Un trío interesante de revisiones

A Fort Apache y Top Secret, se le suma West Side Story. Dos joyas del cine y un divertimento. El orden lo pones tú. Obviamente no han sido vistas en una misma jornada, sino en tres días, intercaladas entre las muchas películas que han pasado ante mis ojos y no tanto ante mi intelecto.

Así que hará un breve revisión de las tres. De Fort Apache decir que la trama se basó libremente en la famosa batalla del VII de caballería frente a los sioux en 1876 conocida como "La última batalla de Custer" en Little Big Horn en Montana, siendo Thursday una transposición del George Armstrong Custer (cuyo cumpleaños fue el 5 de diciembre de 1839 - un jueves), y los apaches como sustitutos de los sioux. El encubrimiento por parte de los sobrevivientes y los militares del error de Thursday está en línea con el encubrimiento de los errores de Custer y la desobediencia deliberada de las órdenes en Little Big Horn. 

Es curioso que actualmente el fuerte Fort Apache, construido para esta producción, siguió en pie durante muchos años. Se reutilizó en docenas de producciones, sobre todo en la serie de televisión Rin Tin Tin (1954). Estaba ubicado en Corriganville Movie Ranch en la localidad californiana de Simi Valley. Hoy es posible visitar esta ubicación, ya que ahora se administra como un parque de la ciudad en Simi Valley.

A resaltar de Fort Apache, la producción de Merian C. Cooper y John Ford, desde su Argosy Pictures , rodada entre julio y octubre de 1947, y el inicio de la Trilogía de la caballería, que completan La legión invencible (1949) y Río Grande (1950). que en esta pcasión aposté por verla en inglés, ya que me hacía ilusión escuchar a Pedro Armendáriz, en la película el Sargento Beaufort aquí  hablando en castellano por momentos con Cochise (Miguel Inclán ) o las parrafadas en español de Movita, en la película Guadalupe.

A destacar la magnífica fotografía del acreditado Archie Stout y del no acreditado William H. Clothier , que más tarde se convertirá en el director de fotografía favorito de John Wayne y con el trabajo en 17 películas, en ese entorno que Ford nos permitió descubrir, Monument Valley que tuve la fortuna de ver emocionado desde el aire.

El director de fotografía Archie Stout y John Ford optaron por una película infrarroja en blanco y negro, desarrollada originalmente para la investigación médica y científica, en muchas escenas exteriores tomadas en Monument Valley para realzar las nubes y las formaciones rocosas. No se percibe el color azul, sino que lo graba como negro, creando paisajes y cielos dramáticos y fantásticos. El cineasta mexicano Gabriel Figueroa , quien trabajó con Ford en El fugitivo (1947), sugirió esta técnica.Sin embargo, los tonos de piel de los actores se veían demasiado pálidos en el infrarrojo, por lo que se vieron obligados a usar un maquillaje muy oscuro para compensar.

En este sentido decir que los espacios fueron estudiados detenidamente por Ford y mientras que el guionista, Frank Nugent, -que se casó con la hija de Ford - auxiliado en lo cultural por un estudiante de antropología de la Universidad de Arizona , y tras recibir el encargo por parte del director de una seria preparación para escribir el guión de la película, obligándole a leer 50 libros sobre el período y el escenario de la historia y lo envió a Arizona para estudiar la cultura apache, completaba el guión, John Ford exploraba ubicaciones por Utah que iban más allá de Monument Valley tanto en la vertiente de Arizona como la de Utah. También en Utah se rodó en Arches National Park, en Shafer Outlook en Goosenecks State Park, Dead Horse Point State Park, Mexican Hat, Moab o Kanab. También se rodó en Arizona , en concreto, además de la citada Monument Valley en Red Mesa, Teec Nos Pos, Mexican Water,, así como en la localidad californiana de Culver City donde estaban los Selznick International Studios en W. Washington Blvd.

Consciente de que necesitaba dinero para mantener su compañía, Argosy Productions, con vida Ford pasó seis meses planeando cuidadosamente un guión de la filmación y configuraciones de pre-producción para poder reducir su presupuesto de $ 2.8 millones a $ 2.1 millones y reducir el calendario de filmación planificado de 77 días a 44. Y eso que las condiciones de rodaje fueron especialmente complicadas dadas las altas temperaturas tanto de día como de noche. Así como los retrasos debidos a los fuertes vientos y tormentas del desierto. Por esa razón llevó al set desde Los Ángeles a dos médicos.

De ese presupuesto por su trabajo, se pagó a Shirley Temple , John Wayne y Henry Fonda se les pagó $ 100,000, mientras que Victor McLaglen recibió $ 75,000. John Agar, como el joven O´Rourke, debutó en esta película y nunca olvidó la ayuda generosa y paciente que John Wayne le brindó como un joven actor sin experiencia en esta producción. "Iría al infierno y regresaría por Duke", dijo más tarde. Trabajaron en cinco películas más junto a él.

Agar estaba recién casado con Shirley Temple . En parte por esto, en parte por la irritación que sentía Ford por la actriz de 19 años o porque quería cabrearlo, el director lo montó sin piedad, llamándolo "Sr. Temple" delante de todos, criticando la forma en que pronunció sus líneas, reprendiéndolo por su Falta de equitación experta. Un día, Agar se marchó, prometiendo abandonar la película, pero John Wayne se lo llevó aparte y lo ayudó con algunos de los aspectos más difíciles de su trabajo. Para Shirley Temple era uno de sus primeros papeles adultos, estaba embarazada durante el rodaje y le preocupaba que montar caballos o usar su corsé demasiado apretado provocara un aborto involuntario. John Ford no se llevaba bien con Shirley Temple y con frecuencia se burlaba de su capacidad para actuar y su falta de educación. La historia de amor entre la pareja acabó fatal y hoy 14 de febrero, diremos que pasaron por un divorcio muy publicitado completo con denuncias de abuso conyugal, infidelidad y alcoholismo un par de años más tarde.

Eso sí Fonda que trabajó en nueve ocasiones con Ford nunca se sintió cómoda con el lenguaje grosero y las formas de intimidación de Ford, además pasaba olímpicamente de las peticiones de Fonda de darle escenas más emotivas y con más ensayos.

También vuelvo a destacar la figura del creador de una impresionante banda sonora de Richard Hageman , responsable entiendo que igualmente de esos bailes que van trufando la película y que son una medalla a la coordinación visual y musical que enmarca a dos de los protagonistas, uno directo , Henri Fonda (el Teniente Coronel Owen Thursday), y el otro , secundario de lujo e imprescindible para Ford como era Ward Bond (el Sargento Mayor Michael O'Rourke ).

A ellos se suma la música popular y tradicional de los western como es Sweet Genevieve de George Cooper interpretada por Dick Foran ; O Dem Golden Slippers escrita por James Allen Bland ; Goodnight Ladies , The Girl I Left Behind Me , She Wore a Yellow Ribbon o The Regular Army O. Una música de claras reminiscencias irlandesas, tan queridas por Ford, que siempre intentó que la historia incluyera varios personajes irlandeses que representaban el tipo humano irlandés-estadounidense que se dirigió hacia el oeste después de la Guerra Civil. Uno de los pilares musicales en el set fue Danny Borzage , hermano del director Frank Borzage , que John Ford contrataría para que tocara el acordeón entre tomas para mantener al grupo animado. Michael Wayne, supongo que el hijo de John, recordó que a veces el sonido del acordeón de Borzage, o alguien cantando sin acompañamiento, sería todo lo que perforaba el silencio en la noche, mientras los rayos de calor destellaban en la distancia. Decir que uno de los figurantes de la película era Ben Johnson , que acabó por convertirse en uno de los actores de Ford.

Es curioso que la película fue prohibida en el Japón, postSGM, y eso que el país estaba ocupaba por los estadounidenses y que aplicaron los reglamentos diseñados para censurar las películas japonesas que glorificaban la guerra o la violencia. Esta fue la primera de las películas no contratadas en su edición por Ford tal y como le pidió el productor Merian C. Cooper.

A destacar igualmente la participación de un juvenil John Wayne. Al trabajar con John Ford , John Wayne se entregó a las órdenes del director y tuvo un gran respeto por el talento de Ford. "Cuando señaló la cámara, estaba pintando con ella", dijo Wayne. "No creía en mantener la cámara en movimiento; movió a su gente hacia la cámara y se alejó de ella". Nugent siempre dijo que "El producto final es siempre la de Ford, nunca la del escritor".

John Ford hizo que Frank Nugent hiciera algo en este proyecto que el escritor repitió a lo largo de su carrera: escribía una biografía completa para cada personaje: detalles de nacimiento, educación, política, hábitos de consumo, peculiaridades, etc.

John Ford usó a navajos para interpretar a los apaches, considerándolos como "actores naturales" y muy de fiar. Los respetaba y disfrutaban trabajando para él. Les encantó cuando se filmaba una película en un lugar cercano porque significaba trabajo. Ellos viajaban muchas millas en carro para un trabajo, y sabían que podían contar con un gran almuerzo en los sets de Ford. La película requirió 200 navajos como guerreros apaches y otras 100 mujeres y niños navajos. También se requirieron 100 extras no indios como tropas de caballería.  

En cuanto a la segunda revisión, la de Top Secret, reconozco que en esta segunda revisión- a la primera le di el nombre de Alto Secreto-  me ha gustado más. No por los gags, que son los mismos que vi, sino por dos detalles: la vi a una hora bastante decente, la siete de la tarde, y no a las doce de la noche, como hago habitualmente, y segundo, por no tener que estar atento a la historia , sino por poner mi atención a lo que que ocurre tras la misma, es decir, en segundo plano así como a los muchos homenajes cinematográficos que van desde La gran evasión pasando por Casablanca , El Lago Azul, yo iría que hasta Orzowei , en algunos momentos, hasta todas las películas de espías o el personaje inspirado en Elvis la pelvis.

Especialmente me ha gustado lo que transcurre en la cafetería con  la reunión del grupo de insurgentes, pues es un monumental segundo plano integrado desde los integrantes del servicio, como los otros comensales, el fantástico y absurdo baile.

Igualmente me ha parecido , ahora, infinitamente más divertida , la preparación detallada del asaltado a la fortaleza, lo del disfraz de la vaca con todas sus consecuencias - y en todos los sentidos- o la entrada a la misma.

Está claro que, en ocasiones, una segundo lectura o una tercera es la adecuada. Me alegro de cambiar de opinión y dar mi apoyo a los Zucker & Abrahams.

Por último , la última experiencia revisada ha sido ni más ni menos la grandiosa West Side Story, el grandioso musical de Robert Wise y que presenté en una breve , pero sentida entrada llamada Conflicto en la cara oeste de Nueva York y que empieza con una introducción musical sin imagen qué sirve de aperitivo musical para lo que viene.

De ella he leído en twitter algunas cosas tan interesantes como la de que se trata del primer musical moderno de la historia del cine (con números tan revolucionarios como "Cool"); la obra con la mejor música escénica del siglo XX; y quizá la obra maestra del musical más hermosa y perfecta. Un obra que fue moderna y que es moderna hoy.

La película, presentada anoche en la programación de Días de cine clásico, fue vista en la2_de tve por un entusiasta 2,3% de share y por unos superentusiastas 359.000 espectadores de media, entre los que me incluyo, con un máximo de 542.000 y 3,0%.

El director de Dias de Cine, Gerardo Sanchez señalaba que Leonard Berstein era Dios y que los créditos finales son del gran Saul Bass .

Un tuitero decía que era una gozada de imagen, de colores, de bailes, de música o que estábamos ante "Un musical con mayúsculas", emocionante como siempre, tanto que, - y lo reconozco- , siempre acabo llorando al verla.

Alto Secreto

Una comedia después de alguna decepción no viene nada mal. En este caso una comedia de los comediantes cinematográficos estadounidenses más prolíficos y famosos de los años ochenta como fueron el trío calavera formado por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker que dieron con una clave del éxito cinematográfico: parodia que algo queda. Lo importante de parodiar es que tienes el control absoluto de la comunicación y de los elementos básicos de la comunicación o del lenguaje, en este caso aplicada a lo cinematográfico. 

Me explico y me alejo de los elementos reales de la comunicación cinematográfica que en este magnífico y claro enlace vienen recogidos, nada que ver con las tonterías que yo voy a decir. No se si recordaréis aquel primer tema de Lengua de COU que iba sobre los elementos del lenguaje. A mi de hecho me cayó en Selectividad. 

El lenguaje se compone de seis elementos: el emisor, el receptor, el mensaje , el canal, el código y el contexto. El emisor era la persona que transmitía algo a los demás pongamos en este caso a los directores que a su vez son los guionistas ( en este caso Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, a los que su suma la pluma de Martyn Burke). El receptor que en este caso es el público que está en la sala de cine o en su casa. En tercer lugar estaría el mensaje que es la información que el emisor envía al receptor. Asumiendo que el canal es la pantalla la clave está en el código y en el contexto. Es el contexto y el código son respectivamente dos conjunto de términos , en el primer caso, que facilitan la comprensión del mensaje y , el segundo, de signos y reglas que conocen el emisor y el receptor. En el primer caso , el del contexto, los términos en la película son las palabras que usadas en su juego nos producen una sonrisa , pero sobre todo lo que funciona es el código que , conocido por el emisor y receptor, que en este caso es el homenaje en forma de un cocktail de parodias sobre las película bélicas, las de espías, la de los musicales protagonizados por Elvis Presley dan como producto una película de éxito, puede que no tanto como la primera gran parodia de esta cuadrilla: Airplane! aquí conocida como Aterriza como puedas, pero mantuvo el tipo y tono de las películas. En este caso fue Top Secret! . 

Esta película de Alto Secreto es una película estadounidense filmada en 1984, que supuso el debut de un actor que fue muy importante , Val Kilmer y en la que aparecen algunos integrantes de la nobleza cinematográfica de los sesenta y los setenta como Omar Sharif, Peter Cushing, Michael Gough y Jeremy Kemp, y que estuvo dirigida por David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker. 

La película fue una producción de Jon Davison y Hunt Lowry responsables de las productoras Paramount Pictures - que fue igualmente distribuidora- y Kingsmere Properties que contribuyeron con un presupuesto de $ entre 8.5 y 9 millones. 

Para dar caché y formato de gran película se contrató en la banda sonora a Maurice Jarre y participó igualmente John Williams. La fotografía fue de Christopher Challis, el montaje de Francoise Bonnot y Bernard Gribble 

El elenco estuvo integrado por Val Kilmer como Nick Rivers, Lucy Gutteridge como Hillary Flammond, Michael Gough como Dr. Flammond, padre de Hillary, Peter Cushing como propietario de la librería, Billy J. Mitchell como Martin, el agente de Nick Rivers, Jeremy Kemp como el General Streck, Christopher Villiers, como Nigel «La Antorcha», líder de la Resistencia. 

Junto a ellos aparecen Warren Clarke, como el Coronel Von Horst, Harry Ditson, como Rococó o Du Quois,uno de los miembros de la Resistencia, Jim Carter como Tour Eiffel o Déjà Vu, miembro de la Resistencia, Eddie Tagoe como Chocolate Mousse, miembro de la Resistencia, Dimitri Andreas, como Latrine, miembro de la Resistencia, y Omar Sharif el como Agente Cedric. También aparecen John Sharp como Maitre'D, Ian McNeice como vendedor de recuerdos ciegos, Gertan Klauber como el alcalde de Berlín, Richard Mayes como Vladimir Biletnikov, Tristram Jellinek como el Mayor Crumpler, John Carney como Klaus, Vyvyan Lorrayne como Madam Bergeron, Doug Robinson como el Sargento Kruger y Max Faulkner como Oficial de Alemania del Este. 

La historia se inicia con el agente Cedric en lo alto de un vagón de tren en Alemania del Este luchando contra un par de integrantes del Ejército de la DDR , la parte no democrática de la República Democrática Alemana (RDA) o DDR en alemán. Se enfrenta con ellos en la parte alta de un vagón y si bien uno cae , el otro un gigante capaz de romper con su cuerpo un puente, provoca que el agente Cedric tenga que lanzarse del tren. 

Tras esto nos enteramos que en la República Democrática Alemana (RDA) se va a desarrollar un acto cultural por los 25 años de la creación del estado. 

A ese acto cultural se invitarán algunos cantantes del Europa del Este, pero la estrella que pretende estar allí en la conmemoración se les cae y en su defecto es llamado una famosa estrella del rock americano Nick Rivers (Val Kilmer) que canta el rock surfing ("Skeet Surfin '"), que nos remite a los Beach Boys y se mueve por su aspecto juvenil como Elvis Presley. Tras ver el éxito de su música en las playas californianas nos encontramos como llega a Alemania Oriental para presentarse a el importante festival cultural acompañado de Martin su inseguro representante ( Billy J. Mitchell ) . 

Pero este hecho forma parte de un plan para distraer la atención del mundo exterior sobre lo que está sucediendo realmente: el Alto Mando de Alemania Oriental (representada como el régimen de Hitler ), encabezado por el general Streck (Jeremy Kemp), se propone reunir nuevamente las dos Alemanias bajo un sólo Gobierno. 

Tras llegar a Berlín, tiene lugar la presentación oficial del acto por el alcalde berlinés (Gertan Klauber) y en el mismo vemos a los artistas invitados. Casi de inmediato por las calles de Berlín un vendedor ciego de productos de goma (Ian McNeice) al que se aproxima el agente Cedric y que descubrimos que realmente es un agente encubierto. 

Después de varios episodios absurdos el agente Cedric va al lugar concertado en un complejo de depósito de coches y, en vez de presentarse su contacto, un mítico agente conocido con el nombre de "la antorcha", pero para su sorpresa el coche es metido en la trituradora de vehículos con él dentro. Tras eso tiene lugar una cena de gala. 

En la misma Nick se encuentra con Hillary Flammond (Lucy Gutteridge), un miembro del movimiento de resistencia local, que intenta evitar a las autoridades tras una operación de contacto igualmente fallida, finge ser su cita para conocerla, y tras ser presentado por el Maître del local (John Sharp) como un gran cantante , aunque se refería a un cantante de ópera soviético de nombre Vladimir Biletnikov (Richard Mayes), el que sale es Nick que interpreta una canción improvisada y un baile (" Tutti Frutti "), pensando erróneamente que se le pidió que lo hiciera, para deleite de Hillary y de los comensales, pero para la molestia del general Streck , el autor intelectual de la trama de la "reunificación". 

Más tarde, Nick, en otro acto cultural, ve a Hillary en un ballet, donde ella esperaba encontrarse con el líder de la resistencia, pero la policía la intenta detener. Nick la salva y tratan de escapar, pero Nick se entrega para que Hillary pueda escapar. Por esta razón Nick es llevado a una prisión donde lo interrogan y lo torturan, pero no sabe nada y no puede denunciar a nadie. 

Como su representante Martin no puede sacarlo, Nick opta por realizar un intento de fuga. En su fuga termina en el laboratorio de la prisión secreta del Dr. Paul Flammond (Michael Gough), un brillante científico que desarrolla la "mina naval Polaris", un dispositivo que puede destruir toda la flota submarina de la OTAN como parte del plan del gobierno. 

Los alemanes lo obligan a trabajar amenazando con matar a su hija Hillary. Nick es recapturado y programado para su ejecución. Los alemanes orientales deciden que Nick debe actuar para evitar un incidente internacional, y lo hace para la alegría arrebatadora de las chicas locales durante sus dos temas. 

Tras actuación es rescatado por Hillary al final de la misma , después de lo cual pasan la noche en el desván de una librería sueca al que van tras recibir instrucciones. El librero (el mítico Peter Cushing ) que con su ojo gigante le da ese alojamiento. Nick canta para ella (" Are You Lonesome Tonight? ") Y hacen el amor. 

A la mañana siguiente, son trasladados a la "Granja de papatas" donde se reúnen con miembros de la Resistencia francesa. El grupo es liderado por Nigel "La Antorcha" (Christopher Villiers), quien era un amante de Hillary desde que se quedaron varados en una isla en su juventud, una isla que nos remite a la película El Lago azul. 

En el grupo se encuentran igualmente Rococó o Du Quois (Harry Ditson) , Tour Eiffel o Déjà Vu (Jim Carter) , el resistente negro Chocolate Mousse (Eddie Tagoe) así como Latrine ( Dimitri Andreas). Nick está molesto por el amor residual de Hillary por Nigel, pero acepta que deben trabajar juntos por la causa. 

Después de luchar contra un ataque de los alemanes, son alertados de que en la Resistencia hay un misterioso traidor, tras eso van a un restaurante de pizzas, donde Nick demuestra que no es el traidor cantando para los locales con una de sus canciones (sospechosamente parecidas a las de Elvis Presley, The Beach Boys y Little Richard), Ahora el objetivo de Rivers y de Hillary Flammond (Gutteridge) junto a la Resistencia es liberar a su padre el brillante científico que está en manos de los alemanes y al que obligan a construir la mortal mina Polaris. 

El grupo de resistencia organiza un rescate del Dr. Flammond, donde Nigel y Du Quois o Rococó, se visten con un traje de vaca falso para desactivar las defensas de la prisión. Mientras los otros miembros se infiltran con éxito en la prisión, Nigel se revela como el traidor. El Dr. Flammond es rescatado, pero Nigel se va secuestrando a Hillary, y Nick se ve obligado a rescatarla en una pelea . Será el Doctor sacado del país en un avión.

Con el vuelo a punto de partir, Hillary decide irse con Nick y su padre a América. El bien ha vencido y la película terminado. 

La película fue rodada en Gran Bretaña en el verano de 1983. En concreto en diversos condados como Middlesex, Slough Berkshire, Cornwall, Buckinghamshire, Northamptonshire, Cambridgeshire. 

En concreto se rodó en Osterley Park House como si fuese Berlín en Isleworth (Middlesex), en Fulcrum entertainment centre, en Thames Hall (Slough Berkshire), en las playas de Holywell Bay de Newquay y en Godrevy en St Ives (ambas eb Cornwall) , en Rockingham Castle de la localidad de Corby (Northamptonshire) como la prisión y castillo, en Nene Valley Railway de Peterborough, (Cambridgeshire) , y sobre todo en los Pinewood Studios sitos en Iver Heath (Buckinghamshire). Las secuencias de surf se filmaron en Holywell Bay, Cornwall, Reino Unido (a unas pocas millas de la costa de Newquay, una popular ciudad de surf). Las palmeras eran falsas, y la choza de surf era, de hecho, la choza del salvavidas real (que todavía está allí). La playa es reconocible por las dos grandes formaciones rocosas ubicadas a la izquierda de la playa, aproximadamente a 100 metros del mar. 

Una escena cuando Nick llega por primera vez a Berlín muestra un mapa con solo los lugares "París", "Berlín" y "Pinewood". La película fue filmada en los estudios de Pinewood. 

La película se estrenó el 8 de junio de 1984 consiguiendo una taquilla que casi doblaba lo invertido -$ 20.5 millones- que había sido de $8.5 millones, cuando su antecesor Airplane! solo costó $3.2, pero muy por debajo de lo esperado sobre todo tras el gran éxito de Airplane! con lo que las expectativas del grupo ZAZ (Zucher, Abrahams, Zucker) no se cumplieron. 

David Zucker declaró que "Eramos fans de las películas en blanco y negro sobre la Segunda Guerra Mundial. Pero eso no era suficiente, queríamos hacerla contemporánea. Ese fue el concepto de ‘Top Secret!’: no necesitaba ser realista, tendría un alto grado de locura – incluso el tema que habiamos elegido era bastante loco, un híbrido entre los musicales de Elvis y las películas de espías. Y casi estaban trabajando en ello - como dice Aznar- desde el guión desde Airplane! "pero no pudimos averiguar cómo hacerlo. Hicimos intentos repetidos de combinar una película de rock and roll con una película de la Segunda Guerra Mundial, pero fue muy difícil de hacer ... Ya teníamos ideas para las escenas que queríamos Hacemos y tratamos de encajar en la trama alrededor de esas escenas ". 

Además del trío ZAZ contaron para el guión con Martyn Burke. "Si no fuese por Martyn nunca habríamos acabado," dijo Jerry Zucker. 

Kilmer fue contratado después de verle en la obra teatral Slab Boys con Sean Penn y Kevin Bacon.​ Val. que debutaba en el cine, y que en ese momento salía con Cher, triunfó en la prueba presentándose vestido como Elvis Presley. "Me gusta pensar que es el papel que Elvis nunca obtuvo pero que debería tener", dijo Abrahams. Las canciones que Val Kilmer canta en la película en realidad son interpretadas por el mismo Kilmer y se presentaron en la banda sonora de la película lanzada en 1984 bajo el nombre de Nick Mermer, el personaje de Kilmer. Se sacó un LP de la banda sonora de la película con el canto de Val Kilmer y bromas, como un tiempo de reproducción total muy breve, y desde entonces se ha convertido en un objeto de colección. Después de que Nick termina de cantar en el restaurante, se puede ver a un músico con una banda para la cabeza golpeando su guitarra. Esta es una referencia a Pete Townsend de The Who.

Para su compañera protagonista se eligió a Lucy Gutteridge, la valiente resistente hija del científico, que había trabajado en la Royal Shakespeare Company. En su autobiografía "The Varnished Untruth", Pamela Stephenson recuerda que hizo una audición para el papel de Hillary Flammond, pero luego escuchó a través de su agente de casting que Zucker, Abrahams & Zucker estaban buscando a una actriz francesa. Stephenson le pidió al agente de casting , Todd Smith, que le consiguiera una segunda audición, esta vez haciéndose pasar por la actriz francesa "Danielle Bergeronette". Al final de la reunión, se quitó la peluca y se echó a reír con los tres directores, pero aún no obtuvo el papel. 

A fin de garantizar un dispositivo de maquillaje adecuado, Peter Cushing se puso una máscara. Esta máscara permaneció almacenada durante más de 30 años hasta que fue utilizada por los artistas de efectos visuales durante la creación de ROGUE ONE para ayudarlos a generar una duplicación de captura de movimiento CGI de rasgos faciales de Cushings en el rol de Gobernador Tarkin. Fue de hecho la última aparición en una producción estadounidense de Peter Cushing. La mordaza visual de Peter Cushing y la lupa es una parodia de una foto similar de Cushing de La maldición de Frankenstein de Terence Fisher (1957). 

La escena en la que Hillary y Nick entran en la librería sueca fue puesta en escena, filmada y luego ejecutada hacia atrás para hacer que el diálogo suene "único". Si graba la escena y la reproduce al revés, encontrará que todo el diálogo es exactamente lo que se muestra en los subtítulos, excepto el título del libro que Hillary solicita. El título que realmente pide es "Europe On 5 Quaaludes A Day". 

Fue una película con ingenio y ese ingenio y humor (como el teléfono y el ojo gigante) se tuvo que aplicar a muchas cosas como a las vacas. Las vacas odian que les pongan cosas en el pie, así que para que una usara dos pares de botas Wellington, se tuvieron que cortar los fondos y luego las botas se unieron a las patas de la vaca con Velcro. 

Se muestra a Jeremy Kemp llevando la medalla The Blue Max alrededor de su cuello. Estuvo en la película de 1966, "The Blue Max", y su personaje en esa película ganó la medalla al obtener 20 muertes aéreas. 

Los directores estaban muy contentos de que Omar Sharif aceptara el papel de agente británico, por lo que lo invitaron a una cena después de que completara sus escenas. Sharif aceptó la invitación y le prepararon una cena muy especial. Pero no se presentó, y pronto se descubrió que ya se había ido de Inglaterra. Cuando más tarde se le preguntó por qué no había venido, respondió: "Es una tradición en mi cultura no 'rechazar' cualquier oferta. Ejemplo: alguien le ofrece una bebida, debe aceptarla aunque no la tome. . " Sin darse cuenta, ZAZ disfrutó de una cena muy cara, todos ellos solos. 

En la película con acento alemán se emplea mucho yiddish y el latín hablado por el sacerdote en la prisión de Fleurgendorf en el camino a la sala de ejecución son frases aleatorias, tomadas en parte de las profesiones religiosas, médicas y legales, con otras palabras y nombres. 

Como se menciona en los créditos de la banda sonora, la canción interpretada como el "Himno Nacional de Alemania Oriental" es una versión ligeramente modificada de la marcha de Shorewood, Wisconsin High School ya que Jim Abrahams, Jerry Zucker y David Zucker son todos alumnos de Shorewood High School. 

Por ultimo señalar que , a pesar de que hay cameos, no se acercan a los de su éxito anterior. Como señaló uno de los Zucker: "Ya habíamos hecho eso y no queríamos repetirnos" dijo Zucker."La lección que tomamos de la anterior. Se trataba de llenar 90 minutos con chistes, y tienes una película ", reflexionó David Zucker más tarde. "Con 'Top Secret', es muy divertido, pero en realidad no es una buena película. Realmente no tenía una trama o personajes reales o una estructura real". 

En cuanto a la crítica decir que Roger Ebert aplaudió el humor, señalando que "describir la trama sería un ejercicio inútil" y "Esta película irá alegremente a reír donde sea que sea posible encontrar una". 

Para el historiador de cine Leonard Maltin la describió como: "Probablemente una tontería, con muchas risas pero sin mucho ímpetu ... y ¿dónde está el final? 

Ya en España Fernando Morales en El País comenta que es "Desternillante y alocadísima producción que se sitúa entre lo mejorcito del tándem Abrahams-Zucker. Una comedia de espionaje llena de imaginación y con unos gags decididamente divertidos. Lo pasarán en grande."

Es una película entretenida, sorprendente en el sentido de ver a grandes actores interpretando pequeños papeles, pero no deja de ser una película intrascendente, con un grupo de directores y guionistas que conocen a los emisores , el contexto y los códigos que conoce el lenguaje cinematográfico en el sentido lingüístico, que te lleva a la sonrisa, pero no es un secreto a voces que está muy alejada de lo inolvidable. 

Primero y último

Esta película la he visto en dos partes, como otras. Pero esta en concreto ha sido por lo mucho que me ha aburrido. Es cierto que anoche terminé de verla, tras ver con mis hijos el último episodio de la nueva temporada de una de sus series favoritas, Dr. Who, la séptima en su nuevo recorrido por la BBC.

Está compuesta por cinco episodios: El manicomio de los Daleks;  Los Dinosaurios en el espacio;  Una ciudad llamada Misericordia; El poder de tres; y por último, Los Ángeles toman Manhattan. Una corta pero intensa temporada en la que Emy y Rori Pond son los auténticos protagonistas.

Sin embargo, de la película que voy a reflejar aquí es la conocida en España como El primer caballero, “First Knight” en su versión original, o como se la conoce en Argentina como Lancelot, el primer caballero. Se trata de una película de 1995 dirigida por un especialista de la comedia Jerry Zucker que parece no dar con el drama, ni con la aventura, ni la acción. Ni tan siquiera con el vestuario.

Parece mentira que una productora seria como la Columbia Pictures apostara por este filme de aventuras artúricas. La producción estuvo en manos de Hunt Lowry y del propio Jerry Zucker – quien para ahorrar metió algunos familiares tal como se ve en los títulos de crédito- . El diseño de producción fue cosa de John Box. La distribución fue de Sony Pictures.

El guión fue perpetrado por Lorne Cameron, David Hoselton y sobre todo por William Nicholson inspirándose en la novela francesa “Lancelot ou le Chevalier de la charrette” de Chrétien de Troyes (1135-1190), que expone la relación entre un vasallo amante y una señora dama.

La música, casi lo mejor del filme fue cosa de Jerry Goldsmith, mientras que la fotografía lo fue de Adam Greenberg y el montaje responsabilidad de Walter Murch.

La película está protagonizada por  Sean Connery como Rey Arturo, Richard Gere como Lancelot, Julia Ormond como Lady Ginebra, Ben Cross como el malvado Príncipe Malagant, del ya fallecido Sir John Gielgud como Oswald, Valentine Pelka como Sir Patrise, Jane Robbins como Elise, Liam Cunningham como Agravaine, Colin McCormack como Sir Mador,  Ralph Ineson como Ralf,  Stuart Bunce como Peter, Christopher Villiers como Sir Kay y Marie Coffey.

Estamos en plena Edad Media, en un Reino como el de Camelot, donde tras cierta estabilidad dada por el rey Arturo ha vuelto el miedo, la brutalidad de algunos señores, y el temor a la violencia. Es una época de amor, honor, traición y pasión en el Reino de Camelot.

De pueblo en pueblo, y de bosque en bosque, cabalga un misterioso jinete, armado con su espada, que domina con enorme habilidad, y sin un rumbo fijo. Se trata de Lancelot (Richard Gere), un hombre que no espera recibir nada ni mañana ni hoy, y al que no le ata ningún lazo a ninguna parte ( a mitad de película sabremos el por qué).

La primera vez que lo vemos es en un pueblo, y haciendo una de sus demostraciones de destreza con la espada frente a un granjero loal. Tras ganarse la admiración de todos, monta su caballo y se va. Tras su marcha se va a producir un ataque al pueblo por parte de unos siniestros jinetes capitaneados por el no menos siniestro príncipe Malagant (Ben Cross).

Ante la presión que sienten los aldeanos, éstos marchan a pedir auxilio a  Lady Ginebra. La reina, recientemente huérfana de padre, siente como  sobre su reino , Leonesse, existe una mayor presión por parte de Malagant. Ante esto y aconsejado por su consejero  Oswald, opta por contraer matrimonio con el rey de Camelot, Arturo, amigo de su difunto padre, y lo hace movida por dos razones: el respeto y la admiración que siente por él y la necesidad de que éste proteja su reino, Leonesse.

Días más tarde, y a unos kilómetros de allí, un cortejo de pajes, criados y caballeros atraviesa un bosque . Se trata nada menos que de la comitiva que lleva a Lady Ginebra (Julia Ormond) hasta Camelot, donde se encontrará con su futuro marido, el rey Arturo (Sean Connery). Al llegar a un claro, la comitiva sufre una emboscada por parte de infantes y jinetes de Malagant, y Ginebra huye del lugar, siendo perseguida por dos individuos. De repente, aparece Lancelot, quien, haciendo gala de sus habilidades, despacha a los dos tipos y rescata a Ginebra, quien queda muy impresionada por la apostura, gallardía, valor y destreza del caballero.

 

Cuando todo se calma, Ginebra se reúne de nuevo con su comitiva, que, al anochecer, llega por fin a Camelot, un fantástico reino donde reina la justicia y la paz, impartidos por el mítico Arturo y sus caballeros, quienes reciben a su futura esposa y reina, respectivamente, en las afueras de la ciudad. Pero cuando el destino hace que llegue a Camelot el apuesto caballero Lanzarote, surge de inmediato el amor entre ellos, lo que sitúa a Ginebra ante el dilema de elegir entre el rey o Lanzarote.

Pasados unos días, se celebra una sesión de la mesa redonda, donde Arturo y sus fieles servidores debaten lo ocurrido durante el viaje de Ginebra. En mitad de la reunión, irrumpe el mismísimo Malagant, pero para dialogar con Arturo, quien le hace observar que el sitio que una vez fue ocupado por él en la Mesa Redonda está vacío todavía, y que podría volver si quisiera. Tras imponer unas condiciones imposibles, Malagant se va.

A la mañana siguiente se celebran unos juegos especiales para celebrar la próxima boda del rey. Uno de los juegos más divertidos (y peligrosos) consiste en atravesar un tronco de árbol, mientras hachas, lanzas y mazas oscilan ante las narices del valiente jugador, quien, con habilidad y provisto de un traje protector, debe sortear todos esos peligros oscilantes. El premio: un beso de la futura reina. Lanzarote se presenta voluntario para el juego, y lo gana sin ponerse ninguna protección.

Tras presenciar el espectáculo, Arturo manda llamar a Lancelot, y se queda impresionado por la voluntad del mismo en querer continuar su vida errante, en vez de la de caballero. Esta impresión aumentará cuando, tras ser secuestrada Ginebra por jinetes de Malagant, Lancelot penetra en sus territorios y la rescata, y tras lo cual finalmente le nombra caballero de la Mesa Redonda.

Pero algo que fue creciendo entre Lancelot y Ginebra con cada encuentro de los dos va a complicar las cosas mucho las cosas, especialmente cuando Malagant inicia la conquista del Reino de Leonesse. Tras la victoria de las tropas artúricas, Lanzarote siente la necesidad de huir pues siente un amor irrefrenable sobre Ginebra. Ella en la despedida le pide que la bese, pero mientras se produce el beso apasionada entra Arturo, que indignado propone la celebración de un juicio, no por su honor, sino por traición al Reino. Mientras se produce el misma, Malagant invade Camelot y en la batalla Arturo es mortalmente herido, mientras que Lanzarote derrota y mata  al cruel y siniestro Malagant. Tras esto Ginebra y Lanzarote se reencuentran en el lecho de Arturo, mientras que el mismo fallece. Declarando previamente su admiración hacia Lanzarote y su inminente viuda.

La película tuvo un presupuesto de 75 millones de dólares ($, USA) y generó por la venta de taquillas la cantidad de 127 millones en dólares ($). Pormenorizadamente la película obtuvo una suma de 37.600.435 dólares en el mercado estadounidense y 90.000.000 dólares en otros mercados extranjeros. El total recaudado alcanzó lo dicho, los 127.600.435 de dólares en todo el mundo.

 

Reconozco que la película – para ser de aventuras – no me ha parecido ni buena, ni entretenida, tirando para ser plúmbea en algunos momentos, dado el exceso de edulcoramiento entre Lanzarote y Ginebra, o entre ésta y un envejecido Arturo. Algunas escenas de batallas no están mal, como la previa a la reconquista de del reino de Leonesse por parte de las tropas de Camelot, o la persecución en el bosque del carruaje de la princesa Ginebra. Poco más que contar salvo algunas escenas que rozan el ridículo como la primera aparición de Arturo en lo que pudiera parecer un baile de salón con antorchas o en la conducción de agua vía hojas tras el rescate de Lanzarote de su amada. Insisto escenas que rozan el ridículo.

 

De ella dijeron algunos críticos norteamericanos como Roger Ebert en el Chicago Sun-Time que la "La película es suficientemente entretenida a su modo, (...) pero comparando con otros previos films 'Rob Roy' & 'Braveheart',…, éste parece menor y menos convincente”. En la revista cultural Rolling Stone Peter Travers dijo "Cuando Zucker deja de amontonar escenas de batalla como si estuviera dirigiendo 'Braveheart', su película emite un hechizo romántico." Bueno, creo que esto es discutible.

En España fuimos menos complaciente con la película, con este primer y último caballero,  Miguel Ángel Palomo en el Diario El País señaló que eran "Aventuras medievales de tarjeta postal (...) oda al empalago, en la que el cine permanece ausente." a pesar de momentos con lucidas batallas a espadas, pintorescas escenografías como la de la prueba o el castillo del malvado sir Malagant y los elegantes – y en muchos casos horteras- vestuarios.