La ley del juez Thorne

 

Jacques Tourneur fue el responsable de pequeñas grandes joyas en casi todos los géneros. Cine negro, Terror o Westerns como este Stranger on Horseback con un siempre eficaz Joel McCrea son buenas muestras de su capacidad como director. Imágenes que nos llegan desde múltiples puntos de vista, sorprendentes, hipnóticas, que engrandecen a un director que extraña no haber visto siempre como uno de los más grandes. 

*EC: En construcción

Un hombre impone la ley

Western desmitificador, en cable de comedia, por lo tanto muy ligero, con curioso título original Good Guys and the bad boys,  y dirigido con maestría  y solvencia por un buen realizador como Burt Kennedy, que dirige a otro Kennedy, George, y con la figura imponente aunque desapegada, como casi siempre de Robert Michum. 

Junto a estos dos aparecen Tina Louise, Martin Balsam así como ocurre en muchas ocasiones con los Carradine, padre e hijo, o sea, John y David. 

Western que nos avisa de que el género había roto el formato clásico y que buscaba nuevas vías para la supervivencia como género. La puesta en escena es magnífica, el reparto en buen medida coral, y los ingredientes los esenciales: sheriff con prestigio, pero visto como un reliquia, por lo tanto en decadencia, ambiciones políticas desmesuradas del alcalde, malos que no lo son tanto y que aprecian la vieja amistad, frente a otros que no dejan de ser chicos malos y matones, las nuevas hornadas de forajidos. Todo muy ruidoso y muy bullanguero. Película que vi hace un año y que ya comenté con muchos más detalle. 

Únicamente quiero incluir la opinión sabia de gran sabio con conocimiento enciclopédico que es Fausto Fernández quien escribió sobre la película en twitter señalándo que se trataba de "un western setentero puntero" "distraído" con "diálogos sobre lo viejuno que está uno, sobre los jovenzuelos que vienen a acabar con los viejos tiempos de sheriffs y bandidos...

El tren de Bertha

Fue el segundo largometraje de  Martin Scorsese y llevaba como título original Boxcar Bertha, aunque aquí se tradujo como El tren de Bertha.  La película era una adaptación libre de una obra importante en el mundo literario norteamericano , pues representaba aquella literatura de signo anarquista y libertario que pocas veces hemos conocido cuando se habla del mundo literario norteamericano.

La obra en cuestión se llamaba Sister of the Road , y era un aparente relato pseudo-autobiográfico de un personaje ficticio que llevaba por nombre Bertha Thompson. La obra había sido escrita por - para mi - un desconocido como Ben L. Reitman  (1879-1943) que , sin embargo, fue un anarquista y médico estadounidense que desarrollo su labor de atención centrándose en los muchos pobres que no lograron alcanzar el ansiado y difícil sueño americano.

A este escritor se le conoció con el pseudónimo de "el médico vagabundo" o como se le llamaba en el Chicago de 1907 , el "Rey de los Hobos" al abrir el mayor de los centros de la Asociación Internacional de Bienestar de la Hermandad para la educación de migrantes, una asociación política y asistencial para los marginados de la sociedad o años más tarde al fundar la Sociedad de Chicago para la Prevención de Enfermedades Venéreas en la década de 1930. 

Junto con su compañero Emma Goldman  viajaron por el país durante casi ocho años, trabajando por las causas del control de la natalidad , el amor libre , la libertad de expresión , los derechos de los trabajadores y el anarquismo .

Durante estos años de lucha social la pareja vivirá todo tipo de aventuras y desventuras como el secuestro por parte de una organización mafiosa, agresiones diversas, etc... o por la policía o siendo encarcelados en alguna ocasión como sufren los personajes como vemos a los  de este Tren de Bertha.

Gran parte de ese espíritu libertario del escritor y de su compañera ( o compañeras, en plural) es trasladado por Martin Scorsese a la pantalla, pues la esencia ácrata está presente en esta película. Lo cierto es que , al igual que el escritor Reitman, casi todo lo que se respira en la película es extravagante y excéntrico. 

Lo cierto es que Scorsese con el apoyo de Roger Corman como productor y amparado por la productora American International Pictures (AIP) así como James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff y una presupuesto de $ 600,000 se lanzó a montar .

Para ello Scorsese contó con el guion de los hermanos Joyce H. y John William Corrington que fueron los que adaptaron el libro de Ben L. Reitman. Igualmente contó con una banda sonora con música de Gilb Guilbeau y Thad Maxwell , con la fotografía de John M. Stephens y el montaje de Buzz Feitshans.

En cuanto al reparto la protagonista absoluta es Barbara Hershey como Bertha Boxcar Thompson que aparece acompañado por David Carradine como Big Bill Shelly . Junto a ellos está Barry Primus como Rake Brown , Bernie Casey como Von Morton , el veterano John Carradine como H. Buckram Sartoris , Harry Northup como Harvey Hall  y Victor Argo como First McIver.

"Boxcar" Bertha Thompson es una joven que ve , nada más comenzar la película , como su padre fallece en un accidente de aviación y queda sola y desamparada en un ambiente de pobreza absoluta que vive el país y especialmente el sur en estos años de la Gran Depresión.

La pobreza se ha extendido y el único medio para ir a buscarse la vida a otro lugar es el tren que es asaltado por cientos de vagabundos para buscar un situación que les permita salir de la pobreza. 

Esta situación de desamparo personal en el caso de Bertha (Barbara Hershey) y de pobreza generalizada en caso de la sociedad es el caldo de cultivo para que surja la picaresca más absoluta, el descontrol, pero también la represión total de aquellos que son unos mandados o defienden los intereses de sus amos.

Descubrimos que tras perder a su padre en el  accidente de aviación mientras este fumigaba un campo de labor Bertha se introduce en uno de esos trenes que nos llevan a ningún sitio en concreto y allí conoce e intima con una controvertido líder sindical de izquierdas, peón de la compañía ferroviaria local, llamado Bill Shelley (David Carradine). 

A la pareja se irán sumando otros personajes como el jugador Rake Brown ( Barry Primus) y Von Morton  ( Bernie Casey) , un hombre de color que conoce desde hace tiempo a los Thompson y con los que trabajó.

Lo cierto es que , en principio, Bertha se separa de Bill y se tropieza en una partida de cartas con un hombre que no quiere hablar para no delatar que es del este. Se trata de un jugador sin fortuna llamado Rake. Ambos se dan compañía hasta que vuelven a encontrarse con Bill mientras este da un  mitín. Poco después suman al equipo al extrabajador de los Thompson, el trabajador mecánico Von Morton y entre los cuatro inicias una ola de asaltos a entidades, personas y sobre todo a la compañía ferroviaria que se dedica a intimidar a todos aquellos que suben sin billetes al tren en este momento de la Gran Depresión.

La suma de la policía , más la actuación de un par de brutales agentes contratados por la Compañía ferroviario dan sus frutos y tanto Von Thompson, al que encuentran tras un arresto, como Bill son detenidos y encarcelados. Cuando Bertha junto  a Rake está implicada en el asesinato de un jugador rico, la pareja se convierte en fugitiva. Cuando , finalmente, se reúnen los cuatro prosigue su actividad delictiva de asaltos y los robos a la empresa ferroviaria y a sus dirigentes que no tienen como fin el enriquecimiento sino mejorar las condiciones de vida de los trabajadores. A veces estos fallan y algunos acaban en la cárcel.

Sin embargo, la presencia positiva de Bertha y su capacidad para eludir la justicia supone la liberación. Los cuatro formarán una banda que actúa en Arkansas y serán acusados por la policía y autoridades locales de comunistas  o serán perseguidos por la corrupta compañía de ferrocarriles que busca venganza contra Shelley.

Tras buscar refugio en casas abandonadas lograrán los cuatro dar un golpe. Sin embargo, todos irán cayendo bajo la presión policial. Tras la muerte de Rake el grupo se diluye, pasando Bertha a buscarse la vida.

Cuando Bertha se queda sola, sus compañeros son arrestados, entonces vagando por las calles de una ciudad una mujer de mediana edad le ofrece un trabajo bien remunerado, Bettha la acompaña a una gran casa, al entrar se da cuenta de que está en un burdel plagado de fulanas, y que la oferta laboral es la de integrarse como prostituta. Aunque inicialmente parece que va a rechazar la oferta , pero cuando va a salir se da la vuelta . Prostituirse es menos malo que las quedarse sola en la calle.

Tras ser acogida en una casa de prostitutas. Tras estar un tiempo en ella, un día al pasar por el club de blues y escuchar su voz y su armónica reconoce a Morton . Morton la informa de que Big Bill Shelly ha escapado de la cárcel, le sugiere ir a buscarlo, van juntos a las vías del tren, y viajan hasta donde está él.

Finalmente, Bill, que es igualmente perseguido como sindicalista, gracias a Von Morton da con Bertha . Pero la suerte está echada y, finalmente, la policía y los agentes ferroviarios dan con los tres. Ellos se toman la justicia por su mano, crucificando a Bill en un vagón.

Una vez realizada este brutal acto, Von Morton y Bertha reaccionan. Morton venga a Bill y libera a Bertha, acabando con varios de los agentes, aunque no puedan impedir que el tren marche con el cuerpo crucificado de Bill mientras las lágrimas de Bertha recorren sus mejillas.

Después del éxito de Bloody Mama , Roger Corman quería hacer otra película femenina de gángsters. Julie Corman investigó a gánsteres femeninos y se encontró con la historia de Boxcar Bertha. Hubo un rumor que decía que la esposa de Roger Corman, la citada Julie Corman, obtuvo los derechos cinematográficos de la historia de la propia Bertha Thompson después de localizarla en una habitación de hotel de San Francisco; en realidad pudo haber sido un truco publicitario previo al lanzamiento o tal vez incluso un truco diseñado por los Cormans . En el epílogo de la cuarta reedición del libro "Boxcar Bertha" se explica que el libro es una obra de ficción y que el personaje Bertha Thompson era una amalgama de al menos tres mujeres que el autor Reitman conoció, pero que se inspiraba en una mujer llamado Retta Toble. 

La película fue planteada después de trabajar en el documental ''Street Scenes'' y después de que Martin Scorsese se dio a conocer por su trabajo en Woodstock (1970) es entonces cuando Martin Scorsese fue asignado por el productor Roger Corman para dirigir su sehgundo largo tras "¿Quién golpea mi puerta?" (1967), "El tren de Bertha" una película, que resulta ser una alegoría sobre los años de la Depresión. Martin Scorsese dibujó personalmente alrededor de 500 guiones gráficos para esta película.

En su autobiografía, Martin Scorsese dijo que Roger Corman lo contrató para dirigir esta película, le dio el guión y le dijo que cambiara lo que quisiera, pero tenía que recordar incluir la desnudez cada 15 páginas. Corman se rió de eso en una entrevista. Dijo que Scorsese probablemente lo recordaba mal. Recuerda haberle dicho a Scorsese que incluyera la desnudez dos o tres veces a lo largo de la película, pero no cree haberlo dicho cada 15 minutos.

En ella Martin Scorsese introdujo una de sus preocupaciones temáticas centrales: los símbolos y metáforas religiosas. Así, el protagonista es literalmente crucificado en un vagón de tren representando la figura del pecador. Tan obsesionado estaba con la fe que durante el rodaje, Barbara Hershey, advirtiendo la obsesión religiosa del director, le dio a leer una copia de la novela ''La última tentación de Cristo'', que años después Scorsese llevaría a cine con la actriz en el personaje de María Magdalena.

Martin Scorsese  se encontró ya con el grupo de actores cerrado, incluidos Barbara Hershey, David Carradine - que eran pareja en el momento de la filmación- y Barry Primus, y un horario de rodaje de 24 días en Arkansas y parece ser que se amplió ligeramente, entre octubre y diciembre de 1971 en las localidades de Reader y Camden.

Después de que terminó esta película, Martin Scorsese la proyectó para John Cassavetes. Cassavetes, después de verlo, abrazó a Scorsese y dijo: "Marty, acabas de pasar todo un año de tu vida haciendo una mierda. Es una buena película, pero eres mejor que las personas que hacen este tipo de películas. . No siga por el camino del cine comercial, simplemente intente y haga algo diferente ". La siguiente película de Scorsese fue su tercer largometraje, Malas calles (1973).

Para el rodaje se uso el Reader Railroad se utilizó para las escenas del tren. Era un tren que inauguró su linea en 1889 y que todavía está en funcionamiento, se utiliza en diversos momentos para el transporte de mercancías, el turismo y el cine. En el momento de la filmación, todavía se usaba regularmente tiradas con locomotoras de vapor. Las secuencias del tren fueron filmadas en primer lugar y duraron aproximadamente una semana. Esto se hizo para quitar primero el elemento más complicado de la producción, trabajar con un tren en movimiento. La locomotora ahora está operativa en el ferrocarril Great Smoky Mountains.

Scorsese, como es habitual en él,  hace un cameo en la película como uno de los clientes de Bertha durante el montaje del burdel.

Más tarde, Hershey calificó la película como "muy divertida, a pesar de que Roger Corman y la violencia y el sexo la paralizaron terriblemente. Pero entre los actores y Marty Scorsese, el director, nos divertimos mucho. Realmente tuvimos personajes desgraciados, pero uno tiende a no ver todo eso, porque terminas viendo toda la sangre y el sexo ".

En 1972 American-International Pictures distribuyó esta película para un programa doble junto a Tres asesinos (1968) protagonizada por Robert Walker Jr.  Se estrenó en junio de 1972.

De la película Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, dijo que era "una película extrañamente interesante ... El director Martin Scorsese ha optado por el estado de ánimo y la atmósfera más que por la acción, y su violencia siempre es contundente y desagradable. nunca liberador y estimulante, como se supone que es la Nueva Violencia. Tenemos la sensación de que estamos habitando la noche oscura de un alma ".

En otro diario de Illinois, Gene Siskel del Chicago Tribune calificó el filme como una "película basura" con violencia que "no sorprende. Simplemente deprime".

Howard Thompson de The New York Times encontró que la película fue una "sorpresa interesante", con una actuación "excelente" de Carradine y una "hermosa" dirección de Scorsese, "que realmente entra en juego".

Arthur D. Murphy de Variety, por contra, fue negativo, escribiendo: "Cualesquiera que sean sus intenciones, 'Boxcar Bertha' no es mucho más que una excusa para matar a mucha gente ... El corte final ha eliminado cualquier estado de ánimo y motivación que pueda haber en el guión, dejando poco más que peleas, disparos de escopeta, palizas y movimientos sin rumbo ".

Kevin Thomas del Los Angeles Times escribió: "Lo más impresionante de 'Boxcar Bertha' ... es cómo el director Martin Scorsese, de 28 años, realiza en su primera aventura en Hollywood.

Tom Milne, de The Monthly Film Bulletin destacó el papel de "David Carradine, Barbara Hershey y Barry Primus en particular, el guión abrasivo, asombrosamente filmado y bellamente actuado por David Carradine, en particular, Boxcar Bertha es mucho más que una película comercial que ha sido descartada y compite dignamente con Bonnie y Clyde "

Ya en España  Miguel Ángel Palomo en El País dijo de ella que era "Un filme comprometido, contestatario, (...) rodado con furia, con dominio visual, y apoyado por una Barbara Hershey que desprende a la par dureza y sensualidad"

Para mi ha sido todo un descubrimiento. Desconocía que esta obra un drama que habla sobre el crimen,pero que intenta realizar un análisis social al mostrar el contraste entre la vida de los míseros "hobos" y la opulencia y el lujo de los magnates y de los grandes propietarios , dentro de la crónica histórica de la "Gran Depresión" . Este se sumará al "Universo Scorsese". Es cierto que hay en ella rasdos del director, el citado, elemento religioso, el gusto por representar a los que están al otro lado de la ley, mostrarnos - literalmente- esos bajos fondos. Hay en ella un regusto clasicista en la forma y en el fondo. No hay perspectivas distintas, alternativas que adivinen el posterior manejo de la cámara por medio de largos planos. Eso sí, técnicamente es un aviso de lo que está por llegar, así como hay un intento por reflejar desde las preocupaciones religiosas a las sociales, el regusto por el salvajismo, la violencia y presentar los postulados del autor al defender el amor libre.

El último pistolero

John Wayne, como actor, sabía como acabar una película. Lo demostró en infinidad de ocasiones, especialmente si en las mismas había grandes directores. El de Iowa, recriado en California, supo además elegir bien sus películas, sobre todo cuando ya había triunfado dando muestras de lo que implicaba ser alto , feo, fuerte y formal. Con este papel en The Shootist Wayne ponía fin a una carrera de 50 años que comenzó en los años del cine mudo , allá por 1926. 

Lo mismo que fue reconocido y criticado a la par al final de su carrera, supo esperar el proyecto que había convertirse en su legado , en su testamento como actor. Y fue todo un acierto como demostró en The Shootist , también conocida como El último pistolero.

Tengo la impresión de que hoy nadie duda del valor de John Wayne en el mundo del cine , un nombre determinante en la historia del mismo y ligado indisolublemente al western, pero que fue mucho más allá de este género, demostrando no sólo ser un todoterreno, sino incluso sus limitaciones cuando fue avanzado en edad y sabía que ya no era su momento. Vamos, un hombre inteligente y consciente.

Como era de esperar su última película fue un western, el género que le encumbró. No olvidemos que John Wayne actuó en un total de 153 películas, y tiene el récord para un actor con más roles principales con un total de 142.

Cuando hizo este western ya estaba enfermo. El cáncer que se le había manifestado en la década anterior ya le afectaba notablemente. No obstante, vivió tres años más falleciendo en 1979. Siempre se ha dicho que el cáncer John Wayne fue producto de la radiación a la que se había expuesto en 1956 durante el rodaje de la película histórica El conquistador de Mongolia. Un film maldito que se rodó en el desierto de Utah, cerca de un campo de pruebas nucleares, y el equipo de rodaje desconocía las posibles secuelas de su exposición al polvo radioactivo. La coprotagonista en el filme, Susan Hayward, también murió de cáncer al igual que el actor mexicano Pedro Armendáriz, Agnes Moorehead, así como otros más de los 40 miembros del equipo de filmación. En septiembre de 1964 se le diagnosticó un cáncer de pulmón y fue sometido a una intervención quirúrgica para extraerle el pulmón izquierdo y dos costillas. De este tratamiento sobrevivió y siguió actuando hasta 1976 cuando fue dirigido por Don Siegel. Permaneció clínicamente libre de cáncer hasta principios de 1979, cuando se descubrieron metástasis en su estómago, intestinos y columna vertebral; murió más tarde ese año.

Detrás de Siegel, otro de los grandes del cine, estaba la Paramount Pictures y  Dino De Laurentiis Company siendo los productores  MJ Frankovich y William Self, siendo auxiliado por Robert F. Boyle.

La película se basaba en la novela de Glendon Swarthout escrita en 1975 del mismo nombre, The Shootist o El tirador,  y curiosamente el guión fue escrito por Miles Hood Swarthout ,el hijo del autor, y Scott Hale.

La banda sonora indudablemente tenía que ser de uno de los grandes, Elmer Bernstein , siendo la fotografía labor de Bruce Surtees y la edición de Douglas Stewart.

El reparto lo integraron John Wayne como John Bernard "JB" Books,  Lauren Bacall como Bond Rogers , Ron Howard como Gillom Rogers , James Stewart como el Dr. EW Hostetler , Richard Boone como Mike Sweeney , Hugh O'Brian como Jack Pulford,  Harry Morgan como el Marshall de la ciudad de Carson, Walter J. Thibido,  John Carradine como Hezekiah Beckum, el enterrador , Sheree North como Serepta,  Scatman Crothers como Moses Brown , Bill McKinney como Jay Cobb, propietario de Cobb's Creamery , Rick Lenz como Dan Dobkins, el reportero del diario local,  Gregg Palmer como hombre corpulento , Melody Thomas Scott como niña en el tranvía

La historia se centra en John Bernard Books, un legendario pistolero que a lo largo de su vida ha impuesto la ley en todos aquellos sitios en los que ha trabajado, eso sí , matando a muchas personas; pero que también ha perdido a familiares y amigos en el empeño, vuelve a Carson City en Nevada. Y , si bien es cierto que quiere vivir en paz sabe que está enfermo, que está próximo a morir y que todavía le queda por saldar una cuenta pendiente con tres bandidos.

Después de un prólogo, en el que vemos escenas de las otros western anteriores de Wayne, que vienen a resumir la vida y la labor de John Bernard "JB" Books, "el tirador más célebre del momento", vemos como enfermo y   dolorido se aproxima a Carson City, en Nevada. Ante de su llegada a la localidad es asaltado y mata a su asaltante.

Finalmente llega a Carson City , el 22 de enero de 1901, casualmente el día en que muere la reina  como vocea un chico vendedor de prensa.

Books es consciente que el Viejo Oeste esté muriendo, al igual que le ocurre a él. Efectivamente junto a caballos y carretas , vemos los primeros vehículos a motor Carson City y , por momentos sabemos que la ciudad tiene electricidad y teléfonos. Desde el principio se puede ver que  se siente despreciado por algunos lugareños que lo ven como algo del pasado.

Como sabe que su enfermedad es grave decide visitar a un viejo amigo, un hombre  de confianza, para una segunda opinión. Se trata de "Doc" Hostetler (James Stewart), que confirma el pronóstico de un médico de Colorado. Le informa que su muerte es inminente y , para prevenir los dolores propios del cáncer le da una botella de laúdano. Antes de salir de la consulta , Book le pregunta a Doc si sabe de algún sitio para que le alquilen una habitación y éste le recomienda una casa en las afueras regentada por la viuda Rogers.

Books se persona en la dirección y consigue alquilar una habitación en la pensión de propiedad de la viuda Bond Rogers (Lauren Bacall) que vive junto a su hijo adolescente Gillom (Ron Howard), una de las personas que se mofó de él a su llegada al pueblo al decir que era un viejo acabado.

Aunque de mala gana cumple con los que Books le había pedido, llevar su caballo al establo que tiene un hombre de color, Moses Brown (Scatman Crothers). Éste al quitarle la montura descubre  que en ella aparece el nombre de Books, uno de los celebres pistoleros del salvaje oeste. Al comentárselo a Gillom se impresiona al tener bajo el techo de su casa a toda una leyenda.

Poco después el Marshall de Carson City  Thibido (Harry Morgan), alarmado ante la presencia de un famoso pistolero en su ciudad, va a la casa y le pide que se vaya. Pero Books le explica, por un lado, que se está muriendo, y, por otro, que  tiene la intención de morir en Carson City poniendo en paz con su vida y cumpliendo una meditada promesa que conlleva una venganza hacia tres personas que le marcaron en el pasado: Mike Sweeney (Richard Boone), quien mató  a su hermano ; Jack Pulford (O'Brian), jugador profesional y  que tira con facilidad de la pistola; y Jay Cobb ( Bill McKinney ), que además en este momento es el jefe de Gillom.

Al ser tres matones que tienen atemorizada a la ciudad Thibido cede, pero se regodea: "¡No tardes demasiado en morir!" . La presencia de Books en la ciudad poco a poco es conocida al correrse la voz. Son muchos los que llegan a la misma con la intención de contactar para bien o para mal con él. Entre ellos están un periodista llamado Dobkins ( Rick Lenz ) quien le propone una serie espectacular de artículos, exagerando y glorificando la tumultuosa carrera de Books.

Esto a Books no le interesa así que lo echa, siendo más tarde visitado por una vieja amiga llamada Serepta (Sheree North), que le propone matrimonio sabedor de que su muerte es cercana. Él se conmueve, hasta que se entera de que  la intención es coescribir, con Dobkins, las sensacionales "memorias" de una viuda. "Mujer", dice Books, "todavía tengo algo de orgullo".

La situación en la casa de la Señora Bond Rogers inicialmente, tampoco es buena, pues considera que no puede tener en su casa a un pistolero, especialmente cuando su marido murió igualmente asesinado por uno. Sin embargo, a su hijo le parece magnífico. Con todo, una noche Books es disparado dentro de su habitación mientras duerme por un par de hombres que buscan notoriedad y dinero. Esto provoca que varios huéspedes se vayan de la casa y que la tensión entre el hombre y la mujer se encone.

No obstante, poco a poco , al saber con detalle que Hostetler ha prescrito el láudano para aliviar un empeoramiento de la enfermedad y un aumento del dolor de Books que acabará por ser insoportable. , comienza a tener compasión con él y mejora el trato.

Por su parte, el enterrador, Hezekiah Beckum (John Carradine) se muestra interesado en las medidas del pistolero para preparar su funeral, que Books rechaza como otro esquema de especulación; pero él ordena una lápida.

Durante una salida Books le dice a Bond que nunca mató a un hombre que no se lo merecía; Bond dice que un poder superior decidirá eso. A ella le preocupa que Gillom, que sin la guía de un padre, esté adquiriendo un gusto por la violencia y la bebida.

Por su parte, Books negocia la venta de su caballo al herrero Moisés (Crothers), quien comenta que Gillom ya trató de vendérselo a él para compensar a sus huéspedes perdidos.  Books , ante esto se encara con Gillom; pero después de resolver sus diferencias, Gillom le pide que le enseñe a disparar.

Para sorpresa de Gillom,  Books es muy preciso , y se pregunta en voz alta cómo Books ganó en todos esos tiroteos. Books le dice que los árboles no se disparan. "No siempre es lo rápido lo que cuenta", agrega.

Cuando considera que el momento ha llegado, Books le dice a su joven pupilo que "Está todo dispuesto".  que envíe un mensaje a tres hombres: Mike Sweeney (Boone), que además de lo anterior, en la actualidad, presionan a la viuda Bond para casarse con ella; al jugador Jack Pulford (O'Brian),  ; y  al malencarado Jay Cobb ( Bill McKinney ), que sabe por  Gillom que se está preparado para acabar con Books.

Gillom informa a cada uno de ellos, por separado, que Books estará en el Metropole Saloon el 29 de enero, en su 58 cumpleaños. Books le insiste a  Gillom que acepte su caballo, que le compró a Moisés, como regalo.

El 29 de enero, llega la lápida, con el nombre de Books, la fecha de nacimiento y con el indicador de muerto - "Died" y el año 1901, aunque con el día en blanco.

Después de despedirse de Bond, en una corta relación en la que ambos están cómodos, sube a un tranvía para llegar al Metropole Saloon.

Al llegar la sala está desierta excepto por los cuatro hombres, los tres citados y el camarero (Charles G. Martin).

Books pide una bebida y hace un brindis por su cumpleaños dirigiéndose a sus tres "invitados". Cobb es el primero en sacar su arma, pero Books lo despacha fácilmente. Luego le dispara a Sweeney a través de una mesa que se esconde detrás, pero es herido en el momento.

Por su parte, Pulford ahora dispara, dando nuevamente a Books mientras se esconde detrás de la barra. Pulford se acerca más, pero Books ve su reflejo en un vaso y cuando mira alrededor de la barra, lo mata de golpe.

En ese momento Gillom entra y ve al camarero escondido detrás de Books  con una escopeta. Grita una advertencia, pero el cantinero dispara sobre Books en la espalda. Mientras recarga, Gillom levanta la pistola de Books y le dispara al camarero, luego arroja la pistola a través de la sala de bar con un gran disgusto. Books sonríe, asiente con aprobación y muere.

Una vez acabado todo, Gillom, no sin antes cubrir a Books Libros con cierta veneración ocultándolo con su chaqueta, sale a la calle. Y la película acaba con Gillom caminando por la ciudad dirigiéndose  a casa , con su madre.

La película fue rodada entre enero y abril de 1979 en Nevada y California en concreto en la Krebs-Peterson House sita en el 500 Mountain Street de la localidad de Carson City, Nevada. Las extensas escenas al aire libre de la película fueron filmadas en Carson City. La pensión de Bond Rogers es la Krebs-Peterson House de 1914, ubicada en el histórico distrito residencial de Carson City. También se rodó en las cercanías de esta ciudad, en concreto en Washoe Lake State Park . El paseo en buggy fue filmado en el parque estatal de Washoe Lake , en el valle de Washoe , entre Reno y Carson City.

En California se rodó en Kings Row, en los Warner Brothers Burbank Studiosde la Warner Boulevard, en  Burbank, , también en Laramie Street, , en Midwest Street, así como en otros espacios en el interior de los Warner Brothers Burbank Studios. Asimismo se rodó en los  Paramount Studios sitos en el 5555 Melrose Avenue, de Hollywood , pero destaca que aunque fuese una producción de Paramount , las escenas callejeras y la mayoría de las tomas interiores se filmaron en el escenario de Warner Bros. en Burbank, California .

La película fue distribuida por los Paramount Pictures (USA / UK) y a escala internacional por la Dino De Laurentiis Company . Su estreno tuvo lugar el 11 de agosto de 1976 consiguiendo una gran taquilla superior a los $ 13 millones de dólares.

La historia de la película comienza cuando el productor Mike Frankovich anunció que había comprado los derechos para la película de la novela de Glendon Swarthout , The Shootist , y Wayne expresó un fuerte deseo de interpretar el papel principal, según se informó debido a la similitud que l historia tenía  con el personaje Jimmy Ringo en The Gunfighter , una película del año 1950 e interpretada por Gregory Peck, un papel que le hubiese gustado interpretar y una historia que le atraía.

Con todo dado su delicado estado de salud y las muchas molestias que había experimentado durante el rodaje de su penúltima película, Rooster Cogburn , en España , El rifle y la biblia, rodada en 1975. Tanto es así que los productores plantearon que el papel podía pasar a Paul Newman , a George C. Scott , incluso a Charles Bronson , Gene Hackman y Clint Eastwood antes de que finalmente retornara a Wayne.

Aunque su capacidad pulmonar  estaba limitada y tenía  dificultades con la respiración y la movilidad a la altura de 4,600 m (1,400 m) de Carson City, y la producción tuvo que cerrarse durante una semana mientras se recuperaba de la fuerte gripe, Wayne completó la filmación sin más problemas médicos importantes. 

Hubo cierta oposición al casting de John Wayne, ya que los productores pensaron que a los 68 años era demasiado viejo para ser creíble como un pistolero. Fue el productor Dino De Laurentiis quien insistió en el casting de Wayne. John Bernard Books tenía solo 50 años en la novela. Para agregar un sentido de realismo al personaje de John Wayne, se usó material de archivo de varios de sus westerns para presentar J.B. Books después de los créditos iniciales. Se incluyeron imágenes de Río Rojo (1948), Hondo (1953), Río Bravo (1959) y El Dorado (1967).

El contrato de Wayne le daba autoridad en la aprobación del guión, e hizo una serie de cambios importantes y menores, incluida la ubicación (desde El Paso a Carson City), y el final. En el libro y en el guión original, Jack Pulford recibió un disparo en la espalda de Books, y Books, a su vez, recibió un disparo de Gillom; Wayne sostuvo que durante toda su carrera cinematográfica, nunca le había disparado a un adversario por la espalda, y no lo haría ahora. También se opuso a que Gillom le disparara a su personaje y sugirió que lo hiciera el cantinero, porque "nadie podría vencer a John Wayne en una pelea justa".

Wayne también fue responsable de muchas decisiones de casting. Varios amigos y compañeros de reparto en anteriores películas, entre ellos Bacall, Stewart, Boone y Carradine, fueron elegidos a su pedido.

El caso de James Stewart fue algo especial. Éste se había retirado de la interpretación y llevaba no varios años sin estar en el cine debido en parte a una discapacidad auditiva grave, pero aceptó el papel como un favor a Wayne. Stewart y Wayne habían trabajado juntos en solo dos películas anteriores, también westerns, The Man Who Shot Liberty Valance y How the West Was Won , ambas lanzadas en 1962.

James Stewart solo aceptó desempeñar un papel secundario en la película porque John Wayne lo había solicitado específicamente. Cuando J.B. Books (John Wayne) llega a la oficina del Dr. E.W. Hostetler (James Stewart), Hostetler menciona que han pasado 15 años desde la última vez que se vieron. Se trata realmente de una broma entre los dos ya que Wayne y Stewart trabajaron juntos por última vez en El hombre que mató en Liberty Valance (1962), 15 años antes.  James Stewart no había hecho una película en cinco años.

Mientras filmaban la escena en la oficina del doctor, tanto Stewart como Wayne repetían sus líneas en una larga serie de tomas, hasta que el director Don Siegel finalmente les suplicó que se esforzaran más. "Si quieres que la escena se haga mejor", bromeó Wayne siguiendo la estela de John Ford , "es mejor que te consigas un par de mejores actores". Más tarde, Wayne comentó en privado que Stewart conocía sus líneas, pero al parecer no podía escuchar sus señales lo que, a su vez, le  había provocado algunos errores. Debido a que la carrera cinematográfica de Stewart había terminado varios años antes, solo le pagaron 50,000 dólares por su parte.

A John Wayne le gustó trabajar nuevamente con Lauren Bacall ya que ella debutó en una de sus películas, Callejón sangriento (1955), tanto que la eligió como su primera dama para esta película. El nombre del personaje de Lauren Bacall podría ser una referencia al compañero de Wayne y Ford en muchas películas, Ward Bond. Maureen O'Hara, la primera dama de John Wayne en muchas películas, fue considerada para Bond Rogers, pero Don Siegel pensó que no se adecuaba a ese papel.

Un entrevistador le preguntó a Ron Howard si John Wayne le había dado algún consejo sobre la actuación. Dijo que, durante la filmación del tiroteo final, Wayne lo llevó aparte y dijo que tenía algunos consejos para él. Mientras Howard esperaba ansiosamente un profundo consejo, Wayne dijo: "Ron, si quieres parecer amenazador, cierra la boca".

Otra estipulación del contrato fue la posibilidad de intervenir en el casting e incluyó, aunque parezca mentira, a un caballo de su propiedad y que , al final es regalado por el personaje de Wayne, uno caballo castrado llamado Dollor que Wayne había montado en varias películas como  Los Vaqueros , Valor de ley , Rooster Cogburn , Chisum y Ladrones de trenes . Wayne había negociado los derechos exclusivos de la película a Dollor como propietario del caballo, Dick Webb Movie Productions, y solicitó cambios de guión que le permitieran mencionar el nombre de Dollor varias veces.

Parece ser que las numerosas sugerencias que hizo el actor al director y las alteraciones en el guión causaron una considerable fricción entre Siegel y Wayne; pero Siegel dijo que él y Wayne se llevaban bien. "Tenía muchas de sus propias ideas ... algunas me gustaron, lo que me inspiró y otras que no me gustaron. Pero no nos peleamos por nada de eso. Nos gustamos y nos respetamos mutuamente". John Wayne admiraba enormemente al director Don Siegel y dijo que le gustaría haber interpretado el papel de Clint Eastwood en Harry el sucio (1971).  Wayne , de cualquier manera tenía dudas, sobre la dirección de Siegel y sintió que la película necesitaba un estilo más épico y visual. Los dos estaban en desacuerdo durante el rodaje y, según informes, Wayne se hizo cargo de la dirección a veces. Originalmente, John Wayne no quería dejarse una barba para interpretar  a J.B. Books.

Según una biografía de 2014 de "John Wayne: la vida y la leyenda" de Scott Eyman, descubrió que Wayne tenía cáncer de estómago en 1975, pero que había entrado en remisión antes de que comenzara el rodaje de esta película. De cualquier manera, John Wayne hizo un anuncio de servicio público de televisión para la American Cancer Society que comenzó con un clip de la escena de esta película en la que el médico le dice a Books que tiene cáncer.

Aunque ahora esta película está considerada ampliamente como una de las mejores películas finales de cualquier estrella, junto con Vidas rebeldes (1961), protagonizada por Clark Gable y En el estanque dorado (1981), protagonizada por Henry Fonda, aunque en realidad nunca fue su intención de que fuese la última película de John Wayne.

No fue hasta enero de 1979, tres años después de que comenzara la filmación, que le diagnosticaron cáncer de estómago. En julio de 1978, después de recuperarse de una cirugía a corazón abierto, anunció que tenía la intención de hacer una película llamada "Beau John" con Ron Howard, pero nunca sucedió.

Durante el rodaje  John Wayne causó sensación entre la población de Carson City mientras se hospedaba en el hotel Ormsby House durante la filmación. Firmó autógrafos para jóvenes, incluido uno firmado para la famosa soprano de mezzo Mary Anna Replogle.

A pesar de recibir críticas generalmente favorables, la película demostró ser una de las películas menos exitosas de John Wayne en la taquilla. John Wayne estaba molesto por la decepcionante taquilla de la película, a la que atribuyó principalmente a Paramount por promocionar mal la película. Se quejó de que Paramount dedicó demasiado tiempo a centrarse en su nueva versión de King Kong y en la marca de Wayne para vender la película, que en 1976 ya acumulaba un par de fracasos.

La película presenta un buen trabajo del director de fotografía Bruce Surtees, sin embargo, su labor no fue reconocida con un premio.

En 1977, The Shootist recibió una nominación al Oscar por Mejor dirección artística (Robert F. Boyle, Arthur Jeph Parker), una nominación en los  BAFTA Film Award como Mejor actriz (Lauren Bacall) y una nominación al Golden Globe Award como Mejor actor de reparto (Ron Howard), así como el National Board of Review Award como uno de los Top Ten Films de 1976 .

El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión adaptado para Scott Hale y Miles Hood Swarthout Críticas

Tras su lanzamiento teatral, The Shootist fue un éxito menor, recaudando algo más de $ 13 millones de dólares.

La película recibió críticas justas a excelentes, con muchos elogios a Wayne por muchos críticos especialmente de Variety que lo quiso lanzar para los premios de la Academia, pero , finalmente, no fue así. No hace mucho en una revisión esta misma revista dijo de ella que era" Simplemente hermosa, y hermosamente simple."

Eso sí, fue nombrada como una de las diez mejores películas de 1976 por la National Board of Review , junto con Rocky , All the President's Men y Network . En 2008 la película fue incluida entre los mejores western por el American Film Institute.

El crítico de cine Roger Ebert de Chicago Sun-Times la incluyó en su lista de las 10 mejores películas de 1976. Y dijo sobre ella "A menos que ya hayas descubierto que John Wayne es un actor y una estrella de cine, te sorprenderán las dimensiones que proporciona para JB Books. "

Dereck Adams de Time Out comenta que se trata de "Un sutil y conmovedor homenaje valeroso tanto a Wayne como al Western en general. En Radio Times , Tony Sloan comenta que "Esta fue la última película de John Wayne y resultó ser un tributo adecuado a un gran talento. " Ya En España, Miguel Ángel Palomo en  El País afirma que es una "Magnífica y, sobre todo, entrañable revisión de los añejos códigos del western (...) todo un canto poético a un cine que desaparecía junto a John Wayne"

Para Leonardo D’Espósito de la revista Noticias responde al "(...)  estilo seco de Siegel se complementa muy bien con la apariencia mineral de John Wayne. Una verdadera reflexión sobre el tiempo y su transcurso, como suelen serlo las mejores obras de arte."

Estamos ante una gran película, una despedida a la altura de un gigante, con una estructura narrativa clásica magníficamente dirigida y magistralmente interpretada. Una sólida despedida para uno de los más grandes.

En 1966, John Wayne , trasladó su domicilio desde Encino hasta Newport Beach. Allí frecuentaba la Iglesia católica en la isla de Balboa. Allí "meditaba, contemplaba y hablaba con Dios", dijo Gretchen, el sacerdote que le trató​. 

El lunes 11 de junio de 1979 su estado de salud empeoró lentamente. El Padre Curtis fue a verle. Aunque seguía en coma, su hijo le preguntó "Papá, el capellán quiere verte", pensando en que no respondería. Ya estaba saliendo de la habitación cuando le oyó decir "De acuerdo". estuvieron solos quince minutos​. A las 17:23 horas​ de ese día Wayne falleció a causa de cáncer de estómago, en el Centro Médico de la Universidad de California en Los Ángeles. Según su hijo Patrick y su nieto Matthew Muñoz, sacerdote en la diócesis de Orange en California, se convirtió al catolicismo poco antes de su muerte.​ Fue enterrado en el cementerio Pacific View Memorial Park, de Corona del Mar, California. 

Para evitar una posible profanación, su esposa, Pilar Pallete, enterró su cadáver en una tumba anónima, mientras que se colocó una placa conmemorativa en un espacio sin tumba debajo. Pidió que su epitafio fuera "Feo, Fuerte y Formal" algo más que adecuado para The Duke. 

El hombre de Kentucky

Tocaba western y vimos western. Y el elegido, uno desconocido , The Kentuckian, pero que contaba con todos los ingredientes para ser una gran película.

Se desarrolla en Kentucky, el decimoquinto estado estadounidense en formar parte de la Unión al incorporarse en junio de 1792 , un estado circundado por ríos , entre ellos el Tennessee, , pero también un estado que nunca pudo quitarse la vitola de la violencia entre familias, de degradación en las relaciones personales como si revivieran un eterno enfrentamiento como el que hubo entre los Hatfield y los McCoy (1863–1891) y que involucró a dos familias residentes en la región fronteriza entre Virginia Occidental y Kentucky. Aquí en la película están implicadas otras familias, pero la violencia y el odio entre ellas es similar, por no decir la misma, con el mismo grado de salvajismo y fanatismo.

Como he dicho la película tiene todos los ingredientes para serlo. Una buena dirección, en la que descubrimos al mismísimo Burt Lancaster, en la que fue una de las dos únicas películas dirigidas por el neoyorkino (la otra fue The Midnight Man ), Y es que el actor que creció en el Spansih Harlem, tocó casi todo en el mundo del cine, siendo esta película la única por la que tiene crédito de director . Además tiene un gran  guión basada en una obra literaria, la titulada por The Gabriel Horn o El cuerno de Gabriel , una obra escrita por Félix Holt y publicada en su primera edición en 1951.

Junto a ellos el actor y aquí director supo acompañarse de grandes técnicos. Nada más y nada menos que Bernard Herrmann y Harold Hecht que estaban detrás  de la banda sonora y del producción . O el mismo Ernest Laszlo, responsable de la brillante fotografía en color. A ellos se sumó el guionista A.B. Guthrie Jr. un novelista e historiador que lo convirtió en guión , no olvidemos que fue el autor de la novela La conquista del Oeste The Way West por la que ganó el Premio Pulitzer de Ficción en 1950 , y sobre todo del guión de Shane (1953), para nosotros Raíces Profundas por lo que fue nominado para un Premio de la Academia .

Además contó con buenos actores algunos veteranos como John McIntire, que hace del hermano del protagonista y otros debutantes como Walter Matthau en su debut cinematográfico. Y a todo ello se suma un elemento a tener presente en el género, la violencia, a veces contenida y otras veces con una fuerza que estalla puntualmente y lo hace de forma explosiva.

Con estos ingredientes tendría que salir un buen caldo cinematográfico, ¿no?  Pero lo cierto es que el resultado es un western atípico.

Pero comencemos por el principio de la historia de este filme. Burt Lancaster que había debutado en el cine en 1946 en la película Forajidos o The Killers a las órdenes de Robert Siodmak , junto a Ava Gardner, en un clásico del cine negro, uno de los clásico más representativos de este género para Cabrera Infante, va a iniciar una campaña profesional con un meteórico recorrido. Parece que desde aquí , inicialmente con personajes de carácter rudo y directos pasó a producciones de todo tipo de géneros desde dramáticas y de intriga, pasando por las bélicas y las de aventuras, siendo con estas últimas con la que alcanzó un enorme gran éxito de taquilla, como El halcón y la flecha o El temible burlón, acompañado de su amigo de la infancia y compañero del circo y acróbata Nick Cravat, que solía representar personajes mudos, posiblemente debido a que su marcado acento de Brooklyn no entonaba demasiado con las épocas en las que se desarrollaban los argumentos de sus películas.

Pero en la primera mitad de la década de 1950 comenzó a aceptar papeles cada vez más exigentes y variados que le siguieron manteniendo el reconocimiento del público y de los profesionales del medio que pasaron a ser clásicos del cine como De aquí a la eternidad (1953) del director Fred Zinnemann o Veracruz (1954) de Robert Aldrich.

La experiencia de todo ello le facultó la confianza de Harold Hecht , uno de los más importantes productores cinematográfico de Hollywood, pero también director de danza , agente de talentos pero también literario y teatral que trabajó con artistas de la tala de los Hermanos Marx , Mae West , Bing Crosby , Cary Grant , WC Fields , Gary Cooper , Maurice Chevalier y Marion Davies . Hecht se asentó en la producción cinematográfica  después de conseguir el Oscar con su película "Marty" en 1956.

Lo cierto es que tras una apasionante historia personal y profesional Hecht en 1947 decide cofundar la Productora Norma Productions centrada en cine independiente , con su socio comercial y actor Burt Lancaster . Fue con ella con la que se lanzó a producir las películas de las que los grandes estudios huían tras la crisis del sistema . Para realizarlas el tándem formado por Hecht y Lancaster crea un entramado de productoras subsidiarias de la Norma Productions como eran la Hecht-Lancaster Productions y Hecht-Hill-Lancaster Productions, pioneras de la producción independientes más importantes de Hollywood.

Si bien en el verano de 1953, Hecht cofundó otra filial de Norma Productions, Hecht-Lancaster Productions, con Burt Lancaster también firmó un acuerdo de dos películas con United Artists (el acuerdo se renegociaría y ampliaría varias veces durante los próximos años) , Para la United Artists realizaron  Apache ( 1954), un western relatado desde la perspectiva de un nativo americano , personaje asumido por Burt Lancaster y en la que aparece John McIntire , con Robert Aldrich de director y James R. Webb como guionista partiendo de la novela original de Paul Wellman .

Tras la misma tuvo lugar el rodaje de otro western , Vera Cruz, una película en Technicolor, con alto presupuesto y una de las primeras películas en utilizar el formato de pantalla ancha , el SuperScope, protagonizada por Lancaster y Gary Cooper con papeles para Denise Darcel , Sara Montiel , César Romero , George Macready , Ernest Borgnine, Charles Bronson , Jack Elam y Jack Lambert.

Ese mismo año 1954 Burt Lancaster solicitó ser miembro del Screen Directors Guild , es decir, el "Gremio de Directores"  pero fue rechazado "porque supuestamente había expresado opiniones acerca de los directores que la organización consideraba no adecuados". El gremio , sin embargo, le otorgó a Lancaster una exención para que le permitiera dirigir la película.

Tras esta llegó por parte de la Hecht-Lancaster Productions tres exitosas películas en taquilla financiadas por la United ARtist como fueron la oscarizada Marty, dirigido por Delbert Mann con Betsy Blair y Ernest Borgnine , en su primer papel protagonista en una película, siendo una película de bajo presupuesto. Tras ella le siguió The Kentuckian , de la que ahora hablaremos , y la tercera y última película estrenada bajo el paraguas de la Hecht-Lancaster Productions (antes de cambiar el nombre de la compañía) fue la película de circo Trapeze , con presupuesto elevado , filmada en tecnicolor con lentes CinemaScope, y protagonizada por Lancaster, Tony Curtis y Gina Lollobrigida . El guión pasó por varios escritores como James Jones ( De aquí a la eternidad ), Ernest Lehman , Ben Hecht , James R. Webb, Wolf Mankowitz y Liam O'Brien .

Pues bien en el caso de la película que nos ocupa El hombre de Kentucky el guión fue escrito por el ganador del Premio Pulitzer AB Guthrie Jr. partiendo de la citada novela de Felix Holt, El cuerno de Gabriel. Fue el debut oficial como director de Burt Lancaster. Guthrie ya había adaptado a Shane en 1952 y su novela, The Big Sky , se había convertido en un western de Howard Hawks ese mismo año.

Hecht - junto a James Hill- y Lancaster contrataron al famoso compositor Bernard Herrmann para la banda sonora aunque en la misma también estuvo presente Roy Webb, ya reconocida en su momento por su trabajo con Orson Welles .

Como parte de su publicidad, Hecht contrató al artista Thomas Hart Benton y para la edición de la misma se contrató a George E. Luckenbacher, quedando la United Artist en la distribución.

El reparto estuvo encabezado por Burt Lancaster como Elias Wakefield, acompañado por Dianne Foster como Hannah Bolen, Diana Lynn como la maestra Susie Spann, Donald MacDonald como el joven Eli Wakefield, John McIntire como Zack Wakefield y Una Merkel como Sophie Wakefield. Junto a ellos aparecen en su debut Walter Matthau como Stan Bodine, John Carradine como Ziby Fletcher, John Litel como Babson, el hombre que lleva en el vapor y le invita a ir a Texas, Rhys Williams como el sheriff, Edward Norris como el de la ruleta, Lisa Ferraday como la acompañante del jugador y Clem Bevans como el piloto del vapor (sin acreditar). Aunque hay que señalar que la directora de casting, Betty Pagel , también se planteó contratar junto a Burt Lancaster y a Hecht a Brandon De Wilde como Little Eli Wakefield , a Jane Wyman como Susie Spann y a Kim Novak como Hannah Bolen así como a Constance Smith .

La película se inicia en el año 1820. En ese momento vemos que un padre, Big Eli o Elias Wakefield (Burt Lancaster) y su hijo el joven Eli (Donald MacDonald) deciden abandonar Kentucky para empezar una nueva vida en Texas. Van acompañados de su perro Blackie, así como de dos elementos materiales, una bolsa con monedas que suponen unos 200 dólares así como un cuerno , el "Cuerno de Elias" que usa el mayor de los Wakefield para llamar a su perro. El pequeño Eli aún no puede usarlo y su padre le dice que sólo conseguirá sacar sonido alguno de él, cuando sea mayor.

Van buscando nuevos espacios para cazar bisontes y ciervos, vivir más cómodamente y en libertad en plena naturaleza. Además es un espacio que han ido ocupando colonos en los antiguos territorios pertenecientes a la Corona española.

Padre e hijo, acompañado de su perro , van parando en el bosque, durmiendo cerca de los ríos y alejándose , pues han tenido problemas con algunas familias vecinas. De cualquier manera , Elias trasmite a su hijo que lo importante es el futuro en Texas.

En su desplazamiento pasan por un pueblo y el perro de los Wakefield se enfrenta a otro que es propiedad del sheriff, un hombre corrupto y sis escrúpulos que impone su ley. La pelea de perros da lugar a un altercado que acaba con Elias en prisión , quedando el pequeño Elias desamparado.

La única persona que lo atiende en Hannah Bolen ( Dianne Foster) una joven que trabaja en semiesclavitud en un local de la localidad. Hannah le da de comer al chico , a pesar de la oposición de su jefe.

Mientras "big Eli" está en la cárcel Hannah , Hannah se entera que el el sheriff ha llamado a la familia enemiga de los Wakefield, los Frome, con el fin de matarlo, así que Hannah, ante la llegada de los Frome al pueblo (Douglas Spencer y Paul Wexler ) libera a Big Eli de su encierro en prisión y huye junto a éste y su hijo.

Sin embargo, los tres son localizados por el sheriff y el propietario de Hannah que fue comprada. Para salvar la situación Elias decide pagar los 200 dólares por la liberación de la chica, lo que le impide tomar el barco de vapor que desde el Tennessee los llevaría a Lousiana y desde allí a Texas. Los tres anhelan una vida de aventuras como pioneros en Texas.

Mientras se desplazan a una localidad en la que vive el hermano de Elias , los viajeros tienen un encuentro con un vendedor ambulante, Ziby Fletcher (John Carradine) . Este estafa a un buen , pero ignorante Eli , con unas perlas de agua dulce que les permitiría hacer negocio.

De cualquier manera, antes de llegar a su destino, se detienen en el pueblo, cercano al río Tennessee y con un puerto desde dónde salen los barcos hacia el sur y te acercan a Texas. Allí vive Zack (John McIntire), el hermano mayor de Elias que se dedica al negocio del tabaco. Nada más llegar Zack le ofrece trabajo a Eli, pero este está empeñado en la idea de Texas.

La taberna del pueblo es regentada por Stan Bodine (Walter Matthau ) un hombre bronco y violento que se maneja muy bien con el látigo. En la taberna, Hannah incómoda por la deuda contraída encuentra acomodo.

Mientras Eli busca un trabajo pero encuentra ciertas dificultades. A pesar de ser un gran cazador, Eli no encuentra oportunidades y lo cierto es que Elias busca trabajo para pagar el billete de barco a Texas pero su hermano Zach cree que debe establecerse en el pueblo, casarse con la maestra Susie (Diana Lynn) y mandar a Eli a la escuela. Pero eso no es lo que quieren padre e hijo.

De cualquier manera Zach organiza junto a su mujer una velada a la que asiste igualmente la joven y bella profesora. La velada culmina con un concierto en la pianola por parte de Susie , que es completado por las peticiones que le hacen Zach y los Eli padre e hijo.

Desde ese momento el acercamiento entre Eli padre y la maestra es evidente . Frente a ellos los recelos de Eli hijo, pero también de Hannah son mayores pues parece que la idea de ir a Texas se esfuma.

A esta compleja situación se suma la humillación que sufre tanto Elias padre en el bar por parte de Stan y de Ziby al reirse de él, por escribirle una carta al Presidente de los Estados Unidos y por creer el tema de las perlas de río. La situación de Elias hijo no es mejor en la escuela y sólo la intervención de la maestra Susie ( Diana Lynn ) templa los ánimos en los Wakefield que están considerados como personas rudas, sin conocimientos y sin cabeza, pero que no reaccionan violentamente. Eso es lo quiere paliar tanto Zach que preferiría que Big Eli se casara con la maestra como Suzie y que se establecieran definitivamente en la ciudad.

No obstante la idea de salir de Kentucky sigue estando presente tanto el Elias hijo como en Hannah. De hechos las relaciones de ambos con Elias padre van a peor.

La llegada un día de un barco a vapor a la localidad y el desembarco en la localidad de un hombre Babson (John Litel), que promete llevarlos a Texas no hace sino distanciar más a padre e hijo.

Un día recibe la carta de respuesta por parte del Despcho del Presidente sacando a la luz la escasa formación de Wakefield, sin embargo Elias está más lista y miente sobre el contenido de la carta, pero decide mejorar en sus formas y en el fondo. En ello colabora su hermano Zach que le pide que vista mejor, se pele y que vaya a la ciudad y saque dinero del banco para ampliar su negocio de tabaco.

A la vuelta de la ciudad a través del Tennessee, en el barco  padre e hijo se ven inmersos en un conflicto. Al ver que llevan dinero en lo alto, un grupo de jugadores profesionales (James Griffith, Edward Norris y  Lisa Ferraday ) que residen en el barco le insisten a Elias para que juegue a la ruleta. Indudablemente la ruleta está trucada.

Los jugadores y , especialmente, como la acompañante del jugador quieren que Elias se confíe en las apuestas para después desplumarlo. Pero Elias que ahora se muestra distinto , una vez pelado y vestido decentemente, se muestra astuto y se retira del juego con las ganancias, algo que intentan evitar los empleados de la ruleta y los jugadores que esperaban sacar dinero del de Kentucky.

Pero Elias al ver que el barco ni tan siquiera va a parar ya que los jugadores le piden al capitán del barco (Clem Bevans) que no pare en el puerto fluvial , así que se pelea con unos y con otros y , finalmente, con su hijo saltan al río, salvando el dinero y la situación. Su llegada como hombre de negocios exitoso , con dinero hace cambiar su rol en la localidad. Participa activamente en el negocio del tabaco, se gana una merecida fama además de consolidar su relación con Susie, algo que desespera a su hijo y a Hannah.

Además la situación entre Big Eli y Stan Bodine ( Walter Matthau ) es conflictiva llegando a estallar en un día festivo en el que Stan , primero incita a un chico a pergarle con una cuerda al joven Eli, y luego se enfrenta con su látigo a Elias. Este resulta herido, pero una disimulada intervención de Hannah bloqueando el látigo hace que Elias derrota en una pelea a puños a Stan.

Tras poner a Stan en su sitio, Elias parece más próximo a su matrimonio con la maestra lo que llega a enfrentar ya de forma seria a padre e hijo. Cuando Elias padre le pide a su hijo que entierre el cuerno llamado "cuerno de Elias" que tenía como finalidad llamar a su perro para que regresa, el hijo de este se niega y estando sólo en el bosque sopla en el mismo, sonando. En ese momento Elias padre se da cuenta de que su hijo ya es un hombre ( siempre le decía que sería capaz de tocar el cuerno cuando fuese mayor) y por lo tanto sabe que no lo puede convencer de que permanezca allí contra su voluntad.

A esto se suma que Stan , al sentirse humillado ha llamado a los enemigos de los Wakefield, a los Frome, que van con la intención de matarlo. Para atraer al padre, secuestran al hijo que es llevado junto a la destilería que tiene Stan cerca de una lamina de agua y esperan a que se presente. Viendo que la intención de ellos es matar con toda frialdad a Elias , Stan se niega a colaborar y es brutalmente asesinado.

Por su parte, Elias padre sale a buscar a su hijo acompañado de Babson (John Litel) el veterano señor que ve en Elias Wakefield el hombre ideal para instalarse en Texas. Mientras se desplaza hace un último intento para convencerlo, viendo que es un hombre ingenuo pero de buen corazón y valiente; pero cuando están cerca de la destilería, Babson es alcanzado por las balas de los secuestradores.

Sin embargo, uno de ellos es abatido por Hannah, cuando el otro intenta cargar su arma para matar a Elias, este cruza rápidamente la lámina de agua y mata a su enemigo.

Tras lo acontecido Elias Wakefield toma la determinación de cumplir con su hijo y con Hannah , relegando su boda con Susie y dejando el negocio de su hermana. Prefiere empezar una nueva vida junto a Little Eli y Hannah apostando por los campos abierto de Texas y por la libertad.

La película se filmó en Kentucky, en el área de Cumberland Falls , en el Parque Estatal Levi Jackson Wilderness Road cerca de Londres , en la localidad Owensboro y , además, en Green Rivery en Abraham Lincoln Memorial Village cerca de Rockport, en este caso en Indiana .

El rodaje no estuvo exento de complicaciones. Durante la feroz pelea entre Lancaster y e Matthau con látigo, Matthau que fue doblado por el experto en látigos Whip Wilson, y cortó a Lancaster en el hombro cuando éste le pidió que "le golpeara y lo hiciera parecer real".

La película también presenta una aparición del famoso barco fluvial de Gordon C. Greene, el Delta Queen, el mismo barco de vapor usado en Gone with the Wind y Steamboat Round the Bend . La compañía gastó casi $ 10,000 para agregar las falsas chimeneas.

Como parte del marketing, el estudio encargó a Thomas Hart Benton la realización de una pintura que es conocida como The Kentuckian , que representa una escena de la película. Tanto Lancaster como el productor Harold Hecht eran admiradores de Benton y tomaron la iniciativa de contratar la obra . Entre los bocetos de Benton para la pintura hay una versión en la que los personajes se dibujan como figuras cúbicas. La pintura pertenece en la actualidad al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles desde 1978. La misma es un retrato de tamaño real de Lancaster y Donald MacDonald posando con su perro Faro. La pintura se exhibió por primera vez en el estreno de la película en Washington, DC. Más tarde, se usó en la etiqueta de una marca de whisky . La pintura perteneció a Lancaster y no se exhibió en público nuevamente hasta que fue entregada al Museo . Ha sido exhibida en varios museos a lo largo de los años y actualmente forma parte de la colección permanente del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

La película compitió en el Festival de Cine de Venecia por su primer premio, el Golden Lion Award y fue nominada al León de Oro Fue lanzada al gran público el 1 de agosto de 1955 consiguiendo en taquilla $ 2.6 millones.El estreno de Los Ángeles fue a beneficio de la Sociedad de Esclerosis Múltiple.

Con todo, parece ser que las críticas fueron tan destructivas en el momento del estreno que Lancaster tardó veinte años en volver a sentarse en la silla de director, según dice Alberto Abuín, y eso a pesar del relativo éxito en taquilla .

Lo cierto es que Burt Lancaster continuó su carrera como actor no sólo en Hollywood sino también en Europa trabajando a las órdenes de directores como Visconti o Bertolucci. Sin embargo para la dirección el hiato que se tomó fue largo ya que desde 1955, no volverá a repetir en esta tarea hasta el año 1974 cuando codirigió "El hombre de la medianoche".

Para Alberto Abuín en Espinof estamos ante un " peculiar western " Y añade que "no nos encontramos ante una buena película, tampoco mala, pero está más cerca de lo segundo. Y prosigue diciendo que a "Lancaster le gustaba especialmente. La película, y el cachondeo también. 'El hombre de Kentucky' intenta aunar en un argumento delirante el amor por la naturaleza, el amor por las raíces, por la familia, por las nuevas oportunidades y por el amor verdadero, ese que siempre permanece oculto.

Y prosigue el crítico diciendo que "Curiosamente 'El hombre de Kentucky' muestra sus mejores cartas en algunas de las acciones de sus personajes secundarios entre los que también merece citarse a John McIntire, como el hermano de Elias, a quien sólo quiere retener para beneficio propio, o el gran John Carradine, vendedor ambulante, más charlatán que otra cosa y que ofrece un mal uso de la cultura. El desperdicio del talento malgastado. Irregular en buena parte de su metraje porque a veces no sabe por dónde tirar, 'El hombre de Kentucky' no ha pasado a la historia del cine más que por suponer el debut como director de uno de los mejores actores de aquellos años el cual ofrece una intensa interpretación, como siempre, pero se le va la mano como director con la parte sentimental de la historia, y es que el odioso personaje del niño no aporta absolutamente nada a la trama".

La película se deja ver. Es atractiva por su fotografía, por su música con impresionantes números musicales, que para Manuel Valls Gorina y Joan Padrol en su libro "Música y Cine" está llena de hallazgos orquestales. También a destacar algunos valores presentes en la película como la defensa de la armonía del hombre - al menos de los protagonistas - los Wakefield- con la naturaleza , la necesidad de buscar la paz y la convivencia . Aunque para conseguirlo haya auténticos estallidos de violencia como la escena del látigo o alguna pelea más que fuerte y flaquea por el desarrollo de algunos de los personajes como el niño que , en muchas ocasiones, es un obstáculo para la película, un freno para este western, que como diría un amigo italiano es "molto particulare"

Johnny Guitar

Se verdadero nombre era Johnny Logan pero ha pasado a la historia como Johnny Guitar, posiblemente una de las película con los mejores 45 minutos de diálogo que haya visto, y lo digo después de haberla visto en multitud de ocasiones. Pero no me canso de ver esta maravilla de Nicholas Ray. Ni de la música de Victor Young, compositor nacido en Vhicago, pero curiosamente formado musicalmente hablando en polonia, y que participó en más de 350 películas, pero que aquí en la composición musical  no deja un par de  joyas, la música y la canción interpretada por Peggy Lee que siempre nos remitirá a la imagen icónica de Joan Crawford.

De la película se ha dicho de todo. Principalmente que es atípica o que es un western feminista, el único del siglo XX. Pues esta joya , para mi una de las mejores películas del cine fue obra de uno de los grandes, Nicholas Ray cuyo auténtico nombre era Raymond Nicholas Kienzle. Se trataba del primer proyecto de Nicholas Ray después de dejar los RKO Studios, donde había estado bajo contrato durante siete años. Aunque pudiera parecer de los cineastas nacidos en Europa, el nació en Wisconsin, aunque era de origen alemán. 

Compañero en momentos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante. En 1948 con Los amantes de la noche dirige su primera película, siendo seguida en 1949 por El secreto de una mujer, en la que trabaja Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. 

Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950)con Bogart y Grahame de protagonistas. A estas le siguieron otras como Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes , vinculas con la RKO, pero en 1954 comienza el rodaje en Sedona, mi querida Sedona , la ciudad de Arizona de Johnny Guitar. La película fue un gran éxito de taquilla y tras este siguieron otros títulos que impresionan desde Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), pasando por Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, 1956) y las míticas Los dientes del diablo (The Savage Innocents, 1959), Rey de reyes (King of Kings, 1961) o 55 días en Pekín (55 Days at Peking, 1963), pero esa es ya otra historia, ya veremos si cercana. 

Volviendo a Johnny Guitar señalar que fue producida por Nicholas Ray y Herbert J. Yates para la Republic Pictures , - una compañía que originalmente se dedicada a la producción y distribución de filmes con muchas películas de serie B y bastantes western, aunque apoyo la carrera de John Ford y Orson Welles como su Macbeth - que también la distribuyó ya que el fundador Yates estaba detrás. En este caso Ray contó con un guión escrito por Philip Yordan y basado en la novela de 1953 titulada Johnny Guitar de Roy Chanslor. Con el tiempo se dijo que otro guionista, Ben Maddow , escribió el guión y la mayoría de las críticas cinematográficas no creerían que Philip Yordan fuera el verdadero autor hasta que el mismo Maddow, después de ver la película, afirmara que no escribió el guión. Parece ser que Philip Yordan reescribió el guión en la ubicación. 

La película contará la música de Victor Young, la fotografía de Harry Stradling rodada en Trucolor el sistema a color utilizado y propiedad de la división Consolidated Film Industries de la Republic Pictures . Se introdujo como reemplazo para el propio proceso Magnacolor de Consolidated .Republic utilizó Trucolor principalmente para sus westerns , hasta la década de 1940 y principios de la de 1950 como alternativa al Technicolor. Aunque hay quien afirma que esta película fue pensada para su visualización en 3D.

El montaje fue encargado a Richard L. Van Enger, mientras que el sonido fue para T.A. Carman y Howard Wilson; el vestuario fue labor de Sheila O'Brien y los efectos especiales , especialmente las explociones fueron de Howard Lydecker Theodore Lydecker. El reparto lo encabeza Joan Crawford como Vienna acompañado de Sterling Hayden como Johnny Guitar o Johnny Logan, Mercedes McCambridge como Emma Small y Scott Brady como el Kid, el bailarín (Dancin' Kid). Secundarios de lujo están presentes como Ward Bond como John McIvers, Ben Cooper como Turkie Ralston, Ernest Borgnine como Bart Lonergan y John Carradine como el viejo Tom. Junto a ellos aparecen Royal Dano como Corey, Frank Ferguson como Marshal Williams, Paul Fix como Eddie, Rhys Williams como el Sr. Andrews, Ian MacDonald como Pete y Robert Osterloh como Sam. 

La película comienza con la llegada de un jinete que en vez de portar un rifle lleva a sus espaldas una guitarra. Mientras avanza por estas tierras del Norte de Arizona ve tres cosas que parecen llamarle la atención. 

Por un lado, una explosión en un área rocosa y montañosa realizada por los trabajadores de un ferrocarril que va avanzando hacia el oeste, un grupo de cowboys que guía ganado y el asalto a una diligencia y el asesinato por parte de cuatro bandidos de uno de sus ocupantes. 

Poco después el jinete llega a un establecimiento envuelto entre nubes de polvo en una tormenta de arena. Tras desmontar de su animal entra en el local, un saloom, que está vacío de cientes y en el que hay un camarero y tres croupiers sobre las mesas de juego. El jinete pide un vaso de whisky y le dice a los barman que tiene una cita con la dueña del local, Vienna. Cuando le preguntan por su nombre , lo dice. Dice llamarse Johnny Guitar (Sterling Hayden). 

Tras tomarte el whisky espera sale de una habitación en la parte superior Vienna( Joan Crawford) y le dice con bastante altivez que tiene una cena de trabajo con un cliente. Vienna, la propietaria de un salón situado en las afueras de una ciudad del Oeste, se entrevista con un hombre de negocios local que rechaza la proposición de Vienna de transferir la titularidad del mismo a su nombre a cambio de una importante suma de dinero. 

A favor del local es que frente al mismo pasará el tren y puede ser el embrión de una futura ciudad si en ella se monta una estación. 

Mientras, abajo,  Johnny Guitar habla con los trabajadores de las mesas y sobre todo con el viejo Tom (John Carradine) que le informa de la tensión que vive en la zona entre Vienna y los grandes ganaderos locales, los hermanos Small y John McIvers que temen que con la llegada del ferrocarril el área se pueblo de agricultores que limitarán sus terrenos de pasto. 

Después baja Vienna que habla con cierto desdén a Johnny , dejando entrever que ha dejado de ser un famoso pistolero Johnny Logan , un portentoso pistolero, que ha cambiado su revólver por una guitarra. Vienna lo ha llamado pues le ha ofrecido un trabajo como músico. La relación entre ambos viene de antiguo, pero han pasado cinco años desde que Johnny y Vienna rompiesen sus amor debido a la negativa de Johnny a echar raíces. 

En este tiempo, ella ha adquirido una casa de juego en un terreno que piensa vender a la compañía de ferrocarriles cuando el trazado de la línea llegue hasta allí. 

Tras concretar el acuerdo , Vienna le dice a Tom que le de de comer a Johnny mientras ella sube al piso superior. Al rato llega una partida de hombres en la que parece encabezarla una mujer. Se trata de Emma ( Mercedes McCambridge ), hermana del hombre asesinado, que junto a John McIvers (Ward Bond) y el Marshall Williams (Frank Ferguson ) acusa del asalto a la diligencia al que posiblemente sea el antiguo amante de Vienna, pero también pretendiente de Emma que es conocido con el nombre del bailarín, Dancing Kid ( Scott Brady) y su banda, que viven de explotar una mina de plata oculta en las montañas. 

El propósito de Emma no sólo vengar a su hermano que acaba de ser asesinado, sino aniquilar Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril, a quien envidia, y a Kid, su amante, por quien Emma siente una profunda pasión que tiene que reprimir. Emma tiene el apoyo del sheriff y de John McIvers , el otro gran ganadero al que no le gusta la llegada del ferrocarril. Emma Small no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda que , casualmente llega en ese momento. 

La llegada de Kid y sus chicos altera aún más a los ganaderos locales. El conductor de la caravana es presionado para culparles, pero dice una y otra vez que tenía el sol, de cara y que no pudo ver sus rostros con claridad , pues iban tapados. Vienna se enfrenta a ellos con su arma, y ellos le dice que no puede con todos pues son muchos, pero en ese momento vemos que sale en su defensa desde la cocina el misterioso y recién llegado Johnny Guitar. 

Como el Marshall no puede acusarlos son una prueba directa la tensión baja aunque los ganaderos, liderados por John McIvers e incitados por Emma Small, decididos a forzar a Vienna , a Johnny Guitar, y a Kid y sus hombres a salir de la ciudad, le dan 24 horas para ello. Tras poner su ultimátum los ganaderos se marchan llevándose el cuerpo del fallecido. "The Dancin Kid" y a sus compañeros se quedan tomándose una copa. Uno de ellos Bart Lonergan (Ernest Borgnine) fuerza a Johnny a beber un whisky, tras el primero viene un segundo, pero Johnny ya no acepta y deciden pegarse a las puertas del local. Johnny le da una paliza a Lonergan. 

Tras eso Kid, Lonergan y sus otros dos compañeros, que viven de la explotación de una desconocida mina de plata en la que no están teniendo mucha fortuna, el joven Turkie Ralston (Ben Cooper) y el reflexivo - y lector- Corey (Royal Dano) deciden marcharse. No obstante, el joven Turkey , se retrasa un poco y antes de irse le dice a Vienna que está encantado de haberla conocido y que por supuesto la protegería con su revolver, comenzando a alardear con el mismo. Johnny nos sorprende a todos disparando sobre el revolver que empeña Turkey al que reduce disparando con suma habilidad, aunque con ojos de desquiciado. 

Una vez se tranquiliza y es atendido por Vienna que resulta ahora lo reconoce como actuaba cuando era ex amante y pistolero pendenciero conocido por su nombre real es Johnny Logan.

Esa misma noche vemos que Vienna se desvela y baja encontrándose en la cocina a Johnny que le pide que recuerde su antigua relación. Entre ellos se ve que hay una relación de amor / odio latente. Es en ese momento cuando se produce uno de los diálogos más sugerentes de la historia del cine entre Vienna y Johnny Guitar: 

VIENNA: ¿Se divierte, Sr. Logan? 

JOHNNY: No podía dormir. 

VIENNA: ¿Y eso le ayuda? 

JOHNNY: La noche pasa más deprisa. ¿Por qué estás despierta? 

VIENNA: Sueños. Pesadillas. 

JOHNNY: Yo a veces también los tengo. Con esto los ahuyentarás. 

VIENNA: Ya lo he probado. No me ayudó demasiado. 

JOHNNY: ¿A cuántos hombres has olvidado? 

VIENNA: A tantos como tú mujeres. 

JOHNNY: ¡No te vayas! 

VIENNA: No me he movido. 

JOHNNY: Dime algo bonito. 

VIENNA: Claro. ¿Qué quieres que te diga? 

JOHNNY: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. 

VIENNA: Te he esperado todos estos años. 

JOHNNY: Dime que habrías muerto si yo no hubiera vuelto. 

VIENNA: Habría muerto si tú no hubieras vuelto. 

JOHNNY: Dime que me quieres todavía, como yo te quiero. 

VIENNA: Te quiero todavía, como tú me quieres. 

JOHNNY: Gracias. Muchas gracias. 

Tras esto la relación se ablanda entre ambos y parece que pasan la noche juntos. Al día siguiente, ambos deciden ir al banco a sacar el dinero que tiene depositado allí Vienna. El banco está cerrado pues en esos momentos se está desarrollando el entierro del fallecido Small. 

El banco está cerrado por esa razón, el entierro, con todo al ver que la que pide entrar es Vienna le abren la puerta. En ventanilla ella pide recuperar el dinero depositado, no en oro, como le ofrecen , sino en billetes. 

Justo cuando la caja está abierta y sacado el dinero se persona los hombres de Dancin 'Kid en el pueblo, aunque el único que es visible es Turkey que pide hacer un ingreso. Pero aunque le abren con dudas en el momento en que la puerta está abierta bajan del carro Lonergan y Corney, así como el bailarín que entran en el banco con la finalidad de robarlo y financiar así su fuga a California tal y como habían acordado en el día anterior. Se manifiestan violentamente pegando a uno de los empleados y amenazando al otro, y cuando el bailarín descubre que Vienna éste se despide y la besa. 

El grupo de ladrones huye con el botín dejando el dinero a Vienna y Johnny que decide no intervenir. Al llegar al río deciden los asaltantes mantenerse unidos aunque dudan entre ir a California cruzando el desierto o ir a través de las montañas. 

Como "el bailarín" se niega hacerle caso a Lonergan , que apuesta ir cada uno por su lado y si no por el desierto, van por el camino de la montaña. Un camino muy duro pero que además se encuentra su paso limitado pues los operarios del ferrocarril que se adentra en su camino están colocando barrenos para adaptarlo a las vías. Ante la imposibilidad de seguir avanzando y dado que Turkey queda herido en una de las explosiones deciden regresar a su escondite secreto detrás de una cascada. 

Mientras tras el entierro, los asistentes se enteran del asalto y Emma Small convence a la gente de la ciudad de que Vienna es tan culpable como el bailarín y los suyos del robo. Ante eso el grueso del grupo se dirigen al saloom, mientras que otros se dirigen a la zona en la que piensa que puede estar la mina de plata del "bailarín" y los suyos, es decir, cerca del río. Esta presión de la persecución se hace notar entre los hombres de The Dancin 'Kid que avanzan sin mirar atrás. Y en su avance no perciben que Turkey se ha caído del caballo , dándose cuenta cuando llega al refugio. 

Ante las dudas sobre si buscarlo o no, el peso de Bart Lonergan se hace notar y deciden quedarse en el refugio. 

Por su parte, Vienna nada más llegar indemniza a sus hombres. Su objetivo es cerrar el local para luego cuando llegue el tren fundar la ciudad. También le paga a Johnny que dolido se marcha. 

Pero al cabo del rato se presenta Tom y no llega sólo. Se ha encontrado con un Turkey herido que pide cobijo en el local, justo en el momento en que llegan los ganaderos. 

Cuando el grueso del grupo llega Vienna se encuentra tocando el piaño la balada de Johnny Guitar con un vestido blanco. Tras irrumpir el grupo en el local , este se enfrenta a Vienna culpándola del robo . Ella desmonta su teoría. 

Pero cuando parece haber convencido a John McIvers y al Marshall Williams, aunque no a Emma, Turkie es detectado en el local y descubierto debajo de una mesa. Emma convence a los hombres para que cuelguen a Turkie . Este pide clemencia y Emma le dice que se le dará si reconoce la intervención en el robo de Vienna. Turkie que no quiere morir responsabiliza a Vienna. Tras lo cual Emma propone el ahorcamiento de ambos a lo que McIvers accede, aunque no Williams. Tom, por su parte, se niega , pero es golpeado y hiere mortalmente a Williams, tras o cual no queda ningún freno para ahorcar a ambos y quema el salón. 

Tras eso se disponen a ahorcar a Turkey y Vienna. A Turkey lo ejecutan pero cuando van a colgar a Vienna aparece en el último segundo Johnny Guitar quien salva a la chica. Vienna y Johnny huyen a caballo y se escapan encontrando refugio en una cueva pasando la noche. 

Una vez se ha alejado el peligro ambos van al escondite secreto de The Dancin 'Kid que es conocido por Vienna. 

Mientras el grupo de Anna y McInvers rastrea la zona. Nada más llegar Vienna junto a Johnny , el bailarín descubre que entre ambos hubo una relación tan poderosa que impedía que Vienna lo quisiera a él. Con todo se sorprende al saber que Johnny Guitar es realmente Johnny Logan, un pistolero de renombre. 

Entretanto Corvey y Bart salen fuera. Corvey ve como el grupo se dispone en la zona mientras él lee. Pero , después, es sustituido por Bart, que en un momento dado, traiciona al grupo que penetra en el área del escondite tras ver como el caballo de Turkey entra tras la catarata. 

Tras llegar a un acuerdo con Emma y los suyor va en busca de Corney para invitarle a unirse en su traición, pero éste se niega por lo que es asesinado por Bart. Cuando este huye se enfrenta a Johnny Guitar que sabe de la traición, justo cuando el grupo de Emma los sorprende.

Emma dispara sobre Vienna que es herida en el hombro y tras la intervención de Kid recibe un disparo en la frente de Emma. Tras eso continua el baño de sangre que culmina con la muerte de Emma ha mano de los disparos de Vienna. 

Lo tristemente acontecido hace reflexionar al líder de los perseguidores, con McIvers a la cabeza que decide dejar a Johnny y Vienna salir del escondite en paz, viéndolos ir. Con la cascada en la imagen suena la canción de Peggy Sue de Johnny Guitar y acaba la película. 

La historia fue rodada entre Arizona y California. La zona principal de rodaje fue Sedona, sobre todo el área de Red Rock Canyon, Bell Rock, Boynton Canyon, Schnebly Hill, Courthouse Butte, Oak Creek Canyon, así como en los Republic Studios en Radford Avenue, en North Hollywood de Los Angeles. Fue rodada entre octubre y diciembre de 1953. De hecho destacan las escenas filmadas en el distrito de Red Rock que abarca muchas de las famosas mesetas y mesas de roca roja, y los cañones que han hecho de Sedona una ciudad turística famosa. Justo al norte de Sedona se encuentra el cañón Oak Creek, uno de los muchos cañones grandes ubicados a lo largo del borde de Mogollon. Oak Creek Canyon forma parte del llamado Bosque Nacional Coconino (National Forest Coconino) una de las pocas áreas en el bosque donde los árboles de hoja caduca son el tipo de vegetación dominante y Ponderosa. Sedona está a 4,500 pies (1,400 metros sobre el nivel del mar) que el resto del bosque, lo que resulta en temperaturas más altas durante todo el año permitiendo el rodaje entre octubre y diciembre tal y como fue. 

El filme se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela y la había vendido a la Republic Pictures poniendo un requisito: ella sería la protagonista y tendría peso en la toma de decisiones.  Joan Crawford que actuaría por segunda vez en un western,  ya que no se prodigaba en este género - el anterior la de Luz de Montana (1930)- .  

La actriz y diva insistió en que sus primeros planos solo fueran filmados en el estudio, donde la iluminación podía controlarse rígidamente y de hecho no se rodó ningún primer plano de ella mientras rodaban en Sedona. Esto contrasta con lo que sobre ella dijo George Cukor "Tiene un rostro absolutamente perfecto, como una máscara griega. Todo está en su sitio exacto...Puede usted fotografiarla desde desde cualquier ángulo, de cualquier lado, no importa en qué lugar ni bajo qué condiciones. Siempre es magnífica. Pero su verdadero talento es su forma de andar..." 

Crawford que tenía previsto trabajar con Nicholas Ray - estaban programados para hacer una película llamada Lisbon en la Paramount, pero como el guión les resultaba inaceptable- Crawford que sostuvo los derechos cinematográficos del libro, derivó para la dirección de esta película al director de Wisconsin. 

La película era parte de un paquete que incluía a Roy Chanslor, un ex periodista convertido en guionista, quien escribió el guión especialmente para Joan Crawford. En ese momento, Republic era considerado el más prestigioso de los estudios menores y el contrato de Nicholas Ray con ellos le daba mucha libertad creativa a pesar del modesto presupuesto de la película. 

Se comenta que Nicholas Ray tuvo una aventura con Joan Crawford y quiso presentarla en una de sus películas. Pero durante la filmación, Ray se enfrentó con  Crawford, llegando hasta el punto de que Philip Yordan, para tranquilizarlo y animarlo, le dijo que cuando hubiese terminado de filmar nunca volvería a trabajar con Joan Crawford

Una de las primeras cosas que hizo el director fue contratar a Philip Yordan para una reescritura completa del guión. Yordan dijo más tarde: "Colaboró ​​conmigo menos en el nivel dramático que en el arquitectónico, creando entornos como el salón, trabajando en las relaciones geométricas entre los lugares". Pero el resultado le decepcionó. 

Crawford quería a Bette Davis o Barbara Stanwyck para el papel de Emma Small, pero eran demasiado caras. Claire Trevor fue la siguiente en mente para el papel, pero no pudo aceptar porque estaba atada a  otra película y, finalmente, Ray se decantó por la McCambridge. A Crawford no le gustó la elección de la joven Mercedes McCambridge como oponente. Crawford, quería aparecer más favorecida en sus primeros planos, así que exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. 

Joan Crawford quería , además, que Paul Newman interpretara a The Dancing Kid y Robert Mitchum fuese considerado para el papel de Johnny Guitar, pero la RKO no lo prestó así que el elegido fue Sterling Hayden , una elección inusual para el papel principal ya que no sabía montar a caballo ni tocar la guitarra ni disparar un arma. 

La mayoría de las personas afirmaron que era fácil trabajar con Crawford, siempre profesional, generoso, paciente y amable, pero con Hayden y McCambridge la cosa cambió.  Los problemas entre las dos mujeres surgieron al principio, pero Ray no se alarmó. Las razones de la disputa parecen remontarse a una época en que Crawford había salido una vez con el esposo de McCambridge, Fletcher Markle . Según algunos de los miembros del elenco,  McCambridge molestó a Crawford al respecto, como tampoco que  Crawford y Ray , que tenían cierta relación, le molestaba la "atención especial" que Ray le estaba prestando a McCambridge. 

Para empeorar las cosas, McCambridge  coincidió con una Crawford que estaba luchando contra el alcoholismo durante este período, algo que ella admitió más tarde y que contribuyó a los problemas entre ella y Crawford. La actriz femenina secundaria declaró que Crawford era "una dama mezquina y poderosa". Por su parte, Crawford dijo de McCambridge: "Tengo cuatro hijos, no necesito una quinta".  Más tarde, Ray afirmó que Crawford, durante un ataque de ira, lanzó los vestidos de la McCambridge a la calle, cosa que reconoció la Crawford admitiendo lo ocurrido y que era cierto que  una noche, Nicholas Ray encontró a Crawford, bebida a un lado de la carretera, destruyendo todos los trajes de Mercedes McCambridge  con un cuchillo y arrojándolos a los matorrales.  El elenco y el equipo tuvieron que recoger los trajes.  Recoge en su Historia del Cine Terenci Moix que ella declaró una vez "Seguro que estaba loca cuando acepté hacer ese bodrio". ¡Qué mala opinión tenía de la película! pero cuánto se equivocaba igualmente.

La cosa fue a peor cuando McCambridge la culpó por los dos años de inactividad de los repetidos intentos de Crawford de ponerla en una lista negra. Curiosamente, Ward Bond que fue miembro de "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" y "uno de los líderes más activos en la lucha contra los comunistas en Hollywood" trabaja en la película junto a la actriz que dijo ser represaliada. ". Parece que Philip Yordan, el guionista de la película, dijo: "Le hicimos un buen truco a Ward Bond, que era, como saben, uno de los líderes de los miembros de la "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" en Hollywood. Le hicimos desempeñar el papel de líder de la milicia, un terrorista extremista. Y pensó que su personaje era un héroe, un buen tipo. ¡No se dio cuenta de ello, no lo entendió ! Aunque a Philip Yordan se le acredita como guionista en la película, su contribución al guión en realidad fue escrita por Ben Maddow, integrante de la lista negra, a quien Yordan lideró, repartiendo la cuota con el escritor.

Pero por otro lado la relación con Hayden tampoco fue buena. El llegaría a decir en una entrevista: "No hay suficiente dinero en Hollywood para seducirme a hacer otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero" y continuo comentando que "Estaba en guerra con esa película, durante el día, con Joan Crawford ...y de noche con mi segunda esposa". A pesar de sus reservas sobre la película, Hayden reconoció la  popularidad que le vino con la película , pero llegó a  declarar que nunca había visto a nadie comportarse tan mal con Mercedes McCambridge.

Sin embargo, a Crawford le sorprendieron los comentarios de Hayden, afirmando que tenía una carta suya que decía que le encantaría volver a trabajar con ella.

Nicholas Ray se mostró bastante incómodo durante el rodaje y luego admitió: "Muchas veces, tendría que detener el automóvil y vomitar antes de ir a trabajar por la mañana".  Ray llegó a decir que en esos momento "Joan estaba bebiendo mucho y le gustaba pelear", pero que también era "muy atractiva, con una decencia básica".

Sus desagradables recuerdos de la producción solo se vieron reforzados por las críticas en su mayoría negativas que la película recibió de los críticos estadounidenses cuando se estrenó. Según "Flesh and Fantasy" de Penny Stallings, el equipo de rodaje dio un aplauso espontáneo después de una de las poderosas escenas de Mercedes McCambridge, lo que enfureció a la estrella Joan Crawford. Según Nicholas Ray, luego comenzó a filmar las escenas de la actriz que interpretada a la señorita Smell algo más temprano en la mañana antes de que Joan Crawford llegara allí para evitar conflictos. 

Con respecto a la banda sonora la música parece inspirarse o hacerse eco de varios temas de la danza española No. 5: Andaluza de Enrique Granados , que fue escrita para piano, pero a menudo se toca en la guitarra clásica. El instrumental para la canción se utiliza en los créditos de apertura y en toda la película. La canción aparece tocada en el piano por Joan Crawford (doblada) y cantada parcialmente al final por Peggy Lee . 

La película se estrenó el 7 de mayo de 1954 en Los Ángeles, y casi veinte días más tarde - el 26 de mayo de 1954 en Nueva York y , a partir de agosto en el resto de los Estados Unidos , y lo hizo con críticas negativas. Pero a pesar de una serie de comentarios negativos iniciales, en los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, esto no ocurrió en Europa , ya que el público  europeo, por otro lado, libre de sesgos convencionales, vieron a Johnny Guitar como lo que era: "una imagen estilizada, poco convencional, intensa, llena de ambigüedades y subtextos que la hicieron extremadamente moderna" como señalo Scorsese.

Johnny Guitar recaudó más de $ 2,500,000 en enero de 1955 y fue el número 27 en la lista de Variety de las más taquilleras de 1954. 

Esta misma revista dijo de ella que "Demuestra que [Crawford] debe dejar las sillas de montar y los Levis a otra persona y quedarse con las luces de la ciudad como fondo. [La película] es solo una pieza de entretenimiento justa. [El guionista] se involucra tanto con los matices de los personajes y las neurosis. , todo envuelto en un diálogo, que [la imagen] nunca tiene la oportunidad de levantarse en la silla de montar ... La gente en la historia nunca alcanza mucha profundidad, este personaje debe estar en desacuerdo con el pretencioso intento de análisis al cual Guión y dirección dedica tanto tiempo ". Y añadió "Amor, odio y violencia, con poca simpatía por los personajes, se mezclan en esta película demasiado larga." 

Dura, muy dura,  también fue la crítica de  Bosley Crowther destacó la resistencia física de Crawford para las críticas en su reseña del New York Times , afirmando que "no hay más feminidad en ella que en el robusto Sr. Heflin en 'Shane'. Para la dama, como de costumbre, no tiene sexo como los leones en los escalones de la biblioteca pública y tan aguda y románticamente prohibida como un paquete de hojas de afeitar sin envolver ". Además dijo en las páginas del The New York Times  "Ni Crawford ni el director Nicholas Ray evitan que sólo sea un simple paseo (...) por los clichés del western (...) El color es un poco desagradable y los paisajes de Arizona sólo son aceptables." 

Sin embargo, la película más tarde llegó a ser considerada como una de las mejores películas de Ray,  siendo una de las favoritas del cineasta francés François Truffaut , quien la describió como "La bella y la bestia de los westerns". Y añade Truffaut   Johnny Guitare fue hecho a medida para Joan Crawford, como El ángel de la maldición de Fritz Lang para Marlene Dietrich . Joan Crawford fue una de las mujeres más bellas de Hollywood; Ella está hoy fuera de los límites de la belleza. Ella se ha vuelto irreal, como el fantasma de sí misma. El blanco ha invadido sus ojos, los músculos de su rostro. Voluntad de hierro, cara de acero (sentido apenas figurado). Ella es un fenómeno. Se vuelve viril a medida que envejece. Su juego tenso, tenso, empujado a su clímax por Nicholas Ray, es en sí mismo un espectáculo extraño y fascinante ". Y también dijo " Johnny Guitar es una especie de remake de La Bella y la Bestia en la que la bestia sería Sterling Hayden" .  A Truffaut le impresionó especialmente la extravagancia de la película: los colores llamativos, la poesía del diálogo en ciertas escenas y la teatralidad que resulta en la desaparición y muerte de los vaqueros "con la gracia de las bailarinas ".

James Dean, al pasar por el área de Salinas en su última carrera, dicen que dijo "Aquí es donde le dispararon a Johnny Guitar ".  Según algunos de sus biógrafos, nunca olvidó mencionar a Johnny Guitare entre sus películas favoritas y estaba particularmente feliz de poder filmar The Fury of Living bajo la dirección de Nicholas Ray.

Según Martin Scorsese , el público estadounidense contemporáneo "no sabía qué hacer al respecto, por lo que o bien lo ignoraron o se rieron de él". 

En   1988, Mujeres al borde de una crisis nerviosa , el director español Pedro Almodóvar rindió un homenaje a la película. Su personaje principal, Pepa Marcos ( Carmen Maura ), un artista de la voz, se desmaya mientras dobla la voz de Viena en una escena en la que Johnny (expresado anteriormente por el ex amante de Pepa, Iván) y Viena bromean sobre su pasado conflictivo. La película de Almodóvar también termina con una persecución y una mujer obsesionada que dispara al personaje principal. 

Un década después, en 1998, la columna de Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader incluía a  Johnny Guitar como una de las 100 mejores películas americanas. 

La película fue reconocida por el American Film Institute en  sus principales listas a inicios de este siglo XXI.

En 2008, la Biblioteca del Congreso seleccionó a Johnny Guitar para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente importante".

También ha sido incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider y para Robert Ebert la incluyó en su particular lista de "Grandes películas".

En 2012, el director de cine japonés Shinji Aoyama nombró a Johnny Guitar como una de las mejores películas de todos los tiempos. Dijo: " Johnny Guitar es la única película que me gustaría rehacer algún día, aunque sé que es imposible. Probablemente sea la más cercana a la peor pesadilla que pueda tener. Estoy seguro de que mi deseo de rehacer esta película proviene de Mi torcido pensó que quiero rehacer mi propia pesadilla ". 

Para críticos actuales , hoy algunos de ellos fallecidos como Roger Ebert en su web rogerebert.com "La película tiene momentos extraordinarios (...) Es fascinante verla a ella y a Johnny usando palabras como si fueran armas de amor (…) "

Dave Kehr en otro diario de Illinois, el Chicago Reader señala que "A pesar de toda su violencia, es una película muy tierna y sensible (...) Con una inolvidable Mercedes McCambridge haciendo de némesis de Crawford"

Richard Brody en el The New Yorker comenta que  "Nicholas Ray es el director de Hollywood más emocionalmente furioso, extremo y sensible"

Para Scott Tobias de AV Club se trata de "Una película tan singular no es fácil de definir (...) Ray aportó una sensibilidad de izquierdas, feminista y revisionista que estaba 15 años adelantada a su tiempo"

Calum Marsh de Slant escribe que "Hay tantas cosas escondidas más allá de la superficie (...) Consigue humanizar el drama y la política del Macartismo al mismo tiempo que la transforma en algo casi surrealista (…) "

Para Bruce Bennett de IndieWire comenta que "En su primer tercio, 'Johnny Guitar' es una obra ingenuamente elaborada de teatro filmado (...) El espacio principal del salón es tan extrañamente moderno que podría ser obra del (...) arquitecto de producción Ken Adam."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian señala que es "Un western brillante, inolvidable y extraño (...) Un drama psicológico extraordinario (…)"

También desde las islas bitránicas  Tom Huddleston en Time Out dice que "Joan Crawford se sale de la pantalla en este emocionante y magistral western freudiano (…) "

Para  Kim Newman de Empire se trata de "Un western verdaderamente alocado, con localizaciones vívidas y coloridas y una intensidad casi operística de violencia física y emocional (…) "

En España Fernando Morales en  El País afirmaba que es "Uno de los mejores westerns de la historia (...) bellísima partitura musical de Victor Young y unas sobresalientes interpretaciones"

Terencia Moix en el tercer volumen de su Historia del Cine publicada por la revista Blanco y negro de ABC dice de Johnny Guitar que "es una de las cumbres del romanticismo cinematográfico , más allá de las coordenadas de western psicológico entonces de moda. Sigue siendo un filme majestuoso, poco comprendido en su momento".

Para muchos críticos, incluido Roger Ebert ,  han señalado que la película es un comentario oculto sobre la caza de brujas de McCarthy momento en que fue filmado y lo considera una parábola sobre la situación política de Estados Unidos en ese momento. Se sospechaba que Nicholas Ray simpatizaba con los comunistas, pero su productor Howard Hughes lo estaba protegiendo de las investigaciones en curso.

Es una gran película que responde un poco a esa idea que dio Eric Rohmer sobre el director "Nicholas Ray , es un poeta" o como señaló Terenci Moix refiriéndose al director , pero también y en concreto a Johnny Guitar, como una característica de la película y del director: "la capacidad de dotar a sus personajes de carga lírica que le hace sobresalir en sus relaciones con ambientes a menudo hostiles".

Para mi la película contiene los más impresionantes diálogos de un western en sus 45 primeros minutos. Como amante de los western lo consideró una inmensa obra de arte. Además rodada en esa ciudad y sus alrededores que alcancé desde Flagstaff de casualidad para descubrir un espacio en el que vi por primera y única vez en mi vida un diminuto colibrí volando. Un lugar de película.