El muñeco diabólico

 

Halloween II

Noche de Halloween, película de Halloween. Si fue en el año 2008 cuando comencé esto de intentar no olvidar las muchas películas  que veía, tengo que destacar que aquel fin de semana que incluía en 31 de octubre de por medio, es decir, la noche de Halloween, vi una de Halloween. Fue aquel día de aquel año cuando me enteré que el director y musico tenía ya en proyecto  una segunda entrega de Halloween como es este Halloween II del mismo director ...y su señora. Como adivinaréis no es la clásica, sino la variante que de la misma hizo Rob Zombie, el líder, fundador, vocalista , escritor y caricaturista de la banda de White Zombie, y que presentó con el mismo nombre de Halloween: El origen. Este Halloween II de Zombie es la secuela de esta inmediata, la décima de la saga, y , evidentemente, no se basa en la secuela del original Halloween II de 1981,pues sigue una trama totalmente nueva.  

La película retoma su Halloween estrenado en 2007 desde donde finalizó y la acción transcurre dos años después de los acontecimientos. En esta secuela, de la que toma los personajes creados para la original por John Carpenter y Debra Hill,  toma los nombres de los protagonistas como son el Dr. Loomis que interpreta Malcolm McDowell en lugar del eterno Donald Pleasence fallecido en 1995, Laurie Strode papel que no asume Jamie Lee Curtis sino la joven Scout Taylor-Compton, un Michael Myers que continúa en la búsqueda de Laurie Strode, el tema original de John Carpenter que sólo puede escucharse en los títulos de crédito y la familia Akkad en la producción, en este caso el hijo del productor original, Malek, ya que su padre fue asesinado en un atentado terrorista de al Quaeda en 2005 , en Amman (Jordania), junto con una de sus hijas, hermana de Malek. 

Por lo tanto junto a Rob Zombie- que aquí es director, guionista y productor-  y al citado Malek Akkad aparecen Andy Gould  en la producción en la que estaban presente la compañía Dimension Films respaldada por los hermanos Weinstein, la Spectacle Entertainment Group, la Trancas International Films y que manejó un presupesto de $15.000.000. 

En otros aspectos técnicos destacar la música obra de Tyler Bates, siendo el responsable de la fotografía Brandon Trost y Glenn Garland en el montaje. 

En cuanto al elenco los protagonistas son Malcolm McDowell como el Dr. Loomis, Scout Taylor-Compton como Laurie Strode, Danielle Harris como Annie Brackett, Brea Grant como la amiga de Laurie, Mya Rockwell, Brad Dourif como Sheriff Lee Brackett, Sheri Moon Zombie como Deborah Myers y Tyler Mane como Michael Myers. Junto a ella está Angela Trimbur como la amiga morena de Laurie Harley David, Matt Bush como Wolfie, Bill Moseley como "uncle" Seymour Coffins, Margot Kidder como Bárbara Collier, Bill Fagerbakke como el ayudante Webb, Howard Hesseman como Uncle Meat, Chase Wright Vanek como Michael Myers joven, Richard Brake como Gary Scott, Chris Hardwick como David Newman como conductores de la furgoneta que lleva el cuerpo de Myers, Mark Christopher Lawrence como el ayudante King, Daniel Roebuck como Lou Martini, Ezra Buzzington como Ned Atkins, Caroline Williams como Dra. Maple, Dayton Callie como Alan Hooks, Jeffrey Daniel Phillips como Howard Boggs y Mark Boone Junior como Floyd.Me ha llamado la atención la presencia de Octavia Spencer como la enfermera Daniels.  

En un flashback, Deborah Myers (Sheri Moon Zombie) visita a un joven Michael Myers (Chase Wright Vanek) en el sanatorio Smith's Grove, donde ella le hace entrega a Michael de un pequeño caballo blanco de madera. Michael le explica que el caballo le recuerda a un sueño que tuvo sobre el fantasma de Deborah, toda vestida de blanco con un caballo blanco persiguiendo a Michael y diciéndole que lo llevará a casa. 

Quince años más tarde, vemos a una chica deambular por una calle desierta. Se trata de Laurie (Scout Taylor-Compton) que se encuentra en estado de shock, debido a que Michael (Tyler Mane) tras matar a una quincena de personas recibió un disparo al final de la entrega anterior presumiblemente de ella, pues ella porta un revólver. En su paseo sin rumbo es descubierta por el Sheriff Brackett (Brad Dourif) que tras pedirle el arma la lleva rápidamente a un hospital. 

Mientras tanto, un grupo de médicos de urgencias llegan al lugar de los hechos y encuentran a Annie Brackett (Danielle Harris) y al Dr. Loomis (Malcolm McDowell), quienes están vivos aún tras el brutal  ataque de Michael. Presumiendo que está muerto, los médicos ordean subir el cuerpo de Michael a una ambulancia. 

La ambuelancia es conducida por David Newman ( Chris Hardwick ) y  Gary Scott (Richard Brake) que comentan el enorme peso de la persona que llevan dentro y después no paran de hablar de la posibilidad de tener relaciones con alguna de las chicas que han visto y que irán a la morgue. Mientras hablan de la necrofilia se les cruzan una vaca por la carretera   y la ambulancia choca con el animal.

Del golpe fallece de inmediato el conductor de la misma, no así el desagradable y dentudo Gary que de repente escucha como Michael despierta y escapa de la ambulancia, matando a Gary y, tras eso, sigue una visión de la figura de su madre, quien tiene en su mano un caballo de madera. 

Mientras tanto Laurie ha sido llevada al hospital y cosida por los médicos. Cuando ella despierta va en busca de su amiga Annie que está en coma y luego busca a una enfermera para pedirle medicación por está muy dolorida. Cuando aparece la enfermera Daniels ( Octavia Spencer) le dice que previamente irá a ver a su amiga, pero al regresar vemos que Daniels viene con una brecja en la garganta y tras sus pasos aparece Michael que ha entrado en el hospital y asesina a todo el que se cruza en su camino. 

Laurie escapa y al salir, además de encontrar cuerpos desmembrados del personal sanitario, busca refugio en una cabina de seguridad. Tras llegar el operario éste dice ir en busca de ayuda, pero al volver recibe un hachazo en la espalda por parte de Michael que, de inmediato, comienza a tirar abajo las paredes de madera con un hacha. Cuando está a punta de atraparla, despierta de lo que había sido un sueño. 

La historia  se adelanta en el tiempo. Ha pasado algún año después de los acontecimientos. Laurie ahora vive con el sheriff Brackett y su hija Annie (Danielle Harris). Padre e hija comentan que los pesadillas de Laurie prosiguen y más aún en estos días previos a Halloween ( estamos a 29 de octubre). También comentan que el cuerpo de Michael ha estado desaparecido desde entonces y Laurie ha tenido pesadillas recurrentes. Por su parte, un Michael sin su careta marcha por el campo. Sigue teniendo visiones con su madre y el caballo de madera, quien le dice que con la llegada de Halloween ha llegado el momento de llevar a Laurie a casa. Michael viaja hacia Haddonfield. En su viaje encuentra algunos paletos como Floyd (Mark Boone Junior ) que pretenden dar a esa persona con aspecto de vagabundo un escarmiento. Cuando lo apalean no esperan que se levnta, cosa que hace , y con un cuchillo de enormes dimensiones acaban con los dos paletos hombres y la hija de uno de ellos. 

Mientras tanto el Dr. Loomis ha llegado a Haddonfiled con la intención de presentar su libro, que narra todo que sucedió y que además pretende ser   la biografía de Michael Myers. La llegada de Loomis no es bien recibida. Algunos lo responsabilizan de la muerte de los lugareños como se escucha tanto en la rueda de prensa como en la firma de ejemplares que es recibido con indignación por parte del público, quien lo culpa de las muertes de Michael. 

En los días previos a Halloween venos como Laurie , que trabaja en una librería junto a sus amigas, Mya (Brea Grant) y Harley (Angela Trimbur), planean festejar Halloween, disfrazarse e ir a una fiesta. No son conocedoras de que Michael ya está por la zona, pues ha pasado por un burdel y allí ha matado al matón, al proxeneta y a la cghica que en ese momento se encontraba en el local. 

Esa misma noche Laurie tiene una nueva pesadilla y estña convencida de que algo malo va ocurrir . Y efectivamente a la mañana siguiente cuando el libro llega a manos de Laurie y lo lee, descubre que ella es en realidad Angel Myers, hermana de Michael. Abrumada por la información decide irse de casa de los Brackett y busca refugio con sus amigas.

Tras hablar con ellas, tranquilizarse y apostar por el nihilismo más absoluto Laurie y sus amigas, Mya (Brea Grant) y Harley (Angela Trimbur), deciden ir a una fiesta con música en directo. 

Michael aparece en la fiesta y aslata al chico que se iba a tirar a Harley y luego a la chica. Luego, se abre camino hacia la fiesta aunque allí con tantas máscaras pasa desapercibido y finalmente va a casa de los Brackett, donde acuchilla a Annie. 

Cuando tras reflexionar sobre su salida de la mañana Laurie retorna  a la casa de Annie, la encuentra agonizando y cubierta de sangre. Mientras pide ayuda, Michael mata a Mya y viene tras Laurie, quien logra escapar de la casa y parar a un automovilista. Pero Michael logra asesinar al conductor e introducirse en el auto con ella dentro. Laurie queda  inconsciente. Michael la lleva a un cobertizo, en un descampado. Laurie despierta de una alucinación. 

Mientras tanto la policía alertada por lo ocurrido llega a casa de Brackett. Allí descubren la "sarracina" para estupor del sheriff que de su hija ha perdido a un ayundante al que envió a vigilar la casa. Tras enterarse de dónde han encontrado refigio, Brackett decide mandar a todos sus hombres.

La policía por tierra y aire los rodean y le ordenan a Michael que salga de ahí. De repente el Dr. Loomis aparece - tras haber descubierto que ha hecho el ridiculo presentando el libro y publicitándolo en la televisión en un programa en la que ridiculizan al entrevistado, en su caso, a él- y pide al sheriff Brackett que le de permiso para entrar a dilogar con Michael, pero Brackett no se lo permite. Sin embargo, Loomis entra a la fuerza. 

Al entrar le dice a Michael que Laurie debe salir de ahí, mientras Laurie está siendo detenida por Michael niño con el fantasma de Deborah a un lado (estas alucinaciones sólo las pueden ver Laurie y Michael), el Dr. Loomis le dice a Laurie que vaya con él, pero esta le dice que no la dejan y Loomis le dice que todo está dentro de su mente. 

Mientras tanto, Deborah informa a Michael que es hora de irse a casa. Michael trata de herir a Laurie, pero termina por acuchillar al Dr. Loomis. 

Mientras Michael está acuchillando al Dr. Loomis, el sheriff Brackett logra tener a Michael en la mira de su escopeta por una ventana, le dispara y Michael cae en unos picos (de madera o metal). Igualmente  el Dr. Loomis cae al suelo. 

Al quedar Michael inconsciente y herido, desaparecen el fantasma de Deborah y del niño Michael. Laurie se acerca al cuerpo de Michael, quien aún seguía con vida y le dice "te amo, hermano". Al momento Michael levanta la mano con el cuchillo sin que Laurie lo viera, como señal de que aún quería matarla, pero a Michael se le acaban las fuerzas. Al percatarse de esto, Laurie le quita el cuchillo y lo apuñala con el mismo. 

Luego Laurie sale del establo con la máscara de Michael puesta y se arrodilla en medio terreno y el sheriff Brackett solo se le queda mirando. 

Luego aparece una escena donde Laurie está en una institución mental y alucina con el fantasma de Deborah y el caballo blanco, Laurie muestra una sonrisa y se acaba la película mientras salen los títulos de crédito suena el tema original de John Carpenter. 

En cuanto al desarrollo de la película enraiza sus inicios en 2008, cuando en la Convención de los 30 años de terror, el productor de Halloween, Malek Akkad - que ya había colaborado con su padre Moustapha en alguna de sus producciones- confirmó que se estaba preparando una secuela de la película de Rob Zombie de 2007. 

Los cineastas franceses Julien Maury y Alexandre Bustillo estaban en negociaciones para dirigir la secuela en noviembre de 2008, pero el 15 de diciembre de 2008 Variety informó que Rob Zombie había firmado oficialmente para escribir y dirigir la secuela de Halloween . 

En una entrevista, Zombie expresó cómo el cansancio de crear el primer Halloween hizo que no quisiera volver para una secuela, pero después de un año de descanso estaba más abierto a la idea. 

El guionista / director explicó que con la secuela ya no estaba obligado por la necesidad de retener ningún elemento vinculante con la historia de "John Carpenter", ya que "se sentía libre de hacer lo que fuera". 

El productor Malek Akkad dijo que la intención original, cuando creían que Zombie no regresaría, era crear una "secuela normal".  Akkad y su compañía productora Trancus contrataron a varios escritores para crear borradores para una nueva película, pero ninguno funcionó. Akkad y los hermanos Weinstein se dirigieron luego a Bustillo y Muary, cuya película Inside había sido comprada recientemente para su distribución por Weinstein Company. Según Akkad, los productores realmente querían que Zombie regresara, ya que Akkad sintió que había algo "perdido en la traducción".

Después de su trabajo en el remake de 2007, Zombie se ganó la confianza de Akkad, quien le dijo que ignorara las reglas que le habían establecido en la película anterior. Akkad dijo que quería que Zombie alejara la franquicia de algunas de sus reglas establecidas.

El productor Malek Akkad declaró sobre el guionista y director Rob Zombie: ""No se sienta obstaculizado por ninguna de las reglas que hemos tenido en el pasado. Quiero que esta sea su visión y quiero que exprese esa visión". 

Para la secuela, tiró de algunos de los actores y actrices empleados como Tyler Mane,  McDowell, Taylor-Compton, Harris, Moon Zombie y Dourif regresaron a los papeles de Michael Myers, Dr. Loomis, Laurie Strode, Annie Brackett, Deborah Myers y Sheriff Brackett, respectivamente. 

Aunque Daeg Faerch , quien interpretó a un joven Michael Myers en el remake de 2007, inicialmente fue contratado para repetir su papel para Halloween II (entonces conocido como H2 ), después de filmar brevemente en Georgia como el joven Michael,  fue reemplazado por Chase Wright Vanek .

Por su parte, Taylor-Compton describió a su personaje como una chica con "momentos bipolares",   donde sus emociones están cambiando espontáneamente de puntos de felicidad a agitación. La actriz declaró que Zombie quería ver a Laurie Strode viajar a "estos lugares realmente oscuros". La actriz señaló que  cuando comienza la película, Laurie aún no es consciente de que Michael es su hermano mayor y, a medida que avanza la película, se le entregan más y más piezas de información que no sabe cómo tratar con ellas. La actriz explicó que la oscuridad que se está gestando dentro de Laurie se manifiesta externamente, generalmente a través de su apariencia física y la ropa que elige usar; Zombie caracterizó el aspecto como " sucio ". En lugar de centrarse en Michael, Zombie optó por mirar más a las consecuencias psicológicas en Laurie después de los eventos del remake. Como explica Zombie, después de que Michael asesinara a sus amigos y familiares, Laurie se convirtió en un "desastre", que continuamente se hunde más a medida que avanza la película. Rob Zombie sobre el personaje de Laurie señaló: "Como Laurie es la hermana de Michael, lo interpreto como si él estuviera claramente loco y ella también, pero su locura no se manifiesta de la misma manera ... Se está volviendo loca a lo largo de toda la película". 

Incluso el Sheriff Brackett sufre cambios. Brackett, quien recibe más tiempo en pantalla en esta película, permite que Laurie se mude con él y su hija después de los eventos de la primera película. Zombie explicó: "Es viejo, está agotado, es sólo un tipo maltratado con estas dos chicas con las que no puede tratar" ni en lo alimentario.

Zombie caracterizó a Loomis en la secuela como más un hombre "vendido" al negocio que explota los recuerdos de aquellos que fueron asesinados por Michael en la película de 2007. Zombie explicó que trató de canalizar a Vincent Bugliosi , un abogado que procesó a Charles Manson y luego escribió un libro al respecto , en el personaje de Loomis para la secuela; señalando que quería que Loomis pareciera más "ridículo" esta vez. 

En cuanto a Michael Myers, al personaje se le da un aspecto casi completamente nuevo para la película, que se está utilizando, según Taylor-Compton, para ilustrar una nueva emoción para el personaje mientras pasa gran parte de su tiempo tratando de esconderse. Zombie dijo que de todos los personajes que regresan en la secuela, Michael es el único que no cambia: "Todos los demás personajes son muy diferentes. Laurie; Loomis; están teniendo todo tipo de problemas en su vida, pero Michael simplemente sigue adelante. Michael no es diferente; es exactamente igual que cuando tenía diez años y mató a todos [...] No tiene un concepto del mundo que lo rodea, por lo que nunca se verá afectado por él ".

Con un presupuesto de $ 15 millones, la producción comenzó el 23 de febrero de 2009 en Atlanta, Georgia.  Zombie reconoció que filmar en Georgia proporcionó ciertas exenciones fiscales para la compañía, pero la verdadera razón por la que eligió ese lugar fue porque los otros lugares que planeaba usar todavía estaban afectados por el frío y la nieve en esos momentos. Para él, los paisajes y lugares de Georgia le proporcionaron el aspecto que quería para su película. 

Durante la producción, Zombie describió la secuela como "Ultra arenosa, ultra intensa y muy real" y dijo que estaba tratando de crear casi exactamente lo contrario de lo que la gente esperaría. 

Conocido por filmar múltiples secuencias durante la producción de sus películas, Zombie filmó un final alternativo a Halloween II . En el final alternativo, Loomis y Michael atraviesan el cobertizo que la policía ha rodeado y salen al aire libre. Cuando Loomis agarra la máscara de Michael y le ruega que se detenga, Michael lo apuñala en el estómago y le dice que "muera". Con Loomis herido e inconsciente (no se revela si vivió o murió), la policía abrió fuego contra Michael y lo mató. Laurie, ahora completamente loca, deja la cabaña, toma el cuchillo de Michael y camina hacia el cuerpo inconsciente de Loomis. Contra las órdenes de Brackett, la policía abrió fuego contra Laurie, aparentemente matándola también. sólo puede escucharse en los títulos de crédito, ya que como contó Zombie en algunas entrevistas, fue un problema encontrar el lugar apropiado para incluir la música. 

Para la secuela, Zombie solo usó el tema musical original de Carpenter en la escena final de la película, aunque el director admite que él y el compositor Tyler Bates trataron de encontrar otros lugares para incluirlo. Según Zombie, la música de Carpenter no encajaba con lo que estaba sucediendo en la película; siempre que él o Bates lo insertaran en una escena, el director "simplemente no se sentiría bien". Igualmente como músico que es Zombie también usó canciones de cultura popular a lo largo de la película, con " Nights in White Satin " que aparece de manera más prominente. Zombie eligió las canciones que le gustaron y que mejorarían una escena determinada dentro de la película. 

En cuanto a la crítica  Rob Nelson, de Variety , sintió que el uso de Deborah y el caballo blanco no era más que "tonto", y no estuvo de acuerdo con la elección de Zombie de filmar Halloween II, ni en el cambio d formato  y en el exceso de violencia como prueba la  "carnicería" del hospital y los finales relacionados con los sueños.

En contraste, Time Out creía que la escena del hospital al comienzo de la película "[superó a la secuela de 1981] en casi todos los aspectos". Time Out declaró que la interpretación de Compton de Laurie Strode mostró una "dedicación intensa y no trivial al papel" que mantuvo el interés, mientras que la historia del egocentrismo del Dr. Loomis obstaculiza la historia general. En esta misma revista también seseñala que Zombie lastimó la película al tratar de mostrar cómo "la violencia persiste y pervierte a todos los que son tocados por ella", pero luego se socava con violencia "carnavalesca". 

En el New York York Post  Kyle Smith no creía que el carácter de Laurie Strode era un equilibrio para Michael Myers o el Dr. Loomis, está de acuerdo en que las imágenes fantasmales de Deborah Myers fueron un alivio de la brutalidad con estrías de sangre de los asesinatos de Michael. 

Tom Russo, del Boston Globe señaló que Zombie intentó ser más inventivo con Halloween II , pero solo logró resultados mixtos por sus esfuerzos. Russo se refirió a las secuencias oníricas de Deborah Myers y el caballo blanco como "pretenciosamente tontas", pero estuvo de acuerdo en que las escenas sí ayudaron a romper la violencia de género estándar e incluso llegó a comparar la sensación creada por esas escenas con " Tim Burton haciendo directamente el horror ". Al final, Russo afirmó que "solo los fanáticos más incondicionales" querrían que la serie de películas continuara.

Joe Neumaier, del Daily News , declaró que Zombie se ha encontrado con Halloween II y describe la película como una exitosa "película de monstruos basada en personajes". El uso de Zombie de la música de la década de 1970, como " Nights in White Satin " de The Moody Blues y " The Things We Do for Love " de 10cc , es "terriblemente extraño" a lo largo de la película. Neumaier también dijo que las imágenes de Deborah Myers y el "caballo blanco etéreo" eran un "agradable alivio visual" de los violentos ataques de Michael. 

En otros hemisferios como en el Sur , en concreto en Argentina, Diego Lerer en  Clarín afirma que  "Rob ha hecho de 'Halloween' una especie de berreta y cruenta payasada como para ver en un autocine, tomando cerveza y aullándole a la luna. Una película que le encantaría a Homero Simpson." 

En La Nación Fernando López considera que lo mejor de la película es "Una atmósfera cada vez más oscura y brumosa y con una especial dedicación a ilustrar las espantosas pesadillas que abruman a la protagonista. Que son demasiadas y van perdiendo sorpresa a medida que se repiten a lo largo del film."

Diego Brodersen en  Página 12 destaca que ""Por momentos, 'Halloween II' se asemeja a alguna novela teen de la televisión norteamericana, pletórica de crisis de identidad y estados alterados por el exceso de hormonas." 

Diego Batlle en la web OtrosCines.com escribe que "Sí, hay mucha sangre y vísceras. Sí, hay toques varios de humor negro. Sí, hay referencias a la cultura setentista. Sí, hay guiños cinéfilos (...) No, no hay nada demasiado novedoso en este discreto nuevo film del creador de '1000 cuerpos'. " 

En 2009, Rob Zombie se negó a volver para dirigir la secuela de Halloween II. En DARK, el canal de cine de terror afirma en un tweet que "el desenlace de la cinta y el cariz tan violento que estaba tomando la franquicia, retiró la confianza a Rob Zombie para realizar una 3ª entrega ".  

El 30 de agosto de ese año, se anunció por The Weinstein Company que la próxima película de la serie, y planeada para ser estrenada en 2012, sería Halloween 3D, estableciendo retroactivamente que Laurie había matado a Loomis en lugar de Michael. La película fue finalmente cancelada cuando Bob y Harvey Weinstein decidieron dar luz verde y dar prioridad a otras, aun que el tweet de Dark de noviembre del 20 decía otra cosa.

Lo cierto es que el Halloween de 2018, sirvió como una secuela directa del 1978 original y efectuó una revisión de las secuelas anteriores aunque ahora distribuidas por la Universal Pictures 

Por mi parte señalar que la película sigue el ritmo y el carácter sangriento y brutal de la primera. Con todos los matices que introduce no es que cree un nuevo modelo de Myers, pero si es diferente. Lo peor sin duda las visiones de esa enorme Sheri Moon Zombie, ella enorme, no las visiones ue desde la primera parecen una tontada. A favor el ritmo, la película pasa como una flecha y el enorme éxito de esta H2 o Halloween II que finalmente recaudó los $31,477,782 en Estados Unidos. Sigue siendo una película adecuada a la noche que es. Encaja como anillo al dedo. 

Ragtime

¡Qué ganas tenía de ver Ragtime! La vi en 1986, cuando falleció uno de los grandes actores del Hollywood clásico James Gagney, allá por la primavera de 1986. Esta fue su última película realizada tras estar retirado de la gran pantalla desde hacía 20 años. Tenía entonces aproximadamente 80 años. Su papel, no muy largo, pero contundente y determinando en el desarrollo del film. Se representa como siempre fue un hombre dura, sin piedad. Al fin y al cabo desde siempre o casi siempre esa era su imagen. ¡Para qué cambiarla!. Creo que en aquella primera vez, detecté dosis de un gran cine, pero posiblemente lo larga que es no me dejó apreciarla en la medida que se merecía. Hoy la he vuelto a ver, con tiempo, sin prisas, y a sabiendas de lo que veías y me ha encantado. 

Sabía que el título tenía que ver con la música. Al fin y al cabo los tres años que tuve que ser profesor de música me han servido para algo. Para quien no lo sepa , el ragtime tiene mucho mucho ver con el jazz, género que lo sustituyó en popularidad y en el gusto de los estadounidenses. Su momento de gloria lo vivió a finales del siglo XIX y principios de veinte. Se dice que su origen está en la marcha, música que responde a un compás binario - en ocasiones, cuaternario- pero que al pasar por el tamiz de los músicos afroamericanos - que apuestan por ritmos sincopados- adquirió una nueva forma , dando al ragtime, que presentaba una melodía sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos impares (primer y tercero). En breve tiempo el ragtime adquirió una enorme popularidad sobre todo en las clases bajas , pero lo más interesante es que de aquí, en parte, nace el jazz. Un música, muy a pesar es uno de los protagonistas de esta película coral que lleva por título el de Ragtime. 

Es precisamente un músico de color, un virtuoso, que deja su trabajo como jornalero de la música en los cines y cafés, encontrando trabajo en una orquesta es uno de los actores que protagonizan esta una película estadounidense del año 1981, dirigida por uno de los grandes directores europeos , el checo Miloš Forman, que tuvo que desarrollar gran parte de su vida profesional fuera de su país y que llegó a esta película sustituyendo a otro grande de la dirección, Robert Altman. 

La historia de Forman es parte de la historia de la "guerra fría". Hijo de protestantes checos que mueren en campos de concentración ( su madre en Auschwitz y su padre en Buchenwald), arrestados por el nazismo por distribuir libros prohibidos . Durante la Segunda Guerra Mundial, Forman que tuvo que vivir con unos parientes y que luego descubrió que su padre biológico era un arquitecto judío. 

Acabada la guerra, acudió a la escuela pública Krále Jiřího en la ciudad de Podebrady, donde coincidió con Václav Havel , estudiando posteriormente dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga, donde uno de sus maestros fue Otakar Vávra. 

En 1968, cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el país para poner fin a la Primavera de Praga, se encontraba en París negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del país ilegalmente. 

Se trasladó entonces a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector (junto a Frantisek Franek) de la división de cine de Columbia. A pesar de las dificultades iniciales, empezó a dirigir en su nuevo país y en 1975 adapta la novela de Ken Kesey One Flew Over the Cuckoo's Nest. 

La película ganó cinco Premios de la academia, incluyendo el de mejor dirección. En 1977, se convirtió en ciudadano estadounidense. Dos años después, en 1979, hizo el musical Hair y poco después comienza a trabajar en un proyecto que partía de una novela escrita por el escritor norteamericano Edgar Lawrence Doctorow o E. L. Doctorow y publicada en 1975. 

El nombre de la novela era Ragtime. La novela era una obra que se desarrolla en la ciudad de Nueva York y que abarcaba principalmente una franja grandes de tiempo que se movía desde 1902 hasta 1912, aunque culminaba con la entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en el año 1917 y combinaba o mezclaba las figuras ficticias con otras reales e importantes en la historia de Estados Unidos, así como en la mentalidad y moda de esos años que van desde inicios del siglo XX hasta ese año 17. 

La película era una producción del napolitano  Dino De Laurentiis, un hombre de cine implicado en más de 150 películas - e instalado desde 1972 en los Estados Unidos y que merece la pena leer su vida- que falleció en 2010 a través de su productora Dino De Laurentiis Company junto a Sunley Productions Ltd. y contando con el respaldo en la distribución de la Paramount Pictures.

El guión pasó a Michael Weller, aunque parece ser que también intervino en el mismo  Bo Goldman basada en el Ragtime de E. L. Doctorow . Milos Forman originalmente quería E.L. Doctorow para colaborar en el guión, pero el novelista pensó que un largometraje no podía hacer justicia a su novela ya que pensaba que debería hacerse como una miniserie de televisión en diez partes. Doctorow no participó en el desarrollo del guión.

Para la banda sonora contó con la música de Randy Newman y la fotografía de un paisano de Forman, Miroslav Ondříček estando a cargo del montaje Anne V. Coates , Anthony Gibbs y Stanley Warnow.

En cuanto al reparto la película contará a su favor con la recuperación para el cine de James Cagney , apartado del mundo del celuloide desde hacía 20 años . Además fue el debut o al menos la aparición en una importante película de numerosos actores como Samuel L. Jackson , Debbie Allen , Jeff Daniels , Andreas Katsulas , Ethan Phillips , Elizabeth McGovern , Stuart Milligan y John Ratzenberger . Para Cagney que interpreta al Comisario Rhinelander Waldo y para Pat O'Brien que en la película es Delmas fue su película final.

Además de los ya citados está Brad Dourif - que ya había trabajado con Forman en Alguien voló sobre el nido del cuco- como el hermano menor , Moses Gunn como el pianista Booker T. Washington , la televisiva "Ingalls" Elizabeth McGovern como Evelyn Nesbit , Kenneth McMillan como el jefe de bomberos Willie Conklin , Donald O'Connor como el profesor o instructor de ballet de Evelyn , James Olson como padre , Mandy Patinkin como Tateh , Howard E. Rollins, Jr. como Coalhouse Walker Jr. , Mary Steenburgen como madre , Debbie Allen como Sarah , Jeffrey DeMunn como Harry Houdini , Robert Joy como Harry Kendall Thaw .

Junto a estos aparecen Norman Mailer como Stanford White , Edwin Cooper como abuelo , un jovencísimo Jeff Daniels como el policía PC O'Donnell , Fran Drescher como Mameh , Frankie Faison como miembro de la banda, Alan Gifford como el  juez,  Richard Oldfield como Stock Reporter,  Richard Griffiths como el asistente de Delmas , George Harris como Clef Club Bandleader , Samuel L. Jackson como un integrante de la banda asaltante , Michael Jeter como el reportero especial , Andreas Katsulas como policía n. ° 3 , Bessie Love como anciana , Christopher Malcolm como el Capitán de la policía , Stuart Milligan como el Marksman , Zack Norman como el gerente , Ethan Phillips como guardia en Family House,  Barry Dennen como el director de escena , aparece Jack Nicholson como un actor que hace de pirata en la playa (sin acreditar)

La película nace con la Presidencia de Theodor Roosevelt (1901-1909) y con los Estados Unidos que está sufriendo los Estados Unidos, tanto en lo económico como en lo social o humano con la llegada masiva de millones de inmigrantes procedentes principalmente de Europa. Para mostrarnos esos cambios la película combina materiales documentales  en las que aparecen  noticias de la época con imágenes de la película. Entre esos imágenes documentales aparecen algunos personajes de moda de la época como son entre otros Harry Houdini , en algunos de sus retos, reflejo del éxito de la inmigración americana y del juego con la mortalidad, pero también referencias al arquitecto Stanford White ( Norman Mailer ), así como a la vida en la ciudad de Nueva York . El noticiario está acompañado por la música de un pianista de ragtime , Coalhouse Walker, Jr. ( Howard E. Rollins, Jr. ). Este primer documental concluye con una imagen del millonario industrial Harry Kendall Thaw ( Robert Joy ), disgustado ante la última creación de White, una estatua desnuda que culminará el techo del Madison Square Garden y que representa a  la artista Evelyn Nesbit ( Elizabeth McGovern), una antigua corista que ahora es la esposa de Thaw.

Desde el principio vemos a un gesticulante Thaw que accede a una cena privada del aquitecto. La cena combina alimentos así como la llegada de un grupo de jóvenes corista. Thaw va acompañado de cuatro matones que irrumpen en el edificio y luego en la sala. Por último, entran en el salón de la cena y Thaw amenaza con denunciar a la policía a White por haber corrompido a Evelyn y usarla como elemento decorativo en forma de estatua. White ni se inmuta y le dice que el jefe de policía está cenando entre ellos. Se trata del Comisario Rhinelander Waldo (James Cagney) , pero , finalmente, Thaw accede a salir de la sala.

Tras esto conocemos a una familia rica que vive en New Rochelle, Nueva York  . Se trata de una familida normalizada compuesta por el Padre( James Olson ) y  dueño de una fábrica, su esposa ( Mary Steenburgen) , el hermano menor de ella, el cuñado, ( Brad Dourif  ) el Abuelo y "el niño pequeño", el hijo pequeño del Padre y la Madre. El padres dirige una empresa familiar. Es fabricante de banderas y fuegos artificiales, una fuente fácil de riqueza debido al entusiasmo nacional por las pantallas patrióticas. Y lo conocemos durante una comida en la que el padre felicita a su cuñado por haber propuesto la fabricación de fuegos artificiales, lo que ha aumentado con creces su negocio. La tranquila vida de la familia se  ve de pronto perturbada.

Mientras están comiendo unas de las sirvientas de la casa da un señal de alerta al descubrir a un recién nacido en el huerto familiar. Se trata de un bebé de color que ha sido abandonado por su madre.

Poco después de denunciar el caso la policía encuentra a una chica de color por las cercanías que acaba de dar a luz. La madre del niño, una lavandera soltera llamada Sarah ( Debbie Allen ), es descubierta y llevada a su hogar. La policía informa que ella irá a la cárcel y el niño llevado a un hospicio. Ante estas noticias a la madre( Mary Steenburgen) se le ablanda el corazón y pide que tanto el bebé como la chica, una madre soltera, se queden en su hogar, a pesar de las objeciones de padre.

Mientras tanto vemos que el pianista afroamericano de ragtime ha dejado el cine en el que tocaba y que hora busca integrarse en una banda para mejorar su situación. Tras tocar pasa la prueba y se integra en una banda de éxito.

Tras esto, la historia vuelve a la pareja integrada por Thaw y Nebitt que salen una noche a cenar a un espectáculo. Allí , poco después se persona White. Sin mediar palabra Thaw se acerca al arquitecto y públicamente le dispara a White, matándolo.  En la sala está presente el cuñado (Brad Douriff) que es testigo de lo ocurrido  y se obsesiona con Evelyn, dejando el hogar durante largos períodos de tiempo para seguirla por toda la ciudad.

Ante el asesinato se va a celebrar un juicio. La madre del asesino regresa a Nueva York desde Gran Bretaña y está dispuesta a sacar a su hijo de la cárcel cueste lo que cueste. Contrata un bufete de abogados que preparan una estrategia. El marido será presentado como un hombre mentalmente desequilibrado y la razón será su mujer, Nesbit . En el juicio sale a relucir que Harry Kendall Thaw asesinó a White por presuntamente haber agredido sexualmente a Nesbit cuando tenía 15 años durante un viaje a Austria. El abogado de Thaw, Delphin ( Pat O'Brien ), soborna a Evelyn con un acuerdo de divorcio de un millón de dólares (que ella acepta) para guardar silencio sobre la inestabilidad mental de Thaw en su juicio y para testificar que White había abusado de ella.

El juicio tiene lugar y al mismo va el joven fabricante de fuegos artificiales , un hombre inseguro e infeliz que persigue el amor y la emoción y que  se obsesiona con Evelyn Nesbit, acechándola a través de la ciudad.

En una de las sesiones de la vista , cuando Evelyn se desplaza por las bulliciosas de la ciudad plagadas de inmigrantes , en concreto por las viviendas del Lower East Side, tiene lugar una retención motivada por   la caída de un caballo que impide el paso por la calle, Evelyn se baja del coche retenido y se acerca a ver lo que ocurre, mientras se acerca ve a un artista que está cuidando de su hija , mientras trabaja recortando perfiles. El artista callejero es Tateh ( Mandy Patinkin )

Ella le pregunta al artista ruso el por qué lleva a su hija atada a la pierna y  que vive de su talento y se gana la vida recortando siluetas de personas en papel en la calle, comenta que no quiere que se pierda o la secuestren.

De inmediato un integrante de la comunidad rusa que vive en la calle se le acerca. Le pide a Evelyn si se puede quedar con su hija y el se dirige a un local en la que un tipo se está tirando a su esposa ( Fran Drescher ). Se forma un escándalo mayúsculo y él sale para la casa y tira por la ventana la ropa después de la infidelidad.

Él se lleva a su hija y se va de Nueva York, llevándose consigo el libro plegable con imágenes en movimiento  que él ha creado a una compañía de juguetes, y que comienza a vender con éxito.  En este país de oportunidades la empresa se convierte en pionera de la animación en la industria cinematográfica.

Testigo de todo ello es el fabricante de fuegos que sigue a la chica y que un día, cuando ella vuelve al piso del artista ruso, pues Evelyn se ha encariñado con la niña pequeña, está preocupada por su desaparición,  se atreve a hablar con ella, embarcándose en una relación breve e insatisfactoria relación con ella cuando el hermano menor le declara su amor.

Ella comienza una aventura con él mientras comienza a planear su regreso al escenario. Supone que finalmente se casarán y planea presentarla a su familia. Sin embargo, después de que Thaw no es declarado culpable por locura temporal, sus abogados interrumpen uno de los encuentros de Evelyn con el cuñado , le informan que Thaw la demandará por infidelidad, ofreciéndole un nuevo acuerdo de divorcio mucho menos rentable que ella acepta. El asunto termina poco después, dejando al hermano menor solo y a la deriva.

Por su parte,  Coalhouse Walker (Howard E. Rollins Jr.), el pianista negro, un hombre culto y educado llega a la casa en busca de Sarah, conduciendo un nuevo modelo T Ford y actuando de una manera franca y abierta a diferencia de la subordinada actitud que se esperaba de la comunidad afroamericana en ese momento.

Coalhouse resulta ser el padre del niño que acogió a Sarah y al bebé. Cuando es contratado por la banda busca a la chica y a la criatura desembarcando en la acaudalada familia de New Rochester.

Coalhouse pide ver a Sarah, la madre , pero está severamente deprimida, aunque se niega a verlo,  Coalhouse insistey regularmente Walker, el padre del niño, visita  la casa  para ganarse los afectos de Sarah. También en la familia adinerada causa buena impresión al ser un gran  músico profesional, al estar bien vestido y  hablar con educación. Además, al darse cuenta de que él es el padre del bebé, le anuncia a un padre escéptico que tiene la intención de casarse con Sarah.

Se gana así el respeto de la familia y supera sus prejuicios inicialmente tocando música ragtime en su piano mal afinado. Como las cosas marchan bien, Coalhouse le pide matrimonio a Sarah. La familia también será invitada.

Pero , al marchar en su Ford T, tiene la disgracia de encontrarse de cara con la discriminación racial por parte de unos indeseables. Se trata de un grupo de bomberos voluntarios encabezados por  el jefe de bomberos Willie Conklin ( Kenneth McMillan ), que se niegan a permitir que su automóvil pase por su estación de bomberos.

Coalhouse busca a un policía ( Jeff Daniels), y regresa para encontrar el asiento delantero de su auto sucio con  una mierda depositada por uno de ellos. Pero tras negarse a limpiarla y exigir que sean ellos los que la limpies, intenta defender su dignidad. Sus protestas terminan con el policía racista que lo arresta por estacionar su auto ilegalmente. Por contra, Conklin no es arrestado.

Tras ser sacado de la cárcel por el padre, descubren que Will Conklin y su gente destrozó su Ford Modelo T.

Comienza una búsqueda unánime de reparación mediante acciones legales, pero descubre que no puede esperar ganar debido al prejuicio inherente del sistema, ya que el Ayuntamiento no quiere hacerse responsable pues son voluntarios y no funcionarios públicos, y la policía lo manda de un lado a otro.  Coalhouse lleva a cabo acciones legales, pero no puede encontrar a un abogado dispuesto a representarlo, ni tan siquiera a un negro al considerar que su caso es un tema de orgullo y no es una lucha por los problemas de su raza.

Tras esto se ve con el padre de familia que le expresa que Coalhouse no tiene ningún recurso legal para él debido a su raza,pero el cuñado que sí apoya   a Coalhouse, se pelean  frente a Sarah.

Sarah, viendo el estado de nerviosismo y obsesión de Coalhouse, decide buscar ayuda. Busca al vicepresidente de los Estados Unidos, que está en campaña electoral, para contarle lo sucedido u que éste busque una solución , pero es brutalmente apaleada por la policía cuando ve que se le acerca y , más tarde,  tras sufrir importantes heridas muere de los golpes.

Coalhouse usa el dinero que estaba ahorrando para su boda para pagar un funeral que respondiese a su idea de boda, con banda de música incluida.

Después del funeral de Sarah, Coalhouse y un grupo de seguidores emboscan a los bomberos voluntarios, matando a varios de ellos. Habiendo agotado los recursos legales, Coalhouse reúne a un grupo o banda de gente de color comienza a atentar contra el parque de bomberos y a colocar bombas en las estaciones de bomberos para obligar a la ciudad a cumplir con sus demandas: que su Modelo T sea restaurado a su condición original y que Conklin sea entregado a él por justicia. Previamente el músico ha enviado una carta a la policía y periódicos amenazando con atacar a otros cuarteles de bomberos.

El padre se muestra muy disgustado por la violencia de Coalhouse, pero el cuñado discute con él porque apuesta el padre por la mansedumbre, así que lo rastrea.

Por su parte, la madre adopta extraoficialmente al niño abandonado de Sarah y Coalhouse ante las dudas que le asaltan a su padre, poniendo presión sobre su matrimonio.

Mientras la banda de los "Coalhouse Walker" continúa su campaña  a pesar del desea de la policía de localizarlo. A la misma se une el cuñado , tras buscar su ubicación , decide unirse a la banda y aportar si buen conocimiento en materia de explosivos.

Presionados por su propia comunidad de vecinos, todos blancos horrorizados por haber dado su apoyo y acogidos a unos negros,  y perseguidos por los reporteros por su participación en los problemas de un hombre negro, y viendo la ineficacia de la policía - hay uno permanentemente dentro de casa, el padre y madre, juntos a sus dos hijos - el adoptado ya es suyo- y el suegro,  abandonan New Rochelle para pasar una temporada de descanso en Atlantic City.

La casualidad, el encuentro entre su hijo y una pequeña,  hace que den  con Tateh, que ahora es un director de cine, que se hace llamar "el Barón" para moverse más fácilmente a través de la alta sociedad y que trabaja en una película con Evelyn Nesbitt, una de piratas rodada en la playa. La madre se siente atraída por él, y ella y su marido discuten.

Coalhouse y su pandilla banda tras golpear  algunas estaciones de bomberos de la ciudad y del Estado deciden dar el golpe definitivo asaltando  la Pierpont Morgan Library y tomando como rehenes a la inapreciable colección y llenando el edificio con dinamita.

El edificio pronto está rodeado por la policía y por las unidades de la Guardia Nacional. El Comisionado de Policía Rhinelander Waldo ( James Cagney) llega para tomar el mando del asedio. Él envía hombres para recuperar al pequeño de Walker para usarlo como una moneda de cambio, pero la madre se niega a entregarlo. Esto enoja a Padre, quien le exige que deje al niño, y él regresa solo a Nueva York para ayudar a Waldo.

Dado la inquietud que siente por lo que ha pasado con su protegido de color y por la ausencia de su cañado, no sabe que está en la banda, se presenta ante la toma de la Biblioteca como mediador, al igual que el jefe de la comunidad de color de Harlem, Booker T. Washington El político negro moderado Booker T. Washington intenta negociar con Coalhouse Walker, pero sin éxito. Por su parte, Coalhouse y su banda exigen a cambio de Conklin y el automóvil.

Dado que no tienen éxito es el padre a quien se le autoriza a ir a una reunión con Coalhouse en la biblioteca.

Mientras tanto Conklin, que ha huido es capturado por la policía en casa de sus padres , bajo la cama,  y obligado a telefonear a Coalhouse para pedir disculpas.

El comisario Waldo está disgustado con Conklin y su actitud racista, a quien llama "un trozo de baba", pero no puede someterse a las demandas terroristas y en su lugar lo arresta.

Coalhouse finalmente acepta rendirse si Waldo permite que sus hombres, a quienes se les ha entregado su restaurado Modelo T salgan de manera segura del edificio.

Waldo está de acuerdo luego de que el padre se ofrezca como voluntario para permanecer dentro de la biblioteca como rehén.

Los hombres de Coalhouse escapan en el auto y él saca al padre de la biblioteca. Reza, aparentemente dispuesto a volarse, pero , tras dudar, decide rendirse a la policía. Cuando sale del edificio con las manos en alto, Waldo ordena a un francotirador que le dispare siendo Coalhouse machacado por las balas , mientras se entrega a las autoridades.

La película termina con otro montaje de noticiarios: Evelyn baila en un vodevil, y Harry Thaw es liberado del centro pisquiátrico en el que estaba recluido. Por su parte, Harry Houdini escapa de una chaqueta mientras cuelga varias plantas sobre el suelo, mientras debajo de él, los periódicos anuncian que la guerra ha sido declarada (es el año, 1917, y el comienzo de la Primera Guerra Mundial ). El hermano menor vuelve a su trabajo como fabricante de fuegos artificiales.

En la toma final, el padre  mira desde su casa de New Rochelle mientras su mujer, la madre sale con la hija de Tateh y el de Coalhouse.

La película fue filmada entre agosto y diciembre de 1980 en  diversos puntos de la ciudad como en el Block of houses, en el East 11th Street between Avenues A and B, de New York City o en St Luke's Place, Greenwich Village  y del estado de Nueva York como en West Main Street de Mount Kisco - contando aquí con el apoyo de uno de los residentes locales, el director Joseph L. Mankiewicz , en sus casas victorianas, en Haverstraw, en Bedfort; en Spring Lake sita en Nueva Jersey ; también en Branford Trolley Museum, en East Haven, Connecticut,    y en los Shepperton Studios de Surrey  en el Reino Unido.

Con respecto a esta última intervención de James Cagney comentar que sus médicos y cuidadores le habían informado a James Cagney que hacer una película en este momento de su vida era muy importante pero también peligroso dado su estado de salud. Como su estado de salud estaba delicado, y contaba 81 años, el actor nunca voló, por lo que él y su esposa tomaron un transatlántico a Londres, donde se filmaron sus escenas. La película es un ejemplo de su profesionalidad ya que, a pesar de sus numerosas enfermedades, optó por tener este último relato en la gran pantalla y su presencia es evidente en múltiples primeros planos para no mostrar que estaba ya en silla de ruedas. Se utilizó un sustituto para las escenas que lo mostraban de pie, tomadas desde atrás. James Cagney se opuso a decir la palabra "nigger" en referencia a Walker, por lo que se empleó el término menos peyorativo "buck" . Debido a la presencia del enfermo James Cagney, en lo que se convirtió en su última aparición en la pantalla, la película quedó oficialmente exenta de la prolongada huelga de actores de principios de los 80. Fue la única producción que recibió ese honor.

Al igual que Brad Dourif iba a salir en la misma otro de los protagonistas de Alguien voló ..., en concreto, Jack Nicholson, pero tuvo que abandonar la película menos de un mes antes de que comenzara la filmación, dejando a los productores sin su estrella.

El director Milos Forman reclutó a James Cagney, a quien había conocido el año anterior en una cena privada en Connecticut. Le ofreció a Cagney cualquier parte que quisiera, incluso el papel de Evelyn Nesbitt, declaró en su momento el director. Según Milos Forman, James Cagney inicialmente aceptó interpretar al jefe de policía bajo dos condiciones: no firmaría un contrato de ningún tipo, y se reservó el derecho de cambiar de opinión y abandonar la película hasta tres días antes de que comenzara el rodaje de sus escenas. Como a James Cagney ya le fallaba la memoria se le entragó paneles para la memorización y las tarjetas de referencia.

Milos Forman contrató a Donald O'Connor a petición de James Cagney. O'Connor había tenido problemas personales y profesionales, y Cagney quería ayudarlo. Además el director checo con nacionalidad estadounidense reunió a James Cagney, quien se jubila en 20 años, con Pat O'Brien, su frecuente coprotagonista de los años treinta y cuarenta. Fue la última película para los dos.

Howard E. Rollins, Jr. fue maestro de escuela antes de asumir el papel de Coalhouse Walker. aunque O.J. Simpsony se postuló para el papel- perdió en el Golden Globe Award por Mejor Novato ese año , ya que ganó ¿Pia Zadora?

Mary Steenburgen estaba embarazada durante el rodaje. Su ropa de fin de siglo lo ocultó. Por su parte, Jeffrey DeMunn que interpretó a Houdini realizó sus propias acrobacias, incluida una escena en la que trata de salir de una chaqueta recta colgada boca abajo desde una altura considerable. Tateh y su esposa en los créditos aparecen como "Tateh" y "Mameh". Estos no son nombres de personajes, sino las palabras yiddish para "padre" y "madre", respectivamente.

De la duración de la película de 155 minutos, 49:18 minutos cuentan con música. En el álbum de la banda sonora se escuchan 13 minutos de música inaudible en la película. Esto implica que Randy Newman escribió más de una hora de música para la película. Se suponía que una canción, "Change Your Way", sería para los créditos de apertura cantados por Scatman Crothers, pero la escena nunca se filmó. La canción se puede escuchar en el álbum de la banda sonora, como la canta el propio Randy Newman. Una canción que sufre una buena porción de cortes es la señal "Denouement".

La película fue estrenada el 20 de noviembre de 1981 y lo mucho invertido en ella - tuvo un presupuesto $ 32,000,000 - no dio sus frutos en la taquilla no llegando alcanzar los  $ 11,099,118 .

Eso sí consiguió algunos Premios y reconocimientos en forma de nominaciones tras su estreno y en los certámenes de 1982

Obtuvo ocho nomaciones al Oscar, incluyendo al ejor actor en un papel secundario Howard E. Rollins, Jr. , mejor actriz en un papel secundario Elizabeth McGovern pero perdió ante Maureen Stapleton, ya que lo ganó por su papel de Emma Goldman en Reds. También obtuvo nominaciones al Mejor guión, guión basado en material de otro medio Michael Weller ; a la mejor fotografía , la de Miroslav Ondrícek, mejor dirección de arte y decoración de conjunto para John Graysmark , Patrizia Von Brandenstein y Tony Reading , Set Decoración para  George DeTitta, Sr. , George DeTitta, Jr. , y Peter Howitt y mejor diseño de vestuario para Anna Hill Johnstone . Igualmente para la mejor música, como la partitura original escrita por  Randy Newman y mejor canción original Randy Newman por la canción "One More Hour"

En los Globos de Oro obtivo siete nominaciones, incluyendo mejor película - Drama Mejor película - Drama Mejor actor en un papel secundario  para Howard E. Rollins, Jr. ; mejor actriz en un papel secundario para Mary Steenburgen, mejor director  Miloš Forman, mejor canción original Randy Newman para la canción "One More Hour" y nueva estrella del año en una película Howard E. Rollins, Jr y  Elizabeth McGovern


En los BAFTA fue nominada a la Mejor canción original (One More Hour). Por el Círculo de Críticos de Nueva York estuvo nominada al Mejor actor secundario (E. Rollins Jr.) ; Y el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión adaptado drama

Consiguió un Grammy , eso sí, al Mejor álbum de partitura original escrito para una película especial o especial de televisión Randy Newman. Igualmente, la película fue galardonada con el premio LAFCA en 1981 a la mejor música, compuesta por Randy Newman.

La Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles premió la banda sonora de Randy Newman  e igualmente fue nominada en los Premios de imagen de NAACP a la mejor película y premiad al Mejor actor de reparto en una película Moses Gunn

Algunos señalan que aquí el concepto de "ragtime" es usado aquí para enmarcar el nacimiento de este tipo de música interpretada por la gente de color como también el inicio de la toma de conciencia de la población negra estadounidense , de su papel en la sociedad, de sus derechos civiles, de su dignidad, no quedando al margen el apoyo de muchos hombre y mujeres blancos. 

Vista por segunda vez, con mucha distancia con respecto a la primera, tengo que decir que es una película que es muy coral ha ganado con los años. En ella el papel de Randy Newman, en lo que sería su debut es esencial, así como la fotografía, de Miroslaw Ondrícek, que saca mucho de los exteriores y escenarios. 

Destacar igualmente el papel que jugaran los encargados del vestuario y del diseño de arte , que con razón, fueron nominados en muchos certámenes. El resultado final es un relato complejo, pero bien construido, con historias que surgen de forman independiente que convergen como un sícopado musical tan propio del ragtime, gracias a un montaje soberbio, y que combina bien lo real y lo ficticio, lo documental con la historia novelada. Como no es de extrañar el director no dejar a un lado su propio homenaje al cine y sus pioneros, en gran medida judíos centroeuropeos, con lo fue el mismo Forman, que vieron en el entretenimiento un forma de representar y aligerar y alegrar la vida de la gente. Estoy convencido que en esta película no es ignorada por Scorsese y su La edad de la inocencia, aunque el italoamericana se centre en la historia de la clase alta, como hará después con la clase baja en Gangs of New York.

Cuando escribo esto, unos días después de haber visto la película, me entero que acaba de fallecer el gran maestro de la dirección. Este será mi homenaje particular al mismo. 

La injusticia en el cine

Dice en su libro Guillermo Cabrera Infante en su Cine o Sardina que el género estadounidense por antonomasia, el western nació de la mano de Edwin S. Porter en su película El gran robo del tren cuando el protagonista con un Colt del calibre 45 dispara apunta al fotógrafo y dispara sobre el espectador seis balazos. Varias líneas después el escritor cubano señala que este género se mantiene hasta que otro director, Michel Cimino, decidió que los géneros se destruyen como una forma perecedera de la materia.  Y prosiguen diciendo que "Las puertas del cielo se abrieron a la destrución como si fueran las del infierno".

Esta afirmación que parece, en principio, muy concluyente y categórica, no sólo fue defendida por el que fuera Premio Cervantes de las Letras, sino que , durante muchísimos años, se ha considerado a este director y a esta película como las causantes de la destrucción de la segunda época de Hollywood. 

Lo cierto es que desde 1980  esta película fue colocada en el disparadero del final de lo que se llamó el "Nuevo Hollywood" Y aunque existen discrepancias entre los historiadores cinematográficos sobre dónde situar el arranque de la última edad de oro del cine estadounidense. Unos hablan de Bonnie & Clyde (Arthur Penn, 1967), mientras que otros hablan de Easy Rider (Dennis Hopper, 1969)casi todos culpan del fin de este momento álgido de Hollywood a la película del neoyorkino  Michael Cimino , responsable del entierro que provocó el fin del un momento en que  directores emergentes que apostaban por la combinación entre el arte, el espectáculo y el negocio - ¿por qué no?- habían puesto fin a la "dictadura" de los productores cinematográficos a finales de los años sesenta. 

Sin embargo el fracaso en pantalla de esta película de Cimino que hablaba de las luchas entre campesinos, colonos y terratenientes en el Wyoming de 1889,  decantó la lucha de poder entre directores y productores,  a favor de estos últimos y  que  desde entonces volvieron a hacerse dueños del cine, apostando por lo que algunos han llamado infantilización o cine  comercial de los ochenta, modelo aún en vigor.

Hasta el fiasco en las carteleras de Las puertas del cielo , los "enfants terribles" de la dirección habían conseguido montar macroproyectos de autor con presupuestos más que holgados para hacer sus películas. 

No hace mucho un escritor Peter Bisking, jefe de redacción de la revista Premiere y director de American Film,y redactor adjunto en Vanity Faircon múltiples artículos publicados en The New York Times, Los Angeles Times, The Washington Post y Rolling Stone, escribió para la editorial Anagrama un par de libros Sexo, mentiras y Hollywood y, el que aquí nos trae, Moteros tranquilos, toros salvajes en el que se dice que “Inflado por sus Oscar, tozudo y tan megalómano que a su lado Coppola parecía Mary Poppins, Cimino había ganado todas las refriegas previas al rodaje de La puerta del cielo, incluido un reparto en el que figuraban, en lugar de grandes estrellas, Kris Kristofferson, Isabelle Huppert, Christopher Walken y John Hurt, y, lo que es más importante, el derecho, establecido por contrato, a pasarse de presupuesto en caso necesario”, explica Biskind en el libro.

En el se hace mención lo imperdonable que es en Hollywood el fracaso comercial, el flop, o el fiasco. Desde entonces usando términos soviéticos ¡Todo el poder a las Productoras"

En julio de 2016 cuando falleció el director Michael Cimino, se recordaba una y otra vez como 'La puerta del cielo', ,uno de los mayores fracasos de Hollywood y que su flop supuso para su productora, United Artists, su fin. Es curioso pero en el mundo del cine hay caminos de ida y vuelta y lo que fue un fiasco absoluto, como el que comentaba en su artículo Cabrera Infante, hoy se ve como una auténtica obra maestra.

Lo cierto es que el rodaje del film dejó para la posteridad en mala posición el 'perfeccionismo' de los directores para ceñirse a lo que estaba programado. Y aunque es innegable que acabó con dos productoras, una la que asumió en nombre de Cimino el trabajo, la Partisans Productions, también lo hará con otra de las históricas empresas del cine , encargada en este caso de la distribución de la misma, la creada con esfuerzo el 17 de abril de 1919 por cuatro grandes de Hollywood por Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Griffith , con la intención de controlar sus propios intereses en lugar de depender de estudios comerciales, desaparerá tras una compleja venta engullida por una de la major.

Lo que sorprende es que a pesar de que la UA, como se le conocía integrada en la "A Transamerica Company" desde 1968 , tuvo su año más exitoso con cuatro éxitos en 1979 como Rocky II, Manhattan, Moonraker y El corcel negro, todas ellas realizadas   bajo la presidencia de Andy Albeck como presidente de la UA la decisión de dar vía libre a Cimino en Las Puertas del Cielo supondría no sólo la dimisión de Albeck sino su substitución por Norbert Auerbach, y lo que es peor, la destrucción de la reputación de UA con Transamerica. Auerbach aunque pudo salvar el nombre de United Artists,  antes de la venta, no impidió que la Transamerica decidiera abandonar el negocio de la producción de películas, y que United Artists fuese puesta a la venta, pasando inicialmente a Kirk Kerkorian de Tracinda Corp. que compró la compañía, pero como Tracinda también era propietaria de Metro-Goldwyn-Mayer, ésta finalmente la adquirió United Artists en 1981.

La puerta del cielo (Heaven's Gate)  efectivamente supuso graves perdidas para la United Artists debido a la diferencia entre los costos de producción y las ganancias en taquilla, pues de los 44 millones de dólares que costó, solo consiguió recaudar en taquilla en Estados Unidos 3 millones de dólares, llevando a la bancarrota a la productora. También significó un duro golpe para la carrera de Cimino, quien dos años antes había dirigido la muy premiada The Deer Hunter ( El cazador en España) y también hizo que la película apareciera con frecuencia en las listas de las peores películas de la historia- Algunos hablan de pérdidas que alcanzaban los 76,2 millones de euros. La taquilla desde su lanzamiento apaenas llegó a los 3,5 millones de dólares.

La película de Michael Cimino fue producido por Joann Carelli , productor con quien Cimino había realizado El cazador y que no lo abandonará más tarde estando presente igualmente en El Siciliano (1987).

La historia se fundamenta en un guión del mismo Michael Cimino siendo la música de David Mansfield , la fotografía de Vilmos Zsigmond y el montaje, hay que señalar que hubo varios, lo fue de Lisa Fruchtman , Gerald Greenberg , William Reynolds y Tom Rolf.

El reparto estuvo integrado por Kris Kristofferson como James Averill,  Christopher Walken como Nathan D. Champion, Isabelle Huppert como Elle Watson, John Hurt como William Billy C. Irvine,  Brad Dourif como  Mr. Eggleston, Joseph Cotten como el reverendo Gordon Sutton, Jeff Bridges: como John L. Bridges,  Sam Waterston como Frank Canton, Mickey Rourke como Nick Ray,  Willem Dafoe como un extra sin acreditar de nombre Willy,  Geoffrey Lewis como el trapero Fred , Paul Koslo como el alcalde Charlie Lezak , Richard Masur como Cully , Ronnie Hawkins como el Mayor Wolcott,  Terry O'Quinn como el capitán Minardi,  Tom Noonan como Jake , Roseanne Vela como una de las chicas y  Nicholas Woodeson como el hombre pequeño.

La película que empieza con unos tres minutos de la banda sonora de David Mansfield, músico acompañante de Bob Dylan en algunas de sus giras y compositor estadounidense que aparece en varias ocasiones en la película tocando el violín y en una ocasión montado sobre patines, en una obertura que contiene toda las cortes que irán apareciendo a lo largo de la película sobre un fondo negro del que finalmente aparece un rectángulo en blanco que cuando se acerca descubrimos que es el anagrama de UA qu va gurando hasta mostrase completamente. Parece desde luego un canto del cisne para la compañía.

Después la película se traslada a Harvard al año 1870. Descubrimos como dos amigos, James Averill (Kris Kristofferson) y William Billy C. Irvine (John Hurt),  hijos de la élite gobernante, concluyen sus estudios universitarios y se preparan para la vida adulta no sin antes cumplir con viejas tradiciones universitarias como una parada musical  por el recinto universitario que culmina en el recinto religioso de la misma en la que es recibido por el reverendo Gordon Sutton (Joseph Cotten) y en el que es invitado a hablar como portavoz de los estudiantes el joven Irvine. El reverendo habla a los graduados sobre "la importancia de la mente cultivada" y el valor de la educación. Irvine, brillante pero obviamente intoxicado, lo sigue con   puntos de vista opuestos e irreverentes.

Tras el insonoro discurso comienza el baile final de los estudios en la Universidad de Harvard, el Danubio Azul de Strauss en el que bailan chicos y chicas que han participado y visto la graduación respectivamente en los jardines del recinto universitario así como la ceremonia y lucha para conseguir un ramo de flores. Averill que lo consigue, no sin esfuerzo, se lo entrega a una chica.

Tras esto descubrimos a Averill montado en un tren. Han pasado veinte años de aquella ceremonia y  viven en circunstancias muy distintas. Ambos se han desplazado al oeste, en concreto a Wyoming. Ahora Averill, más serio y visiblemente más viejo, se ha convertido en un "marshall" federal. Por su parte, Irvine, destruido y arruinado por la bebida, pero todavía en su sano juicio, es miembro de la Asociación de Agricultores y Ganaderos, que está involucrada en un conflicto.

Descubrimos igualmente que en el condado de Johnson ( Wyoming), 1890 hay un enfrentamiento abierto en los miembros de esta asociación y los colonos que en su mayoría son inmigrantes de Europa del Este (Rusia, Serbia, Polonia o Alemania) que han llegado al este estado con la esperanza de un reparto equitativo de tierras que no se produce y que condena a  muchos de  estos inmigrantes a la pobraz más absoluta y a plantear como solución ante la hambruna el robo  de ganado.

Ante esto los miembros de la Asociación han apostado por contratar a mercenarios que disparan sin piedad sobre los ladrones siguiendo las directrices de los terratenientes.

Cuando llega Averill a una ciudad en auge Casper (Wyoming) se entera por un amigo ferroviario que hay una reunión de los miembro de la asociación de los terratenientes, la Wyoming Stock Growers Association ,  en su club social. Entre los integrantes está Billy Irvine, ahora muy degradado que le da información y un listado con la propuesta para asesinar a 200 hombres y mujeres de Sweetwater y del condado de Johnson vinculados de una u otra manera en los robos de ganado.

Nos enteramos que el sheriff Jim Averill,  desde hace un tiempo y por principios lo que pretende es que impere la ley en el condado , por lo que ha sido colocado en el centro de las críticas de la Asociación que le acusa de defender a  los inmigrantes  que son acusados de robo y amenazados por mercenarios contratados por terratenientes.

En una reunión formal del consejo, el jefe de la Asociación, Frank Canton (Sam Waterston ) le dice a los otros miembros, incluyendo a un borracho Irvine, su plan para matar a 125 colonos, alegando que son ladrones y anarquistas.

Irvine sale de la reunión, se encuentra con Averill, y le habla de los planes de la Asociación. Cuando Averill se  dispone a marchar intercambia duras palabras con Canton. Canton intenta golpear a  Averill pero es él, Canton, el que acaba golpeado en el suelo. Esa noche, Canton recluta hombres para matar a los colonos apuntado en esa infame lista.

Entre los que han sido contratados por la Asociación se encuentra Nate Champion (Christopher Walken) , un antiguo colono al que le duele lo que está pasando, pero que cumple sin miramientos su cometido, como ocurre con Kovacs , un inmigrante que ha robado un ternero, aunque persuade a otro del robo cuando está a punto de sacrificar al animal, pues se sabe que es - y ha sido- uno de ellos.

La intención de Nate es la de casarse con una prostituta inmigrante de origen francés o quebecois, pero de la que también Averill está enamorado.

De hecho descubrimos que viene de comprarle una carreta de paseo para celebrar su cumpleaños que ha sido embarcada en el tren y con la que pasean públicamente una vez que se ha llegado a verla, han hecho el amor , exhibiéndose por el pueblo.

El problema para Averill es saber que en la lista está Elle Watson por aceptar ganado robado como pago por el uso de sus prostitutas.

A pesar de todo, Averill y Watson patinan en una multitud, y luego bailan solos, en una enorme pista de patinaje denominada "Heaven's Gate", una enorme carpa, que ha sido construida por el empresario local John L. Bridges (Jeff Bridges) , dueño de un bar y de un espacio de juegos.

Averill obtiene una copia de la lista de posibles víctimas de la Asociación gracias a  un capitán del Ejército de EE. UU. con el que juega en el béisbol y más tarde lee los nombres en voz alta a los colonos, quienes se quedan aterrorizados.

Cully, el trabajador de la estación y amigo de Averill, ve como en el tren se han montado los pistoleros contratados por Canton  y decide salir hacia el norte con el fin de avisar a los colonos, pero es asesinado en el camino .

Más tarde, un grupo de hombres llega al burdel de Watson y la viola. Todos menos uno son asesinados por Averill. Averill con horror descubre que antes el grupo ha matado a todas las chicas y al chico que se hacía cargo del burdel.

Champion, al darse cuenta de que sus patrones  trata de eliminar a Elle Watson, va al campamento de Canton y dispara al violador que queda, luego se niega a participar en la masacre.

Canton y sus hombres encuentran a uno de los amigos de Champion, un trapero de nombre (Fred  Geoffrey Lewis) saliendo de la cabaña de Champion , en la que vive unos días junto a Nate y su amigo Nick(Mickey Rourke) asesinándolo a su salida e iniciando un tiroteo que acaba con las vidas de los otros dos tras forzar la salida de Nick y Nate por medio de un carro envuelto en llamas quemando la cabaña..

Por su parte Elle, intentando salvar a Champion,  llega en su carro y recibe un disparo con uno de los cañones contratados antes de escapar a caballo.

Watson visto lo visto va a la carpa y advierte a los colonos, que están en una asamblea discutiendo qué es lo que han de hacer, sobre las intensiones de exterminarlos a todos por parte de Canton. La reunión ahora resulta enorme y caótica "Heaven's Gate". Pero los colonos agitados deciden luchar;.

Bridges lidera el ataque contra la gente  de Canton. Con los sicarios contratados ahora rodeados, ambos lados sufren víctimas (incluyendo a un Irvine borracho, poético) mientras que Canton rscapa para pedir  ayuda al ejército.

Watson y Averill vuelven a la cabaña carbonizada y humeante de Champion y descubren su cuerpo junto con una carta escrita a mano que documenta sus últimos minutos vivos.

Al día siguiente, Averill se une a regañadientes a los colonos y con su conocimiento de la historia decide usar una técnica de ataque de época romana. Con sus máquinas de aserrar  y cargas explosivas, inicia un ataque contra los hombres de Canton y sus fortificaciones improvisadas.

Nuevamente hay fuertes bajas en ambos bandos, antes de que llegue el Ejército de Estados Unidos, con Canton en cabeza, para detener la lucha y salvar a los mercenarios restantes sitiados.

Más tarde, Watson y Bridges, son informados de que han de marcharse por Averill. Ambos se preparan para irse para siempre. Pero son emboscados por Canton y otros dos que disparan y matan Bridges y Watson.

Después de matar a Canton y a sus hombres, Averill afligido sostiene el cuerpo de Watson en sus brazos.

Tras esto el tiempo pasa. Y , una década después, en el año 1903, descubrimos a un Averill bien vestido, sin barba, pero de aspecto envejecido, que recorre la cubierta de su yate en  Newport, Rhode Island .

Tras estar en cubierta va abajo, donde es recibido por una atractiva mujer de mediana edad que está durmiendo en una lujosa cama. La mujer, la antigua novia de Averill, en Harvard (tal vez ahora su esposa), se despierta y le pide un cigarrillo. En silencio, él  cumple la petición, lo enciende y regresa a la cubierta, acabando así la película.

La película se rodó en Wallace, Idaho como Casper , y su calle principal, Kalispell,Deer Lodge, Blackfeet Indian Reservation, Painted Teepee Peak y Two Medecine Lake en el Parque Nacional Glacier, donde se recreó Sweetwater, en Montana, Estados Unidos Se rodó igualmente en Gran Bretaña, en concreto en Hertford Bridge, en el Mansfield College, Tom Tower, Cuadrilátero de Tom Quad, , Teatro Sheldonian, en el New College Lane de la Universidad de Oxford, al igual que en una de sus calles, la de Broad Street, También se rodó en Newport, en Rhode Island, en su Rosecliff Mansion en el 548 Bellevue Avenue, y en Cambridge, Massachusetts.

Algo algo real en lo que cuenta la película.  Los elementos básicos de la trama de la película fueron inspirados por la Guerra del Condado de Johnson de Wyoming en 1892, el conflicto entre ganaderos-colonos que también sirvió como referencia a Raices Profundas o  Shane y El Virginiano o The Virginian .

La mayor parte de los personajes principales de la película llevan los nombres de figuras claves reales en la guerra, pero los acontecimientos retratados en la Puerta del Cielo tienen poca semejanza con los acontecimientos históricos reales.  Mientras que los "homesteaders" comenzaron a instalarse en el norte de Wyoming en la década de 1890, reclamando tierras bajo los recientemente promulgados Homestead Acts , no había  hubo inmigrantes europeos hambrientos de tierras que acabaran matando el ganado de los hombres ricos para alimentar a sus familias, como  muestra  la película.

Nate Champion , que es retratado como un asesino y "ejecutor"  era en realidad un pequeño ranchero del condado de Johnson , apodado "rey de los rustlers" por los stockmen porque él resistió su táctica de reclamar todo el ganado joven sin marca como su propio.

Jim Averell era otro homesteader que vivió cerca de 100 millas (160 kilómetros) al sudoeste del condado de Johnson.

Dos años antes de que comenzara la Guerra del Condado de Johnson, él y su esposa, Elle Watson, fueron asesinados por sicarios pagados que  falsamente acusaron a Watson de intercambiar favores sexuales por ganado robado. Nunca hubo pruebas de que Watson fuera una señora del burdel, como se retrata en la película, ni que Watson o Averell conocieran a Nate Champion.

En 1971, el director cinematográfico de Hollywood, Michael Cimino, presentó un guión original para Heaven's Gate (entonces llamado The Johnson County War ), pero el proyecto fue archivado cuando no consiguió atraer a grandes nombres.

En 1979, después de dos películas   seguidas de cierto éxito como  Thunderbolt y Lightfoot de 1974 (rodadas en Montana), y en vísperas de ganar dos premios de la Academia (el mejor director y el mejor cuadro ) para 1978 el Cazador , Cimino era , en esos momentos, uno de los grandes directores de Hollywood, utilizó su "poder  " para convencer a United Artists de resucitar el proyecto con Kris Kristofferson , Isabelle Huppert y Christopher Walken como los tres personajes principales.

Al principio se le asignó un presupuesto inicial de 11,6 millones de dólares,  pero también se le dióo carta blanca  y una fecha de estreno, el 14 de diciembre .

El rodaje comenzó el 16 de abril de 1979, en el Parque Nacional Glacier , al este de Kalispell, en Montana , con una gran mayoría de  escenas de la ciudad filmadas en el área de Two  Medicine , al norte del pueblo de East Glacier Park. El rodaje también incluyó la ciudad de Wallace, Idaho .

La película sufrió desde el principio incontables y contables contratiempos en la producción que , casi siempre supusieron un aumento en el coste y en el tiempo de rodaje. A ello se sumo además un servicio de prensa mal gestionado y  acusaciones de abuso de animales en el set, así como rumores sobre el supuestamente autoritario carácter y estilo del director neoyorkino.

Lo extraño es que cuando asumió el proyecto la reputación de su director, Cimino, estaba en todo lo alto una vez que dos años antes, en 1978,  había impactado y mucho su película The Deer Hunter o El cazador, ganadora de cinco  premios de la Academia entre ellos el de mejor película y al mejor director en 1979.

Desde el primer momento la producción se complicó. Antes de que se rodase un solo plano de la película, Kris Kristofferson, Jeff Bridges, Christopher Walken y Isabelle Huppert tuvieron que estar varias semanas aprendiendo diferentes aspectos  imprescindibles para sus papeles tales como  montar a caballo, luchar, aprender un dialecto yugoslavo y, como vemos en una de las primeras escenas del film, bailar sobre patines.

El actor Jeff Bridges bautizó a este periodo de entrenamiento exhaustivo "Campo Cimino o Camp Cimino".

Cimino invirtió muchísimo tiempo en seleccionar a los extras en las escenas de baile, al igual que lo hacía con cada uno de los planos y localizaciones.

El proceso que seguía consistía en ponerlos en filas de doce y clasificarlos según su aspecto y altura. "Quería encargarse de la selección de los extras y ponerlos en su lugar correcto", aseguró su director de fotografía, Vilmos Zsigmond. "Igual se pasaba dos horas para seleccionar y colocar a 50 personas".

Al sexto día de rodaje ya llevaban cinco días de retraso. Uno de los motivos que retrasaba de tal manera todo el plan de producción era la necesidad del director de hacer decenas de tomas de un mismo momento. De escenas como la de Kris Kristofferson borracho, que apenas dura unos segundos en la película, se rodaron 50 tomas, todo un día de grabación sólo para ese momento. "No estoy acostumbrado a hacer un mínimo de 32 tomas: hacíamos la versión contento, la versión enfadado, la versión triste...", recuerda uno de los miembros del equipo, Brad Dourif.

La batalla entre los colonos y los mercenarios requería docenas de caballos, extras, vagones de madera y explosiones. Coordinar todos esos elementos llevó semanas de planificación y hasta un mes entero de rodaje.

El equipo y los actores se levantaban cada mañana a las 3.30h para llegar al punto de rodaje, donde les esperaba una jornada agotadora. Además de la dureza de la situación, el peligro de la escena era más que evidente para los miembros del equipo. "No sé cuánto tiempo duraban esas escenas, pero era aterrador", recordaba uno de ellos. "A cada toma le pedía a Dios que ninguno saliéramos lesionados".

Cuando los productores de la película visitaron por primera vez el set de rodaje, las primeras alarmas comenzaron a sonar. Era evidente la obsesión de Cimino por ver cumplidos todos y cada uno de sus deseos, hasta el punto de protagonizar anécdotas como la siguiente. Contratar el campo donde tenía lugar una de las batallas de la película no sólo costó una fortuna, sino que además el director quería que tuviera un aspecto exuberante, con hierba verde y salvaje. Para ello, mandó instalar en todo el lugar un sistema de riego y retirar todas las piedras que pudieran impedir el crecimiento de la naturaleza. "Por aquí pasarán cientos de personas y caballos y carros y explosivos... ¿Quién se va a parar a mirar la hierba?", comentó uno de los productores, Steven Bach.

Algunas de las anécdotas del rodaje del film hablan de caprichos de Cimino que se materializaban en acciones millonarias. Es el caso del tren que aparece en la película tan sólo unos minutos, y que el director hizo trasladar desde un museo en Colorado hasta el lugar de rodaje en Montana. Pero claro, la locomotora era demasiado antigua como para circular por las modernas vías del tren, así que tuvo que ser remolcada por otro vehículo para poder llegar al lugar de destino.

Cimino obligó también a la destrucción de un decorado, una calle entera que ya estaba preparada para el rodaje, porque la distancia entre los edificios no era de su agrado. Toda la calle tuvo que ser reconstruida de nuevo porque supuestamente "no se veía bien". La calle en cuestión tenía que ser seis pies más ancha. El jefe de la construcción del set dijo que sería más barato derribar un lado y moverlo de nuevo seis pies, pero Cimino insistió en que ambos lados se desmantelaran y retrocedieran tres pies y luego se volvieron a montar.

A  Cimino le preocupaban hasta las nubes. Cuando el director no estaba contento con la luz o la posición de los elementos en el cielo, todo el rodaje se detenía para esperar. Cuentan que uno de los trabajadores fue a preguntarle al director cuándo podrían comer. Él contestó una ya frase célebre: "¿Comer? ¡Esto es más importante que la comida!".

Un árbol entero fue cortado, movido en pedazos, y trasladado al patio para rodar la escena de la graduación de Harvard.

Parte del equipo , como los músicos que tenía que trabajar en Montana para trabajar en la película  por un periodo de sólo tres semanas terminaron pasando seis meses. La experiencia, como declaró alguno a la Associated Press , "fue increíblemente aburrida" y para paliarlo hubo " jam sessions" , que sirvieron para el inicio de numerosas colaboraciones musicales entre Bridges y Kristofferson.

El actor John Hurt pasó tanto tiempo esperando en la producción para algo que hacer, se fue y hizo The Elephant Man (1980) para David Lynch en el ínterin, y luego volvió a rodar más escenas en Heaven's Gate .

Del rodaje se tiene mucha información, en parte, por la participación como extra de un periodista,  Les Gaspay. Al haberle sido denegada la visita oficial al set, Gaspay entró como extra para ver cuáles eran los motivos de los retrasos de la producción y el aumento descomunal de su presupuesto. El periodista salió horrorizado después de vivir la escena de la batalla. "Hay extras haciendo un trabajo que deberían hacer especialistas", aseguró. "Debido a la loca carrera con caballos, muchas personas resultaron heridas mientras se repetía una y otra vez durante varios días. Algunos de los inmigrantes, en su mayoría extras, son arrojados al barro por sus caballos. Hasta un niño menor de edad fue atropellado por los caballos", contó el periodista.

A medida que avanzaba la producción, United Artists consideró seriamente despedir a Cimino y reemplazarlo con otro director.

Heaven's Gate terminó de rodarse en marzo de 1980, habiendo costado casi 30 millones de dólares. Al final del rodaje se emplearon 165 días , más de 200 horas de metraje en 70 mm y alguna que otra amenaza de muerte por parte de sus productores tras dilapidar 44 millones de dólares (cuatro veces más de lo previsto).

Una vez acabado el rodaje en 1979, la gran odisea era el proceso de montaje. Y es que fueron un total de 220 horas de material las que se acumularon tras haber roto completamente los planes de rodaje superando al rodaje de 'Apocalypse Now'.

Una vez iniciado el proceso de montaje, y viendo que el material existente era inabarcable, los productores del film pusieron dos condiciones inapelables a Cimino: que la película tenía que tener una duración viable para su comercialización y que debía estar terminada para la Navidad de 1980.

Según se informa, durante la postproducción Cimino cambió la cerradura a la sala de edición del estudio, prohibiendo a los ejecutivos ver la película hasta que completara su corte,

Cimino trabajó con el editor ganador del Oscar William H. Reynolds ,y éste acabó diciendo que "Michael no quería respeto, quería temor, la idea era que el hombre mágico estaba en su taller haciendo su magia, y todos debíamos dejarlo solo y dejarlo terminar."

El 26 de junio de 1980, pese a que la productora del film le pidió un montaje de tres horas, o preferiblemente menos, Cimino presentó la primera versión de 'La puerta del cielo'. Duraba sobre 5 horas y 25 minutos. "Como mucho podría recortarle 15 minutos", les dijo un agotado Cimino.

Empezó entonces una nueva obsesión para Cimino: que nadie viese, modificase o influyese en su montaje. "Fue bastante divertido en realidad", recordaba la asistente el editor, Penélope Shaw. "Tenía barras puestas en las ventanas de la sala de montaje y había cambiado todas las cerraduras para que nadie pudiese entrar". Incluso se dice que contrató a un hombre de seguridad armado para que custodiase el material.  Cimino se pasaba 18 horas al día en aquella pequeña sala.

Los ejecutivos se negaron rotundamente a lanzar la película en esa duración. Sin embargo, Cimino les prometió que podría volver a editar la película y pasó todo el verano y el otoño de 1980 haciéndolo, finalmente se extendería en su duración original de estreno a 3 horas y 39 minutos (219 minutos).

Existen diferentes versiones en cuanto a duración de la película: el 26 de junio de 1980, Cimino enseñó un montaje a los ejecutivos de United Artists cuya duración era de 325 minutos. Los directivos de United Artists la redujeron hasta dejarla en 149 minutos. La edición más larga estrenada fue de 219 minutos. El corte final finalmente se estrenó en el cine en Nueva York  el 19 de noviembre de 1980. Durante el intermedio en día del estreno  parece ser que Cimino fue preguntado por su publicista "¿Porque odian la película, Michael?".

Al ser presentada a la prensa, el 18 de noviembre de 1979, cuando la cinta duraba tres horas y treinta y cuatro minutos, el crítico de The New York Times  , Vincent Canby, dijo esto al día siguiente: “La puerta del cielo es un desastre tan absoluto que podríamos sospechar que el señor Cimino vendió su alma al diablo para obtener el éxito que obtuvo con El cazador y que ahora el diablo ha vuelto para cobrar”.

Tras esa crítica   Cimino y United Artists sacaron la película del circuito de cualquier lanzamiento más, posponiendo completamente un lanzamiento mundial .

En abril de 1981 en Los Ángeles , la película resurgió en una versión de "director's cut" de dos horas y veintinueve minutos (149 minutos) que Cimino había montado por tercera vez.

La siguiente visualización de la cinta estaba ya mutilada hasta quedarse en dos horas y media.  El público dio la espalda a un trabajo que costó 44 millones de dólares (presupuesto, copias y publicidad) y recaudó 1,3 millones.

A partir de este corte, el crítico del Chicago Sun-Times , Roger Ebert, criticó las opciones formales de la película y sus inconsistencias narrativas e incredulidades, concluyendo que la película era "el más escandaloso desperdicio cinematográfico que he visto y recuerde.

Kevin Thomas, del Los Angeles Times, emitió una opinión disidente al revisar la película acortada, convirtiéndose en uno de sus pocos críticos norteamericanos que la valoraron positivamente y calificándola de "una verdadera epopeya de la pantalla".

El coro de indignación no tardó en transformarse en un ataque al estudio que hizo la película y luego al sistema que lo había permitido.

En lo tocante a la ambición y el presupuesto, Cimino no había hecho nada que hubieran hecho antes Friedkin, Coppola, Spielberg y Beatty. La puerta del cielo era un producto de los setenta, igual que Toro salvaje. El resultado, por un lado, del poder otorgado a los directores –mejor dicho, del endiosamiento de los directores– y, por otro, de la consiguiente y congruente demonización del productor”, resume Biskind.

Tras los excesos del gasto y el notorio fracaso de la película , los ejecutivos de Hollywood procedieron a celebrar su vuelta al poder gastándose millonadas absurdas en blockbusters ochenteros de dudoso gusto. “Fue el título que concentró toda la inquina contra el poder y la soberbia de los directores. La puerta del cielo, de Michael Cimino, sirvió para que los estudios cerraran la suya a sus colegas más ambiciosos. Triste ironía, si Hollywood había cambiado debido a los excesos cometidos por los estudios a finales de los sesenta, una década después volvía a hacerlo por culpa de los excesos de los cineastas”, explica Antonio Weinrichter en el ensayo Dentro y fuera de Hollywood.

Biskind, para quien Coppola y Scorsese fueron, quizás,  los dos directores más perjudicados con el retorno de los productores en los ochenta llegó a la siguiente conclusión:  “La sensación predominante era que un director enloquecido había acabado con un estudio y transformado el clima en que hasta entonces se hacía cine”

El mismo Scorsese declaró que : “La puerta del cielo nos debilitó a todos. Yo supe entonces que esa película señalaba el final de algo, que algo había muerto”. Para Coppola, por su parte, “Lo que tuvo lugar después de La puerta del cielo fue como un golpe de Estado. Fue una época en que los estudios se indignaron porque los costes de las películas subían a una velocidad de vértigo y porque los directores ganaban unas sumas increíbles y tenían todo el control. Por eso, los estudios decidieron recuperar el control”. Biskind concluye: “Scorsese y Coppola no se equivocaban. A principios de los años ochenta tuvo lugar una contrarrevolución, pero La puerta del cielo fue una mera excusa, una manera práctica para designar los cambios”.

Con todo hay quien piensa que la película de Cimino también fue víctima del cambio de ciclo político en EEUU. Los tiempos estaban cambiando definitivamente. “La puerta del cielo llegó a las salas dos semanas después de la elección de Ronald Reagan, cuya promesa de un ‘nuevo amanecer en América’ contrastaba profundamente con la visión del filme de Cimino sobre el 99% siendo aplastado sin piedad por el 1%”, explica el periodista Scott Foundas en una  entrevista a Cimino publicada en The Village Voice durante el Festival de Cine de Roma de 2008.

Y es que tres décadas después de que este western con lucha de clases al fondo le convirtiera en un apestado en Hollywood, la crítica alaba ahora la misma película que hizo papilla en 1980.

Cimino declaraba en aquella entrevista que “Todos estos años me he sentido como si La puerta del cielo fuera un precioso globo de colores atado tan fuerte a mi muñeca que no podía volar. Ahora, por fin, la película se ha liberado y vuela libremente camino de las nubes”.

La película estuvo nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1981,o nominada al Oscar en la mejor dirección artística  pero también  el premio del peor director en la ceremonia de los Premios Razzie de 1981

Sin embargo, en las décadas transcurridas desde el lanzamiento, la evaluación general sobre Heaven's Gate se ha vuelto más positiva, con algunos críticos describiendo ahora Heaven's Gate como una "obra maestra moderna". La recepción de la reedición de 1980 después de durísimas críticas posteriormente ha variado y hoy se considera que es "una de las mayores injusticias de la historia cinematográfica". Aunque algunas de esas críticas se mantienen como la que aparecía en The Guardian en 2008, cuando Joe Queenan declaró que Heaven's Gate la peor película hecha hasta ese momento. "Esta es una película que destruyó la carrera del director", escribió. "Esta es una película que perdió tanto dinero que, literalmente, llevó a un gran estudio estadounidense fuera del negocio. Esta es una película sobre pistoleros educados en Harvard que se enfrentan a los sodbusters de Europa del Este en una lucha épica por el alma de América. Esta es una película que protagoniza a Isabelle Huppert como una vaquera. Esta es una película en la que Jeff Bridges vomita mientras está montado en patines. Esta es una película que tiene cinco minutos de tocar violín ininterrumpido por un violinista que también está montado en patines. Esta es una película que desafía la creencia. "

La BBC clasificó Heaven's Gate 98º en sus 100 películas estadounidenses más grandes de la lista de todos los tiempos.

Los primeros en rehabilitar la película fueron los críticos europeos que la elogiaron después demostrase en el Festival de Cine de Cannes . Robin Wood dijo de ella que era "una de las pocas películas auténticamente innovadoras de Hollywood ... Me parece, en su versión original, entre los logros supremos del cine de Hollywood." Robin Wood señaló, en su revisión inicial de la película, que los críticos iniciales  tendieron a amontonarse en la película, tratando de "superar [uno a] otro con sarcasmo y desprecio".

David Thomson llama a la película "un monstruo herido" y argumenta que participa en "una rica tradición americana ( Melville , James , Ives , Pollock , Parker ) que busca una poderosa dispersión de lo que ha pasado antes. En América, hay grandes innovaciones en el arte que de repente crean campos de aparente vacío, que pueden parecer como omisiones o errores al principio, pero con el tiempo los vemos como destinados a nuestra exploración ".

Martin Scorsese dijo que la película tiene muchas virtudes pasadas por alto. En abril de 2011,  en la Time Out London incluyó a  Heaven's Gate como el décimo segundo mejor Western. En paralelo se convirtió en objeto de estudio para el libro citado de Peter Biskind  "Easy Riders, Raging Bulls" , llegando a la conclusión de  que Heaven's Gate no era diferente a otros proyectos con grandes presupuestos y problemas de fines de los años setenta y principios de los ochenta como 1941 de Steven Spielberg o Reds de Warren Beatty  , y que la reacción contra Heaven's Gate podría haber sido fácilmente dirigida a otros lugares.

Biskind especuló que la impopularidad personal de Michael Cimino fue la razón principal por la que esta película fue tan ampliamente maltratada.

En España Carlos Boyero en el diario El Mundo dijo de ella que  "Creo que es una película dispersa y mutilada. Y se nota para mal. A mi me fascina el comienzo. Tiene cosas muy bonitas pero no es de mis películas favoritas."

Augusto M. Torres en el diccionario Espasa afirma que es un "Gran western, escrito y dirigido con sabiduría, masacrado por la productora desde su estreno. Su fracaso comercial acabó con la UA y con el propio Cimino"

Para Alberto Abuín en blog de cine tras seleccionar una cita de la película -  "Si los ricos pudiesen pagar a otros para morir por ellos, los pobres se ganarían decentemente la vida." - que con ella Cimino sufrió una de las máximas de Hollywood: vales lo que tu última película.

Tras el descalabro, Cimino estuvo cinco años sin poder dirigir, hasta que de nuevo vio la luz con su inmensa ‘Manhattan Sur’ (‘Year of the Dragon’). El fracaso de esta atemporal y magna obra probablemente se debe al excesivo corte de escenas que le obligaron a hacer al director. 219 minutos rebajados a 148.

Y prosigue Abuín- del que reproduzco casi literalmente su texto escrito en blog de cine-  diciendo que  ‘La puerta del cielo’ navega continuamente sobre la eterna diferencia de clases, sobre la ley del más fuerte, aplastando al más pobre.

Para el crítico "Cimino utiliza a tres personajes centrales —en las voces y cuerpos de Kris Kristofferson, Isabelle Huppert y Christopher Walken— como ejes de un baile que dura más de 40 años.

‘La puerta del cielo’ se divide en tres partes bien diferenciadas, teniendo como protagonista central a James Averill —un Kris Kristofferson totalmente entregado, en una de las mejores composiciones de su carrera, probablemente la más sentida y llena de fuerza—, en tres momentos de su larga vida, separados por tres poderosas y sugerentes elipsis que invitan al espectador a tomar partido, a hacer ese ejercicio cada vez más denostado: pensar.

La puerta del cielo es una película que demuestra lo cíclica que es la vida, una vida nada fácil y con poco instantes para ser feliz.

La primera media hora supone una graduación, la de Averill en Harvard, en 1870. Allí, entre grandes palabras —los diferentes discursos de Joseph Cotten y John Hurt— se festeja en un gran baile alrededor de un árbol, la alegría del futuro próspero, que está por comenzar. Jóvenes, sin saber lo que ese futuro les deparará bailan sin otra preocupación. Averill se atreve a sacar a una mujer que le ha llamado la atención. El citado baile circular será reproducido más tarde en dos situaciones bien diferentes.

Una elipsis de nada menos que veinte años nos descubre a Averill en un tren, el paso del tiempo se ve esculpido en su cansado rostro. Ahora es un sheriff que defenderá a los granjeros inmigrantes de la Asociación de ganaderos, que para nada los quieren por sus tierras. La fotografía de Vilmos Zsigmond empieza a marcar esa melancolía que cubrirá el relato sobre todo en su tramo final.

Los años que han transcurrido en medio son sugeridos, la alegría del inicio se ha convertido en lucha encarnizada por los derechos de todo ser humano.  Desde ese momento, la violencia marca este tramo, el más largo del film, y la mezcla con el romanticismo de varios instantes.

También se propone un triángulo amoroso que enlaza a tres personajes fascinantes. Averill ya estaba presente en el relato. Entran en el mismo Elle (Isabelle Huppert) y Champion —Christopher Walken repitiendo con Cimino—.  Se producen también dos bailes circulares de muy diferente índole, que se hermana con las ausencias del relato, un canto a la memoria, de ahí que el film haga partícipe al espectador. El primero es el famoso baile en la carpa que da título al film.

En ella, además de ver al mismo compositor de la banda sonora, David Mansfield, sobre patines tocando el violín, vemos a los personajes de Jeff Bridges y Brad Dourif, como parte importante de la comunidad en una velada de disfrute que casi puede considerarse el único momento de verdadera fecilidad.

Cimino se vuelve un virtuoso con la cámara en esa secuencia. Siguiendo a todos bailando, no deja en ningún momento de moverse con ellos, creando una comunión entre personajes, historia y un espectador que a esas alturas se ha comprometido con lo que le cuentan.

Pasado, presente, y de nuevo futuro —¿qué sucederá con el triángulo, qué con las absurdas leyes que permiten matar a los inmigrantes?— se juntan en armonía, mezclándose. La violencia en la historia del hombre, en la historia del país, se repetirá. Pero antes de la explosión final. Cimino nos regala un momento de paz. Ese instante es, cómo no, el baile solitario entre Kristofferson y Huppert, mientras Mansfield y su banda les ponen música, con el lugar ya vacío.

La cámara se mueve en conjunción con el hermoso vals que suena, leit motiv del film. Y como todo momento de felicidad, dura una pequeña porción de tiempo. Lo que viene es muerte, destrucción, desolación, injusticia y esperanzas rotas. Cimino prácticamente se codea con Sam Peckinpah en la exposición de la violencia.

El tercer y último baile circular es el de los granjeros atacando por sorpresa y con decisión a los hombres que han sido contratados para acabar con ellos. Carretas, caballos, mucha polvareda, y terror. Hombres y mujeres contra expertos tiradores, salvados en última instancia por el gobierno.

Cimino sigue explorando la violencia, esta vez como válvula de escape para algunos de los personajes. Aterrador el plano de la mujer quitándose la vida porque ya no le queda nada.

Si la presentación del personaje de Christopher Walken es de las que dejan huella —su sombra tras una sábana tendida, un disparo, y su figura alejándose, vista a través del agujero que ha dejado—, su muerte es de lo más impactante. Con la despedida escrita del lugar que decoró para Elle —por la que logró ver la injusticia de los hombres para los que él trabaja—, y a la que amó, es acribillado sin piedad.

Cuando el film no puede ser más duro, sigue su desfile de muerte. Los de arriba siempre masacrarán a los de abajo. Averill se quedará completamente solo.

Cimino termina de coronarse con un epílogo impresionante, en el que el carácter circular de la película queda completamente cerrado. Han pasado trece años. Averill camina por la cubierta de su lujoso velero. Los años han hecho mella en su rostro. Entra en su camarote, una mujer dormida le espera.

El instante recuerda al primer encuentro que vemos entre él y Champion con el primero durmiendo una borrachera. La mujer es la del baile de graduación, y la historia que no hemos visto la sentimos. No hay palabras, la melancolía por los viejos tiempos se apodera del espectador. El baile concluye.

La memoria se impone a la historia, con sus puntos flacos, con sus huecos. Porque todos recordamos nuestro pasado a trozos, incluso mezclados. Es el baile del paso del tiempo, que en cierto modo nos lleva inexorablemente a un inevitable final físico mientras nuestra mente recorre aquellos maravillosos años de sueños y promesas. Averill sale de su camarote sin decir nada, sabemos de sobra dónde está su mente. La tristeza más desoladora nos embriaga con él.

Una obra maestra que en cada nuevo baile da nuevos pasos. Realizada además en un muy particular momento del cine estadounidense, finales de los setenta, principios de los ochenta, cuando viejos y nuevos directores proponían sus más curiosas obras. Un muy inteligente estudio, como vemos, el realizado por Abuín.

La hecatombe económica que supuso La puerta del cielo, en la que pesó tanto el perfeccionismo enfermizo de Cimino como la ineptitud del estudio , se vio afectada por otros factores, como se explica en Final Cut, documental que se une a los numerosos extras de la flamante edición.

La versión mutilada, inconexa y falta de ritmo la que se vio en los cines en el 81 fue lo que hizo que La puerta del cielo cargaría para siempre con el sello de película maldita con  una decena de secuencias memorables. Puede que costaran 50 tomas cada una, que el equipo de rodaje se pasara el día esperando el momento justo para rodar un cielo al borde del anochecer (la hora mágica capturada por el ya fallecido Vilmos Zsigmond  , pero el resultado de esta película casi musical, en muchos momentos, mereció la pena. Son las cosas de la injusticia llevada al cine. Para mi, una fantástica película.