Lejos de la tierra quemada

 

Revisión de Atómica

Esta entrada es una revisión de la película que pude ver el pasado abril de 2019 , y que se presentó con el titulo de La rubia atómica, un año sin pandemia , pero ya de un aspecto que dije que hablaría la próxima vez que pudiera ver la película. Hablamos de la banda  sonora.

Como ya sabemos la película dirigida por David Leitch cuenta con uno de las bandas sonoras más interesantes dado que contextualizan la película con la banda sonora real que sonaba en aquellos momentos. 

El propio Leitch pensó que había que usar las canciones correctas para el proyecto era crucial. Parte de esto fue intentar responder a la pregunta "¿cómo reinventas esta película de espías cargada de Guerra Fría?" La banda sonora de la misma utiliza una combinación de canciones de los años 1980, así como versiones de algunas de ellas. Estos últimos se utilizaron para añadir "un sentimiento contemporáneo de los años 80".

Los productores de la película se preocuparon inicialmente de que no podrían conseguir los derechos de todas las canciones que Leitch quería utilizar, pero el propio Leitch estimó que alrededor del 75% de sus selecciones llegaron al producto final.

La lista de canciones que suena es la siguiente "Cat People (Putting Out Fire)" de David Bowie , "Major Tom (Völlig Losgelöst)" de Peter Schilling , "Blue Monday" de Heatlh que hace una  versión del original de New Order.

Junto a ella aparece "C*cks*cker" de Tyler Bates; la inmensa "99 Luftballons" de Propaganda aquí aquí presentada en forma de balada por Nena . Igualmente están "Father Figure" de George Michael , "Der Kommissar" de After the Fire , "Cities in Dust" de Siouxsie and the Banshees , la tremenda y discotequera "The Politics of Dancing" de Re-Flex , "Stigmata" de Marilyn Manson y Tyler Bates (versión del original de Ministry) , "Demonstration" de Tyler Bates , "I Ran (So Far Away)" de A Flock of Seagulls , "99 Luftballons" de Kaleida (reversión) , "Voices Carry" de 'Til Tuesday . SE escucha igualmente la "London Calling" de The Clash , "Finding the UHF Device" de Tyler Bates,  "Under Pressure" de Queen y David Bowie y "Behind the Wheel" de Depeche Mode . Ahí queda eso, una banda sonora impresionante. 

Sobre la película Sergio López Aguirre en la mexicana Cine Premiere escribió que "El trabajo de Leitch en las secuencias de acción (...) hace que la cinta fluya (...) Mención aparte para el plano secuencia en el que Theron sube y baja pisos de un edificio mientras se enfrenta a los enemigos. (...) "

Para  Lucero Solórzano del Excélsior  la película se presenta "Con una buena edición, ritmo y mucha acción, Atómica es un entretenimiento garantizado." En este mismo diario  Adrián Ruiz Villanueva escribe que "Lo que arrojaba para convertirse en un estandarte del poder femenino, en el que una antiheroína enamoraba con sus hazañas, termina por convertirse en un producto bastante mediano, se aleja totalmente de ser una bomba atómica de acción y adrenalina." 

Jesús Chavarría de la mexicana La Razón se trata de "Una película un tanto artificiosa y muy efectista. Sin embargo, 'Atómica' no engaña a nadie, su búsqueda no es la del discurso, sino la de ofrecer un estilizado y entretenido ejercicio fílmico, y en ese sentido cumple." Y en este mismo diario Naief Yehya escribe que "'Atómica' es un objeto melancólico, fastuoso y fatuo, (...) así como es un filme lúdico, vertiginoso e irónico también es una obra que muestra esa “nostalgia del lodo” decimonónica, esa fascinación perversa con la vulgaridad de otra época." 

Maximiliano Torres de la edición mexicana de Milenio "La razón de ser de 'Atómica' es Charlize Theron. A falta de una historia mejor expuesta, lo que Leitch pone a disposición de la actriz es una pasarela por la que ella desfila, somete y aniquila a oponentes (...) por lo que el espectador no sentirá un vacío o deuda cuando lleguen los créditos finales." 

José Felipe Coria de El Universal "Leitch hace un filme de ritmo trepidante (...), aprovecha cada elemento formal para magnificar la acción física: el espectacular realismo perdido en estas cintas." 

En Argentina Gaspar Zimerman en Clarín sostiene que "'Atómica' es una de esas películas que se aprecian si no se las toma en serio: (...) Es cuestión de sentarse durante dos horas a disfrutar de las logradas coreografías de combate, de la música de los ’80, de la belleza gélida de Charlize Theron" 

Para Juan Pablo Cinelli de Página 12 "La película logra una precisa reconstrucción visual y sonora de la época, para contar una buena historia de acción y de espías." 

Javier Porta Fouz en La Nación destaca que  "'Atómica' logra ser apenas una película vistosa y seductora de a ratos se debe a que prácticamente carece de méritos narrativos: el relato no fluye, se entrecorta, se hace arenoso." 

Leonardo D’Espósito de la revista Noticias "Theron con su cuerpo y su rostro es un festival, una exhibición virtuosa de cómo una intérprete puede hacer del cine de acción un arte totalmente abstracto y preciso que justifica enfrentarse a la pantalla gigante. " 

Alexis Puig en Infobae se trata de "Un deleite de acción, tiros y explosiones. (...) Sin dudas estamos ante una verdadera "Bomba Atómica fílmica"" 

En Chile Ernesto Garrat en El Mercurio destaca que es "Cliché en estado libre y natural, 'Atómica' es maravillosa, una paliza de exquisito buen gusto. Ojo con el plano secuencia donde Charlize parte traseros en una escalera." 

En  El Espectador  de Colombia Felipe González firma una crónica en la que defiende que "Estamos viendo una misma historia repetida en lo que es básicamente un solo estilo. 'Atómica' no es su mejor versión, en todo caso. Es una versión ocasionalmente divertida y en esencia olvidable de una historia demasiado conocida." 

Samuel Castro en  El Colombiano señala que "Llegará el día en que nos cansaremos de ver a Charlize Theron dando puños y poniéndose furiosa. Por ahora, cuando ese momento todavía parece lejano, sigamos disfrutando de su acto, aunque esta canción no sea más que un sampleo estilizado." 

En mayo de 2018, Theron confirmó que se estaba desarrollando una secuela que podía poner en contacto dos película en forma de crossover entre Atómica y la franquicia de John Wick . Leitch dirigió el primero, luego de co-dirigir previamente a John Wick . El cineasta declaró que todas las personas involucradas han discutido la posibilidad y que lo harían una vez que se hubiera resuelto una historia lo suficientemente buena. En abril de 2020n en plena pandemia se confirmó la posibilidad de vuelta de Atómica era más que posible y que estaba en sus primeras fases de desarrollo en Netflix. Kelly McCormick y Beth Kono repetirán como productoras, así como la compañía Denver and Delilah Productions estarían detrás de una película , pero sólo con ella.

Lo cierto es que Atómica es una película que sorprende y casi deslumbra, pues es efectiva en sus escenas de combate y peleas bien coreografiadas, su estilizada estética y en su tuercas y retuercas tramas de espionaje. Puede ser excesiva, pero cumple con las expectativas. Así es la historia de esta rubia Atómica   llena de espías, con música ochetera con la banda Propaganda entre ellas y sus "99 red ballons" o el Der Kommisar o esa The politicians are dancing  con una impresionante , ágil y lesbiana Theron integrada en el MI6, jornadas previas y presentes con la caída del Muro de Berlín, mientras Percival  declara lo mismo que yo: le fascina esa ciudad que es el resumen del sigo XX, Berlín.

La rubia atómica

Charlize Theron es la rubia atómica en esta ciudad que es Berlín que como le declara Percival a la protagonista es una ciudad fascinante. La Theron, la ciudad, el espíritu del espionaje y el tono se una novela gráfica es lo dominante en este película dirigida por el natural de Wisconsin de la quinta del 75, David Leitch en su primer trabajo como director en solitario , aunque con experiencia en otras de aire parecido como la John Wick de Keanu Reeves junto a Chad Stahelski (2014) y más tarde, con la gamberra Deadpool 2 (2018).En 2019, dirigió Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw , un spin-off de la franquicia The Fast Saga, con su esposa y compañera creativa, Kelly McCormick como productora..

Es curioso lo que se señala de Leitch pues según parece ha sido doble de Brad Pitt. Escribió y protagonizó Confessions of an Action Star , una parodia de películas de acción y la industria del cine de acción estrenada en 2009. Como responsable de la segundo unidad aparece en películas como The Mechanic (2011), Conan el Bárbaro (2011), Hansel y Gretel: cazadores de brujas (2013), Parker (2013), Lobezno (2013), Hitman: Agente 47 (2015), Jurassic World (2015), Capitán América: Civil War (2016) o Teenage Mutant Ninja Turtles: Fuera de las sombras (2016).

Junto a Chad Stahelski abrieron una compañía de producción de diseño de acción llamada 87Eleven en 1997.

En 2009, Stahelski y Leitch fueron directores de segunda unidad y coordinadores de acrobacias en Ninja Assassin pasando luego a codirigir John Wick quedando Leitch como productor de las dos secuelas de John Wick , que Stahelski dirigió en solitario.

En este caso tiró de un guion de Kurt Johnstad inspirado en la novela gráfica de Antony Johnston y Sam Hart The Coldest City, publicada por Oni Press, que gira en torno a una espía que ha de encontrar una lista de agentes dobles que están siendo introducidos clandestinamente en Occidente, en vísperas de la caída del muro de Berlín en 1989.

Para esta película contó como ayudante de dirección con Lisa C. Satriano y la dirección artística de Zsuzsa Kismarty-Lechner.

Se trata de una producción en la que están implicados A.J. Dix, Eric Gitter, Beth Kono, su mujer Kelly McCormick, Peter Schwerin y la misma Charlize Theron. En ella se implican las productoras Focus Features , 87Eleven , Closed on Mondays Entertainment - propiedad de Theron-, Denver and Delilah Productions , Film i Väst y T.G.I.M Films quedando la distribución para Focus Features.

Manejó un presupuesto de $30 000 000 siendo el encargado del diseño de producción fue David Scheunemann.

En cuanto a aspectos técnicos destaca la música de Tyler Bates, el sonido de Jonas Jansson, Thomas Huhn y Nicklas Lindh. El maquillaje de Csilla Blake-Horváth, la  fotografía de Jonathan Sela, la escenografía de Elísabet Ronaldsdóttir, Zsuzsa Mihalek y Mark Rosinski. El vestuario fue labor de Cindy Evans y los efectos especiales de Michael Kulzer, Fredrik Nord y Michael Wortmann.

El reparto lo encabeza Charlize Theron como Lorraine Broughton, una agente de campo del MI6 de alto nivel, James McAvoy como David Percival, un espía en Berlín que se convierte en aliado de Broughton, John Goodman como Emmett Kurzfeld, un agente de la CIA que trabaja con el MI6, Til Schweiger como The Watchmaker, un misterioso aliado del MI6, Eddie Marsan como Spyglass, un desertor de la Stasi que roba la Lista, Sofia Boutella como Delphine Lasalle, una agente encubierta francesa que entabla una relación sentimental con Lorraine, Toby Jones como Eric Gray, superior de Broughton en el MI6, Bill Skarsgård como Merkel, compañero de Broughton en la CIA, Sam Hargrave como James Gascoigne, un fallecido agente del MI6 cercano a Lorraine, James Faulkner como Jefe C, uno de los líderes del MI6, Roland Møller como Aleksander Bremovych, un despiadado vendedor de armas ruso-alemán y Barbara Sukowa como la Coronel.

Estamos en noviembre de 1989 y el muro de Berlín está a punto de caer. En 1989, poco antes del colapso del muro de Berlín, el agente del MI6 James Gascoigne (Sam Hargrave ) es asesinado por el agente de la KGB Yuri Bakhtin, quien roba la Lista, un microfilme oculto en un reloj de pulsera que contiene los nombres de todos los agentes activos de la Unión Soviética.

Tras lo ocurrido vemos como la espía de alto nivel del MI6, Lorraine Broughton (Charlize Theron), tras bañarse en agua helada y curar sus heridas , debe dar explicaciones de qué ha ocurrido en Berlín cuando ha ido a la ciudad a recuperar por todos los medios una lista que el agente estaba intentando hacer llegar a Occidente, y en la que figuran los nombres de todos los agentes encubiertos que trabajan en Berlín oriental.

Diez días después, Lorraine Broughton, una chica rubia que siempre va elegantemente vestida casi siempre d blanco nuclear, espía es interrogada por el ejecutivo del MI6 Eric Gray (Toby Jones) y el agente de la CIA Emmett Kurzfeld (John Goodman ) sobre los detalles de su misión a Berlín. Lorraine Broughton, ante Eric Gray, y Emmett Kurzfeld, habla de la misión que acaba de terminar en Berlín. La trama salta entre la sala de interrogatorios y los flashbacks de la actuación de Lorraine tanto en Berlín Oriental y Occidental.

Comienza por lo ocurrido hace diez días y nos enteramos que al día siguiente de la muerte de Gascoigne por un agente ruso, Lorraine es enviada a Berlín para recuperar la Lista y asesinar a Satchel, un doble agente que ha vendido inteligencia a los soviéticos y que ha sido un problema para el MI6 durante años durante años y que traicionó a Gascoigne.

Cuando llega a Berlín, es emboscada inmediatamente por un par de agentes de la KGB que trabajan para el traficante de armas y asociado de la KGB Aleksander Bremovych (Roland Møller ) que la recogen y la llevan en un coche mientras le dan un mensaje de su jefe.

Sin embargo, Lorraine es capaz de escapar con la ayuda de su contacto, David Percival ( James McAvoy ), el jefe de los espías del MI6 en Berlín.

Mientras ella marcha a su apartamento y allí se  baña en agua helada, descubriendo al salir del baño que Percival está en la casa y le dice que le encanta Berlín y que él tiene en la ciudad toda una red de amigos y amigas especialmente entre los porteros de noche.

Después de no encontrar ninguna pista que le ayude, Lorraine busca en el apartamento del finado Gascoigne y descubre una foto de él y Percival. Luego es emboscada por la policía de Berlín Occidental.

Se da cuenta de que sólo Percival sabía que iba al apartamento, y comienza a sospechar de él vinculándolo a la figura del enigmático Satchel. Durante la declaración ella le dice a Gray y Kurzfeld que Percival había negado previamente conocer a Gascoigne y que sospecha que Percival estaba detrás de la policía de Berlín Occidental que la había emboscado mientras buscaba en el apartamento de Gascoigne, aunque ella se deshace de todo , a pesar de su ropa, con suma facilidad.

Cuando Lorraine visita un restaurante mencionado por los agentes de la KGB, se encuentra con Bremovych, pero le amenaza pero es "salvada" por Delphine Lasalle (Sofia Boutella), una agente novata francesa con la que días después comienza una relación romántica.

Percival, que ha seguido a Lorraine, vigila a un relojero que visitó y que le dio una dirección de interés. Desde lejos ve al agente ruso Bakhtin entrar en la misma tienda. Bakhtin le dice al relojero que tiene un reloj lleno de secretos que venderá al mejor postor. Kurzfeld se encuentra con Lorraine en Berlín y le entrega un periódico que contiene un número que, cuando llama, le informa que Satchel está comprometido.

Por su parte, Percival , después de haber sido avisado de las intenciones del agente de la KGB, atrae a Bakhtin a un callejón, lo mata y le quita el reloj de pulsera y con ella la lista lo que manifiesta que el es Satchel.

Lorraine, que no sabe que Percival tiene La Lista, descubre que hay un oficial de la Stasi que se conoce con nombre en clave de Spyglass (Eddie Marsan ) , quien le dio La Lista a Gascoigne, pero que también memorizó los nombres que había en ella. Lorraine y Percival hacen planes para escoltarlo a través de la frontera hacia Berlín Occidental. Para ello será auxiliado por un agente occidental que actúa en el Berlín Oriental conocido como The Watchmaker (Til Schweiger) y al que accede tras escapar de los agentes de la KGB en un cine de la mítica Alexarder Platz mientras ponen Starker la película de Tarkovski . Este mirador es un misterioso aliado del MI6 en la ciudad.

Por su parte, Percival se reúne con Bremovych, quien sospecha que Percival tiene la Lista, pero Percival solo ofrece la segunda mejor opción: la identidad y las operaciones de Satchel "para mantener el equilibrio", y le informan sobre el plan para sacar a Spyglass del Este de Berlín. Sin que sea vista por ninguno la agente francesa Lasalle fotografía de forma encubierta la reunión, como vemos al final.

Percival se ofrece a acompañar al desertor que robó y memorizó la Lista y ayudar a que su familia salga a través de la frontera a Berlín Occidental durante una manifestación orquestada en la que todos los asistentes en un momento dado abren los paraguas.

Sin embargo, a continuación, durante la misma dispara a Spyglass cuando los hombres de la KGB no puede hacerlo, aunque Lorraine lucha contra múltiples KGB mientras rescata al Spyglass herido deshaciéndose de los hombres de Bremovych, pero a pesar de los mejores esfuerzos de ella por mantenerlo con vida, Spyglass muere tanto por las heridas de fuego como cuando no puede salir del coche y cae al río Speer.

Percival entonces va al apartamento de Lasalle y la mata para cubrir sus propias pistas. Lorraine llega demasiado tarde para salvarla, pero alcanza a descubrir las fotografías que tomó Lasalle, que demuestran que Percival es Satchel.

Cuando Percival quema su casa de seguridad e intenta huir, Lorraine lo sigue, lo mata y se queda con la Lista.

Volviendo al informe del MI6, Lorraine presenta las fotografías que involucran a Percival, así como grabaciones de audio empalmadas que hacen quedar a Percival como un traidor, y niega conocer el paradero actual de la Lista, obligando a MI6 a cerrar el caso.

Tres días más tarde, Lorraine se reúne con Bremovych en París, ahora habla en ruso, revelándose a sí misma como la "Camarada Satchel". Lorraine le da una lista falsa, pero Bremovych admite que sabe que ella lo engañó.

Bremovych, habiendo aprendido de Percival que hay más en Satchel de lo que él había sabido anteriormente, ordena a sus hombres que la maten. Ella mata a sus secuaces y antes de matar a Bremovych, revela que estaba manipulando los acontecimientos desde el principio todo ello hablando con acento estadounidense y le dice a Bremovych que siempre le dio mala información para manipular al KGB. Ella mata a Bremovych.

Más tarde en París se reúne con Kurzfeld, revelándose a sí misma como una triple agente vinculada con la CIA, antes de regresar con él y la lista a Langley en Estados Unidos.

La película es una adaptación de la novela gráfica The Coldest City de Antony Johnston y Sam Hart y que fue anunciada en mayo de 2015.

Descrito por el semanario Variety como un «proyecto apasionante» para Theron, ella primero se interesó en la historia cinco años antes, cuando a su compañía productora Denver and Delilah Productions le fue enviada una copia de la entonces inédita novela gráfica.

El interés de Theron en la primera película de John Wick la inspiró para conseguir que David Leitch, uno de los codirectores de ese filme, dirigiera el proyecto. Leitch finalmente dejó la saga de John Wick: Capítulo 2 para dirigir la película. Según Theron, el éxito de Mad Max: Fury Road ayudó a guiar el desarrollo de Atomic Blonde.

La película presenta una subtrama bisexual que no estaba en el libro original. Esto vino del escritor Kurt Johnstad, que lo sugirió después de que Theron «pensara en cómo hacer esta diferente de otras películas de espías». Leitch insistió en que las escenas no eran «provocativas», agregando: «con mayor motivo, si eres una espía, harás lo que sea necesario para obtener información» y que así es como el personaje principal «encuentra sus intimidades y sus amistades en pequeñas dosis».

La elección de Charlize Theron como protagonista fue anunciada en mayo de 2015, mientras que James McAvoy fue anunciado en octubre de ese mismo año.

En noviembre, se informó que John Goodman también estaba manteniendo conversaciones para unirse a la película. Originalmente se esperaba que David Bowie tuviera un papel en la película, aunque rechazó la oferta poco antes de su muerte. Para prepararse para el papel, Theron trabajó con ocho entrenadores personales, quienes «básicamente la hicieron vomitar cada día», según sus palabras; además, durante el proceso, Theron se rompió los dientes apretando su mandíbula y tuvo que arreglarlos mediante cirugía. A medida que el entrenamiento de Theron para la película se superpuso con el entrenamiento de Keanu Reeves para John Wick: Capítulo 2, ambos desarrollaron una relación competitiva, que incluía una sderie de "sparring" conjuntos.

El rodaje de la película comenzó el 22 de noviembre de 2015 en Budapest, y más tarde se trasladó a Berlín.

La película tuvo su estreno mundial en el festival de cine South by Southwest el 12 de marzo de 2017.

La película tuvo una recaudación de 100$ millones en todo el mundo, y recibió una recepción positiva por parte de los críticos quienes halagaron las actuaciones de Charlize Theron y James Mcavoy, la banda sonora y las secuencias de acción.

En cuanto a la crítica destaca la de Richard Roeper, del Chicago Sun-Times,quien dijo de ella que «Toma préstamos de Jason Bourne y James Bond. Enjuague y repita. Esta es la receta de la bastante ridícula, ultraviolenta y delirantemente entretenida Atomic Blonde, un astuto vehículo para los encantos magnéticos e intimidantes de Charlize Theron, que ahora es oficialmente una estrella de acción de primer nivel por la fuerza de esta película y de Mad Max: Fury Road.»

Escribiendo para Rolling Stone, Peter Travers elogió el reparto y las escenas de pelea diciendo: «Son las escenas de lucha las que cuentan –y son asombrosamente buenas, desde una golpiza mano a mano que incluye el tacón de aguja de Theron y golpes a la yugular de un matón, hasta un clímax con una lucha de todos contra todos en una lujosa suite de hotel, donde 99 Luftballons marca cada disparo y golpe de tripa.» Añade Travers que "Nadie hace de espía mejor que Charlize Theron – y a diferencia de '007', ella lo hace con tacones (...) [Theron] lo borda (...) Son las escenas de lucha las que cuentan, y son asombrosamente buenas (…)"

Jake Coyle, de Associated Press, la calificó como «en gran parte una jugada vacía, hiperestilística, que se transa en la espesa atmósfera de películas de la Guerra Fría mucho mejores»

Andrew Barker en Variety comenta que "Con cero interés emocional y una trama que es a la vez difícil y aparentemente inútil de seguir, hay un vacío fundamental detrás de todo lo que reluce."

John DeFore de The Hollywood Reporter destaca que "Por mucho que disfrutes de 'Atomic Blonde' a ratos, su principal utilidad puede que sea que demuestra que Theron se merece algo mejor que esto." 

Joanna Robinson de Vanity Fair se pregunta que "¿Quieres una secuela de 'Mad Max' centrada en Furiosa? 'Atomic Blonde' es lo mejor que encontrarás (...) El personaje de Charlize Theron hace lo mismo que John Wick, pero hacia atrás y con tacones."

Eric Kohn de IndieWire afirma que es "La primera película en solitario del codirector de 'John Wick', David Leitch, es otra extravagante película de acción hiper estilizada, en esta ocasión centrada en su fiera protagonista femenina."

En The Playlist se afirma que "Dado que la película nos da mucho tiempo para respirar entre los tiros, las patadas y los puñetazos, hubiera sido más fácil que se hubiera condensado todo en un vídeo de YouTube sólo con los momentos de acción."

Richard Brody del The New Yorker destaca que "Se ve animada y mitigada por su gran cantidad de violencia, inusualmente realista y que atonta"

Stephanie Zacharek en la revista Time comenta que está "Llena de gracia salvaje, 'Atomic Blonde' te golpea donde duele (...) [Theron] no aparece sin alma. Duele verla recibir un puñetazo. ¡Pero oh, qué bien te sientes cuando ella da uno!"

Manohla Dargis en las páginas del The New York Times sostiene que "Sus puntos fuertes son bastante violentos, luchas coreografiadas con imaginación que se han ensamblado sin sentido (...) Este tipo de espectáculo (...) no es nuevo, incluso si a los creadores les gusta insistir en ello."

Para Ignatiy Vishnevetsky en AV Club "'Atomic Blonde' es una obra fetichista intrascendente de extremos estéticos (...) Su aire de travesuras puramente cosméticas no resulta aburrido, pero también es intencionalmente poco envolvente, incluso a nivel visceral"

Brian Truitt en USA Today comenta que "'Atomic Blonde' caldea la Guerra Fría pero carece de sustancia de película de espías (...) Las escenas de acción son brutales y excelentes (...) Las motivaciones de los personajes son un misterio (…) "

Ya en España Javier Ocaña en El País dice de ella que es "Desigual, aunque nunca desdeñable, 'Atómica' ofrece aspectos interesantes y al momento se derrumba, como una montaña rusa de sensaciones a favor y en contra difícil de tratar"

Luis Martínez en El Mundo sostiene que "El problema no es ni cada una de las secuencias de acción ni el siempre descomunal James McAvoy, las dudas llegan de la mano de un argumento tan enrevesado (...) hasta confundir lo apabullante con lo simplemente aturullado. (…) "

Antonio Weinrichter en ABC señala que "Si les gustan este tipo de relatos de espías, disfrutarán con una película que sabe recuperar en su diseño de producción ese aspecto sórdido de colores terrosos que asociamos con ellos (…) "

Quim Casas en El Periódico señala que "Funciona con espléndidas escenas de acción y una trama casi minimalista de espionaje y corrupción (…)"

Daniel De Partearroyo en Cinemanía dice que "La película de acción del año tiene estilo, actitud, temazos, uso imaginativo del mobiliario como arma letal y hasta cita a Tarkovski. (…) " Fausto Fernández en Fotogramas destaca que "Nos hallamos ante el responso salvaje de toda esa tradición escrita, dibujada y filmada que nació en los años 60 (...) minimalismo puro, acción tan efectista como, en el fondo, loca y metarreferencial (…) "

Por mi parte destacar que Atómica es de este tipo de películas en las que el propio título te echa para atrás, sin embargo habrá que reconocer que en este caso no se cumple para nada. Es una película que mantiene la tensión de principio a fin.

Una típica película de espías, sí, perfectamente coreografiada con una banda sonora alucinante que merece tener un punto y aparte dado su enorme interés. Además se suma la presencia de un espacio que adora como es Berlín la ciudad hoy abierta y que vivió con una enorme cicatriz hasta noviembre de 1989 momento en que la historia de Europa y el mundo cambió no se si para bien o para mal, pero la figura del espía al otro lado del telón de acero dejó de ser la que había sido. Y por acabar un pequeño detalle el trato del metarrelato cinematográfico con ese homenaje a Andrei Tarkovsky y su Stalker.

The road

Película triste, depresiva, amarga y oscura y sin embargo una buena película apocalíptica o postapocalíptica,  que no explica por qués , pero si nos presenta algún cómo. Es difícil enjuiciarla ya que no es entretenida ni apabullante, pero hay que reconocer que no te deja indiferente. 

La película parte de una desconocida - al menos, para mí-  novela que bajo el título  The Road fue escrita en 2006 por el escritor estadounidense Cormac McCarthy . La novela como la película  es una historia post-apocalíptica de un viaje de un padre y su hijo pequeño durante varios meses, a través de un paisaje devastado por un cataclismo no especificado que ha destruido la mayor parte de la civilización y, en los años intermedios, casi toda la vida en la Tierra . 

La novela fue galardonada con el Premio Pulitzer 2007 de Ficción y el Premio James Tait Black Memorial a la Ficción en 2006. 

Dado el éxito del libro fue adaptado a una película del mismo nombre en 2009, dirigida por John Hillcoat , un director australiano pero con pasaporte canadiense , con trayectoria tanto en el mundo del cine ( ha realizado además de la que aquí valoro , Lawless o Ilegal (2012) y Triple 9 (2016) , la primera distribuida por The Weinstein Company y la segunda por Open Road Films; los cortos, de los videoclips y en el arte así como en la televisión , de hecho fue responsable de uno de los capítulos de la última temporada de Black Mirror; y cuyo guión fue escrito por Joe Penhall y vendida en España con el título de La carretera .

En este caso  John Hillcoat trabajó para una producción de Nick Wechsler , Steve Schwartz , Paula Mae Schwartz,  en la que están presentes la productora 2929 Productions y con la distribución de Dimensions Films integrada en The Weinstein Company y contó con un presupuesto US$ 25 millones.

El encargado de la música fue Nick Cave, el músico, escritor y actor australiano componente del grupo Nick Cave & The Bad Seeds, fundado en 1983 con una mezcla diversa de influencias y estilos musicales en el que parece estar presente el dolor, el espejismo de la religión, lo absurdo de nuestra existencia, la urgencia de sobreponerse a la adversidad . también se suma Warren Ellis. La fotografía oscura, oscurísima, como toda la película del guipúzcoano de Éibar , premio Nacional de Cinematografía en 2004 y ganador de seis premios Goya y admirador de los claroscuros de pintores como Vermeer y Ribera, Javier Aguirresarobe y, en el montaje de Jon Gregory.

Los pocos protagonistas son Viggo Mortensen como el hombre,  Kodi Smit-McPhee como el niño,  Charlize Theron como la mujer, que aparece en el flashback,  Michael K. Williams como el  ladrón cara de The Wire así como Guy Pearce como un padre errante con su familia y Robert Duvall como un hombre viejo.

La película comienza con una pareja que de pronto se levanta en la noche cuando un incendio se manifiesta cerca de la casa. La mujer (Charlize Theron) está embarazada en el momento del desastre.

Pero poco después, una voz en off nos cuenta que el mundo ha cambiado y se ha transformado en un páramo sin vida y sin comida, donde los pocos seres humanos que sobreviven lo hacen luchando contra unos contra otros, llegando al canibalismo. 

En ese contexto, un padre sin nombre (Viggo Mortensen) y su hijo de corta edad (Kodi Smit-McPhee) luchan por la supervivencia en un mundo convertido en un páramo invernal decadente tras un cataclismo cuyo origen jamás es determinado.

Durante su viaje van buscando alimentos, vivienda, seguridad, evitando constantemente a otros hombres ya qu todos son posibles ladrones, bandidos y caníbales que ahora pueblan la tierra mientras viajan hacia el sur  y huyendo de las bajas temperaturas.

En el mundo ya no quedan animales y no crecen cultivos. Los escasos recursos alimenticios son perseguidos ávidamente por los supervivientes y a medida que la sociedad se desintegra y la comida falta, el ser humano aparece como la última fuente de alimento para muchos.

El padre lucha durante toda la película por inculcar valores y enseñar a su hijo. Le enseña a su hijo que ellos son los buenos, y cómo sobrevivir y mantener la cordura en un mundo donde los nexos sociales se desvanecen, luchando él mismo contra la psicosis y la paranoia que devastan lentamente su psique.

Intercaladas sus vivencias, vemos como la pareja son detectados por un grupo de hombres que, al igual que ellos pasan hambre y buscan comida, a ellos , vamos viendo flashbacks que explican lo que le sucedió a la madre, como finalmente se abandona y se rinde.

También vamos viendo la naturaleza de superviviente del padre y   como se trata de una persona compleja, sufrida, lúcida, pero obstinada, que persiste en sobrevivir pese a considerar el suicidio   pues en ese mundo hay casi una imposibilidad de extinción.

La tierra es gris y fría y está cubierta de cenizas y carente de vida. El hombre lleva al niño hacia el sur por caminos vacíos con vehículos abandonados llevando sus escasas pertenencias en sus mochilas y un carrito de supermercado.

El hombre le asegura a su hijo que son "los buenos" y que en su interior vive "el fuego". Tiene un revólver , pero con dos balas . El padre le ha enseñado al niño a usar la pistola contra sí mismo si es necesario, para evitar caer en las manos de los caníbales.

El padre y el hijo evitan a los grupos que viajan y duermes en los coches. En las cercanías de un túnel ambos se esconden cuando un grupo de hombres y mujeres armados se acercan a ellos. Muy a su pesar ha de usar una de las balas para matar a un merodeador que los descubre y que hiere con un cuchillo la cara del niño.

Tras huir de los compañeros del merodeador ven que han perdido algunas de sus posesiones. De vez en cuando les sorprende la naturaleza. Se bañan en una cascada.

Poco después en lo alto de una colina ven una casa que preside el horizonte plomizo. Cuando registran la casa - en cuyo exterior hay calderos- en busca de provisiones, descubren una bodega cerrada que contiene cautivos famélicos a los que las pandillas de caníbales han estado comiendo extremidades. Tras eso ven como llega un grupo armado a la casa. Se esconden en una habitación y los ruidos generados por los famélicos prisioneros les permiten escapar. Se esconde cerca de la casa y por la noche huyen al bosque.

A medida que se acercan a la inanición, el padre va a la casa en la vivió y creció. Allí el chico cree ver a otros niños. Después el padre descubre un búnker oculto lleno de comida, ropa y otros suministros. Permanecen allí durante varios días, recobran fuerzas, pero un día escuchan ruidos en el exterior. Parece personas acompañados de perros.

El padre decide que han de irse. Salen y se lleva algunos suministros del búnker en un carro. En el camino se encuentran con un anciano (Robert Duvall) . El niño convence a su padre  en que compartan la comida. Le entregan una lata.

Más adelante en la carretera siguen avanzando hasta llegar a la orilla del mar. El padre divisa un bote. A pesar del frío el hombre deja a su hijo durmiendo en una tienda de campaña y con suministros y decide ir nadando hasta el bote y recupera algunos suministros, incluyendo una pistola de bengalas , que le demuestra al niño.

Mientras el padre está en el agua al niño le roban todo. El padre desesperado busca al autor del robo. Encuentran a un hombre negro con el carro ( Michael K. Williams). El padre lo amenaza y lo obliga a desnudarse. Esto angustia al niño que hace que el padre regrese y deje la ropa y los zapatos del hombre en el camino, pero el hombre no se encuentra por ningún lado.

En un pueblo conforme avanzan el padre recibe un flechazi  en la pierna. Después de que el padre dispara con la pistola de bengalas y se lanza como un loco al cuarto desde donde le han disparado. Allí descubre a una mujer desconsolada que llora la muerte de su marido al que el padre le ha acertado con la bengala en el pecho.

El padre herido y su hijo siguen su viaje hacia el sur a lo largo de la playa. La condición del padre empeora aún más debilitándolo y, después de varios días, se da cuenta de que pronto morirá. Él le dice al niño que puede hablar con él en oración después de que se haya ido, y que debe continuar sin él. Le vyuelve a recordar como poner fin a su vida.

Después de que muere, el niño se queda con su cuerpo durante unos días. Finalmente , mientras él está en la orilla de la playa se le acerca un hombre que porta una escopeta. Le dice si quiere ir con él. Tiene una esposa y dos hijos, un niño y una niña. Convence al chico de que es uno de los "buenos " y, ante la pregunta de que si lleva el fuego dentro le dicen que sí. Le reconocen que llevan un tiempo siguiéndolos, efectivamente van con un perro, y después de se abrazado por la madre y serle presentados sus hijos se acaba la película. 

En una entrevista con Oprah Winfrey , McCarthy dijo que la inspiración para el libro vino durante una visita en 2003 a El Paso, Texas , con su hijo pequeño. Imaginando cómo sería la ciudad de cincuenta a cien años en el futuro, imaginó "incendios en la colina" y pensó en su hijo.  Tomó algunas notas iniciales, pero no volvió a la idea hasta unos años más tarde, mientras estaba en Irlanda. Luego, la novela llegó a él rápidamente y se la dedicó a su hijo, John Francis McCarthy. Durante la entrevista de Winfrey, McCarthy insistió en que su hijo, John Francis, era coautor de la novela, y reveló que algunas de las conversaciones entre el padre y el hijo en la novela se basaban en conversaciones reales entre McCarthy y su hijo. La novela estaba dedicada a su hijo; y - en cierto modo-, era una historia de amor para su hijo,

En una entrevista con John Jurgensen de The Wall Street Journal , McCarthy describió conversaciones que él y su hermano tenían sobre diferentes escenarios para un apocalipsis. Uno de los escenarios involucraba a los sobrevivientes que recurrían al canibalismo: "cuando todo se va, lo único que queda para comer es el uno para el otro".

Fue el éxito de la novela presentada en 2006  y calificada como "desgarradora", "inquietante" y "emocionalmente demoledora". Entertainment Weekly en junio de 2008 nombró a The Road como el mejor libro, ficción o no ficción, de los últimos 25 años.  En 2006, McCarthy fue galardonado con el James Tait Black Memorial Prize en la ficción y el Believer Book Award y fue finalista del National Book Critics Circle Award por la ficción. El 16 de abril de 2007, la novela fue galardonada con el Premio Pulitzer 2007 de ficción.

Todo este éxito invitó a la realización de la película. En noviembre de 2006, el productor Nick Wechsler adquirió los  derechos cinematográficos . Fue el mismo Wechsler quien eligió al director John Hillcoat , luego de leer The Road . Pensó Wechsler que respondía la historia al estilo de Hillcoat: "Había algo hermoso en la forma en que John capturó a la cruda humanidad primitiva su película anterior: The proposition".

En abril de 2007, Joe Penhall fue contratado para el guión adaptado. Wechsler y sus colegas productores Steve y Paula Mae Schwartz planearon tener un guión y un elenco de actores para retratar al padre antes de buscar un distribuidor para la película.

Para el noviembre siguiente, el actor Viggo Mortensen había entrado en negociaciones con los realizadores para retratar al padre, aunque estaba ocupado filmando Appaloosa en Nuevo México . La carretera es un drama apocalíptico estrenada en el Festival de Cine de Toronto en 2009. El rodaje tuvo lugar en Pennsylvania, Luisiana y Oregón.

La película tuvo un lanzamiento limitado en los cines de Norteamérica a partir del 25 de noviembre de 2009 y fue lanzada en los cines del Reino Unido el 4 de enero de 2010.

La película está protagonizada por Viggo Mortensen como el hombre y Kodi Smit-McPhee como el niño. Mortensen explicó que el padre y el  hijo, "Recorren un camino difícil, y el padre está básicamente aprendiendo del hijo."

Theron se unió a la película porque era una fan del libro y había trabajado anteriormente con el productor Nick Wechsler en la película del 2000 The Yards.  A su personaje se le dio un mayor papel en la película que lo hizo en el libro por medio de los flasback. Hillcoat, dijo de la ampliación del papel, "creo que está bien de apartarse del libro, siempre y cuando mantengan el espíritu de la misma."

La película tendría inicialmente un presupuesto de $ 20 millones. Tras valorarlo todo se procedió a la filmación que comenzó en el área metropolitana de Pittsburgh a finales de febrero de 2008, continuando durante ocho semanas antes de pasar al noroeste de Pensilvania , Louisiana y Oregón .

Hillcoat prefirió rodar en lugares reales, diciendo "No queríamos ir al mundo CGI ". Pensilvania, donde se llevó a cabo la mayor parte de la filmación, fue elegida por sus deducciones impositivas y su abundancia de ubicaciones que parecían abandonadas o deterioradas: campos de carbón, dunas y partes ruinosas de Pittsburgh y los distritos vecinos.  La filmación también se realizó en el complejo de atracciones de 1892 ( Conneaut Lake Park ) después de que uno de los edificios del parque (el Dreamland Ballroom) se destruyera en un incendio en febrero de 2008. Las playas del parque estatal Presque Isle en Erie, Pennsylvania también sirvieron de marco en el rodaje.

Hillcoat también rodó en el área de Pittsburgh como una ubicación práctica: "Es un lugar hermoso en otoño con los colores cambiando, pero en invierno, puede ser muy sombrío. Hay bloques de ciudades que están abandonados. El bosque puede ser brutal "

Los realizadores también filmaron escenas en partes de Nueva Orleans que habían sido devastadas por el huracán Katrina y en el Monte Santa Helena en Washington .

La autopista de peaje abandonada de Pennsylvania , un tramo de carretera abandonada entre Hustontown y Breezewood, Pennsylvania, se utilizó para la producción..

Hillcoat buscó que la película fuera fiel al espíritu del libro, creando "un mundo en trauma severo", aunque las circunstancias del evento apocalíptico nunca se explican. Hillcoat dijo: "Eso es lo que lo hace más realista, de inmediato se trata de la supervivencia y de cómo superas cada día en lugar de lo que realmente sucedió".  Los cineastas aprovecharon los días con mal tiempo para retratar el entorno postapocalíptico. Mark Forker, el director de efectos especiales para la película, buscó hacer que el paisaje fuera convincente, manejando el reemplazo del cielo y eliminando el verde de las escenas.

Tras la finalización del rodaje la película estaba preparada y montada en lo básico para noviembre de 2008 estaba para estrenarse, pero fue cancelada para diciembre, y luego cancelada una segunda vez para  2009.

Según The Hollywood Reporter, el estudio decidió que la película se beneficiaría de un proceso de postproducción más largo y un calendario de estreno menos concurrido. Una nueva fecha de lanzamiento estaba prevista para el 16 de octubre 2009. Sin embargo, según informes de Screen Rant and /Film, los Weinstein habían decidido retrasar la película hasta el 25 de noviembre de 2009 como un posible movimiento para hacer que la película fuese una de los  aspirantes a Oscar, superando su anterior rodaje de la película para esa fecha, la adaptación de Rob Marshall del musical Nine (que también se predijo como un gran candidato para los premios) en diciembre de 2009. Lo recaudado fue similar a lo invertido.

La película tuvo su presentación mundial en septiembre de 2009 en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde compitió por el León de Oro y el León de Plata, y luego en el Festival de Cine de Telluride. También se proyectó en el Festival de Cine de Toronto.

Tras su visión llegó la crítica.  Tom Chiarella de Esquire  la calificó como "una brillante adaptación de una aclamada novela, una mirada anacrónica a la presuntuosidad y la rudeza de nosotros mismos. Quieres que lleguen, quieres que lleguen, quieres que lleguen... y sin embargo al final no quieres que acabe". También se refirió a ella como "la película más importante del año"

En "The Guardian", Xan Brooks, la describió como "una película obsesiva, desgarradora y poderosa" con Mortensen "perfecto" en su papel como "El Hombre"

La película, al igual que la novela, recibió críticas generalmente positivas de los críticos. AO Scott, destacó que " quedó impresionado por la apariencia y las actuaciones".

Peter Travers de Rolling Stone dijo que la película es un "retrato inquietante de Estados Unidos como ningún país para viejos o jóvenes". Y prosiguió diciendo que "Hillcoat, a través del arte de Mortensen y Smit-McPhee, lleva el fuego de nuestra humanidad compartida y la deja encendida y brillante".

Ann Hornaday en The Washington Post sostenía que "The Road posee un gancho innegable y una adusta grandeza, pero en última instancia parece una película de zombies con pretensiones literarias (...)"

Joe Morgenstern del Wall Street Journal afirmó que los espectadores tienen que "aferrarse a sí mismos para salvar la vida, resistir lo mejor que puedan frente a la actuación poderosa, el cine persuasivo y la certeza perversamente convincente de que nada saldrá todo derecho."

La revista  Esquire dijo que era"la película más importante del año" y "una adaptación brillantemente dirigida de una novela amada, una mirada delicada y anacrónicamente amorosa hacia el extremo inmodesto y brutal de todos nosotros". para llegar allí, quieres que lleguen allí, quieres que lleguen allí, y sin embargo no quieres que termine, nada de eso ".

Roger Ebert alabó el trabajo de Mortensen y Smit-McPhee, pero criticó la película por no ser tan poderosa como el libro. Y desde las páginas de su Chicago Sun-Times señaló que "The Road evoca las imágenes y los personajes de la novela de McCarthy. Es poderosa, aunque no tiene el mismo corazón de sentimiento emocional. (...) una producción impresionante"

Luke Davies de The Monthly describió la película como "espléndida, de una manera horrible, pero su mayor frialdad y distancia muestra lo difícil que puede ser traducir para filtrar el calor psíquico innato de la gran literatura", y sugirió que la película las fallas "podrían tener que ver con el punto de vista del director -todo se siente demasiado desacoplado, de una manera que el libro en su abrasadora intimidad no lo hace", concluyendo que la película tiene "demasiado cuadro y no suficiente actuación".

The Washington Post dijo que la película "es una larga endecha, un quejido lamentación que marca la muerte de la esperanza y la sanguijuela de todo lo que es brillante y bueno del mundo ... Posee un alcance innegable y un tipo sombrío de grandeza, pero finalmente juega como una película de zombies con pretensiones literarias ".

Tom Huddleston de Time Out llama a la película "... tan directa e inquebrantable una adaptación como uno podría esperar razonablemente". Él lo llama "... sin duda el producto más sombrío y potencialmente el menos comercial en la historia reciente de Hollywood". Él llama a la película un "... triunfo resonante", señalando su "impactante fotografía de paisajes [que] establece el estado de ánimo melancólico, y el puntaje desgarrador de Nick Cave ..."

Para Sam Adams de Los Angeles Times  mientras que "... Hillcoat sin duda proporciona la seriedad necesaria, la película no tiene ... una sensación subyacente de inocencia, una sensación de que, por muy lejos que se haya hundido la humanidad, hay al menos alguna posibilidad de volver a surgir".  Y añadió "En demasiadas ocasiones la película resulta seca cuando debería ser aterradora (...) no mira más allá del horizonte y acaba perdiéndose en la niebla"

Kyle Smith, del New York Post, afirma que " Zombieland fue la misma película con risas, pero si quitas la comedia, ¿qué queda? Nada, a gran escala".

J. Hoberman de Village Voice afirma que, mientras que "Corma McCarthy ganó el Premio Pulitzer, el poema en prosa superviviente post-apocalíptico endosado por Oprah ... fue una lectura rápida y lacerante", "... La adaptación literal de John Hillcoat es, por el contrario, un slog largo y aburrido ".

Jake Coyle, de la Associated Press, afirmó que " llevar  una obra maestra como The Road es una tarea ingrata, pero la película no funciona por sus propios méritos".

Deborah Young de Variety comentó que "El director John Hillcoat ha realizado un admirable trabajo adaptando la novela ganadora del Pulitzer de Cormac McCarthy, dejando intacta su cautivadora historia" Y en la misma revista  Todd McCarthy sostenía que  "Salvo por los aspectos materiales de la deprimente odisea de un padre y un hijo a través de un paisaje apocalíptico, esta producción excesivamente larga se queda desalentadoramente corta en cada uno de sus frentes"

En España  Carlos Boyero en  El País destacaba que   "Si el trabajo de Hillcoat posee una notable fuerza visual, ambiental y sentimental, las interpretaciones (...) son admirables. También está más allá del elogio la obra de arte que ha logrado la fotografía de Javier Aguirresarobe"

Para  Luis Martínez en  El Mundo se trataba de "Una película brutal. Furiosamente desoladora. Magistral."

En las páginas del ABC  Oti Rodríguez Marchante destacaba el papel del actor diciendo que "Mortensen hace un trabajo prodigioso (...) es en esencia una reflexión sobre el fin y los principios, pero su conversión en materia visual le proporciona una terrible intriga a esa aventura interior (...) ." 

En Argentina Diego Batlle en La Nación valoraba con crítica el trabajo del director señalando que   "John Hillcoat se arriesga aquí en todos los terrenos con muchos más logros que traspiés."

Diego Lerer en el bonaerense  Clarín decía que "Se puede decir que es una película de terror, pero sin casi ninguno de los elementos típicos del género. Es un terror palpable, de miedo a la soledad, al silencio, al fin de las cosas. Pura angustia."

Por último  Luciano Monteagudo en  Página 12 "Lo mejor del film hay que buscarlo en la magnífica composición de Viggo Mortensen, cada vez mejor actor."

La película obtuvo varios premios y reconocimientos. Además de ser presentada en el Festival de Venecia en la Sección oficial largometrajes a concurso ; en los  Premios BAFTA fue nominada a la mejor fotografía

Obtuvo tres nominaciones Critics' Choice Awards en concreto al mejor actor (Viggo Mortensen),  intérprete joven (Kodi Smit-McPhee) y maquillaje.

El Instituto de cine australiano premio el trabajo con una nominación al mejor actor (Premio internacional) a Kodi Smit-McPhee

Tuvo Mortensen una nominación por la Sociedad de Críticos de Cine de Denver al Mejor actor  al igual que hizo la Sociedad de Críticos de Cine de Houston, la San Diego , aunque aquí se premió la fotografía del vasco Javier Aguirresarobe y la Asociación de Críticos de Cine del Área de Washington DC nominó tanto a Viggo Mortensen como al Mejor guión adaptado a Joe Penhall.

En los Satellite Awards la nominación fue para la Mejor dirección de arte y diseño de producción en la persona de Chris Kennedy . Los Premios Saturn nominaron al Mejor actor a Viggo Mortensen y la mejor actuación de un actor más joven a Kodi Smit-McPhee. Scream Awards 19 de octubre de 2010 Mejor película de ciencia ficción Nominado Como Asociaciones de Críticos de Cine la de St. Louis nominó al Mejor actor de reparto a Robert Duvall , la de Toronto a Viggo Mortensen , aunque la de Utah lo premió. La Sociedad de efectos visuales nominó por sus excepcionales efectos visuales de apoyo en una película de características la labor de Mark O. Forker, Phillip Moses, Ed Méndez, Paul Graff.

En definitiva una película que te gustará más o menos, pero que visualmente es interesante y que desde luego hace que te acuestes con pocas ganas de irte de fiesta - o de mucha, ¿quién sabe?. Desde luego deprime un poco.

Aeon

Æon Flux es un atrevimiento en lo estético y una película de ciencia ficción, como muchas, confusa y difusa en la que el objetivo final no lo tienes claro , casi, hasta el final. Hay en ella muchas cosas que se ha visto en otras, una distopía apocalíptica, un poder autoritaria, unos rebeldes valientes y competentes, una lucha entre la civilización y lo desconocido. A destacar de la misma que fue anterior a otras muchas y ¡lo bien que le queda en traje a Charlize Theron!. En su contra, el discurso y la estética. ¿Cómo Pete Postlehwaite accedió a meterse en ese traje/ preservativo? 

Æon Flux no es una película fácil. Es todo lo contrario. Dirigida por la estadounidense Karyn Kusama en 2005, natural de Saint Louis (Missouri) , paisana por lo tanto de una pareja de amigos. Tras su formación en Nueva York , trabajó como asistente del cineasta John Sayles en su película Lone Star , mientras tanto, comenzaba a escribir guiones - y a boxear- , algunos de los cuales se concretaron en películas como Girlfight, una película del año 2000 , financiada por Sayles, y por la que consiguió bastantes premios, entre muchos otros, el Premio al Director y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance , así como el Premio de la Juventud en el Festival de Cine de Cannes, aunque tuvo la película poco recorrido y escaso balance en taquilla. 

De cualquier manera esto fue su trampolín para que en 2005, Kusama dirigiera su segunda película, Æon Flux , una producción de la Paramount Pictures que protagonizó Charlize Theron y que tenía un presupuesto de US $ 62,000,000. 

La película fue presentada por el jefe de estudio de Paramount, Sherry Lansing, pero durante la postproducción Lansing se fue, lo que provocó que la película se volviera a modificar presentando cambios significativos respecto de la visión original de Kusama. Esta traumática experiencia, Kusama llevará a la directora de Missouri a declara que nunca más volvería a trabajar en una película en la que no tiene control del corte final. 

Tras esto el recorrido de la directora ha saltado del cine a la televisión con películas como Jennifer's Body (2009), The Invitation (2015), XX (2017) y la que está por estrenar este año 2018 de título Destroyer con Nicole Kidman; o series como la dirección en varios capítulos de Chicago Fire, The Man in the High Castle más recientemente en Billions. 

Como ya he dicho el momento en que esta norteamericana de padre japonés dijo no a la intervención y modificación de sus películas fue con Æon Flux , una película que es una adaptación libre de una serie de televisión de dibujos animados del mismo nombre, y que fue creada por el animador Peter Chung . Esta serie animada vanguardista de ciencia ficción estadounidense producida y transmitida por MTV. 

La serie tenía como protagonista a una extraordinaria agente secreta Æon Flux, creada por el coreano Peter Chung, y que fue una de las estrellas de la MTV desde que en 1991 se presentó con un episodio piloto de animación experimental de doce minutos dividido en seis partes, seguido por cinco cortometrajes que aparecieron durante el espacio televisivo Liquid Television. En 1992 se produjeron cinco cortos independientes de escasa duración. Rápidamente alcanzó el carácter de animación de culto y en 1995, MTV emitió una temporada de diez episodios de media hora cada uno como una serie autónoma. 

Dado el carácter de culto de la serie hubo un planteamiento de llevar a Æon Flux al cine como película de acción en vivo. Para ello la Paramount eligió a la que podría ser gran promesa del cine, según lo valorado en Sundance y en Cannes, Karyn Kusama. Ya no dependía de su protecto, Sayles, sino que en la misma estaban implicados en la producción David Gale, Gregory Goodman, Gale Anne Hurd y Gary Lucchesi. Eran los hombres fuertes en la películas de las productoras de MTV , la Paramount Pictures - en este caso igualmente distribuidora- , Lakeshore Entertainment y Valhalla Motion Pictures. Este conglomerado empresarial decidió manejar un presupuesto cercano a los $62,000,000. 

Para el guión de la misma la directora y la Paramount confió en Phil Hay y en Matt Manfredi (nos quedamos con el nombre del primer guionista, ¿vale?). En otros apartados se contó para la música con Graeme Revell, la fotografía de Stuart Dryburgh y, claro comentado lo comentado, para el montaje estuvieron implicados Peter Honess, Plummy Tucker y Jeff Gullo. 

En cuanto el elenco se tiro de algunos pesos pesados, sobre todo en los femenino, como era Charlize Theron como Æon Flux y Frances McDormand como Handler. Junto a ellos aparecen Pete Postlethwaite como Keeper, Marton Csokas como Trevor Goodchild, Jonny Lee Miller como Oren Goodchild así como la ¿atleta? Sophie Okonedo como Sithandra y Ralph Herforth como Gardenar. Junto a ellos aparecen Amelia Warner como Una Flux, Caroline Chikezie como Freya, Nikolai Kinski como Claudius, Paterson Joseph como Giroux y Yangzom Brauen como Inari. También intervienen Terry Bartlett y Aoibheann O'Hara. 

La compleja historia nos introduce en unos títulos que nos informan que estamos en un futuro post-apocalíptico, después de que un virus ha eliminado el noventa y nueve por ciento de la población de la Tierra en el año 2011, la historia se desarrolla cuatrocientos años más tarde, en el año 2415, y los supervivientes viven en la única ciudad del planeta, Bregna, una ciudad-estado amurallada, que es gobernada por un congreso de científicos presidido desde el 2011 por miembros de la familia Goodchild, que parecen haber creado una dinastía. 

Tras esta información, que nos es muy compleja, conocemos a Æon Flux (Charlize Theron) que es una asesina integrante de los "Monicanos", una organización rebelde clandestina que se comunican telepáticamente mediante el uso de pastillas dirigidos por "el Controlador". Sabemos que en Bregna ocurren cosas extrañas como desapariciones que no se publicitan, pero que la vida sigue en parques y mercados. 

En uno de esos parques tiene lugar un encuentro entre la hermanas Flux, Æon y Uma (Amelia Warner). Esta última no es de la resistencia y tiene una buena relación con su hermana mayor. Además es conocedora de su integración en los Monicanos. Le comenta que esta noche tendrán ambas actividad. 

Efectivamente, esa noche conocemos el buen hacer y a eficacia de Æon. Y después de su misión para la destrucción de una estación de vigilancia, Æon llega a casa y encuentra a su hermana asesinada, supuestamente confundida con una monicana. 

Un año después, cuando Æon es enviada por Handler (Frances McDormand) a una misión para asesinar al líder del gobierno, Trevor Goodchild junto con otra eficaz integrante de los rebeldes, Sithandra (Sophie Okonedo). 

Tras pasar todas las trampas del Palacio Presidencial y está a punto de conseguir su objetivo, Æon, descubre que está implicada en un plan secreto para dar un golpe de Estado. Este descubrimiento pone en tela de juicio el origen y el destino de todos en Bregna, en particular la conexión personal de Æon con el hombre al que debe asesinar Trevor Goodchild (Marton Csokas). 

Finalmente descubre que ella es un clon de la difunta esposa de Goodchild, Katherine, y que en realidad el trata de salvar a la humanidad, en secreto, con la creación de una cura para la infertilidad causada por el antídoto para la enfermedad que mató al noventa y nueve por ciento de la población de la Tierra. 

Resulta que todos los niños recién nacidos en Bregna son clones creados con ADN reciclado, con los muertos constantemente renaciendo en nuevos individuos y todavía con ciertas partes de la memoria de sus antepasados. 

Uno de los experimentos de Trevor tiene éxito, de hecho aunque ella lo desconocía, su hermana Uma fue asesinada por haberse quedado embarazada. 

Sin embargo, esta posibilidad pone en cuestión el modelo de estado que han creado los Goodchild durante 400 años, algo que se niega aceptar Oren Goodchild (Jonny Lee Miller), el hermano de Trevor, quien destruye la investigación en un intento de mantenerse en el poder y vivir para siempre en forma de clones de sí mismo. No obstante, en un enfrentamiento con Trevor y Æon, Oren pone de manifiesto que la humanidad misma se ha adaptado y algunas personas han recuperado la capacidad de tener hijos por su cuenta. 

Æon es, en última instancia, obligada a actuar en contra tanto de sus primeros aliados como de Oren, pero se las arregla para convencer a algunos de los Monicanos , entre ellos Sithandra, para no escuchar al Controlador y se pongan de su lado para matar a Oren y sus hombres. Æon actúa con una eficación letal con los hombres de Oren para casi su exterminio. 

En un acto final, Æon se prepara para destruir las instalaciones donde se guarda el ADN utilizado para las clonaciones, un dirigible que se encuentra constantemente en el cielo y que es presentado para la comunidad como un monumento. 

Allí se encuentra con el viejo Keeper , (Pete Postlethwaite) , el hombre que supervisa el ADN, y que en un momento dado ella recuerda que era el médico que preservó su ADN cuando Oren ordenó que se destruyera. Ella coloca unas bombas y se despide agradeciendo a Keeper que la salvara y dice que no merece para él la pena de sobrevivir, que su tiempo ha terminado. La barca voladora , finalmente, explota.

El posterior desplome del dirigible rompe el muro que rodea la ciudad de Bregna y por primera vez en siglos la población es capaz de expandirse por el mundo exterior. Finalmente, vemos como Æon comienza a recordar su vida en la tierra allá por 2011 y el primer encuentro que tuvo con Trevor en la calle, y tras ello acaba la película. 

El guión fue escrito por Phil Hay y Matt Manfredi (escritores de la serie juvenil Crazy/Beautiful y de la comedia de acción The Tuxedo), siendo la encargada de dirigir la película Karyn Kusama (Girlfight) tras ser descartado el inicial, Darren Aronofsky para dirigir esta película.Lo cierto es que Phil May y Karyn se conocían desde que se encontraron en Sundance cuando Girlfight se estrenó en 2000.

Esta película fue producida por MTV Films, cosa no habitual ya que se trata de una película de acción. 

Según los guionistas Phil Hay y Matt Manfredi, la "enfermedad industrial", que mata a la mayoría de la población mundial al comienzo de la película, fue causada por alimentos genéticamente modificados. 

Karyn Kusama sugirió inicialmente que el rodaje se realizara en Brasilia, la capital de Brasil, porque la arquitectura de la ciudad diseñada por Niemeyer encajaba con su visión de Bregna. La idea fue rechazada debido a que en Brasilia carecía de las infraestructuras y los medios técnicos que facilitasen la producción de la película. 

Después de explorar varias ciudades alrededor del mundo, se eligió a Berlín, Alemania como lugar de rodaje. Además de los habituales Studios Babelsberg de Potsdam en Brandenburgo, se rodó en algunos espacios públicos del länder que rodea Berlín y el mismo Berlín. Entre los primeros destacan el Biosphaere, el Sans-Souci,o el Buga Park, Potsdam,, ; mientras que entre los segundos está la Windkanal, la Bauhaus-Archiv, la antigua embarjada de EE.UU , la Filtergewoelbe Wasserwerk Friedrichshagen, el Krematorium Baumschulenweg recientemente construido , alcantarillas subterráneas que datan de antes de la Segunda Guerra Mundial, Haus der Kulturen der Welt, Kapelle der Versoehnung,Teatro Renacentista, Kirche Maria Regina, Langhansbau - Teatro Anatomisches, Mexikanische Botschaft, ,la Paul Löbe Haus, Riehmers Hofgarten, el Trudelturm y el Velodrom de Prenzlauer Berg todas en Berlín. ; aunque también se rodó en otros espacios de Alemania como Tierheim, en Freiburg im Breisgau ( en el länder de Baden-Württemberg) de Alemania. 

Al principio de la producción, se consideró a la actriz Michelle Rodríguez para el papel de Aeon, actriz que tenía una experiencia con la directora Kusama al ser la protagonista en el filme anterior de Girlfight. Demi Moore también fue considerada para el papel principal. Sin embargo, la elegida fue Charlize Theron como Æon Flux. 

Charlize Theron tuvo un entrenamiento de trampolín con Terry Bartlett del Cirque du Soleil. El rodaje se suspendió temporalmente, por un mes, durante septiembre de 2004, mientras Theron se recuperaba de una lesión en el cuello que sufrió durante una escena peligrosa en el décimo día de rodaje, mientras realizaba una voltereta de espaldas. Fue hospitalizada en Berlín durante cinco días y necesitó cerca de seis semanas de fisioterapia para recuperarse. Después de la lesión, ella todavía insistió en hacer sus propias acrobacias, aunque tenía una cláusula para el uso de dobles en su contrato. 

Los guiños a la serie de televisión son continuos. A destacar dos: la escena inicial en la que conocemos a Aeon atrapando una mosca con su pestaña se toma directamente de la secuencia del título del programa de televisión animado de Æon Flux (1991) o cuando vemos a ella o Sithandra saltando sobre la hierba letal y con el resto de maceteros en una esquina, la visión del espacio se asemeja mucho al logotipo de la serie de Æon Flux (1991). 

Varios de los trajes de Charlize Theron, sobre todo su traje blanco asimétrico, fueron piezas de alta costura contemporáneas del diseñador de modas Jean-Paul Gaultier. Igualmente el diseño juega un papel esencial en la película, incluído el industrial. El cuchillo blanco que usa Una para cortar verduras en su cocina está hecho por Kyocera electronics; la cuchilla era material cerámico patentado en lugar de acero, algo que ya tenemos en nuestras casas. 

Según la directora Karyn Kusama, después de terminar la película, el estudio la despidió, y se volvió a montar la película en una versión de 71 minutos que no funcionaba nada. Así que tras editar la película otra vez, pero sin ir a la idea original ella , además de negarse a realizar películas en las que no se hiciera responsable hasta el fin de las mismas declaró que partes importantes de la trama se abandonar , incluso el estudio eliminó la homosexualidad de uno de los personaje. 

El creador intelectual del personaje, Peter Chung, se mostró optimista sobre la película y quedó impresionado con los decorados al visitar la producción, pero, finalmente, describió la película como "una farsa". Los mismo guionistas Phil Hay y Matt Manfredi afirmaron, en una entrevista, que la película fue cortada por el estudio antes de su estreno y que el corte original del director contenía cerca de 30 minutos de escenas adicionales, que Chung también reconoció en su crítica de la película.  

La película se estrenó el 2 de diciembre de 2005. La Paramount Pictures decidió no mostrar Æon Flux a los críticos antes de su estreno. La película ganó 13,1 millones de dólares en su fin de semana de estreno. El 9 de febrero de 2006, completó su ciclo de salas, ganando $ 25.874.337 en todo el mundo y computando un total recaudado de $ 52,304,001, diez por debajo de lo presupuestado. 

Casi en paralelo al estreno , a finales de 2005, Dark Horse Comics publicó una edición de cuatro cómic de serie limitada en conexión con la película. La historia sirve como una precuela de la película y es una mezcla de diseños de la serie original de televisión de Peter Chung, combinados con los decorados y otros elementos de la historia de la película. Los dos últimos números de la serie limitada se publicaron después de que la película fuese estrenada. Dark Horse no ha anunciado si se publicarán más comics basados en Æon Flux. 

La reacción de los críticos fue, en general, negativa, aunque IMbD tiene una valoración de 5'5 sobre 10. La mía también es negativa , aunque estéticamente la película es muy interesante, no así en la parte narrativa de la misma.  La película mantiene una calificación de 10% en Rotten Tomatoes y una puntuación de 36 sobre 100 en Metacritic y 4'3 sobre 10 en Filmaffinity. 

Para el crítico Desson Thomson cronista en el The Washington Post señaló que "A excepción de algunas pocas escenas de acción disfrutables (...) 'Aeon Flux' es sorprendentemente pesada".

Justin Chang en Variety dijo de ella que era "Espectacularmente tonta cinta de ciencia-ficción que juega a ser un cruce entre 'Matrix' y 'La isla', pero reinterpretada como un video largo de Michael Jackson" 

Para John Anderson en su columna de Los Ángeles Times sostenía que "Si 'Aeon Flux' es lo que Charlize Theron tiene que hacer para pagarse sus facturas al tiempo que puede implicarse en 'Monster' o 'North Country'... entonces probablemente es un precio razonable a pagar. Para ella. ¿Para nosotros? No, no, no." 

En España Javier Cortijo, crítico del ABC dijo de ella que "Flux de Estambul. (...) desangelado espectáculo, a ratos mero spot de cosméticos (...) ." 

Para acabar que la historia de este naufragio visual que es la película , al menos, en la personal para la directora no fue tan horrible. Kusama que ya hemos dicho que conocía al guionista Phil Hay , comparió tiempo con él durante el rodaje y tras esto comenzaron a salir. Ella se casó con el guionista Phil Hay al año siguiente de su estreno, en octubre de 2006. Y con él tuvo un hijo. Al menos, esta historia es más comprensible, y no acaba mal.

Relectura de un trabajo italiano

Hace nada estuve viendo la versión original de la película del año 1969. Llevaba como título The Italian Job una película británica de la ladrones de guante blanco que protagonizaba Michael Caine .

Hoy le ha tocado el turno a la nueva versión de The Italian Joben este caso dirigida por neoyorkino F. Gary Gray, un hombre procedente del videoclip, pues ha sido director de vídeos musicales, además de productor y actor estadounidense. y que fue  estrenada en 2003 en un marco temporal , los inicios del nuevo milenio, que gustaba de hacer remakes de películas de robos a gran escala u otras situaciones inverosímil habilidad. Eso sí, pero sin violencia. Respondía a otros modelos  como los muy conocidas Ocean ´s eleven y siguientes o Misiones Imposibles que gustaban de tener un guión bastante original y narrativamente complejo, con numerosos giros y con elenco de renombre, que en este caso estaría formado por tres actores o actrices consolidados como Mark Wahlberg, Charlize Theron y Edward Norton, al que se unían un veterano de las pantallas Donald Sutherland, así como actores en progresión y especializados en papeles intrépidos como Jason Statham y otros que no han tenido el mismo éxito como el rapero Mos Def o Seth Green .

En este caso F. Gary Gray se comprometió con el productor Donald De Line de la productora De Line Pictures, que contaba con el apoyo de Working Title Films y en la distribución de Paramount Pictures y que invirtieron un buen montante en la misma de 60 millones de dólares. La película parte de un guión de Donna Powers y Wayne Powers, aunque inspirándose en el de Troy Kennedy-Martin (Versión de 1969). En el apartado musical trabajó John Powell, mientras que Wally Pfister lo hará en la fotografía y Richard Francis-Bruce y Christopher Rouse en el montaje.

Como protagonistas de la misma destaca un ramillete de actores y actriz encabezado por Mark Wahlberg como Charlie Croker, Charlize Theron como Stella Bridger, Edward Norton como Steve. A los que se unen Donald Sutherland como John Bridger, Jason Statham como Handsome Rob o Rob el guapo, Seth Green como Lyle, Mos Def como Gilligan, Franky G como Wrench, Boris Lee Krutonog como Yevhen y Olek Krupa como Mashkov.

La historia está protagonizada por una banda de ladrones liderada por un veterano en el oficio (Donald Sutherland) que, junto a sus colegas ha diseñado un robo en Venecia que ha sido planificado por el inteligente Charlie Croker (Mark Wahlberg). Antes de realizarlo,  John Bridger (Donald Sutherland) , que así se llama el protagonista, habla con su hija Stella (Charlize Theron) por teléfono para anunciarle que ese sería su último robo.

Más tarde, John Bridger queda con el planificador, Charlie (Mark Wahlberg), para hablar sobre el robo. Ambos son buenos amigos se tienen un gran respeto el uno hacia el otro.

John ha reunido un equipo para robar 35 millones de dólares en lingotes de oro de una caja fuerte en Venecia , que , a su vez, había sido robada por gángsteres italianos que lo habían robado semanas antes.

El grupo encabezado por Charlie Croker, un ladrón profesional. Junto a éste el mismo estaba formado por el infiltrado Steve (Edward Norton), el genio de la informática Charlie Lyle, o Napster,  (Seth Green), Rob Handsome (Jason Statham) como conductor, y ,según cuenta Charlie, estableció el récord para la persecución de autopista más larga del mundo y recibió 110 cartas de amor enviadas a su celda de las mujeres que lo vieron en las noticias;  y  Ear Left / Oído izquierdo (Mos Def) el experto en explosivos . John, es el encargado de reventar la caja fuerte.

El planteamiento es perfecto, y el robo de la caja fuerte real y robando el oro de ella dejándolo bajo el agua, mientras que los gángsteres están ocupados con un señuelo puesto  por Rob y Napster en una lancha que desplaza a toda velocidad por los canales como se esperaba, aunque eso sí hay un huida espectacular en lanchas motoras por los principales canales que serpentean por Venecia. Tras huir de sus perseguidores y de la policía, y después de salir de la ciudad, el equipo acuerda dividir el oro y parte de las maneras una vez que regresan a los Estados Unidos. Al grupo le invade la euforia mientras hablan , en una estación de sky de la alta montaña alpina, de que hará cada uno con su dinero. John habla de retirarse definitivamente, otros de comprarse un coche, un equipo de música, de una casa en España.Sin embargo, Steve se vuelve sobre ellos: en los Alpes cerca de la frontera austriaca, él y sus propios hombres interceptan su furgoneta en un puente y toman el oro. Cuando John lo confronta, Steve le dispara.

Ante esto Rob lanza la camioneta al lago rompiendo la baranda de un puente, donde varios miembros del grupo se mantienen vivos gracias a los tanques de oxígeno utilizados en el atraco. Steve asume que están muertos y se va con la totalidad del oro robado.

Para recuperar el botín, deciden dar un nuevo golpe, pero eso supone introducirse en el sistema de control de tráfico de Los Ángeles, manipularlo y crear el mayor atasco de la historia.

Un año más tarde, Charlie y los otros han regresado a los Estados Unidos y han localizado a Steve  en Los Ángeles bajo su nueva identidad falsa, cambiando su apellido a Frazelli,  y lavando el oro por dinero a través de un dueño de una joyería ucraniana llamado Yevhen.

Después de localizar al traidor, Charlie  recurre a Stella, la hija de John, una experta en cajas fuertes y en sistemas de seguridad para dar un golpe que les haga reembolsar el dinero perdido y de paso vengarse por la muerte de John.

Charlie va a Filadelfia y se reúne con Stella Bridger, la hija de John y también un manipuladora de cajas fuertes que trabaja para la policía, que está furiosa con él, creyendo que Charlie fue el responsable de la muerte de su padre, pero Charlie en su lugar la convence para ayudar a conseguir vengarse de Steve ayudando al robo para robar el oro y completar así su venganza.

El grupo monitorea la cara mansión de Steve en Los Ángeles, identificando varios detalles de seguridad. Charlie se pone en contacto con un asociado, Skinny Pete, para obtener explosivos para Oído izquierdo y volar las puertas de la mansión.

Rob obtiene tres modificados Mini Coopers y llama a su amigo Wrench, un mecánico de automóviles, para modificarlos y ser capaz de conducir a través de la mansión y poder cargar con el oro. En esto que , según  Lyle dice que quiere llamarse  "Napster"al afirma que es el verdadero inventor de Napster , diciendo que Shawn Fanning , que era su compañero de cuarto en la Universidad Northeastern en 1999, le robó la idea.

Charlie guía a una Stella, disfrazada como encargada de reparaciones de Internet, a través de la mansión de Steve para sacar el interior de la casa con una cámara oculta. Durante la intervención de Stella en la casa, Steve coquetea con Stella mientras ella está allí, sin darse cuenta de su conexión con John, y ella concreta  una cita con Steve para sacarlo de su casa, y así facilitar el robo del oro.

Sin embargo, el grupo encuentra que los vecinos de Steve están organizando  una fiesta, y el uso de explosivos sin duda llamará la atención, por lo que aplazan el plan, llegando a modificarlo.

Durante su cita, Stella habla usando las mismas sentencias que su padre y Steve descubre  accidentalmente su conexión con John.

Steve al descubrir el vínculo exige saber a quién está trabajando. El equipo entonces interviene y entra en el restaurante, y Steve se sorprende de que hayan sobrevivido, pero luego se burla de Charlie sobre la muerte de John y la revelación del plan, haciendo que Charlie lo golpee en la cara con un directo antes de salir.

Después de esto, Steve se vuelve paranoico, sabiendo que Charlie y los otros probablemente buscan robar el oro, y comienza a lavarlo más rápidamente.

Cuando Yevhen involuntariamente revela que conoce que el oro que está aclarando procede del robo de Venecia, Steve lo mata para mantenerlo callado.

La noticia de la muerte de Yevhen llega a su primo, Mashkov, un miembro destacado de una familia ucraniana del crimen. Mashkov vincula la información con Skinny Pete, un amigo de Charlie, con el que colabora y que ya rastreó el oro de Yevhen, y se enfrenta a él, y Skinny Pete se ve obligado a revelar la participación de Charlie.

Mientras tanto, Steve planea trasladar su caja fuerte con el oro a México , usando un camión blindado para transportarlo a un avión privado que espera en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles .

Napster que ha escuchado el plan y Charlie idean  un nuevo plan para robar el oro  camino del aeropuerto, haciendo que Napster tome el control del sistema de semáforos del centro para poder guiar el camión blindado a un lugar específico.

El día del transporte del oro, el grupo queda sorprendido cuando   tres camiones todos ellos con escolta salen de la mansión de Steve, mientras que Steve se queda supervisándolos en helicóptero, pero pronto determinan que dos de los mismos son señuelos.

Ante esto Napster señala el camión real que lo lleva y marca un objetivo para que éste sea el punto de parada, fuera de la vista de Steve. Deciden que lo mejor será hundirlo en el asfalto angelino , así que Oído izquierdo detona parte de una calle de la ciudad californiana, enviando la furgoneta al túnel del carril de Metro donde los otros están esperando.

Sabiendo que Steve habrá enviado vehículos de persecución al perder de vista el camión desde el helicóptero, Stella es capaz de abrir con éxito la caja fuerte, y cargan el oro  los Mini Coopers, que son lo suficientemente pequeños para caber a través de los túneles de drenaje de la ciudad.

Ellos son capaces de permanecer justo por delante de los hombres armados de Steve y hacer que a través de parte del canal de Los Ángeles llevarlos y arrastrarlos tras de sí.

Mientras Napster, todavía desorganiza aún más el control del sistema de tráfico creando una zona que les permite huir a ellos y entorpecer a los perseguidores.

Por su parte, Charlie atrae al helicóptero  de Steve , mientras que los otros dos mientras se dirigen a Union Station , obligando a Steve a aterrizar su helicóptero y perseguir a Charlie con un 4x4 robado a punta de pistola.

A la estación de ferrocarril de Union Station van llegando los tres  coches, los minis, que son introducidos en un vagón por Wrench.

Steve llega poco después y después de sobornar a Wrench, se sorprende al encontrar a Charlie y los otros esperándole.

Steve blande un arma y exige su  oro, pero llega Mashkov; Charlie explica que le ha ofrecido Mashkov parte del oro y a Steve a cambio de ayudar con la protección de seguridad.

Steve es golpeado en la cara por Stella antes de ser arrastrado por Mashkov, quien revela que será torturado y asesinado.

El grupo se embarca en el tren mientras sale a Nueva Orleans, y celebra el éxito en honor a Juan. El epílogo nos muestra que todos ellos han utilizado su parte del oro para los fines deseados.

Handsome Rob se ha comprado  un Aston Martin Vanquish y corre a toda velocidad siendo detenida por una policía que se entrega a él;  Left Ear se ha compra una mansión en Andalucía y tiene una habitación exclusivamente para sus zapatos, mientras que Napster compra un poderoso equipo de música capaz de quitar la ropa de una mujer.

Mientras por su parte, Charlie Croker, el que era cerebro y el ladrón del equipo ha seguido el consejo de John sobre encontrar a alguien con quien quiera pasar el resto de su vida, y él y Stella viajan juntos por los canales de Venecia concluyendo así el trabajo italiano.

La película se rodó en distintos puntos del continente europeo como Italia, Canadá  y Estados Unidos. En concreto en Italia se rodó en Canazei, en la zona de Trento, en Génova, en Venezia en concreto por los canales y Campo San Barnaba, Plaza de San Marcos

En Canadá se rodó en Winnipeg, Manitoba y en los Estados Unidos en la costa oeste del país donde tuvo lugar la mayor parte del trabajo en localidades como Bunker Hill, en el centro de la ciudad de Los Angeles, en el Grauman's Chinese Theatre en Hollywood Boulevard & Vine Street,Yucca Street & Vine Street,  en Hollywood & Highland Center todas ellas en Hollywood,  , en Union Station en N. Alameda Street,  en Los Angeles River, en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles  en Pasadena, en Hollywood Hills,así como en Sepulveda Dam, en Encino, en Falls Lake, Backlot, en los Universal Studios ,   en Staples Center sita en S. Figueroa Street, y  Long Beach, todas ellas en California. También se rodó en la costa este  en Philadelphia, Pennsylvania,

Curiosamente durante fa filmación de esta  película las calles de la ciudad anegelina vivía igualmente con otros intensos rodajes como los de SWAT: Los hombres de Harrelson (2003), y Hollywood: Departamento de homicidios (2003).

La autoridad de Venecia permitió al equipo  de rodaje, especialmente en las escenas con lanchas en los canales, superar el límite de velocidad para la secuencia de persecución del barco. El límite de velocidad en los canales de Venecia oscila entre cinco y veinte kilómetros por hora. Los cineastas obtuvieron un permiso especial para romper estos límites. Además en la ciudad del Veneto, la de  secuencia de apertura en  Italia, fue estrictamente controlada por las autoridades locales. Igualemnte en Italia, en la región del Alto Adigio el equipo tuvo que aguantar  las frías temperaturas en Passo Fedaia, en los Alpes italianos, que les crearon problemas durante la producción. Por cierto, las escenas que tienen lugar en las cercanías de la aldea de Canazei, en los Dolomitas fueron en los mismos espacios en los que se rodó la original Un trabajo en Italia (1969) .

El rodaje en Los Ángeles tampoco fue fácil ya que los peatones tenían que ser autorizados a usar las aceras de Hollywood Boulevard entre tomas. Además, las escenas que tuvieron lugar en autopistas y calles de la ciudad, sólo se rodaron los fines de semana generaron problemas de tráfico intenso y atascos.

La historia de la producción comienza en el momento en que Neal Purvis y Robert Wade decidieron escribieron un borrador de un remake de la comedia británica   The Italian Job. Sin embargo, esta idea no gustó y fue rechazada por la Paramount.

No obstante el equipo de guionistas formado por Donna y Wayne Powers fueron posteriormente los encargados de escribir un remake. El dúo vio la película original de 1969 , que no había visto antes, sólo una vez "porque querían tener una idea de lo que era" en lo que respecta a su tono.

A lo largo de dos años elaboraron unos 18 borradores, y desarrollaron un guión que fue descrito por el director F. Gary Gray como "inspirado en el original". Los guionistas Donna Powers y Wayne Powers  declararon que no querían copiar la película, querían hacer su propia película, inspirada en la original.

Gray, Powers and Powers, y el productor ejecutivo James Dyer identificaron las similitudes más prominentes como el trío de Mini Coopers utilizado por los ladrones, así como el robo de titular con el robo de lingotes de oro.

Algunas secuencias de la película fueron llevadas a un storyboard y previsualizado por Gray antes de que la producción comenzara.

Gray había estado interesado en trabajar con Wahlberg desde que vio su actuación en Boogie Nights (1997). Después de leer el guión de The Italian Job , Gray se puso en contacto con Wahlberg, quien "se enamoró del mismo" después de leerlo. El personaje de Mark Wahlberg se llama Charlie Crocker, igual que Sir Michael Caine en el original.

Seth Green también se sintió atraído por el proyecto debido al guión. Charlize Theron era la primera opción de Grey para el personaje de Stella Bridger, y Wahlberg también la recomendó para el papel. Ella pasó un tiempo en la preparación para el papel. Charlize Theron tiene el apellido de Bridger, igual que el personaje de Noël Coward en el original.

La directora de casting, Sheila Jaffe, sugirió a Statham para el papel del conductor Handsome Rob, y Gray estuvo de acuerdo con su elección. La novia de Lyle, al final de la película, es interpretada por Kelly Brook , la novia de Jason Statham en el momento de la película.

Norton tomó el papel de Steve Frazelli, debido a una obligación contractual que tenía que cumplir., aunque lo hizo por obligación ya que no estaba interesada en la misma, de ninguna manera. Edward Norton dejó en claro que su participación era el resultado de la obligación contractual, no de su elección. La razón es su firma en un contrato de tres películas con Paramount, de las cuales Las dos caras de la verdad (1996), la película que le lanzó al estrellato, fue la primera. Siguió descartando guiones para los otros dos, hasta que Paramount le obligó a aceptar un papel en esta película.

Wahlberg, Theron y Statham asistieron a sesiones especiales de entrenamiento de chófer en Willow Springs International Motorsports Park  durante casi un mes durante la pre-producción.

Grey y el director de fotografía Wally Pfister trabajaron juntos para desarrollar un estilo visual para la película antes de que la producción comenzara. Ellos vieron comerciales de automóviles y fotografías de revistas, así como secuencias de persecución de algunas películas clásicas como The French Connection (1971), u otras más cercanas en el tiempo como Ronin (1998) y The Bourne Identity (2002) como referencias visuales.

Pfister quería "texturas oscuras y tonos fuertes y fuerte contraste". Para ello colaboró ​​con el diseñador de producción Charlie Wood en la paleta de colores, y los dos se entrevistarían con Gray en sus ideas.

Paramount prefirió que The Italian Job no se rodara en el formato anamórfico , a pesar de los deseos de Pfister de hacerlo. Gray quería una relación de aspecto de pantalla ancha, por lo que optó por rodar la película en Super 35 para una relación de aspecto de 2,4: 1.

Una vez que la fotografía principal comenzó, Grey utilizó a menudo los dollies, tan bien como Steadicams y Technocrane , para mantener las cámaras casi constantemente moviéndose.

La mayoría de The Italian Job fue filmada en el lugar, en los sitios que Pfister exploró durante 12 semanas durante la preproducción, pero algunas escenas fueron filmadas en sets.

Otros son set. Por ejemplo, el edificio de Venecia en el que se produce la secuencia de estreno de la película, la furgoneta de la cual los ladrones encuestan la mansión de Steve Frazelli, una habitación de hotel y el túnel del Línea Roja de LACMTA fueron construidos en los estudios Downey en California.

Para la escena en la que un camión blindado cae a través de Hollywood Boulevard y en el túnel del subterráneo abajo, Pfister instaló siete cámaras para capturar el vehículo ~ 30 pies (9,1 m) de descenso.

Trescientos automóviles fueron utilizados para simular el atasco de tráfico en la intersección de Hollywood y Highland , que fue controlada por el equipo de producción durante una semana; y tres de los 32 Mini Coopers a medida que se usaron durante el rodaje estaban equipados con motores eléctricos, ya que no se permitían motores de combustión en los túneles del metro, donde se rodaban algunas escenas. Otros Mini Coopers se modificaron para permitir la colocación de la cámara en y dentro de los vehículos.  El director comentó que "[los Mini Coopers son] parte del elenco".

Con respecto a los coches hay todo un homenaje a la película de 1969, eso sin renunciar a las nuevas tecnologías. En este sentidos se utilizaron dos Mini Coopers eléctricos y uno Mini Cooper S tuvo que ser especialmente construidos para la película, ya que los vehículos a gasolina no podían operar en el sistema de metro de Los Ángeles.

En algunas entrevistas, Jason Statham dijo que además del curso de conducción de trucos que todos recibieron, recibió dos días de clases de conducción de Damon Hill , el ex campeón británico de Fórmula 1 piloto.

Sin embargo, todos los miembros del reparto reconocieron que Charlize Theron era fácilmente el mejor conductor entre ellos. Charlize Theron consiguió dos sanciones por exceso de velocidad, ambos por ir más de cuarenta millas por hora sobre el límite de velocidad, durante el rodaje de esta película. Ella dijo que después de filmar conducir tan rápido, ella simplemente no podía conseguir su velocidad para conducir a casa.

Además fueron utilizados 32 Minis fueron durante todo el rodaje El Mini Cooper rojo conducido por Stella al principio de la película, es un guiño a los Mini Coopers de la original Un trabajo en Italia (1969). Es un modelo muy diferente al que aparece en el original, sin embargo, siendo un modelo tardío producido por Rover realizado a finales de los 90, no un Austin Mini Cooper Mk1, como se usó en la película original . Mark Wahlberg dijo que conducir un Mini Cooper es "como conducir un kart muy potente".

Lyle ( Seth Green ) afirma en la película que fue el creador de Napster, y que Shawn Fanning se lo robó. Muestra un flashback de Lyle durmiendo, y una persona que toma un disco del PC que tiene Napster en él. La persona es realmente Shawn Fanning , el creador de Napster.Trescientos automóviles fueron utilizados para simular el atasco de tráfico en la intersección de Hollywood y Highland, que fue controlada por el equipo de producción durante una semana.

Había planes para realizar una secuela ambientada en Brasil llamada The Brazilian Job, que fue desechada ; sin embargo, parte del guión fue reestructurado más tarde como Fast & Furious 5 (2011).

Gray quería que la película fuera lo más realista posible. En consecuencia, los actores hicieron la mayoría de sus propias acrobacias , y las imágenes generadas por computadora se utilizaron con moderación.

La segunda unidad , bajo el director Alexander Witt y el cineasta Josh Bleibtreu, filmó establecer algunas secuencias como la de la persecución del canal de Venecia, y la secuencia de la persecución de Los Angeles durante un período de 40 días.

Las escenas que ocurrieron en las autopistas y las calles de la ciudad fueron filmadas solamente los fines de semana. Por primera vez en la historia cinematográfica, la producción cerró Hollywood Boulevard y Highland durante siete días para el rodaje, según el director F. Gary Gray en una entrevista presentada en el DVD.

The Italian Job se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca el 11 de mayo de 2003 y poco después  en Estados Unidos , en concreto el 30 de mayo de 2003.

En su primer fin de semana, la película recaudó 19.457.944 dólares, ocupando el tercer lugar. Paramount estaba insatisfecho con el desempeño de la taquilla en su primera ejecución, y volvió a lanzar en los cines a finales de agosto de 2003. Paramount reeditó la película el 29 de agosto  y en el momento de su estreno en salas en noviembre de 2003, la película había recaudado 106.128.601 dólares en los Estados Unidos y Canadá y 69.941.570 dólares en el extranjero, haciendo un total de  $ 176.070.171 en todo el mundo. Fue la película de mayor recaudación producida por Paramount en 2003.

En cuanto a las críticas fueron en general positivas. En Rotten Tomatoes, el agregador web de críticas obtiene  The Italian Job   una calificación de aprobación general de 73%, con un puntaje promedio ponderado de 6.4 / 10.  Por su parte en  Metacritic se le asigna un valor de 68 sobre 100 .

Stephanie Zacharek, escribiendo para Salon.com, le gustó la reinvención de la trama y el estilo así como la ejecución de las secuencias de acción, específicamente las que involucran al trío de Mini Coopers, que ella escribió fueron las estrellas de la película.

La crítica de la BBC Stella Papamichael  escribió que la "trama de venganza le da un toque añadido al original".

El crítico de Los Angeles Times, Kevin Thomas, elogió la secuencia inicial en Venecia y la caracterización de cada uno de los ladrones, pero consideró que la secuencia de   Los Ángeles "se extendía  demasiado".

Roger Ebert  en su crónica del Chicago Sun Times que la película eran "dos horas de escapismo estúpido en un nivel profesional relativamente   habilidoso."

Por su parte, Mick LaSalle en el San Francisco Chronicle  describe The Italian Job como entretenimiento puro pero inteligente "trazado y ejecutado con  invención y  humor".

James Berardinelli dijo que Gray había descubierto la receta correcta para hacer una película para "mantener las cosas en movimiento, desarrollar una buena relación entre las pistas, tirar en la sorpresa ocasional "

Michael O'Sullivan: The Washington Post "Es, como toda carrera cinematográfica placentera, no el destino lo que cuenta, sino el trepidante viaje hasta llegar allí."

Para Stephen Holden en el The New York Times afirma que "Es como una suave y excitante bajada a toda velocidad por una pista de ski."

David Denby , escribiendo para The New Yorker , elogió el desempeño de Norton, así como los de Seth Green y Mos Def, y la falta de efectos digitales en las secuencias de acción.

Owen Gleiberman de Entertainment Weekly lo comparándolo positivamente con otros remakes como el realizado en 2001 con el título de  Ocean's Eleven .

El crítico de New York Daily News Jack Mathews  destacó  de la película las secuencias de acción y los giros de la trama eran una "gran mejora" de la original y que la secuencia de   Los Angeles era tan "inteligente como absurda ".

Mike Clark, de USA Today,   cuestionó los asesinatos de Los Ángeles y escribió que la película era "un remake perezoso ".

Peter Travers , en Rolling Stone ,  no le gustó la película viendo en ella  "una nueva versión de una película que ya era plana como la de 1969." Travers disfrutó con el tono  cómico en los personajes de Green y Def, pero sintió que había una falta de lógica en la película.

Ya en España Jordi Batlle Caminal en el barcelonés diario La Vanguardia  afirma que se trata de un "Trepidante thriller de acción."

Casi lo mismo dice Omar Khan en Cinemanía al afirmar que es un "Thriller trepidante, bien narrado y mejor actuado, que sabe mantener al espectador absolutamente concentrado en los preparativos de un golpe ingenioso, sorprendente y, en el mejor estilo de Hollywood de los millones, espectacular." 

La película tuvo sus reconocimientos. F. Gary Gray ganó un Premio de  Cine como mejor director en el Festival de Cine Negro 2004.

Clay Cullen, Michael Caines, Jean Paul Ruggiero y Mike Massa ganaron un premio al mejor truco de especialidad en los premios Stunt Taurus World por la persecución del barco a través de los canales de Venecia.

The Italian Job fue nominado para el Premio de Saturn en 2003 a la Mejor Película de Acción / Aventura / Thriller , pero perdió ante Kill Bill .

En abril de 2009, IGN nombró la secuencia de la persecución de Los Ángeles de la película una de las 10 persecuciones del coche del siglo XXI.

La criminóloga Nicole Rafter vio a The Italian Job como parte de un renacimiento de la película de asesinato a comienzos del siglo XXI, junto con The Thomas Crown Affair (1999) y Ocean's Eleven (2001), que fueron también remakes de películas de los años 60 .  Al describir su teoría de un género de "cine de equipo", el erudito del cine Dr. Jeremy Strong escribe que The Italian Job podría ser categorizado como tal, junto con The Magnificent Seven (1960), The Great Escape (1963), The Dirty Dozen (1967), y más recientemente The Usual Suspects (1995) y Mission: Impossible (1996).  Afirma que Una película de equipo involucra a un grupo que trabaja hacia un objetivo particular. Sin embargo, la orientación por objetivos es un atributo de trama ampliamente compartido de muchos textos y géneros y también es el caso de que la abrumadora mayoría de películas involucren una pluralidad de personajes interactuantes.

Un elemento que distingue a la película del equipo es que se otorga una mayor significación al grupo como el medio por el cual se intenta un objetivo dado. [...] De película a película hay variación en la medida en que determinados personajes centrales pueden determinar eventos y tomar tiempo de pantalla, pero las películas de equipo son reconocibles por su insistencia en la relación entre grupo y meta.

Reconozco haber visto esta pelíla en el 2004 , pero se me había olvidado por completo. Igualmente he de reconocer que no soy un admirador de este tipo de películas. Me entretienen , pero no me vuelven loco. Son un producto de mirar y dejar para olvidar. Son productos de una modo, así como de la carencia creativa que vive la industria del cine en los Estados Unidos. Grn parte de lo que hay es un ramake o películas de inspiración cercana a otras. Se apuesta por lo seguro, y en ese sentido este tipo de películas apuesta por un "star system" absoluto, por el espectáculo , por la trama - que es un retruecano de la historia original,eso sí, adaptada a los tiempos- por el ritmo y por la habilidad antes que por los diálogos - los de esta película sólo tienen chispazos de inteligencia y comicidad, pero no mantienen ni lo uno ni lo otro-. . Es cine comercial del género de robos, atracos, coches y chicas guapas. No es ni mi género ni mi película favorita. Es, simplemente, un entretenimiento que tras verlo se olvida.