El hombre que nunca estuvo allí

The Man Who Wasn't There es una de las películas - en este caso neo-noir- que me faltaban de los hermanos Coen que aquí actúan como guionistas, directores, montadores y productores como suele ser habitual en sus películas. Fue coproducida de forma independiente a través de productoras estadounidenses y británicas. También cuentan con su troupe habitual de actores y actrices donde por supuesto está Frances McDormand, omnipresente, así como Scarlett Johansson, que aparece jovencísima o hace de chica muy joven en esta película del año 2001. 

Los hermanos que ya habían firmado juntos títulos como Valor de ley, Quemar después de leer, Arizona baby, Muerte entre las flores, Barton Fink, El gran salto, Fargo o LadyKillers ganaron en Cannes con esta película el premio al mejor director. 

Quien dio el peso a lo largo de toda la película es el hierático y sombrío Billy Bob Thornton que encarna al personaje principal, un peluquero. El papel de la esposa lo interpreta la mujer de Joel Cohen que no intervenía desde Fargo cuando se llevó el Oscar a la mejor actriz. Junto a ellos completan el reparto James Gandolfini y Michael Badalucco. 

La historia la de un aparente don nadie que en el verano de mil novecientos cuarenta y nueve, y mientras ejerce como peluquero de un pueblecito del norte de California, Ed Crane, se involucra en la inversión en un negocio ya que no es feliz con la vida que lleva además de sospechar de la infidelidad de su mujer, pretendiendo buscar una oportunidad de iniciar un chantaje en el que cree poder cambiar esa vida anodina y triste que llevaba. Sin embargo, su plan no hace sino dejar al descubierto secretos aún más oscuros en última instancia lo que conducirán al asesinato y al terrible final con el que acaba la película. 

La historia está narrada durante el verano de 1949 en la localidad de Santa Rosa, ubicada al norte de California. Descubrimos que el protagonista es  Ed Crane (Billy Bob Thornton), un barbero anónimo, que trabaja en la barbería de su difunto suegro y que lleva con profesionalidad su cuñado. Mientras que éste es un charlatán sin freno, Ed es de carácter melancólico, inexpresivo y reservado. 

Ed está casado con Doris (Frances McDormand), una oficial contable con algunos problemas de alcoholismo como comprobamos cuando los dos hermanos, Frank y Doris, así como Ed son invitados a una boda típicamente italiana, en la que ella se emborracha y mostrándose extremadamente grosera.

En cuando a Ed, generalmente, contesta con no más que un gesto debido a que todo lo que sucede a su alrededor le resulta poco más que inerte. A tal punto que termina por sentirse hastiado de su vida, de aspecto rutinario y aburrido. 

La barbería donde trabaja pertenece a Frank (Michael Badalucco), su cuñado y también colega, un auténtico charlatán. 

Una día, en la barbería, Ed conoce a Creighton Tolliver (Jon Polito), un hombre de negocios que está buscando un inversor para desarrollar una nueva tecnología de limpieza en seco. 

Después de pensarlo, a Ed le resulta convincente la idea y decide invertir. De forma anónima y sutil, Ed chantajea al jefe de su esposa Doris, un veterano de guerra apodado «Big Dave» (James Gandolfini), aprovechando que tiene la completa certeza de que Dave mantiene una relación amorosa con ella. De esta forma, Ed pretende conseguir los diez mil dólares que necesita para formar parte del negocio. 

Big Dave en una fiesta le comenta a Ed que está siendo chantajeado por tener una relación amorosa al margen de su matrimonio. Esta persona que desconoce quien es le pide un dinero que si lo saca de la empresa delataría ante ella su relación extramarital. 

Sin embargo, Dave retira el dinero de su empresa —el gran almacén Nirdlinger— para pagar el chantaje. Dave considera que el responsable es , según él, un "maricón", con bisoñé que había hablado previamente con él para un negocio de limpieza en seco. Sin embargo, descubre el plan y golpea a Tolliver hasta que este implica a Ed. Dave se enfrenta a Ed en el almacén e intenta matarlo, pero Ed lo apuñala fatalmente con una navaja para cigarrillos. 

Después del funeral de Dave, la esposa de éste (Katherine Borowitz) se acerca a la casa de Ed y le comenta que un día, ella y Dave vieron un ovni. 

Más tarde, se encuentran irregularidades en los archivos de contaduría del almacén. La policía arresta a Doris por desfalco y por la muerte de Dave.  Doris pasa varias jornadas en la cárcel y allí recibe la visita de Ed , y después, la de su abogado.

Ante esto Ed contrata a Freddy Riedenschneider (Tony Shalhoub), un costoso y prestigioso abogado defensor de Sacramento, que llega a la ciudad y se aloja en el mejor y más caro hotel. Este continua viviendo extravagantemente con el dinero de la defensa de Doris, el cual Frank obtuvo hipotecando la barbería. 

No obstante, Doris se cuelga en su celda durante la mañana antes del juicio. Más tarde el médico forense de la prisión se acerca un día a ed y le da a conocer que estaba embarazada al momento de su suicidio —aunque hacía años que ya no tenía relaciones con Ed—. 

Riedenschneider abandona la ciudad indignado considerando que no ha podido realizar bien su labor en el juicio. Por su parte, Frank —ahora muy endeudado— empieza a beber mucho. 

 Ed visita regularmente a Rachel «Birdy» Abundas (Scarlett Johansson), la hija adolescente de Walter (Richard Jenkins), un abogado conocido de Ed, para escucharla tocar el piano. 

Atormentado por la soledad, se imagina ayudándola a empezar una carrera musical y transformándose en su representante. Su fantasía se termina cuando un profesor de música, un francés de San Francisco, le dice que Birdy no tiene talento. Conduciendo de vuelta después de visitar al profesor, Birdy se le insinúa a Ed y trata de hacerle sexo oral, provocando que Ed pierda el control del vehículo y salga de la carretera. 

Cuando Ed se despierta en el hospital, dos oficiales de policía le comunican que está bajo arresto por asesinato. La razón es que el cadáver de Tolliver ha sido encontrado por un chaval cuando se bañaba en un lago, junto al contrato de inversión de Ed. La policía cree que Ed obligó a Doris a extraer de la empresa el dinero de la inversión y luego mató a Tolliver para que no revelara el origen del dinero después de que este se diese cuenta. 

Ed es enjuiciado por el asesinato e hipoteca su casa para volver a contratar a Riedenschneider. La declaración inicial de Riedenschneider al jurado es interrumpida cuando Frank ataca a Ed; el juicio es suspendido. Sin dinero y sin nada más para hipotecar, Ed se lanza a la corte a su suerte. La maniobra no funciona y el juez lo sentencia pena de muerte. 

Mientras espera en el corredor de la muerte, Ed escribe su historia para venderla a una revista pulp. Poco antes de su ejecución, Ed ve un ovni en el exterior de la cárcel. 

Finalmente, una mañana es conducido a la silla eléctrica. Reflexiona sobre su destino, sin arrepentirse de sus decisiones y con la esperanza de ver a Doris en el más allá, ambos libres de las imperfecciones del mundo mortal. 

Los hermanos Coen empezaron a escribir el guion a mediados de los años 1990 e hicieron una pausa entre medio para filmar El gran Lebowski. Nuevamente disponibles, los hermanos se trasladaron a Irlanda —donde Frances McDormand se encontraba trabajando— para continuar con la escritura.

Una vez escrito el guion, los Coen se lo enviaron a los productores Eric Fellner y Tim Bevan de la compañía Working Title Films; tenían intenciones de iniciar la producción en 1999 pero aprovechando la disponibilidad de George Clooney prefirieron dedicarse a otro proyecto: O Brother, Where Art Thou?.

Tan pronto finalizó la filmación y montaje de O Brother, Where Art Thou?, a mediados del año 2000 los directores continuaron con The Man Who Wasn't There —en ese entonces titulada provisionalmente The Barber Project. 

El proyecto se financió de forma independiente a través de las productoras Gramercy Pictures, Working Title Films y Good Machine —compañía de Ted Hope y James Shamus, quienes más tarde fundaron Focus Features— que reunieron un presupuesto aproximado de veinte millones de dólares. Sin tener claro aún quien iba a interpretar al protagonista, los Coen escribieron el personaje de Doris —la esposa de Ed Crane— y Frank —el dueño de la barbería— para Frances McDormand y Michael Badalucco, respectivamente.

Para protagonizar la cinta, los directores le dieron la oportunidad a un actor con quien no habían trabajado antes, Billy Bob Thornton, que aceptó la propuesta para encarnar al barbero antes de leer el guion: «Sabía que sería bueno. Hay ciertas personas con las que sabes que no puede salir mal», comentó el actor. Parece ser que Bill Murray fue tenido en cuenta para el papel que finalmente sería de Thornton. 

Mientras que para el rol del jefe y amante de Doris, los Coen convencieron a James Gandolfini, quien según ellos era «perfecto para el personaje». Otros dos actores ya conocidos por los Coen, Jon Polito y Tony Shalhoub, también se sumaron al reparto, completado por Adam Alexi-Malle, Katherine Borowitz, Richard Jenkins y la en ese entonces adolescente Scarlett Johansson. Cuando Jenkins recibió la llamada para asistir al casting su respuesta fue negativa debido a que ya había asistido a tres pruebas de selección para tres producciones anteriores de los Coen, sin éxito en ninguno de los casos. No obstante, los directores finalmente lo eligieron para el rol. 

La filmación comenzó el 26 de junio del año 2000 en California y finalizó el primero de septiembre, tras diez semanas de rodaje.

Se comenzó a filmar en la abandonada Lincoln Heights Jail de Los Ángeles para ambientar una celda de una cárcel de la ciudad de Santa Rosa. 

Más adelante, el equipo se trasladó al Este de Los Ángeles y luego al restaurante de Hollywood Boulevard Musso & Frank Grill, donde Ed Crane se reúne por primera vez con su abogado. 

El rodaje continuó en Thousand Oaks durante dos días para realizar las escenas de la boda en el campo; previo a sus escenas, Michael Badalucco tuvo que practicar con cerdos para la escena en donde se monta sobre uno. 

A continuación, la producción volvió a Los Ángeles para filmar en una iglesia presbiteriana sobre Wilshire Boulevard y en el Centro de Los Ángeles, donde se filmó en un complejo de apartamentos que se utilizó para hacer las escenas del vestíbulo del hotel. Un Bank of America abandonado ubicado también en el centro se utilizó para las escenas en que Ed va al banco.

El edificio de Nirdlingers, donde Doris trabaja como contable, se creó a partir de una tienda de muebles abandonada ubicada de Glendale, el diseñador de producción Dennis Gassner recordó: Tuvimos que modernizarlo en cierta forma, manteniendo lo que ya estaba en la arquitectura y haciendo que funcionara para el estilo moderno de 1949. Ese espacio era como una cantera de donde podía extraer lo que necesitaba. De hecho, utilicé algunos diseños amurados art déco de cromo que habían sido mantenidos en las paredes y varias molduras de la pared.

Parte importante de la filmación se llevó a cabo durante un día en la ciudad de Orange, que se usó para representar los exteriores del pueblo de Santa Rosa, donde se ambienta la mayor parte de la película. Aunque se rodó un solo día en Orange, el equipo trabajó más de dos semanas ambientando las calles de acuerdo al año 1949: se reemplazaron señales de tránsito, se modificaron fachadas y se realizaron reparos menores en calles.

Las escenas exteriores de la casa de Ed Crane se filmaron en el barrio de Bungalow Heaven, en Pasadena, un sitio popular y económico a mediados del siglo veinte. Los Coen eligieron la casa con el techo más bajo para lograr la impresión de un espacio más reducido y así representar la situación económica del barbero. Las escenas del salón del profesor de piano también se rodaron en Pasadena, exactamente en el complejo de edificios del Hotel Green. Se usaron locaciones para filmar casi toda la película a excepción de algunas escenas, como por ejemplo las de la barbería —las últimas antes del final de la filmación— realizadas en un set construido por Gassner en los Paramount Studios.

La fotografía fue cosa de Roger Deakins. Lo hizo en blanco y negro de forma fue sencilla y tradicional. La mayoría de las tomas se hicieron con la cámara a la altura de la vista, con lentes normales y una larga profundidad de campo. En comparación con las viejas películas de cine negro estadounidense, Deakins usó una amplia gama de grises e intentó crear poco contraste sin muchas sombras fuertes, utilizando menos cantidad de luces y de mayor tamaño. A pesar de estar ambientada en el pasado, utilizó tecnologías contemporáneas y quería que The Man Who Wasn't There reflejara la era en que estaba siendo realizada: «no tratamos de hacer una película vieja», dijo Deakins. Se filmó en formato de 35 mm en color y convertida a blanco y negro durante la postproducción. Ese procedimiento se debió, en parte, a razones técnicas puesto que en las últimas décadas la disponibilidad de rollos de película en blanco y negro era muy escasa. Sin embargo, debido a exigencias contractuales y de marketing, en algunos países se estrenó en color. «La película se hizo para ser vista en color», afirmó Joel Coen, y mencionó que en color se vería «horriblemente fuera de lugar» debido a que la escala de grises neutralizó colores ajenos a la época de ambientación de la trama. Por un montón de razones intangibles que no son fáciles de explicar, el blanco y negro pareció ser apropiado para la trama. Es una película de un período histórico y el blanco y negro ayuda a la sensación de esa época. Es evocativo para una historia como ésta de maneras que la fotografía en color no lo es" señaló Joel Coen 

El diseño de escenarios y vestuario a cargo de Dennis Gassner y Mary Zophres, respectivamente, debió adaptarse a la ausencia de color, evitando altos contrastes que distrajeran la atención. El blanco y negro también tuvo un efecto en los actores, intensificando algunos elementos: «tan solo un close-up es muy llamativo por las sombras y la sensación de profundidad», dijo McDormand.  No obstante, el equipo no perdió de vista la versión en color y diseñó las locaciones evitando los colores luminosos y prefiriendo marrones y grises.

La vestimenta de Ed Crane consistió en sacos deportivos y camisas de gabardina y rayón típicas de esos años, sus medias no tenían elásticos en la parte superior y —al igual que los extras— usó ligas para sostenerlas. Entre las prendas femeninas se incluyeron medias con costura, fajas y sostenes puntiagudos. 

El traje cruzado con solapa en pico del abogado defensor Freddy Riedenschneider estuvo inspirado en Salvador Dalí, según la responsable de vestuario, Mary Zophres: «Es un poco inusual para la época y sugiere opulencia». Para componer la apariencia de su personaje, Thornton observó imágenes de figuras de aquella década y tomó prestado algunos elementos de Raymond Burr y Frank Sinatra. El actor comentó al respecto que «una vez que consigues la apariencia adecuada, todo en tu actitud cambia».

Cuando Ed aparece en pantalla, casi siempre se lo ve fumando un Chesterfield. Además, barberos profesionales capacitaron a Thornton y Badalucco.

La banda sonora de la película consiste en música clásica, principalmente sonatas para piano de Ludwig van Beethoven, intercalada con siete nuevas composiciones de Carter Burwell. Además de Beethoven, la banda sonora incluyó una composición de Mozart, «Sull'aria... che soave zeffiretto». La inclusión de la música clásica es un recurso que distingue a la película de otras del género noir. 

El editor musical Todd Kasow se encargó de seleccionar sonatas adecuadas para la banda sonora mientras que Burwell empezó a trabajar en una composición «pianocéntrica». Algunas de las composiciones presentan estructuras «cíclicas» que simbolizan la situación en la que se encuentra el protagonista y su dificultad para liberarse de ella, pero al mismo tiempo, los Coen sentían que era esencial para el personaje que la música sugiriese «un vago anhelo». 

El periodista Dan Goldwasser describió el trabajo de Burwell como «oscuro y solemne» y escribió que la composición principal, «The Trial of Ed Crane», tiene «una especie de romanticismo con un mínimo dejo de esperanza». The Man Who Wasn't There fue la novena película en la que Burwell colaboró con los hermanos Coen. 

El filme se estrenó en el Festival de Cannes en mayo de 2001. Tras Cannes, la cinta llegó a otros festivales de cine europeos de ese año como Edimburgo, Flandes, Varsovia y Viena. 

Después de su estreno en el Festival de Cannes, Joel Coen se llevó el premio al mejor director y compartió el premio con David Lynch por Mulholland Drive. La película además estaba nominada a la Palma de Oro, el mayor reconocimiento del festival, pero La habitación del hijo de Nanni Moretti se llevó el premio.

Asimismo, la cinta formó parte de la selección de las diez mejores del año del National Board of Review.

​El filme estuvo nominado a una estatuilla en la 74.ª entrega de los premios Óscar en la categoría de mejor fotografía (Roger Deakins), aunque finalmente el premio se lo llevó Andrew Lesnie por El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo.

Asimismo, la película recibió tres nominaciones a los Premios Globo de Oro en las categorías de mejor película dramática, mejor guion y mejor actor dramático (Billy Bob Thornton), pero no consiguió llevarse ninguno.

El director de fotografía Roger Deakins obtuvo el galardón en la categoría de mejor fotografía de los Premios BAFTA.

Adicionalmente, Deakins recibió múltiples reconocimientos por parte de otras organizaciones, incluyendo la American Society of Cinematographers, la Boston Society of Film Critics, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, los Críticos de Cine de Nueva York en Línea, la Sociedad de Críticos de Cine en Línea y los Premios Satellite, entre otras.

Muchos críticos elogiaron el filme tanto por su técnica como por sus actuaciones. 

Richard Schickel, de Time, escribió: «La capacidad de no mostrar emoción no es una cualidad muy apreciada en protagonistas de películas, pero Billy Bob Thornton, ese actor espléndido, lo hace de manera perfecta como Ed Crane, un taciturno barbero de pueblo, hacia 1949».

Otros críticos también elogiaron el rol protagonista de Thornton, como por ejemplo Emanuel Levy, quien opinó que Thornton «se absuelve maravillosamente a sí mismo en un papel desafiante que exige más reacción que acción» y agregó: «parece un atormentado Montgomery Clift».

La revista Variety escribió que el protagonista de la película «establece nuevos estándares de opacidad y pasividad». A pesar de escribir una reseña poco entusiasta, Todd McCarthy, de Variety, elogió el trabajo de Deakins, los escenarios de Dennis Gassner y el vestuario de Mary Zophres para crear una «representación superior del periodo de posguerra en una pequeña ciudad». 

Desde Illinois,  Jonathan Rosenbaum, en las páginas del periódico Chicago Reader, destacó que «Joel e Ethan Coen se mantienen fieles a su inclinación por héroes torpes y neo-noir, y a su firme convicción de que la vida normalmente se vuelve espléndidamente horrorosa». Al igual que hicieron varios críticos que destacaron la fotografía en blanco y negro de Roger Deakins, este diario, El Reader de Chicago comparó la fotografía con la de 8½ de Federico Fellini.

En otro diario de Illinois, Roger Ebert, del Chicago Sun Times, comentó: "la película es eficaz y segura en su estilo, tan amorosa y tan intensa que si usted la recibe con esa misma frecuencia, le será como una fiesta".Y añadió en su crónica "El aspecto, el sentimiento y la ingenuidad de esta película están tan adorablemente moduladas que te preguntas si alguien más podría haberlo hecho mejor que los Coen. Probablemente no (...)" .

Más al sur, en concreto en Texas,  Marc Savlov, del The Austin Chronicle, anunció que era «la película más bonita del año» y agregó que «la actuación de Billy Bob Thornton representa un diamante en bruto deslumbrante». 

Peter Travers, de la revista Rolling Stone, escribió sobre ella que "Siempre interesante y endiabladamente divertida (...) 'Man' evoca clásicos noir de los años 40, como 'Double Indemnity'" , y la citó como una de las mejores cintas del año y expresó que es «diabólicamente divertida» y destacó la fotografía y las actuaciones. Travers incluyó a The Man Who Wasn't There en el número ocho de su lista de las diez mejores películas indie de 2001.

En la costa este, Michael Sragow, del The Baltimore Sun, señaló que "The Man Who Wasn't There es una intelectualizada, estilizada y completamente vacía producción de época. Pese a su espléndido y claustrofóbicamente controlado aspecto en blanco y negro, tiene el mismo impacto que una pistola de juguete". Una crónica parecida se publicó en el New York Post al decir que "A pesar de su brillantez visual, su inteligencia en todos los aspectos y la manera en la que muestra una profunda comprensión del género, no acaba de funcionar". Frente a estas crónicas no tan positivas, A. O. Scott del The New York Times escribió que era "Una película bella y evocadora que no hace alusión a nada fuera de sí misma y que se dispersa como el vapor tan pronto como termina"  

En Gran Gretaña, Kim Newman de Empire comentó que la película había sido "Un trabajo fascinante, inusual y complejo de los directores más consistentes y brillantes de la última década (...) ". Peter Bradshaw, del The Guardian, afirmó: «Es la mejor película estadounidense del año»; y, en este mismo diario británico, Philip French,  también afirmó que se trataba de la mejor película del año hasta ese momento. En Time Out se publicó una crónica que decía de la película que era "Un intento valiente y logrado de explorar los esfuerzos internos de alguien que simplemente no se siente como la mayoría de nosotros" 

El crítico de la BBC Nev Pierce también la calificó como «una de las mejores películas del año» y sobre su visionado agregó que se trataba de «una experiencia única, peculiar, cautivadora».

El crítico Matthew Turner de View London comentó que el blanco y negro «no se veía así de espléndido desde los años 1940».

Ya en España Ángel Fernández Santos crítico de El País dijo de ella que "Arrastrado por la fuerza de McDormand y Thornton, está a punto de recomponer con cine de viva modernidad un viejo molde clásico (...) al final, como un tintero al que alargan la tinta echándole agua y agrisando su negrura, se viene abajo tras alcanzar algunas sorprendentes singularidades."

Y cómo la he visto en TCM admirando su fotografía , el tono de la película, el impresionante guion, la adecuación y brillantez con respecto en este caso a la inclusión de la voz en off, al impecable trabajo de toda la troupe Coen, pero especialmente impresionante Billy Bob Thorton, en una película en la que el OVNI está bien traído, aquí adjunto tres imágenes sobre la película

Con respecto a la ambientación rural, el historiador José María Caparrós señaló: «Pocas veces el cine estadounidense se ha asomado de una forma tan sutil y contundente para ofrecer un testimonio del hondo vacío existencial y de la mediocridad de la América profunda».

Camino al paraíso

Revisión de una película vista con anterioridad a 2010 y de la que tuve noticia por la prensa. Su título Paradise Road o Camino al paraíso , un título que juega con el concepto de la muerte y con la referencia directa al poema que recita la misionera británica Daisy 'Margaret' Drummond ante el horrible asesinato de una de las prisioneras, Wing.

Se trata de una película bélica en coproducción , pero de nacionalidad básicamente australiana estrenada en el año 1997 y que cuenta una historia real, la historia de un grupo de mujeres inglesas, estadounidenses, holandesas y australianas que fueron llevadas a un campo de internamiento y trabajos forzados por los japoneses en la isla hoy indonesia de Sumatra, en aquel momento holandesa - pues pertenecía a los territorios de Insulindia- durante la Segunda Guerra Mundial .

La película fue dirigida por el director, productor y guionista australiano Bruce Beresford natural de Paddington (Nueva Gales del Sur), cerca de Sídney, aunque recriado en Inglaterra y más tarde en Nigeria. El director se dio a conocer en 1980 y parecía a lanzarse a una carrera meteórica con varios premios o nominaciones por sus películas que culminaría en 1989 con Driving Miss Daisy (1989) decayendo su presencia progresivamente con películas consideradas menores o centrándose en obras de teatro y óperas.

Lo cierto que Paradise Road es una de esas obras , en principio mayores por presupuestos y por elenco del director , que sin embargo tuvo poco presencia en los resultados en taquilla, considerándola casi como un tropiezo. Sin embargo, Camino al paraíso es una buena película. Es cierto que combina géneros , pues en ella domina el drama, pero también es una película que habla de la dignidad, de la resistencia, del perdón y , por supuesto , de la guerra.

Se desarrolla en la Segunda Guerra Mundial y , de hecho es la segunda película bélica dirigida por Bruce Beresford tras Consejo de guerra (1980).

Paradise Road fue producida por Sue Milliken en régimen de coproducción en la que participan Australia y Estados Unidos por medio de las productoras Village Roadshow Pictures , Planet Pictures , Samson Productions Pty. Ltd. y YTC Motion Picture Investments con la distribución de la Fox Searchlight Pictures. La película contó con un presupuesto cercano a los $ 19 millones de los que un buen número procedían del empresario de Singapur, Andrew Yap.

La película surge de un guión escrito por Bruce Beresford y Betty Jeffrey , pero que a su vez procede de una historia narrada por David Giles, Martin Meader procedente a su vez de los diarios los recuerdos y los testimonios de Betty Jeffrey y Helen Colijn recogidos en sus libros, "Song of Survival" y "White Coolies"; aunque hay partes que nacen del libro 'Women Beyond the Wire' de John Sandilands y Lavinia Warner, creador de la serie de televisión de la BBC 'Tenko' que se inspiraba en algunos de los hechos narrados en la película.

La banda sonora, especialmente relevante en la película desde el principio, fue de Ross Edwards, mientras que la fotografía fue de Peter James y el montaje de Tim Wellburn.

La película está protagonizada en sus principales papeles por Glenn Close como Adrienne Pargiter, Frances McDormand como la impetuosa Dra. Verstak, Pauline Collins como la misionera Margaret Drummond (basada en la misionera Margaret Dryburgh ), Julianna Margulies como la estadounidense Topsy Merritt, Jennifer Ehle como la modelo Rosemary Leighton Jones, Cate Blanchett como la enfermera australiana Susan McCarthy y Elizabeth Spriggs como la viuda Imogene Roberts.

A ellas se suman Wendy Hughes como la Sra. Dickson, Johanna ter Steege como Hermana Wilhelminia, Elizabeth Spriggs como la Sra. Roberts, Pamela Rabe como la Sra. Tippler, Clyde Kusatsu como el Sargento Tomiashi, 'La Serpiente', Stan Egi como el Capitán Tanaka, David Chung como el Sr. Tomio, Sab Shimono como el Coronel Hirota, Penne Hackforth-Jones como la Sra. Pike y Pauline Chan como Wing.

La película comienza con un baile en un salón de la alta sociedad en el Cricket Club en Singapur . Allí asisten empresarios con sus esposas, enfermeras con militares y gente de la jet set local celebran un baile . Se disfruta de la música, de la bebida, de la danza y de la conversación. De la misma se desprende que los presentes, todos ellos occidentales de procedencia diversa (británicos, estadounidenses, holandeses,australianos,...) viven de manera despreocupada y hasta felices, ajenas a la guerra a pesar de que conocen el avance japonés por el Pacífico. Es cierto que la prensa no ayuda, pues no dice la verdad.

En las conversaciones que tienen lugar en las distintas mesas y en el salón de baile se adivina el desprecio y el desconocimiento que algunos de los asistentes tienen hacia Japón es absoluto. Mientras hablan y discuten se escucha un sonido sordo que lleva a la sala al silencia. Pero la orquesta y la cantante siguen con la música hasta que en la sala entran tres militares que informan que los japoneses se encuentran a las puerta de la ciudad portuaria. Es más, anuncian que las fuerzas japonesas acaban de atacar Singapur y que la ciudad apenas resistirá unas horas.

De inmediato los militares ordenan la evacuación de las mujeres y los niños para agruparse en el puerto. En el puerto se suben en un barco de la armada mujeres y niños de toda condición, sin distinciones social alguna. El objetivo es llevarlo a un lugar más seguro.

Sin embargo, pocas horas después, el barco es bombardeado por los aviones de combate japoneses y las mujeres deben saltar del barco para salvar sus vidas cuando están frente a las costas de Sumatra. Tres mujeres de las que han saltado se aproximan a las costas de la isla indonesia.

Se trata de Adrienne Pargiter (Glenn Close), la esposa de un empresario de una plantación de té, Rosemary Leighton-Jones (Jennifer Ele), una modelo y novia de un militar perteneciente al Ejército Real Voluntario malayo, y Susan Macarthy (Cate Blanchett), una enfermera australiana, tras nadar llegan a la costa de Sumatra.

Tras salir con dificultades del manglar las mujeres son encontradas por un oficial japonés, el capitán Tanaka (Stan Egi), y conducidas a una aparente aldea desierta.

Sin embargo, de inmediato son llevadas al interior de un gran espacio por el Sargento Tomiashi (Clyde Kusatsu )en el que se les grita, agrede y se les separa por sexos a hombres y mujeres. aunque , de inmediato, son apresadas y enviadas a un campo de concentración en medio de la selva dirigido por el Coronel Hirota (Sab Shimono) y que usa como intérprete al Sr. Tomio (David Chung).

El campamento de esta película no es un campo de prisioneros de guerra porque los reclusos no son prisioneros de guerra. Es un campo de internamiento, donde los civiles se mantienen sin más motivo que ser de la nacionalidad perteneciente al enemigo. Es el campo de internamiento donde las tres mujeres se reúnen con el resto de las mujeres y los niños del bote.

En el campo de prisioneros, hay mujeres de todas las nacionalidades, incluyendo holandesa, inglesas, irlandesas, portuguesas, algunas chinos, malayas , australianas incluso una judía alemana que afirma ser doctora,  como la Dra. Verstak (Frances McDormand).

Todos provienen de clases sociales diferentes. Algunas de las mujeres son monjas como la hermana Wilhelminia (Johanna Ter Steege), algunas son enfermeras, y otras son simplemente esposas y madres como la Sra Roberts y su hija.

Las mujeres se ven obligadas a inclinarse ante los oficiales japoneses y su bandera sino quieren recibir castigos , golpes y todo tipo de vejaciones. Las mujeres deben soportar torturas y trabajos forzados mientras tratan de mantenerse positivas y equilibradas. Muchos creen que la guerra terminará pronto y que sus maridos o soldados vendrán a buscarlos.

Sin embargo, las condiciones de vida son brutales, los alimentos escasos, el trato vejatorio, las humillaciones continuas y a esto se suman las enfermedades tropicales y, por consiguiente, la muerte. 

Cuando las mujeres del campo de prisioneros llevan dos años, los ánimos están por los suelos. Se han ido acostumbrando al maltrato , incluso han visto brutales castigos infringidos por el capitán Tanaka, que ha sido destinado al campo como miembro de los servicios secretos japoneses y el Sargento Tomiashi, su ejecutor. Destaca el aplicado a una mujer de origen chino de nombre Wing (Pauline Chan) cuando se escapó del campo para intercambiar con otros chinos o malayos pertenencias de las mujeres por Quinina. Al día siguiente al ser descubierta es quemada viva ante el resto del grupo.

Ante las penosas circunstancias siempre hay alguien que intenta mantener el espíritu vivo. En este caso son dos de las prisioneras, Adrienne Pargiter, graduada de la Real Academia de Música , y Daisy "Margaret" Drummond, misionera, que tras una conversación, deciden crear una orquesta vocal para mantener el ánimo de las mujeres.

Algunas de las mujeres temen por sus vidas porque los oficiales japoneses, especialmente el Sargento Tomiashi "La Serpiente", que es conocido por su crueldad y abuso, ha castigado cualquier reunión, ya sea religiosa o social.

Incluso un día el Sargento Tomiashi llega a los barracones con un listado de nombres de las mujeres. Las mujeres de la listas son las más jóvenes y guapas. Poco después son llevadas en camión a una casa colonial que en la actualidad es el Club de los oficiales japoneses. Al llegar ven una mesa perfectamente surtida de alimentos. El Coronel Hirota vuelve a usar como intérprete al Sr. Tomio y éste les dice que aquellas que voluntariamente quieran pueden quedarse en la casa disfrutando de alimentos, de sábanas de seda y de agua caliente. Algunas chicas, pertenecientes al incipiente coro, se quedan en la casa.

Con todo las que regresan vuelven a su trabajo diario y , algunos se integran en la orquesta vocal.  La orquesta finalmente se presenta para todo el campamento un día de diciembre con una versión vocal de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Anton Dvorak dejando a todos anonadados. Incluso los oficiales se detienen para escuchar la música vibrante. Sin embargo, la música solo funciona como motivación durante tanto tiempo, dando incluso un concierto para el Coronel Hirota.

Pero las condiciones no mejoran. De hecho un día la enfermera australiana Susan McCarthy, que fue una de las últimas en integrarse en el coro, sufre un duro castigo por reírse cuando realizan el homenaje a la bandera nipona. Tras un día a pleno sol , sin opción de moverse pues quedaría clavada en estacas de bambú, sobrevive cuando todo el mundo esperaba su ejecución por parte de Tanaka.

Con todo vemos que las mujeres continúan disminuyendo en número como se comprueba en el cementerio.

Después de un tiempo, conforme la respuesta de los aliados en en Pacífico se vuelve eficaz y los espacios asiáticos conquistados por el Ejército Imperial japonés se van reduciendo, las mujeres son trasladadas a un nuevo lugar en las montañas donde permanecerán hasta el final de la guerra.

Allí mueren gran parte de las integrantes del coro como la Sra Roberts (Elizabeth Spriggs) , la misionera Daisy "Margaret" Drummond, o la bella modelo Rosemary Leighton-Jones, que finalmente se rinde al ver a su marido prisionero y golpeado el día que se desplazan en tren al nuevo campamento.

La guerra termina, aunque antes vemos huir a Tanaka . De hecho lo anuncia el Coronel Hirota y el Sr. Tomio que al decirlo les deja a las mujeres las puertas del campamento abierto mientras se regocijan , eso sí, ya muy desmejoradas, por su libertad o se hacen confesiones como la de la Dra. Verstak a la enfermera  McCarthy que le confiesa que era desde luego Doctora, pero en Filosofía.

La película se cierra en una escena de la última actuación de la orquesta vocal. Antes de los títulos de crédito se nos informa que la orquesta vocal interpretó más de 30 obras des 1943 a 1944. Las partituras originales sobrevivieron a la guerra y son la base de la música interpretada en la película. También se nos informa que las mujeres no abandonaron el campo de prisioneros de guerra hasta dos semanas después, ya que los soldados aliados no llegaron al campo de internamiento de Belalau (el más remoto de todos) hasta una quincena después del final del guerra. En este momento, fueron llevados a Singapur y Sumatra, donde recibieron tratamiento médico y luego volvieron a sus diferentes hogares.

También se dice que la película se inspiró en los recuerdos de las mujeres prisioneros de guerra, muchos de los cuales se convirtieron en amigas para toda la vida después de la experiencia.

Y así concluye la película de Bruce Beresford que, en el fondo, nos cuenta esta historia de la orquesta vocal creada por las mujeres en un campo de internamiento japonés. Para 1997, muchos de las suprevivientes todavía estaban vivos durante la realización de la película y contribuyeron a la inspiración de Paradise Road . En el libro " Bruce Beresford : Instintos del corazón", el autor Peter Coleman dice que Beresford le preguntó a su tío sobre la Segunda Guerra Mundial y el tratamiento de los prisioneros japoneses.

La historia se basa en el testimonio de Betty Jeffrey , escrito en su libro de 1954 White Coolies . El libro de 1965 Song of Survival de Helen Colijn (nieta de Hendrikus Colijn ), otra sobreviviente del campo, no aparece en los créditos de la película como fuente de esta película, aunque se agradece a Colijn por su ayuda en los créditos. Martin Meader y David Giles investigaron la historia desde 1991 y se reunieron con las supervivientes del campamento y el coro. Meader y Giles escribieron después el guión original, titulado "A Voice Cries Out". Graeme Rattigan luego se unió a Meader y Giles y juntos los tres viajaron por el mundo, recaudando $ 8.275 millones para la película.

Conocieron a Beresford en Londres que inmediatamente se interesó en el proyecto. Junto con Village Roadshow, Beresford se hizo cargo de la película, re-escribió el guión y renombró el proyecto bajo el título Paradise Road . Beresford y la productora Sue Milliken hicieron su propia investigación de la historia durante más de dos años, leyendo libros y diarios inéditos sobre el tema y entrevistando a sobrevivientes. Meader y Giles obtuvieron un crédito "Story by", y con Rattigan, todos recibieron el crédito de coproductores ejecutivos. Su compañía, Planet Pictures, recibió un crédito "In Association With". La Fox proporcionó $ 19 millones del presupuesto con $ 6 millones provenientes del empresario de Singapur, Andrew Yap.

La película representa una versión alternativa del encarcelamiento de mujeres por parte de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial en comparación con la oferta dramática de la BBC de comienzos de la década de 1980, Tenko .

Algunas críticas de la precisión histórica de la película fueron discutidas en un artículo del profesor Hank Nelson . El primer concierto en la vida real realizado por las mujeres en el campo real de prisioneros de guerra se llevó a cabo el 27 de diciembre de 1943. Los créditos finales indican que la orquesta vocal interpretó más de treinta obras en el campo de prisioneros de guerra durante 1943 y 1944. Sin embargo, dejó de actuar cuando aproximadamente la mitad de los miembros habían muerto y los supervivientes restantes no estaban lo suficientemente bien como para participar.

La música de la película se derivó obtuvo de las transcripciones reales de los anotaciones utilizados en los campos de prisioneros de guerra que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial. De su memoria, en el campo real de prisioneros de guerra, Margaret Dryburgh escribió y arregló la música para la orquesta vocal de obras de compositores como Ludwig van Beethoven , Frédéric Chopin y Claude Debussy .

En 1982, el Peninsula Women's Chorus realizó un concierto de homenaje a las mujeres en Australia, recreando un concierto de las transcripciones de las partituras supervivientes.

En cuanto al casting señalar que algunos papeles fluctuaron.  El papel de la Dra. Verstak originalmente se le ofreció a Anjelica Huston que exigía más participación en los beneficios que los cineastas estaban dispuestos a dar, por lo que Frances McDormand fue elegida para el reparto. La parte de Margaret Drummond iba a ser interpretada por Jean Simmons, pero tuvo que retirarse debido a una enfermedad; el estudio quería a Joan Plowright , pero aceptó otra oferta y Pauline Collins terminó siendo elegida.

La Fox se mostró reacia a llevar a Cate Blanchett a la cabeza ya que era relativamente desconocida en ese momento, pero su paisano Beresford insistió. Y no se equivocó. La chica valía mucho y el lo sabía.

La producción tuvo lugar en la primavera de 1996 entre Singapur, Australia y Malasia. En concreto en el Raffles Hotel de Singapur, la ciudad australiana de Marrickville, y en concreto su Marrickville Town Hall, en las cercanías de Sydney, al igual que en esta última ciudad sita en Nueva Gales del Sur, y Port Douglas en el Estado de Queensland y en Penang en Malasia

La taquilla estuvo muy por debajo de lo esperado consiguiendo únicamente $ 2,007,100 de ingresos en la taquilla.

En cuanto a la crítica , además de lo que dice María Salas en la CBS que declara su entusiasmos al decir que la película es "Soberbia. Una de las mejores películas de la década",  decir que Fernando Morales en El País la clasificó como "Intensa, conmovedora". Por su parte, María Casanova en Cinemanía dijo de ella que era "Sobria y dura, pero no tremendista, con muy buenas interpretaciones", Javier Ocaña también en Cinemanía añade que "Close en uno de esos papeles que lucen y blanda dirección de Beresford"

La historia real es algo más compleja. Lo cierto es que durante la Segunda Guerra Mundial, muchas mujeres se convirtieron en prisioneras de guerra y se enfrentaron una tasa de mortalidad que oscilaban entre 20 y el 50 % en los campos de prisioneros japoneses. Sin embargo, muchas historias de prisioneros de guerra han sido pasadas por alto, con la excepción de las mujeres prisioneros de guerra de Sumatra.

Antes de la guerra Singapur era la opción de alojamiento más popular en la zona , sobre todo una vez que Shangai y Hong Kong , hubiesen caído en manos de los japoneses y el Raffles Hotel, eera el centro de encuentro de burgueses británicos y holandeses. La ciudad - Estado, hoy uno de los mayores puertos mundial, estaba llena de tiendas y hermosas casas, que atrajeron a muchos soldados y sus esposas.

Tras el atque de las fuerzas armadas japonesas a Pearl Harbor, le tocó el turno a Malasia, Singapur y Hong Kong en aquel diciembre de 1941. Los europeos mantuvieron a las fuerzas japonesas a un nivel inferior y confiaban en la armada británica que custodiaba Singapur. Pero los japoneses avanzaron en las líneas militares británicas, capturaron el aeródromo británico y lanzaron bombas sobre la ciudad, lo que provocó un retroceso de las fuerzas británicas.

El 15 de febrero de 1942 los japoneses tomaron Singapur. Debido a la creencia de que la ciudad estaba segura, muchas mujeres y niños permanecieron en Singapur mientras la ciudad era atacada. Los habitantes de la ciudad, incluidas mujeres y niños, corrieron a bordo de barcos para huir de la isla. Algunos de estos barcos llenos de mujeres acabaron tras ser hundidos a capturados como prisioneras de guerra en Sumatra. En concreto, el "Vyner Brooke" era un barco con 65 enfermeras del Servicio de Enfermería del Ejército de Australia que fue hundido en el Estrecho de Banka . Las mujeres y los niños se vieron obligados a saltar por la borda para salvar sus vidas, pero los japoneses continuaron disparando contra las mujeres en el agua. Las supervivientes nadaron hasta la isla Banka. Una de las enfermeras australianas sugirió a las mujeres y los niños que se dirigieran a una aldea en la isla, mientras que las enfermeras permanecían en la playa para atender las heridas de los hombres. Cuando los japoneses los descubrieron, los hombres fueron acorralados y veintidós de las enfermeras fueron obligadas a regresar al agua donde los soldados les dispararon. Solo Vivian Bullwinkel sobrevivió al fuego abierto. Bullwinkel luego encontró al resto de las enfermeras que sobrevivieron al hundimiento del barco. Las mujeres fueron transferidas de la isla de Banka a Sumatra. Algunos sobrevivieron a los múltiples viajes de ida y vuelta entre las islas durante tres años y medio. Las mujeres vivían en el campo de prisioneros de Sumatra cuando terminó la guerra y los sobrevivientes recibieron un rescate.

  

Para terminar reconocer que la película mantiene el interés en esta historia alternativa a lo que se nos cuenta en muchas películas bélicas. Es realmente la historia de unas supervivientes capaces de sobrellevar las dificultades que se les presentaron y afrontar con dignidad y valentía las atrocidades japonesas. Fue un ejemplo de resiliencia a través de la música, en muchos casos la fe, la perseverancia, la solidaridad y sobre todo la creatividad para sobrevivir en un mundo que les condenaba irremediablemente a seguir un forzado camino al paraíso.

Olvida el Álamo

Olvida el Álamo!!! Así acaba una magnífica película llamada Lone Star del año 1995 una gran y sorprendente película. Todo un descubrimiento que , como es de esperar, se desarrolla o está ambientada en un pequeño pueblo de Texas, el Estado de la Estrella solitaria, o Lone Star State.

La película, un thriller estadounidense del año 1996 escrito, editado y dirigido por el neoyorkino John Sayles. Este comenzó su carrera trabajando con Roger Corman y sacando el máximo rendimiento a unos presupuestos limitados y ha financiado la mayoría de sus películas escribiendo guiones de películas muchas de ellas del género de terror o escribiendo para otros directores y proyectos. Cuando ya consiguió cierta solvencia se lanzó a escribir y dirigir sus propias películas, como Lone Star , Passion Fish , Eight Men Out , The Secret of Roan Inish y Matewan, películas de cine independiente . Casi desde el principio desde 1983 Maggie Renzi , su compañera, ha producido la mayoría de sus películas y se conocieron como estudiantes en el Williams College.

Sayles trabaja con un repertorio regular de actores integrado por actores tales como Chris Cooper , Joe Morton o Kris Kristofferson como ocurre en esta película , pero también cuenta con otros como David Strathairn y Gordon Clapp , cada uno de los cuales ha aparecido en, al menos, cuatro de sus películas.

Como ocurre con otros cineastas independientes, John Sayles tiende a trabajar con los mismos actores y técnicos una y otra vez. Sus películas se caracterizan por mostrar las tensiones dentro de comunidades mostradas con todo lujo de detalles, como ocurre en este caso con las tensiones entre la comunidad anglosajona y latina en Lone Star, que en esta película presenta un nuevo vértice , el de la comunidad negra, descendiente de los Seminolas de color de Florida, y los puntos de vista divergentes así como introducir elementos y temas políticos en sus películas. No es de extrañar en ese sentido que fue uno de los intelectuales que participaron en la Campaña Not In Our Name (junto con Noam Chomsky , Steve Earle , Brian Eno , Jesse Jackson , Viggo Mortensen , Bonnie Raitt , Oliver Stone , Marisa Tomei , Susan Sarandon y otros) y que se opusieron la invasión de Iraq .

En Lone Star John Sayles , que está en calidad de director, guionista y montador, contó en la producción con R. Paul Miller y Maggie Renzi y el amparo en la Producción de Castle Rock Entertainment, Río Dulce  y la Columbia Pictures en la distribución, manejandoeso sí, un presupuesto de $ 3 millones de dólares.

En el apartado musical contó con las composiciones de  Mason Daring a la que se suman gran parte , como música de ambiente, de canciones populares mexicanas y la fotografía de Stuart Dryburgh .

El elenco presenta a Kris Kristofferson como Charlie Wade , Matthew McConaughey como Buddy Deeds, Chris Cooper como Sam Deeds , Elizabeth Peña como Pilar Cruz , Míriam Colón como Mercedes Cruz , Clifton James como Hollis Pogue , Ron Canadá como Otis "O" Payne . Junto a ellos aparecen Gabriel Casseus como el joven Otis Payne , Joe Morton como Delmore Payne que interpreta al hijo de Ron Canadá, a pesar de tener más de 18 meses más que él, Eddie Robinson como Chet Payne , Frances McDormand como Bunny , Stephen Mendillo como el sargento Cliff , LaTanya Richardson como la Sargento Priscilla , Worth Jesse Borrego como Danny Padilla,  Tony Plana como Ray Oni , Faida Lampley como Celie,  Eleese Lester como Molly , Tony Frank como Fenton , Gordon Tootoosis como Wesley Birdsong , Beatrice Winde como Minnie Bledsoe,  Chandra Wilson como Athena Johnson

En el desierto de Texas, en un pueblo fronterizo con numerosos inmigrantes mexicanos, aparece en un área , antiguamente militarizada, un esqueleto de un ser humano. Los descubridores son dos militares de la base militar cercana a Frontera, un ciudad que cercana a México y que van buscado balas para esculturas. Los restos del esqueleto humano en el viejo campo de tiro aparecen junto a un anillo masónico, una insignia del sheriff del Condado de Río y , más tarde, aparece una bala que no usa el ejército.

La primera impresión es que es un asesinato antiguo, de hace unos cuarenta años atrás, y al aparecer una estrella de sheriff  todo apunta que pudiera ser el cuerpo de Charlie Wade ( Kris Kristofferson) , el antiguo sheriff local, un hombre violento y corrupto, que desapareció sin dejar rastro hace cuatro décadas.

El sheriff Sam Deeds descubre que este predecesor, Charlie Wade era un hombre racista y un esbirro del entonces juez, que , en ese momento, era dueño de todo en el área. El crimen en sí mismo no le molestaba a ninguno de los dos, pero lo que sí les molestaba mucho eran no tener parte de las ganancias. Al que no le pagaban,  Wade le disparaba.

El encargado de la investigación es actual sheriff  de Frontera , Sam Deeds, (Chris Cooper, )un hombre que nació y se crió en Frontera, y regresó hace dos años para ser sheriff. Es hijo del anterior sheriff Buddy Deeds (Matthew McConaughey) , un ser  legendario a quien se le recuerda como un hombre honesto, justo e íntegro.

Un policía que no tuvo problema alguno en enfrentarse a autoritarismo de Charlie Wade, el sheriff que, en una ocasión, supuestamente, la última vez que lo vieron vivo, amenazó de muerte a su padre, al no aceptar sobornos ni amenazas del jefe de policía. Buddy Deeds, el padre de Sam, se opuso abiertamente a su superior y , poco después, Wade desapareció, y Buddy se convirtió en su sucesor.

En estas investigaciones, las imágenes saltan del presente a en la década de 1950 , años en los que ue tuvo lugar la opresión de las diversas minorías de afroamericanos , mexicanos , latinos e indios en todos los niveles.

Ahora a Bud se le va a levantar un monumento. Por lo tanto, no conviene a los dignatarios de la ciudad que Sam sospeche   de su padre, con quien tuvo una relación difícil, como implicado en el asesinato del anterior sheriff.

Sam tuvo problemas con su padre y peleaban desde la adolescencia. Descubrimos a lo largo de la historia que la razón fue la oposición de su padre con una chica de origen mexicano. Cuando era adolescente, Sam que había estado enamorado de la hija de Mercedes Cruz, Pilar, pero tanto Buddy y Mercedes se opusieron fuertemente al noviazgo.

La situación ahora en Frontera es de esfervescencia política ya que se avecinan elecciones a nuevo alcalde y los intereses políticos están muy presentes. Sam, además, desaprueba particularmente los esfuerzos de la líder empresarial Mercedes Cruz y del ex compañero de Buddy, el alcalde Hollis Pogue, por ampliar y cambiar el nombre del juzgado local en honor de Buddy; lo considera un desperdicio innecesario del dinero de los contribuyentes.

Tras la detención del hijo menor de Pilar, hijo que ha tuvo con su marido Fernando, hay un encuentro casual entre Sam y Pilar, ahora viuda, con  dos hijos adolescentes.  y profesora en un instituto local en el que se discute con vehemencia como han de explicarse las clases de historia sobre todo desde la independencia de España hasta la integración de Texas en los Estados Unidos.

El encuentro fortuito hace que reanuden lentamente su relación, pero se adivina mucha tensión entre un Sam que comenta que ha regresado tras divorciarse de su mujer y salir de la empresa de su suegro y Pilar que sigue notando la oposición de su madre, Mercedes, una importante empresaria de la restauración,  a comenzar una nueva relación

Cuarenta años después, los diversos grupos étnicos discuten sobre el tipo correcto de educación y permanecen esencialmente divididos por barrios. Todavía hay un pub solo para gente negra y las relaciones de raza mixta no son bienvenidas.

Por su parte, también acaba de aparecer en Frontera un nuevo responsable de la base militar local. El responsable es el coronel Delmore Payne llegó recientemente a la ciudad como comandante de la base local del ejército de los EE. UU.  regresa con su familia al lugar de su infancia.

Delmore es el hijo de Otis "Big O" Payne, propietario de un club nocturno local y figura destacada en la comunidad afroamericana del área. Los dos están distanciados debido a la sistemática infidelidad de Otis y el abandono de la madre de Delmore cuando éste era un niño. Pero se niega a contactar a su padre Otis, quien a menudo lo ignoraba durante su infancia debido a su trabajo, no así su nieto que quiere conocer a su abuelo a pesar de la oposición de su padre.

Ahora Delmore , repite los errores de su padre ahora incluso con su hijo. Cuando Delmore finalmente visita a su padre, lo hace por razones oficiales, ya que piensa en un tiroteo entre los soldados en el bar y prohíbe a sus soldados visitarlos. La solicitud de su padre Otis para conocer a su familia, pero él se niega.

Sam , gracias a la aportación de Texas Ranger Ben Wetzel que ayuda en el caso confirma las sospechas que tiene Sam . Al igual que los forenses identifica el esqueleto como el de Charlie Wade, el corrupto sheriff que precedió a su padre Buddy.

El sabe, así se lo cuentan en repetidas ocasiones, que Wade había desaparecido misteriosamente en 1957, tomando $ 10,000 en fondos del condado, después de lo cual Buddy se convirtió en sheriff.

Sam investiga los eventos que llevaron al asesinato de Wade. Se entera de que Wade aterrorizó a las comunidades locales formadas por afroestadounidenses y mexicanos. Sin miramientos alguno cometió numerosos asesinatos, siguiendo siempre el mismo "modus operandi" : les pide a sus víctimas inocentes que extraigan cualquier arma que puedan tener, para luego justificar dispararles por "resistirse al arresto".

Sam se entera de que Hollis y Mercedes han reclutado a su propio candidato para regir la policía  para competir contra él en las próximas elecciones. Él decide no postularse para la reelección.

Entre otros Sam se entera por el limpiador de la comisaria que Wade utilizó este método para asesinar al esposo de Mercedes Cruz, Eladio, frente al ayudante de policía Hollis. En México visita a un antiguo espalda mojada que vio fue testigo del asesinato de Eladio Cruz por parte de Wade.

Por otro lado, descubrimos que el coronel Delmore Payne es un tipo duro, pero también un hombre con corazón. Tras hablar con una soldado negra que se ha  drogado, Delmore se da cuenta de que los humanos pueden tener diferentes planes de vida y decide acercarse tanto a su hijo como a su padre. Al llegar a casa, a pesar de no encontrarse, lo recibe su nueva mujer que le enseña la vivienda, en ella aparte de información sobre los Semínolas negros que los que son descendientes, descubre para su asombro una pared llena de información sobre él que el padre ha ido acumulando a lo largo de la vida, con cada uno de los logros de su hijo. La mujer le dice que era su madre la que impedía las visitas del padre al hijo.

La madre de Pilar, Mercedes,  se niega a reconocer sus raíces mexicanas y exige que su personal hable inglés. Solo cuando uno de sus empleados , Enrique, aparece comprometido en una operación de "espaldas mojadas" desde Mexico a  los EE. UU. , presta su ayuda a los inmigrantes ilegales.

Cuando ya lo tiene claro, Sam visita a Wesley Birdsong, un nativo americano y propietario de un puesto turístico en la carretera, quien revela que Buddy fue se compañero de armas en Corea y  que tras la guerra decidió convertirse en alguacil adjunto y casarse con la madre de Sam, aunque tenía una amante, cuyo nombre Wesley dice tener olvidado.

Sam, deduce que su nombre puede aparecer en los recuerdos que conserva en San Antonio , donde visita a su ex esposa una persona inestable y enferma de nombre Bunny (Frances McDormand)  y a la que le pide las cosas de su padre, donde descubre cartas de amor de la amante de Buddy.

Sam, ya con la verdad en la mesa, va en busca del alcalde Hollis y Otis y les pregunta sobre el asesinato de Wade. Le comentan que Wade extorsionó dinero a un joven Otis por llevar a cabo una operación de apuestas ilegales en el bar, y luego estuvo a punto de usar su fórmula  de "resistencia al arresto" para matar a Otis. Pero Buddy llegó justo cuando Hollis le disparó a Wade para evitar el asesinato de Otis Payne a sangre fría.

Los tres enterraron el cadáver y se llevaron los $ 10,000 del condado y se lo dieron a Mercedes, que estaba viviendo casi como una indigente después de la reciente muerte de Eladio, para comprar su restaurante.

Hollis revela que Buddy y Mercedes comenzaron a salir poco tiempo después. Sam decide dejar el tema, diciendo que seguirá siendo un misterio sin resolver.

Hollis expresa su preocupación de que, cuando el esqueleto se revela como Wade, la gente suponga que Buddy lo asumir sus funciones, a lo que Sam afirma que la leyenda de Buddy puede manejar la situación.

Sam decide quedar con Pilar en el antiguo autocine. Sam  le dice a Pilar que Eladio murió 18 meses antes de su nacimiento, en lugar de "unas pocas semanas", antes de que ella naciera.

Sam le muestra a Pilar una foto vieja de Buddy y Mercedes, y ella deduce que Buddy es su padre por esa razón se oponía a la relación y por ello también la miraba durante los recreos. Igualmente, por eso , Mercedes decidió llevar a su hija a estudiar a un centro de monjas. Ambos están tocados por el engaño pero deciden que, dado que Pilar no puede tener más hijos, después de complicaciones durante el nacimiento de su hija continuarán su relación amorosa, a pesar de saber que son medio hermanos , pero esto hace que esta decisión sea aún más fácil. Deciden comenzar de nuevo y dejar descansar las viejas historias.  Pilar le pide a Sam que se olvide de El Álamo.

La película fue filmada entre abril y junio de 19995 en  las localidades texanas de Del Rio , Eagle Pass. Luling Unland, Coupland  y Laredo,.


La película se estrenó el  10 de mayo de 1996  en el Festival de  Cannes, pasando al mes siguiente, el  21 de junio de 1996  a su estreno en las salas de los Estados Unidos consiguiendo una taquilla de $ 13 millones.

La película recibió críticas  positivas siendo consideradas por los críticos Gene Siskel y Rogert Ebert como una de las mejores de ese año 1996. Dos años después del lanzamiento, Jack Mathews de Los Angeles Times destacaba de ella que había sido "aclamada por la crítica y que era muy comercial". .

En retrospectiva en 2004, William Arnold del Seattle Post-Intelligencer dijo que la película era "ampliamente considerada como la obra maestra de Sayles", declarando que había "capturado el espíritu de la época de los '90 tan exitosamente como lo hizo Chinatown con el de los 70 .

Janet Maslin de The New York Times dijo de la película que era " larga, sobria, de ritmo contemplativo, anotada con una amplia gama de estilos musicales y dada la claridad del sol por la cinematografía de Stuart Dryburgh, está cargada con breves , encuentros significativos ... Y presenta una gran cantidad de actuación fina y reflexiva, que siempre se puede contar en una película del Sr. Sayles ".  Y añadió además que "Todos los personajes de la película son de carne y hueso" y destacó el trabajo de Kristofferson, Canadá, James, Morton y Colón.

Dennis West y Joan M. West de Cineaste elogiaron los aspectos psicológicos de la película y escribieron: " Lone Star representa de forma sorprendente los límites psicológicos personales que enfrentan muchos ciudadanos de Frontera como resultado de vivir tan cerca del frontera".

Ann Hornaday en el Austin American-Statesman defendía que era "un trabajo de gran alcance y percepción aguda", al considerarlo "la película más lograda de la carrera de 17 años [de Sayles]".

Sin embargo, no todas las críticas contemporáneas fueron completamente positivas. Mientras que el escritor de The Washington Post, Hal Hinson lo describió como "un logro literario cuidadosamente elaborado y sin complejos", dijo que el estilo de dirección de Sayles "no ha crecido mucho más que el de un estudiante de cine de primer año", declarando que el director estaba "estancado".

En una Enciclopedia de cine internacional alemana se dice que es  "Una reflexión inteligente sobre el comportamiento humano y su libertad, que desafía los hábitos visuales propios, lo que crea un hechizo sobre la forma y cuyo realismo psicológico promueve el propio pensamiento".

Ya en España   Luis Martínez en El País dice de ella que "Historia de fronteras, mestizajes y mentiras. De otro modo: cálida, profunda, magnética".

Miguel Ángel Palomo en  El País  escribía que era un "Comprometido y agresivo drama fronterizo en el que nada es lo que parece. (...) alambicada estructura narrativa que agita al espectador con continuos saltos temporales. Los soberbios trabajos del elenco de actores, en especial de un siniestro Kris Kristofferson, redondean 'Lone Star', una película imprescindible de uno de los cineastas más atípicos del cine norteamericano."

Para Carlos Boyero  en El Mundo la calificaba con un lacónico  "Magnífica" ; y en Cinemanía , Alexis López declaraba que era "Una gran película"

La película recibió numerosas nominaciones y premios. Un total de 24 nominaciones consiguiendo hasta 11 premios. Sayles fue nominado a los Premios Oscar , BAFTA , Golden Globe y Writers Guild of America por su guión original. 

Chris Cooper recibió una nominación para el Premio Chlotrudis . El Independent Spirit Award vio a Elizabeth Peña como la "Mejor actriz de reparto", mientras permanecía en las categorías de Mejor película, Mejor actor (Cooper) y Mejor guión para una nominación.

Y nominado a los Golden Satellite Award; Mejor película - Drama, R. Paul Miller y Maggie Renzi; 1997.

Irónicamente, Lone Star fue el gran ganador en los Lone Star Film & Television Awards  al vencer en las categorias de mejor actor (Chris Cooper), mejor director (John Sayles) , mejor película ; mejor guión para Sayles ; mejor actor de apoyo (Ron Canadá) y actriz de apoyo para Frances McDormand.

Ganó el Grand Prix del Sindicato belga de Críticos de Cine. Elizabeth Peña gano el Premio a la mejor actriz secundaria en los Independent Spirit Award. También ganó la actriz Elizabeth  Peña y la película ganaron premios en el Premio Bravo de NCLR , que premia las representaciones positivas de los hispanos . Tony Plana fue nominado.

En los Satellite Award consiguió el primer premio a la mejor película y guión original y nominado a la mejor película.

La Sociedad de Críticos  de Cine de Texas dio el premio al John Sayles al mejor director, mejor guión.

La Southeastern Film Critics Association Awards concedió el SEFCA Award al mejor director en la perdona de John Sayles.

En los Oscars fue nominada a Mejor guión original, pero también en 1996 en los  Globos de Oro también recibió una nominación al mejor guión.

En los BAFTA fue nominada John Sayles al mejor guión . Fue nominada a la mejor película en los Broadcast Film Critics Association Awards , los BFCA.

En los Casting Society of America consideró a Avy Kaufman para su premio por el mejor casting. En los Independent Spirit Awards las nominaciones fueron para R. Paul Miller y Maggie Renzi , mejor actor en la persona de Chris Cooper y mejor guión para John Sayles.

Por último, la Writer Guild of America  donde fue nominada al mejor guión de ese año 1996. Lo que es cierto es que John Sayles hizo un películón , una gran uso del "flashback" que no hace olvidar la historia de El Álamo, sino que la engrandece con este nuevo western fronterizo. carente de prejuicios, lleno de humanidad.

Aeon

Æon Flux es un atrevimiento en lo estético y una película de ciencia ficción, como muchas, confusa y difusa en la que el objetivo final no lo tienes claro , casi, hasta el final. Hay en ella muchas cosas que se ha visto en otras, una distopía apocalíptica, un poder autoritaria, unos rebeldes valientes y competentes, una lucha entre la civilización y lo desconocido. A destacar de la misma que fue anterior a otras muchas y ¡lo bien que le queda en traje a Charlize Theron!. En su contra, el discurso y la estética. ¿Cómo Pete Postlehwaite accedió a meterse en ese traje/ preservativo? 

Æon Flux no es una película fácil. Es todo lo contrario. Dirigida por la estadounidense Karyn Kusama en 2005, natural de Saint Louis (Missouri) , paisana por lo tanto de una pareja de amigos. Tras su formación en Nueva York , trabajó como asistente del cineasta John Sayles en su película Lone Star , mientras tanto, comenzaba a escribir guiones - y a boxear- , algunos de los cuales se concretaron en películas como Girlfight, una película del año 2000 , financiada por Sayles, y por la que consiguió bastantes premios, entre muchos otros, el Premio al Director y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance , así como el Premio de la Juventud en el Festival de Cine de Cannes, aunque tuvo la película poco recorrido y escaso balance en taquilla. 

De cualquier manera esto fue su trampolín para que en 2005, Kusama dirigiera su segunda película, Æon Flux , una producción de la Paramount Pictures que protagonizó Charlize Theron y que tenía un presupuesto de US $ 62,000,000. 

La película fue presentada por el jefe de estudio de Paramount, Sherry Lansing, pero durante la postproducción Lansing se fue, lo que provocó que la película se volviera a modificar presentando cambios significativos respecto de la visión original de Kusama. Esta traumática experiencia, Kusama llevará a la directora de Missouri a declara que nunca más volvería a trabajar en una película en la que no tiene control del corte final. 

Tras esto el recorrido de la directora ha saltado del cine a la televisión con películas como Jennifer's Body (2009), The Invitation (2015), XX (2017) y la que está por estrenar este año 2018 de título Destroyer con Nicole Kidman; o series como la dirección en varios capítulos de Chicago Fire, The Man in the High Castle más recientemente en Billions. 

Como ya he dicho el momento en que esta norteamericana de padre japonés dijo no a la intervención y modificación de sus películas fue con Æon Flux , una película que es una adaptación libre de una serie de televisión de dibujos animados del mismo nombre, y que fue creada por el animador Peter Chung . Esta serie animada vanguardista de ciencia ficción estadounidense producida y transmitida por MTV. 

La serie tenía como protagonista a una extraordinaria agente secreta Æon Flux, creada por el coreano Peter Chung, y que fue una de las estrellas de la MTV desde que en 1991 se presentó con un episodio piloto de animación experimental de doce minutos dividido en seis partes, seguido por cinco cortometrajes que aparecieron durante el espacio televisivo Liquid Television. En 1992 se produjeron cinco cortos independientes de escasa duración. Rápidamente alcanzó el carácter de animación de culto y en 1995, MTV emitió una temporada de diez episodios de media hora cada uno como una serie autónoma. 

Dado el carácter de culto de la serie hubo un planteamiento de llevar a Æon Flux al cine como película de acción en vivo. Para ello la Paramount eligió a la que podría ser gran promesa del cine, según lo valorado en Sundance y en Cannes, Karyn Kusama. Ya no dependía de su protecto, Sayles, sino que en la misma estaban implicados en la producción David Gale, Gregory Goodman, Gale Anne Hurd y Gary Lucchesi. Eran los hombres fuertes en la películas de las productoras de MTV , la Paramount Pictures - en este caso igualmente distribuidora- , Lakeshore Entertainment y Valhalla Motion Pictures. Este conglomerado empresarial decidió manejar un presupuesto cercano a los $62,000,000. 

Para el guión de la misma la directora y la Paramount confió en Phil Hay y en Matt Manfredi (nos quedamos con el nombre del primer guionista, ¿vale?). En otros apartados se contó para la música con Graeme Revell, la fotografía de Stuart Dryburgh y, claro comentado lo comentado, para el montaje estuvieron implicados Peter Honess, Plummy Tucker y Jeff Gullo. 

En cuanto el elenco se tiro de algunos pesos pesados, sobre todo en los femenino, como era Charlize Theron como Æon Flux y Frances McDormand como Handler. Junto a ellos aparecen Pete Postlethwaite como Keeper, Marton Csokas como Trevor Goodchild, Jonny Lee Miller como Oren Goodchild así como la ¿atleta? Sophie Okonedo como Sithandra y Ralph Herforth como Gardenar. Junto a ellos aparecen Amelia Warner como Una Flux, Caroline Chikezie como Freya, Nikolai Kinski como Claudius, Paterson Joseph como Giroux y Yangzom Brauen como Inari. También intervienen Terry Bartlett y Aoibheann O'Hara. 

La compleja historia nos introduce en unos títulos que nos informan que estamos en un futuro post-apocalíptico, después de que un virus ha eliminado el noventa y nueve por ciento de la población de la Tierra en el año 2011, la historia se desarrolla cuatrocientos años más tarde, en el año 2415, y los supervivientes viven en la única ciudad del planeta, Bregna, una ciudad-estado amurallada, que es gobernada por un congreso de científicos presidido desde el 2011 por miembros de la familia Goodchild, que parecen haber creado una dinastía. 

Tras esta información, que nos es muy compleja, conocemos a Æon Flux (Charlize Theron) que es una asesina integrante de los "Monicanos", una organización rebelde clandestina que se comunican telepáticamente mediante el uso de pastillas dirigidos por "el Controlador". Sabemos que en Bregna ocurren cosas extrañas como desapariciones que no se publicitan, pero que la vida sigue en parques y mercados. 

En uno de esos parques tiene lugar un encuentro entre la hermanas Flux, Æon y Uma (Amelia Warner). Esta última no es de la resistencia y tiene una buena relación con su hermana mayor. Además es conocedora de su integración en los Monicanos. Le comenta que esta noche tendrán ambas actividad. 

Efectivamente, esa noche conocemos el buen hacer y a eficacia de Æon. Y después de su misión para la destrucción de una estación de vigilancia, Æon llega a casa y encuentra a su hermana asesinada, supuestamente confundida con una monicana. 

Un año después, cuando Æon es enviada por Handler (Frances McDormand) a una misión para asesinar al líder del gobierno, Trevor Goodchild junto con otra eficaz integrante de los rebeldes, Sithandra (Sophie Okonedo). 

Tras pasar todas las trampas del Palacio Presidencial y está a punto de conseguir su objetivo, Æon, descubre que está implicada en un plan secreto para dar un golpe de Estado. Este descubrimiento pone en tela de juicio el origen y el destino de todos en Bregna, en particular la conexión personal de Æon con el hombre al que debe asesinar Trevor Goodchild (Marton Csokas). 

Finalmente descubre que ella es un clon de la difunta esposa de Goodchild, Katherine, y que en realidad el trata de salvar a la humanidad, en secreto, con la creación de una cura para la infertilidad causada por el antídoto para la enfermedad que mató al noventa y nueve por ciento de la población de la Tierra. 

Resulta que todos los niños recién nacidos en Bregna son clones creados con ADN reciclado, con los muertos constantemente renaciendo en nuevos individuos y todavía con ciertas partes de la memoria de sus antepasados. 

Uno de los experimentos de Trevor tiene éxito, de hecho aunque ella lo desconocía, su hermana Uma fue asesinada por haberse quedado embarazada. 

Sin embargo, esta posibilidad pone en cuestión el modelo de estado que han creado los Goodchild durante 400 años, algo que se niega aceptar Oren Goodchild (Jonny Lee Miller), el hermano de Trevor, quien destruye la investigación en un intento de mantenerse en el poder y vivir para siempre en forma de clones de sí mismo. No obstante, en un enfrentamiento con Trevor y Æon, Oren pone de manifiesto que la humanidad misma se ha adaptado y algunas personas han recuperado la capacidad de tener hijos por su cuenta. 

Æon es, en última instancia, obligada a actuar en contra tanto de sus primeros aliados como de Oren, pero se las arregla para convencer a algunos de los Monicanos , entre ellos Sithandra, para no escuchar al Controlador y se pongan de su lado para matar a Oren y sus hombres. Æon actúa con una eficación letal con los hombres de Oren para casi su exterminio. 

En un acto final, Æon se prepara para destruir las instalaciones donde se guarda el ADN utilizado para las clonaciones, un dirigible que se encuentra constantemente en el cielo y que es presentado para la comunidad como un monumento. 

Allí se encuentra con el viejo Keeper , (Pete Postlethwaite) , el hombre que supervisa el ADN, y que en un momento dado ella recuerda que era el médico que preservó su ADN cuando Oren ordenó que se destruyera. Ella coloca unas bombas y se despide agradeciendo a Keeper que la salvara y dice que no merece para él la pena de sobrevivir, que su tiempo ha terminado. La barca voladora , finalmente, explota.

El posterior desplome del dirigible rompe el muro que rodea la ciudad de Bregna y por primera vez en siglos la población es capaz de expandirse por el mundo exterior. Finalmente, vemos como Æon comienza a recordar su vida en la tierra allá por 2011 y el primer encuentro que tuvo con Trevor en la calle, y tras ello acaba la película. 

El guión fue escrito por Phil Hay y Matt Manfredi (escritores de la serie juvenil Crazy/Beautiful y de la comedia de acción The Tuxedo), siendo la encargada de dirigir la película Karyn Kusama (Girlfight) tras ser descartado el inicial, Darren Aronofsky para dirigir esta película.Lo cierto es que Phil May y Karyn se conocían desde que se encontraron en Sundance cuando Girlfight se estrenó en 2000.

Esta película fue producida por MTV Films, cosa no habitual ya que se trata de una película de acción. 

Según los guionistas Phil Hay y Matt Manfredi, la "enfermedad industrial", que mata a la mayoría de la población mundial al comienzo de la película, fue causada por alimentos genéticamente modificados. 

Karyn Kusama sugirió inicialmente que el rodaje se realizara en Brasilia, la capital de Brasil, porque la arquitectura de la ciudad diseñada por Niemeyer encajaba con su visión de Bregna. La idea fue rechazada debido a que en Brasilia carecía de las infraestructuras y los medios técnicos que facilitasen la producción de la película. 

Después de explorar varias ciudades alrededor del mundo, se eligió a Berlín, Alemania como lugar de rodaje. Además de los habituales Studios Babelsberg de Potsdam en Brandenburgo, se rodó en algunos espacios públicos del länder que rodea Berlín y el mismo Berlín. Entre los primeros destacan el Biosphaere, el Sans-Souci,o el Buga Park, Potsdam,, ; mientras que entre los segundos está la Windkanal, la Bauhaus-Archiv, la antigua embarjada de EE.UU , la Filtergewoelbe Wasserwerk Friedrichshagen, el Krematorium Baumschulenweg recientemente construido , alcantarillas subterráneas que datan de antes de la Segunda Guerra Mundial, Haus der Kulturen der Welt, Kapelle der Versoehnung,Teatro Renacentista, Kirche Maria Regina, Langhansbau - Teatro Anatomisches, Mexikanische Botschaft, ,la Paul Löbe Haus, Riehmers Hofgarten, el Trudelturm y el Velodrom de Prenzlauer Berg todas en Berlín. ; aunque también se rodó en otros espacios de Alemania como Tierheim, en Freiburg im Breisgau ( en el länder de Baden-Württemberg) de Alemania. 

Al principio de la producción, se consideró a la actriz Michelle Rodríguez para el papel de Aeon, actriz que tenía una experiencia con la directora Kusama al ser la protagonista en el filme anterior de Girlfight. Demi Moore también fue considerada para el papel principal. Sin embargo, la elegida fue Charlize Theron como Æon Flux. 

Charlize Theron tuvo un entrenamiento de trampolín con Terry Bartlett del Cirque du Soleil. El rodaje se suspendió temporalmente, por un mes, durante septiembre de 2004, mientras Theron se recuperaba de una lesión en el cuello que sufrió durante una escena peligrosa en el décimo día de rodaje, mientras realizaba una voltereta de espaldas. Fue hospitalizada en Berlín durante cinco días y necesitó cerca de seis semanas de fisioterapia para recuperarse. Después de la lesión, ella todavía insistió en hacer sus propias acrobacias, aunque tenía una cláusula para el uso de dobles en su contrato. 

Los guiños a la serie de televisión son continuos. A destacar dos: la escena inicial en la que conocemos a Aeon atrapando una mosca con su pestaña se toma directamente de la secuencia del título del programa de televisión animado de Æon Flux (1991) o cuando vemos a ella o Sithandra saltando sobre la hierba letal y con el resto de maceteros en una esquina, la visión del espacio se asemeja mucho al logotipo de la serie de Æon Flux (1991). 

Varios de los trajes de Charlize Theron, sobre todo su traje blanco asimétrico, fueron piezas de alta costura contemporáneas del diseñador de modas Jean-Paul Gaultier. Igualmente el diseño juega un papel esencial en la película, incluído el industrial. El cuchillo blanco que usa Una para cortar verduras en su cocina está hecho por Kyocera electronics; la cuchilla era material cerámico patentado en lugar de acero, algo que ya tenemos en nuestras casas. 

Según la directora Karyn Kusama, después de terminar la película, el estudio la despidió, y se volvió a montar la película en una versión de 71 minutos que no funcionaba nada. Así que tras editar la película otra vez, pero sin ir a la idea original ella , además de negarse a realizar películas en las que no se hiciera responsable hasta el fin de las mismas declaró que partes importantes de la trama se abandonar , incluso el estudio eliminó la homosexualidad de uno de los personaje. 

El creador intelectual del personaje, Peter Chung, se mostró optimista sobre la película y quedó impresionado con los decorados al visitar la producción, pero, finalmente, describió la película como "una farsa". Los mismo guionistas Phil Hay y Matt Manfredi afirmaron, en una entrevista, que la película fue cortada por el estudio antes de su estreno y que el corte original del director contenía cerca de 30 minutos de escenas adicionales, que Chung también reconoció en su crítica de la película.  

La película se estrenó el 2 de diciembre de 2005. La Paramount Pictures decidió no mostrar Æon Flux a los críticos antes de su estreno. La película ganó 13,1 millones de dólares en su fin de semana de estreno. El 9 de febrero de 2006, completó su ciclo de salas, ganando $ 25.874.337 en todo el mundo y computando un total recaudado de $ 52,304,001, diez por debajo de lo presupuestado. 

Casi en paralelo al estreno , a finales de 2005, Dark Horse Comics publicó una edición de cuatro cómic de serie limitada en conexión con la película. La historia sirve como una precuela de la película y es una mezcla de diseños de la serie original de televisión de Peter Chung, combinados con los decorados y otros elementos de la historia de la película. Los dos últimos números de la serie limitada se publicaron después de que la película fuese estrenada. Dark Horse no ha anunciado si se publicarán más comics basados en Æon Flux. 

La reacción de los críticos fue, en general, negativa, aunque IMbD tiene una valoración de 5'5 sobre 10. La mía también es negativa , aunque estéticamente la película es muy interesante, no así en la parte narrativa de la misma.  La película mantiene una calificación de 10% en Rotten Tomatoes y una puntuación de 36 sobre 100 en Metacritic y 4'3 sobre 10 en Filmaffinity. 

Para el crítico Desson Thomson cronista en el The Washington Post señaló que "A excepción de algunas pocas escenas de acción disfrutables (...) 'Aeon Flux' es sorprendentemente pesada".

Justin Chang en Variety dijo de ella que era "Espectacularmente tonta cinta de ciencia-ficción que juega a ser un cruce entre 'Matrix' y 'La isla', pero reinterpretada como un video largo de Michael Jackson" 

Para John Anderson en su columna de Los Ángeles Times sostenía que "Si 'Aeon Flux' es lo que Charlize Theron tiene que hacer para pagarse sus facturas al tiempo que puede implicarse en 'Monster' o 'North Country'... entonces probablemente es un precio razonable a pagar. Para ella. ¿Para nosotros? No, no, no." 

En España Javier Cortijo, crítico del ABC dijo de ella que "Flux de Estambul. (...) desangelado espectáculo, a ratos mero spot de cosméticos (...) ." 

Para acabar que la historia de este naufragio visual que es la película , al menos, en la personal para la directora no fue tan horrible. Kusama que ya hemos dicho que conocía al guionista Phil Hay , comparió tiempo con él durante el rodaje y tras esto comenzaron a salir. Ella se casó con el guionista Phil Hay al año siguiente de su estreno, en octubre de 2006. Y con él tuvo un hijo. Al menos, esta historia es más comprensible, y no acaba mal.