Vértigo

El vértigo es una sensación ilusoria o alucinatoria de movimiento de los objetos que nos rodean o de nuestro propio cuerpo, por lo común, una sensación de giro. Durante el vértigo la persona experimenta una sensación vívida y aparentemente real de movimiento. Afortunadamente Alfred Hitchcock muy inteligentemente optó por transmitir ese vértigo en Vértigo  aquí en España vendida con el subtítulo de De entre los muertos, una de las película más representativas de ese mago del suspense que fue Hitch.

Vértigo corresponde con una de sus películas de esa larga y fructífera etapa  estadounidense en la que se combina el suspense psicológico - que tanto gustaba al director londinense- como del cine negro. y que fue estrenada en 1958. 

Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts (Sudores fríos: de entre los muertos) escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac. El libro como la película habla de la obsesión, la parálisis psicológica y física, y la frágil naturaleza del amor magistralmente dirigida por Alfred Hitchcock. Se trató de una producción de Paramount Pictures y de la misma Alfred J. Hitchcock Productions. La distribución fue para la Paramount Pictures yla Universal Pictures . Ka película contó con un presupuesto de casi tres millones de dólares, en concreto, $2.479.000  y que seguirá el guión de Alec Coppel y Samuel A. Taylor basada en la ya citada D'entre les morts de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.

La película contará con una magnífica banda sonora construida por Bernard Herrmann , así como con el sonido de George Dutton.

En otros aspectos del área técnica encontramos que el maquillaje correspondió con Wally Westmore, la fotografía a Robert Burks, el montaje de George Tomasini y el vestuario de Edith Head. Un aspecto particularmente importante en la película fueron los efectos especiales que estuvieron en manos de Farciot Edouart,  John P. Fulton y W. Wallace Kelley. La segunda unidad de cámara dirigida - aunque sin acreditar- Irmin Roberts inventó el famoso "alejamiento y acercamiento de de cámara" lo que ahora ae llama "contra-zoom" o "tiro trombón" para transmitir la sensación de vértigo a la audiencia. La vista por la escalera de la misión costó 19.000 dólares por sólo un par de segundos de tiempo en la pantalla.

Los interpretes y protagonistas de la película son James Stewart como el detective John 'Scottie' Ferguson, Kim Novak como Madeleine Elster / Judy Barton , Tom Helmore como Gavin Elster,  Henry Jones como el juez de instrucción , Raymond Bailey como el médico de Scottie , Ellen Corby como la encargada del hotel McKittrick , Konstantin Shayne como Pop Leibel y Lee Patrick como el dueño del coche perdido por Madeleine.  Además de Barbara Bel Geddes como Midge Wood.

La película arranca con unos maravillosos títulos de crédito —siendo la primera colaboración con el gran Saul Bass— y tras los mismos vemos a John “Scottie” Ferguson,  por encima de los tejados de la ciudad de San Francisco en plena persecución policial.

El criminal en su huída provoca un salto incierto sobre el vacío de Scottie que queda colgando del borde de un canalón y desde ese momento el espectador es testigo de que sufre una extraña enfermedad: acrofobia, ya que Scottie tiene miedo a las alturas. Cuando va a recibir la ayuda de un compañero éste cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente.

Tiempo después vemos al ya exdetective de la policía de San Francisco Scottie Ferguson que ha aceptado en retirarse del servicio tras la muerte de su compañero y aparece charlando amistosamente con su antigua novia la artista y diseñadora Midge Wood (Barbara Bel Geddes) tanto sobre su prematura jubilación como los efectos de su enfermedad. De hecho hacen una breve comprobación subiéndose Scottie a un taburete, pero está a punto de caer del mismo.

Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de estudios y le contrata para vigilar discretamente a su esposa Madeleine. Scottie Ferguson acaba aceptando el encargo de un viejo amigo al que hace tiempo no ve.  Se trata de Gavin Elster, un multimillonario que ha casado bien y que es propietario de una armadora.

Tras entrevistarse con él acuerdan que ha de vigilar a Madeleine Elster  (Kim Novak), la esposa de aquél, que se comporta de forma extraña, como poseída por el espíritu de una antepasada, su bisabuela, Carlota Valdés, que se suicidó. Su bella mujer sufre de melancolía y parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes.

A regañadientes, Scottie acepta. Acuerdan verse en un bar y en el mismo tiene lugar su primer encuentro con Madeleine en un restaurante. Scottie queda completamente fascinado por ella y ya no se la quitará de la cabeza.

Su marido, preocupado por su salud mental, le pide al ex policía John Ferguson que la siga y lo informe de sus movimientos.

Ferguson constata lo que Gavin Elster teme. Madeleine está dominada por el recuerdo de Carlota, a quien no conoció. Va a visitar su tumba al cementerio, su retrato al museo, y va al  hotel McKittrick e el que la encargada (Ellen Corby) le informa que aquella fue su casa. Scott la sigue y observa por distintos lugares de la ciudad mientras empieza a investigar la trágica historia de Carlota. Junto con su amiga Midge Wood van a ver a un historiador que confirma la triste historia de Carlota y de cómo fue madre, le quitaron a su hija y como , finalmente, se suicido a los 26 años.  Parece una historia de ultratumba o espiritistas.

Madeleine tiene esa edad y hace un intento de suicidarse junto al Golden Gate , en el parque de lo rodea, pero Ferguson se tira al agua de la bahía y la salva.

A partir de esa circunstancia se enamoran. Pero la compulsión de Madeleine por imitar a su bisabuela puede más y finalmente van un día a una de las misiones cercanas a San Francisco y se mata, al arrojarse desde lo alto del campanario de una iglesia, sin que Ferguson, por su acrofobia, pueda salvarla.

Aunque intenta impedir un intento de suicidio, finalmente no puede evitar que Madeleine se arroje desde la torre de un campanario y muera. Descubre que estaba realmente enamorado de Madeleine y cae en un fuerte estado de shock.

Tras la muerte de Madeleine Elster (Kim Novak) , la esposa del millonario Gavin Elster y que parecía poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdez,  John Ferguson (James Stewart) es enjuiciado y declarado inocente.

Empieza ahora una segunda historia de necrofílía y fetichismo.  Un día mietras intenta retornar a su vida da con la doble de Madeleine Elster, la chica que conoció y amó John Ferguson, siendo ahora Judy Barton.

Aunque a Ferguson le cuesta trabajo creerlo Judy es una impostora. Se hacía pasar por Madeleine, en complicidad con Gavin Elster, para crear una coartada para que Gavin asesinara a la verdadera Madeleine. Toda la historia de Carlota fue un invento. Judy subió al campanario como Madeleine y allí la esperaba escondido Gavin Elster con el cadáver de su esposa, que arrojó desde el campanario con el cuello roto, sabiendo que Ferguson, debido a su acrofobia, no podría subir hasta allí para salvarla, y así corroboraría la historia del suicidio.

Ferguson, sintiéndose culpable por lo que no evitó, debe ser internado en un psiquiátrico víctima de una profunda depresión. Tiempo después  cuando sale a la cale se encuentra por casualidad con una chica, muy parecida a Madelaine. Se trata de Judy Barton, una mujer corriente y la asocia a Madeleine.

Entonces Ferguson entabla con ella una relación que se basa en obligarla a que adopte la personalidad de la difunta.  Decidido a recuperar su amor perdido, se hace amigo suyo y va intentando transformarla en su recuerdo, obligándola a vestirse e incluso moverse como ellaElla se resiste, pero en última instancia acepta seguirle el juego porque lo ama.

Pero cuando Ferguson se da cuenta de que Judy anteriormente se hizo pasar Madeleine (debido a un collar de Carlota Valdez que se pone una noche en la que van a salir , la lleva a la misión y la obliga a subir al campanario de la iglesia, donde anteriormente había simulado el suicidio.

En el campanario Madeleine, debido a la casual presencia de una monja de la misión se cae y mata. En su intento por salvarla Ferguson pierde la acrofobia, pero también pierde por segunda vez la mujer que ama, y probablemente no pueda recuperarse de ese golpe nunca más. Acabando así la película.

Rodada entre septiembre y diciembre de 1957, Vértigo destaca por las escenas del área de la bahía de San Francisco con sus famosas cuestas empinadas de la ciudad donde se rodaron parte de las escenas de acción. Se rodó en Fort Point, en el Puente Golden Gate, en la Misión San Juan Bautista, donde Madeleine cae desde la torre, En Ernie's Restaurant (en 847 Montgomery Street que era un restaurante real en North Beach (San Francisco), no muy lejos del apartamento de Scottie y que cerró en 1999.  También se rodó en el Parque Estatal Big Basin Redwoods. Igualmente  el elenco y el equipo se instalaron en los escenarios de Paramount Studios durante dos meses de filmación. El exterior del edificio utilizado para el edificio de apartamentos de Madeleine se encuentra en 1000 Mason St., al otro lado de la calle del Fairmont Hotel. El Empire Hotel es un lugar real, se llamaba York Hotel, y en enero de 2009 se renombró como Hotel Vertigo.  El apartamento de Scottie en San Francisco se encuentra en la conocida como la calle más tortuosa del mundo, en el número 900 de la Lombard Street. Aunque la puerta se ha repintado, la entrada es fácilmente reconocible a excepción de unos pocos cambios. El timbre y el buzón que utiliza Madeleine para entregar la nota a Scottie, son exactamente los mismos que en la película.Los planos exteriores del hotel McKittrick fueron filmados en la mansión Portman abandonada en 1007 Gough Street en San Francisco. Fue demolido en 1959.

Al igual que con la mayoría de Alfred Hitchcock películas, la filmación fue relativamente fácil. El director evitó sorpresas, prefiriendo tener todos los detalles planeados de antemano. El extenso storyboarding de la mayoría de las secuencias. 

En el estudio, Alfred Hitchcock estaba en su elemento y podría ejercer un control absoluto a pesar de que tuvo su cuota de desafíos creativos. Una secuencia muy llamativa es la escena del besos qentre Scottie y  Judy como Madeleine. Mientras la pareja se besa, el fondo gira lentamente, y perdemos el equilibrio al ver que el apartamento de Judy se convierte en otro espacio La cámara sigue lentamente hacia atrás, luego hacia delante; y con James Stewart y Kim Novak que gira sobre una plataforma circular. Estos movimientos simultáneos eran muy difíciles de coordinar, y salir sin que los actores se marearan. En esta una toma James Stewart cayó y quedó  ligeramente herido. La fotografía principal fue completada tres días después de este disparo, justo antes de Navidad, 1957.  Poco después se inició el período de postproducción a principios de 1958 

‘Vértigo’ se divide en dos partes bien diferenciadas separadas por la muerte de Madeleine y sabemos bastantes cosas de esta película gracias a François Truffaut y  su famoso libro “El cine según Hitchcock” (Editorial Alianza, 1985, Madrid),  en el que el director francés entrevista a Alfred Hitchcock:

FT: …¿Qué era lo que le interesaba más de este asunto?

AH: Lo que me interesaba más eran los esfuerzos que hacía James Stewart para recrear una mujer, a partir de la imagen de una muerta. Como usted sabe, hay dos parte en esta historia. La primera parte llega hasta la muerte de Madeleine, y su caída desde lo alto del campanario, y la segunda comienza cuando el héroe encuentra a la muchacha morena, Judy, que se parece a Madeleine. En el libro, al comienzo de las segunda parte, el héroe encuentra a Judy y la obliga a parecerse más a Madeleine. (…) Hay otro aspecto que llamaría “sexopsicológico” y es aquí, la voluntad que anima a este hombre para recrear una imagen sexual imposible; para decirlo de manera sencilla, este hombre quiere acostarse con una muerta; esto es necrofilia.

FT: Precisamente las escenas que prefiero son aquellas en las que James Stewart lleva a Judy a la modista para comprarle un traje idéntico al que llevaba Madeleine, el cuidado con que él le elige los zapatos, como un maniático…

AH: Es la situación fundamental del film. Todos los esfuerzos de James Stewart para recrear la mujer, cinematográficamente son presentados como si intentara desnudarla en lugar de vestirla.

François Truffaut: 'Todo ese aspecto erótico del film es apasionante. Pienso en otra escena hacia el principio, después de que James Stewart repesca a Kim Novak, que se había arrojado al agua. La volvemos a ver en casa de James Stewart, acostada desnuda en la cama. Entonces, ella se despierta y eso nos demuestra que él la ha desnudado, que la ha visto desnuda, y sin que en el diálogo se haga referencia alguna a ello. El resto de la escena es extraordinario, cuando Kim Novak se pasea con la bata de Stewart, cuando se ven sus pies desnudos deslizarse por la alfombra y cuando James Stewart pasa una y otra vez por detrás de ella...

Hay en Vértigo cierta lentitud, un ritmo contemplativo, que no se encuentra en sus otros films, a menudos construidos sobre la rapidez, la fulguración.

Alfred Hitchcock: 'Exacto, pero ese ritmo es perfectamente natural, ya que contamos la historia desde el punto de vista de un hombre que es un emotivo.'"

Datos a tener presente es la variación a la hora de la información y el tema de la sexualidad en toda la película. En el libro no se descubre hasta el final que Madeleine y Judy son la misma persona, y que todo ha sido una treta para engañar al detective para tener así un testigo del aparente suicidio de la mujer. Hitchcock dudó mucho de ese cambio y por una vez una imposición de la productora benefició a la película. Hitchcock siempre mantuvo que el suspense se producía cuando el espectador poseía información desconocida por el personaje, y aquí lo lleva al extremo.

En la novela de Boileau y Narcejac, De entre los muertos, el protagonista es impotente sexual. Los autores escriben, con toda claridad en el primer capítulo, que nunca ha conocido a una mujer aunque tenga más de treinta años.

En la novela original el título en francés "D'entre Les Morts" (De entre los muertos).se inspira en el  Evangelio según San Lucas capítulo 24 versículo 5, después de la resurrección: "¿Quién viene a buscar los vivos entre los muertos?", además se desarrollaba en París y no en San Francisco.

En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie.

En la segunda escena, un diálogo larguísimo en el piso de Midge, maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que Midge habla de su corto noviazgo que se interrumpió porque entre ellos dos no pasó nada.

Apunta con él hacia un sostén, en efecto el trabajo de Midge consiste en fabricar lencería, lo que añade erotismo a la escena. El bastón de Scottie es un sustituto de su sexo, insinuando que no sabe que hacer con él en compañía de una mujer que le desea carnalmente. Midge le habla como a un niño "you are a big boy now!" (¡ahora eres un muchacho grande!).

Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. Hitchcock nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere así un ensayo de erección. Se acaba en un fiasco cayendo Scottie en los brazos de la siempre insatisfecha Midge.

La ironía llega a su cumbre con la utilización de la Torre Coit visible desde todo  San Francisco y cuya construcción fue financiada por Lili Hitchcock Coït . La torre, obvio símbolo fálico, fue diseñada en forma de boca de riego porque a Lili Coït le gustaban mucho los bomberos. Se ve constantemente desde la ventana del piso de Scottie como para reírse de su falta de vigor sexual.

Cuando Madeleine, después de su ensayo de suicidio viene a darle las gracias a Scottie, dice que encontró su casa gracias a la torre. Scottie le contesta que es la primera vez que le es útil para algo.

Hitchcock en su entrevista con François Truffaut habla de necrofilia. Es incapaz de hacer el amor con una mujer de carne y hueso. Más tarde tendrá una relación sexual con Judy sólo después de haberla transformado en Madeleine.

Una vez más Hitchcock se luce en la puesta en escena, con la perfecta armonía en todos sus elementos. Una perfecta conjunción de vestuario —de Edith Head—, fotografía —con uno de sus eternos colaboradores, Robert Burks, y banda sonora, a cargo de Bernard Herrmann, el compositor cinematográfico por excelencia, en la que muy probablemente sea la mejor banda sonora que hizo, combinando a la perfección el suspense de la historia con el romanticismo.

Esos tres elementos principalmente elevan al máximo el juego de espejos que propone Hitchcock enfrentando ambas partes de la película, primero la investigación/fascinación tras Madeleine, y luego el recuerdo imborrable de la misma que lleva a Scottie al mismo centro de una enfermiza obsesión.

En todo momento está presente el juego de la percepción. La primera vez que Scottie ve a Madeleine está  de perfil —una de las tomas preferidas del director con todas sus actrices— hacia la derecha, y más tarde, cuando lo hace con  Judy en su apartamento aparece mirando a la izquierda. Son las dos caras de la misma moneda.

En este sentido es de  destacar el papel de  Robert Burks con el gusto por los colores en relación a lo elaborado por Edith Heard, y su rojo intenso del traje del restaurante donde vemos a Madeleine por primera vez, marcando la incipiente pasión que sentirá Scottie por ella; o el neón verde que hay en la fachada del apartamento de Judy, o cuando la viste al salir del baño, disfrazada por primera vez como Madeleine. El efecto para  el espectador, parece regresar de los muertos.

El beso posterior, con un giro de cámara de 360 grados —en realidad giran ellos sobre una plataforma— es uno de los más pasionales de toda la historia. Un beso que une pasado y presente.

El escenario también la ciudad de San Francisco juega igualmente un papel determinante la vemos desde la ventana de Midge o con el seguimiento de Scottie a Madeleine por las calles de la ciudad durante unos quince minutos y prácticamente sin diálogos.

James Stewart y Kim Novak se compenetran a la perfección en la película de Hitchcock que menos secundarios de peso tiene —sólo Barbara Bel Geddes como la eterna amiga de Scottie, enamorada de él, puede ser entendida como tercera en discordia—.

‘Vértigo’ no fue muy bien recibida en su momento —Hitchcock echó la culpa a Stewart, con el que no volvería a trabajar—, hasta que la crítica francesa, una vez más, la reivindicó como la obra maestra que es.

Fue una película técnicamente avanzada con un perfecto equilibrio ético/estético, y en el que la narración cinematográfica alcanza cotas nunca imaginadas. La famosa sensación de vértigo se realizó combinando un zoom con un travelling hacia atrás de la cámara.

Hitchcock comentó en el libro de Truffaut que para el papel de Judy Barton / Elster Madeleine iba a ser para Vera Miles pero esta se encontraba embarazada por lo que el papel recayó en Kim Novak. Esta llegó al estudio con la cabeza llena de ideas que, desgraciadamente, no podía compartir. Fui a verla a su camerino y le expliqué qué trajes y qué peinados debía llevar; los que había previsto desde hacía varios meses. Le hice comprender que la historia de nuestra película me interesaba mucho menos que el efecto final, visual, del actor en la pantalla en el film acabado" En cuanto al trabajo de una Kim Novak  que no habla hasta más de un tercio en la película tjuvo problemas con el director y con  sus trajes diseñados por Edith Head - que ya habían trabajado mucho tiempo atrás con el director Alfred Hitchcock- . Ambos estaban interesados en dar a la ropa de Madeleine una apariencia extraña. Su traje gris de marca fue elegido por su color porque pensaban que parecía extraño que una mujer rubia llevara todo el gris. Además, añadieron el pañuelo negro a su abrigo blanco debido al extraño contraste. "Judy",que lleva unos trajes menos severos y rígidos. Cuando Kim Novak cuestionó Alfred Hitchcock acerca de su motivación en una escena en particular, se dice que el director le dijo : "No se preocupe por esas cuestiones, Kim. Es sólo una película". En una entrevista posterior Alfred Hitchcock dijo que creía que Kim Novak estaba mal ubicados y que era la actriz equivocada para el papel.

Hitchcock también sale en la película, en el décimo minuto y cincuenta segundos, pasa la puerta de entrada al astillero.

La historia de “Vertigo” trabaja con las neurosis y los distintos estados psicológicos de John Ferguson. Comienza con acrofobia, que descubre durante la persecución de un delincuente por los techos. Ese descubrimiento se vuelve trágico y motivo de culpa por la muerte de un policía que quiere salvar a Ferguson cuando cuelga del caño de desagüe de un techo, durante la persecución, presa del vértigo. Se le agrega otro motivo mayor de culpa porque, debido a la acrofobia, no pudo evitar la muerte de Madelaine, que fingió saltar desde lo alto del campanario. Ya carga dos muertes en su conciencia. Esa última culpa, verbalizada por el juez del juicio que tiene lugar (Henry Jones) lo lleva a ser internado en un psiquiátrico un año o algo así hundido en profunda depresión. Finalmente esa culpa lo lleva al intento de resucitar a Madeleine transformando a otra mujer, Judy Barton, en ella. Aquí emerge el fetichismo y la necrofilia de Ferguson. Su obsesión por la ropa de Judy. Por el color de pelo. Por el peinado. Finalmente, el intento de reproducir la muerte de Madelaine, que termina con la muerte real de Judy lo aniquila, probablemente, de manera definitiva. Es , como vemos, una película sobre la obsesión y la pesadilla.

Además en la película hay muchísimos símbolos en la primera parte de la película, o en la primera de sus dos historias. Los dibujos de espirales que giran sobre sí mismos en el interior de inmensas pupilas durante los títulos iniciales. El peinado de Madeleine con el rulo en forma de espiral, que puede verse cuando mira, en el museo, el cuadro de Carlota Valdez, que tiene el mismo rulo, pero vuelto hacia ella, imagen que recuerda al vértigo de los juegos de espejos enfrentados con reflexiones infinitas. Ramos de flores que, por su disposición y uniformidad, parecen motivos geométricos No representan el vértigo, sino la obsesión, que tiene la costumbre de llenar todo el espacio con el mismo diseño. La obsesión y la pesadilla.

La obsesión de Madeleine por Carlota Valdez y la obsesión que John Ferguson siente en las alturas, por el piso que desde allí divisa, que no puede dejar de mirar, y que lo atrapa, que lo absorbe. A Madeleine la absorbe Carlota Valdez, y a Ferguson el vértigo. En los dos casos es la muerte que tira de ellos. Por otra parte, la obsesión de Madelaine por Carlota, de la primera parte de la película, se transforma en la segunda parte en la obsesión de John Ferguson por Madelaine. Ese, se diría, es el tema más general de la película.

Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958. La película obtuvo varios premios en 1958. En concreto obtuvo dos nominaciones al Oscar: a la mejor dirección artística, y al mejor sonido.

Ese mismo año el Sindicato de Directores (DGA) lo nomino a Hitch al mejor director . Y en el Festival de San Sebastián del 58 obtuvo el premio al mejor director (ex-aequo) y al mejor actor (Stewart).

La crítica en Estados Unidos ve en Vértigo una obra de peso en la carrera del director. Roger Ebert del Chicago Sun-Times comenta que "Trata sobre cómo Hitchcock utilizaba, temía y trataba de controlar a las mujeres (...) "

Janet Maslin del The New York Times dice que "Con menos alegría y la libido mucho más abierta que otros clásicos de Hitchcock, 'Vértigo' siempre fue anómala"

Para Desson Thomson del The Washington Post "Hazte a ti mismo un favor estético: Da el paso"

En Variety se publicó que "James Stewart, en cámara casi durante toda la película, hace una sorprendente buena actuación interpretando a un abogado-policía que sufre de acrofobia"

Bosley Crowther del The New York Times afirmaba que era "Un misterio fascinante" y  Mike Clark del USA Today afirma que "Ves a este tío yendo lentamente sobre el borde y te das cuenta, santo cielo, es Jimmy Stewart"

Para Peter Stack  del San Francisco Chronicle "En su oscuro corazón, la película es una triste reflexión sobre el amor y sobre los velos que manipulan las pasiones sexuales"

Ya en España Ángel Fdez. Santos en el Diario El País publicó que era "Una de las obras más bellas, densas y perfectas de la historia del cine." En ese mismo diario   Miguel Ángel Palomo sostiene que "Desde los mismo títulos de crédito, Hitchcock atrapa al espectador en unas apasionantes imágenes (...) el maestro crea un universo atormentado y malsano que ahonda en una relación de turbio 'amour fou'. (...) magnífico ejercicio de suspense."

Para Pablo Kurt en filmaffinity se trata de "La gran obra maestra de Alfred Hitchcock, y sin duda la más aclamada por la crítica -siempre aparece en las listas de los expertos sobre las mejores películas de la historia del cine-. El genio se aleja de sus entretenidas aventuras anteriores para sumergirse -él y todos- en una minuciosa y compleja intriga psicológica llena de simbolismos y múltiples lecturas, un remolino insondable que te absorbe en su fascinante espiral narrativa sobre el deseo y lo idealizado; obsesiones circulares y vértigos ante lo desconocido -o lo irreal- reflejados en su póster, su título, su banda sonora y no pocos hallazgos visuales de esta preciosa e hipnótica obra de arte".

En México Carlos Bonfil del Diario La Jornada nos dice que "Hitchcock trasciende por completo las barreras genéricas volviendo a la cinta algo enigmático e inclasificable."

Para Alberto Abuin  editor en blog de cine nos comenta que ‘Vértigo’ nació de la desilusión del director británico por no poder adaptar la novela que terminaría siendo una de las películas más famosas del cineasta Henri-Georges Clouzot, ‘Las diabólicas’ (‘Les diaboliques’, 1954).

Cuando los autores del libro, Pierre Boileau y Thomas Narcejac, se enteraron de ello enseguida se pusieron a escribir ‘D’Entre les morts’ teniendo en mente al cineasta, quien sin duda supo aprovechar el material al máximo. Es ‘Vértigo’ una película adelantada a su tiempo, tanto que aún a día de hoy parece pertenecer a otra época no concreta. Con el paso de los años, la fama de la película, que no fue en su momento precisamente un éxito, ha ido creciendo tan poderosamente como las inolvidables imágenes que la bañan, algunas de las más icónicas de la historia del cine, descubriendo nuevos matices en cada nuevo visionado y aguantando sin rubor el estoico paso de modas, estilos y costumbres.

El guión se le atribuye a Alec Coppel y Samuel A. Taylor , pero Coppel no escribió una sola palabra de la versión final. Se le acredita sólo por razones contractuales. Taylor no leyó el guión de Coppel ni la novela original; trabajó exclusivamente de Alfred Hitchcock esbozo de la historia. Aunque dicho sea de paso Hitchcock contrató a Maxwell Anderson para escribir el primer borrador del guión pero fue rechazada por Hitchcock.

Joseph Cotten , Lee J. Cobb y Everett Sloane también fue considerado para el papel de Gavin Elster. 

Una obra atemporal en el sentido literal del término. Al principio Hitchcock quería hacer la película con Vera Miles, su nueva obsesión femenina, pero cuando la actriz le comunicó que estaba embarazada tuvo que prescindir de ella decantándose por Kim Novak, con la que tuvo bastantes problemas de entendimiento en el rodaje. Con todo, la actriz nunca ha salido tan guapa como en el presente film, la historia de obsesión de un detective hacia una fascinante mujer de la que se termina enamorando. Un tipo de obsesión que Hitchcock podía entender muy bien y así lo tradujo en imágenes".

En la actualidad Vértigo es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense. En 1996 se presentó una versión restaurada de la cinta. En 2007, el Instituto de Cine Americano clasificó esto como la película # 9 más grande de todos los tiempos. Fue votado como la 19 ª película más grande de todos los tiempos por Entertainment Weekly. Se incluyen entre los "1001 películas que hay que ver antes de morir ", editado por Steven Schneider .

Tras una evaluación de 10 años, Vértigo fue elegida el 2 de agosto de 2012 como la mejor película de todos los tiempos, por delante de la obra de Orson Welles Ciudadano Kane en la encuesta de los críticos de Sight & Sound . 

Se caracteriza por el uso de una llamativa narrativa audiovisual del director, los actores Stewart y Novak o los lugares por donde se rodó.

Vértigo tuvo un inicio poco alentador cargado de tibias críticas y una pobre acogida en taquilla, sin embargo, ganó popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre las mejores película

Alfred Hitchcock era un perfeccionista tanto es así que tardó una semana filmando una breve escena en la que Madeleine queda mirando un retrato en el palacio de la legión de honor sólo para conseguir la iluminación adecuada. Y eso que la difícil  reputación de Kim Novak que un día se negó a presentarse al trabajo, pues pedía más dinero ...y Novak consiguió un aumento. 

Alfred Hitchcock quería originalmente para utilizar su ahora famosa zoom Vértigo en Rebeca (1940), pero debido a la falta de tecnología en ese momento no podía hacerlo. La técnica se inspiró en un momento en que Hitchcock se había desmayado durante una fiesta.  También a destacar que fue la primera película en usar gráficos de computadora para la secuencia de introducción hecha por Saul Bass.  

Parece ser que Sir Alfred Hitchcock se llenó de amargura por el fracaso crítico y comercial de la película en 1958. Se lo atribuyeron a James Stewart por parecer  "demasiado viejo" para atraer a un público más. Lo cierto es que hay una diferencia de edad notable de 25 años entre James Stewart y Kim Novak , que tenía 49 años y la Novak 24, respectivamente, cuando la película se rodó en 1957.Hitchcock nunca trabajó con Stewart, a pesar de que había sido uno de sus colaboradores favoritos. También James Stewart era casi 15 años mayor que Barbara Bel Geddes , aunque se suponía que sus personajes a ser la misma edad y que habían estudiado juntos en la Universidad como se dice en algún momento. 

En cuanto a Midge y el sujetador "en voladizo" diseñado por un ingeniero de los aviones parece ser que es una referencia a la historia que Howard Hughes contaba de como fue un ingeniero quién inventó un nuevo tipo de sujetador con aros adecuados para su mujer, Jane Russell .  Por cierto, la mujer de Alfred Hitchcock , Alma Reville , dijo que a ella le gustaba, a excepción de una escena en la que Kim Novak camina por  la Bahía de San Francisco, ya que sentía que Novak parece demasiado grande en la pantalla. Durante años después, al hablar de esta película, Hitchcock insistiría en que Alma odiaba esta película. 

Por su parte, la banda sonora es de Bernard Herrmann y parece  inspirarse en gran medida por Richard Wagner  y su  "Tristán e Isolda", que, al igual que la película, también se trata del amor fatal. 

En definitiva, Vértigo presenta una  de las pasiones amorosas más destructivas que ha dado el cine y toda una lección magistral de cómo el cine es un propio arte que abarca todas las artes. 

Liberty Valance

El héroe favorito de Ford y uno de los mitos del cine del siglo XX en los Estados Unidos cuya permanencia en el tiempo se mantiene, según Terenci Moix, a la estrecha identificación con la mentalidad del americano medio cuya imagen potenció en numerosos ocasiones. Aunque posiblemente para el autor catalán lo más interesante de este héroe americano es que apareció desde los dudosos ámbitos de las series de bajo presupuesto que interpretó a inicio de los años 30.

El actor nacido en Iowa es, sin duda, un maestro de la actuación, con un total de 153 películas, y 142 roles estelares, algo inédito. Durante 35 años, actuó en 20 películas dirigidas por John Ford, ese director que declarará en el famoso Comité de Actividades Antiamericana que " Soy John Ford y hago película del oeste", generando esta relación un beneficio mutuo, que se puede apreciar en la última de ellas, The Man Who Shot Liberty Valance (1962).

John Wayne o Marion Michael Morrison perteneció a la segunda generación de vaqueros que irrumpieron en la historia del western allá por los años veinte. Fue , por lo tanto, sucesor de Río Jim, Tom Mix y Buck Jones, aunque tuvo más suerte que ellos al franquear la difícil frontera del cinbe sonoro y , sobre todo, los vaivenes del gusto. Por suerte para su carrera el maestro Ford decidió convertirlo en el eje de alguno de sus mejores títulos: La diligencia, Fort Apache (1948), La legión invencible (1949), Río Grande ( 1950), El hombre tranquilo (1952), Misión de audaces (1959) o la película que he visto la tarde anterior El hombre que mató a Liberty Valance, película de 1962 y que fue presentada de la siguiente manera: Juntos por primera Vez - James Stewart y John Wayne - en la obra maestra del cuatro veces ganador del premio de la Academia John Ford.

The Man Who Shot Liberty Valance , en España, El hombre que mató a Liberty Valance es todo un clásico del cine y un western modélico dirigida o por John Ford y estrenada en 1962. De hecho se trata de uno de los westerns más prestigiosos de su director, y un clásico del género en definitiva.

La historia está adaptada a partir de un relato corto escrito por Dorothy M. Johnson del que además de esta historia obre el hombre que disparó a Liberty Valance o ese Tiro en la noche , se llevarían al cine otros dos de sus realtos, que darían lugar a dos buenas películas El árbol del ahorcado (The Hanging Tree, 1959), dirigida por Delmer Daves, y Un hombre llamado Caballo (A Man Called Horse, 1970), dirigida por Elliot Silverstein. John Ford es su director, contando con ayudante para la misma con Wingate Smith y con Eddie Imazu y Hal Pereira como dirección artística. La producción estuvo en manos de Willis Goldbeck, quien interviene a la vez en el guión junto con James Warner Bellah , a partir de la historia de Dorothy M. Johnson.

La música de la película será elabrada por Cyril Mockridge, la fotografía fue de William H. Clothier, el montaje de Otho Lovering y el vestuario de Edith Head La Productora Paramount Pictures - en este caso también distribuidora- y John Ford Productions contó con un presupuesto estimado de US$ 3,200,000.

El gran reparto, como en todas las películas de Ford, está integrado por John Wayne como Tom Doniphon , James Stewart como Ransom Stoddard, Vera Miles como Hallie Stoddard, Lee Marvin como Liberty Valance, Edmond O'Brien como Dutton Peabody, Andy Devine como Marshal Link Appleyard, Ken Murray como Doc Willoughby, John Carradine como Maj. Cassius Starbuckle, Jeanette Nolan como Nora Ericson, John Qualen como Peter Ericson, Willis Bouchey como Jason Tully, Carleton Young como Maxwell Scott, Woody Strode como Pompey, Denver Pyle como Amos Carruthers, Strother Martin como Floyd, Lee Van Cleef como Reese, Robert F. Simon como Handy Strong, O. Z. Whitehead como Herbert Carruthers, Paul Birch como Alcalde Winder, Joseph Hoover como Charlie Hasbrouck Shug Fisher como Kaintuck.

La historia comienza 25 años atras cuando el ahora senador de los Estados Unidos Ransom Stoddard (James Stewart), y su esposa han vuelto al pequeño pueblo de Shinbone para acudir a un funeral. Se trata de ir al funeral del ahora desconocido Tom Doniphon. Ante la llegada de este prestigioso político a la ciudad y un periodista local le pregunta al senador acerca de su relación con el difunto, y es entonces cuando el senador mientras se abre camino hacia el establecimiento de la funeraria a presentar sus respetos al difunto, le cuenta a un reportero ( Joseph Hoover ) y a su editor, Maxwell Scott ( Carleton joven ) por qué un senador de Estados Unidos haría que el largo viaje desde Washington sólo para asistir al funeral de un ranchero local , iniciándose así la historia en flashback. .

Por su boca y a través de su narración vamos conociendo a un joven Ransom Stoddard, un abogado idealista nacido en el Este y formado en derecho , un hombre que cree firmemente en la ley y el orden, y que poco antes de llegar al pequeño pueblo de Shinbone es asaltado por unos bandidos encabezados por un brutal rufián local, Liberty Valance.

Estos tres bandidos le agreden brutalmente cuando Stoddard intenta evitar que Valance robe a una viuda su herencia, por lo que es golpeado brutalmente. roban sus únicas pertenencias: unos cuantos libros de derecho, pero no su dignidad. Ransom sufre una brutal paliza y es abandonado en el lugar siendo encontrado por Tom Doniphon. Éste lo lleva al pueblo.

Una vez en el pueblo, es atendido por una mujer llamada Hallie (Vera Miles), que trabaja para sus padres, una pareja de ancianos de origen sueco, los Ericson, Nora Ericson( Jeanette Nolan ) y su marido Peter (John Qualen) que gestionan el "Peter's Place" .Appleyard ( Andy Devine ), el marshall de la ciudad, no tiene ni el valor ni las habilidades para desafiar al pistolero Valance; Doniphon (que ama a Hallie y planea pedirle que se case con él) es el único hombre dispuesto a enfrentarse a él.

Stodard trabajará con Hallie en la cocina del restaurante de los Ericson y allí va relacionándose con Hallie. También entabla amistad con Tom Doniphon (John Wayne), su salvador, el hombre que lo llevó al pueblo y que le salvará la vida y con quien desarrollará una complicada amistad. Stoddard tratará de saldar su deuda trabajando como friegaplatos y sirviendo mesas.

Stoppard sabe del interés de Tom por Hallie (Vera Miles) quien recibió como regalo una flor de cactus de Doniphon.  Su destino parece el de casarse con Tom Doniphon . De hecho Hallie.-(señalando la flor) le dice a Ramson. Fijate en eso, ¿no es lo más bonito que has visto? Y Stoddard. de contesta que  Sí, es muy bonita... Hallie, ¿has visto alguna vez una rosa de verdad?

Sin embargo, por el pueblo pasa de manera recurrente su agresor , lo que provoca que Liberty Valance, el hombre que atacó su diligencia, se burle de él en repetidas ocasiones.

Una noche, durante una cena, lo tirá al suelo, lo que provoca el enfado de Doniphon que pide a Valance que recoja su filete. Stoddard evitará el enfrentamiento recogiéndolo él.

Desde el principio vemos que Doniphon es un hombre de carácter muy diferente al suyo, que se enfrenta de otra manera a la vida. Lo sorprendente es que a pesar de ser un hombre valiente y arrojado, y que además persigue a Hallie, la misma mujer a la que en el futuro cortejará Stoddard, pero no tiene valor para decirle nada. Stoddard se abstiene de intervenir a petición del propio Stoddard (que cree poder resolver las cosas a su manera pacífica).

Liberty Valance (Lee Marvin) y su banda, unos forajidos sin escrúpulos, tienen atemorizada a parte de la población. Liberty Valance considera a Stoddard una presa fácil y al igual que siente eso mismo ante Dutton Paebody , quien escribe cuando está sobria sobre las tropelías del rufián.

Doniphon les deja muy claro que allí solo sirven las armas, no las leyes, pese a lo cual acepta el ofrecimiento de Dutton Peabody, el director del Shinbone Star, de colgar su cartel de abogado en su local, aunque el trabajo que hace es buscarle noticias y suscriptores, ejerciendo también de profesor para todos los del pueblo, niños y mayores que son analfabetos en la ciudad, incluyendo a Hallie.

Pero comprende que Doniphon tiene razón y decide entrenarse para disparar al ver que Valance y sus hombres, contratados por los ganaderos, que se oponen a la creación del estado, intentarán imponer la ley de las armas amedrentando a la población.

Cuando Dutton Peabody ( Edmond O'Brien ), editor del periódico local, le ofrece un revólver, lo acepta; y cuando Doniphon que ve como está tratando de aprender por sí mismo para usarlo, ayuda a Stoddard para darle una lección de tiro. Durante las prácticas de tiro hace un agujero en una lata de pintura, mientras Doniphon le llena el traje con las salpicaduras de un bote , explicando que este es el tipo de engaño que puede esperar de Liberty Valance. Enfurecido, Stoddard le da un puñetazo en la mandíbula y se marcha.

El día de las elecciones en el que la población se prepara para elegir a sus delegados para ir al Congreso de integración en los Estados Unidos, Stoddard propone a Doniphon, el único hombre capaz de enfrentarse a Valance, aunque este lo rechaza y propone éste propone al propio Stoddard porque "conoce la ley, y tiene una pegada de puños media"y a Peabody frente a Valance. Stoddard se dirige al grupo, explicando que la incorporación al Congreso estatal beneficiará a la gente del territorio a través de mejoras en la infraestructura, la seguridad y la educación. frenará los intereses de los grandes ganaderos de la zona, que se oponen a esa incorporación y a la nueva normativa que traería, por eso han contratado a Liberty Valance para el esfuerzo.

Cuando se celebra la asamblea para enviar a dos delegados a la Convención territorial del Estado, Liberty Valance acude para imponer su candidatura.

Uno de los vecinos le reprocha que no está censado y que no vive en el pueblo, a lo que el bandido responde: "Yo vivo donde cuelgo mi sombrero".

Cuando Tom se le opone, tiene lugar este diálogo:
LV.-¿Buscas problemas, Doniphon?
TD.-¿Quieres ayudarme a encontrarlos?

La tensión es resuelta por el ruido del cerrojo de un rifle. Liberty se vuelve hacia la puerta y allí, apoyado en una de las hojas, está el insobornable Pompey.

Valance advierte a los vecinos: "Sois muy valientes cuando estáis juntos, pero no votéis algo de lo que luego os arrepintáis cuando estéis a solas".

Tom conoce bien a Liberty y sabe hablar su lenguaje. Por eso se muestra tan condescendiente como escéptico con el amable y utópico abogado cuando este muestra el cartel artesanal que ha preparado para anunciar su despacho, 'Ramson Stoddard. Attorney at Law': "¡Cuélgalo en una puerta y habrás de defenderlo con un revólver. Y tú no eres el tipo capaz de eso!"

La asamblea vota a los dos compromisarios: Stoddard y Dutton Peabody, Ninguno de ellos tiene el valor de Tom, pero tampoco son como el común de sus vecinos. Tienen miedo, pero éste siempre queda por debajo de su sentido del deber.

Lo expresa extraordinariamente bien el monólogo del periodista: "Qué es lo que ocurre señor Peabody? ¿Es que tiene usted miedo? La respuesta es: indudablemente sí. No queda valor. Bien, el valor puede adquirirse en la taberna de enfrente, pero ¿tenemos crédito? He ahí el dilema".

De hecho Liberty Valance interrumpe la reunión y los intentos de intimidar a la gente del pueblo en elegirlo como delegado, pero Stoddard le desafía una vez más. al que derrotan, pero el criminal no se da por rendido pidiendo a Stoddard que abandone la ciudad antes de anochecer. Doniphon le aconseja a Stoddard dejar la ciudad, pero Stoddard mantiene que él todavía cree en el Estado de Derecho, y que está dispuesto a arriesgar su vida por sus principios.

Esa noche vemos a Dutton Peabody (Edmond O'Brien) , ese fundador, editor, propietario y redactor ("también barro la oficina", dice él modestamente). y borracho empedernido, cuando vuelve de insuflarse una dosis de valor en la taberna del mexicano, y que recita parcialmente un discurso de la obra "Enrique V" de William Shakespeare que trata justo antes ejército de Henry V derrota a una fuerza francesa superior, y que nos anuncia el próximo tiroteo entre Ransom Stoddard y el pistolero Liberty Valance, todo eso antes de recibir una pavorosa paliza por parte de Valance y de sus secuaces.

Valance y sus secuaces están esperándole en la redacción, y le obligan a comerse un ejemplar del Shinbone Star en el que denunciaba a los bandidos y le dan una paliza que lo deja malherido.

Apenas puede abrir los ojos cuando el abogado acude a socorrerlo: "¿Ransom? Le he explicado a ese Liberty Valance lo que es la libertad de prensa"

Y esa noche, tras atacar a Peabody en su local , y al que dan por muerto, se va a buscar a Stoddard, que rechazó su amenaza y que, ataviado con su delantal se enfrentará a él aceptando un duelo a pistola. Stoddard que siempre ha rehuido la violencia como manera de resolver los conflictos, y por ello no tiene ninguna habilidad manejando un arma.

Un primer disparo hiere a Stoddard en el brazo. Pero cuando va a matarlo, y de forma sorprendente, es Stoddard quien dispara primero, haciendo que Valance muera ganándose la admiración de sus convecinos y pasando a ser "el hombre que mató a Liberty Valance". Cuando el tiroteo ocurre, Stoddard que ha salido milagrosamente vencedor, lo ha convertido en un héroe, y más tarde le da la posibilidad de ascender en su carrera política.

Hallie , tras el temor, le demuestra entonces abiertamente su amor, haciendo comprender a Doniphon que sus planes de casarse con ella no se cumplirán, por lo que se emborracha y, en un ataque de rabia quema la casa que con tanto cariño estaba reformando para casarse con ella, debiendo salvarle del fuego Pompey, su fiel sirviente y amigo, pero la casa es destruida.

Algún tiempo después acuden a la convención de Capitol City donde se elegirá el delegado del territorio para Washington, cargo para el que Peabody propone a Stoddard. El candidato rival, el de los grandes ganaderos, es el Mayor Cassius Starbuckle ( John Carradine ). Sus opositores, los ganaderos aducen que su único merito fue matar a un hombre, considerando el propio Stoddard que no merece el cargo, por lo que decide retirarse.

El joven abogado, no obstante, que siente remordimientos por creerse un asesino está a punta de renunciar hasta que Doniphon se lo impida contándole la verdad. Le asegura que tiene las manos limpias, ya que no fue él, sino el propio Doniphon escondido en las sombras quien acabó con Valance convencido de que de lo contrario Stoddard moriría.

Doniphon, que estaba convencido de que Liberty Valance no fallaría y se escondió entre las sombras para dispararle en el momento decisivo. El gesto de Doniphon se revela así doble, ya que no sólo salvó la vida al joven abogado, sino que le cedió a él todo el mérito y el respeto de las gentes, incluyendo el de su amada Hallie, que finalmente acabará escogiendo a Stoddard. Este regresa a la asamblea y es elegido para la delegación de Washington , iniciando así una brillante carrera política en la que fue el primer gobernador del estado antes de ser Senador y embajador en Londres.

Stoddard se casará con Hallie y llega alcanzar altas metas políticas, mientras que Doniphon vive una vida en la sombra, sin reconocimiento y alejado de la mujer a la que amó, y todo ello irónicamente a causa de su acto de bondad.

Cuando Doniphon muere, el senador y su esposa vuelven a Shinbone para acudir a su funeral, en lo que es el comienzo de la película.

Cuando termina de relatar los hechos a los periodistas, y el director del diario rechaza imprimir la historia real, y comenta una frase importante que en en la versión en castellano dice que : "Esto es el Oeste, señor; y cuando los hechos se convierten en leyenda no es bueno imprimirlos". Y en la versión en inglés , la original "When the legend becomes fact, print the legend". "Cuando la leyenda se convierte en hecho, imprime la leyenda".El Shinbone Star no publicará la confidencia, pues su director cree que es mejor mantener las leyendas.

Hallie se hace llevar por el viejo comisario hasta la cabaña de Doniphon, en la que preparaba una nueva habitación para casarse con Hallie y a la que prendió fuego la noche que supo que ya no sería para él. La señora Stoddard pregunta con impostada incertidumbre: "No pudo jamás terminar aquella habitación, ¿no es verdad?", Contestando el viejo sheriff  Appleyard.-No... En fin... Usted lo sabe muy bien...

La soledad se aprecia en el velatorio. Al editor del periódico que había fundado el viejo Peabody ni siquiera le suena su nombre, el carpintero le ha quitado las botas, porque estaban casi nuevas y sólo le velan el viejo comisario Appleyard, el fiel y anciano Pompey y la conmovida Hallie Stoddard. Cuando el senador y su esposa salen del cuarto en el que han velado los restos de Tom Doniphon, sobre la tapa de pino del ataúd hay una flor de cactus. Stoddard la mira antes de cerrar la puerta y ya sabe quién la puso allí, aunque no lo pregunte en ese momento.

Finalmente ambos regresan a Washington en tren, y en un momento dado Stoddard informa a Hallie, para su alegría , que ha decidido retirarse de la política y que quiere volver a la práctica del derecho en Shinbone . En ese momento le pide fuego al revisor, a lo que este le responde que de tren ( Willis Bouchey ) que va a escribir a funcionarios del ferrocarril, dándoles las gracias por sus muchas atenciones para agilizar su viaje de regreso a Washington, las respuestas del empleado es que "Nada es demasiado bueno para el hombre que mató a Liberty Valance!"

En ese momento se muestra el remordimiento de Stoddard por haber vivido tanto tiempo con esa mentira, e incluso se percibe cierto desdén hacia él por parte de Hallie, que también conoce la verdadera historia. Acabando así esta obra maestra del cine realizada con un Ford tenía algo más de 65 años cuando rodó esta película. .

Llama la atención que la película fuese realizada en blanco y negro. Eso sí , a través de una cuidada fotografía de Clothier y el empleo de efectos como el rodaje de la escena clave desde distintos ángulos para la inclusión de diferentes personajes y hechos. Varias razones se han propuesto para ello. Por lo pronto, John Ford dijo que el prescindir de la gama de colores aumentaba la tensión, pero otras personas involucradas con la producción de Paramount apuntan a un deseo por parte de la productora de reducir los costes, y por eso la película se rodó principalmente en un estudio, en concreto en los Paramount Studios , en concreto en el 5555 Melrose Avenue, Hollywood . Sin las limitaciones presupuestarias, Ford habría ido a rodar al Monument Valley - y no a Jamestown .- para la escena final- o a Janss Conejo Ranch, Thousand Oaks en California, usando, por supuesto, el Technicolor. También se ha sugerido que, dado que tanto John Wayne y James Stewart estaban asumiendo personajes que tienen hasta 30 años más jovenes que en su edad real (Wayne tenía 54 cuando la película fue filmada en el otoño de 1961 y Stewart 53), y ante esto la película tenía que ser en blanco y negro, ya que nunca se hubieran salido con su edad, haciendo de jóvenes en color. La diferencia de edad fue particularmente notable en el caso de Stewart, ya que estaba asumiendo el papel de un joven abogado que solo acababa de graduarse en la escuela de derecho y se había trasladado al oeste sin ni siquiera la práctica de la ley en el este. De cualquier manera fue la última película de John Ford en blanco y negro , a pesar de Ford afirmaba preferir el blanco y negro sobre el color. "En blanco y negro, hay que tener mucho cuidado, Tienes que conocer su trabajo, poner sus sombras en forma adecuada, obtener su perspectiva, pero en color , no lo es ", dijo. "Se podría decir que estoy pasado de moda, pero el negro y el blanco es la fotografía real .".

En cuando a los actores fue John Wayne quién sugirió a Lee Marvin para el papel de Valance, después de trabajar con él en Los comancheros (1961). Para el resto de forajidos se contó con Strother Martin (Floyd) y Lee Van Cleef (Reese) que, curiosamente, habían previamente aparecidos juntos en un capítulo de la Dimensión Desconocida: La Tumba en 1961.

Por otro lado, John Ford había considerado lanzar a un joven actor como Stoddard, pero temía que destacaría el hecho de que John Wayne era demasiado viejo para hacer de Doniphon.

Como suele ser habitual la película cuenta con una serie de actores recurrentes en la filmografía de Ford como Woody Strode y el "sueco" John Qualen al igual que otros tres de los actores como John Wayne , Andy Devine y John Carradine que habían participado juntos anteriormente en La Diligencia (1939) bajo la dirección del director John Ford .

Por cierto, se sabe que hubo varios coches de trenes entre John Ford y John Wayne. De hecho, Ford provocó a Wayne sin descanso durante todo el rodaje. "Él no quería que Duke [Wayne] pensara que le estaba haciendo ningún favor", dijo Van Cleef.bStewart contó que a mitad de rodaje, Wayne le preguntó por qué él, Stewart, nunca parecía ser el objetivo de las observaciones venenosas de Ford. La música de la película fue compuesta por Cyril J. Mockridge ; pero en escenas concretas ue se centran en las que las relaciones de Hallie con Doniphon y Stoddard, Ford repitió el Tema de"Ann Rutledge " creado por Alfred Newman para la película El joven Lincoln . Le dijo a Bogdanovich que usó el tema en ambas películas para evocar el deseo reprimido y el amor perdido. Hubo una canción creado por Burt Bacharach y Hal David con el título de "El hombre que mató a Liberty Valance" se convirtió en un éxito Top 10 . Aunque basada en trama de la película, no se utilizó en la película. También será la segunda película de Vera Miles y Jeanette Nora con el director El guión siguió la obra de Dorothy M. Johnson con una notable excepción.

En el libro, Tom Doniphon era más que un mentor para Ranse Stoddard ,, y le facilita su carrera de abogado frontera a senador del estado. En la película, a excepción de dos actos notables que cambian la vida de Stoddard para siempre, Doniphon no es tan proactivo con la vista puesta en el futuro de Stoddard.

Stewart y Wayne aparecieron juntos de nuevo en la última película de Wayne, El último pistolero (1976), y también estaban ambos en el elenco de La conquista del Oeste (1962), pero en diferentes segmentos.

En cuanto a reconocimientos destaca lo desapercibida que pasó la película para los que los concedían. En 1962 la película fue nominada al Oscar al mejor Mejor vestuario creado por Edith Head. La película fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para el Registro Nacional de Cine en 2007 siendo "cultural, histórica o estéticamente significativa".

La película consiguió una recaudación cercana a los 8 millones de dólares, muy por encima de los más de 3 millones invertidos en ella. En cuanto a las críticas señalar que para Sergio Leone esta era su película favorita de John Ford porque "era la única película en la que (Ford) se enteró de algo que se llama el pesimismo." En una encuesta, está junto con Centauros y El último pistolero como uno de los mejores westerns de Wayne.

Ya en los críticos Richard Brody escribió en el The New Yorker que "Es, al mismo tiempo, el western más romántico y la más grandiosa película política americana"

Para Dave Kehr del Chicago Reader se trata de "una gran película, rica en sentimiento y pensamiento y compuesta en ritmos que varían desde lo elegíaco hasta lo espontáneo"

Para el gran Rogert Ebert La película nos muestra "la tiranía del hombre fuerte sobre la gente común. Todo el mundo odia a Liberty Valance, pero son impotentes contra él y sus dos compinches. Es un enfrentamiento entre el fascismo y la democracia". Y continua diciendo "Hay una pureza al estilo John Ford. Su composición es clásica. Él organiza sus personajes dentro de la trama para reflejar la dinámica del poder - o, a veces sugerir un equilibrio que está cambiando. La película tiene lugar en ese punto de inflexión en el Oeste cuando el imperio de la fuerza dio paso al estado de derecho, y cuando la alfabetización comenzó a hacerse un hueco". Ya en España Miguel Ángel Palomo del Diario El País nos dice que es una "Obra memorable, que revoluciona el género mediante la transgresión de sus propios códigos. Una reflexión de lirismo inaudito, de desatado romanticismo, acerca del significado del honor, de la distancia entre realidad y leyenda, todo ello retratando a unos personajes crepusculares y atormentados, repletos de matices. Una maravilla"

Por su parte, Javier Ocaña en Cinemanía afirma que es "Quizá el Western de Ford más redondo (...) Obra maestra"

Daniel Gamero, escritor , guionista y bloguero, lo que sí ha criticado son algunos aspectos de la traducción de la película como el ya comentado de la frase final, y sobre todo como han cambiado la cena entre lo que se ve (filetes, alubias, patatas y tarta) y lo que se traduce (asado, guisantes, patatas y ¿piña?); el título de la obra The Man Who Shot Liberty Valance significa El hombre que disparó a Liberty Valance, sunque la traducción española lo mata, directamente; entre lo que hay escrito en la prensa local en el titular se puede leer: Two Homesteaders Killed By Liberty Valance and Gang o lo que es lo mismo: "Dos colonos asesinados por Liberty Valance y su banda" traducido por "Dos pequeños campesinos asesinados por Liberty Valance y los ganaderos".

Muy interesante es la valración que Santiago González hace en su blog del diario El mundo destaca que John Ford da en ella el protagonismo a uno de los más acabados hijos de puta que hemos podido ver en las pantallas. Liberty Valance (Lee Marvin) es la prueba de que el mal anida a veces sin coartadas ni paliativos en el corazón de los hombres. Y de las mujeres, claro. Es tan malo el pistolero que el asunto central de la película es determinar quién es el bueno, el protagonista positivo, definido en el título por la hazaña de haberlo matado, 'The man who shot Liberty Valance'.

Desde la primera vez que aparece en pantalla, asaltando la diligencia en la que el joven Ransom Stoddard (James Stewart) viaja a Shinbone, su maldad aparece pura, prístina, incontaminada. Valance,  actúa siempre acompañado por dos secuaces a su altura (Lee van Cleef y Strother Martin). La máscara que cubre parcialmente su cara es pura coquetería del mal. No trata con ella de velar sus rasgos y hacerse irreconocible, sino justamente de resaltar la malignidad de su mirada. El embozado carece de sentido en un tipo que, ya sea para asaltar diligencias, ir a cenar a la cantina del sueco, dar una paliza a un periodista o tratar de amilanar a los miembros de la convención para que lo elijan como su representante, va siempre acompañado de un látigo inconfundible, con empuñadura de plata.

El látigo de Valance es un instrumento reivindicativo. Los habitantes de Shinbone son buena gente, aunque su valor está muy mediatizado por la prudencia y Liberty Valance les infunda miedo a casi todos, empezando por el comisario Appleyard (Andy Devine).

Solo Tom Doniphon (John Wayne) le para los pies en un par de ocasiones, y en ambas con la ayuda de su fiel Pompey (Woody Strode) un negro no muy locuaz, pero elocuente, que se limita a accionar la palanca de su rifle y a encañonar al bandido y sus ayudantes si la ocasión lo requiere.

Y sigue diciendo Santiago González que "Siempre he tenido esta hermosa película por un western agónico y algo desesperanzado. Es en realidad una historia fronteriza entre el salvaje oeste y la lucha por la supervivencia y una modernidad en la que no hay lugar para los tipos bragados como Doniphon. Es la hora del ferrocarril y las leyes, aunque el hombre que encarna el nuevo tiempo, el senador Ramson Stoddard basa su popularidad en el equívoco que expresa al final de la película el empleado del tren: "Lo hacemos todo muy a gusto por el hombre que mató a Liberty Valance". Mientras, el nombre de Tom Doniphon ha desaparecido de la memoria colectiva de Shinbone.

El articulista acaba afirmando que  'El hombre que mató a Liberty Valance' es un western crepuscular, pero no desesperanzado,

Para Pablo Kurt en filmaffinity "Esta obra maestra expone más matices que ningún otro western, y sin duda el más importante es el de definir con hábil precisión un momento significativo de los Estados Unidos: aquel en el que el salvaje oeste comenzó a perder su condición de territorio sin ley y la civilización entró de la mano de los abogados, decididos a imponer la ley sobre las pistolas. La clave es que Stewart rehúsa llevar revólver, hasta entonces único consuelo de sheriffs y espectadores ante la injusticia y el mal. Que sólo haya un abogado y que luego pase lo que pase es ya terreno y culpa de los códigos de honor y la americanizada necesidad de forjar héroes, pero sobre todo de la preferencia de imprimir la leyenda sobre la realidad. Nada que objetar. Es además un estudio sobre la condición humana tan preciso como memorable, y sin duda uno de los mejores 2-3 westerns de la historia del cine -aquí ya cada uno que se imprima sus gustos-.

Enrique Posada en su entrada en su blog de cine titulado el Espectador imaginario que lleva por título La leyenda como fuente de la realidad nos dice que " Estamos ante un clásico del género de películas del Oeste. Cuando apareció, en 1962, no generó grandes reconocimientos, pero con el tiempo se ha ido apreciando que John Ford filmó una película que trasciende las épocas.

Posada destaca los cuatro extraordinarios artistas: James Stewart, John Wayne, Lee Marvin y Vera Miles que se dejan llevar de la severa mano de Ford, para que este eterno melodrama en forma de flashback, a manera de crónica de una muerte famosa que anuncia el fin del salvaje Oeste y el nacimiento de la política, de la fama y la publicidad, como formas dominantes en la vida de un país.

El hombre que mató a Liberty Valance tiene mucho de Quijote y Sancho. Uno, Stoddard, representa el idealismo, frente al realista, pero rutinario, por Doniphon, un hombre fuerte e invencible, pero de palabras y gestos algo torpes para el amor. Frente a ellos uno de los villanos más malvados de la historia del cine.

Para mi lo bonita de la historia es que presagia el fin del Oeste romántico en beneficio de otro espacio de modernidad que viene vinculado a la expansión del ferrocarril y con él, la transformación y la influencia de la  modernidad en un territorio agreste, con personajes dominados por el individualismo exacerbado, que huyen de la cobardía mostrándose valientes y de una fortaleza insuperables y que desconocen las normas. Frente  a esto vamos viendo como las leyes se imponen, como se crea opinión por medio de la prensa libre, el papel civilizador de la ciudad, el debate sobre la condición de Estado, la influencia civilizadora de la educación y con ellas la burocracia de la democracia visible en ese mítico “Town Hall Meeting”, en la cual se ofrecen alternativas a las formas violentas, algo que no pareciera ser posible, pero que eventualmente se logra. Y se hace como una reflexión meticulosa y crepuscular. Ford condensó está historia sólida, brillante, llena de emociones, desbordante romanticismo, lirismo y melancolía, en un monumento a la nostalgia entre recuerdos, cactus y una vieja cabaña en llamas.