aventura futurista y ultradigitalizada que ofrece más de lo que parece a pesar de que , algunos, como Sergio Benítez en blog de cine  consideran que esta irregular hace aguas por todas partes. Aunque creo que es merecedora de  darle una oportunidad.

El maestro del agua

Pertenezco a una generación que nos enteramos que la Primera Guerra Mundial, cuyo centenario se debe seguir conmemorando, fue efectivamente mundial cuando las colonias decidieron participan junto a sus metrópolis en un acto de hermanamiento arriesgado. Conocemos estos hechos en gran parte por el cine, pues lo desarrolla colateralmente , pensemos en Memorias de África, o de una manera más directa a través de película como Gallípoli la película de Peter Weir  de año 1981, ue colocó al cine australiano en el escaparate mundial y a Mel Gibson en el olimpo de los actores. Gran película, A través de ella nos informamos de la participación de los ANZAC en la Primera Guerra Mundial. 

Y es que cuando Gran Bretaña declaró la guerra a Alemania al inicio de la Primera Guerra Mundial, el gobierno australiano rápidamente siguió el ejemplo. El Primer Ministro Joseph Cook declaró el 5 de agosto del año 1914 que "... cuando el imperio está en guerra, también lo está Australia" que refleja el sentimiento de muchos australianos de que cualquier declaración de guerra de Gran Bretaña incluye automáticamente Australia. Esto se debió en parte al gran número de ciudadanos de origen británico y a la primera generación de anglo-australianos que componían la población de Australia en ese momento. De hecho, al final de la guerra, casi el 20% de aquellos que sirvieron en las fuerzas australianas habían nacido en Gran Bretaña.Así pues, se formó un cuerpo expedicionario conocido como la Fuerza Imperial de Australia (FIA) que empezó su reclutamiento el 10 de agosto del año 1914. 

El gobierno se comprometió con 20.000 hombres, organizados en una división de infantería y una brigada de Caballería ligera como apoyo de las unidades. El reclutamiento y la organización se hizo a través de los Estados que integraban Australia. Se llevaron a cabo en los planes de movilización elaborados en el año 1912. El primer Comandante fue el General William Bridges, quien asumió el mando de la 1.ª División. A lo largo del curso del conflicto los esfuerzos de Australia se centraron principalmente en la guerra terrestre, aunque pequeñas fuerzas aéreas y navales también se comprometieron. 

Entre sus objetivos estaba atacar al moribundo imperio otomano. Con el objetivo de golpear al mismo fuera de la guerra, los británicos decidieron entonces llevar a cabo la llamada «Campaña de los Dardanelos», que consistía en un desembarco en Gallipoli, y tras un período de formación y reorganización los australianos en El Cairo se incluyeron entre las fuerzas británicas, indias y francesas comprometidas con la campaña. El Cuerpo de Ejército combinado de Australia y Nueva Zelanda (ANZAC) —comandado por el general británico William Birdwood— llegaron posteriormente a la península de Gallipoli, el 25 de abril del año 1915. A pesar de la promesa de transformar la guerra en un éxito, la Campaña de Gallipoli fue mal concebida y, finalmente, duró ocho meses. Fue un desastre total para los australianos y neozelandeses no logrando alcanzar sus objetivos. Las bajas australianas se acercaron a los 30.000 soldados entre muertos y heridos. Los otomanos, perdieron en esos meses 70 mil personas. Vamos una carnicería en toda regla. 

Los hombres sufrían un ardiente verano con escasez de agua, lo que provocó una epidemia de disentería. Entre la playa y la base más cercana, Alejandría, había más de mil kilómetros de distancia. Esta lejanía dificultaba gravemente el abastecimiento de las tropas, incluso para las necesidades más elementales. Además de los piojos, una de las plagas más comunes y molestas eran las moscas.A pesar de su inferioridad numérica, los otomanos lanzaban contraataques que impedían el progreso de las tropas aliadas. Para los australianos y neozelandeses la campaña de Gallípoli llegó a simbolizar un hito importante en la aparición de los dos países como actores independientes en el escenario mundial y en el desarrollo de un sentido de identidad nacional. Hoy en día la fecha del desembarco inicial del 25 de abril se conoce como Día de Anzac en Australia y Nueva Zelanda, y cada año miles de personas se reúnen en los memoriales de ambas naciones y de hecho, en Turquía, en honor a la valentía y el sacrificio del Anzacs original, y de todos aquellos que han perdido su vida en la guerra.

Pues bien este es el contexto en que se desarrolla una historia que se nos señala como real y que lleva por The Water Diviner, estrenada en Turquía como Son Umut (La última esperanza), y que en España se conoce como El maestro del agua.

Se trata de la primera dirigida por Russell Crowe y escrita por Andrew Anastasios y Andrew Knight. Es una coproducción entre Australia, Estados Unidos y Turquía en la que están presentes Troy Lum,  Andrew Mason y Keith Rodger  por mediode las productoras Rat Pack Entertainent, Universal Pictures , Warner Bros. Pictures,  Fear of God Films ,  Hopscotch Features y Mister Smith Entertainment  , quedando las majors para la distribución mundial  - Universal Studios Entertainment One (Australia) y Warner Bros. Pictures (USA)  y que contó con un presupuesto de $ 22,5 millones de  dólares que apenas fueron recuerados en taquilla al obtener unos ingresos de $ 30.800.000. 

La música estuvo en manos de David Hirschfelder , la fotografía de Andrew Lesnie y el montaje de Matt Villa.

El elenco de protagonistas lo encabeza el mismo director Russell Crowe como Joshua Connor, la bellísima Olga Kurylenko como Ayshe, a los que se suman  Jai Courtney como el teniente Coronel Cyril Hughes,  Jacqueline McKenzie como Eliza Connor , y los actores  turcos, muy importantes en el cine de su país , destacando como comediantes Yılmaz Erdoğan como el Mayor Hasan y Cem Yılmaz como el Sargento Cemal .

Junto a ellos aparecen Daniel Wyllie como Capitán Charles Brindley , Damon Herriman como el Padre McIntyre , Ryan Corr como Arthur Connor , Megan Gale como Fatma , Dylan Georgiades como el niño Orhan, Peter Waters como Q. Bob , Deniz Akdeniz como Imam,  Steve Bastoni como Ömer,  James Fraser como Edward Connor y Ben O'Toole como Henry Connor 

La historia se sitúa en 1919, una vez terminada la Primera Guerra Mundial. En el desierto australiano descubrimos a Joshua Connor (Russell Crowe), un agricultor y zahorí australiano, que está en busca de agua. Tras descubrirla, comienza a excavar un pozo y tras abrir una enorme zanja con varios metros de profundidad, consigue que mane del suelo una buena cantidad. 

Vemos como Joshua se siento enormemente feliz y se bañ en el agua, pero mientras disfruta de la misma tiene lugar un flashbacks en el que vemos a sus tres hijos, Arthur (Ryan Corr), Edward (James Fraser) y Henry (Ben O'Toole) participantes con el Ejército de Australia y Nueva Zelanda (ANZAC), en la batalla de Gallipoli cuatro años antes. Realmente lo que vemos es un momento en que los otomanos inician con mucho miedo una ofensiva contra las tropas de los ANZAC. Están dirigidos por el Mayor Hasan (Yılmaz Erdoğan)  y por el Sargento Cemal  (Cem Yılmaz), que tras dar la orden se lanza contra las trincheras enemigas. Durante el avance se producen algunas bajas por balas y , sobre todo, por las minas, aunque al llegar a las trincheras de enemigo descubren que están vacías, pues a lo lejos se ve como los ANZAC se retiran. 

Tras esto Joshua se dirige a casa y se ducha en el exterior. Allí le espera su mujer, Eliza (Jacqueline McKenzie), que está arreglando los zapatos de sus hijos. Ella le pide, a pesar de que él se resiste, que entre en la habitación y les lea un libro, las mil y una noches. Cuando entra en la habitación descubrimos que está vacía. Las camas no contienen a nadie pues se supone que sus hijos están muertos. 

Después de hablar con ella y recordarle que sus hijos murieron - Arthur ( Ryan Corr ), Edward (James Fraser) y Henry (Ben O'Toole) - y que han servido con el Cuerpo de Ejército de Australia y Nueva Zelanda (ANZAC) en Gallipoli. Ella lo culpa a él de que se marcharan y , sobre todo, de no haber ido a buscar sus cuerpos. Tras la discusión sale. A la mañana siguiente al levantarse comprueba que ella  no está en casa. La localiza en una balsa de agua, ahogada. Eliza se ha suicidado a causa del dolor, 

Al día siguiente va a la parroquia y, a pesar de que él es un descreido, le pide al sacerdote que la entierre en campo santo. Este  el Padre McIntyre (Damon Herriman) le echa en cara su ausencia desde hace tiempo y él le pide que lo único que quiere es enterrar a su mujer. Tras entregar su carro el granjero australiano Connor viaja a Estambul para descubrir qué ha pasado con sus tres hijos, pues todos han sido declarados desaparecidos en combate, además Joshua quiere traer los cuerpos de sus hijos en casa y enterrarlos con su madre. 

Joshua se traslada a Turquía y desde el principio ve los impedimentos de los militares que quieren que se marche y que no vaya a los Dardanelos. Un chico le pide que se marche a su hotel y llevándose su maleta consigue alojarse en un hotel regentado  por la  viuda Ayshe ( Olga Kurylenko ), que también ha perdido a su marido en Gallipoli. Ella le habla de las dificultades, además de mostrase recelosa con el australiano viéndola como un enemigo. Casi está a punto de abandonar pues le insisten las autoridades británicas que no es posible viajar a Gallipoli por carretera. 

En esto que Joshua se encontrará con el desacuerdo de las instituciones y se ganará algunas enemistades entre los tucos, pero también inesperados aliados de todos los bandos implicados en la contienda. La viuda Ayshe, viendo que es un buen hombre que sólo uiere recuerar el cuerpo de sus hijos le dice que es posible sobornar a un pescador local para viajar a Gallipoli en barco. 

Cuando él llega descubre  que los británicos han pedido ayuda a militares turcos para localizar los muchos restos repartidos por la zona.  Entre ellos está el Mayor Hasan (Yılmaz Erdoğan)  y el Sargento Cemal  (Cem Yılmaz),  que asesoran en los detalles de ese mausoleo masivo de Turcos y de los ANZACs, 

Cuando llega el capitán ANZAC,el Teniente Coronal Cyril Hughes ( Jai Courtney ) le dice que los civiles no pueden estar allí, pero Joshua se muestra inflexible. Gracias al mayor Hasan que se conmueve de ser el primer y único padre que ha ido a buscar a su hijo, le dice dónde lo puede encontrar y da prioridad a ayudar a Joshua en su búsqueda. 

Después de encontrar los restos de Edward y Henry, pero no de Arthur, Joshua empieza a soñar con la posibilidad de que éste, Arthur, haya sobrevivido  a la batalla. De hecho, Hasan se toma la molestia de buscar entre los prisioneros y reconoce el apellido de Joshua y le dice que Arthur puede haber sido hecho prisionero en un penal del interior de Anatolia. 

Con esta información,  Joshua regresa a Estambul, para saber en qué campo de prisioneros Arthur fue trasladado. Al regresar vuelve al hotel de Ayshe y se entera de que está siendo presionado para casarse con su cuñado,  Omer. 

Omer insiste en que Aushe se convierta en su segunda mujer, pero ella se niega. En una pelea entre ellos  Joshua interviene. Ayshe arremete contra él y  culpa a Joshua de empeorar las cosas y le dice que se vaya. 

Cuando Joshua sale del hotel, Omer y algunos de sus amigos conspirar contra él. Mientras le están pegando una paliza se personanel sargento de Hasan Jemal ( Cem Yilmaz ) que lo saca de allí. 

Jemal lo lleva ante  Hasan, que explica que los griegos han invadido y que van a defender a su país pues los británicos no están interviniendo. 

Joshua decide viajar con el grupo de Hasan, que pasará a través de Anatolia, la región en la que su hijo podría estar. Cuando Joshua regresa al hotel para recuperar sus pertenencias, Ayshe se disculpa por sus palabras anteriores. También los británicos lo buscan para expulsarlo.

Mientras tanto, ellos avanzan por el interior del país y ya con la noticia de que Esmirna ha caído en manos de los soldados griegos. En un momento dado, los griegos atacan el tren y sólo Jemal, Hasan y Joshua logran sobrevivir. 

Joshua junto a Hasan están a punto de ser ajusticiados por un oficial griego que se prepara para ejecutarlo. Pero Joshua les golpea con un palo de cricket y logran escapar huyendo a un pueblo donde Joshua identifica  un molino de viento, que éste vio de forma recurrente en  su sueño. 

Allí pregunto por la persona que lo hizo y que resulta ser Arthur, que está con vida pero traumatizado. Arthur revela que al final de la batalla, Edward todavía estaba vivo pero gravemente herido.  Arthur puso fin a su sufrimiento,disparándole. Por lo tanto, se culpa por la muerte de sus hermanos, Arthur sintió que nunca podría volver a su familia. 

Mientras esta conversación se produce los  soldados griegos atacan la ciudad, y los dos hombres se escapan a través de las montañas. Arthur se niega a seguir a su padre, pero cede cuando Joshua le  dice que sin su esposa y sus hijos, no tiene otro lugar a donde ir. 

Ellos se evaden con éxito el ejército griego, se despiden de Hasan, quien reconoce en Arthur, al austrialiano que le robó el tabaco y el mechero y regresa al hotel de Ayshe. 

La película termina con Joshua bebiendo una taza de café hecha por Ayshe lo que indica que se ha enamorado de él.  La película acaba con una nota informativa de que la historia se originó a partir de una sola línea en una carta escrita por el teniente-coronel Cyril Hughes,  en la que  simplemente dijo: "Un padre logró llegar hasta aquí desde Australia, en busca de la tumba de su hijo." Acabando así la película. 

El estreno de la misma tuvo lugar  el 2 de diciembre de 2014 en Sídney, Australia. Todo se inició tras un año de investigación en el que los autores no pudieron identificar el hombre o su hijo que buscaba. De cualquier manera eso les dio la libertad de imaginar una historia que se habría convertido en su guión. 

El 18 de junio de 2013, se anunció que Crowe había firmado para hacer su debut como director con esta película partiendo del  guión escrito por Andrew Knight y Andrew Anastasio. 

Los productores serían Troy Lum, Andrew Mason y Keith Rodger y participaría igualmente un conglomerado de grupos entre los que estaban Seven West Media y Seven Group Holdings para co-financiar la película. 

El 7 de noviembre de 2014, Warner Bros. adquirió los derechos en Estados Unidos a la película.  Desde el principio Crowe asumió el papel del granjero australiano llamado Joshua Connor, Olga Kurylenko fue agregada al elenco el 18 de octubre de 2013. El 24 de octubre, Jai Courtney firmó para protagonizar en Unbroken y The Water Diviner. Luego,  se incorporaron dos actores turcos, Cem Yılmaz y Yılmaz Erdoğan al elenco junto con Ryan Corr, Daniel Wyllie, Damon Herriman, Deniz Akdeniz, Steve Bastoni y Jacqueline McKenzie.

La filmación comenzó el 2 de diciembre de 2013 en Australia y Turquía. Rodando el lugares tan diversos como Mugla, Kayaköy, Estambul en Turquía y en los Fox Studios, ubicados en Moore Park, Sydney, además de en Burra y Port Augusta en South Australia, Maslin Beach en Adelaida, Millers Point en Sydney.

La película fue estrenada en State Theatrer en Sydney , Australia el 2 de diciembre de 2014 psando más tarde al resto de Australia, Nueva Zelanda y Turquía a partor del 26 de diciembre de 2014.  

La película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 24 de abril de 2015 por la Warner Bros. La película recibió halagos por parte de la crítica especializada y especialmente en Australia dónde fue nominada y premiada en los principales certámenes cinematográficos del país. Ejemplo de ellos son los Premios Aacta donde obtuvo nueve nominaciones, de las que ganó tres entre ellas (mejor película, mejor actor de reparto para el turco Erdogan y mejor diseño de vestuario. Igualmente en los Premios AWGIE consiguió el premio al mejor guión original, y a los premios FCCA donde obtuvo otras nueve nominaciones y ganó el premio al mejor director, a los mejores actores tanto principal como de reparto y a la mejor partitura musical. 

La película recibió críticas positivas, con un 60% de puntuación en Rotten Tomatoes. En el  Reino Unido Geoffrey Macnab escribe en The Independent que "El debut como director de Russell Crowe es una obra de cine sólida y de la vieja escuela situada en Australia y Turquía sobre la Primera Guerra Mundial y sus secuelas, que es culpable de algunos extraños olvidos históricos. (...) " 

Por su parte, Peter Bradshaw en The Guardian sostiene que "Se trata de un drama azucarado, en el que el gran momento emocional de Crowe parece como si un ayudante de director dejara caer una lágrima por su mejilla con un gotero. (...) " 

Ian Freer en el Empire cocluye que la película "Posee sinceridad, sensibilidad y a menudo es deslumbrante a la vista, pero se estropea por culpa de una historia de amor con una caja de bombones. (...) "  

En los Estados Unidos Megan Lehmann del The Hollywood Reporter dijo de ella que era "Un drama de guerra tranquilo y robusto (...) Russell Crowe explora un profundo pozo de simbolismo, empatía cultural y buena narrativa clásica" 

Eddie Cockrell en Variety comenta que es   "Un cóctel con una mezcla caprichosa de cine bélico y melodrama de mezcla de culturas, 'The Water Diviner' es un debut ambicioso, aunque emocionalmente manipulador. 

Manohla Dargis nos deja escrito en The New York Times que "Un romance histórico absurdo y con pretensiones de grandeza que resulta demasiado leve y estúpido para llevar el peso de una auténtica historia" Estados Unidos 

Steven Rea del Philadelphia Inquirer entiende que estamo ante "Un drama de época ambicioso y sentimental (...) "

En  España Jordi Costa Diario El País "Tanto una puesta en escena al servicio de la egolatría expresiva del director/estrella como una historia romántica, saturada de tópicos y colocada con calzador, conspiran para desviar la atención de lo esencial" Y añade que "La trama abre el camino a la idea de reconciliación –con el actor turco Yilamz Erdogan aportando las notas más precisas al pulso-, pero, tanto una puesta en escena al servicio de la egolatría expresiva del director/estrella como una historia romántica, saturada de tópicos y colocada con calzador, conspiran para desviar la atención de lo esencial, sobrecargar el conjunto de grasa formal y sub-trama prescindible y, en definitiva, convertir El maestro del agua en esta película sobre memoria histórica, tan conservadora en sus maneras, que, sin duda, gustará mucho a quienes por aquí sostienen que ese asunto, en lugar de hacernos más humanos, nos coloca al borde de otra Guerra Civil".

Carlos Marañón en Cinemanía comenta que "Russell Crowe (...) se cubre de melaza antes de adentrarse en las procelosas aguas de los Dardanelos para reabrir la herida de la memoria histórica australiana en la I Guerra Mundial (...) " 

Carmen L. Lobo del Diario La Razón nos dice que es una película "Honesta y sensible (...) le sirve a un omnisciente Crowe para desplegar unas buenas dotes interpretativas aunque el filme, de espléndida ambientación y fotografía, posea un ritmo irregular" 

Jordi Batlle Caminal del barcelonés Diario La Vanguardia añade que "Escuálido revoltillo de aventura, romance y compromiso cívico (...) Sobran flashbacks y love story (lo más sonrojante) y faltan estilo y emoción." 

Ya en América Latina   Lucero Solórzano del Diario Excélsior afirma que es " Una película bien contada, humana, que pone en relieve el amor y los lazos inquebrantables entre las personas. (...) El desenlace se resuelve de manera un poco precipitada, pero no resta méritos al resultado final de este buen debut del protagonista de 'Gladiador'." 

En el cono sur, en concreto en Argentina,  Pablo O. Scholz del Diario Clarín afirma que "Un auspicioso debut (...) un drama, profundo, en el que la futilidad de la guerra y las razones del corazón están interconectadas, y en muy buen balance." 

En otro diario argentino  Fernando López en  La Nación nos dice que "Sin apartarse de lo académico, Crowe se muestra bastante hábil para combinar la épica del conflicto bélico con tramos más intimistas." 

Para concluir señalaré que este debut de  Crowe tiene más valor por su peso dramático que por su narración en sí, que parece poco hilada. Es una película solvente, bien realizada, con una historia de amor muy blandita, aunque de buen gusto.

Las escenas bélicas contienen el ritmo adecuado, pero al presentarse en flashback o al final de la película parece inconexas, aunque están muy bien rodadas ,especialmente las que reflejan lo que es la trincheras.

Para Jordi Costa existen  ciertas brusquedades en el fluir de la historia o lo puramente visual, El maestro del agua en una película agradable, elegante y, pese a la tragedia de su argumento y sus imperfecciones dramáticas, esencialmente entrañable y simpática. Y yo añado que se realizó para comemorar la participación australiana en el conclicto en el centenario de la misma.