El coloso en llamas revisada

Recuerdo la  presentación de esta película que en inglés llevaba el título de The Towering Inferno en el cine, allá por el año 1974. Posiblemente cuando fui a ver Arabesco, una de Hércules o alguna parecida. Fue todo un bombazo. Era todo un paraíso de nombre propio y de actores y actrices de renombre. 

Fue el canto del cisne de algunos de ellos como Fred Astaire o Jennifer Jones, y por otras circunstancias, Steve McQueen. Para otros fue un salto más en su carrera, y eso que algunos estaban en el cénit de sus carreras como el caso de Paul Newman - este nunca bajaría del cénit, por cierto celebramos estos días su centenario- , Faye Dunaway u O.J. Simpson. 

La película estrenada un año antes de Tiburón (1975), fue uno de los primeros éxitos de taquilla con grandes efectos especiales, un reparto coral y un presupuesto ambicioso. Este espectáculo visual y de medios costó $14 millones, que en ese momento era una cifra considerable, y recaudó más de $100 millones en todo el mundo. Lo cierto es que la película de John Guillermin y de Irwin Allen, que participaba como productor, marcó un antes y un después en las películas de catástrofes. 

La historia es la consabida. En la noche de la inauguración el rascacielos más alto y lujoso del mundo situado en San Francisco consigue reunir a altas personalidades de la política y de la sociedad. Sin embargo, lo que parecía ser una velada tranquila y exitosa se convierte en un auténtico desastre al producirse un cortocircuito. La vidas distintas personas se entremezclan en esta trágica situación, llegando algunas a fallecer con independencia de quienes fuesen o no una estrella. 

Para resaltar únicamente decir que a lo largo del fin hay algunas bajas entre estos conocidos y entre ellos están la señora Mueller, Lisonette, que es casi una irreconocible Jernnifer Jones; el que hace de ingeniero eléctrico, Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, Richard Chamberlain ; junto a este muere el senador estadounidense Gary Parker, que estuvo interpretado por Robert Vaughn ; y el personaje que interpreta Robert Wagner , Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas y con él, la chica con la que tiene una aventura, Lorrie Sheila,o sea, Susan Flannery. Igualmente muere Carlos, el camarero, interpretado por Gregory Sierra 

El listado de los que se salvan en amplio. Lo encabeza Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor; Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts; Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller; Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan y yerno de Duncan ; OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad. A estos se le suman Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico; Jack Collins como el alcalde Robert "Bob" Ramsay; Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos; Felton Perry como Scott, otro bombero; Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos; Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos; Elizabeth Rogers como una de las señoras; Ann Leicester como invitado; Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo; Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos; Olan Soule como Johnson; la familia formada por Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright y Carol McEvoy como la señora Allbright - aunque yo creo que ella muere- ; Scott Newman como el joven bombero; Paul Comi como Tim; George Wallace como el Oficial Jefe; Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta; John Crawford como Callahan; Erik Nelson como Wes; Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta y William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. Algunos de estos últimos caen caen a lo largo de la película pero es difícil precisar.  

Son varios los detalles relevantes o curiosos de la película como la rivalidad entre Steve McQueen y Paul Newman, ya que ambos eran dos de las mayores estrellas de Hollywood en ese momento, y ambos querían el papel principal. Para evitar conflictos, los productores hicieron algo inusual: les dieron exactamente la misma cantidad de líneas de diálogo y ajustaron los créditos para que sus nombres aparecieran a la misma altura. También hicieron que McQueen, cuyo personaje aparece más tarde en la película, tuviera un papel igual de heroico que el de Newman. 

Otro detalle es que está basada en dos novelas distintas debido a que la película se inspiró en The Tower de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Warner Bros. y 20th Century Fox habían adquirido los derechos de cada una por separado, pero decidieron unirlas en un solo guion para maximizar el impacto. 

La producción trabajó con bomberos reales para garantizar la autenticidad de las escenas de rescate. Steve McQueen, que interpretaba al jefe de bomberos, incluso pasó tiempo con equipos reales para estudiar sus movimientos y lenguaje. Su famosa frase en la película, "You know, we were lucky tonight. The body count could have been much higher.", fue agregada tras conversaciones con bomberos sobre incendios en edificios altos. 

Y por último, destacar los efectos especiales y los efectos visuales que fueron muy avanzados para la época: se usaron llamas reales, miniaturas detalladas del edificio y técnicas de cámara innovadoras para crear la sensación de peligro. El trabajo de los especialistas fue especialmente arriesgado, con actores y dobles filmando entre fuego real en varias escenas. 

Ha sido hoy la última "intro" que hacía Gerardo Sánchez en Días de Cine...Clásico, cualquiera sabe el por qué de su eliminación. Sus intros eran una marca de calidad para descubrir lo que emitían. No se entiende su omisión a partir de febrero. Sabios tiene la Iglesia, pero no entre los dirigente de RTVE. Para saber más, mucho más, en el enlace.

La masa devoradora

A veces me descubro viendo viejas glorias del cine de ciencia ficción de bajo presupuesto o de serie B. Son películas que, con sus carencias tienen cierto encanto e interesantes aportaciones en la creación de determinadas atmósferas, en los cuidados escenarios, en la elaboración de guiones, en los básicos pero ingeniosos efectos especiales o en el descubrimiento de algunas estrellas. Algunas de estas películas se han convertido en películas de culto. 

No hace mucho he visto algunas de uno de los más significativos directores de este género en los 50 , Jack Arnold. Pero hoy he apostado por ver The Blob , titulada en España La masa devoradora. 

The Blob fue dirigida por el cantante y productor de radio y televisión estadounidense, aunque nacido en Berlín en 1924, Irvin S. Yeaworth Jr. , fallecido en 2004 en un accidente automovilístico en la capital jordana, Amman, quien dirigió más de 400 películas con propósitos motivacionales, educacionales y religiosos. Yeaworth nunca estuvo particularmente orgulloso de este film.

Inicialmente titulada 'The Glob' hasta que alguien de producción descubrió que era el mismo título que tenía un cómic del mítico Walt Kelly —el creador de 'Pogo', queridísimo personaje de una legendaria tira cómica americana—, cambiándose entonces el título al 'The Blob' original. 

El cineasta que sólo contaba con otra producción para la gran pantalla, un oscuro y moralizante filme llamado "Twice Convicted" - llamado más tarde 'The Flaming Teen-Age'- que se filmó en Chester Springs, Pensilvania, a principios de la década de 1950 (varios años más tarde se agregaron nuevas imágenes y se tituló The Flaming Teenage (1956) salido directamente de la amplísima experiencia que el realizador había adquirido como director de más de 400 títulos educativos, religiosos y motivacionales para los chicos de la época. 

Entre 1958 y 1960 dirigió otras tres películas de ciencia ficción , la que nos ha traído aquí, La masa devoradora (1958), así como 4D Man (1959) y Dinosaurios (1960). Después volvió a las películas religiosas (algunas con Billy Graham) y al trabajo en el diseño y producción de pabellones de diversiones y parques temáticos. Estaba completando un complejo de entretenimiento en Jordania en el momento de su muerte. Era un parque temático similar al de Disneyland llamado "Experiencia jordana en el Aquaba Gateway". 

The Blog se trata de una producción del año 1958 en la que intervino Jack H. Harris por medio de las productoras Fairview Productions, Tonylyn Productions y Valley Forge Films que distribuyó la Paramount Pictures y que contó con un presupuesto de $110 000 

La película partía de una historia de Irvin H. Millgate que fue transformada en guión por Kay Linaker y Theodore Simonson. 

En el apartado técnico se implicó en la música Ralph Carmichael y el oscarizado Burt Bacharach mientras que la fotografía fue de Thomas E. Spalding. 

El reparto lo compone un joven Steve - aquí presentado con Steven- McQueen como Steve Andrews junto a Aneta Corsaut como Jane Martin. Junto a ellos están Earl Rowe como el teniente Dave, Stephen Chase como el Dr. T. Hallen , Olin Howland como el anciano, Elbert Smith como el director Henry Mantin, Hugh Graham como el señor Andrews, John Benson como el sargento Jim Bert y Lee Payton como Kate. Igualmente aparecen George Karas como el agente Richie , Lee Payton como la enfermera Kate. 

La historia comienza cuando una pareja de jóvenes Steve (Steve McQueen) y Jane (Aneta Corsaut) están , en una noche de verano, en el interior de un coche y ven como cruza el cielo y cae un meteorito . 

Casi de inmediato Steve le propone ir a ver dónde ha caído. Casi en ese momento un anciano ( Olin Howland ) que vive en una cabaña aislada sale junto a su perro para descubrir lo que ha caído desde el espacio exterior. 

El anciano que había oído el choque del meteorito cerca de su casa, sale para ver y encuentra el meteorito, al que empuja con un palo. La roca se abre dejando ver una pequeña masa de material viscoso dentro. Esta "mancha", que es en realidad una criatura viviente, se aferra a la mano del viejo y comienza a consumir sus tejidos. Éste sale corriendo dolorido hasta la carretera. 

El anciano roto de dolor por el contenido del meteorito se cruza por la carretera con los dos adolescentes, Steve Andrews y Jane Martin, que todavía conducen su descapotable, un Plymouth Cranbrook del 53, y que están a punto de atropellarlo. Pero Steve tras parar,  lo auxilia, le cubre la mano y , luego, los jóvenes lo llevan hasta la casa de un doctor, el Dr. T. Hallen (Stephen Chase) y regresan, por petición del médico al lugar de los hechos para ver si encuentran a alguien que les pueda ayudar. 

Antes de eso , la pareja ha sido vista por un grupo de amigos que les propone primero hacer una prueba de velocidad marcha atrás y después de ser descubierto por un agente de la policía, el teniente Dave (Earl Rowe), cumplen con lo acordado con el Dr Hallen. 

Al regresar al lugar del impacto encuentra los restos del meteorito y luego van a la casa del anciano encontrando al perro de éste que se niegan a dejarlo abandonado. Mientras tanto, la criatura absorbe al anciano por completo y luego a la enfermera que había sido llamada con carácter de urgencia por el mismo doctor con el fin de amputarle la mano dañada. 

Antes de devorarla descubrimos que la masa es inmune al ácido así como a los disparos que salen de la escopeta del doctor cuando este se defiende , sin éxito del ataque de la masa. Los jóvenes llegan justo para ver cómo la masa consume al doctor. 

Tras eso deciden llamar a la policía. Cuando dos miembros de la policía se personan no encuentran rastros del doctor ni de la criatura, y, sin creer la historia de Steve, considerando que ha sido una broma de mal justo, y tras pasar por la comisaria mandan a los jóvenes a sus casas junto a sus padres. 

Sin saber de su existencia por parte de nadie más, la masa cada vez que se alimenta aumenta de tamaño de forma espectacular, poniendo en peligro a otras personas de la ciudad. A pesar de la falta de verosimilitud de la versión de los chicos el teniente tiene sus dudas, no así los dos compañeros de la comisaría. 

Pero ni Steve Andrews (Steve McQueen) ni Jane ni sus compañeros pueden permitir que el extraño se extienda por el pueblo. Así que Steve y Jane se escapan inadvertidamente de sus casas y buscan a los amigos de Steve que están en el cine viendo una película de terror con Bela Lugosi de protagonista y empiezan buscar a la masa por la ciudad y alrededores. 

Mientras, la Mancha ya devoró a un mecánico. Por su Steve y Jane llegan a la tienda del señor Andrews y descubren que la Mancha ha matado a uno de sus responsables. Mientras que se desplazan por los pasillos de la tienda Jane da con la masa que le ataca. 

Ambos huyen y se esconden en un frigorífico y, por alguna razón, la masa entra, pero al sentir la baja temperatura se retira y se va. 

Cuando salen de la tienda se encuentran con los demás chicos y , tras llamar a la policía, y ver que nuevamente son ignorados deciden llamar la atención de todo la ciudad haciendo sonar las alarmas de incendio y de ataque aéreo. 

Entretanto, la masa sigue su expansión y de la tienda ha ido al cine que todavía está con la película. Tras entrar en el Colonial Theatre, devora al operador y proyeccionista y desde ese espacio, ya con un tamaño inmenso ataca al público. 

Mientras esto ocurre,  a la puerta de la tienda tras la alarma general se han ido concentrando muchos de los habitantes de la localidad así como los integrantes del cuerpo de policía. Uno de ellos entra en la rienda y no encuentra nada, creyendo que es una broma. 

Sin embargo, en ese momento la gente escapa del cine y, tras ellos, va la gigantesca masa. Ésta persigue a la gente de la comunidad. 

Entre los que le hacen frente está el hermano pequeño de Jane con una pistola de juguete. El chico es salvado tanto por Steve, Jane y los tres se refugian en un restaurante local. Allí, junto al dueño y una de las camareras, por orden del teniente se esconden en el sótano y quedan atrapados en él. Ahora todos en el pueblo se han vuelto conscientes del peligro y tratan de matar a la criatura quemándola por medio de un cable de alto voltaje eléctrico. 

Sin embargo, eso no funciona generando , en vez de eso, un incendio en el restaurante. Cuando Steve y el dueño intenta apagar ese incendio con extintores, Steve se da cuenta de que la masa no resiste el CO2 que contienen . 

Como Steve está en línea telefónica con el oficial de policía le informa a este del uso de los extintores para frenar a la masa. El jefe ordena al pueblo tomar todos los extintores y rociar el CO2 sobre la bestia. El cuerpo de bomberos aporta únicamente cuatro, pero el padre de Jane , el directo del instituto local comenta que en su centro hay 20 extintores. 

Tras romper el director el cristal de la puerta con una enorme piedra,   los chicos van con los extintores y reducen la masa. 

Finalmente, terminan por congelarla dejándola paralizada. La película termina con la recomendación del teniente Dave al Gobierno de enviar la masa al Ártico encerrada en una caja por parte de las autoridades una vez que ha sido informado sobre lo ocurrido y que es consciente de la peligrosidad y de que allí estará congelada para siempre vemos como la lleva en un helicóptero. 

Junto con el "The end" vemos que este se transforma en un signo de interrogación, sugiriendo que quiébn sabe o que pudiera haber una nueva historia sobre ello como ocurrió en 1972, titulada Beware! The Blob, dirigida por Larry Hagman, y un nuevo montaje en 1991  con otro título, Blobermouth.

The Blob fue filmado entre julio y agosto de 1957 en color y en pantalla ancha principalmente en la localidad de Valley Forge, Pennsylvania. Las escenas primarias se filmaron en Valley Forge Studios, y las escenas principales en los Yellow Springs Studios de Chester Springs. También se rodó en Downingtown, Phoenixville y Royersford en puntos de este estado del este. 

Steve McQueen recibió solo $3,000 por esta película. Rechazó una oferta por una tarifa inicial más pequeña a cambio de una participación del 10% de las ganancias, pensando que la película nunca ganaría dinero, necesitaba su tarifa de firma inmediatamente para pagar la comida y el alquiler. Antes de ser la estrella de esta película, que se hizo famosa en los autocinemas, Steve McQueen se hizo famoso con la serie de TV Wanted: Dead or Alive. Esta película fue el debut de Steve McQueen, y aunque hace de teenager, lo cierto es que durante el rodaje tenía 27 años. Sin embargo, la película se convirtió en éxito desde el estreno el 12 de septiembre de 1958 recaudando $4 millones en taquilla. 

Según el productor Jack H. Harris, Aneta Corsaut fue entrevistada y contratada solo dos días antes de que comenzara el rodaje. Fue su debut en el cine. 

El tema de este film se llama "Beware of the Blob" (¡Cuidado con la Mancha!), grabado por el grupo The Five Blobs, escrito y pre-estelarizado por Burt Bacharach y Mack David y distribuido a escala nacional en Estados Unidos. 

La fotografía estuvo a cargo de Thomas E. Spalding. Escenas del tráiler de The Blob aparecen en el musical Grease de 1978, película que busca la estética y el ambiente de este filme. 

El responsable de efectos especiales fue Bart Sloane , acreditado no sólo  por sus efectos especiales. sino también  como director de arte y animador. Creó la secuencia animada y el título principal sobre el que se unieron el reparto y los créditos. Sus otras secuencias animadas incluyeron el disparo del cable eléctrico que se disparó desde el poste y la línea eléctrica en vivo que golpeó la burbuja. También creó las pinturas mate. 

Hoy, este film es uno de los filmes referentes de sci-fi/terror de los años 50 estadounidenses. De hecho hay un Festival llamado Blobfest. La masa decoradora real de la película era una mezcla de tinte rojo y silicona y nunca se secó y todavía se conserva en el cubo original de cinco galones en el que fue enviado a la compañía de producción en 1958 desde Union Carbide. Se exhibió a lo largo de los años como parte del Blobfest anual, que se lleva a cabo durante un período de tres días cada verano en Phoenixville, Pennsylvania, que proporcionó una serie de lugares de rodaje para la película. Además de mostrar el Blob y las miniaturas utilizadas en el rodaje, el evento presenta una recreación de la famosa escena en la que los espectadores en pánico se apresuran a salir del Teatro Colonial de la ciudad, que aún funciona, así como varias proyecciones de la película. 

Según el productor Jack H. Harris, agregaron tinte al Blob para hacerlo cada vez más rojo después de haber consumido sucesivas víctimas. 

En cuanto a la crítica Howard Thompson del New York Times escribe que " la mayoría de los efectos , bajo la dirección de Irvin S. Yeaworth Jr., parecen bastante falsos". En Variety en una revisión actual, como la anterior, " Ni la actuación ni la dirección son particularmente acreditables".

De las críticas en español incluyo esta de Sergio Benítez presentada en Espinof y que señala que "Clásico camp y uno de los mejores ejemplos de lo que la ciencia-ficción desvergonzada y sin ningún tipo de aspiraciones metafísicas podía llegar a ofrecer durante los años 50, el guión de 'La masa devoradora' sigue los patrones de toda historia de invasiones extraterrestres, " y añade que hay en la película un "uso y abuso del plano medio y de esos agotadores primeros planos cerrados sobre fondo negro " y concluye diciendo "la producción, así como la inventiva a la hora de hacer mover al bloque de silicona que es "la masa", y esa secuencia final en el "diner" —visualizada con técnicas de animación tradicional— son pequeños factores que hacen de 'La masa devoradora' un filme de esos que, aunque quieras evitarlo, se resiste a desaparecer de la memoria cinéfila. " 

Por mi parte decir que es una película entretenida, interesante para aquellos amantes del cine de Ciencia Ficción de serie B, un estudio casi de las raíces interpretativas en algunos actores como McQueen que acabaría siendo una estrella absoluta y que no separa nunca sus manos del volante de un coche, una película naïf en la historia, en los colores, en la narración , en la interpretación. Pero es más la película rinde homenaje al cine de terror de serie B y a su vez servirá de  referencia a otras películas como la ya citada Grease, y ,  por supuesto,  a otros títulos clásicos del cine de terror como Scream- secuelas y parodias-  incluso yo he querido ver un guiño al tumulto a la salida del cine que pudiera estar en la 1941 de Spielberg y en alguna más. La película es todo un descubrimiento y una saludable perdida de tiempo. Como debe ser.

Thomas Crown, pura geometría

Todo cuadra, o mejor dicho todo se encuadra. Esa es la virtud y el defecto de Thomas Crown, una película que hoy viene a ser un clásico del dinero de robos dado el virtuosismo visual que despliega, pero que , supongo, no deja de ser hoy tan frío como ayer. La película tiene sus virtudes, visuales y sonoros, muchas, pero es el guión tan encopetado lo que le pierde.

Había visto la nueva versión, la del año 1999 con Pierce Brossnan como protagonista, junto a René Russo como el investigador de seguros y Denis Leary como el detective y con John McTiernan en la dirección, pero me transmitió más o menos la misma impresión de buen espectáculo, pero con la misma poca chispa.

En este caso la película la dirige la produce el canadiense Norman Jewison realizador de grandes películas entre los 60 y 70 como la irónica ¡Que vienen los rusos!, El violinista en el tejado, Jesucristo Superstar o En el calor de la noche. Durante los 80 hasta hoy Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos como Agnes de Dios con Jane Fonda y Anne Bancroft, Hechizo de luna (Moonstruck, 1987), que supuso el Oscar para Cher, o Huracán Carter (The Hurricane, 1999) con telefilms. En 1998, fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda una carrera y en 2004, Norman Jewison publicó su autobiografía, titulada This Terrible Business Has Been Good to Me (que significa en español, «Esta terrible profesión ha sido buena conmigo»). Hoy cuenta con 91 años.

Para aquel momento contó con el apoyo de la productora de Waler Mirisch , la Mirisch Company o Corporation, junto a Simkoe y Solar Productions y la distribución de la United Artists. la inversión llegó a los $4,3 millones. ​ 

La película partió de un guión de Alan R. Trustman. Para la misma contó con la fotografía de Haskell Wexler, el montaje de Hal Ashby, Ralph E. Winters y Byron Brandt así como la banda sonora compuesta por Michel Legrand. Uno de los temas de la película, "The Windmills of Your Mind" cantada por el actor Noel Harrison , hijo de Rex Harrison , que escuchamos en un par de ocasiones en la película tuvo su premio. 

El reparto lo integra Steve McQueen como Thomas Crown, Faye Dunaway como Vicki Anderson y Paul Burke como el detective Eddie Malone. A ellos se suman Jack Weston como Erwin Weaver, Gordon Pinsent como Jamie McDonald, Biff McGuire como Sandy, Yaphet Kotto como Carl, Addison Powell como Abe y Astrid Heeren como Gwen. 

La historia comienza respondiendo a un los cánones de la geometría en ella vemos como recorre en un encuadre perfecto un pasillo que se abre desde un fondo negro en el que poco a poco va apareciendo un hombre Erwin Weaver (Jack Weston) que entra en una habitación en la que queda deslumbrado por un foco. Cegado por el mismo no ve a su interlocutor un hombre que lo contrata para realizar un trabajo. Lo único que se le exige es que cumpla lo pactado y se le pagará un dinero. 

Poco después conocemos a un hombre de negocios que está cerrando la venta de una de sus empresas una inmobiliaria a un grupo inversor. Se trata de Thomas Crown (Steve McQueen), un millonario hombre de negocios y deportista, de Boston, un hombre que se ha hecho a sí mismo, que vive en una casa de tres pisos , solo pues se ha divorciado de su mujer y esta se ha quedado con sus hijos, pero que se aburre de la vida que lleva. 

Para huir de la rutina, prepara un golpe perfecto: robar un banco y meter el dinero en un banco suizo. Para ello reúne a un grupo de delincuentes, integrado entre otros por el citado Erwin Weaver que hará del conductor del vehículo que se ha comprado , un Ford, cumpliendo las órdenes de Crown. 

A esto se suman un impaciente Carl (Yaphet Kotto) así como otros tres delincuentes que roban de manera coordinada el banco, aunque entre ellos no se conocen y han sido coordinados telefónicamente por Crown. 

Tras cometer el crimen perfecto haciendo que cinco hombres roben 2.660.527,62 dólares de un banco de Boston y tiren el dinero en un cubo de basura en un cementerio siendo depositado allí junto a la matrícula falsa un nervioso Erwin y recogido con cautela por Thomas Crown. 

Tras dejar unos días , para que investiguen los miembros del FBI e interroguen a los muchos testigos, sin fruto alguno el millonario deposita esos casi tres millones de dólares anónimamente en un banco de Ginebra sin dejar pistas entre otros cosas porque nadie lo puede relacionar ya que nunca se ha visto cara a cara con ninguno de los cinco, ni antes ni después del crimen, y ellos no se conocen entre sí. Thomas Crown hará varios viajes, nunca depositando el dinero de una sola vez para no atraer una atención indebida a sus acciones. 

El consorcio del seguro está tan crispado que dada la ineficacia de la policía da la orden de que de esclarecer el caso se ocupará una investigadora de una compañía de seguros de nombre Vicki Anderson (Faye Dunaway), una investigadora independiente de una aseguradora. 

Ella nada más llegar a Boston recibe la tarea de investigar el atraco y recibirá un porcentaje del dinero robado si lo recupera ( 10 %). 

Una vez contactado con el jefe de policía el detective Eddie Malone (Paul Burke). Al principio no hay pista alguna pero ella deduce que el crimen perfecto ha sido organizado por alguien muy inteligente que ya tiene dinero y que conocía la entidad y el edificio. Llegan a la conclusión de que el hombre que reúne todos los requisitos para el mismo es Thomas Crown que atrae su atención como posible sospechoso, ella le reconoce por intuición como el cerebro de la operación. 

Lo cierto es que Thomas no necesita el dinero, pero sí algo de diversión. Juega al polo y al golf, pilota un planeador y conduce un buggy, triunfa en los negocios, pero se aburre desesperadamente. 

Desde el primer momento en que entran en contacto, un partido de polo, y seguidamente una subasta benéfica, Vicki le deja claro que sabe que el ladrón es él y pretende demostrarlo. Así comienzan un juego en el que hay una evidente atracción entre ambos, y su relación pasa pronto a ser amorosa, lo que complica el juramento de Vicki de encontrar el dinero y ayudar al investigador de policía, el detective Eddie Malone (Paul Burke) a llevar a los culpables ante la justicia. 

Una oferta de recompensa ideada por Vicki anima a la mujer del conductor del grupo de ladrones, Erwin Weaver (Jack Weston) a delatarle. Para ello secuestra a su hijo y , luego, dadas las evidencias - tiene un dinero escondido en una caja de seguridad y se ha comprado un coche que no puede pagar- Vicki descubre que este hombre nunca vio le contrató. Intenta poner a Erwin en la misma habitación que Thomas, pero no hay signos de reconocerse por parte de ninguno de los dos. 

Sin embargo, Vicki está convencida de la responsabilidad de Thomas. Este juega con ella. La lleva a cenar o la playa y la pasea con su buggy, tontea con otra mujer para desesperación de ella e incluso invade la casa con una justificación absurda, un cambio de alfombras, pero la intensidad de su relación va a más y a la cama. 

Una noche un aburrido Thomas, sabedor que tiene a la policía delante de su casa día y noche, se escapa de su apartamento y se acerca sigilosamente al detective que lo observa desde la acera, Thomas lo golpea, lo arrastra hacia un automóvil, lo derrama sobre él, lo desarma y lo deja rodar en un árbol, pero después golpea el árbol, el choque rompe el radiador. Para él todo es un juego. 

Sin embargo, mientras que Vicki claramente se está acercando a Thomas, utilizando el Servicio de Rentas Internas (IRS) como palanca contra sus activos líquidos, la obliga a darse cuenta de que también se está viendo acorralada por sus emociones. Cuando ella aparentemente lo convence de que negocie un acuerdo final con la policía, pero el detective Malone se niega. 

Ante esto Thomas organiza otro robo exactamente idéntico al primero y le dice a Vicki dónde dejará el dinero, porque necesita estar seguro de que ella está de su parte. 

El robo tiene éxito, pero se producen disparos y se sobreentiende ante el espectador que puede haber habido muertos, no quedando clara la decisión de Vicki y elevando el riesgo de su decisión. 

Vicki va con los policías al cementerio donde ven a uno de los ladrones dejar el botín y esperan a que Thomas haga acto de presencia para arrestarle, pero cuando llega su Rolls Royce, en lugar de Thomas como conductor hay un mensajero con un telegrama para ella pidiéndole que le traiga el dinero y se reúna con él, o que si no se quede el Rolls Royce como regalo. Ella rompe el telegrama en pedazos y los lanza al viento, mirando al cielo con lágrimas en los ojos, mientras Crown se marcha volando en un jet. 

La película parte de un guión escrito por el escritor Alan Trustman, que tuvo la idea de esta película cuando estaba trabajando en un banco y pasó sus momentos más ociosos imaginando cómo robarlo. Alan Trustman escribió el tratamiento después de dejar el banco y convertirse en abogado. Según los informes, el documentalista Frederick Wiseman escribió una versión, o contribuyó al guión de esta película, aunque no tiene ningún crédito en la pantalla. 

Norman Jewison y Walter Mirisch originalmente querían que Richard Burton interpretara a Thomas Crown. También se dice que Jean-Paul Belmondo y Rock Hudson fueron considerados estrellas de Thomas Crown. Sin embargo, el duo quedó reducido a Sean Connery y Steve McQueen. 

Norman Jewison quería que Henry Mancini marcara la banda sonora de la película, pero no estaba disponible y recomendó a Michael LeGrand . Esta fue la primera película estadounidense del compositor Michael LeGrand . Durante el proceso de edición, "Strawberry Fields Forever" de The Beatles se usó como una canción original temporal para la escena del planeador. Cuando le pidieron a Michael LeGrand que redactara una canción para ocupar su lugar, siguió el consejo de Quincy Jones de trabajar con los Bergman para componer "The Windmills of Your Mind" y una segunda canción, "His Eyes, Her Eyes". 

Según Norman Jewison , el robo bancario inicial se filmó en la sucursal del centro del National Shawmut Bank, y aunque los guardias y los funcionarios del banco sabían lo que estaba sucediendo, los clientes no lo sabían porque los cineastas usaban una cámara oculta. 

Aunque aparentemente pensaban que se estaba cometiendo un robo real, ninguno de los clientes o peatones interfirió de ninguna manera. Los productores solicitaron cooperación al FBI para filmar la película y buscaron filmar la sede del FBI en Boston, pero la agencia se negó, alegando que el guión les hacía parecer unos incompetentes. La diseñadora de vestuario Theadora Van Runkle, que había trabajado para la película de Bonnie & Clyde el año anterior también diseñó los trajes de Faye Dunaway para esta película. Faye Dunaway usa 29 cambios de vestuario en la película. 

Norman Jewison contrató a Pablo Ferro para hacer el trabajo de pantalla múltiple después de que Ferro diseñó los créditos para su película ¡Que vienen los rusos! (1966). 

El uso de separación de pantallas para mostrar varias acciones simultáneas se inspiró en las películas rompedoras de la Expo 67 In the Labyrinth y A Place to Stand, que después fueron pioneras en el uso de la técnica de imagen multi-dinámica de Christopher Chapman, imágenes desplazándose en paneles móviles. Steve McQueen estaba disponible para asistir a un preestreno de A Place to Stand en Hollywood, y le dijo personalmente a Chapman que estaba muy impresionado; al año siguiente, Norman Jewison había incorporado la técnica en la película, insertando las escenas en el producto una vez ya terminado. Es muy visible esta pantalla múltiple en la secuencia de apertura. Si bien algunos afirman que este es un ejemplo de estilo sobre el contenido, la verdadera razón por la que se adoptó la pantalla dividida fue porque el editor Hal Ashby recibió la tarea de reducir el tiempo de ejecución de la apertura. 

Todo en la misma está geométricamente planificado . Por ejemplo, en la escena de ajedrez , con McQueen y Dunaway jugando un juego de ajedrez, coqueteando silenciosamente el uno con el otro. El juego representado se basa en un juego jugado en Viena en 1898 entre Gustav Zeissl y Walter von Walthoffen. 

La fotografía tuvo que trabajar duro en la pantalla partida en las escenas deportivas de McQueen , que hizo sus propias escenas jugando polo y conduciendo un buggy a toda velocidad en la playa de Massachusetts,​ de forma similar a cuando protagonizó la película Bullitt unos meses más tarde, y donde condujo un Ford Mustang por San Francisco a más de 160 km/h. En una entrevista, McQueen diría que esta era su película favorita. 

El coche que conduce Dunaway, referido como "una de esas cosas rojas italianas", es el primero de los únicos diez Ferrari 275 GTB/4 NART Spyders que se fabricaron. A día de hoy, este modelo es uno de los Ferraris más valiosos de todos los tiempos. A McQueen le encantó el coche, y logró finalmente hacerse con uno para él. El buggy de las dunas era un Meyers Manx , construido en California con un motor Chevrolet Corvair . McQueen tenía uno, y el Manx, el buggy de dunas original, a menudo se copiaba. Rolls Royce de Crown llevó la etiqueta de vanidad de Massachusetts "TC 100" para la película. 

El rodaje se hizo principalmente en exteriores en Boston y zonas alrededor de Massachusetts y New Hampshire. Entre las mismas destaca la casa de Harrison Gray Otis en el 85 Mt. Vernon St. en Beacon Hill , diseñado por el arquitecto de la casa del estado de Massachusetts Charles Bulfinch en 1800 para el congresista Harrison Gray Otis , fue la residencia de Thomas Crown. La casa utilizada para la residencia de Thomas Crown en 85 Mt. Vernon St., Beacon Hill, Boston, es el mismo que se usa para el hogar de Thomas Banacek en la serie 'Banacek'. 

El robo ocurrió en lo que entonces era el Beverly National Bank (ficticiamente rebautizado Boston Mercantile Bank para la película), en el North Beverly Plaza, Beverly Ma. y 55 Congress St. , Boston. La ubicación actual se observa como 44 Water Street, las oficinas de la firma de inversión privada Brown Brothers. Los interiores fueron renovados y parcialmente restaurados en 1999 por la firma GHK, Malcolm Higbee-Glace, gerente de proyectos. 

La escena del robo fue filmada en el centro de Beverly frente al Ayuntamiento. El cementerio era el Cambridge Cemetery, Coolidge Ave., Cambridge . Las secuencias de polo fueron filmadas en el Myopia Hunt Club , 435 Bay Road, South Hamilton y las de golf fueron filmadas en el Belmont Country Club, 181 Winter St., Belmont . 

La subasta se llevó a cabo en el St. James Ballroom en el Eben Jordan Mansion, 46 Beacon St., Beacon Hill . Y Thomas Crown manejó su buggy de dunas en Crane Beach en Ipswich, Massachusetts . 

El planeador Schweizer SGS 1-23H fue volado en Salem, New Hampshire aunque en este caso el piloto era Roy McMaster y no no Steve McQueen. También se rodó en las calles de Blackstone y North en el North End de Boston, así como en Copp's Hill Cemetery, en el North End de Boston o en Acorn Street en Beacon Hill , la calle adoquinado conocida como "la calle más fotografiada de América". 

Otros lugares incluidos las casetas de peaje de Allston-Brighton (demolidas en 2016) en Massachusetts Turnpike ; el restaurante Anthony's Pier 4 en 140 Northern Ave. en el distrito Seaport de South Boston ; el Boston Common ; la antigua sede central de la policía de Boston en Berkeley Street (desde que se renovó como el Loews Boston Hotel); Cambridge Street y Linden Avenue, Allston ; la Copp's Hill Terrace en el North End de Boston; el North End Greenmarket; South Station , 700 Atlantic Ave., Tobin Bridge, una parte del Prudential Tunnel de Massachusetts Turnpike bajo Huntington Avenue (entonces-futuro Massachusetts Route 9 ), el Dewey Square Tunnel ( Interestatal 93 ) , el comedor de la azotea del restaurante Marliave , Bosworth Street , en Boston , la ribera del río Charles, entre Weeks Footbridge y Anderson Bridge. McQueen parece ser que fue la segunda opción del director canadiense. 

Sean Connery había sido la elección original para el papel principal, pero lo rechazó agotado por la filmación Sólo se vive dos veces (1967), una decisión que luego lamentó. En la nueva versión de 1999, el papel protagonista fue interpretado por otro actor que había interpretado a James Bond , Pierce Brosnan . De todas las películas que Steve McQueen hizo en su carrera, se informó que este fue su favorito. Steve McQueen llevó a cabo sus propias acrobacias, que incluyen jugar al polo y conducir un buggy a gran velocidad a lo largo de la costa de Massachusetts. El buggy de dunas en la película fue diseñado y personalizado por Steve McQueen y Pete Condos, "un constructor de vehículos todoterreno".El planeador (N9860E) que Steve McQueen vuela temprano en la película es un Schweizer SGS 1-23H-15. Fue utilizado en Nueva York durante muchos años, pero finalmente se estrelló y fue destruido en Georgia (EE. UU.) En junio de 2013. 

En cuanto al papel femenino se habló de Jane Fonda y Anouk Aimée, Sharon Tate , Raquel Welch , Candice Bergen , Suzanne Pleshette y Eva Marie Saint que, según la leyenda, rechazaron; aunque el director Norman Jewison declara que Faye Dunaway fue su primera y única elección para la protagonista femenina, desacreditando así los informes de otras actrices que rechazaron el papel. Faye Dunaway citó esto como una de sus experiencias favoritas de hacer películas. 

La película tuvo un éxito moderado de taquilla, con unos ingresos de 14 millones de dólares sobre un presupuesto de 4,3 millones. Las críticas fueron mixtas. Se alabó la química entre McQueen y Dunaway y la estilizada dirección de Jewison, pero se consideró el argumento y el guion bastante frágiles. Rogert Ebertla calificó como "posiblemente la película con menos argumento y guion y con más exceso de fotografía del año. Lo que no significa que no esté bien. Lo está". A pesar de esta reacción tibia, se ha convertido con el tiempo en una película de culto, y ha inspirado un remake protagonizado por Pierce Brosnan y Rene Russo. 

La película ganó el óscar a la mejor canción original por The Windmills of Your Mind, con música de Michel Legrand y letra de Marilyn Bergman y Alan Bergman. También fue nominada a la mejor banda sonora original, obra también de Michel Legrand, también fue nominado para Original Music Score . En los Globos de Oro obtuvo igualmente la de mejor canción y fue nominada a la mejor banda sonora original como ocurrirá en los Premios BAFTA.

Desde luego si la geometría es aquella parte de las matemáticas que estudia la extensión, la forma de medirla, las relaciones, las propiedades de las figuras en el plano o el espacio, entre puntos, líneas, ángulos, planos y figuras, y la manera cómo se miden y como las mismas se ejecutan desde el punto de vista visual en una película esta es tu película.

El Yang-tse en llamas

Sorprende en una película de 1966 que alguien diga que basta ya de banderas en el mundo y más a un en un país tan complejo como es la China entre 1925 al 1927.

Para aquellos años,  China sufre una serie de transformaciones económicas, sociales, políticas y culturales, principalmente en las zonas costeras del sur.

Tengo en mi mente una ilstración cómica francesa de finales del siglo XIX que presentaba a un grupo de grandes dignatarios de naciones europeos y alguna asiática, en concreto Japón, disputándose el dominio del país.

Este fue a más en el momento en que China pasó a ser una República una vez pasado el umbral de la primera década del siglo XX y sobre todo bajo el trascurso de la primera guerra mundial. 

En 1926 China prepara una expedición militar sobre la zona del norte con el fin de unificar su nación  para poner fin a las terribles luchas intestinas a los que hora se suman los  comunistas. 

Una nueva guerra civil comenzó. Muchas potencias extranjeras intentaron proteger a sus ciudadanos, entre ellos los USA recurriendo a la Diplomacia de las Cañoneras. Pero el problema se hacía cada vez más grave. Los japoneses estaban en plena expansión. 

El acontecimiento histórico en el que parece estar basado la novela es el llamado incidente de Panay, aunque este sucedió entre japoneses y norteamericanos.

Sorprende que una película norteamericana de esa década crítica abiertamente el imperialismo norteamericano sobre todo que sea asumido por Robert Wise, uno de los más polifacéticos directores de Hollywood, el mismo de  “La amenaza de Andrómeda”, “Helena de Troya” o “Ultimátum a la Tierra”.

Sorprende ver al director Robert Wise, responsable, por ejemplo , de un musical como West Side Story implicarse en una enorme película tanto su desarrollo, como por su contenido critico , como por combinar un par de historias de amor con una acción que , si bien nunca es trepidante, sin que al final se activa, eso sí, con fuertes dosis de lirismo. 

Reconozco que hace tiempo que quería ver esta película, pero que , en múltiples ocasiones me lo he perdido. En este caso y gracias a Trece TV, un canal menor, pero que ha tenido a bien recuperar el cine de los años 60 y 70 en su programación, cine que únicamente encuentro en TCM o en cuentagotas en la 2 y en la Paramount , y que es de agradecer. Con sus peros, no hay manera de incluir la película en su versión original y la calidad de imagen está muy alejada del HD, pero... es lo que hay, si no es imposible dar una segunda mirada a muchas películas que ya no lugar donde encontrarlas.

The Sand Pebbles o El Yangtsé en llamas es , como ya he dejado entrever una película estadounidense del año 1966, producida y dirigida por Robert Wise.

La película está basada en la novela del mismo nombre escrita por uno de los actores de la película, Richard McKenna publicada en 1962, es decir antes de la participación norteamericana en la Guerra de Vietnam, pero lo cierto es que "El Yangtsé en llamas" parece responder a este contexto, eso sí, sustituyendo a los vietnamitas por los chinos protagonistas del filme. 

El director y productor Robert Wise se fijó en el libro de McKenna  que fue modificado por Robert Anderson. Robert Wise presentó su proyecto a la Productions Solar y a la Twentieth Century Fox Film Corporation , en este caso para la distribución  y contó para la misma con un presupuesto $12 millones.

Wise contó para su película con la música de Jerry Goldsmith , la fotografía de Joseph MacDonald y el montaje de William Reynolds.  

En cuanto el reparto el mismo está integrado por Steve McQueen asumiendo el papel de Jake Holman , y es secundado en los principales papeles por Richard Attenborough como su amigo Frenchy Burgoyne , Richard Crenna como el  Teniente Collins , la bella Candice Bergen como Shirley Eckert y Marayat "Emmanuelle" Andriane como Maily . Estos se hacen acompañar por Mako como Po-han , Charles Robinson como Ensign Bordelles , Larry Gates como  Jameson,  Simon Oakland como  Stawski , Ford Rainey como Harris,  Joe Turkel como Bronson y Gavin MacLeod como Crosley, así como James Hong.

La película comienza en Shangai, China en el año 1926. Allí  la situación política es caótica. El país vive una lucha abierta entre  las facciones nacionalistas, comunistas así como los señores de la guerra tradiicionales que luchan por el poder. 

 

A la ciudad portuaria llega un mecánico naval de la Armada de los Estados Unidos, el soldado joven y rebelde de Texas de nombre Jake Holman (Steve McQueen), que prefiere la compañía de las máquinas a la de los hombres, y que no ha podido ascender en el escalafón militar. 

 

Pasa de un buque a otro,  sirviendo en sus salas de máquinas ; En esta ocasión ha sido asignado al cañonero estadounidense USS San Pablo —un barco de guerra, más bien un cañonero fluvial, arrebatado a España tras la Guerra del 98, y que está armado con un cañón de 76 mm y un par de ametralladoras Lewis de 7,62 mm, cuya tripulación es conocida por el apodo de sand pebbles ( “The sand pebbles” término que aparece en las cartas de navegación para identificar guijarros de arena en el fondo de las aguas), y cuya presencia en China representa la política colonialista occidental, llamada Diplomacia de cañonero. 

 

Jake Holman (Steve McQueen) acaba de ser asignado en el San Pablo como jefe de maquinas en un buque está en el interior de China y que surca los grandes afluentes del Yang-Tsé con el fin de defender los intereses estadounidenses en tierras chinas, pero sólo ha de defender los intereses comerciales sino a los ciudadanos norteamericanos que viven en la zona, en la que se encuentran  algunas misiones religiosas y maestras.

 

A bordo del cañonero, Holman se enfrenta con una tripulación estadounidense ociosa, mientras que el trabajo duro y sucio es realizado por una legión de sirvientes chinos llamados culíes, que en cantonés es el nombre dado a los esclavos. En la sala de máquinas, los engrasadores, fogoneros y asistentes son culíes chinos. 

 

Esta injusta situación es permitida por el capitán Collins (Richard Crenna), para evitar peleas entre los  chinos y los americanos.

 

Pero Holman no está dispuesto a dejar que alguien más maneje su maquinaria, por lo que se convierte en un ser discordante en el interior del USS San Pablo. Intenta advertir que la máquina está a punto de sufrir irreparables daños si no se repara a tiempo, con lo que se gana la oposición del jefe de los culíes, que teme ocultamente por la temporal suspensión de sus   sueldos durante la reparaciones. 

 

Finalmente, un accidente durante la reparación de la máquina causa la muerte de uno dee los culíes de la sala de máquinas . 

 

Holmann , poco a poco, se gana la antipatía del capitán y el desprecio de la tripulación culí y estadounidense, a excepción de un compañero Frenchy (Richard Attenborough) con el que entabla amistad y que a su vez se enamora de una muchacha china a la que salva de ser  prostituta, Mayli (Marayat Andriane).

 

A regañadientes Holman tiene que entrenar a un responsable entre los chinos  y elije al simpático y servicial ayudante de maquinista, Po–Han (Mako) quien poco a poco se gana la estima de Holman. 

 

En estas circunstancias adversas Holman conoce a una chica que acaba de incorporarse a una misión norteamericana para dar clases de inglés. Se trata de Shirley Eckert (Candice Bergen), a la que conoce durante la travesía y quien termina por enamorarse del  maquinista, atraido por su dulzura. 

 

Sin embargo, ella está sujeta a un misionero bastante radical y muy cercana a los chinos de su misión, Jameson (Larry Gates), que desprecia la política nort5eamericana y que ni tan siquiera reconoce su propia nacionalidad. 

 

El capitán del USS San Pablo está preocupado por la creciente inestabilidad política, y tiene que mantener el nombre de los Estados Unidos fuera del contexto que se vive en las orillas. Solo abrirá fuego y comprometerá al USS San Pablo si la vida de algún estadounidense está en peligro. 

 

Poco a poco, los chinos ha ido adquiriendo un odio visceral hacia los extranjeros y , en especial, hacia los chinos cristianos, los cuales son asesinados por miles en las orillas del Yangtsé. Esa es la razón por la que Jameson ha renunciado a ser identificado como norteamericano y de hecho es bien visto por una milicia de jovenes chinos y cristianos que protegen el templo.

 

Por su parte, los chinos comunistas desean el fin de la dominación colonial extranjera, algo en lo que coinciden con los nacionalistas que desde hace 14 años China , momento en que declararon su república independiente.

 

En la ciudades ribereñas y de interior reinan los jerarcas locales, algunos de los cuales se enriquecen comerciando con los extranjeros.Esto no es visto bien ni por comunistas ni por nacionalistas.

 

La tripulación del USS San Pablo ve con malos ojos a Mako y uno de los marinos de las máquinas, que lo odia abiertamente por su cercanía a su odiado Holman se enfrenta a él en una pelea. Mako , le da unas lecciones de boxeo a Mako para derrotarlo, y apuesta por su victoria. Algo que , finalmente, se produce.

Por su parte, el acercamiento entre Mayli y Freinchy va a más. De hecho, con el dinero apostado por Freinchy logra salvar la honestidad de la chica, que por cierto, tiene una deuda con un jefe mafioso local y que únicamente busca la salida del local en el que vive y huir a Shanghai, para iniciar allí una nueva vida. 

Sin embargo, la situación de rebelión abierta va a más y poco a poco los norteamericanos van detectando muestras de odio por parte de la población china. 

Los miembros del San Pablo se ven obligados a reprimir las protestas de los chinos en su contra, primero con chorros de agua a presión y, más tarde, por medio de las armas. 

 

El capitán, quien está enfrentado a Holman, y que  adolece de  liderazgo incapaz de sortear el apogo a las ordenanzas militares choca con el rebelde Holman, que ante cualquier situación que no le parezca justa, interviene y contradice las reglas militares. 

 

En una bajada a tierra, el jefe de los culíes envía malintencionadamente a Po-Han a tierra, el cual comienza a ser perseguido por chinos que lo quieren linchar, finalmente lo capturan y frente al USS San Pablo lo someten a torturas. 

 

El capitán intenta negociar con los captores, mientras que éstos van infligiendo heridas con cada propuesta a Mako (Po-Han), que sufre intensamente. Holman al ver que el capitán no está a la altura de las circunstancias, toma un fusil y mata a Po-Han para ahorrarle sufrimiento, en contra de las órdenes del capitán. 

 

Ya son dos las muertes causadas por Holman y el capitán para deshacerse de él, le ofrece el traslado o la baja deshonrosa, Holman acepta ser trasladado; y se encargará de las máquinas hasta el relevo. 

 

Por su parte, Frenchy, ha visto como la viabilidad para mantener su relación con  Mayli pasa por comprar su libertad que se calcula en 200 dólares. Finalmente, cuando Mayli tiene el dinero para ello se ve inmerso en una compleja situación cuando otros occidentales intervienen y kla quieren subastar. Esto da lugar a una pelea colectiva que acaba con la salida de Frenchy con su chica y Holman.

 

Finalmente, Frenchy enamorado de Mayli, se casa con ella con una ceremonia china y se juran amor eterno.  A la misma asiste la profesora Shirley Eckert, quien le declara su amor a un incrédulo Holman, aunque Holman le dice crudamente que tal situación romántica no tiene futuro, así como no tiene futuro la de Frenchy. 

 

Poco después la señorita Eckert marcha a la misión junto con Jameson , quedando Holman . Por su parte, Frenchy ha buscado un alojamiento para Mayli  en el que ambos se encuentran cuando tienen permiso del barco. Sin embargo, la situación va a peor pues el capitán decreta, ante un bloqueo por parte de los nacionalistas, la reclusión de la tripulación en el interior del cañonero.

 

Allí han de pasar el crudo invierno, rodeado de barcos que impiden su movilidad y con la estricta orden de no disparar a los barcos , ni a los ciudadanos chinos que lo bloquean. 

 

En esas circunstancias, Frenchy quiere ver a Mayli y una noche en la que nieva escapa del barco para encontrarse con su chica. Frenchy llega aterrido de frio a la habitación de su chica, pero , finalmente, Frenchy muere al contraer pulmonía en ese última visita a Mayli. 

 

Al no saber de él, Holman cuando es enviado en misión consular, aprovecha para visitar a Frenchy, ignorando que ha muerto. Al llegar se entera de su muerte que ha ocurrido la noche anterior, pero unos matones secuestran a Mayli, y Holman tiene que defenderse a tiros de sus agresores. 

 

Los chinos que habían raptado a Mayli, la asesinan, y aprovechan el incidente para crear una situación de tensión política. Rodean al USS San Pablo y piden la entrega del supuesto asesino de Mayli, Holman. 

 

El cañonero no puede emprender la navegación por el riesgo de encallar en el río Yangtsé, debiendo esperar hasta la próxima primavera. Esto pone muy nerviosos a los tripulantes del USS San Pablo y casi hay un intento de motín, en el que el capitán es desobedecido, a la vista de los chinos que claman por la entrega de Holman. De hecho, algunos marineros presionan al capitán para la entrega de Holman, pero el capitán se niega.

 

El USS San Pablo tiene que recurrir a  protegerse para mantener a raya a los chinos. Así, inmóviles en el río, pasa el invierno, y ya en primavera, el USS San Pablo recibe la misión de rescatar a estadounidenses y otros extranjeros. El capitán Collins cambia de actitud y se propone rescatar al misionero Jameson y su profesora asistente Shirley Eckert, que están en una misión en una zona de interior. 

 

Por fin puede llevar a cabo los planes que pretendía para conseguir el honor para él y su nave. El río por donde tienen que navegar está bloqueado por una serie de juncos chinos unidos entre sí. 

 

El USS San Pablo se lanza al abordaje de una de las embarcaciones que hacen  el bloqueo con el objetivo de conseguir romperlo.

 

Después de una brutal batalla logran pasar, pero con muchas bajas en ambos lados, entre ellas algunos chinos de la misión de jameson.

 

Finalmente, el capitán Collins escoltado por Holman y dos marineros más, logran llegar a la misión, en donde son rodeados por los chinos.

 

Jameson se niega a salir, pero momentos después un grupo de militares chinos penetran en elo recinto y disparan sobre el misionero que muere en el acto.

 

Tras esto los norteamericanos restante, incluida la chica, intenta huir, pero paraa ello ha de hacerlo  con un cebo. El capitán se ofrece a quedarse el último, tras frenar al principio a los chinos, finalmente, el capitán es alcanzado y muere.

 

Holman a su vez, se ofrece de señuelo mientras sus compañeros intentan y , finalmente, consiguen poner a salvo a Shirley Eckert. Es de noche.  Holman se hace con las armas del capitán. En el recinto amurallado que es la misión c¡van apareciendo los chinos como fantasmas por el tejado. 

 

Holman va abatiendo unos a otros . Finalmente, cuando todo parece haber concluido el protagonista muere   y preguntándose por qué ha llegado hasta esa situación, fallece. 

 

Como ocurría al principio una imagen de la cañorera por el río ponen fin a la película. 

 

La película fue rodada en Hong Kong y Taiwan como se nos informa al final de la película. Esta generó en  taquillas la cantidad de $30 millones en EEUU solamente, más $13,5 millones por la venta de alquiler en los videoclubes.

 

El proyecto comenzó años antes del rodaje. Durante años, Robert Wise había querido hacer The Sand Pebbles , pero las compañías cinematográficas eran reacias a financiarlo. Decir que en inglés “San Pablo” se pronuncia de manera muy parecida a “Sand Pebbles” (guijarro de arena).

 

Cuando se consiguió financiación para The Sand Pebbles  se  requirió un amplio trabajo de localización y preproducción, concretándose que la película se haría en la colonia britñanica de Hong Kong y en Taiwan.

 

De cualquier manera el rodaje quedó afectado por el monzón en Taipei. Esta circunstancia hizo que el productor y director Wise retrasase el proyecto por un periodo de  más de un año antes de que comenzara el rodaje principal. 

 

Durante el inicio de este rodaje la compañía cinematográfica insistió a Wise en que aceptara otro proyecto de "relleno", que resultor ser  The Sound of Music , una película que se convirtió en una de las películas más populares y aclamadas de la década de 1960. 

 

La compañía se gastó $ 250,000 construyendo una réplica de cañonera llamada San Pablo , basada en el USS Villalobos, una antigua cañonera de la Armada Española que fue capturada por la Marina de los Estados Unidos en las Islas Filipinas durante la Guerra Hispanoamericana (1898-99), pero con un calado muy reducido para permitir navegar en los ríos poco profundos de Tam Sui y Keelung . 

 

Tras la misma el San Pablo realizó el viaje de Hong Kong a Taiwán y regresó por su propia cuenta  tras el rodaje de The Sand Pebbles . Después de que se completara la filmación, el San Pablo se vendió a DeLong Timber Company y cambió el nombre a Nola D , luego se vendió a Seiscom Delta Exploration Co., que la utilizó como campamento base flotante con modificaciones importantes, incluida la extracción de sus motores y el  helipuerto. 

El rodaje de la película comenzó el 22 de noviembre de 1965, en Keelung , estaba programado para tomar alrededor de nueve semanas, pero terminó  tardando casi siete meses. 

El elenco y el equipo se tomaron un descanso para las vacaciones de Navidad en Tamsui, Taipei . En un momento, un barco de cámara de 15 pies volcó en el río Keelung, retrasando el cronograma porque la caja de resonancia se arruinó cuando se hundió. 

Cuando finalmente se terminó la filmación en Taiwán, el gobierno de la República de China retuvo a varios miembros de la tripulación, incluidos McQueen y su familia, supuestamente como "rehenes" al conservar sus pasaportes debido a impuestos adicionales no pagados. 

En marzo de 1966, la filmación finalmente se trasladó a los estudios Shaw Brothers en Hong Kong durante tres meses, principalmente para escenas en Sai Kung y Tung Chung. Debido a la lluvia frecuente y otras dificultades en Hong Kong, la filmación fue casi abandonada. 

Luego, en junio, viajó a Hollywood para terminar sus escenas interiores en los estudios Fox . Cuando regresó a Los Ángeles, McQueen cayó enfermo por una inflamación en la boca. No había querido ver a un dentista hasta que regresó a California. Su dentista y su médico le ordenaron tomar un largo período de descanso, uno que detuvo la producción nuevamente durante semanas. 

La vida militar de la tripulación de San Pablo retrata el colonialismo y el racismo que se vivía en la época y que se manifiesta abiertamente  en las relaciones de los marineros con los culis que dirigen su cañonera y las camareras que los sirven fuera de servicio. 

Aunque la novela de 1962 era anterior a la extensa actividad estadounidense en Vietnam y no se basó en incidentes históricos, en diciembre de 1966, la película fue considerada como una declaración explícita sobre la extensa participación de combate de los EE. UU. en la Guerra de Vietnam similares a las que ya publicaban el The New York Times ,  y la revista Life . 

Oportunamente, llovió la noche del estreno, el 20 de diciembre de 1966, en el Teatro Rivoli en la ciudad de Nueva York. 

Posteriormente, McQueen no hizo ningún trabajo cinematográfico durante un año debido al cansancio, diciendo que los pecados que había cometido en su vida habían sido pagados cuando particippó en  The Sand Pebbles . En 1968, presentó dos películas de enorme éxito, The Thomas Crown Affair y Bullitt .

La actuación sí le valió a McQueen la única nominación al Premio de la Academia de su carrera de los ocho que tuvo , aunque la película obtuvo 23 nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, además  ocho al Oscar. Entre estos estaban  el de Mejor película (Robert Wise), Mejor actor (Steve McQueen),  Mejor actor de reparto (Mako),  Mejor Dirección de Arte  (Boris Leven) ; Set Decoration (Walter M. Scott , John Sturtevant y William Kiernan )  Mejor fotografía en color (Joseph MacDonald) , Mejor montaje cinematográfico  (William Reynolds) , Mejor sonido  (James Corcoran) y  Mejor banda sonora original  (Jerry Goldsmith).

El Sindicato de Directores (DGA) nomin´o a Wise como Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guión en el apartado de drama.

Fue galardonada con el premio Globo de Oro 1967  al mejor actor secundario (Richard Attenborough) , aunque tuvo ocho nominaciones para esos Premios Globo de Oro ,  y con el premio Laurel de Oro 1967 - 2° lugar: drama; y 3° lugar: a la mejor actuación (Steve McQueen) y a la mejor actuación secundaria (Richard Crenna); y el premio Golden Reel Award en 1967 al mejor montaje - diálogo. 

En cuanto a  esta película bélica y de aventuras,  señalar que tiene una alta tasa de crítica antibelicista, pues pone en muchas ocasiones en duda la necesidad de las guerras, la existencia de banderas - Ay ¡ qué fatiguitas las nuestras! - y la inutilidad de las muertes que provocan. 

Destacar que la actriz Marayat Andriane (Mayli) es la novelista francesa autora del personaje Emanuelle, escrita con el seudónimo Emmanuelle Arsan. 

En cuanto a las críticas señalar que Fernando Morales en el diario El País destacaba de ella que la película está llena de "Acción y romanticismo para un filme clásico en el que se retrata a la perfección el imperialismo americano. Gran parte del mérito es de Joseph MacDonald, director de fotografía" 

En Fotogramas se dice de ella que se trata de "Un film de aventuras que mezclaba la espectacularidad más descarada con ciertas pretensiones crítico-políticas, a través de las que se cuestionaba levemente el imperialismo norteamericano estableciendo cierto paralelismo ìentre su acción (situada en 1926) y la guerra del Vietnam. Estas pretensiones quedaron en un plano bastante secundario, imponiéndose ante todo una ìaparatosidad bastante vácua". 

A destacar la intachable interpretación en una película sin concesiones  con un gran McQueenn en la que todo queda supeditado a una  historia "realista", donde no sucede casi nada más que lo que tiene que suceder

La pretensión del filme es pacifista, antiimperialista e integracionista visible en el personaje de Frenchie (Richard Attenborough), el marino americano dispuesto a sacrificar su vida para salvar el honor de la china Maily, y   el misionero Jameson,

Robert Wise logra un filme bien  ambientado y fotografiado, con una gran banda sonora y unas interpretaciones de gran sensibilidad. La espera en verla ha merecido la pena. 

Hunger

El club de la Filmoteca de Andalucía ha vuelto a darme una sorprendente y satisfactoria sorpresa en forma de bofetón audivisual a través de esta dura , por momentos brutal y descarnada película que es Hunger  una película irlandesa del año 2008 que me ha hecho rememorar la huelga de hambre de Robert Gerard Sands más conoido por Bobby Sands.

Claro no olvidemos que este blog se llama Para que no me olvide , por lo que lo narrado en la película me ha resonado en mi memoria a mis 16 años, cuando , precisamente, conocí a uno de mis mejores amigos, por entonces compañero en otro grupo de 2º de BUP. Las cosas son como son, y , por aquel, entones, tener 16 años no era un eximente para desconocer el mundo en que vivíamos. Lo mismo que conocíamos la revolución sandinista o la labor de la guerrilla salvadoreña, aquella que hablaba del Frente Farabundo Martí, igualmente teníamos conocimiento , al menos superficial , de otros asuntos más complejos como la situación en Irlande del Norte.

Fue la huelga de hambre de Bobby Sands lo que me puso en contacto con él, un día de febrero de 1981 cuando hablábamos de lo que podía llegar a ser un hombre privado de su libertad para el reconocimiento de sus derechos como preso.

Meses después , en mayo de 1981, moría en la Prisión de Maze (conocida como Long Kesh) este joven que era ya diputado del Parlamentario Británico. Los miembros del denominado Ejército Republicano irlandés encarcelados en ese penal protestaban contra la retirada del Estatus de Categoría Especial a los miembros de organizaciones paramilitares nacionalistas irlandesas.

Sands fue condenado por posesión de armas de fuego en un juicio, y condenado a 14 años en la prisión de Maze (HM Prison Maze). Durante esta condena Sands fue elegido Oficial al mando de los presos del IRA internados en Long Kesh, sucediendo a Brendan "The Dark" Hughes, que estaba tomando parte en la Primera Huelga de Hambre que sucedió a la protesta de las mantas.

Los prisioneros republicanos habían organizado una serie de protestas para recuperar su Estatus de Categoría Especial, que les eximía de la normativa ordinaria de las prisiones, otorgándoles unos privilegios similares a los de los presos políticos.

Estas protestas dieron comienzo en 1976 con la llamada Protesta de las Mantas, negándose los presos del IRA a vestir los uniformes de presidiarios y sustituyéndolos por mantas. En 1978, después de que varios internos hubieran sido atacados cuando vaciaban sus orinales, dio comienzo la Protesta Sucia, durante la que los prisioneros se negaron a lavarse y embadurnaron las paredes de sus celdas con excrementos porque no quieren ser tratados como criminales comunes. Es en ese momento cuando precisamente comienza la película.

La película trata de un drama histórico dirigido por Steve McQueen , un cineasta, fotógrafo y escultor londinense nacido en 1969 que apostó por la innovación cinematográfica , casi vanguardista, para luego ir tendiendo hacia la comercialización y el academicismo. Precisamente este trabajo de Hunger pudo ser su transición entre un cine y otro.

Desde luego esta película si que te saca ya desde las primeras imágenes de tu esfera de confort para ir sintiéndote cada vez más incómodo por lo que ves, no por cómo se ha realizado. La película es una producción en la que intervienen Laura Hastings-Smith y Robin Gutch en las que representan un conglomerado de productoras formado por Film4, Channel 4, Northern Ireland Screen, Broadcasting Commission of Ireland, Wales Creative IP Fund y Blast! Films quedando su distribución en manos de Icon Productions.

La película parte de un hecho histórico como el que arriba he descrito pero que aquí sigue los dictados de Enda Walsh y del mismo Steve McQueen. La banda sonora es labor de David Holmes, mientras que la fotografía lo es de Sean Bobbitt y el montaje de Joe Walker.

La película está protagonizada por Michael Fassbender como Bobby Sands, Liam Cunningham como Padre Dominic Moran, Liam McMahon como Gerry Campbell, Stuart Graham como Raymond Lohan, Brian Milligan como Davey Gillen, Laine Megaw como Sra. Lohan, Karen Hassan como la novia de Gerry, Frank McCusker como el gobernador, Lalor Roddy como William, Helen Madden como Sra. Sands, Des McAleer como Sr. Sands. Junto a ellos aparecen igualmente Ben Peel como el oficial de prisiones Stephen Graves, Helena Bereen como la madre de Raymond, Geoff Gatt como hombre barbudo, Rory Mullen como sacerdote, Paddy Jenkins, Billy Clarke como director médico, Ciaran Flynn, B.J. Hogg como el lealista que vigila a Bobby y Aaron Goldring como amigo del joven Bobby.

La imagen de inicio supongo que habrá recordado a muchos españoles que estuvieron bajo el objetivo irracional del terrorismo el miedo a lo más cotidiano. Vemos en la primera escena a un oficial de prisiones británico, Raymond Lohan (Stuart Graham) como se prepara para ir al trabajo; en un momento intemporal limpia sus nudillos heridos y ensangrentados, sale al exterior de su casa y revisa su coche tanto el exterior como los bajos por si se le ha adosado una bomba. Tras llegar a su centro de trabajo, se pone el uniforme e ignora a sus compañeros. Parece ido.

Tras esto vemos la llegada a prisión de un reo. Se trata de Davey Gillen (Brian Milligan), un nuevo prisionero del IRA , que es identificado como un "preso no conformista" por su negativa a usar el uniforme de la prisión. Este joven es enviado a su celda desnudo con sólo una manta. Su compañero de celda, Gerry (Bobby) Sands, ha manchado las paredes con heces desde el suelo hasta el techo como parte de la protesta sucia.

Los dos hombres se conocen y , poco después, vemos como malviven dentro de la celda. Vemos como tiran parte de su comida al suelo y a las paredes , e igualmente con sacan al exterior por los bajos de las puertas los orines que han ido acumulando para encharcar los pasillos.

En esta rutina viven Gerry y Bobby. Tanto uno como otro reciben su visitan cada cierto tiempo. A Bobby lo visitan sus padres los Srs. Sands (Helen Madden y Des McAleer, y a Gerry su novia que le entrega una radio tras envolverla y guardarla en su vagina.

Cada cierto tiempo los oficiales de prisiones sacan a los prisioneros de sus celdas y los golpean antes de obligarles a cortarse el pelo y lavarse. Para ello son sujetados para cortar el cabello largo y las barbas que ha ido creciendo durante la protesta sucia. Los prisioneros se resisten. Por ejemplo, Sands escupiendo en la cara de Lohan, pero este responde golpeándolo en la cara y luego le golpea de nuevo, aunque yerra y se golpea en la pared, haciendo en sus nudillos sangre. Tras eso corta el cabello y la barba de Sands.

Dos hombres lanzan Sands en la bañera y lo limpian antes de arrastrarlo de nuevo. Lohan se ve entonces fumando un cigarrillo, como en las escenas de apertura, con su mano ensangrentada. En un momento dado se ve una escena memorable.

Vemos a un sacerdote, el de la prisión dando misa a los miembros católicos del IRA y vemos como es el único momento en que pueden verse y reiunirse ignorado el servicio sacerdotal que sigue como un autómata.

Más tarde, los prisioneros son sacados de sus celdas y se les da ropa civil de segunda mano. Los guardias se ven repartiendo ropa que nada más serles entregadas los presos que responden, después de la acción inicial de Sands, desgarrándolas y destrozando sus celdas.

Para la siguiente interacción con los prisioneros, un gran número de policías antidisturbios han sido llamados y entran en la prisión en un camión. Se alinean y golpean con sus bastones contra sus escudos y gritan para asustar a los prisioneros, que son sacados de sus celdas, luego los presos obligados a correr entre las líneas de la policía antidisturbios donde son golpeados con los bastones por al menos 10 hombres a una hora. Lohan y varios de sus colegas sondean primero sus anos y luego sus bocas, usando el mismo par de guantes de látex para cada hombre.

Un prisionero golpea con su cabeza la de un guardia y es golpeado brutalmente por un oficial de disturbios. Uno de los oficiales antidisturbios es visto llorando mientras sus colegas, al otro lado de la pared, golpean brutalmente a los prisioneros con sus porras.

En otra escena, ya fuera de la prisión, vemos a Lohan que visita a su madre catatónica en una residencia. Cuando se pone ante ella recibe un disparo en la parte posterior de la cabeza por un asesino del IRA y muere caído sobre el regazo de su madre.

Al poco se anuncia el inicio de una Huelga de Hambre que daría comienzo el 1 de marzo. Sands, en su calidad de Oficial al Mando, sería el primero, y dio la orden de que el resto de presos se unieran a la huelga progresivamente para maximizar el interés de la opinión pública. La Huelga se centraba sobre las conocidas como "Five Demands" (Cinco demandas): Derecho a no vestir uniforme presidiarios;Derecho a no realizar trabajo en prisión; Derecho a la libre asociación con otros presos y a la organización de actividades educativas y recreativas; Derecho a una visita, carta, y paquete por semana y Plena restitución de la remisión perdida durante la protesta.

Sands, que poco a poco, adquiere protagonismo vemos como conoce al Padre Dominic Moran (Liam Cunningham) y discute en un largo plano estático que dura muchos minutos sobre la moralidad de una huelga de hambre .

Sands le habla al sacerdote acerca de un viaje a Donegal donde él y sus amigos encontraron un potro en un arroyo que se había cortado en las rocas y quebrado sus patas traseras. Sands ahogó al potrillo y le dijo al sacerdote, que aunque se metió en problemas, sabía que había hecho lo correcto al poner fin a su sufrimiento. Luego le dice que sabe lo que está haciendo y lo que le va a hacer, pero dice que no se quedará de pie y no hará nada.

El resto de la película muestra a Sands durante su huelga de hambre, como su degradación física va a más. Como le van apareciendo llagas sangrantes por todo su cuerpo, con va sufriendo de insuficiencia renal, como baja su presión arterial , como aparecen las úlceras estomacales, y la incapacidad de mantenerse solo al final de su prolongada huelga de hambre que se extiende durante más de dos meses.

En los últimos días, mientras que Sands se encuentra en un baño, se le cambia al auxiliar que lo vigila . Al sentarse se sienta al lado de la bañera y le muestra a Sands sus nudillos, que están tatuados con las letras " UDA ", una organización de lealistas extremistas. Sands intenta ponerse de pie por su cuenta y finalmente mirando desafiante a la ordenanza de la UDA que se niega a ayudarlo, pero luego se desmorona cayendo al suelo sin fuerzas para sostenerse. El auxiliar lo lleva a su habitación.

En sus últimos momentos, los padres de Sands van los últimos días, su madre está a su lado cuando Sands muere, 66 días después de comenzar la huelga.

La película acaba informando que Sands fue elegido al Parlamento del Reino Unido como diputado por Fermanagh y South Tyrone mientras estaba en huelga. Al igual que él, otros nueve hombres murieron con él durante la huelga de siete meses antes de que fuera cancelada. En ese periodo fueron asesinados 16 oficiales de prisiones por paramilitares a lo largo de las protestas representadas en la película.

Poco después, el gobierno británico cedió a las cinco demandas de los prisioneros a pesar de no haber otorgado oficialmente status político. Después de que la financiación para Hunger fuera rechazado por la Irish Film Board , la película fue cofinanciada por Northern Ireland Screen , la Broadcast Commission of Ireland , Channel 4 , Film4 Productions y el Wales Creative IP Fund.

Para la preparación para su papel, Michael Fassbender hizo una dieta especial de menos de 900 calorías al día durante diez semanas.

Después de reunirse con un nutricionista, se estableció que su dieta se centraría en una dieta de bayas, frutos secos y sardinas, y se sometió a controles médicos periódicos. En una entrevista con The Telegraph , Fassbender dijo que además hizo yoga y caminó cuatro kilómetros y medio de día, pero también agregó que tenía dificultad para dormir y dejó de ver amigos. También dijo que la experiencia lo hizo sentirse "agradecido" y "fuerte".

La película también se destaca por un disparo ininterrumpido de 17 minutos, en el que un sacerdote interpretado por Liam Cunningham trata de hablar de Bobby Sands de su protesta. En ella, la cámara permanece en la misma posición durante la duración de la toma. Para prepararse para la escena, Cunningham se mudó al apartamento de Michael Fassbender por un tiempo mientras practicaban la escena entre doce y quince veces al día. Según Fassbender, sólo hicieron cinco tomas.

La película se estrenó en el el 12 de mayo de 2008 Festival de Cannes de 2008 y se llevó la Caméra d'or como (mejor ópera prima)siendo la primera vez que la ganaba un debutante. Ganó también el Sydney Film Prize en el Festival de Cine de Sídney por "su controlada claridad de visión, sus extraordinario detalle y valentía, la dedicación de su plantilla y el poder y resonancia de su humanidad", el Grand Prix del Sindicato Belga de Críticos de Cine, así como el premio a la mejor película de los Evening Standard British Film Awards.

Consiguió dos nominaciones a los BAFTA y ganó un premio al mejor debut (McQueen) siendo nominada a mejor film británico. La película también recibió ocho nominaciones a los Premios de la Televisión y el Cine Irlandeses, ganando un total de seis estatuillas. En España el 22 de septiembre de 2008 en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película también ganó el Premio Diesel Discovery del 2008 en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Hunger también ganó el premio a la mejor película en el London Evening Standard Film Awards en 2009. La película también fue nominada para ocho premios en las IFTA de 2009 , ganando seis en el evento.

La Asociación de Críticos de Los Angeles le dió el Premio Nueva Generación, mientras que el Círculo de Críticos de Chicago la nominó a Mejor director novel, el Círculo de Críticos de Nueva York en el 2009 a la mejor Opera Prima. En el Festival de Chicago tuvo el premio a la mejor película y mejor actor (Michael Fassbender) y en los Premios Independent Spirit fue nominada a Mejor película extranjera.

En los Premios del Cine Europeo tuvo dos nominaciones al mejor director europeo Steve McQueen y al mejor actor europeo para Michael Fassbender

En la película destaca una secuencia continua de 17 minutos en la cual el sacerdote interpretado por Liam Cunningham trata de disuadir a Bobby Sands de su huelga de hambre. En ella la cámara permanece en la misma posición durante toda la secuencia. Para prepararla Cunningham se trasladó al apartamento de Fassbender durante un tiempo con el fin de practicar la escena entre doce y quince veces al día.

En la prensa la revista Time Out dijo de ella que era "Impresionantemente bella", mientras que Esquire afirmaba que era "La más impactante e importante película del año." En estas mismas páginas de Time Out Dave Calhoun dijo de ella que "Restaura la fe en la capacidad del cine para cubrir la historia libre de los límites de los textos y de las personalidades, no es un reloj fácil, pero es revitalizante ".

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, habló de manera muy positiva sobre la obra. Según él, "Hunger no se refiere a los derechos e injusticias de los británicos en Irlanda del Norte, sino a las inhumanas condiciones carcelarias, a la firme determinación de los miembros del IRA como Bobby Sands."

Para Peter Travers de Rolling Stone diciendo de ella que era "filosóficamente reflexiva, Hunger es un tributo indeleblemente a lo que nos hace humanos". Y elogió "... la manera de McQueen de mostrar el cuerpo mismo como un arsenal, discutible el último arma que cualquiera de nosotros tiene para luchar."

Peter Bradshaw del británico The Guardian dijo de ella que "Este es el tipo de trabajos que deja una quemadura de cero grados en la retina. " Mientras elogiaba el trabajo de McQueen, "Hunger demuestra que McQueen es un verdadero cineasta y su experiencia en el arte ha significado una concentración feroz en la imagen, una atención inquebrantable a lo que las cosas parecían, momento a momento".

Lauren Wissot, de Slant Magazine, comentó de la película, que "Hunger, con todos sus elementos visuales, sonoros y de edición que fluyen juntos en armonía como una comida de seis platos de cinco estrellas, ejemplifica la frase del cine como arte". Y que, "la película de McQueen es una obra maestra matizada que nunca hace alarde de su arte, pero lo utiliza humildemente para servir a la historia de importancia".

Nigel Andrews, del Financial Times, dijo de la película y su director, Steve McQueen, que "McQueen entiende el primer principio del cine." En ambos lados de su sección central, donde la palabra misma es un testimonio irónico de la imposibilidad imposible de explicar, Hunger tiene el poder y la integridad hierática del cine mudo ".

Matthew De Abaitua de Film4 dijo de ella que era "Intensa, inquietante y poderosa mezcla de visión y detalle: una recreación de un tiempo terrible combinado con una sensibilidad artística vívida y distintiva.

En la revista Empire Ian Freer elogió tanto a McQueen como a Fassbender, proclamando que McQueen, hace una película deslumbrante y desafiante en igualdad. medida."

Noel Murray, escribiendo para The AV Club, destacó: "Hungere puede ser criticada por ser deliberadamente artística, o por reducir una compleja situación política a una visión ampliamente alegórica del martirio, pero nunca es menos que visualmente impresionante".

El crítico J. Hoberman de The Village Voice llamó a la película "Un trabajo magníficamente equilibrado" y un "drama convincente que es también un triunfo formalista". Hoberman continuó diciendo: "He visto a Hunger tres veces, y con cada proyección, el espectáculo de violencia, sufrimiento y dolor se vuelve más horrible y más inspirador".

Lisa Schwarzbaum, de Entertainment Weekly declaró: "Para tu placer de arte y placer, este es uno de los triunfos del festival de cine más comentados de 2008, La recreación de las últimas seis semanas en la vida y el despilfarro lento y autoimpuesto del huelguista irlandés Bobby Sands ".

En The New York Post , Kyle Smith elogió la película de McQueen, "Independientemente de la política, uno debe conceder los notables regalos de McQueen, que traen a la mente a Paul Greengrass en otra película de Irlanda del Norte, Bloody Sunday".

Liam Lacey de The Globe and Mail dijo de "Hunger - la perturbadora, provocativa, brillante característica debut del director británico Steve McQueen - hace para la película moderna lo que Caravaggio hizo a en la pintura."

Reyhan Harmanci, del San Francisco Chronicle , escribió: "Es horrible, pero Hunger muestra una inteligencia y un despliegue visual excepcionales, trascendiendo el objetivo de hacer que la situación parezca real, se siente más que real, es arte". Además de alabar el trabajo de McQueen al afirmar que "Steve McQueen es un reconocido artista visual convertido en director de cine que te hace desear que más cineastas asistan a la escuela de arte".

Ann Hornaday del Washington Post estaba muy elogiando la película, escribiendo, "McQueen ha tomado las materias primas de la realización cinematográfica y cometió un acto de gran arte". Y llamando a la película "Una obra maestra artística".

Wendy Ide del Times elogió el talento de director y guionista de McQueen diciendo: "En última instancia, lo único que no se puede cuestionar es el talento atrevido e inquebrantable de McQueen".

Para Pablo Kurt en filmaffinity comenta que la película "Narrativamente es muy interesante, y con algunas imágenes y escenas tan contundentes como bellas –a pesar de su difícil localización y contexto-, lo más arriesgado e inteligente de 'Hunger' es la exposición de sus posiciones ideológicas en una doble vertiente: a nivel visual, mostrando la brutalidad policial y del propio IRA, y también a través del poder de la palabra, especialmente en una larga conversación entre el preso Bobby Sands y el sacerdote católico. Brillante.

Por otro lado, el electrizante trabajo a nivel interpretativo de Fassbender queda poco a poco eclipsado por el sobrecogedor trabajo a nivel físico de Fassbender. Pero el magnético protagonista no es el único descubrimiento al que seguir de cerca en el futuro: sin duda el director Steve McQueen ha conseguido un ópera prima que te deja con hambre de más.

La película consiguió en taquilla unos 1,7 millones de libras. La película apareció en las diez mejores listas de las críticas de las mejores películas de 2008.

Andrea Gronvall, de Chicago Reader, la nombró la tercera mejor película de 2008, y Scott Foundas de LA Weekly la nombró la tercera mejor película de 2008 junto a Che. Hunger fue votado como la mejor película de 2008 por la revista de cine británica Sight & Sound , y ese año McQueen recibió el premio Discovery y $ 10.000 en el 33er festival anual de cine de Toronto. La película también fue nombrada "Mejor Película de 2009" por los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Toronto. Compartió el premio con Inglourious Basterds de Quentin Tarantino . El director McQueen ganó el premio Carl Forman BAFTA por "logro especial de un director británico, escritor o productor por su primera película".

Gran película que te golpea durante todo su recorrido, técnicamente portentosa, con travellings imposibles, planos inacabables pero impactantes y magníficamente interpretada. Fassbender ¿quién te ha visto y quién te ve en esa película Assassins?. Ha sido junto a Elephant un pack duro, un golpe a la mandíbula, a nuestra conciencia también, pero , eso sí, un golpe de muy buen cine. 

Con respecto a Bobby Sands tras fallecer en el hospital de la cárcel tras 66 días en huelga de hambre, a la edad de 27 años, el informe original establecía que la causa de la muerte había sido "inanición auto impuesta", aunque fue enmendado posteriormente tras las protestas de los familiares, estableciéndose simplemente como "inanición". El comentar lo que ocurría en Irlanda me acercó a ese compañero que sólo coincidía conmigo en el autobús de linea, para convertirse dos años después y hasta hoy, en uno de mis mejores amigos.

La muerte de Sands provocó el estallido de disturbios en las zonas más nacionalistas de Irlanda del Norte. Unas 100.000 personas flanquearon la comitiva funeraria de Sands, que fue enterrado en el 'New Republican Plot', donde descansaban los restos de otros 76 nacionalistas.

Preguntada sobre el asunto en la Cámara de los Comunes el 5 de mayo, la primera ministra Margaret Thatcher declaró «El Sr. Sands era un criminal convicto. Eligió llevarse su propia vida. Una opción que su organización no dejó tomar a muchas de sus víctimas». El anuncio oficial del fallecimiento de Sands en la Cámara de los Comunes eludió el tradicional pésame a la familia de la víctima. Lo cortés no quitaba lo valiente. Y valiente , aunque realizado casi veinte años después del fin del conflicto fue hacer esta película.