Besame, tonto

Con esta afirmación, Kiss Me Stupid,  tan rotunda, acaba esta película de Billy Wilder, que aparece igualmente como productor, aunque también fue responsable del guion conjuntamente con I.A.L. Diamond basándose en la obra L'Ora Della Fantasía (La hora del deslumbramiento) de Anna Bonacci, que había inspirado Esposa por una noche (Moglie per una notte, 1952), una película italiana protagonizada por Gina Lollobrigida. La letra de la canción cómica fue escrita por Ira Gershwin, utilizando algunas de las melodías inéditas de George Gershwin. La película es del año 1964 y que estrenó la Metro Goldwyn Mayer, aunque realizada bajo The Mirisch Corporation, junto a United Artist y  Phallatx Film - aunque yo también he visto que era Lopert Pictures Corporation. 

Una película para un Dean Martín que iniciaba su decadencia al igual que Kim Novak que llevaba dos años fuera de los circuitos cinematográficos. Junto ellos Ray Walston, Felicia Farr, Barbara Farr, Cliff Osmond y Tommy Nolan protagonistas todos de esta comedia que se mueven entre lo musical y lo romántico con canciones de George and Ira Gershwin y música de André Previn en la que está presente Alexander Trauner y como productores asociados IAL Diamond y Doane Harrison . 

La película comienza con un espectáculo de Dean Martin como el lujurioso y bebedor Dino en el Casino Las Vegas concretamente en el casino Sand, a place in the sun,  y está terminando su temporada habitual, se dirige en su coche, un Dual-Ghia, a Los Ángeles para hacer una película junto al Rat Pack. Sin embargo al estar en la carretera cortada tiene que dar una vuelta y pasa por la población de climax, una población en mitad de la nada, en la que viven dos compositores que viven llegar a Dino ( Dean Martín) un corona que es su oportunidad para sacarlos del anonimato ya que ven en este cantante de Las Vegas una oportunidad única para salir de su pueblo. 

En Climax, Nevada, vive Orville J. Spooner Rray Walston) , un hombre casado muy posesivo que desconfía sistemáticamente de su mujer Zelda ( Felicia Farr) . Él y Barney Millsap (Cliff Osmond ), el dueño de la gasolinera local, componen canciones soñando con vender una algún día y llegar a la fama.

Cuando Dino, un afamado cantante adicto al sexo que va camino de Hollywood, para a repostar en la gasolinera de Barney, éste llama a Orville y ambos intentan persuadir a Dino de que se interese por alguna de sus canciones. Al no tener éxito, Barney provoca una avería en el coche deportivo "italiano" de Dino para que se vea obligado a pasar la noche en el pueblo y así ganar tiempo.

Dino acepta a regañadientes pernoctar en la casa de Orville y pregunta si hay algún lugar en el pueblo donde pueda satisfacer sus necesidades sexuales ya que la abstinencia le produce dolor de cabeza, a lo cual Barney le recomienda visitar el prostíbulo de la zona: el Belly Button.

Mientras Orville acomoda a Dino empieza a darse cuenta de que el cantante se interesa por su mujer aunque aún no la ha visto. 

Más tarde, mientras Dino se echa una siesta, Zelda llega y le cuenta que vio pasar a Dino por la avenida central y que ella era fan suya en su juventud.

Orville tiene un ataque de celos y le dice a Barney que eche a Dino, que no quiere saber nada del plan, pero Barney le hace ver que el interés de Dino por su esposa puede ayudarles a cerrar la transacción. Aun así, Orville se niega a entregar a su esposa a cambio del contrato musical por lo que Barney le propone sacar a su esposa de la casa y traer a una prostituta del Belly Button para que se haga pasar por Zelda y tenga sexo con Dino.

Esto ya le parece mejor a Orville pero al no contemplar por ningún momento la posibilidad de contarle a su esposa lo que está pasando necesita una excusa para que se vaya de casa. 

Barney le propone provocar una discusión con ella y pegarle para que así ella huya a casa de sus padres, al día siguiente simplemente tiene que decirle que lo siente y que no volverá a pasar y ya está.

Con este plan en mente Orville vuelve a su casa pero Zelda, que es de naturaleza comprensiva y amable, no entra al trapo de las provocaciones de Orville. Sin embargo, finalmente Orville consigue elevar el nivel de tensión hasta hacer llorar a Zelda y echarla de su casa. 

Ya con el camino libre Barney vuelve del Belly Button con Polly la bomba, una prostituta independiente y fuerte que en el fondo quiere ser una esposa y ama de casa dedicada a hacer feliz a su marido. Barney le promete 25 $ a cambio de que se acueste con el extraño que encontrará en la casa de Orville.

Al llegar la cena, Orville presenta a Polly a Dino como si fuera Zelda. Dino elogia el cuerpo de Polly y busca excusas para tocarlo ante la complicidad de Orville que insinúa constantemente que la hospitalidad del lugar incluye ofrecer a la esposa para el desahogo sexual del invitado. Sin embargo a Polly no le gusta Dino e intenta infructuosamente que no se propase, pero Dino no admite un no por respuesta.

Mientras tanto Zelda esta en casa de sus padres donde su madre ejerce el rol de mujer amargada y dominante que trata sin respeto a su esposo y reprende a su hija por no haber elegido un marido mejor. Finalmente, Zelda decide volver con Orville y arreglar las cosas.

Al llegar a la casa ve a Barney en el exterior observando a través de la ventana. Ella se pone a su lado y contempla como en el interior Orville y Polly bailan y tocan el piano en un ambiente sexualmente desinhibido. Ante la estupefacción y dolor de Zelda, Barney prefiere no explicarle nada y simplemente forzarla a que se vuelva a ir.

En la casa, parece que Dino ya está dispuesto a comprar alguna de las canciones que ha oído durante la velada con tal de que Orville se ausente dejándolo solo con Polly. Siendo así, Orville abandona la casa pero cuando ya casi ha cruzado la calle vuelve a experimentar sentimientos de posesión y, aunque Polly realmente no es su mujer, decide actuar como si lo fuera, regresa y echa a Dino justo cuando estaban acostándose. Tras esto Orville continúa con su fantasía y tiene sexo con Polly fingiendo que es su esposa.

Paralelamente Zelda ha ido al Belly Button a emborracharse y cuando no puede más es llevada por las camareras del local al remolque de Polly para que duerma la mona allí. Poco después llega Dino al Belly Button dispuesto a que el incidente en casa de Orville no impida que termine el día sin conseguir lo que quiere, pero todas las prostitutas que ve no le satisfacen al no ajustarse a los cánones de belleza. Decidido a no rendirse, pregunta al camarero por la mejor mujer del lugar que puede usar para sus deseos. El camarero le recomienda a Polly pero al no verla en el local piensa que es su día libre. Sin embargo, anima a Dino a que no respete su día de descanso y se presente directamente en su remolque.

Dino va al remolque y al ver a Zelda presupone que es Polly. Zelda, al escuchar a Dino contar lo sucedido en casa de Orville, empieza a intuir lo que pasaba y decide llevar a cabo el plan original: persuadir con sexo a Dino para que compre la canción.

Al día siguiente, habiéndose ido ya Dino, Zelda se despierta y recoge el dinero cobrado por prostituirse. Acto seguido, Polly regresa al Belly Button y al entrar en el remolque se encuentra con Zelda, llegando a la conclusión de que ambas han intercambiado vidas por un día: Zelda ha sido la prostituta y Polly la esposa. Tras esto, Zelda le entrega a Polly el dinero que le pagó Dino por acostarse con ella y Polly le devuelve el anillo de compromiso que Orville le había prestado.

Pasado un tiempo, Zelda se cita a Orville para firmar el divorcio en el despacho de abogados que hay justo encima de una tienda de televisores. Entonces Orville le pide que lo perdone, que no volverá a pasar. De repente empieza a oír su canción en los televisores de la tienda y se da cuenta de que es Dino en un show. Finalmente lo consiguió, les compraron la canción y la gente se acerca para pedirle autógrafos como siempre deseó.

Zelda y Orville prometen no contarse nada y finalmente Zelda le dice a Orville: “Bésame tonto", acabando así la película.

Parece ser que Billy Wilder inicialmente le ofreció el papel de Orville Spooner a Jack Lemmon (el esposo de Farr en la vida real), a quien había dirigido en Con faldas y a lo loco, El apartamento e Irma la dulce, pero compromisos previos obligaron al actor a rechazarlo. 

El director entonces contrató a Peter Sellers para el papel, pero seis semanas después de comenzar el rodaje, Sellers sufrió una serie  ataques cardíacos y fue hospitalizado en el Hospital Cedars of Lebanon. Tras su alta, el actor regresó a Inglaterra por orden médica. No dispuesto a esperar mientras Sellers completaba un período de recuperación de seis meses, Wilder optó por reemplazarlo y volver a filmar todas sus escenas. El elegido al final sería el siempre secundario pero convincente comediante Ray Walston.

El papel de Polly the Pistol fue escrito con Marilyn Monroe en mente. Pero tras su fallecimiento en agosto de 1962, el rodaje se pospuso mientras se buscaba un nuevo actor para el papel. Más tarde se informó que Jayne Mansfield asumiría el papel, pero tuvo que retirarse del proyecto debido a su embarazo con la futura actriz Mariska Hargitay. Algún tiempo después, se decidió que Kim Novak interpretaría el papel, saliendo de una ausencia de dos años de la actuación para aparecer en la película. 

Wilder se acercó a su amigo Ira Gershwin y le preguntó si le gustaría colaborar en las canciones escritas por Barney y Orville. Gershwin le sugirió que escribiera letras para música inédita de su difunto hermano George, y como resultado, tres nuevas canciones de los Gershwin: "Sophia", "I'm a Poached Egg" y "All the Livelong Day", debutaron en la película. 

La película se rodó en Twentynine Palms, California. La secuencia de apertura se filmó en el Sands Hotel de Las Vegas, utilizando una parte del espectáculo real de Dean Martin y la marquesina del hotel de su aparición allí. Algunas escenas de interiores se filmaron en el club nocturno Moulin Rouge en Los Ángeles. El coche que conducía Dean Martin era el suyo propio.

Una vez estrenada la película generó ciertas molestias. La Legión Católica de la Decencia se opuso firmemente a la película terminada. Wilder estaba dispuesto a suavizar la sugerencia de que Zelda había cometido adulterio con Dino, pero se negó a cumplir con otras demandas, y la película fue condenada, la primera película estadounidense en ser designada así desde Baby Doll en 1956. Como resultado directo de la clasificación, United Artists decidió estrenar la película bajo el estandarte de Lopert Pictures, una subsidiaria utilizada anteriormente para películas importadas.

En 2002, se mostró una copia en varias ciudades de EE. UU. que contenía la escena de seducción filmada originalmente en el tráiler de Polly (vista en una exhibición europea), en lugar del reemplazo más suave que Wilder había proporcionado con la esperanza de satisfacer a la Legión Católica de la Decencia.

Wilder rara vez mencionó la película en entrevistas posteriores, aunque la discutió brevemente para On Sunset Boulevard: The Life and Times of Billy Wilder, una biografía de Ed Sikov. "No sé por qué la película sorprendió a la gente. Es la película más burguesa que existe", declaró. "Un hombre quiere una carrera y la persona que quiere ayudarlo quiere acostarse con su esposa. Reemplaza a su esposa por otra, pero cuando está más cerca del éxito, lo rechaza y echa al tipo... El público lo aceptó mejor en The Apartment porque estaba mejor concebido, mejor escrito, mejor lubricado".

Wilder también habló de Kiss Me, Stupid en el libro de 1998 del director Cameron Crowe Conversations With Wilder, citando su admiración por Dean Martin, diciendo que "había mucho más, un 90 por ciento más, en él que simplemente el bromista. Soy fan de Dean Martin. Pensé que era el hombre más gracioso de Hollywood". El uso en la película de una versión poco favorecedora de Dean Martin ("Dino") fue un precursor de la tendencia actual de las celebridades que hacen parodias cómicas de sí mismos en el cine. 

El azar y las infidelidades se mezclan en esta desinhibida comedia de enredo, una de las más conocida de su realizador, que ganó 5 millones de dólares en taquuilla, que contó para ello con la fotografía de Joseph La Shelle, Robert Luthardt como director artístico y Edward G. Boyle como responsable de la decoración del set. En la edición El responsable fue Daniel Mandell y Robert Martín del sonido. 

La película fue todo un ataque a las buenas costumbres en las que el puritanismo dominante en aquellos actores de la sociedad norteamericana  ante la difusión de la película. 

Resultado de todo ello fue que, al igual que The Carpetbaggers del mismo año, la crítica consideró que la película era vulgar y se convirtió en uno de los blancos de las denuncias sobre el impacto negativo de las películas en la sociedad. Bosley Crowther culpó a ambas películas de dar a las películas estadounidenses la reputación de "corrompedoras deliberadas y degeneradas del gusto y la moral del público". 

A. H. Weiler, del New York Times, calificó la película de "lastimosamente poco divertida" y "obvia, pesada, escasa en risas e interpretaciones y rica en vulgaridad". Añadió: "La delicadeza, la velocidad, el arte y la imaginación de... Some Like It Hot están lamentablemente ausentes en este ejercicio mordaz. En cambio, tenemos una vulgaridad que no escandalizará a un adulto. Sin embargo, esta fábula sexual de mano dura sí requiere un enfoque ligero y sutil que rara vez es evidente".

La crítica publicada en Time calificó la película como "una broma que parece haber sacado su humor negro azulado del suelo de un club nocturno de mala muerte" y "profesionalmente astuta y vivaz [con] una especie de integridad vulgar". Concluyó: "El resultado, explicado en un diálogo que suena como una serie de frases ingeniosas, es una de las historias de vendedores ambulantes más largas jamás llevadas al cine. Como todos los chistes verdes, probablemente evocará una onda expansiva de risas tímidas y pasará rápidamente al olvido".

Variety destacó que el guion "requiere un generoso condimento de Noël Coward pero, desafortunadamente, proporciona una pizca del mismo solo de vez en cuando... Wilder, generalmente un director de considerable talento e inventiva (aunque no siempre de un gusto impecable), no ha sido capaz esta vez de elevarse por encima de un guión básicamente vulgar, así como creativamente delincuente, y en el mejor de los casos solo ha recibido ayuda lenta de dos de sus directores, Dean Martin y Kim Novak... [Él] ha dirigido con un ataque frontal en lugar de una delicadeza sugerente".

Michael Scheinfeld de TV Guide calificó la película con 3½ de cuatro estrellas, calificándola de "una película de gran calidad". "una especie de prueba de fuego cinematográfica que separa al fan casual de Billy Wilder del verdadero conocedor" y "un monumento de mal gusto satírico que... en retrospectiva, ahora se considera una de las películas más fascinantemente originales de Wilder". Añadió: "En medio del furor [original], es fácil pasar por alto los logros cómicos de la película, que son considerables. Su juego de palabras idiomático y su sátira social son clásicos de Wilder, y la secuencia inicial donde Dino actúa en un club nocturno es una de las cosas más divertidas que Wilder ha hecho nunca. Salpicado de malos chistes y referencias al Rat Pack, el ritmo cómico y la entrega de Dean Martin son impecables... El resto del reparto es igualmente magnífico, hasta en el más mínimo papel secundario... Aunque el implacable acoso de Ray Walston se vuelve un poco excesivo". 

En 2002, J. Hoberman de The Village Voice habló sobre la película cuando Film Forum en Manhattan presentó una copia restaurada. Observó: "La primera mitad es un desfile interminable de gags obscenos y frases de un solo sentido, con algunos chistes de escusado incluidos por si acaso. El tumulto constante en el pequeño bungalow de los Spooner delata los orígenes teatrales de la película y, de hecho, Climax en sí es un escenario apropiadamente desolado. Kiss Me, Stupid es probablemente la visión más dura de Wilder del paisaje estadounidense desde el frenesí orquestado de alimentación mediática de Ace in the Hole... La atmósfera rancia oculta las virtudes de la estructura clásica de la película, la puesta en escena detallada y el hábil ritmo cómico... "El adulterio mutuamente redentor de Kiss Me, Stupid se acerca más al mundo adulto de Faces de John Cassavetes que a la adolescente Seven Year Itch de Wilder, pero en última instancia es una película más conscientemente tolerante, por no decir más divertida, que cualquiera de las dos". 

Para Geoff Andrew de Time Out la película es "Cínica, astuta y atrevida, le ayudan enormemente las interpretaciones de Martin, Farr y (en particular) Novak"

Ya en España, Miguel Ángel Palomo en El País se trata de una "Una mordaz mirada al mito del sueño americano en la que el maestro Wilder ofrece una vez más una clase magistral acerca de cómo crear una comedia." 

Por mi parte, señalar que no había visto nunca esta película, posiblemente por haber sido prohibida en España por la censura, y porque no alcanzó el nivel de éxito de algunas de sus obras maestras de Wilder como Con faldas y a lo loco - Some Like It Hot- o El apartamento -The Apartment- por todo ello no ha sido muchas veces emitidas, puede que por su temática o por la controversia que levantó en su tiempo debido a su contenido provocador y su enfoque poco convencional sobre las relaciones, el deseo y la moralidad, aunque como señaló el director estamos ante una película tremendamente burguesa y capitalista. 

Con un gran y sólido Dean Martin que se autoparodia y se ríe abiertamente de si mismo y su imagen de galán y crooner italoamericano , con una Novak que interpreta a una mujer sensible, emotiva, pero vulnerable y la sentida interpretación del tercero en discordia, Ray Walston, así como la brillante aportación tanto de la bella Felicia Farr como del hombretón cara dura de Cliff Osmond. 

La película aborda temas como el matrimonio, los celos, la infidelidad y el deseo, pero lo hace desde un enfoque cínico que fue muy adelantado a su tiempo. Wilder utiliza el humor negro para cuestionar la idealización de las relaciones monógamas y los roles de género tradicionales. Sin embargo, el tono descarado, el humor corrosivo, casi ácido, el tono empleado por el irreverente director en equilibrio entre la comedia y el drama , y el contenido sugestivo fueron polémicos, especialmente en un período donde los valores conservadores seguían siendo dominantes en Hollywood.

Búfalo blanco

En el verano de 2015 estuve en Wyoming buscando el oeste y , por supuesto, lo encontré. Uno de aquellos lugares que tenía marcados para sentirme en un espacio de lo que se considera singular por su espectacularidad en esta América salvaje y que no podía perderme en el era el primer parque nacional declarado del mundo: Yellowstone.

La visita a Yellostone fue inolvidable. Cubrió todas mis expectativas. Con la excepción de Grizzlies, encontramos de todo, fue un milagro no cruzarse con uno cuando caminábamos hacia nuestra cabaña en el interior de los que era el Shoshone National Forest - ya en Montana-. Sin embargo, nos cruzamos con todos tipo de aves, entre ellas, el águila pescadora de cabeza blanca - símbolo de los Estados Unidos-, con gigantescos wapitis , o con osos negros. Sin embargo, el animal estrella del parque es el bisonte que ocupa las amplias llanuras que aparecen en esta gigantesca caldera volcánica.

El bisonte o búfalo pelaje de color marrón oscuro aparecía en inmensas manadas . Este animal y era un "Dador de vida", pues todo de este ser era utilizado. Los usos incluían alimentación, abrigo, indumentaria religiosa, combustible (se secaban las deyecciones al sol) y materiales de construcción. Era un animal venerado por muchas de las tribus nativas de Norteamérica y en concreto el bisonte albino o búfalo blanco era para ellos una deidad sobre todo entre las tribus sioux / lakota, cuyos líderes espirituales recomendaban respetarlos, venerarlos y admirarlos de acuerdo con la leyenda de " Mujer Búfalo", de Dakota del Sur y con la antigua leyenda india, según la cual este animal mágico les entregó a las tribus sioux la pipa sagrada, la cual se le atribuían poderes que daban fuerza y espíritu de supervivencia.

El búfalo blanco es un animal sagrado y mágico para los indios . Según cuenta la mitología de los indios “Ojo de Águila era un intrépido niño piel roja que quería ser mayor para poder cazar, pero esta actividad estaba encomendada a los mayores de edad, entrenados por un cazador con experiencia durante más de seis lunas. El ayudaba a su madre y sus hermanos curtiendo las pieles o salando la carne para su conservación. Pero también sabía distinguir las diferentes huellas de animales, las voces de apareamiento y fue entrenado en el uso del arco. 

Pese a esto, los cazadores se negaron a que el muchacho los acompañara y Ojo de Águila decidió seguir una mañana al grupo de cazadores de incógnito y con total sigilo, llevando alimentos, agua, abrigo y una afilada vara de arce como arma. Al caer la tarde, el grupo de cazadores llegó a las colinas para dar caza a los ciervos y prepararon una gran hoguera para soportar el frío y cocinar sus alimentos. 

Ojo de Águila había olvidado llevar la yesca y el pedernal para poder prender el fuego, por lo que estaba muerto de frío y hambre. Quería ir al campamento pero el miedo a ser castigado por su desobediencia le hacía dudar. 

De repente, oyó rugir a un puma así que decidió salir corriendo hacia el campamento de los cazadores que lo descubrieron. Éstos se enfadaron por la desobediencia, dándole una tremenda paliza y riéndose del niño asustado. Al día siguiente, el jefe del grupo le ordenó que se quedara a cuidar el campamento mientras ellos cazaban. 

El muchacho se quedó de mala gana y pasados unos minutos el joven abandonó el campamento. Comenzó a caminar y se desató una tormenta de nieve que trajo una densa niebla. Perdió el rumbo. Cuando esta cesó y sin saber dónde estaba, vio la silueta de un gran búfalo blanco. El miedo se apoderó de él, pero armado de valor se acercó con cautela y la bestia le encaminó hacia su campamento. 

Una vez puesto a salvo, el búfalo desapareció entre la niebla. Cuando llegó Ojo de Águila les narró su aventura pero no le tomaron en serio. 

Tras eso llegaron noticias de hombres blancos que montaban a caballo e iban armados estaba matando y destrozando a las culturas indígenas. Ante las noticias, un frío invierno, el abuelo de Ojo de Águila y su familia huyeron urgentemente sin rumbo, pero también sin víveres. Después de buscar y no encontrar ninguna presa, el jefe de la partida, el abuelo de Ojo de Águila decidió salir a cazar, aunque se perdió de regreso al grupo. 

Cansado y sin esperanza, penando en una muerte segura, se topó con un gran Búfalo Blanco, que le señaló el camino de regreso donde lo esperaba su familia. El jefe afirmó que Ojo de Águila sería el día de mañana uno de sus chamanes o un gran jefe." Aquí está la leyenda.

Pues bien otro leyenda vinculada con este The White Buffalo nos es narrada en esta película que se conoce como El Desafio del búfalo blanco un western crepuscular y fantástico con tintes espirituales, lo que se conoce también como el extraño oeste o su nombre en inglés "weird-western" o un subgénero literario - los weird western tales- que ha se expresión en muchas películas, cómics y series de televisión.

La película se basa en una novela de Richard Sale titulada "The White Buffalo" publicada por primera vez en 1975 y con guión del mismo Sale, que trata de un gigantesco búfalo blanco siembra el terror, la muerte y la destrucción en las colinas negras de Dakota. Para en la película el Búfalo blanco simboliza el miedo, las pesadillas al que , al final, no tiene más remedio que enfrentarse cara a cara para seguir viviendo con dignidad. La película que lleva por título El desafío del búfalo blanco y es del año 1977 fue dirigida por el británico J. Lee Thompson siendo una producción de Dino De Laurentiis por medio de su productora Dino De Laurentiis Company y contando con la distribución de la United Artists.

La película contó con la banda sonora - magnífica- de John Barry, la fotografía de Paul Lohmann y el montaje de Michael F. Anderson. La película contó con la presencia de Charles Bronson como James Otis / Wild Bill Hickok, Will Sampson como Gusano / Worm / Caballo Loco (Crazy Horse), Jack Warden como el viejo Charlie Zane, Slim Pickens como Abel Pinckney, Kim Novak como Poker Jenny Schermerhorn, Clint Walker como Kileen Jack, Stuart Whitman como Winifred Coxy y John Carradine como Amos Briggs.

La película comienza en 1974 cuando un hombre que va en el coche cama de un tren y llamado James Otis -en realidad Wild Bill Hickok (Charles Bronson)- , que se ve perturbado por un sueños que parece recurrente con la aparición de un un búfalo blanco gigante que destroza todo a su paso. James Otis se despierta del sueño disparando de manera irracional sobre la cama superior alterando al resto de pasajeros, aunque a la mañana siguiente se lo comenta a Amos Bixby , el interventor del tren -Douglas V. Fowley-.

Esa misma noche en un campamento lleno de tipis se presenta un búfalo blanco que lo asola y en su recorrido mata entre otros a una niña que resulta ser la hija de un importante guerrero sioux que tras el incidente pierde su nombre para ser llamado Gusano (en realidad, Caballo Loco) (Will Sampson), que promete ante los dos demás matar al salvaje animal. James vemos que está obsesionado con sus sueños con ese búfalo blanco gigante.

Tanto, que recorre el territorio de Dakota para encontrar a la bestia en las Black Hills , territorio en el que se nos informa que una expedición encabezada por el general Custer acaba de encontrar oro, lo que atrae e miles de busca vidas y mineros.

En el camino, Hickok encontrará grandes dificultades pues su leyenda como pistolero le ha granjeado muchos enemigos. Bill el Salvaje sabe que hay cierto resentimiento contra él por parte de gente del ejército , por cazadores de bisontes y por otros pistoleros como apreciamos en su desplazamiento por las ciudades y , especialmente en Cheyenne donde aparece una montaña osea de los restos de miles de bisontes sacrificados.

Tal y como le dice el sheriff de Cheyenne Pete Holt (Clifford A. Pellow), Wild Bill Hickok tiene muchos enemigos. Así lo  vemos en una emboscada preparada por grupo un grupo de soldados encabezados por Tom Custer (Ed Lauter), un hombre que viaja con él en una diligencia que intenta apuñalarle como es Winifred Coxy (Stuart Whitman) o la alcohólica prostituta Cassie Ollinger (Cara Williams) que se le llega a encarar y que , finalmente, aparece muerta dentro de la diligencia que lleva Abel Pickney (Slim Pickens) que le hace entrega a ese enterrador que es Amos Briggs (John Carradine como el padre de los Carradine).

Tras llegar a una localidad indeterminada de ese territorio cercano a las Black Hills -¿Deadwood? se instala en una pensión regentada por un vieja amiga Poker Jenny Schermerhorn (Kim Novak), ahora viuda, con la que tuvo una vieja historia de amor. Pero ahora  James Otis , ahora ya un reconocible Wild Bill Hickok está plenamente obsesionado con el bisonte y recibe información de que por allí se encuentra con un viejo camarada de caza y que odia a muerte a los indios .

Se trata de Charlie Zane (Jack Warden) que le comenta que çel también ha visto y sentido el poder del búfalo blanco en forma de enorme desplazamiento de tierras en unas montañas cercanas.

Tras superar un nuevo incidente ahora protagonizado por un pistolero Jack Kileen (Clint Walker) en un local de juego regentado por el irlandés Tim Brady (Shay Duffin) sale con dirección a las montañas junto a Charlie Zane. Wild Bill Hickok (Charles Bronson), el legendario explorador, aventurero, jugador y pistolero, que quiere darle caza para poner fin a sus pesadillas, aunque ello le cueste la muerte, mientras que Zane (Jack Warden), un viejo colono que por su parte, sólo busca el beneficio económico que le reportaría la venta de la piel de animal.

En la montaña se encuentra con el indio llamado Gusano que también va en la búsqueda de un búfalo blanco gigante, que ha matado a su hija. Charlie Zane (Jack Warden), que busca al gran búfalo blanco para matarlo por su valiosa piel, propone matar al indio , pero Will Bill decide no hacerlo viendo la valentía con la que se defiende de un ataque de indios de otras tribu.

Tras ayudar Will Bill al jefe sioux “Caballo loco” (Will Sampson) se entera de que la intención de éste de acabar con el animal es porque el alma de su hija, víctima del animal, sólo hallará la paz cuando su cadáver sea cubierto con la piel del búfalo . Caballo loco le devuelve a favor matando con sus flechas al  pistolero Jack Kileen.

Hickok y Crazy Horse se unen para matar al esquivo búfalo. Tras ver como el animal ataca primero al caballo de Wild Bill, aunan sus esfuerzos a pesar de que Charlie Zane no quiere tal colaboración. Finalmente, el animal sale a su encuentro, pero el trabajo conjunto tendrá éxito y , finalmente, dos de ellos consiguen sus objetivos, muy a pesar de Charlie Zane, que protesta y se enfrenta su viejo amigo. Tras despedirse del indio a sabiendas de que posiblemente nunca más se vuelvan a encontrar, la película acabará con el entierro entre la piel del animal de la hija del jefe sioux “Caballo loco”.

La película se estrenó el 6 de mayo de 1977 en los Estados Unidos, mientras que en España tendrá que pasar casi un año para ello estrenándose en salas el 28 abril 1978 con el título de El desafío del búfalo blanco.

La película se rodó en diversos espacios de Estados Unidos como en Chama (Nuevo México); el Bosque de Pike / San Isabel; en Bronson Canyon, Buckskin Joe Frontier en Canon City; Red Canyon Park; Cripple Creek y Sangre de Cristo, todas ellas en el Estado de Colorado; así como en el Parque Griffith en Los Ángeles en California.

Para las escenas de búfalos, el productor Laurentiis contrató a Carlo Rambaldi para diseñar un bisonte de tamaño normal que se deslizaría por las vías. Esto se basó en su trabajo a mayor escala sobre su anterior colaboración en la película King Kong (1976) de Guillermin.

Esta película fue producida por Dino De Laurentiis que buscaba conseguir algo similar a lo logrado por Spielberg con su Tiburón (1975) y que revitalizará el cine de bestias salvajes como King Kong (1976), Orca, la ballena asesina (1977) y El desafío del búfalo blanco (1977). El argumento de esta película se ha comparado al Moby Dick de Herman Melville .

La película está dirigida por un interesante director como J. Lee Thompson , quien trabajaba por segunda vez con el actor Charles Bronson, aunque para éste fue la última película que el actor hizo para la United Artists.

Hubo un momento en que Charles Bronson dutante los años 70. participó en muchos westerns como Caballos salvajes (1973), Sol rojo (1971), Chato el Apache (1972), Sucedió entre las dos y las tres (1976), Nevada Express (1975) y El desafío del búfalo blanco . Fue el último de sus western. Charles Bronson, en la película Wild Bill Hickok vemos que a menudo usa gafas oscuras. Hay una base real para esta caracterización. En 1876, Hickok fue diagnosticado por un médico en Kansas City, Missouri, con glaucoma y "oftalmia". En realidad, probablemente estaba afligido con tracoma , un trastorno de visión común de la época.La película también muestra correctamente la forma en que Wild Bill llevaba sus revólveres, encajados en su cinturón o faja sin ningún tipo de funda. Por cierto, Charles Bronson tenía unos cincuenta y cinco años de edad cuando apareció en esta película, un año más que el viejo que le acompaña, Jack Warden.

La película contó con actuaciones muy cortas por parte de importantes actores y actrices. Entre ellas Kim Novak que, en principio, se había retirado del cine con apenas 32 años para casarse. Luego se divorció y regresó con películas consideradas menores como este “El desafío del búfalo blanco” ganado por ello la cifra de $ 50,000 por sólo 3 días de trabajo..

El film combina una gran fotografía de parajes nevados y bosques fríos junto a desiertos áridos y rocosos, todo ello condimentado por la excelente banda sonora de John Barry , una excelente puesta en escena junto al magnífico plantel de actores secundarios que lo conforman, entre ellos Stuart Whitman como "Winifred Coxy", Slim Pickens como "Abel Pinckney", la ya citada y siempre impresionante Kim Novak como "Pokey Jenny", Clint Walker como "Kileen Jack, John Carradine como "Amos Briggs" y especialmente Ed Lauter, el inmenso secundario fallecido el 16 de Octubre de 2013, conocido por sus papeles secundarios en numerosas series televisivas de los años ochenta.

La película es un western mestizo con historias de indios, a veces con un tono cercano a Leone  , con base en la realidad histórica de algunos de estos personajes como Wild Bill Hickok o lo criminal que fue la extinción de los bisontes, con esa escena memorable en la estación.

El tono general de la película es aceptable, y  auque haya elementos que a día de hoy nos pueden parecer ridículos dados los medios técnicos y digitales actuales lo ciero es que animatrónic es poco convincente. De cualquier manera el conjunto de la película es bueno e interesante, realizado  desde la eficacia y la profesionalidad.

Cada uno de los tres protagonistas principales de la historia  representa una diferente razón personal: Willd Bill la obsesión, Caballo loco la venganza, y Zane la codicia.

De esta película se dice que se asemeja aunque de forma lejana, a la novela Moby Dick, donde el protagonista obsesivo y enloquecido busca matar a un terrible y poderoso ser.

Como western, el film tiene un aire crepuscular, como el que el mundo en el que viven los protagonistas que, poco a poco, se está  extinguiendo ante una modernidad irrefrenable.

La ambientación soberbia, con todos esos paisajes desérticos, solitarios y bosques y montes nevados, dan la sensación de ser lugares casi mágicos, donde todo parece posible, y donde deambulan criaturas fantásticas como el mencionado búfalo.

Dirigido por J. Lee Thompson, El desafío del Búfalo Blanco, es un film que vi de pequeño y que desde luego me quedó grabado en la memoria por su carácter crepuscular y sus brillantes escenas de acción. Eso sí, narrativamente me ha parecido deslavazada. Si te gustan los western de los setenta, esta puede ser tu película.

Vértigo

El vértigo es una sensación ilusoria o alucinatoria de movimiento de los objetos que nos rodean o de nuestro propio cuerpo, por lo común, una sensación de giro. Durante el vértigo la persona experimenta una sensación vívida y aparentemente real de movimiento. Afortunadamente Alfred Hitchcock muy inteligentemente optó por transmitir ese vértigo en Vértigo  aquí en España vendida con el subtítulo de De entre los muertos, una de las película más representativas de ese mago del suspense que fue Hitch.

Vértigo corresponde con una de sus películas de esa larga y fructífera etapa  estadounidense en la que se combina el suspense psicológico - que tanto gustaba al director londinense- como del cine negro. y que fue estrenada en 1958. 

Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts (Sudores fríos: de entre los muertos) escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac. El libro como la película habla de la obsesión, la parálisis psicológica y física, y la frágil naturaleza del amor magistralmente dirigida por Alfred Hitchcock. Se trató de una producción de Paramount Pictures y de la misma Alfred J. Hitchcock Productions. La distribución fue para la Paramount Pictures yla Universal Pictures . Ka película contó con un presupuesto de casi tres millones de dólares, en concreto, $2.479.000  y que seguirá el guión de Alec Coppel y Samuel A. Taylor basada en la ya citada D'entre les morts de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.

La película contará con una magnífica banda sonora construida por Bernard Herrmann , así como con el sonido de George Dutton.

En otros aspectos del área técnica encontramos que el maquillaje correspondió con Wally Westmore, la fotografía a Robert Burks, el montaje de George Tomasini y el vestuario de Edith Head. Un aspecto particularmente importante en la película fueron los efectos especiales que estuvieron en manos de Farciot Edouart,  John P. Fulton y W. Wallace Kelley. La segunda unidad de cámara dirigida - aunque sin acreditar- Irmin Roberts inventó el famoso "alejamiento y acercamiento de de cámara" lo que ahora ae llama "contra-zoom" o "tiro trombón" para transmitir la sensación de vértigo a la audiencia. La vista por la escalera de la misión costó 19.000 dólares por sólo un par de segundos de tiempo en la pantalla.

Los interpretes y protagonistas de la película son James Stewart como el detective John 'Scottie' Ferguson, Kim Novak como Madeleine Elster / Judy Barton , Tom Helmore como Gavin Elster,  Henry Jones como el juez de instrucción , Raymond Bailey como el médico de Scottie , Ellen Corby como la encargada del hotel McKittrick , Konstantin Shayne como Pop Leibel y Lee Patrick como el dueño del coche perdido por Madeleine.  Además de Barbara Bel Geddes como Midge Wood.

La película arranca con unos maravillosos títulos de crédito —siendo la primera colaboración con el gran Saul Bass— y tras los mismos vemos a John “Scottie” Ferguson,  por encima de los tejados de la ciudad de San Francisco en plena persecución policial.

El criminal en su huída provoca un salto incierto sobre el vacío de Scottie que queda colgando del borde de un canalón y desde ese momento el espectador es testigo de que sufre una extraña enfermedad: acrofobia, ya que Scottie tiene miedo a las alturas. Cuando va a recibir la ayuda de un compañero éste cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente.

Tiempo después vemos al ya exdetective de la policía de San Francisco Scottie Ferguson que ha aceptado en retirarse del servicio tras la muerte de su compañero y aparece charlando amistosamente con su antigua novia la artista y diseñadora Midge Wood (Barbara Bel Geddes) tanto sobre su prematura jubilación como los efectos de su enfermedad. De hecho hacen una breve comprobación subiéndose Scottie a un taburete, pero está a punto de caer del mismo.

Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de estudios y le contrata para vigilar discretamente a su esposa Madeleine. Scottie Ferguson acaba aceptando el encargo de un viejo amigo al que hace tiempo no ve.  Se trata de Gavin Elster, un multimillonario que ha casado bien y que es propietario de una armadora.

Tras entrevistarse con él acuerdan que ha de vigilar a Madeleine Elster  (Kim Novak), la esposa de aquél, que se comporta de forma extraña, como poseída por el espíritu de una antepasada, su bisabuela, Carlota Valdés, que se suicidó. Su bella mujer sufre de melancolía y parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes.

A regañadientes, Scottie acepta. Acuerdan verse en un bar y en el mismo tiene lugar su primer encuentro con Madeleine en un restaurante. Scottie queda completamente fascinado por ella y ya no se la quitará de la cabeza.

Su marido, preocupado por su salud mental, le pide al ex policía John Ferguson que la siga y lo informe de sus movimientos.

Ferguson constata lo que Gavin Elster teme. Madeleine está dominada por el recuerdo de Carlota, a quien no conoció. Va a visitar su tumba al cementerio, su retrato al museo, y va al  hotel McKittrick e el que la encargada (Ellen Corby) le informa que aquella fue su casa. Scott la sigue y observa por distintos lugares de la ciudad mientras empieza a investigar la trágica historia de Carlota. Junto con su amiga Midge Wood van a ver a un historiador que confirma la triste historia de Carlota y de cómo fue madre, le quitaron a su hija y como , finalmente, se suicido a los 26 años.  Parece una historia de ultratumba o espiritistas.

Madeleine tiene esa edad y hace un intento de suicidarse junto al Golden Gate , en el parque de lo rodea, pero Ferguson se tira al agua de la bahía y la salva.

A partir de esa circunstancia se enamoran. Pero la compulsión de Madeleine por imitar a su bisabuela puede más y finalmente van un día a una de las misiones cercanas a San Francisco y se mata, al arrojarse desde lo alto del campanario de una iglesia, sin que Ferguson, por su acrofobia, pueda salvarla.

Aunque intenta impedir un intento de suicidio, finalmente no puede evitar que Madeleine se arroje desde la torre de un campanario y muera. Descubre que estaba realmente enamorado de Madeleine y cae en un fuerte estado de shock.

Tras la muerte de Madeleine Elster (Kim Novak) , la esposa del millonario Gavin Elster y que parecía poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdez,  John Ferguson (James Stewart) es enjuiciado y declarado inocente.

Empieza ahora una segunda historia de necrofílía y fetichismo.  Un día mietras intenta retornar a su vida da con la doble de Madeleine Elster, la chica que conoció y amó John Ferguson, siendo ahora Judy Barton.

Aunque a Ferguson le cuesta trabajo creerlo Judy es una impostora. Se hacía pasar por Madeleine, en complicidad con Gavin Elster, para crear una coartada para que Gavin asesinara a la verdadera Madeleine. Toda la historia de Carlota fue un invento. Judy subió al campanario como Madeleine y allí la esperaba escondido Gavin Elster con el cadáver de su esposa, que arrojó desde el campanario con el cuello roto, sabiendo que Ferguson, debido a su acrofobia, no podría subir hasta allí para salvarla, y así corroboraría la historia del suicidio.

Ferguson, sintiéndose culpable por lo que no evitó, debe ser internado en un psiquiátrico víctima de una profunda depresión. Tiempo después  cuando sale a la cale se encuentra por casualidad con una chica, muy parecida a Madelaine. Se trata de Judy Barton, una mujer corriente y la asocia a Madeleine.

Entonces Ferguson entabla con ella una relación que se basa en obligarla a que adopte la personalidad de la difunta.  Decidido a recuperar su amor perdido, se hace amigo suyo y va intentando transformarla en su recuerdo, obligándola a vestirse e incluso moverse como ellaElla se resiste, pero en última instancia acepta seguirle el juego porque lo ama.

Pero cuando Ferguson se da cuenta de que Judy anteriormente se hizo pasar Madeleine (debido a un collar de Carlota Valdez que se pone una noche en la que van a salir , la lleva a la misión y la obliga a subir al campanario de la iglesia, donde anteriormente había simulado el suicidio.

En el campanario Madeleine, debido a la casual presencia de una monja de la misión se cae y mata. En su intento por salvarla Ferguson pierde la acrofobia, pero también pierde por segunda vez la mujer que ama, y probablemente no pueda recuperarse de ese golpe nunca más. Acabando así la película.

Rodada entre septiembre y diciembre de 1957, Vértigo destaca por las escenas del área de la bahía de San Francisco con sus famosas cuestas empinadas de la ciudad donde se rodaron parte de las escenas de acción. Se rodó en Fort Point, en el Puente Golden Gate, en la Misión San Juan Bautista, donde Madeleine cae desde la torre, En Ernie's Restaurant (en 847 Montgomery Street que era un restaurante real en North Beach (San Francisco), no muy lejos del apartamento de Scottie y que cerró en 1999.  También se rodó en el Parque Estatal Big Basin Redwoods. Igualmente  el elenco y el equipo se instalaron en los escenarios de Paramount Studios durante dos meses de filmación. El exterior del edificio utilizado para el edificio de apartamentos de Madeleine se encuentra en 1000 Mason St., al otro lado de la calle del Fairmont Hotel. El Empire Hotel es un lugar real, se llamaba York Hotel, y en enero de 2009 se renombró como Hotel Vertigo.  El apartamento de Scottie en San Francisco se encuentra en la conocida como la calle más tortuosa del mundo, en el número 900 de la Lombard Street. Aunque la puerta se ha repintado, la entrada es fácilmente reconocible a excepción de unos pocos cambios. El timbre y el buzón que utiliza Madeleine para entregar la nota a Scottie, son exactamente los mismos que en la película.Los planos exteriores del hotel McKittrick fueron filmados en la mansión Portman abandonada en 1007 Gough Street en San Francisco. Fue demolido en 1959.

Al igual que con la mayoría de Alfred Hitchcock películas, la filmación fue relativamente fácil. El director evitó sorpresas, prefiriendo tener todos los detalles planeados de antemano. El extenso storyboarding de la mayoría de las secuencias. 

En el estudio, Alfred Hitchcock estaba en su elemento y podría ejercer un control absoluto a pesar de que tuvo su cuota de desafíos creativos. Una secuencia muy llamativa es la escena del besos qentre Scottie y  Judy como Madeleine. Mientras la pareja se besa, el fondo gira lentamente, y perdemos el equilibrio al ver que el apartamento de Judy se convierte en otro espacio La cámara sigue lentamente hacia atrás, luego hacia delante; y con James Stewart y Kim Novak que gira sobre una plataforma circular. Estos movimientos simultáneos eran muy difíciles de coordinar, y salir sin que los actores se marearan. En esta una toma James Stewart cayó y quedó  ligeramente herido. La fotografía principal fue completada tres días después de este disparo, justo antes de Navidad, 1957.  Poco después se inició el período de postproducción a principios de 1958 

‘Vértigo’ se divide en dos partes bien diferenciadas separadas por la muerte de Madeleine y sabemos bastantes cosas de esta película gracias a François Truffaut y  su famoso libro “El cine según Hitchcock” (Editorial Alianza, 1985, Madrid),  en el que el director francés entrevista a Alfred Hitchcock:

FT: …¿Qué era lo que le interesaba más de este asunto?

AH: Lo que me interesaba más eran los esfuerzos que hacía James Stewart para recrear una mujer, a partir de la imagen de una muerta. Como usted sabe, hay dos parte en esta historia. La primera parte llega hasta la muerte de Madeleine, y su caída desde lo alto del campanario, y la segunda comienza cuando el héroe encuentra a la muchacha morena, Judy, que se parece a Madeleine. En el libro, al comienzo de las segunda parte, el héroe encuentra a Judy y la obliga a parecerse más a Madeleine. (…) Hay otro aspecto que llamaría “sexopsicológico” y es aquí, la voluntad que anima a este hombre para recrear una imagen sexual imposible; para decirlo de manera sencilla, este hombre quiere acostarse con una muerta; esto es necrofilia.

FT: Precisamente las escenas que prefiero son aquellas en las que James Stewart lleva a Judy a la modista para comprarle un traje idéntico al que llevaba Madeleine, el cuidado con que él le elige los zapatos, como un maniático…

AH: Es la situación fundamental del film. Todos los esfuerzos de James Stewart para recrear la mujer, cinematográficamente son presentados como si intentara desnudarla en lugar de vestirla.

François Truffaut: 'Todo ese aspecto erótico del film es apasionante. Pienso en otra escena hacia el principio, después de que James Stewart repesca a Kim Novak, que se había arrojado al agua. La volvemos a ver en casa de James Stewart, acostada desnuda en la cama. Entonces, ella se despierta y eso nos demuestra que él la ha desnudado, que la ha visto desnuda, y sin que en el diálogo se haga referencia alguna a ello. El resto de la escena es extraordinario, cuando Kim Novak se pasea con la bata de Stewart, cuando se ven sus pies desnudos deslizarse por la alfombra y cuando James Stewart pasa una y otra vez por detrás de ella...

Hay en Vértigo cierta lentitud, un ritmo contemplativo, que no se encuentra en sus otros films, a menudos construidos sobre la rapidez, la fulguración.

Alfred Hitchcock: 'Exacto, pero ese ritmo es perfectamente natural, ya que contamos la historia desde el punto de vista de un hombre que es un emotivo.'"

Datos a tener presente es la variación a la hora de la información y el tema de la sexualidad en toda la película. En el libro no se descubre hasta el final que Madeleine y Judy son la misma persona, y que todo ha sido una treta para engañar al detective para tener así un testigo del aparente suicidio de la mujer. Hitchcock dudó mucho de ese cambio y por una vez una imposición de la productora benefició a la película. Hitchcock siempre mantuvo que el suspense se producía cuando el espectador poseía información desconocida por el personaje, y aquí lo lleva al extremo.

En la novela de Boileau y Narcejac, De entre los muertos, el protagonista es impotente sexual. Los autores escriben, con toda claridad en el primer capítulo, que nunca ha conocido a una mujer aunque tenga más de treinta años.

En la novela original el título en francés "D'entre Les Morts" (De entre los muertos).se inspira en el  Evangelio según San Lucas capítulo 24 versículo 5, después de la resurrección: "¿Quién viene a buscar los vivos entre los muertos?", además se desarrollaba en París y no en San Francisco.

En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie.

En la segunda escena, un diálogo larguísimo en el piso de Midge, maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que Midge habla de su corto noviazgo que se interrumpió porque entre ellos dos no pasó nada.

Apunta con él hacia un sostén, en efecto el trabajo de Midge consiste en fabricar lencería, lo que añade erotismo a la escena. El bastón de Scottie es un sustituto de su sexo, insinuando que no sabe que hacer con él en compañía de una mujer que le desea carnalmente. Midge le habla como a un niño "you are a big boy now!" (¡ahora eres un muchacho grande!).

Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. Hitchcock nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere así un ensayo de erección. Se acaba en un fiasco cayendo Scottie en los brazos de la siempre insatisfecha Midge.

La ironía llega a su cumbre con la utilización de la Torre Coit visible desde todo  San Francisco y cuya construcción fue financiada por Lili Hitchcock Coït . La torre, obvio símbolo fálico, fue diseñada en forma de boca de riego porque a Lili Coït le gustaban mucho los bomberos. Se ve constantemente desde la ventana del piso de Scottie como para reírse de su falta de vigor sexual.

Cuando Madeleine, después de su ensayo de suicidio viene a darle las gracias a Scottie, dice que encontró su casa gracias a la torre. Scottie le contesta que es la primera vez que le es útil para algo.

Hitchcock en su entrevista con François Truffaut habla de necrofilia. Es incapaz de hacer el amor con una mujer de carne y hueso. Más tarde tendrá una relación sexual con Judy sólo después de haberla transformado en Madeleine.

Una vez más Hitchcock se luce en la puesta en escena, con la perfecta armonía en todos sus elementos. Una perfecta conjunción de vestuario —de Edith Head—, fotografía —con uno de sus eternos colaboradores, Robert Burks, y banda sonora, a cargo de Bernard Herrmann, el compositor cinematográfico por excelencia, en la que muy probablemente sea la mejor banda sonora que hizo, combinando a la perfección el suspense de la historia con el romanticismo.

Esos tres elementos principalmente elevan al máximo el juego de espejos que propone Hitchcock enfrentando ambas partes de la película, primero la investigación/fascinación tras Madeleine, y luego el recuerdo imborrable de la misma que lleva a Scottie al mismo centro de una enfermiza obsesión.

En todo momento está presente el juego de la percepción. La primera vez que Scottie ve a Madeleine está  de perfil —una de las tomas preferidas del director con todas sus actrices— hacia la derecha, y más tarde, cuando lo hace con  Judy en su apartamento aparece mirando a la izquierda. Son las dos caras de la misma moneda.

En este sentido es de  destacar el papel de  Robert Burks con el gusto por los colores en relación a lo elaborado por Edith Heard, y su rojo intenso del traje del restaurante donde vemos a Madeleine por primera vez, marcando la incipiente pasión que sentirá Scottie por ella; o el neón verde que hay en la fachada del apartamento de Judy, o cuando la viste al salir del baño, disfrazada por primera vez como Madeleine. El efecto para  el espectador, parece regresar de los muertos.

El beso posterior, con un giro de cámara de 360 grados —en realidad giran ellos sobre una plataforma— es uno de los más pasionales de toda la historia. Un beso que une pasado y presente.

El escenario también la ciudad de San Francisco juega igualmente un papel determinante la vemos desde la ventana de Midge o con el seguimiento de Scottie a Madeleine por las calles de la ciudad durante unos quince minutos y prácticamente sin diálogos.

James Stewart y Kim Novak se compenetran a la perfección en la película de Hitchcock que menos secundarios de peso tiene —sólo Barbara Bel Geddes como la eterna amiga de Scottie, enamorada de él, puede ser entendida como tercera en discordia—.

‘Vértigo’ no fue muy bien recibida en su momento —Hitchcock echó la culpa a Stewart, con el que no volvería a trabajar—, hasta que la crítica francesa, una vez más, la reivindicó como la obra maestra que es.

Fue una película técnicamente avanzada con un perfecto equilibrio ético/estético, y en el que la narración cinematográfica alcanza cotas nunca imaginadas. La famosa sensación de vértigo se realizó combinando un zoom con un travelling hacia atrás de la cámara.

Hitchcock comentó en el libro de Truffaut que para el papel de Judy Barton / Elster Madeleine iba a ser para Vera Miles pero esta se encontraba embarazada por lo que el papel recayó en Kim Novak. Esta llegó al estudio con la cabeza llena de ideas que, desgraciadamente, no podía compartir. Fui a verla a su camerino y le expliqué qué trajes y qué peinados debía llevar; los que había previsto desde hacía varios meses. Le hice comprender que la historia de nuestra película me interesaba mucho menos que el efecto final, visual, del actor en la pantalla en el film acabado" En cuanto al trabajo de una Kim Novak  que no habla hasta más de un tercio en la película tjuvo problemas con el director y con  sus trajes diseñados por Edith Head - que ya habían trabajado mucho tiempo atrás con el director Alfred Hitchcock- . Ambos estaban interesados en dar a la ropa de Madeleine una apariencia extraña. Su traje gris de marca fue elegido por su color porque pensaban que parecía extraño que una mujer rubia llevara todo el gris. Además, añadieron el pañuelo negro a su abrigo blanco debido al extraño contraste. "Judy",que lleva unos trajes menos severos y rígidos. Cuando Kim Novak cuestionó Alfred Hitchcock acerca de su motivación en una escena en particular, se dice que el director le dijo : "No se preocupe por esas cuestiones, Kim. Es sólo una película". En una entrevista posterior Alfred Hitchcock dijo que creía que Kim Novak estaba mal ubicados y que era la actriz equivocada para el papel.

Hitchcock también sale en la película, en el décimo minuto y cincuenta segundos, pasa la puerta de entrada al astillero.

La historia de “Vertigo” trabaja con las neurosis y los distintos estados psicológicos de John Ferguson. Comienza con acrofobia, que descubre durante la persecución de un delincuente por los techos. Ese descubrimiento se vuelve trágico y motivo de culpa por la muerte de un policía que quiere salvar a Ferguson cuando cuelga del caño de desagüe de un techo, durante la persecución, presa del vértigo. Se le agrega otro motivo mayor de culpa porque, debido a la acrofobia, no pudo evitar la muerte de Madelaine, que fingió saltar desde lo alto del campanario. Ya carga dos muertes en su conciencia. Esa última culpa, verbalizada por el juez del juicio que tiene lugar (Henry Jones) lo lleva a ser internado en un psiquiátrico un año o algo así hundido en profunda depresión. Finalmente esa culpa lo lleva al intento de resucitar a Madeleine transformando a otra mujer, Judy Barton, en ella. Aquí emerge el fetichismo y la necrofilia de Ferguson. Su obsesión por la ropa de Judy. Por el color de pelo. Por el peinado. Finalmente, el intento de reproducir la muerte de Madelaine, que termina con la muerte real de Judy lo aniquila, probablemente, de manera definitiva. Es , como vemos, una película sobre la obsesión y la pesadilla.

Además en la película hay muchísimos símbolos en la primera parte de la película, o en la primera de sus dos historias. Los dibujos de espirales que giran sobre sí mismos en el interior de inmensas pupilas durante los títulos iniciales. El peinado de Madeleine con el rulo en forma de espiral, que puede verse cuando mira, en el museo, el cuadro de Carlota Valdez, que tiene el mismo rulo, pero vuelto hacia ella, imagen que recuerda al vértigo de los juegos de espejos enfrentados con reflexiones infinitas. Ramos de flores que, por su disposición y uniformidad, parecen motivos geométricos No representan el vértigo, sino la obsesión, que tiene la costumbre de llenar todo el espacio con el mismo diseño. La obsesión y la pesadilla.

La obsesión de Madeleine por Carlota Valdez y la obsesión que John Ferguson siente en las alturas, por el piso que desde allí divisa, que no puede dejar de mirar, y que lo atrapa, que lo absorbe. A Madeleine la absorbe Carlota Valdez, y a Ferguson el vértigo. En los dos casos es la muerte que tira de ellos. Por otra parte, la obsesión de Madelaine por Carlota, de la primera parte de la película, se transforma en la segunda parte en la obsesión de John Ferguson por Madelaine. Ese, se diría, es el tema más general de la película.

Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958. La película obtuvo varios premios en 1958. En concreto obtuvo dos nominaciones al Oscar: a la mejor dirección artística, y al mejor sonido.

Ese mismo año el Sindicato de Directores (DGA) lo nomino a Hitch al mejor director . Y en el Festival de San Sebastián del 58 obtuvo el premio al mejor director (ex-aequo) y al mejor actor (Stewart).

La crítica en Estados Unidos ve en Vértigo una obra de peso en la carrera del director. Roger Ebert del Chicago Sun-Times comenta que "Trata sobre cómo Hitchcock utilizaba, temía y trataba de controlar a las mujeres (...) "

Janet Maslin del The New York Times dice que "Con menos alegría y la libido mucho más abierta que otros clásicos de Hitchcock, 'Vértigo' siempre fue anómala"

Para Desson Thomson del The Washington Post "Hazte a ti mismo un favor estético: Da el paso"

En Variety se publicó que "James Stewart, en cámara casi durante toda la película, hace una sorprendente buena actuación interpretando a un abogado-policía que sufre de acrofobia"

Bosley Crowther del The New York Times afirmaba que era "Un misterio fascinante" y  Mike Clark del USA Today afirma que "Ves a este tío yendo lentamente sobre el borde y te das cuenta, santo cielo, es Jimmy Stewart"

Para Peter Stack  del San Francisco Chronicle "En su oscuro corazón, la película es una triste reflexión sobre el amor y sobre los velos que manipulan las pasiones sexuales"

Ya en España Ángel Fdez. Santos en el Diario El País publicó que era "Una de las obras más bellas, densas y perfectas de la historia del cine." En ese mismo diario   Miguel Ángel Palomo sostiene que "Desde los mismo títulos de crédito, Hitchcock atrapa al espectador en unas apasionantes imágenes (...) el maestro crea un universo atormentado y malsano que ahonda en una relación de turbio 'amour fou'. (...) magnífico ejercicio de suspense."

Para Pablo Kurt en filmaffinity se trata de "La gran obra maestra de Alfred Hitchcock, y sin duda la más aclamada por la crítica -siempre aparece en las listas de los expertos sobre las mejores películas de la historia del cine-. El genio se aleja de sus entretenidas aventuras anteriores para sumergirse -él y todos- en una minuciosa y compleja intriga psicológica llena de simbolismos y múltiples lecturas, un remolino insondable que te absorbe en su fascinante espiral narrativa sobre el deseo y lo idealizado; obsesiones circulares y vértigos ante lo desconocido -o lo irreal- reflejados en su póster, su título, su banda sonora y no pocos hallazgos visuales de esta preciosa e hipnótica obra de arte".

En México Carlos Bonfil del Diario La Jornada nos dice que "Hitchcock trasciende por completo las barreras genéricas volviendo a la cinta algo enigmático e inclasificable."

Para Alberto Abuin  editor en blog de cine nos comenta que ‘Vértigo’ nació de la desilusión del director británico por no poder adaptar la novela que terminaría siendo una de las películas más famosas del cineasta Henri-Georges Clouzot, ‘Las diabólicas’ (‘Les diaboliques’, 1954).

Cuando los autores del libro, Pierre Boileau y Thomas Narcejac, se enteraron de ello enseguida se pusieron a escribir ‘D’Entre les morts’ teniendo en mente al cineasta, quien sin duda supo aprovechar el material al máximo. Es ‘Vértigo’ una película adelantada a su tiempo, tanto que aún a día de hoy parece pertenecer a otra época no concreta. Con el paso de los años, la fama de la película, que no fue en su momento precisamente un éxito, ha ido creciendo tan poderosamente como las inolvidables imágenes que la bañan, algunas de las más icónicas de la historia del cine, descubriendo nuevos matices en cada nuevo visionado y aguantando sin rubor el estoico paso de modas, estilos y costumbres.

El guión se le atribuye a Alec Coppel y Samuel A. Taylor , pero Coppel no escribió una sola palabra de la versión final. Se le acredita sólo por razones contractuales. Taylor no leyó el guión de Coppel ni la novela original; trabajó exclusivamente de Alfred Hitchcock esbozo de la historia. Aunque dicho sea de paso Hitchcock contrató a Maxwell Anderson para escribir el primer borrador del guión pero fue rechazada por Hitchcock.

Joseph Cotten , Lee J. Cobb y Everett Sloane también fue considerado para el papel de Gavin Elster. 

Una obra atemporal en el sentido literal del término. Al principio Hitchcock quería hacer la película con Vera Miles, su nueva obsesión femenina, pero cuando la actriz le comunicó que estaba embarazada tuvo que prescindir de ella decantándose por Kim Novak, con la que tuvo bastantes problemas de entendimiento en el rodaje. Con todo, la actriz nunca ha salido tan guapa como en el presente film, la historia de obsesión de un detective hacia una fascinante mujer de la que se termina enamorando. Un tipo de obsesión que Hitchcock podía entender muy bien y así lo tradujo en imágenes".

En la actualidad Vértigo es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense. En 1996 se presentó una versión restaurada de la cinta. En 2007, el Instituto de Cine Americano clasificó esto como la película # 9 más grande de todos los tiempos. Fue votado como la 19 ª película más grande de todos los tiempos por Entertainment Weekly. Se incluyen entre los "1001 películas que hay que ver antes de morir ", editado por Steven Schneider .

Tras una evaluación de 10 años, Vértigo fue elegida el 2 de agosto de 2012 como la mejor película de todos los tiempos, por delante de la obra de Orson Welles Ciudadano Kane en la encuesta de los críticos de Sight & Sound . 

Se caracteriza por el uso de una llamativa narrativa audiovisual del director, los actores Stewart y Novak o los lugares por donde se rodó.

Vértigo tuvo un inicio poco alentador cargado de tibias críticas y una pobre acogida en taquilla, sin embargo, ganó popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre las mejores película

Alfred Hitchcock era un perfeccionista tanto es así que tardó una semana filmando una breve escena en la que Madeleine queda mirando un retrato en el palacio de la legión de honor sólo para conseguir la iluminación adecuada. Y eso que la difícil  reputación de Kim Novak que un día se negó a presentarse al trabajo, pues pedía más dinero ...y Novak consiguió un aumento. 

Alfred Hitchcock quería originalmente para utilizar su ahora famosa zoom Vértigo en Rebeca (1940), pero debido a la falta de tecnología en ese momento no podía hacerlo. La técnica se inspiró en un momento en que Hitchcock se había desmayado durante una fiesta.  También a destacar que fue la primera película en usar gráficos de computadora para la secuencia de introducción hecha por Saul Bass.  

Parece ser que Sir Alfred Hitchcock se llenó de amargura por el fracaso crítico y comercial de la película en 1958. Se lo atribuyeron a James Stewart por parecer  "demasiado viejo" para atraer a un público más. Lo cierto es que hay una diferencia de edad notable de 25 años entre James Stewart y Kim Novak , que tenía 49 años y la Novak 24, respectivamente, cuando la película se rodó en 1957.Hitchcock nunca trabajó con Stewart, a pesar de que había sido uno de sus colaboradores favoritos. También James Stewart era casi 15 años mayor que Barbara Bel Geddes , aunque se suponía que sus personajes a ser la misma edad y que habían estudiado juntos en la Universidad como se dice en algún momento. 

En cuanto a Midge y el sujetador "en voladizo" diseñado por un ingeniero de los aviones parece ser que es una referencia a la historia que Howard Hughes contaba de como fue un ingeniero quién inventó un nuevo tipo de sujetador con aros adecuados para su mujer, Jane Russell .  Por cierto, la mujer de Alfred Hitchcock , Alma Reville , dijo que a ella le gustaba, a excepción de una escena en la que Kim Novak camina por  la Bahía de San Francisco, ya que sentía que Novak parece demasiado grande en la pantalla. Durante años después, al hablar de esta película, Hitchcock insistiría en que Alma odiaba esta película. 

Por su parte, la banda sonora es de Bernard Herrmann y parece  inspirarse en gran medida por Richard Wagner  y su  "Tristán e Isolda", que, al igual que la película, también se trata del amor fatal. 

En definitiva, Vértigo presenta una  de las pasiones amorosas más destructivas que ha dado el cine y toda una lección magistral de cómo el cine es un propio arte que abarca todas las artes.