Fuego

Claire Denis es una directora singular, creadora de imágenes impactantes que no suelen pasar inadvertidas. En sus películas el sexo tiene una buena presencia y suele contar como actriz fetiche con Juliette Binoche. 

De estos postulados se han cumplido algunos no todos en la película fuego aunque su título en francés es Avec amour et achanement, que significa "Con amor y determinación" una historia centrada en un triángulo amoroso , en el que una mujer que comienza a replantearse su actual relación el día en que vuelve a ver a su antiguo amor. Las responsables del guion son las mismas Claire Denis y Christine Angot , cuya novela Un punto de inflexión en la vida de Christine Angot es la que es llevada a la gran pantalla. En la misma trabajan en la dirección de fotografía, Éric Gautier; mientras que el responsable del sonido fue Jean-Paul Mugel, Emmanuelle Pencalet en el montaje, quedando el vestuario en Judy Shrewsbury, la decoración en Arnaud de Moleron y la música original de Stuart Staples. En la producción está Olivier Delbosc como productor principal respaldado por la productora Curiosa Films.

Cuando se conocieron Sarah (Juliette Binoche) , la protagonista, vivía con François (Grégoire Colin) el mejor amigo de Jean (Vincent Lindon). Ahora, Jean y Sara se quieren y viven juntos desde hace 10 años. Los conocemos en el agua, dándose un baño en el mar. Parece estar enamorados. 

Un día Sarah cuando está a punto de entrar en la sede de la emisoria de radio en la trabaja, ve a François de nuevo y aunque él no se da cuenta, a ella le invade la sensación de que su vida podía caminar repentinamente.

Casi , en paralelo, nos enteramos que François ha ofrecido un trabajo a Jean que está en paro y que no tiene ni para tener una tarjeta de crédito.

Sarah comienza un peligroso juego en el que pone sobre el tablero la vida que hasta entonces tenía. Esta mujer inicia la búsqueda de un deseo el de encontrarse a sí misma y esa libertad que añora en un mundo que siempre le ha puesto reglas. Sin embargo aclarar su duda le supondrá un gran coste personal y sobre todo emocional. 

Ella mantiene con ya una relación aparentemente normalizada llegando bien que él tenga que ir a otra localidad en muchas ocasiones para atender a su madre anciana, Nelly (Bulle Ogier) y a su hijo, Marcus (Issa Perica), fruto de una relación anterior con Gabrielle (Mati Diop), que vive con ella en otra localidad, en Vitry y en plena pandemia de COVID. 

Su hijo, con el que mantiene una tensa, pero dolorosa relación, fruto de una relación anterior en mestizo pero se siente insatisfecho consigo mismo. No sabe que estudiar o al menos a su padre no le parece bien lo que ha decidido incluso acepta postulados políticos intransigente sin rigor y sin principios claro. De hecho, en ocasiones desaparece así que va a buscarlo. Lo reencontramos junto a su madre. 

Jean a pesar de tener su propio proyecto relacionado con el deporte acepta trabajar en la agencia de François , una agencia para descubrir a jóvenes deportistas (jugadores de rugby) con potencial. 

La relación de Jean con Sarah se va deteriorando especialmente cuando Sarah inicia una relación intensa con François que quiere recuperar esos 10 años de alejamiento. El primer encuentro es un flechazo entre la antigua pareja. Desde entonces mantienen una relación amorosa. Además François no oculta la relación que tiene con Sarah y se lo hace saber a Jean, un día cuando lo espera incluso en la casa de Sarah, esperando a Jean.

Jean recibe toda una información sobre los sentimientos de François y Sarah, mostrando a Jean los mismos mensaje que el ex marido dice tener de Sarah, y auqnue ella le quiere rebatir, lo cirto es que niega las acusaciones con poca convicción. Jean amenaza con romper todo en la casa, aunque finalmente parece romper su relación sin gestos físicos algunos. 

Llama la atención, además, que Jean pasó por la cárcel aunque no tenemos muy claro el motivo,  posiblemente, por violencia de género fuese la razón. El hecho de que ella reconozca que tiene una escopeta cargada en un armario pudiera ser. 

Finalmente la relación entre Sarah y Jean acaba rompiéndose aunque parece que a ella lo que más le molesta es que este ponga en duda sus palabras, su compromiso, incluso, su móvil. 

En los títulos finales vemos que Jean está junto a su hijo Marcus oteando a jóvenes jugadores. 

El rodaje tuvo lugar principalmente en París entre diciembre de 2020 y enero de 2021 , y , en parte, se rodó en los locales de radio RFI durante el mes de enero, ya que ella trabaja en la Radio, y cerca del Canal Saint-Martin , aunque también se rodó en una playa como vemos a inicio de la película, así como en el Estadio de Bayonne. 

La película cuenta con intervención a través de videoconferencias de periodistas en Beirut sobre la migración libanesa o sobre el exfutbolista Thuran sobre el racismo en Francia. 

La película ganó el León de Plata la mejor dirección en la edición de la Berlinale de 2022. 

La prensa se mostró en general favorable a la película, tanto por su interpretación como por su guion. Para la revista Elle , el largometraje está “servido por magníficos intérpretes, un formidable thriller marital, con palabras como armas letales” . 

En Les Inrockuptibles destaca el logro con una “cineasta [que] explora los trastornos de la esquizofrenia romántica con un talento deslumbrante” . 

En su reseña, L'Humanité, el diario fundado en 1904 por Jean Jaurés,  destaca, entre otras cosas, "la mirada aguda de Christine Angot sobre la pareja y el amor que duele, así como el talento de Claire Denis para filmar cuerpos impacientes" e invita a ver la película por "la fascinante partitura interpretada por Juliette Binoche y Vincent Lindon, en su mejor momento” . 

En  la versión francesa de Slate.fr , Jean-Michel Frodon subraya que "la belleza orgánica del cine de Claire Denis circula allí, en esta fluidez que ninguna resolución, ninguna revelación, ninguna traición puede eludir y mucho menos explicar. " 

El sitio web Critikat.com muestra algunos matices sobre la película . Para su crítico, la película, “que aspira claramente a una cierta dureza (...), abunda en secuencias desagradables: salvo algunas excepciones (...), todo es gris, bloqueado, sin profundidad, mientras que la elección del ámbito contribuye al martilleo de la misma dinámica (...) y al aplastamiento generalizado de rostros” . 

Para La Voix du Nord , el largometraje se divide en dos con una primera parte cuyo “aura de misterio, incómoda y excitante, se desvanece en una segunda parte mucho más esperada, sin matices, escrita de antemano”. 

Más incisivamente, Libération habla de una “experiencia [que] es extremadamente desagradable, y se nos ha escapado el interés que deberíamos encontrar en ella” . 

En Le Figaro el que escribe comenta, lacónicamente,  que “los actores hacen el trabajo pero no todo es muy emocionante”

Ya en los Estados Unidos se apuntó que "Esta enrarecida relación a tres" - en opinión del crítico de Variety-  " es una rica exploración del deseo femenino". Por su parte, en la prensa británica, Jonathan Romney de Screendaily escribió que era "Una película quintaesencialmente 'denisiana' (...) Los duetos de [Binoche] con Lindon muestran a dos actores trabajando al máximo, con un nivel de consciencia y sutileza que compensan en una confrontación totalmente bergmanesca"  

Ya en España, Elsa Fernández Santos en El País consideró que "‘Fuego’: Juliette Binoche se quema en su triángulo amoroso. La cineasta francesa Claire Denis explora las pasiones maduras en un filme que se queda por debajo de sus posibilidades"Y añade ""El principal problema (...) es que Denis reduce al personaje de Binoche a una mujer errática (...) sin que su dilema nos acabe de importar. (...) Con todo, Denis sabe envolver su cine de tensión y misterio"

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC la película tiene "Todo (...) hay que peinarlo de los dolientes diálogos, de las miradas llenas de dobleces y de las interpretaciones un poco al límite de los protagonistas (...) Muchas dudas, buena película francesa. (...) " 

En Fotogramas Sergi Sánchez  considera que "Un triángulo amoroso que la cineasta deconstruye con su particular estilo (...) Podríamos decir que la película transcurre en una temporalidad emocional, y esa es la fuerza íntima que la alimenta, a menudo de una forma muy hermosa" 

En  El Cultural Juan Sardá afirma que es  "Es un drama bien hilado, muy bien interpretado (...) Es una película “adulta” que deja la impresión de haber visto a personas de carne y hueso enseñando las entrañas. (...) un filme notable" 

Por su parte, dos mujeres valoran muy positivamente la película. Es el caso de Paula Arantzazu Ruiz en Cinemanía "Una de las películas más deliberadamente ásperas de Claire Denis. (...) Una telaraña de mentiras, otra gran película de Denis. (...) "  ; y de Desirée de Fez en Fotogramas, al comentar que la película "Habla desde la piel, con la cámara atenta al cuerpo de los personajes, la ambigüedad de las emociones, las contradicciones del afecto y el conflicto entre el pensamiento y el deseo. (...) ".

París

Yo siempre he explicado en mis clases que la ciudad es un organismo vivo, que nace, se desarrolla, se multiplica y que, en ocasiones, fallece. Unas ciudades son más orgánicas que otras. Aquellas que son referencias mundiales, vamos, metrópolis, son más vitales que otras. Por su trazado de calles, casas, avenidas pululan las personas que casi siempre son anónimas , pero que ,en ocasiones, confluyen. En este caso la ciudad es la capital francesa y esa relación vital entre algunos de sus habitantes dan lugar a esta película coral dirigida por Cédric Klaspisch en las que las historias se entrecruzan.

*EC: En construcción

High Life

No esperaba encontrarme con una de ciencia ficción y terror  ¡sorpresa! la he encontrado. Lo curioso es que se trata de una película dirigida por un bastante clasica, aunque también heterodoxa directora como es la francesa Claire Denis, una directora superviviente de las grandes corrientes cinematográficas francesas, pero con personalidad propia. Estos es visible y mucho en una película como High Life. Se trata de una película del año 2018 escrita y dirigida por esta actriz, directora de cine, guionista y profesora de universidad. 

En una entrada de junio de este mismo año sobre la misma Denis no desarrollé tasgos biográficos algunas. Así que toca ahora. Se trata de una directora nacida en París pero criada a lo largo y ancho de antiguas  colonias francesas (Burkina Faso, Somalia, Senegal y Camerún), dado la actividad de   su padre, un funcionario público.

Indudablemente su paso por estos países marcó su personalidad y conciencia. Así que Denisque comenzó estudiando economía, pero abandonó la carrera , como uno que yo conozco bastante bien. La razón alegada por la polifacética artista era convincente: "fue completamente suicida. Todo me molestó". 

Tras eso pasó por el IDHEC , la escuela de cine francesa. Tras graduarse, trabajó como asistente de grandes directores unos franceses de origen o asimilados como  Jacques Rivette y Costa-Gavras; otros como Jim Jarmusch y Wim Wenders de otros lares. Todos tenían el común denominador de trabajar como directores  independientes y / o comprometidos con todo tipo de causas. De hecho es relativamente normal identificar a la directora en colaborando con otros integrantes de su colectivo. Ella ha declarado en alguna ocasión queb "la película se convierte en una relación ... y eso es lo importante, la relación". 

Suele trabajar con los mismos actores, especialmente Alex Descas, que trabajó con Denis hasta en 11 ocasiones desde 1990 hasta 2017 e Isaach de Bankolé, que apareció en tres de sus películas desde 1988 hasta 2009. 

No es raro ver en sus película a Vincent Gallo , Béatrice Dalle , Nicolas Duvauchelle , Juliette Binoche y Grégoire Colin. 

Suele mantener trabajos con su guionista de cabecera Jean-Pol Fargeau, con la que ha coescribió Chocolat (1988), Beau Travail (1999) y 35 Shots of Rum (2008) , Bastards (2013) y en 2018 Hign Life. También con el compositor Stuart Staples y el cinematógrafo Agnès Godard , a quien conoció en la década de 1970 en el Institut des hautes études cinématographiques . 

Cuando se le preguntó en una entrevista sobre su proceso de escritura de pantalla y repetir en sus colaboraciones con determinados actores , actrices , etc, Denis dijo: "A menudo me doy cuenta de que tengo en mente a Isaach o Grégoire u otra persona" al escribir . También declaró que por lo general "no realiza audiciones" para sus películas y eso que ella ha trabajado como como asistente de dirección con Wim Wenders en Paris, Texas (1984) y Wings of Desire (1987), y con Jim Jarmusch en Down by Law (1986) 

Su debut como directora fue con la película Chocolat (1988), una reflexión semi-autobiográfica sobre el colonialismo africano. Fue seleccionada para el Festival de Cine de Cannes y aunque fue criticada  por parte de la crítica como por el público. 

A esta siguieron otras como US Go Home (1994), Nénette et Boni (1996), Beau travail (1999), Trouble Every Day (2001) y Vendredi soir (2002). Ninguna de ellas estrenada en nuestro país, pero que le dieron una  reputación como realizadora cada vez más comprometida. Se dijo de ella que había «podido reconciliar la lírica del cine francés con el impulso por capturar la, a menudo, dura cara de la Francia contemporánea».

Desde 2002, Claire Denis es profesora de cine en la Escuela Europea de Graduados en Saas-Fee, en Suiza. 

Combinó su trabajo académico con el cine que nuevamente la llevó a África con la película White Material (2009), ambientada en un país no identificado durante una época de guerra civil. 

En el caso de High Life señalar que se trata de su primera película  en inglés y fue co-escrita por su colaborador Jean-Pol Fargeau. En el desarrollo de su guión ayudó el físico francés y experto en agujeros negros Aurélien Barrau que se integró como parte del proyecto como experto científico.

El artista danés-islandés Olafur Eliasson diseñó la nave espacial para la película en lo que fue  su primera experiencia cinematográfica.

Para esta película Denis consiguió el apoyo en la producción de Andrew Lauren, D.J. Gugenheim, Laurence Clerc, Oliver Dungey, Christoph Friedel, Claudia Steffen, Olivier Théry-Lapiney así como el respaldo de las productoras Alcatraz Films, Pandora Filmproduktion, Andrew Lauren Productions, Apocalypse Films, Arte, ZDF, Canal+, Ciné+ y la distribución de A24 y Thunderbird Releasing. La película contó con un presupuesto de €8 000 000.

En la múusica contó con su habitual Stuart A. Staples, quedando la fotografía en manos de Yorick Le Saux y el montaje en las de Guy Lecorne.

En cuanto al elenco nos encontramos con los actores Robert Pattinson como Monte, Mikołaj Gruss como el joven Monte, Juliette Binoche como la Doctora Dibs, André Benjamin como Tcherny, Mia Goth como Boyse, Agata Buzek como Nansen, Lars Eidinger como Chandra, Claire Tran como Mink, Ewan Mitchell como Ettore, Gloria Obianyo como Elektra, Victor Banerjee como el profesor, Jessie Ross como Willow, Scarlette Lindsey como la joven Willow y Joni Brauer y Johann Bartlitz como Willow recién nacido.

La película comienza con las imágenes de una nave espacial , en concreto en huerto de la misma  que está siendo regado, y cuando se desplaza descubrimos la bota de alguien semienterrada en el huerto.

Casi de inmediato descubrimos que la nave no está abandonada a su suerte, sino que en su interior hay vida. En concreto descubrimos a un bebé que es atendido telemáticamente por un austronauta que está en el exterior de la nave reparando un panel de la misma. El astronauta en el exterior intenta hacer reparaciones en la nave, pero los sollozos del bebé que escucha por los altavoces de su casco hacen que suelte la herramienta y la pierda en el espacio.

Tras eso descubrimos que el bebé tiene el nombre de Willow (Joni Brauer y Johann Bartlitz ) y que la persona que está en el exterior es su padre. Su nombre es Monte (Robert Pattinson ) y es el único adulto de la nave al menos con vida.

Poco después una vez que Monte atiende a su hija, después va a una zona en la que están los cuerpos din vida de sus compañeros y compañeras de viaje. Vemos que algunos parecen haber muerto de forma violenta.

Tras enfundarles en sus respectivos trajes espaciales los va depositando en el exterior de la nave , donde una vez fuera parecen responder a una ingravidez quedando inermes en el espacio.

Tras ese momento comenzamos a ver o ocurrido en la nave y antes de llegar a ella. Por lo pronto vemos que Monte era un  joven (Mikołaj Gruss  ) al que gustaba salir con una amiga. La muerte de su perro en un momento genera una reacción inesperada y Monte parece ser el responsable de la muerte de su amiga.

Sus compañeros de periplo espacial han vivido historia parecidas. En el fondo todos los y las  componentes de esta expedición interestelar responden a un mismo perfil. Son criminales que han reclutados con la esperanza, vana, por otro lado, de ser liberados si participan en una misión para viajar en una nave espacial hacia un agujero negro. La misión como objetivo encontrar una fuente de energía alternativa.

Lo que no sospechan es que , al entrar en la misma, todos ellos van a participar en un experimento de contenido reproductor que implicará igualmente mantener cierta tensión sexual.

Responsable en gran medida de este experimentación es la doctora Dibs (Juliette Binoche) , la responsable científica que participa en este proyecto siendo la principal autoridad de esta nave espacial que se dirige a los confines del sistema solar para el estudio igualmente de los agujeros negros.

Poco a poco vamos conociendo a los integrante de esta desgraciada expedición. Por medio de un flashback sabemos algo de una de ellas. En concreto de Boyse (Mia Goth ) una chica menuda, ligera , que huyó de casa , se metió en las drogas y acabó siendo detenida. Ella como los demás son unos inadaptados.

Boyse como el resto es tratado como un conejillo de indias por la Dr. Dibs. Esta sigue un programa para lograr en el espacio bebés por medio de la inseminación artificial. Es por eso que necesita continuamente semen de los varones y óvulos de las jóvenes que van. Siempre por ello son compensados con pastillas.

Sin embargo vemos que el experimento es producto de la obsesión de la médico, pero tras ella hay una compleja historia detrás pues ella es tan criminal como el resto , ya que en un momento le confiesa a Boyse que ella asesinó a sus dos hijos asfixiándolos en la cama y a su marido. No nos da razón para ello.

A pesar de que la fecundación se produce en ocasiones todavía no ha logrado nada debido a la incidencia de las radiaciones en los fetos y en los bebés.

Además de las complejas historias personales de los que van en la nave, hay una prohibición expresa: la actividad sexual entre prisioneros está prohibida. Para compensar la limitación, la nave está equipada con "The Box", un dispositivo utilizado por la tripulación para masturbarse. Vemos su uso en una espectacular escena con la Doctora Dibs.

También nos enteramos que Monte, es el único prisionero célibe, y rechaza, sistemáticamente, las insinuaciones de la Doctora Dibs.

Pero desde el asesinato de la chica Monte  ha renunciado al sexo, algo que añade más morbo a Dibbs, que alberga  la esperanza de que su esperma logre fecundar un óvulo de la chica más propicia y joven, Boyse.

El único amigo de Monte en la nave es un hombre de color Tcherny (André Benjamin ), quien ha dejado en la tierra a su mujer y su hijo. Es por esa razón por la que se siente atraído por el jardín porque le recuerda a la Tierra.

Por otro lado , el capitán de la nave, Chandra (Lars Eidinger ), que siempre se ha sentido tentado por la Doctora Dibs ha desarrollado una leucemia debido a la radiación solar y sufre un derrame cerebral. Antes de perder la conciencia, sólo tiene un pensamiento con respecto a Dibbs, que se la chupe, pero ella no cumple y finalmente Chandra es sacrificado por Dibs.

Poco después una de las prisioneras embarazadas, una chica de color de nombre Elektra (Gloria Obianyo  ) también muere junto con su bebé recién nacido.

En un ambiente cada vez más tenso, una noche, uno de los prisioneros más descarados,  Ettore  (Ewan Mitchell ) ata a Boyse y a su compañera de cuarto Mink (Claire Tran ) a sus camas e intenta violar a la primera.

Nansen (Agata Buzek  ), la rubia piloto, interviene, pero Ettore la golpea con violencia. Monte llega, separa a Ettore de Boyse mientras la está violando y le golpea brutalmente hasta dejarlo desmayado.

Cuando Monte lleva a Boyse para que la traten, Mink apuñala a Ettore lo que provoca su muerte en mitad del pasillo.

Dibs comienza a duplicar la cantidad de sedantes que recibe cada prisionero, y aprovecha esto para entrar en la celda de Monte y violarlo mientras está sedado. Luego se saca el semen que le ha aportado el joven e inyecta este semen en Boyse, quien dará a luz una niña sana. Todo ello sin saber que Monte separ que es hija suya.

Cuando la nave se acerca al agujero negro, la piloto Nansen se prepara para tomar un transbordador y dirigirse hacia el agujero negro. Sin el conocimiento de los otros prisioneros, Boyse mata a Nansen con una pala y toma su lugar.

Con ella en el interior del transbordador viaja a través de una nube molecular que altera su trayectoria y hace que se hunda en el agujero negro donde la nave explota.

Tras esto su amiga Mink  ataca a Dibs y la hiere, pero esta es asesinada por Monte. Con una malherida Dibs esta  le informa a Monte que el niño es suyo antes de lanzarse al espacio. La terrible situación hace que Tcherny se suicida abandonándose y Monte lo entierra en el jardín, como vimos al inicio de la película.

Ahora, el único prisionero superviviente, Monte , coge los cuerpos que quedan en la morgue de la nave, les pone en trajes espaciales y los libera al espacio como vimos al inicio de High Life.

Monte, como vimos desde un primer momento trata de cuidar bebé a quien ha llamado Willow. Willow llega a ser un adolescente. Ahora vemos que el tiempo ha pasado y ha dejado de mantenerse con cuidado. El huerto sigue operativo, pero las condiciones de la nave no son las mejores, Tampoco su ropa raída.

Pero mientras navegan encuentran una nave similar a la suyo. Monte aborda el barco, pero lo encuentra lleno de perros callejeros que han sobrevivido comiéndose unos a otros. Willow le ruega a Monte que traiga uno, pero él se niega, ya que la contaminación podría enfermarlos o matarlos.

La nave se acerca al agujero negro, y Willow convence a Monte de que han de entrar en el transbordador con ella y la atraviese. Monte toma la mano de Willow cuando una fuente de luz amarilla se hace cada vez más grande y los envuelve. No sabemos si habrá vida tras el agujero, y logran sobrevivir pues si se alcanza el límite de un agujero negro, ese punto de singularidad es una especie de eternidad donde el tiempo y el espacio son prácticamente cero, o mueren por el efecto de espaguetización o el estiramiento vertical y la compresión horizontal de objetos en formas largas y delgadas en un campo gravitacional muy fuerte.

Lo que si sabemos es que en este momento acaba la película y comienzan unos larguísimos minutos de títulos de crédito. Pocas veces han sido tan largos.

High Life tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto que tuvo lugar en de septiembre de 2018.

Claire Denis tuvo la idea del proyecto en mente durante quince años, desde el 2002.La idea de Claire Denis de crear un bebé en el espacio surgió después de leer sobre el físico Stephen Hawking, quien planteó esta posibilidad de exploración espacial ya que los humanos originales morirían a bordo antes de llegar a los límites exteriores del cosmos. El guion, que Claire Denis escribió con su antiguo colaborador, el guionista Jean-Pol Fargeau, se escribió por primera vez en francés. Sobre el mismo ha comentado que "tenía un guion que era naturalmente en inglés, porque la historia tiene lugar en el espacio y, no sé por qué, pero para mí, la gente habla inglés, o ruso o chino, pero definitivamente no francés en el espacio". Junto a su proyecto inicial se incorporaron al mismo el novelista Nick Laird que coescribió el guion de la película junto a Denis, Fargeau y Geoff Cox. Además, la esposa de Laird, Zadie Smith, contribuyó a los primeros borradores de la versión en inglés del guion.​ Pero debido a las diferencias creativas entre Denis y Smith, Laird y Smith abandonaron el proyecto como guionistas, aunque Laird más tarde quedó como consultor del guion. Lo cierto es que Smith quería que retornara la expedición a la Tierra y quería retitular la película a 'A New Life'. Según los productores, "el guión tomó forma mientras estábamos filmando. Hubo reuniones en las que los actores querían conocer a los personajes, estaban confundidos y querían saber más sobre cómo funciona el espacio. Tuvimos astrofísicos que vinieron a hablar con ellos. Claire [Denis] a propósito no necesitaba que sus artistas entendieran cada latido. Parte de esta película trata sobre lo desconocido y sobre personajes que no necesariamente entienden por qué están donde están ". Por otro lado, Denis declaró que había aspectos de su película que eran un homenaje al Solaris de Tarkovsky como el tema del jardín. Tar

Para documentarse  Denis fue al Centro de Astronautas de la Agencia Espacial Europea en Colonia con el fin de aprender aspecto sobre la exploración de los vuelos espaciales humanos antes de que la película comenzara a rodarse , así como recreaciones de algunas nebulosas como la de Orion, una nube interestelar de polvo, hidrógeno y helio ubicada en la Vía Láctea. siendo la más brillante y visible desde la tierra. Claire Denis pidió colaboración al astrofísico y filósofo francés Aurélien Barrau, quien se especializa en astrofísica de partículas, agujeros negros y cosmología.

Una vez concebida la idea y la base científica de la misma, Denis planteó el reparto. Inicialmente pensó en uno de sus colaboradores, Vincent Gallo, para el papel principal durante las primeras etapas del proyecto, aunque parece ser que ella escribió la película teniendo en cuenta a Philip Seymour Hoffman pero su prematura muerte trastocó el plan. Con respecto a Gallo lo cierto es que la idea original de High Life era 'un hombre y su bebé solos y hasta ahora perdidos en el espacio sin punto de retorno' y surgió como tal el día en que Claire Denis bromeó con Vincent Gallo mientras promocionaba la película de terror Trouble Every Day (2001). Durante una conversación ella le dijo : "Eres tan egoísta y tan insoportable que el único guión que podría escribir para ti es una película en el espacio, por lo que la película será solo sobre ti ".

Daniel Craig estuvo en cartera, pero se cayó de la misma. Sobre la historia de Monte Claire Denis declaró que su historia se basa libremente en el caso del asesinato en 1993 de un niño de dos años, James Bulger , que fue asesinado por dos niños de solo 10 años que fueron encontrados culpables y sentenciados a 15 años, convirtiéndose en los asesinos convictos más jóvenes del siglo XX. El guión original tenía solo 30 páginas con la descripción de algunas escenas clave y hechos científicos . Muchas de las decisiones y cambios tuvieron lugar durante el rodaje.

Más tarde, el proyecto llamó la atención de Robert Pattinson y, según Denis, "Un día, Robert Pattinson contactó con la persona que estaba haciendo el casting en inglés. Estaba intrigada pero pensé que era demasiado joven. Cada vez que iba a Londres para conocer a algunos actores, él estaba allí. Su deseo de trabajar conmigo nunca varió. Y ahora él lo ve un poco menos joven y es perfecto".

Además agregó: "Es extraño, sin embargo, porque sería difícil imaginar a alguien más diferente a Philip Seymour Hoffman físicamente, pero Robert es muy enigmático, con una presencia poderosa. Emite un aura que inmediatamente te da ganas de filmarlo."

Lo cierto es que en 2014, fue cuando Robert Pattinson se enteró del proyecto. Siendo un gran cinéfilo y amante de sus películas anteriores, quería trabajar con Denis desde que vio Una mujer en África (2009) por primera vez en 2010. Pattinson por su parte describió a su personaje  y dijo: "...es un criminal que se ofrece voluntariamente para una misión hacia un agujero negro, pero se da cuenta de que un médico a bordo también quiere hacer experimentación sexual con los humanos en el espacio".

A finales de 2015, Patricia Arquette y Mia Goth se unieron al elenco de la película. En septiembre de 2017, Arquette abandonó el proyecto, mientras que el resto del reparto, incluyendo a Juliette Binoche, como suele hacer en algunas de sus películas como ya ocurriera en Un sol interior,  se unió al mismo.

Claire Denis contactó a André Benjamin para interpretar el papel porque había visto su interpretación de Jimi Hendrix en Jimi: All Is by My Side (2013).

En cuanto a los bebés que hacen de Willow hay una referencia curiosa. Y es que Robert Pattinson ya conocía a Scarlett Lindsey, de 14 meses, la chica que interpreta a su pequeña hija Willow: es la hija de su viejo amigo, el músico Sam Bradley, a quien conoce desde sus días de escuela juntos en Londres. En principio fueron seleccionadas dos gemelas idénticas pero como dos días antes de que comenzara la filmación, Pattinson era consciente que no pudo vincularse con ellas, pues no dejaban de llorar tan pronto como las levantaba y se molestaban cada vez que estaba sin ellas su madre. Él y Denis viendo que no se sentían listos para filmar con ellos decidieron la noche antes de que comenzara la filmación, llevar a cabo una propuesta de Pattinson: preguntarle a su amigo si no le importaba que su hija saliese en la película. Así que volaron a Londres la mañana siguiente. Y asintió a la propuesta. De hecho, cuando la niña da sus primeros pasos lo hizo por primera vez delante de la cámara mientras filmaba.

El rodaje de la película comenzó en esa localidad alemana que es centro de la televisión y un plató inmenso como es Colonia en septiembre de 2017. A pocos kilómetros de allí estaba el EAC, el Centro Europeo de Astronautas, en el que el elenco y el director se entrenaron antes de comenzar la filmación. Otra parte del rodaje se desarrolló en la universitaria ciudad polaca cercana a Lituania como es Białystok. La filmación finalizó a fines de octubre de 2017.

Mientras filmaba en Colonia, Claire Denis regresó a París los fines de semana para estar al lado de su madre que estaba muriendo en un hospital. Denis declaró que debido a eso, la película final quizás terminó un poco más triste de lo que pretendía que fuera.

Como ocurre con todas sus películas Denis elige cuidadosamente los títulos de sus películas. Noëlle Rouxel-Cubberly argumenta que los títulos de las películas tienen la intención de obligar al espectador a repensar las imágenes dentro de la película y Denis usa inteligentemente los títulos para describir la realidad cruda que se encuentra en sus películas.  Según Claire Denis, el título High Life tiene que ver con la idea 'Alto' significa espacio exterior y 'Vida' para la vida que el personaje de Juliette Binoche quiere crear. Pero es sobre todo una palabra que proviene de la idea que muchos africanos tienen sobre la vida de los blanco: High Life.

El músico Stuart Staples compuso gran parte de la partitura antes de que comenzara la filmación. Cuando filmaron la escena de "la máquina satisfayer" , Juliette Binoche actuó con la música de fondo para que coincidiera con los movimientos de su cuerpo.

El artista conceptual danés-islandés Ólafur Eliasson, conocido por las esculturas y el arte de instalación a gran escala que emplea materiales elementales, inventó la instalación de luz amarilla del horizonte que representa la singularidad de un agujero negro al final de la película, que se presentó originalmente en la Fundación Louis Vuitton en París y también fue utilizado para su famosa instalación de arte 'The Weather Project' que representa el sol en el museo Tate Modern de Londres en 2003.

Claire Denis sobre la luz amarilla del horizonte en el final de las películas que representa la singularidad de un agujero negro inventado por Olafur Eliasson: "Lo que más me inspiró fue la luz dorada y amarilla que él inventó. Es lo que encuentras si ves dentro de un agujero negro". Es extraordinario cuando la piel humana está bajo esta luz: pierde color y se vuelve bronce. Es casi una transformación clínica. El disparo final no es digital: es cuando se abre para ser completamente blanco. Esto contrasta con el resto de la película: el uniforme rojizo para los prisioneros. Esto va en contra de la ciencia ficción habitual, con su brillante blancura que sugiere pureza, conquista, gloria. Quería un tono más oscuro, una sombra ".

Claire Denis  conocida por su apuesta que consiste en "rodar rápido, editar lentamente" tardó cerca de un año en montar y presentar la película. Tras llevar a cabo el trabajo en el set , pasa la mayor parte de su tiempo en la sala de edición, creando la película allí. Este proceso de postproducción a menudo implica reorganizar escenas fuera del orden en el guión. En referencia a este proceso, Denis ha dicho: "Siempre estoy insegura cuando hago una película. Tengo dudas sobre mí misma pero rara vez sobre los actores".

El estreno mundial tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2018 , eso sí la película provocó múltiples abandonos durante su proyección debido a la apuesta inquietante y provocativo. Pero a pesar de estas reacciones divididas de la audiencia, la película fue bien recibida por los críticos de cine que asistieron al festival.

Ese mismo mes de septiembre la película fue presentada a competición en  el Festival Internacional de Cine de San Sebastián a finales de mes donde fue Premio de Público. Poco después fue presentado en la Sección oficial , aunque fuera de concurso del Festival de Sitges.

Tras su estreno la película alcanzó una recaudación  muy por debajo de la invertido , llegando a quedarse en menos de los dos millones, en concreto, $1 785 962.

Claire Denis sobre la película: "La película para mí, no se trata tanto de ciencia ficción ... sino más bien ... de ternura en el espacio. Se trata de confianza, fidelidad y sinceridad. Sé que mis películas pueden ser brutales y violentas. pero esta ... para mí ... es una de las películas más conmovedoras que he hecho. Se trata del vínculo de un padre y su hija en esta nave espacial y para mí eso es muy emocionalmente poderoso. Es importante mostrar cómo la gente están sintiendo, incluso cuando son brutales. Pero se trata de la desesperación y la ternura humana ... sobre el amor, a pesar de todo".

A esto agregó "La película trata sobre sexualidad, no sexo. Sensualidad, no pornografía. La sexualidad trata sobre fluidos. Tan pronto como la sexualidad se agita en nosotros, sabemos que se trata de fluidos: sangre, esperma, etc. Pensé que fuese ese y funcionase el subtexto fluido, tuvimos que reducir el acto sexual a la masturbación. Me prohibí cualquier escena desnuda. Sin penes erectos, sin coños abiertos. Lo hicimos de otra manera: High Life habla solo de deseo y de fluidos. La película muestra muchos tabúes: sobre nuestros propios cuerpos, los tabúes de la intimidad y el tabú alrededor, por supuesto, el incesto. Es un tabú, pero existe ".

En cuanto a la crítica David Ehrlich de IndieWire dijo sobre ella que era una película más deudora de Solaris de Andrei Tarkovski que de Star Wars . Señaló que era "un estudio meditado y profundo de la vida humana al borde del apocalipsis".  Y añade es "Fascinante y elusiva (...)  Cautivadora y sublime"

Steve MacFarlane de Slant Magazine escribió que  "La película hace preguntas  sobre lo que realmente reside debajo de miles de años de progreso humano, un antídoto salvaje e inquietante diferente al idealismo de películas como Interstellar de Christopher Nolan o el Marte de Ridley Scott ' ".  Y añade "'High Life' es  tan sombría y febril como la del thriller de 2013 de Claire Denis 'Bastards' (...) "

Para Peter Travers en Rolling Stone la película "Plantea algunas preguntas que Denis, de manera perversa y provocativa, rara vez se molesta en contestar (...) Deja que la película juegue con tu mente (…) "

Justin Chang en Los Angeles Times señala que la película es "Brutal, hermosa y verdaderamente extraordinaria."

Jessica Kiang de Variety comentó que era una película "extraordinaria, difícil, hipnótica y repulsiva". Y sobre la directora comenta que "Claire Denis reorienta el género de ciencia ficción alrededor de cuerpos, bebés y agujeros negros en su magistral y desconcertante pesadilla espacio-temporal."

Jordan Mintzer de The Hollywood Reporter resalta que es   "Una película al mismo tiempo sensual y perturbadora, extrañamente fascinante y algo tediosa (...) En otras palabras: 'High Life' está repleta de contradicciones"

A.A. Dowd de AV Club dice de ella que "En términos de tono, estética y ritmo, es una buena incorporación al canon de una gran directora"

Para Manohla Dargis desde el The New York Times señala que "Pasan cosas, a veces ridículas e irritantes, a veces efectivas y sorprendentes (...) La presencia vívida de Pattinson y su voz en off íntima ayudan a una película que parece que está al borde de la desintegración"

Josh Lewis de la para mi desconocida The Film Stage comenta que "El sufrimiento del equipo es sombrío y opresivo, pero Denis nos invita a observarlo para entender realmente el poder de la convicción de Monte"

Jason Bailey de The Playlist escribe que "Es verdaderamente original, a veces extraña, a veces terrorífica, a veces pervertida. No 'funciona' de manera convencional."

Para  K. Austin Collins de Vanity Fair la película es "Fascinante (...) La película parece que es un estudio de los límites artificiales que ponemos a nuestros deseos"

Según Meagan Navarro de Bloody Disgusting se trata de "La sensación de lo terrible que puede llegar a ser la humanidad es lo que hace que esta obra de Claire Denis sea especialmente aterradora (…) "

En Gran Bretaña  Charles Bramesco en las páginas del The Guardian escribió que Denis había reconfigurado los "componentes familiares del género para crear un compromiso sorprendentemente nuevo con la cuestión de lo que significa ser humano".  Y , añade, algo con lo que estoy totalemnte de acuerdo "Aunque el género se ha explotado hasta la muerte, Denis aporta algo genuino a la conversación. Su respuesta es como alcanzar el orgasmo (…) " .

Para Allan Hunter de Screendaily la película "Revela lentamente sus secretos (...) Pattinson es la presencia dominante de la película (...) Él es el elemento humano más fascinante de la interesante, traviesa y provocativa obra de Denis"

Ya en España Jordi Costa en El País nos dice que la directora "Dirige su atención a la luz y a las tinieblas del espacio interior de los personajes (...) trabajo sobrecargado de estímulos poéticos e intelectuales"

En este mismo diario Carlos Boyero sostiene que "La siempre magnética presencia de Binoche no es suficiente para evitar que me muera de aburrimiento con una boba y cansina historia de ciencia-ficción que firma la prestigiosa (y para mi gusto, insoportable) directora Claire Denis"

Luis Martínez en El Mundo señala que se trata de una "Auténtica revelación (...) Se aventura por un lugar nuevo, turbio, revolucionario y, sin el menor atisbo de duda, fascinante. Todo es tabú por fin desvelado. El cine, y la vida, en alta definición. (…) "

Para   Nando Salvá de la edición catalana de El Periódico señala que "Es el tipo de película capaz de provocar el rechazo y la ira de buena parte de la audiencia. (...) es tan opaca, enigmática y provocadora como el cine previo de la directora (...) Película que sorprende, seduce y apabulla, que se queda en la mente y exige sucesivos visionados." Y Quim Casas aposta que "Va más allá de la ciencia-ficción (...) con secuencias especialmente violentas, otras de sexo agresivo, composiciones visuales desafiantes y un ritmo tan tenso como denso. (…)"

En ABC Oti Rodríguez Marchante dice que "Puede resultar tediosa y opaca, aunque su notable pretenciosidad, a pesar de la pobreza de su propuesta visual y técnica, invita a pensar que detrás del aburrimiento hay novedad y enigma intelectual que atrapar. (…)"

Para  Irene Crespo en Cinemanía "A la media hora de la película [en su pase en el Festival de Toronto], los espectadores comenzaron a marcharse. (...) No hay reglas en la entrada triunfal, compleja, controvertida y confusa que ha hecho Claire Denis en el género"

Y Daniel De Partearroyo también en Cinemanía señala que es un "Total agujero negro del corazón: la odisea erótico-espacial de Claire Denis y Robert Pattinson es tan gélidamente tierna como una caricia sideral. (…) "

En Fotogramas  Carlos Loureda comenta que  "Claire Denis pierde el rumbo y el control de su nave. (...) Narrativa a empujones con detalles poco explicables. Y lo más extraño: la ausencia de la habitual serena mirada de la cineasta sobre la pasión y los deseos."

Para Sergi Sánchez en la anterior se trata de una película  "Majestuosa (...) no hay ninguna película de ciencia-ficción que este crítico recuerde que se muestre a la vez tan atenta a los fluidos del cuerpo (...) como si los enigmas del universo fueran, en realidad, los enigmas del cuerpo. (…) "

Carlos F. Heredero Caimán dice de ella que es "Valiente y arriesgadísima (...) por momentos, resulta verdaderamente fascinante y que, en otras ocasiones, se muestra casi ortopédica, caprichosa en sus cambios de punto de vista y hasta plana en algunas secuencias".

En  Argentina con en todos los demás sitios ha habido división de opiniones. Diego Batlle en OtrosCines.com nos dice que "Un film tan audaz como perturbador. (...) Claire Denis hizo su 'Stalker: La zona', un viaje a la ciencia ficción que es a la vez personal, político y experimental. (...) "

Para Diego Lerer de MicropsiaCine.com se trata de una "Fascinante y confusa, mágica y a la vez agobiante, no se trata de una de sus mejores películas pero la muestra explorando nuevos caminos narrativos."

Pablo O. Scholz de Clarín "'High Life' es un filme que incomoda, que puede resultar tedioso. Su estructura tampoco es clásica. Y es hasta una rareza dentro de la filmografía de Denis, (...) Tómelo o déjelo."

Y Javier Porta Fouz de La Nación considera que "Denis sabe filmar peleas brutales, y en los (muy pocos) minutos en los que acontecen, 'High Life' es impactante y conmovedora. (...) este paseo autoral y letárgico de Denis por la ciencia ficción (...) se asume bajo el padrinazgo de 'Solaris' y 'Stalker', de Tarkovski."

Para Luciano Monteagudo Diario Página 12 "El primero de los muchos méritos de la nueva realización de la directora de 'Bella tarea' es el modo en el que va dosificando la información. (...) Claire Denis es también capaz de hacer films de una rara calidez y ternura, ajena a todo sentimentalismo."

Leonardo D’Espósito en la revista Noticias "Una película de ciencia ficción (de ciencia ficción real, de especulación sobre la ciencia, la ética y el futuro) que obliga al espectador a involucrarse en la reconstrucción de su trama (...) y a mirar el propio mundo de otra manera."

En ese país del que salen algunos de los mejores directores del mundo,  México,    Leonardo García Tsao en la La Jornada sostiee que "Denis ha hecho con frecuencia un cine arriesgado, pero inteligente. A menos que se trate de una simulada parodia, esta vez le falló la intuición."

Jesús Chavarría en La Razón en este caso de México señala que "A la francesa Claire Denis, no le basta con hilvanar líneas arguméntales que empujan a la reflexión, (...) sino que además transgrede y replantea los principios y creencias sobre los que se sostiene su dignidad."

Alonso Díaz de la Vega para El Universal "Es una de las grandes excursiones fílmicas de su directora y del cine contemporáneo. (..) Denis crea un viaje al espacio emparentado con la mística travesía de Stanley Kubrick, que resulta autónoma en lo visual con su inesperado minimalismo."

Susana Guzmán de la O en Cine Premiere escribe que "'High Life' es una constante invitación a la reflexión de la conducta sexual del ser humano con los elementos estéticos que caracterizan a Claire Denis. (...)"

Y Fernanda Solórzano en Letras Libres sostiene que la película "Funciona como una metáfora, al ilustrar de manera sigilosa dilemas y preguntas profundas en torno al sentido de la vida humana de cara a un futuro incierto."

Por mi parte decir que a la salida de la película y cambiando impresiones con algunos de los asistentes creo que ha habido ante la misma división de opiniones. A mi me ha gustado, puede que porque el género forma parte de lo que digiero mejor. La película parte de un planteamiento filosófico casi ontológico, el ser, en cuanto aparece desesperado ante lo absurdo de la existencia,  para transformarse en una elucubración científica. De ahí que me haya resultado atractiva. No obstante, no es fácil de digerir en su totalidad.

En cuanto influencias toda parece suponer que la referencia es Solaris de Tartovski, sin embargo, a mi me remite por lo apacalíptico a Silent Running . en España Naves misteriosas, una película de ciencia ficción post-apocalíptica, dirigida en 1972 por Douglas Trumbull. De hecho, aunque tenía mucho de substrato ecologista con Joan Páez en la música, lo cierto es que en su inicio así como en parte de su desarrollo con la muerte violenta de la tripulación me ha recordado la obra de Trumbull.

Creo que los personajes están muy bien desarrollados, Pattinson lo borda como Monte y Juliette Binoche destila sensualidad por todos los poros. La escena "satisfayer", aparte de estar magníficamente rodada, es tremendamente sexual, lúbrica, nunca mejor dicho lo que he escuchado sobre ella como directora. Pocos personas en el mundo de la dirección ruedan mejor los fluidos.

He leído que en muchas de sus películas en esta Denis  coloca a sus actores como si estuvieran posicionados para la fotografía fija. Gusta de tomas  largas con una cámara fija y las encuadra cosas rehuyendo de los primeros planos. Sin embargo, el enfoque cinematográfico y temático de Denis siempre permanece implacable en los rostros y cuerpos de sus protagonistas. Este es el caso de High Life una película de fondo y trasfondo que gusta de buscar por medio de sus planos, aunque en ella se suma el magnífico trabajo de sonido, las texturas, colores , composiciones  o fluidos.

Me ha gustado el proceso de narración pues va dando detalles en forma de pequeñas píldoras para que al final comprendamos la historia en su totalidad aunque hay brochazos con elipsis que nos puedan descolocar .

Sin embargo, frente a esa conclusión de que no hay nada más allá  del agujero negro lo que nos puede llevar a la angustia ya que el resultado final de la vida es la muerte, ella defiende como hemos dicho anterior frente a este No Future!!! una luz de para la esperanza. Compleja pero interesante.

Larga vida a la Binoche

Se dice, realmente se lo escuché al psiquiatra  Rojas Marcos, que una de las explicaciones de que las mujeres vivan más que los hombres se deba a que ellas verbalizan más sus sentimientos con otras personas. Ellas hablan de lo que sienten, de lo que sufren, de lo que aman. Hablan y, en ocasiones, lo hacen mucho y muy bien.

Juliette Binoche en el papel de Isabelle no para de hablar de su estado de ánimo . Lo hacen con sus amantes, con su ex marido, con sus amigos y con ese orondo personaje que interpreta aquí ese Obelix que se comió a Obelix, o sea, Gerard Depardieu, aquí casi como chamán o adivino que habla de lo venidero y que pide a la protagonista que esté "open".

La película, Un sol interior (Un beau soleil intérieur, en francés), dirigida por Claire Denis , directora entre otras de 'Bello trabajo' , me ha resultado en términos franceses "lourd" , trop lourd, mais (vuelvo a mi idioma) que si bien es cierto que es pesada, especialmente ella, reconozco su maestría como actriz aquí como siempre impresionante, pero especialmente deslumbrante en su madurez en esta coproducción Francia-Bélgica en la que intervienen CNC , Curiosa Films , FD Production , Ad Vitam Production , Versus Production , OCS , La Banque Postale Image , Le Tax Shelter du Gouvernem , Arte, Cofinova 11 y Cinémage 10.

Sin embargo, para mi los valores positivos son otros. Se encuentran en un montaje invertido cuyo final tendría que haber sido el principio y en el que el obeso visionario hace una lectura acertada de todo lo que va a acontecer. El hombre rico con portador de "toc" y de una soberbia casi - y sin el casi- repulsiva. El pesado actor que sólo habla de si mismo y que quiere lo que quiere- echar un polvo- , su ex marido con el que se le ve más apasionada y para el que ella es la más exigente, y así se van sumando candidatos al fracaso sentimental de una protagonista que no ve luz en su interior, que vive en sombras. 

Isabelle es una mujer que ha seguido adelante a pesar de ser madre soltera y una artista divorciada. Ella decide encontrar el amor verdadero pero se enfrenta solamente con aventuras que le provocan grandes decepciones.

Aparte del montaje, brillante, me ha parecido grandiosa la música , responsabilidad de Stuart Staples con toques de jazz muy adecuados que envuelven algunas de las secuencias. A esto se suman la buena fotografía de Agnès Godard y el guión escrito a la par por Christine Angot y Claire Denis partiendo del libro de Roland Barthes titulado "Fragmentos de un discurso amoroso".  

También a destacar la dirección que creo da vía libre a sus actores y en especial a sus actrices. Significativo es el largo diálogo que parece que no va a llegar a ningún sitio entre la Binoche y la actriz Josiane Balasko. No sólo se encuentran ellas en los papeles de Isabelle y Maxime. También en la película aparecen Xavier Beauvois como Vincent, Philippe Katerine como Mathieu, Bruno Podalydès como Fabrice, Gérard Depardieu como Denis, Laurent Grévill como François, Paul Blain como Sylvain, Nicolas Duvauchelle como el actor, Alex Descas como Marc y también sale Valeria Bruni Tedeschi.

Entre las críticas profesionales vemos que se mueven entre los elogios, la indiferencia y el malestar, este menor por parte de la crítica y mayor por parte de los espectadora a los que irrita el cine francés.

En Estados Unidos el más crítico es Bradley Warren en The Playlist que dijo que era "Un fracaso sin precedentes de Claire Denis (...) Espero que en su próxima propuesta Denis se tome su tiempo y se centre más en la imagen que en las palabras."

En el polo opuesto A. O. Scott del The New York Times sostiene y destaca que "La señorita Binoche es la fuente primaria de esta obra, la que lo cubre todo de luz. Todo lo que brilla está tocado por ella. Hasta las nubes."

Por su parte, Richard Brody del The New Yorker comenta que es "Una historia simple pero enormemente compleja (...) Es una profunda reflexión sobre la fluidez emocional que conforma las relaciones interpersonales formales dentro de la cultura francesa."

Para  David Ehrlich de IndieWire "Aunque 'Bright Sunshine In' - ese es el nombre que se le dio en Estados Unidos- no sabe dónde mirar para encontrar la luz, se lo pasa bien rebuscando en la oscuridad."

Ann Hornaday en The Washington Post escribe que   "Es Binoche, que aquí ofrece una de las interpretaciones más sutiles de su carrera, quien otorga a Isabelle el espíritu (...) que le permite ser más atractiva (...) que la patética figura que estaba destina a ser (…) "

Jordan Mintzer del The Hollywood Reporter indica que "Puede ser graciosa, incluso ligera, pero es increíblemente perceptiva con las vidas y las relaciones tan complicadas que tenemos, especialmente cuando hay miembros del otro sexo por medio."

En Variety  Guy Lodge deja negro sobre blanco el siguiente comentario "La deliciosa incursión de Claire Denis en algo parecido a una comedia romántica conserva todo el sello de delicadeza sensual de la directora."

Glenn Kenny en la clásica rogerebert.com "Tiene el toque de un maestro del cine [Denis] (...) La confianza que transmite la película procede en parte de aceptar las cosas que no se pueden saber (…)"

Por otro  A.A. Dowd de AV Club comenta que la película "Evita de manera extraña todo lo que asociamos con su estilo sensual y elíptico (...) La obra de una artista fascinada por lo corporal"

Para Bilge Ebiri del Village Voice "Denis coge los típicos elementos de un tipo concreto de comedia romántica (...) y los empapa de una paciencia y una sinceridad sexual inusuales para el género."

En el Reino Unido Jonathan Romney en Screendaily nos dice que se trata de "Una obra sumamente inteligente, bien interpretada y –a pesar de su lado cerebral– emocionalmente rica (...) Binoche está en su versión más relajada, de tal manera que no intenta ser graciosa constantemente"

Ya en  España Alberto Bermejo en El Mundo comenta que   "La película transcurre en un registro a medio camino entre el drama existencial y una variedad de comedia poco francesa (…) "

Para  Federico Marín Bellón en  ABC dice que hay que verla "Como tributo femenino a un tipo de personaje que el cine comercial desprecia, la cinta se merece un aplauso sonoro, aunque como espectáculo cinematográfico llegue a producir un tedio sordo (…) "

Beatriz Martínez en la edición catalana de El Periódico encantada con la película escribe que "Pero lo que hace realmente importante, doloroso y hermoso este relato en torno a la soledad y la indefensión frente al paso del tiempo es la sensibilidad a flor de piel que desprende la película (…) "

En Cinemanía  dos crítica una favorable , la de Daniel De Partearroyo que dice de ella quue "Es tan sorprendente como coherente con el cine de la directora (...) El tono ligero y la capacidad de identificación con los sinsentidos del amor hacen que la sala consuele sus propios desamores con carcajadas" ; frente a otra entregada , la de    Andrea G. Bermejo que comenta que  "La lista de secuencias que por sí mismas merecerían una vitrina en la historia del cine es larga (…) "

En Fotogramas  Philipp Engel señala que  "Binoche nunca ha estado tan absolutamente radiante como fotografiada por Agnès Godard en este deslumbrante film de la imprescindible Claire Denis, que vuelve a brindarnos una de sus obras mayores (...) Una pequeña obra maestra (…) "

La película, una fantasía romántica de una mujer que se acerca a la frontera de los cincuenta que siente la necesidad de amar , pero que vive un momento carente de romanticismo, según se lea o se vea,  destila pequeñas dosis de elementos cómicos cercanas a lo absurdo, pero tiende hacia la tristeza pero que vive lleno de contradicciones . Necesita amar, pero sus gestos , miradas , reacciones la alejan del amor.

Película que reitera el buen hacer de la actriz francesa a la que conocí en un color Azul, integrante en una trilogía, la del polaco Kieslowski , que sigue esplendorosa como siempre dentro de ese mundo dubitativo en el que vive.

Larga vida - y open también- para la actriz francesa que recibió por este trabajo algunos premios tras su presentación en la Sección Oficial del Festival de Sevilla, como fueron las nominaciones a Mejor actriz en el Premios del Cine Europeo y en los Premios César. Open, siempre open.

Copia certificada

Tengo sobre mi mesilla de la cama la revista de una empresa de producción y distribución cinematográfica que responde al extraño nombre de MK2.

Dice en su página de presentación en la red que " Emblema del cine de autor del mundo, mk2 es una empresa familiar fundada en 1974 por Marin Karmitz y hoy liderada por sus hijos Nathanael y Elisha Karmitz. Mk2 defiende una cinematografía de calidad y crea lugares de vida y descubrimientos creativos".

En la misma se abren tres pestañas. Una sobre sus producciones, otras sobre sus salas de cine y otra sobre su agencia. De la primera señala que Mk2 films produce, coproduce, vende y distribuye una docena de películas de prometedores y/ o reconocidos directores como Olivier Assayas, Jia Zhang-ke, Naomi Kawase, Xavier Dolan, Yorgos Lanthimos, Robert Guédiguian y Stéphane Brizé. La web informa que Mk2 también distribuye en Francia y en todo el mundo un rico catálogo de más de 600 películas entre los principales autores de la historia del cine, incluyendo un gran número de películas clásicas restauradas en HD y 2K: las colecciones Charles Chaplin, François Truffaut, Krzysztof Kieslowski, David Lynch, Buster Keaton, Claude Chabrol, Michael Haneke, Stan Laurel, la colección RKO son solo un ejemplo . De entre ellos que produjo y distibuyó sus películas incluye a Abbas Kiarostami, el director iraní fallecido en París en 2016 del que pude ver hace años unas de sus películas, A través de los olivos , allá por el año 1996 .

Una de las que produjo esta compañía fue "Copie conforme" o como se conoce en España Copia Certificada , película del año 2010 con la que Abbas Kuoristami compuso sus penúltimo trabajo, - el último fue Like Someone in Love o Raiku samuwan in rabu, aquí vendida con el título de Como alguien en el amor (2012)- ambas rodadas por primera vez fuera de Irán: en Italia y Japón, respectivamente.

Hoy hemos visto la rodada en Italia , concretamente entre Cortona en Arezzo y Lucignano, dos localidades del sur de la Toscana. Para empezar , antes de adentrarme en ella decir que lo mejor de esta pequeña / gran película es la manera de montar la narración, el hecho de jugar con varios idiomas ( el diálogo en la película discurre indistintamente en francés, inglés e italiano), la manera de encuadrar los planos, en los que en muchos momentos los actores trabajan cara a cara frente a la misma, la simplicidad de una historia de una relación de pareja agotada en la Toscana del año 2010, por decir algo , antes de que se me olvide.

La película es una coprodución de Francia, Bélgica, Italia e Irán, dirigida por Abbas Kiarostami y estrenada en 2010 con el nombre en francés de Copie conforme, o de Certified Copy en su distribución internacional. Participan en la película, pero como productores, los hermanos Marin Karmitz y Nathanaël Karmitz, a los que se unen Charles Gillibert y Angelo Barbagallo. El diseño de producción es de Ludovica Ferrario y Giancarlo Basili a través de la ya citada MK2 Productions , BiBi Film y Abbas Kiarostami Productions. La película contó con un presupuesto de € 3,8 millones y que recuperó en taquilla al alcanzar los $ 5.5 millones. Por cierto la distribución quedó en manos de Wanda Visión, estadio en el que, desgraciadamente, no tendremos al Atlético de Madrid en la final dado los resultado de hoy.

La película parte de un guión del mismo Abbas Kiarostami - un hombre y un artesano de todo lo vinculado con el cine guionista, montador, director artístico y productor , diseñador de títulos de crédito y material publicitario, pero también poeta, fotógrafo, pintor, ilustrador y diseñador gráfico.

El director iraní hace de la música una mínima expresión contando con dos canciones únicamente O surdato 'nnamurrato escrito por Aniello Califano y la música de Enrico Cannio y Dolce mamma de A. Albrizio , curiosamente una película sin específica banda sonora en la que participa, de hecho debuta como actor , un  importante barítono de ópera como es William Shimell.

En cuanto la fotografía de la película el encargado es Luca Bigazzi, mientras que la edición quedó en manos de Bahman Kiarostami.

La película está protagonizada como Juliette Binoche , William Shimell como James Miller, Jean-Claude Carrière como el señor francés en la plaza de Lucinagno, Agathe Natanson como la mujer en la plaza, Gianna Giachetti como dueña del café, Adrian Moore como el hijo de la pareja, Angelo Barbagallo como el traductor - también es el productor-, Andrea Laurenzi como la guía, Filippo Troiano como el novio y Manuela Balsimelli como la novia.

La historia comienza con un plano directo sobre una mesa que tiene como fondo una chimenea sobre la que van apareciendo los títulos de crédito iniciales de la película. Se mantienen un momento hasta que al terminar, aparece ante la mesa un hombre (Angelo Barbagallo) que , en italiano, anuncia que el acto, la presentación de un libro, comenzará con unos minutos de retraso puesto el autor se ha retrasado ligeramente, y no por el tráfico. Casi de inmediato hace su aparición en la sala el autor del libro. Se trata de un escritor británico James Miller (Shimell). Está en Cortona, esta localidad de la Toscana para dar una charla a un grupo sobre su nuevo libro, titulado "Copia certificada", que argumenta que, en el arte, los problemas de autenticidad son irrelevantes, porque cada reproducción es en sí misma un original e incluso el original es una copia de otra forma.

Mientras habla excusándose por el retraso y saluda al público en italiano, llega una chica a la sala. Va acompañada de su hijo. Tiene un asisento reservado junto a la persona que ha presentado el acto . Se trata de una mujer (Juliette Binoche), que asiste al evento con su hijo de 11 años. Su intención es comprar varios volúmenes de la obra de Miller con la intención de que éste firme varias copias del libro que ha comprado, pero ella ha de irse antes del fin del acto porque su hijo, además de jugar con su máquina, tiene hambre y se convierte en una distracción.

Ella deja su número de teléfono con el traductor de Miller. Al salir ellos de la sala, descubrimos que están en una pequeña localidad del sur de la Toscana. Ella va a un burguer y le pide a su hijo la comida y éste, con total naturalidad, además de recordarle todo lo que ella ha tenido que pedir, le pregunta sobre su relación con el escritor británico y sobre el hecho de haberle dado el teléfono al traductor.

Poco después vemos al escritor inglés que va a la casa de ella, mientras que descubrimos que es una galerista francesa. James tras volver a defender el valor de la copia frente al original ante la galerista francesa y elogiarle por tener abierta su galería un día como ese, domingo, Miller le sugiere a ella que salgan a dar una vuelta.

Ella propone tomar un café, pero ir prefiere ir a la calle, y, aunque previamente le da una vuelta en su coche por la localidad y , finalmente, el propone ver algo del campo. La mujer conduce sin rumbo mientras Miller firma los libros, y ellos hablan sobre el tema del libro, debatiendo los puntos más delicados. Miller señala que incluso la Mona Lisa es una "copia" de la mujer que modeló para la pintura, real o imaginaria. Ella habla de su hermana y de cómo adora ella a su marido un tartamudo que le llama MMMarie, algo que a ella le parece abominable , pero que le encanta a su mujer.

Ella finalmente lleva a Lucagnano por un carretera sinuosa al escritor pues quiere mostrarle allí un par de cosas. Lucagnanno es una localidad a la que van las parejas para consagrar su matrimonio y pedir por su larga duración.

Vemos que , efectivamente, el pueblo está lleno de vehículos con adornos nupciales y de parejas vestidas para la ocasión. El destino final es hacerse una foto ante el árbol de los casados , una forma escultórica dorada que favorece y refuerza a la pareja en el matrimonio.

Tras darse una vuelta por la localidad, ello lo lleva a ver un museo de arte para ver una famosa 'copia'. Se trata de una copia del siglo XVIII que fue vendida como arte romano. Después, no hace tanto se descubrió que el original estaba en Herculano.

Ambos vuelven a teorizar sobre el tema del libro y el justifica que no le importa que ese ejemplo no aparezca en el mismo. Poco después , a la salida del Museo, la mujer se angustia cuando recibe la llamada de su hijo.

Tras ello se queja de su hijo rebelde a Miller, pero parece defender el comportamiento del joven. Tras eso van a un café cercano para tomar un café, y mientras Miller sale para responder una llamada telefónica, la mujer del café, creyendo que Miller es el marido de la mujer, comienza una conversación con la mujer sobre el idioma en el que hablan , sobre el matrimonio y sobre él específicamente, y ella inmediatamente entra en el juega dando a entender que son pareja desde hace 15 años.

Después de que Miller regresa, y la mujer le hace consciente de su relación "asumida", los dos abandonan el café y la naturaleza de sus discusiones cambia:dejan de hablar del arte y sus especulaciones , para comenzar a hablar en francés e inglés y ahora se transforman en una pareja casada, que llevan 15 años, y que el hijo de ella es , precisamente, su hijo, el de ambos.

Sus discusiones ya no son especulativas, ni teóricas, las charlas sobre la vida y el arte van quedando atrás para presentarnos una desesperanzada historia de amor, aparentemente agotada, en la que están presentes los reproches, visibles absolutamente durante la comida, los malos prontos de él, su reacción porque no le gusta el vino es soberbia, en el sentido pecaminoso de la palabra , e infantil.

Ahora sus discusiones son personales sobre lo que ha sido la vida para ellos. El hecho de colocar él su carrera profesional por encima de su familia, el hecho de despreocuparse por su hijo, el no querer recordar la ilusión del pasado. Finalmente parece traslucirse el desengaño tanto de ella como de él por el matrimonio, aunque en ella todavía hay esperanza , poca parece pervivir en él.

La película acaba con el mirando a los tejados de la ciudad, mientras que aparecen los títulos de crédito , no siendo ni claro ni revelador cuál de las dos historias es la verdadera realidad de la película. Puede que ambas.

Dicen en filmaffinity que "Puede que sean dos desconocidos que juegan a hacerse pasar por un matrimonio o quizá se trate de un matrimonio que juega a hacerse pasar por dos desconocidos".

Parece ser que Abbas Kiarostami y Juliette Binoche se conocieron por primera vez a mediados de la década de 1990. Desde entonces ambos habían deseado trabajar juntos. En 2008 Binoche apareció brevemente en la película experimental de Kiarostami, Shirin .

Durante una visita en Teherán de Binoche, Kiarostami le contó a Binoche la sinopsis de Certified Copy como una anécdota casual, que dijo que creía plenamente hasta que confesó haberse inventado.

Según Kiarostami, estudiar las reacciones de Binoche mientras escuchaba la historia era una parte vital del desarrollo posterior de la película. "La película comenzó a desarrollarse de acuerdo con la historia que estaba contando, pero también según mi conocimiento de ella como mujer con su vulnerabilidad, con su sensibilidad, con lo que sabía sobre su alma, sobre su relación con sus hijos".

La película sufrió varias demoras y cambios en el reparto. Originalmente, se suponía que el rodaje comenzaría en octubre de 2007, con el inglés como idioma principal. Se planificó un segundo intento para marzo de 2008, esta vez principalmente en francés y con Sami Frey frente a Binoche. El próximo al que se adjuntaría fue François Cluzet , cuya filmación está programada para comenzar en mayo de 2009.

La producción fue diseñada por la ya citada MK2 en coproducción con France 3 y la compañía italiana BiBi Films. La financiación fue otorgada por el CNC y Canal + . El presupuesto fue de 3,8 millones de euros .

Kiarostami es conocido por hacer películas con niños, actores amateurs y casi sin presupuesto, pero dijo que no tuvo dificultades para hacer la transición al cine europeo: "Esta fue la película más simple para mí para trabajar, incluso más simple que el trabajo Lo hice en mis pantalones cortos, porque estaba trabajando con un equipo profesional tanto delante como detrás de la cámara ".

En algún momento, sonó para el proyecto  Robert De Niro quien  negoció el papel, pero finalmente se lo ofreció a William Shimell, un cantante de ópera , en concreto un barítono, que nunca antes había actuado en una película. Kiarostami conoció a Shimell en 2008 durante su debut como director de ópera, una adaptación de Così fan tutte para el Festival de Aix-en-Provence , en el que Shimell actuó como Don Alfonso. "Cuando lo vi, inmediatamente percibí en él la fuerza, la delicadeza y el humor del personaje", comentó Kiarostami sobre su elección.

El director iraní también notó cómo por una vez se sintió libre de expresar lo que quisiera en la película.

Finalmente, la película se rodó a partir del 8 de junio de 2009 en localizaciones de Cortona , Lucignano y Arezzo .

La película se estrenó el 18 de mayo de 2010 en el 63º Festival de Cine de Cannes como parte de la competencia principal, donde Binoche ganó el Premio a la Mejor Actriz por su actuación. Fue lanzado al día siguiente en cines franceses a través de MK2.

La película se estrenó en 101 salas . El sitio web francés AlloCiné informó un total final de 240,797 entradas. Artificial Eye lanzó la película en el Reino Unido el 3 de septiembre de 2010. Recaudó £ 77,000 de 20 pantallas durante el fin de semana inaugural y entró en el cuadro de taquilla británico en el número 20. The Guardian informó que esto era significativamente mejor que las películas de Kiarostami . IFC Films adquirió los derechos de distribución estadounidense y Madman para Australia y Nueva Zelanda.

Durante el lanzamiento, la película a menudo se consideraba como la primera película del director que se haría fuera de su Irán natal, pero en realidad era solo su primer largometraje dramático filmado en el extranjero. Abbas había rodado un documental de 2001 ABC Africa y un segmento en la antología de 2005 Tickets .

En Irán, la película fue automáticamente prohibida por el Ministerio de Cultura y Orientación Islámica . Jamal Shourjeh del departamento cinemático del ministerio explicó: " Copia certificada ha sido producida por un no iraní en Italia en el seno de la cultura occidental , por lo tanto, debe tener una licencia para proyección nacional". El viceministro de Cultura de Irán, Javad Shamaqdari, dijo luego que la película permanecería prohibida en las proyecciones generales, y citó el atuendo de Juliette Binoche en la película como la razón principal, pero que se podría mostrar "en círculos privados y universidades". Lo pero debe ser que , por momentos aparece la actriz en su traje en el que se adivina mínimamente el sujetador, o que se pinta ante un espejo resaltando sus labios rojos, o que se quite el sujetador cuando entra en la Iglesia. Vamos, cosas muy pecaminosas. En fin...Pero en 2011 se hizo público que Certified Copy pasaría por los cines iraníes.

La película fue premiada en el Festival de Cannes a la mejor actriz (Juliette Binoche), y el Premio de la juventud. Binoche ese 23 de mayo de 2010 utilizó su discurso de aceptación para llamar la atención del director iraní Jafar Panahi . Panahi , que había sido elegido para estar en el jurado del festival, pero fue mantenido preso por el régimen iraní durante el evento.

Fue presentada en el Festival de Valladolid - Seminci consiguiendo la Espiga de Oro mejor película (ex-aequo). Igualmente se presentó en la sección oficial del Festival de Chicago. Tuvo el Premio a la mejor film de habla no inglesa en el Círculo de Críticos de San Francisco. También fue reconocida como la mejor película internacional en los Premios de la Asociación de criticos australianos.

Las críticas fueron en general muy positivas. Los críticos franceses dijeron de la misma críticas positivas como escribió Renaud Baronian en Le Parisien . . al decir "A través de trazos de diálogo perseguido y primeros planos, Abbas Kiarostami logra una película universal, entre la ligereza y el drama, sobre los sentimientos que se diluyen en el tiempo". A Baronian también le gustaron las actuaciones principales, y descubrió que Shimell "impresiona con su moderación", mientras que Binoche "demuestra ser abrumadora".

Nicholas Schiavi de Excessif aplaudió el arte de Kiarostami por su " técnica formalmente refinada y una increíble sensación de marcos dentro de marcos, el cineasta iraní ofrece una lección de cine". Destacó el cuadro orgánico donde la profundidad de campo y los juegos de espejos configuran una arquitectura sensorial. Uno puede percibir los restos del pasado y las posibilidades de un idilio ".

Emmanuèle Frois en Le Figaro escribió: "Inspirado por Roberto Rossellini , Abbas Kiarostami firma su propio Viaje a Italia sin plagiar el original". Frois notó lo creíble que encontró a la pareja con sus "deseos, desilusiones, malentendidos, esperanzas", y cómo la narración alterna entre drama y comedia, "como en la vida".

En Rotten Tomatoes , el 88% de las críticas estadounidenses y británicas de la película fueron positivas en general, con una calificación promedio de 7.9 sobre 10. El consenso del sitio web dice: "Las estrellas principales están absolutamente perfectas en este absorbente drama existencial que disecciona las relaciones humanas ".

El británico  Peter Bradshaw de The Guardian quedó menos impresionado al decirnos "Es una película que está llena de ideas, y para aspirar a un cine de ideas, se debe agradecer y admirar a Kiarostami. Pero la simple interrelación humana entre los dos personajes nunca es convincente de ninguna manera, y el diálogo tiene una sensación inerte traducida ". Bradshaw llegó a comparar partes de ella con "el trabajo de un alienígena espacial muy inteligente y observador que todavía no comprende el modo en que los terrícolas realmente se relacionan entre sí".

Certified Copy fue votado más tarde como la cuadragésima sexta película más grande desde el año 2000 en una encuesta internacional de críticos realizada por la BBC .

En The Hollywood Reporter , Deborah Young calificó Certified Copy "una comedia delicada y agridulce". Young escribió que Binoche tuvo "la oportunidad de mostrar sus dotes notables como comediante, cambiando sin esfuerzo del inglés al francés e italiano para crear un personaje que es resentido, manipulador y seductor al mismo tiempo", y ese "elegante genio de Shimell es muy cerca de George Sanders ", refiriéndose al papel de Sanders en Viaje a Italia .

Por su parte,  David Denby de The New Yorker llamó a la película "fascinante, hermosa e intencionalmente enfurecedora: un brillante regreso a la forma de un director cuyo trabajo, en el pasado, se ha unido a la modernidad de los juegos con decoro ético y modestia". Denby describió además a Certified Copy como "casi perversa en su ambigüedad ... una ficción doble intrincadamente unida, cada cuento que reverbera inquietamente dentro de su opuesto vinculado".

Jim Emerson desde la página de RogerEbert.com nos dice que "Es posible que le dé a "Copia certificada" el beneficio de la duda porque la duda es donde radica mi interés...La certeza es el enemigo del arte, y "Certified Copy" no es más que una " película de arte " pasada de moda .

En España Luis Martínez desde la páginas de El Mundo comenta que "Kiarostami, juega a ser Roberto Rossellini... y lo borda. (...) una obra maestra, (...) el propio cine se ilumina en un ejercio autorreflexivo, gozoso y, dígase ya, genial."

Para Oti Rodríguez Marchante en el ABC sostiene que "Parte Kiarostami de una idea sencilla de entender pero difícil de aceptar: una buena copia es mejor que un mal original. Y no quiere decir con ello que “Copie conforme” sea ni mejor ni peor que “Viaggio in Italia” (o “Te querré siempre”), pero el caso es que ambas películas se olisquean como dos perros en el parque."

Por su parte, el crítico crítico Carlos Boyero comenta en El País que "A ratos me intriga, en otros me resulta tediosa y finalmente me sorprende, dispone de un imán permanente y es la presencia de (...) Juliette Binoche. Su interpretación es (...) conmovedora" .

Sergi Sánchez desde La Razón afirma que la película contiene "Ecos de películas como 'Te querré siempre' y 'Antes del amanecer' se cuelan entre las imágenes, pero 'Copia certificada' se defiende sola como obra maestra en verdad original"

Según  Nando Salvá en el diario barcelonés El Periódico afirma que está "Llena de diálogos divertidos e interpretaciones naturalistas -la de Binoche es gloriosa-. Por eso, 'Copia certificada' es una maravillosa rareza: una película-ensayo tan sofisticada como absolutamente gozosa. (...) "

En la ahora primaveral y austral Argentina Diego Lerer escribió en Clarín que es "Una historia de amor sobre las historias de amor, sobre cómo proyectamos nuestras vidas en las vidas de otros y llamamos a eso Arte."

Para Fernando López en La Nación destaca que "El luminoso film de Kiarostami (realzado por la descollante labor de Binoche) tiene entidad propia y libera una rica variedad de contenidos y de bellezas que la mirada de cada espectador sabrá valorar."

Horacio Bernades de Página 12 sostiene que "Más allá de un comienzo con un tratamiento típico de Kiarostami, su nueva película ensaya una reformulación de temas, enfoques e inquietudes en la que tiene mucho que ver el formidable trabajo de Juliette Binoche y el cantante William Shimell."

Para  Gustavo Castagna en Tiempo Argentino afirma que "Kiarostami cuenta todo esto con una sutil sabiduría narrativa que se fusiona a la emoción que transmite la historia."

Muy interesante me ha parecido el artículo de  Beatriz Maldivia en el ahora Espinof , antes blog de cine, y que reproduzco en gran medida cuando afirma que : "Podríamos denominar «cine de tesis» a aquellas películas cuyo propósito es plantear una discusión filosófica, artística o de otra índole para que los espectadores reflexionen al respecto. Esta pretensión nos retrotrae, quizá, a los años ’60 del pasado siglo, época en la que, según parece, la intelectualidad no tenía otras conversaciones más que las que trataban de llegar a alguna conclusión sobre un asunto muy elevado. El interés, obviamente, radicaba en que esas conclusiones no existían, por lo menos no de forma dogmática y académica, pues se trataba en general de temas subjetivos, y así, los debates podían durar eternamente e incluso podían retomarse tantas veces como se quisiera.

Por mucho que suene demodé, encuentro atrayente la noción de ver un film que me haga pensar, ya que no logro encontrar muchos que cumplan el otro servicio que podrían desempeñar: hacerme pasar un rato de evasión. Con esto quiero decir que mis quejas acerca de ‘Copia certificada’ no se refieren al hecho en sí de tratarse de un cine de ensayo, sino a otras cuestiones. Para empezar, la discusión sobre el valor de la copia está más que superada, poco más queda que añadir sobre el tema. Y menos aún en el cine, medio en el que solo cuentan las copias, que son lo que se visiona, y en el que los originales guardan la única función de poder ser reproducidos de nuevo y no tienen ningún valor como objeto. Claro que, a pesar de que elija el formato cinematográfico, Kiarostami no habla de cine. Habla de artes como la escultura y la pintura, donde se puede aplicar el concepto de original de forma estricta. Habla de imitaciones, de reproducciones, de copias exactas que tratan de hacerse colar por el original, como queda claro en la exposición que el escritor hace en la primera escena. No habla de revisiones o versiones actualizadas, como podrían ser los remakes cinematográficos, que serían fruto de toda otra reflexión, más interesante, si me apuráis. Que haya reminiscencias de ‘Te querré siempre’, de Rossellini no apunta a esta idea, sino que viene a sumarse a la mezcla de conceptos que está realizando Kiarostami. 

Por otra parte, que se trate de película de tesis no tendría por qué significar, automáticamente, que el film consista en reproducir uno de esos debates mantenidos por dos personas. Si estamos en un film, la forma de argumentar los distintos puntos de vista tendría que ser más cinematográfica que la de una conversación. 

Así, la primera parte de ‘Copia certificada’ resulta artificiosa cuando menos, al tratar de forzar a dos personajes a que dejen de serlo para convertirse simplemente en emisarios de dos formas de ver una cuestión. (...) Este recurso, que da pie a una nueva indagación por parte de Kiarostami, es muy interesante como punto de partida. 

Sin embargo, una vez se plantea, no se desarrolla ni se explora, sino que se queda en lo mismo durante el resto de película, convirtiéndose en repetitivo e incapaz de suscitar la reflexión ni de aportar más material para la obtención de conclusiones. De hecho, el planteamiento de la idea está tan mal engranado con la tesis principal del original y la copia que más parecería una forma de estudiar el hastío generalizado entre las parejas casadas —debido a lo fácil que resulta saber o inventarse sobre qué van a discutir a continuación— que sobre los falsos duplicados. 

Maldivía critica las interpretaciones , especialmente el personaje de Binoche, "tan cargado de significaciones y de posibles interpretaciones, que resulta cargante. Donde más se logra esa sensación de copia es en estos seres tan irreales que son, tanto en el papel inicial, como en la simulación de la segunda parte, puros sucedáneos de personajes.

Sobre el título mal traducido destaca Beatriz Maldivia que la " traducción del título que se ha ofrecido en España —quizá procedente de la traducción al inglés— no es exacta, ya que la expresión francesa «copie conforme» se refiere a un duplicado calcado del original, lo que aquí llamaríamos «clavadito». En uno de los diálogos, la protagonista habla con su hijo y, posteriormente, se queja de que es «el vivo retrato de su padre». Para ello, utiliza la frase «copie conforme». Aunque los subtítulos han hecho una buena traducción de este diálogo, el título de la película no sigue este conocimiento y más o menos se inventa la versión española. Lo que en español se conoce como «certificada» o «compulsada» en francés sería «certifiée». El título ‘Copia fiel’, que se ha dado en algunos países de habla hispana, es mucho más correcto. 

Según Beatriz Maldivia " se trata de una película sobre las que es mucho más fascinante reflexionar a posteriori que visionar. Cualquier cuestión que se diga al respecto, cualquier escrito que se encuentre sobre el film supera con creces en interés a lo que éste de verdad dice o concluye. Entiendo y celebro que sus intenciones no sean concluir nada, sino simplemente plantear y dar pie a todos estos estudios posteriores. Pero incluso con esas ambiciones, considero que ‘Copia certificada’ no acierta a llegar a todo lo que comienza, que explora las cuestiones solo a medias y que no suscita ninguna discusión que no sea la de su propia interpretación y de su propia validez".

La película mantiene algunas de las señas de identidad de Kiarostami. Es una historia que se desarrolla en un entorno urbano , pero para llegar a él hay que pasar por un área rurales rebosante de olivos. Las conversaciones se desarrollan dentro de los coches y el uso de cámaras montadas fijas. Kiarostami incluye la ambigüedad, la mezcla de lo simple y lo complejo, y de elementos de ficción y/ o documental en este caso artístico.

Aquí el tema estrella es la idea de realidad, la de la admiradora y el teórico del arte, o la de la pareja hastiada tras 15 años de matrimonio. Puede que estemos ante una muestra de lo que se vino a llamar el cine de arte y ensayo que se desarrolla en una corta franja de tiempo que apenas supera el día. Una corta franja de tiempo en el que unas conversaciones banales sobre aspectos teóricos del arte se tornan en discusiones.

Puede que, como dice Maldivia, estamos ante un matrimonio, cansado, que ha fingido no conocerse para tener una cita como antaño, pero no puede evitar dejar salir las rencillas ni en su aniversario. O podría ser que se tratase de un recurso de elipsis descomunal o de proyección de un posible futuro. La lectura queda abierta.

He destacar para finalizar los recursos técnicos empelados a través de los espejos. Gran parte de las obras de arte así las vemos, o incluso desde posiciones no directas , sino casi en escorzo. Por contra, lo personal es directo , frontal, con miradas a la cámara , como debe ser un reproche. Esa puede que sea la clave de la película. Lo del arte es tangencial, lo personal es y debe ser lo directo. Como en las discusiones, cuando uno quiere cortarlas los personajes miran al vacío o desde una ventana. O como decía la canción " y ahora tú , no dejes de hablar"