El último pistolero

John Wayne, como actor, sabía como acabar una película. Lo demostró en infinidad de ocasiones, especialmente si en las mismas había grandes directores. El de Iowa, recriado en California, supo además elegir bien sus películas, sobre todo cuando ya había triunfado dando muestras de lo que implicaba ser alto , feo, fuerte y formal. Con este papel en The Shootist Wayne ponía fin a una carrera de 50 años que comenzó en los años del cine mudo , allá por 1926. 

Lo mismo que fue reconocido y criticado a la par al final de su carrera, supo esperar el proyecto que había convertirse en su legado , en su testamento como actor. Y fue todo un acierto como demostró en The Shootist , también conocida como El último pistolero.

Tengo la impresión de que hoy nadie duda del valor de John Wayne en el mundo del cine , un nombre determinante en la historia del mismo y ligado indisolublemente al western, pero que fue mucho más allá de este género, demostrando no sólo ser un todoterreno, sino incluso sus limitaciones cuando fue avanzado en edad y sabía que ya no era su momento. Vamos, un hombre inteligente y consciente.

Como era de esperar su última película fue un western, el género que le encumbró. No olvidemos que John Wayne actuó en un total de 153 películas, y tiene el récord para un actor con más roles principales con un total de 142.

Cuando hizo este western ya estaba enfermo. El cáncer que se le había manifestado en la década anterior ya le afectaba notablemente. No obstante, vivió tres años más falleciendo en 1979. Siempre se ha dicho que el cáncer John Wayne fue producto de la radiación a la que se había expuesto en 1956 durante el rodaje de la película histórica El conquistador de Mongolia. Un film maldito que se rodó en el desierto de Utah, cerca de un campo de pruebas nucleares, y el equipo de rodaje desconocía las posibles secuelas de su exposición al polvo radioactivo. La coprotagonista en el filme, Susan Hayward, también murió de cáncer al igual que el actor mexicano Pedro Armendáriz, Agnes Moorehead, así como otros más de los 40 miembros del equipo de filmación. En septiembre de 1964 se le diagnosticó un cáncer de pulmón y fue sometido a una intervención quirúrgica para extraerle el pulmón izquierdo y dos costillas. De este tratamiento sobrevivió y siguió actuando hasta 1976 cuando fue dirigido por Don Siegel. Permaneció clínicamente libre de cáncer hasta principios de 1979, cuando se descubrieron metástasis en su estómago, intestinos y columna vertebral; murió más tarde ese año.

Detrás de Siegel, otro de los grandes del cine, estaba la Paramount Pictures y  Dino De Laurentiis Company siendo los productores  MJ Frankovich y William Self, siendo auxiliado por Robert F. Boyle.

La película se basaba en la novela de Glendon Swarthout escrita en 1975 del mismo nombre, The Shootist o El tirador,  y curiosamente el guión fue escrito por Miles Hood Swarthout ,el hijo del autor, y Scott Hale.

La banda sonora indudablemente tenía que ser de uno de los grandes, Elmer Bernstein , siendo la fotografía labor de Bruce Surtees y la edición de Douglas Stewart.

El reparto lo integraron John Wayne como John Bernard "JB" Books,  Lauren Bacall como Bond Rogers , Ron Howard como Gillom Rogers , James Stewart como el Dr. EW Hostetler , Richard Boone como Mike Sweeney , Hugh O'Brian como Jack Pulford,  Harry Morgan como el Marshall de la ciudad de Carson, Walter J. Thibido,  John Carradine como Hezekiah Beckum, el enterrador , Sheree North como Serepta,  Scatman Crothers como Moses Brown , Bill McKinney como Jay Cobb, propietario de Cobb's Creamery , Rick Lenz como Dan Dobkins, el reportero del diario local,  Gregg Palmer como hombre corpulento , Melody Thomas Scott como niña en el tranvía

La historia se centra en John Bernard Books, un legendario pistolero que a lo largo de su vida ha impuesto la ley en todos aquellos sitios en los que ha trabajado, eso sí , matando a muchas personas; pero que también ha perdido a familiares y amigos en el empeño, vuelve a Carson City en Nevada. Y , si bien es cierto que quiere vivir en paz sabe que está enfermo, que está próximo a morir y que todavía le queda por saldar una cuenta pendiente con tres bandidos.

Después de un prólogo, en el que vemos escenas de las otros western anteriores de Wayne, que vienen a resumir la vida y la labor de John Bernard "JB" Books, "el tirador más célebre del momento", vemos como enfermo y   dolorido se aproxima a Carson City, en Nevada. Ante de su llegada a la localidad es asaltado y mata a su asaltante.

Finalmente llega a Carson City , el 22 de enero de 1901, casualmente el día en que muere la reina  como vocea un chico vendedor de prensa.

Books es consciente que el Viejo Oeste esté muriendo, al igual que le ocurre a él. Efectivamente junto a caballos y carretas , vemos los primeros vehículos a motor Carson City y , por momentos sabemos que la ciudad tiene electricidad y teléfonos. Desde el principio se puede ver que  se siente despreciado por algunos lugareños que lo ven como algo del pasado.

Como sabe que su enfermedad es grave decide visitar a un viejo amigo, un hombre  de confianza, para una segunda opinión. Se trata de "Doc" Hostetler (James Stewart), que confirma el pronóstico de un médico de Colorado. Le informa que su muerte es inminente y , para prevenir los dolores propios del cáncer le da una botella de laúdano. Antes de salir de la consulta , Book le pregunta a Doc si sabe de algún sitio para que le alquilen una habitación y éste le recomienda una casa en las afueras regentada por la viuda Rogers.

Books se persona en la dirección y consigue alquilar una habitación en la pensión de propiedad de la viuda Bond Rogers (Lauren Bacall) que vive junto a su hijo adolescente Gillom (Ron Howard), una de las personas que se mofó de él a su llegada al pueblo al decir que era un viejo acabado.

Aunque de mala gana cumple con los que Books le había pedido, llevar su caballo al establo que tiene un hombre de color, Moses Brown (Scatman Crothers). Éste al quitarle la montura descubre  que en ella aparece el nombre de Books, uno de los celebres pistoleros del salvaje oeste. Al comentárselo a Gillom se impresiona al tener bajo el techo de su casa a toda una leyenda.

Poco después el Marshall de Carson City  Thibido (Harry Morgan), alarmado ante la presencia de un famoso pistolero en su ciudad, va a la casa y le pide que se vaya. Pero Books le explica, por un lado, que se está muriendo, y, por otro, que  tiene la intención de morir en Carson City poniendo en paz con su vida y cumpliendo una meditada promesa que conlleva una venganza hacia tres personas que le marcaron en el pasado: Mike Sweeney (Richard Boone), quien mató  a su hermano ; Jack Pulford (O'Brian), jugador profesional y  que tira con facilidad de la pistola; y Jay Cobb ( Bill McKinney ), que además en este momento es el jefe de Gillom.

Al ser tres matones que tienen atemorizada a la ciudad Thibido cede, pero se regodea: "¡No tardes demasiado en morir!" . La presencia de Books en la ciudad poco a poco es conocida al correrse la voz. Son muchos los que llegan a la misma con la intención de contactar para bien o para mal con él. Entre ellos están un periodista llamado Dobkins ( Rick Lenz ) quien le propone una serie espectacular de artículos, exagerando y glorificando la tumultuosa carrera de Books.

Esto a Books no le interesa así que lo echa, siendo más tarde visitado por una vieja amiga llamada Serepta (Sheree North), que le propone matrimonio sabedor de que su muerte es cercana. Él se conmueve, hasta que se entera de que  la intención es coescribir, con Dobkins, las sensacionales "memorias" de una viuda. "Mujer", dice Books, "todavía tengo algo de orgullo".

La situación en la casa de la Señora Bond Rogers inicialmente, tampoco es buena, pues considera que no puede tener en su casa a un pistolero, especialmente cuando su marido murió igualmente asesinado por uno. Sin embargo, a su hijo le parece magnífico. Con todo, una noche Books es disparado dentro de su habitación mientras duerme por un par de hombres que buscan notoriedad y dinero. Esto provoca que varios huéspedes se vayan de la casa y que la tensión entre el hombre y la mujer se encone.

No obstante, poco a poco , al saber con detalle que Hostetler ha prescrito el láudano para aliviar un empeoramiento de la enfermedad y un aumento del dolor de Books que acabará por ser insoportable. , comienza a tener compasión con él y mejora el trato.

Por su parte, el enterrador, Hezekiah Beckum (John Carradine) se muestra interesado en las medidas del pistolero para preparar su funeral, que Books rechaza como otro esquema de especulación; pero él ordena una lápida.

Durante una salida Books le dice a Bond que nunca mató a un hombre que no se lo merecía; Bond dice que un poder superior decidirá eso. A ella le preocupa que Gillom, que sin la guía de un padre, esté adquiriendo un gusto por la violencia y la bebida.

Por su parte, Books negocia la venta de su caballo al herrero Moisés (Crothers), quien comenta que Gillom ya trató de vendérselo a él para compensar a sus huéspedes perdidos.  Books , ante esto se encara con Gillom; pero después de resolver sus diferencias, Gillom le pide que le enseñe a disparar.

Para sorpresa de Gillom,  Books es muy preciso , y se pregunta en voz alta cómo Books ganó en todos esos tiroteos. Books le dice que los árboles no se disparan. "No siempre es lo rápido lo que cuenta", agrega.

Cuando considera que el momento ha llegado, Books le dice a su joven pupilo que "Está todo dispuesto".  que envíe un mensaje a tres hombres: Mike Sweeney (Boone), que además de lo anterior, en la actualidad, presionan a la viuda Bond para casarse con ella; al jugador Jack Pulford (O'Brian),  ; y  al malencarado Jay Cobb ( Bill McKinney ), que sabe por  Gillom que se está preparado para acabar con Books.

Gillom informa a cada uno de ellos, por separado, que Books estará en el Metropole Saloon el 29 de enero, en su 58 cumpleaños. Books le insiste a  Gillom que acepte su caballo, que le compró a Moisés, como regalo.

El 29 de enero, llega la lápida, con el nombre de Books, la fecha de nacimiento y con el indicador de muerto - "Died" y el año 1901, aunque con el día en blanco.

Después de despedirse de Bond, en una corta relación en la que ambos están cómodos, sube a un tranvía para llegar al Metropole Saloon.

Al llegar la sala está desierta excepto por los cuatro hombres, los tres citados y el camarero (Charles G. Martin).

Books pide una bebida y hace un brindis por su cumpleaños dirigiéndose a sus tres "invitados". Cobb es el primero en sacar su arma, pero Books lo despacha fácilmente. Luego le dispara a Sweeney a través de una mesa que se esconde detrás, pero es herido en el momento.

Por su parte, Pulford ahora dispara, dando nuevamente a Books mientras se esconde detrás de la barra. Pulford se acerca más, pero Books ve su reflejo en un vaso y cuando mira alrededor de la barra, lo mata de golpe.

En ese momento Gillom entra y ve al camarero escondido detrás de Books  con una escopeta. Grita una advertencia, pero el cantinero dispara sobre Books en la espalda. Mientras recarga, Gillom levanta la pistola de Books y le dispara al camarero, luego arroja la pistola a través de la sala de bar con un gran disgusto. Books sonríe, asiente con aprobación y muere.

Una vez acabado todo, Gillom, no sin antes cubrir a Books Libros con cierta veneración ocultándolo con su chaqueta, sale a la calle. Y la película acaba con Gillom caminando por la ciudad dirigiéndose  a casa , con su madre.

La película fue rodada entre enero y abril de 1979 en Nevada y California en concreto en la Krebs-Peterson House sita en el 500 Mountain Street de la localidad de Carson City, Nevada. Las extensas escenas al aire libre de la película fueron filmadas en Carson City. La pensión de Bond Rogers es la Krebs-Peterson House de 1914, ubicada en el histórico distrito residencial de Carson City. También se rodó en las cercanías de esta ciudad, en concreto en Washoe Lake State Park . El paseo en buggy fue filmado en el parque estatal de Washoe Lake , en el valle de Washoe , entre Reno y Carson City.

En California se rodó en Kings Row, en los Warner Brothers Burbank Studiosde la Warner Boulevard, en  Burbank, , también en Laramie Street, , en Midwest Street, así como en otros espacios en el interior de los Warner Brothers Burbank Studios. Asimismo se rodó en los  Paramount Studios sitos en el 5555 Melrose Avenue, de Hollywood , pero destaca que aunque fuese una producción de Paramount , las escenas callejeras y la mayoría de las tomas interiores se filmaron en el escenario de Warner Bros. en Burbank, California .

La película fue distribuida por los Paramount Pictures (USA / UK) y a escala internacional por la Dino De Laurentiis Company . Su estreno tuvo lugar el 11 de agosto de 1976 consiguiendo una gran taquilla superior a los $ 13 millones de dólares.

La historia de la película comienza cuando el productor Mike Frankovich anunció que había comprado los derechos para la película de la novela de Glendon Swarthout , The Shootist , y Wayne expresó un fuerte deseo de interpretar el papel principal, según se informó debido a la similitud que l historia tenía  con el personaje Jimmy Ringo en The Gunfighter , una película del año 1950 e interpretada por Gregory Peck, un papel que le hubiese gustado interpretar y una historia que le atraía.

Con todo dado su delicado estado de salud y las muchas molestias que había experimentado durante el rodaje de su penúltima película, Rooster Cogburn , en España , El rifle y la biblia, rodada en 1975. Tanto es así que los productores plantearon que el papel podía pasar a Paul Newman , a George C. Scott , incluso a Charles Bronson , Gene Hackman y Clint Eastwood antes de que finalmente retornara a Wayne.

Aunque su capacidad pulmonar  estaba limitada y tenía  dificultades con la respiración y la movilidad a la altura de 4,600 m (1,400 m) de Carson City, y la producción tuvo que cerrarse durante una semana mientras se recuperaba de la fuerte gripe, Wayne completó la filmación sin más problemas médicos importantes. 

Hubo cierta oposición al casting de John Wayne, ya que los productores pensaron que a los 68 años era demasiado viejo para ser creíble como un pistolero. Fue el productor Dino De Laurentiis quien insistió en el casting de Wayne. John Bernard Books tenía solo 50 años en la novela. Para agregar un sentido de realismo al personaje de John Wayne, se usó material de archivo de varios de sus westerns para presentar J.B. Books después de los créditos iniciales. Se incluyeron imágenes de Río Rojo (1948), Hondo (1953), Río Bravo (1959) y El Dorado (1967).

El contrato de Wayne le daba autoridad en la aprobación del guión, e hizo una serie de cambios importantes y menores, incluida la ubicación (desde El Paso a Carson City), y el final. En el libro y en el guión original, Jack Pulford recibió un disparo en la espalda de Books, y Books, a su vez, recibió un disparo de Gillom; Wayne sostuvo que durante toda su carrera cinematográfica, nunca le había disparado a un adversario por la espalda, y no lo haría ahora. También se opuso a que Gillom le disparara a su personaje y sugirió que lo hiciera el cantinero, porque "nadie podría vencer a John Wayne en una pelea justa".

Wayne también fue responsable de muchas decisiones de casting. Varios amigos y compañeros de reparto en anteriores películas, entre ellos Bacall, Stewart, Boone y Carradine, fueron elegidos a su pedido.

El caso de James Stewart fue algo especial. Éste se había retirado de la interpretación y llevaba no varios años sin estar en el cine debido en parte a una discapacidad auditiva grave, pero aceptó el papel como un favor a Wayne. Stewart y Wayne habían trabajado juntos en solo dos películas anteriores, también westerns, The Man Who Shot Liberty Valance y How the West Was Won , ambas lanzadas en 1962.

James Stewart solo aceptó desempeñar un papel secundario en la película porque John Wayne lo había solicitado específicamente. Cuando J.B. Books (John Wayne) llega a la oficina del Dr. E.W. Hostetler (James Stewart), Hostetler menciona que han pasado 15 años desde la última vez que se vieron. Se trata realmente de una broma entre los dos ya que Wayne y Stewart trabajaron juntos por última vez en El hombre que mató en Liberty Valance (1962), 15 años antes.  James Stewart no había hecho una película en cinco años.

Mientras filmaban la escena en la oficina del doctor, tanto Stewart como Wayne repetían sus líneas en una larga serie de tomas, hasta que el director Don Siegel finalmente les suplicó que se esforzaran más. "Si quieres que la escena se haga mejor", bromeó Wayne siguiendo la estela de John Ford , "es mejor que te consigas un par de mejores actores". Más tarde, Wayne comentó en privado que Stewart conocía sus líneas, pero al parecer no podía escuchar sus señales lo que, a su vez, le  había provocado algunos errores. Debido a que la carrera cinematográfica de Stewart había terminado varios años antes, solo le pagaron 50,000 dólares por su parte.

A John Wayne le gustó trabajar nuevamente con Lauren Bacall ya que ella debutó en una de sus películas, Callejón sangriento (1955), tanto que la eligió como su primera dama para esta película. El nombre del personaje de Lauren Bacall podría ser una referencia al compañero de Wayne y Ford en muchas películas, Ward Bond. Maureen O'Hara, la primera dama de John Wayne en muchas películas, fue considerada para Bond Rogers, pero Don Siegel pensó que no se adecuaba a ese papel.

Un entrevistador le preguntó a Ron Howard si John Wayne le había dado algún consejo sobre la actuación. Dijo que, durante la filmación del tiroteo final, Wayne lo llevó aparte y dijo que tenía algunos consejos para él. Mientras Howard esperaba ansiosamente un profundo consejo, Wayne dijo: "Ron, si quieres parecer amenazador, cierra la boca".

Otra estipulación del contrato fue la posibilidad de intervenir en el casting e incluyó, aunque parezca mentira, a un caballo de su propiedad y que , al final es regalado por el personaje de Wayne, uno caballo castrado llamado Dollor que Wayne había montado en varias películas como  Los Vaqueros , Valor de ley , Rooster Cogburn , Chisum y Ladrones de trenes . Wayne había negociado los derechos exclusivos de la película a Dollor como propietario del caballo, Dick Webb Movie Productions, y solicitó cambios de guión que le permitieran mencionar el nombre de Dollor varias veces.

Parece ser que las numerosas sugerencias que hizo el actor al director y las alteraciones en el guión causaron una considerable fricción entre Siegel y Wayne; pero Siegel dijo que él y Wayne se llevaban bien. "Tenía muchas de sus propias ideas ... algunas me gustaron, lo que me inspiró y otras que no me gustaron. Pero no nos peleamos por nada de eso. Nos gustamos y nos respetamos mutuamente". John Wayne admiraba enormemente al director Don Siegel y dijo que le gustaría haber interpretado el papel de Clint Eastwood en Harry el sucio (1971).  Wayne , de cualquier manera tenía dudas, sobre la dirección de Siegel y sintió que la película necesitaba un estilo más épico y visual. Los dos estaban en desacuerdo durante el rodaje y, según informes, Wayne se hizo cargo de la dirección a veces. Originalmente, John Wayne no quería dejarse una barba para interpretar  a J.B. Books.

Según una biografía de 2014 de "John Wayne: la vida y la leyenda" de Scott Eyman, descubrió que Wayne tenía cáncer de estómago en 1975, pero que había entrado en remisión antes de que comenzara el rodaje de esta película. De cualquier manera, John Wayne hizo un anuncio de servicio público de televisión para la American Cancer Society que comenzó con un clip de la escena de esta película en la que el médico le dice a Books que tiene cáncer.

Aunque ahora esta película está considerada ampliamente como una de las mejores películas finales de cualquier estrella, junto con Vidas rebeldes (1961), protagonizada por Clark Gable y En el estanque dorado (1981), protagonizada por Henry Fonda, aunque en realidad nunca fue su intención de que fuese la última película de John Wayne.

No fue hasta enero de 1979, tres años después de que comenzara la filmación, que le diagnosticaron cáncer de estómago. En julio de 1978, después de recuperarse de una cirugía a corazón abierto, anunció que tenía la intención de hacer una película llamada "Beau John" con Ron Howard, pero nunca sucedió.

Durante el rodaje  John Wayne causó sensación entre la población de Carson City mientras se hospedaba en el hotel Ormsby House durante la filmación. Firmó autógrafos para jóvenes, incluido uno firmado para la famosa soprano de mezzo Mary Anna Replogle.

A pesar de recibir críticas generalmente favorables, la película demostró ser una de las películas menos exitosas de John Wayne en la taquilla. John Wayne estaba molesto por la decepcionante taquilla de la película, a la que atribuyó principalmente a Paramount por promocionar mal la película. Se quejó de que Paramount dedicó demasiado tiempo a centrarse en su nueva versión de King Kong y en la marca de Wayne para vender la película, que en 1976 ya acumulaba un par de fracasos.

La película presenta un buen trabajo del director de fotografía Bruce Surtees, sin embargo, su labor no fue reconocida con un premio.

En 1977, The Shootist recibió una nominación al Oscar por Mejor dirección artística (Robert F. Boyle, Arthur Jeph Parker), una nominación en los  BAFTA Film Award como Mejor actriz (Lauren Bacall) y una nominación al Golden Globe Award como Mejor actor de reparto (Ron Howard), así como el National Board of Review Award como uno de los Top Ten Films de 1976 .

El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión adaptado para Scott Hale y Miles Hood Swarthout Críticas

Tras su lanzamiento teatral, The Shootist fue un éxito menor, recaudando algo más de $ 13 millones de dólares.

La película recibió críticas justas a excelentes, con muchos elogios a Wayne por muchos críticos especialmente de Variety que lo quiso lanzar para los premios de la Academia, pero , finalmente, no fue así. No hace mucho en una revisión esta misma revista dijo de ella que era" Simplemente hermosa, y hermosamente simple."

Eso sí, fue nombrada como una de las diez mejores películas de 1976 por la National Board of Review , junto con Rocky , All the President's Men y Network . En 2008 la película fue incluida entre los mejores western por el American Film Institute.

El crítico de cine Roger Ebert de Chicago Sun-Times la incluyó en su lista de las 10 mejores películas de 1976. Y dijo sobre ella "A menos que ya hayas descubierto que John Wayne es un actor y una estrella de cine, te sorprenderán las dimensiones que proporciona para JB Books. "

Dereck Adams de Time Out comenta que se trata de "Un sutil y conmovedor homenaje valeroso tanto a Wayne como al Western en general. En Radio Times , Tony Sloan comenta que "Esta fue la última película de John Wayne y resultó ser un tributo adecuado a un gran talento. " Ya En España, Miguel Ángel Palomo en  El País afirma que es una "Magnífica y, sobre todo, entrañable revisión de los añejos códigos del western (...) todo un canto poético a un cine que desaparecía junto a John Wayne"

Para Leonardo D’Espósito de la revista Noticias responde al "(...)  estilo seco de Siegel se complementa muy bien con la apariencia mineral de John Wayne. Una verdadera reflexión sobre el tiempo y su transcurso, como suelen serlo las mejores obras de arte."

Estamos ante una gran película, una despedida a la altura de un gigante, con una estructura narrativa clásica magníficamente dirigida y magistralmente interpretada. Una sólida despedida para uno de los más grandes.

En 1966, John Wayne , trasladó su domicilio desde Encino hasta Newport Beach. Allí frecuentaba la Iglesia católica en la isla de Balboa. Allí "meditaba, contemplaba y hablaba con Dios", dijo Gretchen, el sacerdote que le trató​. 

El lunes 11 de junio de 1979 su estado de salud empeoró lentamente. El Padre Curtis fue a verle. Aunque seguía en coma, su hijo le preguntó "Papá, el capellán quiere verte", pensando en que no respondería. Ya estaba saliendo de la habitación cuando le oyó decir "De acuerdo". estuvieron solos quince minutos​. A las 17:23 horas​ de ese día Wayne falleció a causa de cáncer de estómago, en el Centro Médico de la Universidad de California en Los Ángeles. Según su hijo Patrick y su nieto Matthew Muñoz, sacerdote en la diócesis de Orange en California, se convirtió al catolicismo poco antes de su muerte.​ Fue enterrado en el cementerio Pacific View Memorial Park, de Corona del Mar, California. 

Para evitar una posible profanación, su esposa, Pilar Pallete, enterró su cadáver en una tumba anónima, mientras que se colocó una placa conmemorativa en un espacio sin tumba debajo. Pidió que su epitafio fuera "Feo, Fuerte y Formal" algo más que adecuado para The Duke. 

El sueño eterno

Quería acabar bien el año en lo cinematográfico. En otros años he apostado por ver una película que cumpliese su centenario. Como no hace mucho, puede que más de lo que yo deseara vi una película  de 1918, he decidido ver un clásico.

Un auténtico clásico de la época de oro del cine clásico dirigido por uno de los grandes caracterizado por su perfeccionismo - era un control absoluto de todos los aspectos de la producción y la dirección, e incluso también intervenía en todos los guiones- y por ir contra el Código de Producción de Hollywood, un director que apostaba por ideas básicas pero definidas "Tres grandes escenas, ninguna mala" , del que de los diez mandamientos del cine los nueve primeros eran "entretener, entretener y entretener", que decía que el mejor director era aquel el que no molestaba , apostando por pocas tomas, con un estilo de dirección que se basa en "ser agradable y directo"que este año fue homenajeado por Días de Cine a inicios de año, Howard Hawks, y con actores y actrices que están en el Olimpo cinematografíco. La elegida ha sido The big Sleep, conocida aquí como El sueño eterno. 

La película es conocida por tener una de las tramas más enrevesadas de la historia del cine. La historia se hace más difícil de seguir al dejar muchas de sus partes sin desarrollar. Y como señala Terenci Moix este film noir se inscribe en lo que se conoce como cine de ambiente o argumento de búsqueda , que solían reflejar diversos estados de corrupción social a través de las pesquisas de un detective privado.

Es The Big Sleep  , película de 1946, todo un modelo de lo que es el cine negro y una obra cumbre, una más, de este hombre todoterreno que sabía dirigir desde comedias hasta lo western pasando por este género  que era Howard Hawks.

Para ello se basó en parte en la novela con la que se dio a conocer Raymond Chandler en el ámbito de la novela policíaca, presentando además a su más reconocido personaje: el detective Philip Marlowe en la ciudad que más se ajustaba al vicio en la época: Los Ángeles.

La película está basada en The Big Sleep, la novela homónima escrita novela negra publicada en el año 1939 por Raymond Chandler y publicada en 1939. Pero si ya Chandler era un autor consagrado , Hakws optó por otro que era igual o más importante: William Faulkner a los que se unieron Leigh Brackett y Jules Furthman.

Coherente consigo mismo Howard Hawks fue el productor de la misma y decidió contar a su vez con la productora Warner Bros Pictures para la distribución quedándose Jack L. Warner como productor ejecutivo. La película contó con un presupuesto de $ 1.6 millones que , lógicamente, tuvo éxito en taquilla $ 4.9 millones.

La película contó con la música de Max Steiner,a imprescindible fotografía en blanco y negro , llena de sombras y claroscuros de Sid Hickox y el montaje de Christian Nyby.

El reparto lo encabezó Humphrey Bogart como Philip Marlowe , Lauren Bacall como Vivian Sternwood Rutledge,  John Ridgely como Eddie Mars, Martha Vickers como Carmen Sternwood, Dorothy Malone como la propietaria de la librería Acme, Pat Clark como Mona Mars [versión 1945], Peggy Knudsen como Mona Mars [versión de 1946], Regis Toomey como el inspector jefe Bernie Ohls -amigo de Philip Marlowe, Charles Waldron como el inválido y enfermo General Sternwood, Charles D. Brown como Norris, Bob Steele como Lash Canino, Elisha Cook, Jr. como Harry Jones, Louis Jean Heydt como Joe Brody y Sonia Darrin como Agnes Lowzier (sin acreditar).

Philip Marlowe (Humphrey Bogart) visita a su nuevo cliente, el general Sternwood (Charles Waldrom), un millonario y excéntrico inválido que vive en su silla de ruedas y que pasa la mayor parte del tiempo en un invernadero para asumir su calor.

Nada más llegar conoce a las dos hijas presumiblemente para encargarse de un par de asuntos turbios como son de unas "deudas de juego" que su hija menor, Carmen (Martha Vickers), que ha contraído con el dueño de una librería , el librero Arthur Gwynn Geiger, que realmente le hace chantaje.

También conoce a su hija mayor, Vivian (Lauren Bacall), divorciada y con el apellido Rutledge, que a su vez sospecha que su padre está más interesado en saber qué le ocurrió con su empleado y admirado, Sean Reagan, un hombre de origen irlandés que estuvo en el IRA y que tras hacer su parte de la guerra en la isla se fue a vivir a Los Ángeles viviendo siempre casi al margen de la ley, pero que ha desapareció misteriosamente hace aproximadamente un mes.

Tras decidir Philip Marlowe encargarse del tema ya que especialmente interesado está el detective privado no sólo en resolver los problemas familiares de las Strewood, sino en saber que le ha pasado a su conocido Reagan comienza a sus averiguaciones yendo a lo seguro: el presunto chantaje de Geiger al general.

Así que Marlowe tras ir a una biblioteca para buscar algunos volúmenes descatalogados va a la librería de Geiger . Allí en la tienda de Geiger, que es atendida por Agnes Louzier (Sonia Darrin ) con suma frialdad y descortesía.

Tras eso sigue a Geiger hasta llegar a un casa. Espera en el coche, pero al rato se escucha un disparo, mientras que un hombre no identificado abandona la escena y se escucha el grito de una mujer, así que irrumpe encontrando en el suelo el cuerpo de Geiger y a una Carmen bajo el efecto de las drogas, así como una cámara oculta sin película ya que el carrete ha desaparecido .

Después de llevar a Carmen a casa, regresa y descubre que el cuerpo ha desaparecido. Poco después recibe la noticia de que están volviendo a chantajear al general por sus hijas a través de Vivian, que llega a la oficina de Marlowe a la mañana siguiente con imágenes escandalosas de Carmen que recibió con una nueva carta de chantaje por los negativos.

Por otro lado, el jefe de policía le informa que ha aparecido el cuerpo de un hombre en el interior de un coche que se encontraba bajo las aguas. La persona resulta ser Owen Taylor , un ex trabajador del general que parecía enamorado de Carmen.

Tras eso , Marlowe más tarde vuelve a la librería de Geiger en la que está Agnes y en la trastienda hay dos hombres.

Luego sigue a Vivian que entra en un bloque de pisos y entra en un apartamento. Marlowe llama a la puerta y le abre uno de los hombres que estaban en la trastienda de Geiger. Resulta ser Joe Brody (Louis Jean Heydt) . Es el hombre que tiene el carrete y está intentando chantajear a Sternwood con implicar a Carmen en el asesinato. En el apartamento de Brody,se encuentra con Agnes y Vivian. Todos son interrumpidos por Carmen, que quiere sus fotos. Viene armada. Marlowe la desarma y envía a Vivian y Carmen a casa.

Para esos momentos Marlowe sabe que el chófer de Sternwood, Owen Taylor, disparó y mató a Geiger. Brody simplemente aporreó al chófer Taylor para dejarlo inconsciente y robarle el carrete. Él dejó al chófer en el coche, el cual fue más adelante fue lanzado al embarcadero y morir ahogado.

Una vez que están fuera las hermanas de la casa Marlowe se queda hablando con Brody que admite que fue él quien estuvo detrás del chantaje, luego llaman a la puerta y al abrirla recibe un disparo. Marlowe persigue al asesino y detiene a Carol Lundgren, un ex conductor de Geiger, que cree que Brody lo está estafando. Marlowe llama a la policía y los arregla para que vengan y arresten al asesino.

Luego encuentra a Carmen en la casa de Geiger, donde ella insiste en que fue Brody quien mató a Geiger. Sin embargo, son interrumpidos por el dueño de la casa, el gángster Eddie Mars. Como ya he dicho, Eddie Mars es el propietario de la casa donde vivía Geiger, así como de una casa de juego frecuentada por Vivian. Marlowe y Mars se ofrecen su ayuda si la necesitan.

Sin embargo, Mars se vuelve mucho menos amable cuando le preguntan por Sean Reagan, el cual aparentemente se ha fugado con la mujer de Mars. Mars amenaza a Marlowe con sus matones.

Poco después  tiene lugar un encuentro con Vivian que se repite cuando Marlowe visita el casino de Mars. Allí Vivian canta y entretiene al personal, pero también pasa a la sala y juega. Tras esto autorizan a Marlowe a verse con Mars.

A éste le pregunta a éste por Regan, quien se supone que se escapó con la esposa de Mars. Mars se muestra evasivo y le dice a Marlowe que Vivian está acumulando deudas de juego.

Tras salir de la reunión pasa a la sala y ve como Vivian gana una gran apuesta y luego quiere que Marlowe la lleve a casa. A la salida uno de los hombres de Mars intenta robarle a Vivian, pero Marlowe lo noquea. Mientras conduce de regreso, Marlowe presiona a Vivian sobre su conexión con Mars, pero ella no admite nada.

De vuelta a su propia casa, Marlowe encuentra a una Carmen, una de las chicas de Casino de Mars, que coqueta está esperándolo. Ella le dice que no le gustaba Regan y menciona que Mars llama a Vivian con frecuencia. Cuando ella intenta seducir a Marlowe, él la echa de su apartamento.

Al día siguiente, Vivian le dice que puede dejar de buscar a Regan; Él ha sido encontrado en México y ella lo va a ver allí. Vivian está demasiado ansiosa porque Marlowe termine con la investigación una vez resuelto el asunto de Geiger y deje de investigar la desaparición de Reagan.

Marlowe se pregunta por qué Mars no está más interesado en encontrar a su esposa y por qué hay tanta gente que no quiere que localice a Reagan. Marlowe descubre que Mars quiere evitar que siga investigando.

Cuando llega nuevamente a su despacho tiene lugar un encuentro con Harry Jones (Elisha Cook Jr. ) , un hombre bajito y que estaba asociado con Brody que afirma querer casarse con Agnes. Jones le transmite una oferta para revelar la ubicación de la esposa de Mars por $ 200.

Cuando Marlowe va a reunirse con él y llevarla a donde está escondida, ve a uno de los hombres de Mars, el principal matón, Canino (Bob Steele), un hombre armado contratado por Mars, que está allí para encontrar a la propia Agnes. Canino lo está interrogando mientras Marlowe está cerca pero escondido, puede escuchar el interrogatorio y como al final del mismo envenena a Jones después de revelar la ubicación de Agnes (que resulta ser falsa).

Agnes llama por teléfono a la oficina mientras Marlowe todavía está allí y él se dispone a reunirse con ella. Ella revela que ha visto a Mona Mars, la mujer que abandonó a Mars, detrás de un taller de reparación de automóviles cerca de una ciudad llamada Realito.

Cuando llega allí, Marlowe es atacado y golpeado por Canino. Se despierta poco después y está atado, con Mona cuidando de él. Vivian también está allí. Se revela, al menos de forma implícita, que Mars había convencido a Vivian de que tenía pruebas de que Carmen había asesinado a Regan y había estado usándolas para lograr la cooperación de Vivian.

Mientras tanto, la esposa de Mars no se había fugado con Regan en absoluto, sino que estaba escondida para que pareciera que lo había hecho. Mars esperaba que esto alejara las sospechas de que fuera él el asesino. Marlowe convence a Vivian para que le ayude a él en vez de a Mars y los dos deciden que fue Mars quien mató a Reagan después de todo. Y como ella tiene una especial atención con el, libera a Marlowe, lo que le permite llegar a su arma que tiene escondida en su coche y matar a Canino cuando éste regresa.

Vivian y Marlowe huyen juntos. Marlowe llama a Mars desde la casa de Geiger, fingiendo estar todavía en Realito. Mars llega con cuatro hombres que preparan detalladamente una emboscada afuera.

Cuando Mars entra, Marlowe revela que él ha discernido la verdad: Mars ha estado chantajeando a Vivian, afirmando que su hermana Carmen había matado a Regan. Luego fuerza a Mars a salir al exterior, donde es asesinado por sus propios hombres.

Marlowe llama a la policía y les dice que Mars fue la que mató a Regan para eximir del asesinato a Carmen. También convence a Vivian de que su hermana necesita atención psiquiátrica acaando así la película. 

Tanto el director como los guionistas, e incluso el propio Raymond Chandler quedaron desconcertados al darse cuenta de que ninguno de ellos sabía quién había matado al chófer. Tampoco se desarrolla el asesinato de Geiger ni el posterior asesinato de Brody por el subalterno de Geiger, Carol Lundgren (probablemente entre otras razones porque Lundgren es un hombre y la pareja homosexual de Geiger, algo que la censura no habría permitido en esa época).

La historia pronto se centra en el corazón del misterio de la película: la búsqueda de Sean Regan. Hay algunas diferencias entre los argumentos de novela y película. En la obra original de Chandler los personajes de Marlowe y Vivian Sternwood no viven ningún romance (él dice de ella que estaría bien para un fin de semana pero que para más se haría pesada) y quien le atrae de verdad, aunque apenas tiene contacto con ella, es la esposa del gángster Mars, con quien supuestamente se ha fugado Sean Regan. Y en el libro Eddie Mars no muere, sino que queda impune, aunque al final se desvela que la policía nunca terminó de creerse la doble fuga y que vigila de cerca al gángster.

Por último, en la película se omiten los problemas de Marlowe con la policía y la Fiscalía de Los Ángeles por alterar la escena del crimen de Geiger, y cómo logra soslayarlos por el escándalo que supondría explicar a la opinión pública que el negocio pornográfico de Geiger funcionaba en pleno centro de la ciudad gracias a la complicidad de varios mandos de ambas instituciones. La escritura del guión de la película involucró a tres autores diferentes, incluido el novelista estadounidense William Faulkner . Los tres tuvieron que sentir el peso de la política de censura de la Oficina de Hays que a menudo se usaban para restringir en gran medida los temas sexuales.

En la novela, Geiger está vendiendo pornografía, algo que era ilegal y asociado con el crimen organizado, y también es un homosexual que tiene una relación con el conductor Lundgren. Del mismo modo, se describe a Carmen desnuda en la casa de Geiger, y luego desnuda y en la cama de Marlowe.

Para garantizar que la película fuera aprobada por la oficina de Hays, se tuvieron que hacer cambios. Carmen tenía que estar completamente vestida, y los elementos pornográficos solo podían aludirse con referencias crípticas a las fotografías de Carmen con un "vestido chino" y sentada en una "silla china". La orientación sexual de Geiger y Lundgren no se mencionan en la película porque las referencias a la homosexualidad estaban prohibidas. La escena de Carmen en la cama de Marlowe fue reemplazada por una escena en la que ella aparece, completamente vestida, sentada en el apartamento de Marlowe, cuando él rápidamente la echa.

La película, filmada en 1944, se omitió por completo en el corte de 1945, pero se restauró para la versión de 1946. The Big Sleep es conocido por su complicada trama.

Durante la filmación, supuestamente ni el director ni los guionistas sabían si el conductor Owen Taylor fue asesinado o si se había suicidado. Enviaron un cable a Chandler, quien le dijo a un amigo en una carta posterior: "Me enviaron un cable ... preguntándome, y maldita sea que yo tampoco sabía".

Después de su filmación, Warner Bros. no lanzó The Big Sleep hasta que se convirtieron en una acumulación de películas relacionadas con la guerra. Debido a la guerra llegaba a su fin, el estudio temía que el público podría perder interés en las películas, mientras que el el tema del Sueño Eterno no era sensible al tiempo que vivían. Esa es la razón por la que la película tiene algunos guiños al momento en los diálogos, en la participación de una mujer taxista o en símbolos que anuncian restricción en temas energéticas.

El fenómeno de "Bogie y Bacall", una fascinación por la pareja que había comenzado con Tener y no tener , y que creció durante su matrimonio posterior, estaba en pleno apogeo al final de la guerra. El agente de Bacall, Charles K. Feldman , pidió que se volviera a filmar partes de la película para sacar provecho de su química y contrarrestar la prensa negativa que Bacall había recibido por su actuación en 1945 en Confidential Agent, que se publicó antes de The Big Sleep , aunque se produjo después.

El productor Jack L. Warner estuvo de acuerdo, y se agregaron nuevas escenas para The Big Sleep , con diálogos sexualmente más sugestivo (con guión de un Julius Epstein sin acreditar ). El novelista Raymond Chandler dijo que Martha Vickers (Carmen) eclipsó a Lauren Bacall (Vivian) en sus escenas juntas, lo que llevó a los productores a eliminar gran parte de la actuación de Vickers para mejorar la de Bacall. El final de regrabación presentó a Peggy Knudsen como Mona Mars porque Pat Clark, la actriz del reparto original, no estaba disponible. Además, las partes de James Flavin y Thomas E. Jackson fueron eliminados por completo.

Debido a las dos versiones creadas por el nuevo rodaje, hay una diferencia sustancial en el contenido de unos veinte minutos entre ellas, aunque la diferencia en el tiempo de ejecución es de dos minutos. 

La versión presentada a los cines es normalmente considerada como la mejor, aunque algunos la consideran más confusa y difícil de seguir (carece, por ejemplo, de una larga y clarificadora conversación entre Marlowe y el abogado del distrito de los Ángeles en la cual se comentan los detalles del caso sucedidos hasta el momento), aunque la mayoría argumenta que merece la pena por ver a Marlowe y Vivian hacer fintas verbales, flirtear y enamorarse.

En cuanto a los críticos de cine del momento las reacciones fueron diversas. En la revista Time , James Agee , calificó la película como "una comida despierta para las personas a las que no les importa lo que está pasando, o por qué, siempre que la conversación sea difícil y la acción sea más dura", pero insiste en que "la trama es una locura desconcertante, pesadilla el desenfoque es un activo, y solo uno de muchos "; llama a Bogart "por mucho el más fuerte" de sus activos y dice de Hawks, "incluso en la pantalla de castas ... se las arregla para bajar gran parte del glamour de la baja vida de la gran ciudad, discretamente atada con indicios de adicción a las drogas. , voyeurismo y fornicación "y caracterizando el papel de Lauren Bacall como" un puma adolescente ".

El crítico de cine Roger Ebert , quien incluyó la película en su lista de "Grandes películas", elogió los diálogos de la película: Y dice " Trabajando a partir de las palabras originales de Chandler y añadiendo giros propios, los escritores (William Faulkner, Jules Furthman y Leigh Brackett) escribieron uno de los guiones más citados. Es inusual encontrarte a ti mismo riendo en una película no porque algo sea divertido sino porque es tan perversamente inteligente.

Ebert prefería la versión de 1946. Él afirmó: Las nuevas escenas [de la versión de 1946] agregan un cargo a la película que faltaba en la versión de 1945; este es un caso donde la "interferencia de estudio" era exactamente lo correcto. La única razón para ver la versión anterior es ir tras bambalinas, para aprender cómo se puede modificar el tono y el impacto de una película con solo unas pocas escenas ... En cuanto a la versión de 1946 que hemos estado viendo todos estos años , es una de las grandes películas noir, una sinfonía en blanco y negro que reproduce exactamente la capacidad de Chandler, en la página, para encontrar un tono de voz que se mantenga a distancia, pero que sea irónico, cómico y cariñoso. 

Y en rogerebert.com comenta que "Lo que se percibe aquí es la agradable visión de dos personas enamoradas que disfrutan tonteando el uno con el otro (…) "

Dave Kehr en otra publicación de Illinois , la del Chicago Reader , señala que "Lo que recordarás de ella son sus momentos."

En una revisión de 1997, Eric Brace del The Washington Post escribió que el original de 1945 tenía un "ritmo ligeramente más lento que el publicado un año más tarde, y una interacción un poco menos chispeante entre Bogart y Bacall, pero aún es una obra maestra sin reservas"

En Variety se escribió que "Los personajes de Brittle Chandler han sido transferidos a la pantalla con fuerza por la producción y la dirección de Howard Hawks, proporcionando una buena dosis de acción áspera y tensa durante la mayor parte de la película."

Bosley Crowther de The New York Times en su lanzamiento señaló que "Es probable que te deje confundido e insatisfecho." Señala que Bacall es un "aspecto peligroso femenina" ... "que todavía no ha aprendido a actuar". Y añade "The Big Sleep es una de esas imágenes en las que ocurren tantas cosas crípticas en medio de tramas tan complicadas y tortuosas que la mente se confunde por completo. Y, para hacerlo más agravante, el brillante detective en el caso está haciendo continuamente deducciones astutas que él obstinadamente guarda para sí mismo. Con dos misterios entrelazados y una gran cantidad de personajes involucrados, el complejo de chantaje y asesinato pronto se convierte en una red de total desconcierto. Desafortunadamente, los escritores de guiones astutos han hecho poco para eliminarlo al final".

En el Reino Unido Tim Robey del Telegraph afirma que "'El sueño eterno' es el film noir mejor escrito, mejor dirigido, mejor actuado, y más incomprensible que jamás se ha hecho. (...) "

Por su parte, Peter Bradshaw en The Guardian comenta que "Ninguna pareja de la pantalla, de antes o de ahora, ha tenido tanta química como Bogart y Bacall. (...) "

Jonathan Romney del The Independent señala que "'The Big Sleep' es tan fresca y perversa como siempre, y se mantiene como uno de los cuentos de hadas más cautivadoramente extraños de Hollywood."

Kim Newman en Empire afirma que "Tanto Bogart como Marlowe están cautivadores en este thriller clásico que es complejo, pero un éxito a nivel atmosférico (…)

Terenci Moix señala en su Historia del Cine que en El sueño eterno "las pesquisas de Marlowe sirven para revelar las malas costumbres que pueden practicar la gente bien". Y en otro capítulo señala que  la combinación entre Bogart y Bacall fue la mejor conjunción entre el héroe duro y cínico frente a una mujer que podía ser tan dura y  cínica  como él. Y destaca que Bacall sabe "contestar a los sarcasmos con las respuestas más punzantes y la mirada más guerrera"

Para Pablo Kurt en filmaffinity escribe que " Poco más se puede pedir: el maestro Howard Hawks en la dirección, Sid Hickox encargado de la fotografía, una banda sonora del gran Max Steiner... y Bacall y Bogart en la pantalla. A partir de la brillante novela de Raymond Chandler -sembrada de diálogos insuperables-, tres de los mejores guionistas de Hollywood -entre ellos William Faulkner- adaptaron esté clásico que se echó a dormir en la cima del género negro. El sueño todavía le dura. Un par de años antes casi el mismo equipo -todos en la Warner- habían creado ya otra obra maestra: "Tener y no tener".

En el diario ABC se dice que " Howard Hawks dirigió esta película de culto del cine negro que fue estrenada dos años después de la finalización del rodaje, cuando la Warner dio el visto bueno a los trabajos de postproducción. El escritor William Faulkner, Leigh Brackett y Jules Furthman adaptaron la primera novela de misterio del escritor Raymond Chandler, a quien tuvieron que pedirle en ocasiones consejos para poder resolver la enrevesada trama en la que está metido el detective Philip Marlowe. No siempre lo consiguieron. El montaje estuvo marcado por el interés de la productora en resaltar la fuerte atracción química de los dos protagonistas: Humphrey Bogart y Laura Bacall (ambos se casaron poco antes del estreno del filme). Por ese motivo se eliminaron y añadieron numerosas escenas. Esa química aflora en la famosa secuencia del restaurante en la que Bogart y Bacall mantienen una erótica conversación sobre carreras de caballos."

Guillermo Cabrera Infante en Cine o Sardina incluye esta película en el grupo de películas memorbles del cine negro junto a otras como Double Identity, This Gun for Hire, The Killers, Criss Cross, The blue Dahlia, The big Heat, Angel Face, Brute Force, Crake Up, Crossfire, Cry of the City, Dark City o Detour, todas ellas realizadas entre 1942 y 1956.

En 1997, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.consideró la película "cultural, histórica o estéticamente significativa" y la agregó al Registro Nacional de Películas .

Lo cierto que la película es tan grandiosa como compleja. Eso sí fluye en la misma un fuerte toque de feminismo y eso que Hakws no necesariamente simpatizaba con el feminismo, pero apostó por presenta un arquetipo de mujer independiente y fuerte, algo que nunca se había hecho en la década de 1920 y por lo tanto se consideraba una rareza; acaso tenía en ello parte la inversión cómica de los roles sexuales. Sin puntos débiles, cuidaba el ingenio de sus diálogos y su fuerte era la habilidad narrativa y la dirección de actores, encontrar química entre ellos; en los filmes de Hawks domina intensamente la camaradería masculina y el sentido del honor.

El crítico de cine David Thomson escribió sobre Hawks: "Lejos de ser un manso proveedor de formas hollywoodenses, siempre eligió darles la vuelta. To Have and Have Not y The Big Sleep, aparentemente una aventura y un thriller, son realmente historias de amor. Rio Bravo, al parecer un western donde todo el mundo usa sombrero de vaquero, posee diálogos de comedia. Sus comedias están ostensiblemente llenas de emociones fuertes, con los puntos de vista más sutiles sobre la guerra de sexos, y ofrecen un reconocimiento irónico de la incompatibilidad entre hombres y mujeres". 

Antes de ver la película en TCM he visto un reportaje y en el mismo se decía que " Unas de sus premisas de trabajo era que la cámara siempre tenía que estar a la altura de los hombres, y que el espectador no debía ser consciente de su movimiento. Esto le proporcionaba un estilo en apariencia muy sencillo, pero a la vez muy difícil de ejecutar".

A destacar su magnífica fotografía en blanco y negro llena de luces y sombras que invitan a que la pelicula sea un film auténticamente noir, con sombreros que te oscurecen la cara, con planos que permiten presentar o no al personaje con claridad  y con unos fondos que, en ocasiones, parecen recordar al mismísimo Caravaggio o De la Tour.

Y destacable igualmente es la banda sonora compuesta por el vienés Max Steiner, aunque residente en los Estados Unidos desde 1914, y en la nómina de la Warner desde 1936   que para el sueño eterno elaboró sugestivos temas líricos  que contrastaron con el resto del score , típico del cine negro americano como incursiones en el swing y en el jazz en algunos momentos.

David Boxwell argumenta que la mayor parte de la obra del cineasta ha sido acusada de ofrecer mero entretenimiento, un escapismo histórico y adolescente, pero los fans de Hawks se regocijan viendo cómo su obra se evade de los corsés de la religiosidad, el conformismo doméstico, el patriotismo y el sentimentalismo propios de Hollywood. El sueño eterno es un buen ejemplo de ello.

Escéptica Reencarnación

Decepcionante película la vista anoche y que lleva por título el de Reencarnación en España o Birth es su título original. Se trata de una película dramática estadounidense del año 2004 dirigida por Jonathan Glazer. La película fue producida por Lizie Gower , Nick Morris y Jean-Louis Piel representantes de las productoras New Line Cinema , Fine Line Pictures Lou Yi Inc., Academy Films y March Entertainment. La distribución fue de New Line Cinema. Contó con un presupuesto de US $ 20 millones y desde su lanzamiento el 8 de noviembre de 2004 apenas equilibró lo invertido consiguiendo en taquilla en los Estados Unidos cerca de 24 millones de dólares. 

El guión está escrito por Jean-Claude Carrière , Milo Addica y Jonathan Glazer La música es de Alexandre Desplat y la fotografía lo fue de Harris Savides y el montaje de Sam Sneade y Noel Wehlisch.

La película contiene un interesante reparto que no levanta la película y cuenta con Nicole Kidman como Anna, Cameron Bright como el joven Sean, Danny Huston como Joseph, Lauren Bacall como Eleanor, Anne Heche como Clara, Peter Stormare como Clifford, Arliss Howard como Bob, Ted Levine como el Sr. Conte, Cara Seymour como la señora Conte , Alison Elliott como Laura. Se suman a Michael Desautels como Sean, Libby Skala como la dama de honor. 

La película comienza con un corredor que realiza su carrera de fondo en un parque nevado, un día de invierno,  que después sabremos que es el neoyorkino Central Park, tras recorrer un importante tramo vemos que Sean , así es su nombre, se desploma.

En la siguiente imagen vemos como se produce un parto naciendo un rollizo niño y tras el mismo y el únito título de crédito inicial , un lustroso Birth, vemos que han pasado diez años desde lo acontecido y una chica Anna ( Nicole Kidman ) está en un cementerio. Tras estar un momento ante una tumba, se marcha a un coche en el que se encuentra Joseph (Danny Huston) al que besa en el interior de un vehículo pues Anna ha aceptado una propuesta de matrimonio de su novio, Joseph. un hombre culto y agradable, que pacientemente la ha estado cortejando durante los últimos tres años. 

Anna (Nicole Kidman) ya está preparada para superar la pérdida de su querido marido. Ha pasado ya mucho tiempo desde su repentina muerte, y aunque le ha costado, poco a poco ha vuelto a vivir.

Seguidamente vemos que Joseph está en una fiesta en la que anuncia su boda con Anna. A la misma van a asistir una pareja casada Se tratan de Clifford ( Peter Stormare ), el hermano de Sean, que llega a la fiesta de compromiso de Anna, junto a su esposa Clara ( Anne Heche ). Cuando Clifford entra en el ascensor, Anne  se excusa, diciendo que se olvidó de papel de regalo de Anna pues le lleva en una caja. 

Tras esto sale del céntrico edificio neoyorkino y marcha al cercano parque integrado en Central Park y entierra a toda prisa bajo las hojas un paquete que llevaba a modo de regalo. Desde la salida de Clara es observada desde la distancia por un chico que porta una mochila (Cameron Bright) y que parece seguirla a la calle.

Clara, ahora, compra un regalo el regalo mientras que el chico ( Cameron Bright ) la mira desde la distancia. 

Ya en la fiesta Clifford felicita tanto a Anna y a Joseph, llegando poco después Clara, El ambiente refleja la alta posición de la familia de Anna. Su madre Eleanor (Lauren Bacall) está feliz con la noticia al igual que su hermana embarazada Laura (Alison Elliot) y que el marido de ésta, Bob (Arliss Howard). 

Poco después se celebra el cumpleaños de la madre de Anna , Eleonor ( Lauren Bacall ), un niño de 10 años de edad (también llamado Sean), el chico que siguió a Clara, se persona en la casa y le  dice a Anna que tiene que habar con ella...en privado.

Anna se la lleva a la cocina y el chico que se llama Sean le dice que es el difunto marido de Anna, Sean, y le advierte que no se case con Joseph. 

Al principio, Anna rechaza la afirmación del chico y lo larga de la casa, no comentando nada a nadie. Pero cuando Anna, al día siguiente, recibe una carta de él advirtiéndole que no se case con Joseph, se da cuenta de que el chico realmente cree que es su marido reencarnado.  Lo que más le llama la atención es que Sean no creía en la reencarnación, Le llama además la atención por el comportamiento del niño, serio y tranquilo pero decidido.

Esa noche Anna y Joseph discuten sobre el contenido de la carta. Llama la atención de que el vigilante del edificio parece saber quien es el niño (y que efectivamente se llama Sean).

Joseph llama al vigilante para obtener más información, pero cuando Sean contesta al teléfono, Joseph se precipita escaleras abajo para enfrentarse a él y  lo lleva al padre de Sean ( Ted Levine ), y tras hablar con él, le pide el padre a Sean que deje en paz a Anna. Sean se niega a retractarse de su historia, y Anna sorprendida se marcha y ve como Sean colapsa en los brazos de su padre. 

Así que el  escepticismo inicial de Anna empieza a estar influido por el conocimiento íntimo que tiene el niño sobre la vida de la ex pareja casada.  

Sean deja un mensaje en el contestador automático de Anna, que escucha su madre, Eleanor. Ese día en el almuerzo en un restaurante, la madre de Anna menciona que Sean quiere conocer a Anna en el parque, y que ella sabrá dónde. 

Anna se apresura a ir al Central Park y se encuentra a Sean esperando en el mismo lugar donde murió su marido. Anna se ofrece a someterse a un interrogatorio. Para ello quiere que el cuñado de Anna Bob ( Arliss Howard ), un médico, casado con la hermana de Anna y que espera ahora un hijo, se dispone a hablar con Sean, grabando sus respuestas en la cinta. Él responde a todas las preguntas, incluso dando los detalles íntimos de Anna y de Sean relacionados con la vida sexual. Anna no podrá evitar sentirse afectada y empieza a creerle. Además, la inquietante y surrealista historia  del joven va a trastocar a todos los miembros de la familia que van a reaccionar de forma muy distinta.  

Sean es llevado a Anna por su madre ( Cara Seymour ), que noches antes había escuchado con horror como el pequeño Sean le dice que él ya no es su hijo, sino el Sean que murió hace diez años. En a casa Sean es capaz de identificar las partes de la vivienda. Todos, excepto Anna, sigue, con dudas. La familia de Ana se preocupa, sobre todo su hermana Laura ( Alison Elliott ), que trata a Sean con desprecio y mucha dureza. 

Cuando Anna se pierde una cita con su novio para pasar tiempo con Sean, Joseph comienza sentirse preocupado no sólo por el niño, sino sobre el extraño comportamiento de Anna. Sus celos comienzan a manifestarse cuando descubre como se baña Anna y se mete el niño en la bañera. Anna parece ahora convencida por la historia del muchacho de que es la reencarnación de Sean , pero le pide a Clara y Clifford que se encuentren con el chico. 

En un acto cultural en la vivienda con tres músicos Joseph salta al percibir como el joven Sean golpea la silla en repetidas ocasiones. Alterado golpea físicamente a  Sean. Cuando Sean se agota, Éste huye de la casa, pero Anna le sigue y Sean le da un beso en los labios. 

Clifford llega más tarde del incidente en la casa, viendo sus efectos. Nada más verlo le dice que no es Sean. Clara llega poco después y se encuentra con Sean en la puerta. Por sus manos que ha de limpiarse sabemos que ha ido al parque y ha desenterrado el paquete que llevó a la fiesta. Clara, mientras se limpia las manos le pide que vaya a visitara y le da la dirección de su piso.  

Cuando la visita, Clara tiene claro que Sean es un farsante, pues ella y Sean fueron amantes , cosa que Sean desconoce. Además, Sean trae una mochila llena de cartas de amor de Anna a Sean, cartas que realmente nunca fueron abiertas y que componían el regalo que ella quería entregar a Anna en su fiesta de compromiso para mostrar su  rencor con ella y que niño había desenterrado en secreto y leyó la noche de la fiesta. Nos enteramos de que Clara era el amante de Sean antes de su muerte, y que le había dado las cartas de Anna sin abrir como prueba de su amor. Clara estaba celosa de que Sean no dejaría a Anna, pero abandonó su plan de entregar a Anna las cartas.  

Cuando Clara le dice que si fuera realmente una reencarnación de Sean éste sabía esa historia, Sean queda confundido y huye a Central Park, refugiándose en un árbol en el que se sube. Tras ser localizado por la policía el niño huye y , finalmente, va a casa de Anna a bañarse. Tras entrar en el cuarto de baño Sean le dice que él no es quién dijo ser. 

Anna  ahora no cree a Sean, y ella sugiere que se escapen y se casen cuando Sean sea mayor de edad. Él le dice a Anna que, dado que la ama no debe ser la reencarnación de Sean. 

Tras desaparecer de la casa,  Anna se disculpa con Joseph, y é. Tras esto deciden casarse, y lo hacen en la casa de campo de la familia de Anna en Long Island casándose ​​en la playa. sabemos que Sean escribió una larga carta disculpándose con Anna, diciéndole que tenía la ilusión de ser su marido. Anna, ya casada, y desorientada vemos que ante los ojos de Joseph se adentra en el mar angustiada después de la ceremonia. Joseph va tras ella por la playa la saca de la orilla  y le susurra algo al oído. Comienzando tras ello los título de crédito. 

La película se rodó en la ciudad de Nueva York, en espacios reconocidos como la Quinta Avenida, -1136 Fifth Avenue- en Manhattan- para el exterior del apartamento de Anna, en Central Park, en los Thelen Reid & Priest LLP, y en el Hotel Waldorf-Astoria en el 301 Park AvenuePark Avenue, también en Long Island en concreto Brightwaters y West Bay Shore, así como en los Silvercup Studios de la 22nd Street, también en Long Island City cerca de Queens, 

La película fue distribuida por New Line Cinema , a nivel mundial total alcanzando unos  ingresos de taquilla cercanos a los 24 millones de dólares, 4 más de lo invertido.

En cuando a la producción el director Jonathan Glazer parece ser que estaba interesado en hacer una película sobre "la idea del amor eterno" y un "misterio del corazón". Al escribir el guión, concluyó que no estaba interesado en hacer una historia de fantasmas o una "pieza paranormal". 

La idea inicial de la película llegó a él un día cuando estaba en la cocina de su casa: "Un niño pequeño le dice a una mujer que es  su marido muerto - con diez años de edad. ".

Tras esta idea, Glazer fue a París para discutir la idea con el guionista francés Jean-Claude Carrière por la recomendación de su productor. Carrière terminó ayudando a Glazer con la historia y actuó como consultor de guión. 

El director pasó ocho meses yendo y viniendo  a París cada fin de semana para convertir una obra en tres actos como si fuera teatro clásico. El guión pasó por las manos Glazer y tuvo como co-guionista a Milo Addica.

Cuando quedaban  unas pocas semanas para el comienzo del rodaje los dos escritores decidióeron reorientar toda la película. Originalmente, el guión se centraba con el niño y lo cambiaron para focalizarlo en la mujer.

Precisamente para este papel puso su mirada en la actriz Nicole Kidman que nada más leer el guión se apuntó para hacer la película cuando se enteró que la iba a dirigir Glazer  con el que ya había trabajado en otra película, Sexy Beast . 

En un primer momento, tuvo sus dudas ya  que "la integración dea "celebrity" ólo podría perjudicar a la delicada naturaleza de este personaje". Sin embargo, se reunió con Kidman y se dio cuenta de que "ella estaba lista para asumir el papel ". Tras tener a Kidman decidió reescribir el guión durante los fines de semana, adaptándola específicamente para ella y  mostrar Anna en el centro de la historia. eso sí, Glazer pidió a Kidman que llevara el pelo corto y que el personaje de  Anna a pesar de su posición social huiría del " glamour y la sensualidad". 

Kidman comentó  que Glazer le instruyó en los efectos para llevar a acabo reacciones pequeñas. Para  entrar en su papel Kidman habló con dos amigos que habían perdido a sus padres y hablaron de los que le afectó años después. 

Addica y Glazer como guionistas  a menudo escribieron escenas el día anterior a su rodaje dándoles a los actores el mismo día lo que tenía que rodar.

La película  debutó en el Festival de Venecia , donde en la primera proyección para la prensa fue recibida con abucheos y silbidos. Glazer respondió que la película estaría polariada en sus gustos: "La gente está un poco polarizada ante ella, lo que es saludable". A pesar de elogios por varios dev los participantes de la película y algunos críticos , alabando la actuación de Kidman y la dirección de Glazer, pero bueno hubo de todo, lo que se llaman críticas mixtas, pues las positivas se mezclaban con las negativas. Un 39% es la valoración de Rotten Tomatoes y un 50 en Metacritic. 

David Ansen en la revista Newsweek  escribió, "el guión es ridícul como la pel´cula". Michael O'Sullivan, en sel Washington Post afimó que  presenta una " premisa metafísica sobre el amor obsesivo. Para Jack Mathews  en el diario New York Daily News la película es "cursi, perseverante, inverosímil y - en ocasiones - seriamente espeluznante". 

Sin embargo, Roger Ebert la comparó con La semilla del diablo de Polanski diciendo, "Birth es menos sensacional y más siniestro, y también más intrigante pues  explora lo realmente podría ocurrir diez años después cuando un niño dice ser Sean ". 

En su revisión para el New York Times , AO de Scott elogió la actuación de Nicole Kidman:" Sin el rendimiento brillantemente matizada de Kidman, Birth podría ser algo frío y un poco sádico, pero se entrega tan completamente al papel que la película se convierte en tanto fascinante y desgarradora" me imagino que piensa en la escena en la que la pareja formada por Joseph y Anna entra en la Opera y la cámara se centra durante un buen tiempo en el rostro de ella.

Claudia Puig en  USA Today comenta que "Presenta una intrigante premisa sobre la muerte y las posibilidades de renacer de un modo elegante, melancólico y deliberado. (...) ". 

La revista Slant Magazine colocó la película en el puesto 96 entre las mejores películas de la década de 2000. 

En The Guardian el crítico de cine David Thomson escribió en agosto de 2010 la película en su lista sobre '10 obras geniales'. 

La película generó controversia debido a una escena en la que Kidman comparte un baño con Bright, ambos se encuentran aparentemente desnudos. Pero parece ser que Bright  nunca estuvo desnudo y los dos nunca nunca llegaron a estar en la misma habitación durante el rodaje de la escena del baño además de ir vestidos con ropas especiales que no eran visibles a la cámara. Glazer insiste en que la escena no es erótico ni nada parecido.

En una conferencia de prensa en el Festival de Venecia, Kidman dirigió la polémica de su personaje cuando ella es besada por el muchacho. Hubo una  controversia adicional cuando un periodista describió a Kidman que era trabajar con una " leyenda de la pantalla " como era Lauren Bacall y ella respondió:" ella era un principiante ". 

La película que fue presentada en la sección oficial a concurso en el  Festival de Venecia aunque también lo hará en el Festival de Sitges en su Sección oficial largometrajes a concurso. Igualmente tuvo algunos premios en ese año 2004. Por ejemplo en los  Globos de oro fue nominada a la mejor actriz dramática con Nicole Kidman.

La Asociación de Críticos de Los Angeles reconoció que la película fue finalista a mejor banda sonora  Fue nominada en los Critics' Choice Awards al mejor actor joven (Bright).

En España críticos como Carlos Boyero cuando escribía en el  Diario El Mundo comentaba que "Me gusta mucho la forma en la que el director cuenta una historia tan arriesgada (...) Creo que hay en ella auténtico cine aunque al final no sepan rematar." En ese mismo diario, Alberto Bermejo escribía críticamente que "En su parte inicial resulta más que sugerente, pero es una lástima que, finalmente, la apuesta se quede en nada. (...) Lo mejor: Nicole Kidman, por encima de todo lo demás. Lo peor: la resolución decepcionante y tramposa" 

En el diario ABC Oti Rodríguez Marchante afirma que es una “Extraña película (...) impresionante e intrigante punto de partida (...) Ha tenido suerte Glazer, porque tenía a Nicole Kidman, y cualquier viaje con ella se tolera, aunque no se llegue a ningún sitio. (...).” 

Pablo Kurt en filmaffinity decía, y con mucha razón, que " Si 'Birth' estuviera interpretada por Jennifer Love Hewitt (por decir una habitual de la TV) y con la trama localizada en un pueblecito cutre de Ohio, pensaría que es un mediocre telefilm, dirigido por un director que va de moderno, sobre un niño rarito y una mujer que flipa un montón. Pero como tiene a Nicole Kidman (sin duda lo mejor) y está ambientada en un lujoso apartamento de la quinta avenida neoyorquina, pues parece que es un drama elegante, refinado y con suspense de altura". 

Debe de decir que savo aspectos muy puntuales como los certeros y estáticos planos largos que casi siempre se centran en la Kidman, el producto final me ha parecido intrascendente, a pesar de estar envuelto en un papel elegante, con algún momento interesante, aunque previsible, vinculado con Clara, un fallido ejercicio de estilo que nos aleja el sentido común y nuestro carácter racional frente al presupuesto fantástico. Sí, no tiene mucho karma, me ha aburrido esta escéptica reencarnación.

Harper, al diablo

Al diablo, así acaba la película. Hablamos de Harper y hacerlo es añadir de inmediato a ese nombre dos cosas, investigador privado e Paul Newman. Así que como estaba dentro del catálogo de Yomvi y era una de aquellas películas clásicas que no había visto pues procedí a verla, eso sí, a una hora intempestiva. Harper es una película dirigida por Jack Smight en 1966 basada en una obra literaria - The Moving Target o El objetivo en movimiento, escrita por Ross Macdonald y que fue adaptada para la gran pantalla por el novelista William Goldman, un admirador de la obra de MacDonald. Para ello la productora y distribuidora, la Warner Bros, contó para la producción con Elliott Kastner y Jerry Gershwin que invirtieron en ella los 3.500.000 de dólares de presupuesto. La película contó con la luminosa fotografía de Conrad L. Hall y con la música, magnífica banda sonora setentera y con alma de club nocturno de Johnny Mandel. 

La película está protagonizada Paul Newman como Lew Harper (Lew Archer en la novela) y junto al él están, Lauren Bacall como Elaine Sampson, Julie Harris como Betty Fraley, Shelley Winters como Fay Estabrook, Robert Wagner como Allan Taggert, Janet Leigh como Susan Harper, Arthur Hill como Albert Graves, Pamela Tiffin como Miranda Sampson, Robert Webber como Dwight Troy, Harold Gould - Sheriff Spanner , Roy Jenson como Puddler y Strother Martin como Claude. 

La película rinde homenaje al Sam Spade de Humphrey Bogart y otras películas de detectives y para ello no hay nada mejor que contar con una de las protagonistas del Sueño Eterno (The Big Sleep) por medio de la esposa de Bogart, Lauren Bacall, que interpreta a una esposa herida en busca de su marido desaparecido, un papel similar al del general Sternwood en la película modélica del cine negro el 1946. En 1975, Newman volvió a interpretar el papel en The Drowning Pool, o Con el agua al cuello. 

Durante los títulos de crédito, descubrimos al investigador privado Lew Harper (Paul Newman) en su casa.  Harper se levanta y se prepara un repulsivo café, el personaje queda definido. Harper es un antisocial, un detective poco querido, solitario, con una vida poco menos que desastrosa. 

Vive en su propio despacho, totalmente desordenado, reflejo tal vez de su caótica vida personal, en la que destaca su triste relación con esposa, pues vive sólo y está pendiente de liquidar su matrimonio con Susan (Janet Leigh) que le exige el divorcio. 

El mientras tanto se ha dado en parte a la bebida y ha ido abandonando a sus amigos. Uno de los pocos que le quedan es el abogado Albert Graves (Arthur Hill), que le pone en conocimiento de un caso de una desaparición en Santa Teresa, a 90 millas de Los Ángeles. 

Es recibido en una mansión por Elaine Sampson (Lauren Bacall), discapacitada física tras un accidente a caballo, que le comenta que su marido, Ralph Sampson, un multimillonario , con una fortuna que alcanza los $ 20 millones de dólares, ha desaparecido después de volar desde Las Vegas a Los Ángeles. Ella no se ve muy conmocionada, pues lo describe como un loco, alcohólico y egoísta. Por otro lado, Elaine cree que está con otra mujer. Ella sólo quiere saber dónde está. No más. 

Tras hablar con Elaine, Harper se dispone a entrevistarse con la mimada, pero seductora hijastra de Elaine, Miranda (Pamela Tiffin), y su novio ocasional, un amable Allan Taggert (Robert Wagner), piloto privado del hombre desaparecido. 

Taggert le dice que Sampson tuvo que desaparecer en el trayecto del aeropuerto a su casa y que habitualmente se hospedada en Los Ángeles en un hotel de Bel-Air donde Sampson mantiene un bungalow. Habitualmente llegada al hotel en una limousina del miso hotel. 

Taggert vuela con Harper a Los Ángeles, donde el personal del hotel le dice que Sampson canceló su solicitud de reserva poco después de la supuesta desaparición. Al entrar en la habitación descubren su obsesión con el zodíaco y la astrología , así como una foto de una actriz glamorosa , pero ya en decadencia como es Fay Estabrook (Shelley Winters), ahora una alcohólica con sobrepeso. 

Harper va a buscarla a un club y se encuentra con ella. Tras beber y raro con la misma y emborracharla un poco más, la lleva a su casa para ver si hay alguna evidencia que le vincule con la desaparición de Sampson. Mientras que ella se queda tirada en el sofá, él responde a su teléfono y asume la personalidad de "Mr. Troy" , la persona por la que pregunta la que está al otro lado del auricular. Resulta ser "Betty" (Julie Harris), y le dice a Mr Troy que Fay fue visto esa noche con un desconocido - que era Harper -. y que ha de tener cuidado, hablándole igualmente de un camión. Cuando Harper menciona a Ralph Sampson, Betty se da cuenta de que ella no está hablando con Troy. Después de colgar a Harper aparece el verdadero Troy que es el esposo de Fay, Dwight Troy (Robert Webber). 

Troy echa Harper de la casa a punta de pistola. Harper sigue la pista de Betty Fraley. Se trata de una cantante de salón adicta a las drogas. Cuando se entrevista con Betty y le pregunta acerca de Ralph, ella le reconoce la voz de la llamada telefónica. Harper, notando las marcas de pinchazos frescas en su brazo, amenaza con entregarla a narcóticos, y Betty admite que sabe algo de Sampson, pero sólo como uno de tantos borrachos que entran en el bar. Harper se hace más insistente y Betty llama a unos de los gorilas del club, Puddler (Roy Jenson), que lo saca a la calle y le agrede. Puddler le da una paliza a Harper en el callejón hasta que Taggert aparece de la nada y golpea a Puddler hasta dejarlo inconsciente. 

Taggert parece que había estado siguiendo a Harper. Se dirigen a la casa de Troy para comprobar el tema del camión, pensando que Sampson podía estar en ella. Mientras que Harper está dentro de la casa, él oye disparos. Se trata de Taggert, que vio como un camión pasaba por la propiedad y trató de disparar a los neumáticos. Harper intenta disparar al camión que tiene unas distintivas llantas se lanza contra Harper, huyendo tras acelerar la velocidad. 

Tras la paliza Harper busca consuelo en su esposa (Janet Leigh), la que continuamente le pide el divorcio y éste se niega a darle. En su reencuentro nocturno tras la paliza este se muestra tras huraño como siempre y ella se queda con la triste impresión de siempre mientras le preparaba los huevos del desayuno que acaba pinchando. 

Mientras Elaine informa a Harper que ha recibido un mensaje de Ralph pidiéndole que saque 500,000 dólares en bonos. Ella verifica que la escritura es de Ralph y Harper deduce que en realidad ha sido secuestrado. Después de que Graves cobre los bonos para ella y ponga el dinero en el seguro como una contingencia, Harper le aconseja que llame a la policía para protegerla. 

Mientras Harper va a una propiedad de Sampson en una montaña aislada que éste había regalado a Claude (Strother Martin), un falso santo, para desarrollar su culto del templo en las nubes. A pesar de los intentos de Claude le distraen, Harper mira a su alrededor y se encuentra una enorme olla de frijoles en la cocina y la impresión de neumáticos idénticos a los dejados por la camioneta. 

De vuelta en la finca de Sampson, Harper encuentra una nota de rescate con instrucciones para dejar el dinero esa noche en un campo petrolero fuera de la ciudad. Desde la nota asume que ya tienen el dinero en efectivo, Harper sospecha que el secuestrador tiene una fuente interna en la familia, y que alguien espiando. La llamada de Graves lo confirma. 

Deciden que Taggert y Graves harán que entregan el rescate con Harper cerca para observar la recogida. Aparece un hombre para recogerlo pero es asesinado por unos disparos logrando llevarse el dinero. Una caja de cerillas existente dentro del traje del asesinado conduce a Harper a The Corner, un bar de mala muerte en el Castle Beach, una comunidad frente a la playa. 

Harper consigue de la camarera una información que revela que el muerto era "Eddie", un cliente habitual que había hecho una llamada de larga distancia a Las Vegas desde la barra de tres noches antes. En el exterior, Harper ve el camión que trató de atropellarlo, y en su interior está Puddler, que lo lleva de vuelta al templo de la cima de la montaña. Allí, descubre una trama de contrabando de mano de obra inmigrante ilegal dirigida por Troy. 

La organización utilizan el templo de Claude como pantalla y a Eddie como contrabandista. Harper es detenido por Troy, que éste le dice no saber nada del secuestro. Todo apunta a Betty Fraley y a Puddler que golpea a Harper, pero Harper logra matarlo y escapar. 

En la finca, Graves dice le Harper que el muerto era Eddie Rossiter, un ladrón de coches de poca monta y drogadicto que tiene una hermana, Betty, también drogadicta. Harper concluye que Taggert era la única persona que sabía Sampson estaba en Los Ángeles y que podría haber cancelado la solicitud de la limusina. 

Así que Taggert, Betty, y Eddie han conspirado para secuestrarlo. Y que Taggert estaba en el piano bar no para rescatar Harper, sino porque era un fan enamorado de Betty, y que le disparó al camión no para detenerlo, sino para advertir a Eddie y Taggert. Tuvo que ser Eddie la persona que llamó a Las Vegas para organizar el secuestro. Harper se enfrenta a Taggert, que saca un arma. Harper se compromete a dejar que Taggert escapar con el dinero del secuestro si le permite terminar el trabajo de encontrar Sampson. Taggert trata de matar a Harper, pero en eso que Graves irrumpe en la habitación, disparándole él. Después Harper le dice a Miranda que Taggert está muerto, y Miranda admite que odiaba a su padre. Graves, que ha estado durante mucho tiempo enamorado de Miranda, intenta consolarla. 

Harper va en busca de Betty y del dinero en Castle Beach, donde ella y Taggert tenían su nido de amor, y ubica la casa encontrando un descapotable blanco de su propiedad estacionado afuera. Oye a Betty siendo torturada en el interior por Troy, Claude y Fay. Ella les da el dinero que está escondido en un arcón. En esto que Harper irrumpe, dispara a Troy, detiene a Claude y encierra a Fay en un armario y, después de que él recupera la clave para el armario, ayuda a Betty para escapar. Después le dice que él sabe que ella traicionó y mató a su hermano y ella revela que Sampson se encuentra recluido en un petrolero abandonado. Harper llama a Graves para encontrase en el petrolero. 

Harper al poco de entrar es golpeado en la cabeza desde atrás mientras está de búsqueda por la nave, dejándolo inconsciente. Momentos después Graves revive a Harper. Ellos encuentran a Sampson muerto, presuntamente asesinado por el mismo hombre que golpe a Harper en la cabeza. También descubren que el coche de Harper ya no está, y que , presuntamente , se lo ha llevado Betty. Una vez en el coche de Graves, Harper y éste persiguen a Betty que huye a gran velocidad a lo largo de un estrecho camino de la ladera. En un momento dado pierde el control y muere al caer por el barranco. Harper y Graves recuperan el dinero.

Ahora Harper dice que él sabe que Graves es quien le golpeó por detrás y que mató a Sampson, y no Betty u otro secuestrador. Graves sabía que Harper tenía la llave del arcón. Graves admite que mató a Sampson cuando surgió la oportunidad porque Sampson era cruel con todo el mundo, incluyéndolo a él, la insistencia de Graves para perseguir el afecto de Miranda sólo servía para una cruel diversión del padre. Harper le dice que él no tiene más remedio que entregarlo. Harper le dice a Graves que necesita que le disparen para detenerlo. Graves no se atreve a disparar a Harper. Ninguno de los dos está seguro de qué hacer a continuación; cada uno hace una pausa y vemos a Harper decir: "Al infierno." Concluyendo, como decíamos así al principio, la película. 

La película se estrenó el 23 de febrero 1966 y multiplicó por cuatro lo invertido llegando a alcanzar los 12 millones de dólares en taquillas. Goldman recibió un 1967 Premio Edgar a la Mejor Película y mejor Guión. 

William Goldman, uno de los guionistas más respetados de la historia, había escrito una novela Boys and Girls Together, y el derecho para llevarla al cine había sido comprado por el productor Elliot Kastner. Kastner se reunió con Goldman y expresó su deseo de hacer una película de cine negro, con gente dura, con “pelotas”. 

Goldman sugirió que la primera novela que tenía como protagonista al investigador Lew Archer escrita por Ross MacDonald sería ideal, así que se ofreció a hacer una adaptación al cine de la misma. Goldman, muy en la línea de Dashiell Hammett —precisamente el nombre de Archer fue tomado de uno de los personajes de ‘El halcón maltés’ (‘The Maltese Falcon’, John Huston, 1941)— y Raymond Chandler, adapta la obra con minuciosa precisión, con una de esas tramas detectivescas tan enrevesadas en las que es fácil perderse si no se está atento. Una trama que comienza con un caso en apariencia sencillo —la desaparición de un importante hombre, no demasiado querido a su alrededor— para ir complicándose cada vez más. Kastner estuvo de acuerdo y Goldman adaptó The Moving Target. 

Según Goldman, el guión fue ofrecido a Frank Sinatra, quien lo rechazó, y luego a Paul Newman, que estaba deseoso de aceptar una nueva película tras ese disparate de época que fue , Lady L, de Peter Ustinov, 1965, y tras el que propio actor estaba dispuesto a hacer algo diferente y mucho más actual. Goldman convenció enseguida al actor, que por supuesto se reservaba el papel principal que en el guión original se llamaba Archer. El nombre del personaje principal se cambió de Lew Archer a Harper ya que los productores no habían comprado los derechos de la serie, sólo de su primera obra. Parece que Harper fue sugerido por el propio Newman. Goldman escribió más tarde ", por lo que necesitábamos un nombre diferente y Harper parecía bien."

Goldman adaptó más tarde otra novela de MacDonald, The Chill, por los mismos productores, pero no fue filmada. Paul Newman se retiró del proyecto y Sam Peckinpah fue asignado como director por un tiempo tras ser asignado por Commonwealth United Productions, pero al desaparecer la compañía desapareció el proyecto. Sin embargo, otra novela MacDonald, The Drowning Pool o Con el agua al cuello, fue adaptada al cine con Paul Newman retomando el papel de Harper producida por Warner Brothers, en 1975. 

El film fue un éxito internacional cosechando excelentes críticas que resaltaban esa vuelta al Film Noir de los años 40, igual que en los 70 lo fue con Chinatown, vista hace unas semanas. Si en la película de Polanski veíamos al final el desencanto del investigador, en esta película En este caso lo que perciimos es un canto a la amistad masculina visible en ese maravilloso final en el que la amistad es más importante que hacer justicia o que se cumpla la ley. Para la realización Jack Smight, director que aquí firma el que muy probablemente sea su mejor y más conocido trabajo, Conrad L. Hall en su primer gran trabajo en la fotografía, captando a la perfección los distintos ambientes que frecuenta Harper en su investigación. 

Como hemos dicho la película fue un éxito de público, los doce millones lo reflejan, pero también de crítica. Para Luis Martínez del Diario El País estamos ante un "Hermético galimatías con el sabor desangelado y cínico de las mejores obras del género. Miradas veladas, gestos amargos y humores de desengaño, soportados por un reparto sencillamente inolvidable". Por su parte, Fernando Morales en ese mismo diario nos comenta que “Smight supo reencontrar el espíritu de los clásicos del cine negro en esta maravillosa película, con excelente reparto y un sorprendente y complicado guión al que no le faltan unas dosis de desencanto y escepticismo. Muy buena". 

Para el editor en Blogdecine Alberto Abuín, “ ‘Harper, investigador privado’ es un film con una violencia bastante fuerte, soterrada en sus imágenes —salvo el impactante momento que enfrenta a Harper con uno de sus captores y el brutal golpe que le da en la cabeza— pero sugerida en sus diálogos, en las escondidas intenciones de casi todos sus personajes, ni uno sólo digno de elogio, incluido el que hace Lauren Bacall, esposa del desaparecido, y que en tres secuencias llena la pantalla, homenajeando ciertos aspectos argumentales de ‘El sueño eterno’ (‘The Big Sleep’, Howard Hawks, 1946), uno de los films que hizo al lado de su querido Humphrey Bogart.