Greenland, el último refugio

 

El cine de catástrofes tiene su público, vamos, mi mujer, entre ese público. Para hacer deporte en un Gimnasio no está mal. Así que ha sido la elegida. Para mi sorpresa vuelvo en encontrarme con ese actor que faustianovich llama cariñosamente la Gerarda, si , hablamos del nuevo salvador del mundo, Gerard Butler, que en este caso es uno de los elegidos para sobrevivir a un nuevo apacalipsis tras el de Geostorm. Si es que, como decían los galos, del cielo no puede caer nada bueno.

*EC: En construcción

Las vírgenes suicidas

Pocas veces un regalo envenenado viene en tan bonito envoltorio, incluso estampado en unicornios. Pocas veces una película que habla a voces sobre la muerte provocada y que presenta  un tema de fondo tan cruel no es presentado como un retrato de adolescentes. Pocas veces, una grandiosa banda sonora nos riega los oídos para tapar los gritos de desesperación de cuatro muchachas. Pocas veces, un olmo que está secándose afectado por la enfermedad holandesa del olmo es la representación de lo que se está muriendo y es necesario cortar para salvar al resto de árboles.

Eso y mucho más es lo que me ha transmitido lo visualmente narrado por Sofía Coppola en lo que fue su debut en un largometraje - había debutado con un corto que llevaba por título Lick the star el año anterior -a finales del pasado siglo, en concreto en 1999.

Lo curioso es que Sofia Coppola reconoció que " que nunca jamás se había planteado dirigir una película hasta que leyó la novela y vi tan claramente cómo tenía que hacerse"".“Vi en ella cosas que no había visto en ninguna parte. Me dio la sensación de que Eugenides entendía perfectamente lo que era ser adolescente: el deseo, la melancolía, el misterio que existe entre chicos y chicas. Toda esa confusión”. Y añadió "Inmediatamente vi que la historia central era sobre lo que la distancia, el tiempo y la memoria te hacen, y sobre el extraordinario poder de lo insondable".

Es posible que esta temprana actriz , directora, productora y guionista haya desarrollado su carrera al amparo de su genial padre, Francis Ford Coppola,  y su poderosa productora, American Zoetrope, convirtiéndose ambas en su auténtico padrino profesional.

De hecho, la recuerdo con nitidez en El Padrino III, en un papel que no me gustó, pero muy importante en la película, por no decir determinante en la misma, y menos claramente en otras películas familiares como The Outsiders o Rumble Fish que ya han pasado por aquí.

Sin embargo, el papel profesional que más trascendente ha sido para ella es el de guionista ( fue Premios Óscar al Mejor guion original en 2003 por Lost in Translation, así como premiada con un Globos de Oro y Premio Independent Spirit por la misma película) así como el de directora llegando a ser premiada con el premio a la Mejor directora en Cannes 2017 con la revisión del clásico de Don Siegel , The Beguiled, o son premiadas sus películas con el León de Oro (Somewhere, 2010).

Su debut en The Virgin Suicides impresionó en su momeno y a mi me ha impresionado hoy. Se trata de una película basada en la novela homónima de Jeffrey Eugenides, publicada en 1993. Con ella Coppola ganó los Premios MTV Movie como mejor directora.

En marzo del presente año, 2018,  Laura Fernández en El Pais escribió  sobre el escritor y su obra que "La idea se la había dado la niñera de su sobrino. Al parecer, la chica tenía un puñado de hermanas. Y todas habían intentado suicidarse en algún momento siendo aún adolescentes. Eugenides imaginó qué hubiera pasado si todas lo hubieran conseguido. También, qué hubiera pasado si él hubiera vivido en el mismo barrio que ellas. Y aquella misma noche se puso a escribir la historia de las malogradas hermanas Lisbon –Cecilia, Lux, Bonnie, Mary y Therese–, cinco hijas del vacío existencial del suburbio norteamericano, y de la idea, siempre sospechosa, de la familia perfecta".

Tras la lectura de la obra por Sofia Coppola la que hasta ese momento era actriz, se lanzó a redactar el guión y tras el mismo comenzó la producción que estuvo en manos de su padre, Francis Ford Coppola , pero en la que también aparecen como productores ejecutivos Willi Bär y Fred Fuchs y como productores Suzanne Colvin, Julie Costanzo, Jordan Gertner (este asociado), Dan Halsted y Chris Hanley , así como Gary Marcus y Fred Roos como co-productores. Pero reciben igualmente el apoyo de la Paramount Vantage , de la sempiterna si aparece el apellido Coppola, American Zoetrope, así como Muse Productions y Eternity Pictures. A pesar del conglomerado de las productoras el filme que fue rodado con un presupuesto relativamente  modesto ,  con un presupuesto de $ 6 millones,  en parte, y eso fue de agradecer por que los principales protagonistas con alto caché - Kirsten Dunst, Kathleen Turner y James Woods- decidieron participar en él cobrando un sueldo bastante inferior al habitual.

Como ya hemos señalado el guion de Sofia Coppola está basado en la novela que este 2018 ha cumplido sus 25 años The Virgin Suicides de Jeffrey Eugenides . Este señor nacido en 1960 es natural de un suburbio de Detroit y estudió en las universidades de Brown y Stanford . Es el autor de tres aclamadas novelas, todas ellas publicadas en España por Anagrama y que son  Las vírgenes suicidas que irrumpió en el mercado hispano en  octubre de 1994; Middlesex, que obtuvo el Pulitzer 2003 ; y La trama nupcial.

El novelista irlandes  John Banville dijo de la primera de sus grandes novelas que era «Una de las mejores novelas, insisto, de las mejores, que he leído en años, y si nuestra época se tomara aún la literatura en serio, debería ser saludada como El guardián entre el centeno de nuestros confusos años noventa, y un debut literario tan importante como el de John Updike, con La feria del asilo, hace más de treinta años»

Para Gordon Burn, crítico en el Times Literary Supplement comentó de ella que era «Una primera novela asombrosa y original, que explora un territorio afín al de John Cheever, pero también al retorcido guiñol de Blue Velvet de David Lynch, o Carrie de Brian de Palma».

La historia novelada es el relato de la progresión de las  historias de las chicas protagonistas desde el suicidio de Cecilia, la más pequeña y la primera en quitarse la vida, hasta el adiós del resto, que es presentado a través de un grupo de chicos adolescentes obsesionados con ellas. Eugenides explicó en una entrevista a Dazed &  Confused Magazine , una revista británica para jóvenes que había concebido a las Lisbon como una entidad con varias cabezas: "Como una hidra, pero no monstruosa. Una hidra agradable"."Las hermanas Lisbon pasaron a convertirse en todo lo que funcionaba mal en el país, de los males que este infligía hasta en sus ciudadanos más inocentes". Ellas atisbaron cómo sería el futuro y decidieron convertirse en un mito como también lo fue el sueño americano.

Tras llevar a un guión cinematográfico esta historia de Eugenides la Coppola, que recibió el libro de Thurston Moore de la banda Sonic Youth , apostó por algo que será marchamo o marca de la casa: la música contando en este sentido con las composiciones de los franceses - son versallescos- Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin componentes del dúo de música electrónica Air.

En otros apartados técnicos contó con la fotografía muy brillante, luminosos  y con texturas setenteras de Corine Day así como el montaje de James Lyons.

El elenco los integran James Woods como Ronald Lisbon, el padre de la familia, Kathleen Turner como Mrs. Lisbon, la madre de la familia, Kirsten Dunst como Lux Lisbon,  A. J. Cook como Mary Lisbon, Hanna Hall como Cecilia Lisbon,  Leslie Hayman como Therese Lisbon y Chelse Swain como Bonnie Lisbon.

Junto a ellos aparecen Jonathan Tucker como Tim Weiner, uno de los chicos enamorados de las Lisbon y narrador, Noah Shebib como Parkie Denton, otro de los chicos atraído por las Lisbon,  Anthony DeSimone como otro de los chicos, Chase Buell, al igual que Lee Kagan como David Barker. Robert Schwartzman como Paul Baldino, el chico que habla de los subterráneos que llevarían a todas las casas del barrio, Josh Hartnett como Trip Fontaine, el enamorado de Lux. En papeles menores o muy cortos Michael Paré como Trip Fontaine de mayor, Scott Glenn como el padre Moody,  Danny DeVito como Dr. Horniker, el psiquiatra de Cecilia . Tambien aparecen en la película Joe Roncetti como Kevin Head, Hayden Christensen como Jake Hill Conley, Joe Dinicol como Dominic Palazzolo - el chico que se suicida por amor, pero que no muere- , Sherry Miller como la Sra. Buell, Jonathan Whittaker como el Sr. Buell, Suki Kaiser como Lydia Perl, Kristin Fairlie como Amy Schraff, Sally Cahill como la Sra. Hedlie y Giovanni Ribisi como la voz del narrador .

La historia se desarrolla a mediados de los años 70, en un barrio residencial de una ciudad americana , aunque narrada en el presente - finales de los 90- como descubrimos con la narración frente a la cámara de un ya mayor Trip Fontaine ( Michael Paré)- . La película no es narrada desde la óptica de uno de los cuatro chicas que tira de sus recuerdos y que reflexiona sobre las cinco hermanas adolescentes de Lisbon, que eran sus vecinos en Grosse Pointe, Michigan durante su juventud. Allí vive en una aparente perfecta armonía la familia Lisbon. Lo único que parece alterar en algo es que el servicio municipal talará algunos de los olmos de la calle al detectar que comienzan a estar enfermos.

La familia está integrada por  cinco hermosas hermanas que son las hijas de uno de los profesores del instituto , el profesor de ciencias y matemáticas, Ronald Lisbom ( James Woods) y de su estricta esposa, la Señora Lisbon (Kathleen Turner ). Ellas son Cecilia (Hanna Hall) de 13 años, - que deja su huella en uno de los olmos heridos de muerte- ,  Lux (Kirsten Dunst) de 14, Bonnie (Chelse Swain) de 15, Mary (A. J. Cook) de 16 años  y Therese (Leslie Hayman) de 17, todas ellas rubias e hipnóticas, que tienen la casa llena de discos y de unicornios, son el objeto de atención, al menos, para cinco chicos que habitan igualmente en ese barrio residencial al que se suma algún amigo más como Paul Baldino. Las chicas son  el objeto de deseo de los chicos, que suspiran por ellas cada vez que ven que salen a la calle o muestran sus  rubias melenas al viento.

Lo cierto es que los chicos , que son los narradores y observadores de la historia, y que reconocen que "Nosotros no sabemos nada sobre ellas pero ellas lo saben todo sobre nosotros" siempre han vivido fascinados por esas inalcanzables jóvenes en flor, atraídos por esa casa de densa femineidad enclaustrada dominada por una madre de fuertes e inquebrantables convicciones como  católica ferviente y moralista que no dejaba que sus hijas salieran con chicos; con una  el padre, profesor de matemáticas dócil y benévolo, que aceptaba las muy estrictas normas de su mujer. De cualquier manera ellas son el foco de sus deseos.

Sin embargo, algo no parece ir bien. Especialmente, cuando descubrimos que la menor de ellas, Cecilia, intenta suicidarse cortando las venas a la altura de sus muñecas e intentando  ahogarse en su bañera.

Tras este hecho los padres están alerta, al igual que las hermanas. Entre otras medidas mandan a la pequeña a ver al psiquiatra, el Dr. Horniker (Danny DeVito) que tras pedirle que analice unas láminas y preguntarle  “¿Qué haces aquí, guapa? Si todavía no tienes edad para saber lo mala que es la vida...” recibe una sentencia evidente y inesperada de Cecilia  cuando le dice que "Está claro, doctor, que usted nunca ha sido una niña de trece años".

Tras escucharlo el Doctor  le recomienda a los estrictos y conservadores Señores Lisbon que aumente la actividad social de sus hijas y , especialmente de la pequeña, con niños del sexo opuesto.

Haciendo caso a las indicaciones, los padres , además de invitar a cenar a algún alumno que ayuda al padre con sus trabajos, planean una pequeña fiesta con los chicos del vecindario, con música y refrescos, en la cual las hermanas mayores empiezan a establecer amistad con sus invitados , que son sus mayores admiradores. Pero en un momento dado, Cecilia, se siente indispuesta y le dice a su madre que quiere subir a la habitación. Segundos después , se lanza por la ventana de la segunda planta de la casa y se suicida   al caer encima de una cerca puntiaguda, que más tarde sería retirada por los vecinos a petición de los padres.

La familia siente la pérdida de la niña durante ese verano. Reciben de hecho la visita del padre Moody (Scott Glenn) que intenta consolar a un padre que parece no estar y a su madre incapacitada para hablar. Eso sí, le dice a la madre el sacerdote que ha anotado en el libro parroquial la muerte de Cecilia como un accidente y no un suicidio para poder ser enterrada en Camposanto.

Pero son conscientes de que la vida sigue y hasta que las hermanas mayores vuelven a sus actividades escolares actuando como si nada hubiese pasado; cuando por fin sus vidas están volviendo a la normalidad. Siendo , por supuesto, la admiración de compañeras y compañeros.

Entre los chicas vemos que quien centra la atención de todas en el guaperas del centro, Trip Fontaine (Josh Hartnett), el chico que juega al fútbol , que fuma hierba y que las vuelve locas a todas, salvo a Lux que parece pasar de él.

Vemos como Trip la descubre por casualidad y desde ese momento intenta contacta con ella , aunque ella se resiste. a pesar de que también se siente atraída por el chico.

Tras un encuentro en el cine, el chico se acerca al padre y lo convence para salir un día coincidiendo con el baile de graduación al que Trip Fountaine. Este galán que quiere llevar a Lux al mismo, tras enamorarse de ella y le asegura al padre que no tiene malas intenciones. Así que trama un plan para conseguir esto. El mismo consiste que para que salga Lux han de ir, igualmente,  todas las hermanas, así Trip le pide a otros tres chicos, uno del equipo de fútbol , a otro que es uno de los mejores estudiantes del centro y al que conduce un cadillac, que sean sus respectivas parejas.

Efectivamente esa noche llega. Ellas se visten con trajes blancos , más que blancos, virginalmente inmaculados, y van despampanantes a la fiesta.

Y en esa noche del baile todas ellas se divierten , bailen con sus parejas, se besan y aplauden al ver coronar a Trip y a Lux como rey y reina del baile.

Más tarde esa noche, todas regresan a casa después del baile, exceptuando a Lux, que hace el amor con Trip en el campo de fútbol de la escuela, donde pasa la noche. Para sorpresa de unos y otros, Trip la deja ahí abandonada al darse cuenta de que en realidad no la quería como él pensaba. Eso nos lo narra el propio Trip 25 años después - ya como Michael Paré- mientras asiste a una terapia de grupo, dando a entender que él esta afectado por  algún tipo de inestabilidad psicológica.

Cuando Lux se despierta al día siguiente y vuelve a casa en un taxi, horas después de la llegada del resto de las hermanas, se  encuentra con su madre furiosa conocedora que una de sus vírgenes, ha dejado de serlo.

Debido a esto, las cuatro chicas son encerradas permanentemente dentro de la casa como castigo,confinadas, sin posibilidad de ir a la escuela, - algo que le cuesta al padre su trabajo- e incomunicadas con el mundo exterior, soñando con viajes a lugares exóticos de todo el mundo a través de catálogos vacacionales que llegan a su casa por correo. Es una de sus pocas salidas a la calle , al igual que cuando el servicio de parques y jardines fue con la intención de cortar los olmos como en el que Cecilia dejó su huella, en la que salen en pijama con la intención de proteger la memoria de su hermana.

Todo esto es detectado por el grupo de chicos que vive obsesivamente la vida de las Lisbon y a los que hemos conocido a lo largo de la película como son Tim Weiner (Jonathan Tucker)  , Parkie Denton ( Noah Shebib)  David Barker (Lee Kagan) así como dos vecinos más ( Anthony DeSimone  y Chase Buell) que no sólo se imaginan viajando con ellas, sino que las observan todas las noches con sus prismáticos y catalejos la promiscuidad de Lux, pero que admiran igualmente ese reino de las otras vírgenes.

Un día comienzan a contactar con ellas vía telefónica y enviarles música - no saben que la madre obligó a Lux a quemar gran parte de su colección de discos-  usando clave morse y notas dejadas en sitios específicos, hasta que descubren las llamadas telefónicas donde no conversan con las chicas, sino que reproducen canciones a través del teléfono y las chicas les responden con otras canciones.

Finalmente las chicas les piden a sus vecinos ayuda para escapar de casa, a lo que ellos acceden robando el automóvil de la madre de uno de los chicos para la huida. El día y a la hora convenida por medio de juegos de luces, Lux les permite entrar a su casa a mitad de la noche y le dice a los chicos que esperen dentro de la casa a que las demás estén listas mientras ella iba al garaje, y ellos aceptan con nerviosismo por temor a que los padres despierten.

La sorpresa para los chicos es que al comenzar a buscar a las hermanas por la casa, descubren inicialmente el cuerpo de Bonnie colgando de las vigas. Luego los cadáveres de todas tras suicidarse una vez : Therese ha consumido una sobredosis de somníferos, Mary metiendo la cabeza en el horno, Bonnie , como ya sabemos, ahorcándose, y, al día siguiente, los bomberos descubren a  Lux siendo la última en morir encerrándose en el garaje con el coche en marcha y un cigarro en la mano. Todas las chicas se han suicidado en un aparente pacto de suicidio.

Los Lisbon, que desde la muerte de Cecilia,  ya habían captado la atención de los medios , vuelven a ser sujetos de atención, y ahora tanto el medio televisivo como los vecinos especulan el por qué las otras cuatro hermanas hayan decidido suicidarse . Los padres no paran de declarar que a sus hijas nunca les faltó amor. Finalmente, los señores Lisbon venden su casa, a una joven pareja del área de Boston . Todas las cosas de sus hijas y se van de la ciudad, dejándolo todo como si la existencia de las hermosas chicas jamás hubiese ocurrido.  De hecho,  esa es la razón por la que conocemos por lo narrado por Tim lo que había escrito Cecilia en su diario.

La vida continúa con normalidad a pesar de la tragedia como comprobamos en una fiesta de disfraces con más caras anti gas, excepto por el recuerdo que conservaban de ellas los chicos del vecindario, quienes aún veinte años luego de los sucesos trágicos, conservan en su memoria a las hermanas, cuya razón para el suicidio jamás se supo. Acaba así la película.

La película fue rodada en 1998 en Toronto, como en en el número 28 de Dunloe Road, en el Varsity Stadium de la Universidad de Toronto, en el St. John's Norway Cemetery and Crematorium de la ciudad y en el Monarch Park Collegiate Institute sustituyendo a los suburbios de Detroit, Michigan , y el rodaje duró aproximadamente un mes. Algo también se rodó en Los Ángeles.

Como ya hemos señalado Sofia Coppola escribió el guión de la película en 1998 después de que el proyecto ya estuviera iluminado en otro estudio, adaptándolo de la novela original, de la que ella era fan. Otro guión ya había sido escrito por Nick Gomez , pero la productora que era propietaria de los derechos en ese momento, Muse Productions, no estaba satisfecha con el guión.

Después de que caducaran los derechos de la novela, Coppola presentó lo escrito por ella a los ejecutivos de Muse, Roberta y Chris Hanley, el último de los cuales se unió a la coproducción, siendo Papá Francis el productor principal.

Para  el casting realizado por un equipo integrado por John Buchan, Robert McGee, Howard Meltzer - que actuaba en calidad de director de casting - y Linda Phillips-Palo , Sofia Coppola contó con Kathleen Turner que fue la primera actriz que se unió al proyecto,  una vieja colaboradora de su padre, pues Turner había trabajado con  Coppola después de que co-protagonizaran juntos en Peggy Sue Got Married (1986). Otro veterano con el director de origen italiano, James Woods fue lanzado junto a Turner como el padre pasivo; Woods recibió el guión del padre de Coppola, Francis, y quedó tan impresionado con el guión y el "humor negro" del personaje que aceptó interpretar el papel. Se contó con otro habitual de Coppola, Scott Glenn. Y pasaron por la audición muchos actores y actrices como Alicia Silverstone al que se le ofreció el papel de Mary Lisbon, pero lo rechazó. Como seña de identidad de los Coppola, el actor Robert Schwartzman (Paul Baldino) es el primo de la vida real de la escritora y directora Sofía Coppola .

Para el papel de Lux, Coppola audicionó a numerosas actrices, pero señaló a Kirsten Dunst, quien tenía dieciséis años en el momento de su casting. Dunst dijo: "Estaba nervioso. Era mi primer rol que era más 'sexy'. Tampoco estaba seguro de cuán grande iba a ser el rol, porque gran parte era sin diálogo. Cuando conocí a Sofía, inmediatamente supe que ella lo manejaría de una manera delicada ... [ella] realmente sacó a relucir el aspecto luminoso de las chicas, las hizo como ángeles etéreos, casi como si no fueran realmente ahí."

Para el tono de la película Sofia  Coppola se inspiró en las fotografías del fotógrafo Takashi Homma de los suburbios de Japón al elegir los lugares de rodaje; "Siempre me ha sorprendido la belleza de los detalles banales", dijo, "y de eso se trata el estilo suburbano".

El uso ocasional de fotogramas y collages de la película pretendía evocar la "fantasía" de la adolescencia. Para la misma contó con el director de fotografía Edward Lachman , mientras que su hermano,  Roman , fue el director de la segunda unidad de la película.

Durante el rodaje se personó en el mismo, Jeffrey Eugenides visitó el set de la película durante tres días.

A la música  original compuesta para la película de Air , se añadirán  canciones de artistas de la década de 1970 y cinco temas de la década de 1990 de Sloan . Sofía Coppola quería transmitir el tema de la adolescencia en los suburbios en la banda sonora . Un álbum de bandas sonoras se lanzó en 2000 con música de Todd Rundgren , Steely Dan , Boston , Heart , Sloan , The Hollies , Al Green , Gilbert O'Sullivan , 10cc , Styx , y dos canciones de Air (una grabada previamente y otra compuesta por para la película).

La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1999 y siendo más tarde estrenada , aunque de forma  limitada el 21 de abril de 2000 en los Estados Unidos, y luego se  generalizó en mayo de 2000.

La película fue bien aceptada tanto por el público - llegó a recaudar algo más de 10 millones de dólares- como por  la crítica que, en gran parte fue positiva, tanto con las actuaciones como con la dirección nobel de la Coppola

El crítico Graham Fuller de The New York Times  no la valoró en demasía y dijo de ella que "La Sra. Coppola ha hecho una [...] inquietante celebración metafísica de la adolescencia con el aura de un mito. Sin embargo, en la superficie, hay algo que no funciona". No obstante también en este diario  The New York Times alguien escribió de la película que era "Un film deslumbrante".

Pero , por su parte, Kevin Thomas, de The Los Angeles Times, elogió la dirección, el reparto y el diseño de producción de Coppola, pero también señaló que si bien la película "es exitosa  ... es necesario saber que es también una verdadera decepción ". El sabrá el por qué.

Para "el Pope" Roger Ebert  la película le remitía a Picnic en Hanging Rock (1975): "[Coppola] tiene el coraje de interpretarla en una clave menor", dijo.   "Ella no insinúa ideas e interpretaciones. Está contenta con el aire de misterio y pérdida que cuelga en el aire como un amargo sentimiento".

Ed González, de Slant Magazine, observó la naturaleza infantil y de ensueño de la película, y escribió: "El narrador habla de la juventud como si existiera y todavía exista en un estado casi fugado. En este sentido, la película es una visión relevante de la adolescencia y "Las relaciones entre hombres y mujeres son un acto de recuerdo. Las escenas de la película (primeros besos, chismes sobre vecinos) son de naturaleza arriesgada y parecen sacadas de las páginas de un álbum de fotos perdido".

El crítico Richard Crouse , por su parte, fascinado dijo que era "una de esas raras ocasiones en que una película supera el libro en el que se basa", y la incluyó en su libro Las 100 mejores películas que nunca has visto (2003).

La película fue elegido por "Les Cahiers du cinéma" como una de las 10 mejores película de 2000 , igualada en séptima posición con otra ya vista y comentada aquí, "Yi-Yi".

En España   para M. Torreiro del El País se trata de  "Una pequeña, escondida, sincera maravilla" . Por su parte,  Javier Ocaña en  Cinemanía sostiene que es "Sorprendente, magnífica, ensoñadora"

Pablo Kurt en filmaffinity comenta que "La hija de Coppola deslumbra en su ópera prima con un envolvente y sugerente drama que cautiva por su atmósfera embriagadora, desgarrador guión y su estética hipnótica. No es perfecta, pero es una pequeña joya de obligada visión que recuerda a "Picnic at Hanging Rock", 1975, de Peter Weir".

Para el escritor Gustavo Martín Garzo en febrero de 2012 en El País escribe "(...) Las vírgenes suicidas es una obra llena de humor y ternura, que indaga en el secreto de la feminidad, el deseo y la muerte; una novela sobre esa belleza indisociable del dolor que es uno de los misterios más hondos de la existencia humana.

(...)  La película de Sofía Coppola habla de esa eterna disociación entre la realidad y el deseo que no ha dejado de torturar a los hombres, y que es sin duda el descubrimiento más doloroso a que se tienen que enfrentar los adolescentes en su tránsito hacia la edad adulta. Todos deben aceptar que esa vida a la que se encaminan es demasiado estrecha para albergar los anhelos que albergan en su interior. Tal es la enseñanza de la película de Sofia Coppola: la muerte de las tiernas vírgenes no se debe a un rechazo de la vida sino a un exceso de amor. Aman tanto la vida que no pueden soportar la idea de que esa verdad que ocultan nunca llegue a ser real.

Y Mina López en El diario.es sostiene hablando más sobre el libro que sobre la película que  "más allá de la incomprensión del suicidio, el tema de la novela es la decadencia de la clase media americana en los años 60, que ve como la bonanza y la paz de la posguerra se empieza a desvanecer como un espejismo." Y acaba diciendo que "Sin quitarle mérito alguno a Eugenides, la huella que su historia ha dejado en la generación que la leyó por primera vez y a las sucesivas, se debe en gran parte a la adaptación que Sofia Coppola hizo para la gran pantalla. La directora se adelantó décadas a Instagram y con el filtro amarillento de la película y la pegajosa banda sonora que el grupo francés Air consiguió reproducir a la perfección el clima asfixiante que destilan las páginas del libro".

La película es un ejercicio de memoria, un deseo por no olvidar por parte de los chicos que fueron y adultos que son, y pudiera responder a eso que James Cameron comentaba en un documental con el actor británico Peter Capaldi sobre la fascinación que ejerce la muerte en las narraciones cinematográficas y televisivas. Más aún en este relato que te remite al dicho "muere joven, incomprendido, rebelde".

Hay también eso que Proust denominó en su obra "En busca del tiempo perdido", al fin y al cabo eso es la base de la narración en ese sentido me remite a esa película de Richard Linklater vista no hace mucho tiempo que era "Danzed & Confused" aquí conocida como "Movida del 76", una película que quiere captar un recuerdo. 

Es un buen relato del proceder de los adolescentes y como los retazos  en este momento vital permanecen de manera (in)alterable en el recuerdo, al menos, en la sensación de lo que quieres y te esfuerzas en recordar. 

Técnicamente la película me ha parecido una maravilla, por la combinación de imágenes estrictamente narrativas, con imágenes en las que las chicas, especialmente Kirten Dunst juega abiertamente con la cámara, sabedora de que ella es en parte la protagonista principal del relato. Es cierto que, en ocasiones, en relación a la música pudiera recordarnos a un Videoclip, pero eso no merma, sino que en , en este caso, ayuda a darle más valor. 

A valorar igualmente su montaje, en el que colocar en orden lo rodado, pensemos en la idea de tiempo expresada en la imagen de una casa llena en su vida interna, pero vacía en su exterior. 

En definitiva una buena película con magníficas interpretaciones , algunas brillantísimas como las de James Woods o Kathleen Turner, o la misma Dunst, la actriz de New Jersey, pero de origen alemán que pude conocer con Jumanji , pero en la que todos los demás participan activamente para hacer de este terrible historia coral sobre la memoria y muerte,  todo un monumento a una película que me ha parecido magnética en su historia y en sus personajes que no dejan de envolvernos jugando con elementos que pudieran ir desde los naïf hasta lo dulce, pasando por lo inocente, por lo mágico o fantasmagórico - como vemos a Cecilia en algún momento tras su muerte- hasta acabar siendo un película dura, nociva, cruel y brutal que te deja la sensación de haber recibido un bofetón en plena cara dado con guantes de seda del que , eso sí, salen no estrellas, sino unicornios.

Pecos Bill, un cuento chino

Ya he hablado por aquí de Pecos Bill, aunque fuese en la versión animada que realizó Walt Disney , que pude ver en mi infancia y cuya canción todavía guardo en mi recuerdo. Tanto me impresionó que le dediqué una entrada, Un viejo ( o joven) Pecos Bill, al volverla a ver. Pecos Bill forma parte del imaginario cultural estadounidense, en la misma medida que están Ichabob y Sleepy Holow. 

Lo cierto es que el oeste y su conquista dio mucho de sí y generó personajes reales unos, imaginarios otros, pero todos han quedado como leyendas con todo lo que aporta al subtrato cultural de una nación. Lo intersante es que los estadounidenses no sólo nos supieron vender su cultura en lo estético, lo musical, sino , en gran medida, también en su folklore cultural. Pecos Bill es de uno de ellos. 

En este caso el personaje fue creado por el escritor Edward J. O'Reilly en 1923. Desde entonces sabemos de su vida en Texas, de como el río Pecos al suroeste del estado de la estrella solitaria, como el curso fluvial le dio un apellido, de su tendencia a marchar a México , de su caballo y de sus pocos o muchos amigos,... 

Ante la perspectiva de ver un  nuevo retrato del personaje he decidido ver la película Tall Tale , que literalmente se podría traducir como Cuento Chino, pero que responde a otro subtítulo Tall Tale: The Unbelievable Adventures of Pecos Bill , presentado en España bajo el título Un cuento: El mito de Pecos Bill

La película es una historia de ficción que desarrolla sus aventuras del oeste de Estados Unidos y que fue estrenada en 1995 dirigida por el canadiense Jeremiah S. Chechik .  Un director responsable de títulos con más - más bien menos- recorrido como National Lampoon's Christmas Vacation - aquí vendida como (''¡S.O.S! Ya es Navidad''), Benny & Joon, Diabolique y Los vengadores. Por este último filme, aburrido y pretencioso como pocos, estuvo nominado para peor director en en los premios Golden Raspberry de 1998 con Los vengadores, pero perdió contra Gus Van Sant por su remake de Psycho. Desde ese momento su carrera ha tenido un recorrido no muy extenso.

La película fue escrita por Steven L. Bloom y Robert Rodat como un ambicioso proyecto de la Disney . Se trataban de dos guionistas de peso, con experiencia, como Steven Bloom responsable de ''James y el melocotón gigante'') y Robert Rodat , nada más y nada menos que ''Salvar al soldado Ryan''. Al estar detrás la Disney el protagonismo lo asume un niño del inicios del siglo XX que tiene la oportunidad de conocer a los héroes del lejano Oeste.

La película fue producida por la Walt Disney Pictures y Caravan Pictures  y fue rodado en 1993, pero no se lanzó hasta marzo de 1995. Los productores fueron Roger Birnbaum y Joe Roth, mientras que Bill Badalato y Kirsten W. Welles como productores ejecutivos   siendo la distribución responsabilidad de Buena Vista Pictures. La película manejó un mareante presupuesto de 32 millones de dólares.

En el apartado musical contaron con la música de Randy Edelman y la fotografía del habitual colaborador de Spielberg, Janusz Kaminski  quedando la edición en manos de Richard Chew. El buen casting fue realizado por Jackie Burch.

El elenco lo integran  Patrick Swayze como Pecos Bill,  Oliver Platt como el leñador Paul Bunyan,  Roger Aaron Brown como el forzudo de color John Henry. Junto a ellos aparecen  Nick Stahl como Daniel Hackett , Scott Glenn como el malvado JP Stiles,  Stephen Lang como Jonas Hackett , Jared Harris como el jefe Thug Pug , Catherine O'Hara como Calamity Jane , Moira Harris como Sarah Hackett , Joseph Grifasi como hombre con sombrero de copa,  John P. Ryan como Grub,  Scott Wilson como Zeb , Bert Kramer como Bronson , William H. Macy como el magnate del ferrocarril, el gran  Burgess Meredith como el Viejo, Bruce Nahin como un borracho de la ciudad, Kenneth Swartz como empleado de la tienda, la voz de Sean O'Kane - que yo no escuchado pues la visto en castellano- ,  Tony Teebo como banquero (sin acreditar),  Thomas J. Connolly como un matón, Tara J Talley ~ Hagen como maestra de escuela , algunos de ellos sin acreditar.

La historia se inicia en un bucólico lugar del Oeste y tiene como protagonista a Daniel Hackett (Nick Stahl),, un niño que vive , muy a su pesar, con sus padres en una granja aunque su sueño de vida está en la modernidad, ( le alucina ver un coche a motor) de la ciudad de Nueva York. . Su predisposición a vivir en la granja no es buena ya que no ve en ella futuro alguno, a pesar de los que le comenta su padre padre, Jonas (Stephen Lang), al que le gusta contarle a Daniel cuentos sobre Pecos Bill , uno de los vaqueros más famosos de todos los tiempos, al igual que de otros personajes como el leñador Paul Bunyan y el forzudo John Henry a lo que Daniel lo ha escuchado muchas veces llevándolo a dudar de su existencia.

Sin embargo, la tranquilidad de Paradise Valley , el sitio en el que vive, se ve alterada por la presencia en la localidad de JP Styles (Scott Glenn), un adinerado comerciante y ex pistolero, que apoyado por los magnates del ferrocarril ( entre ellos William H. Macy) que quiere comprarles a todos los granjeros de la zona sus tierras para poder pasar el ferrocarril por ellas.

Stiles intenta convencer a los agricultores del área para que le vendan sus tierras, sobre todo Jonas, ya que su granja se encuentra en el centro de donde quiere desarrollarse.

El padre de Daniel se niega a vender sus terrenos y hace a su hijo custodio de las escrituras para que las guarde. Styles dispara al padre de Daniel y le hiere gravemente.

Con Jonas en estado crítico e incapaz de cultivar, su tierra corre peligro. Enfadado, Daniel sale corriendo a esconderse en el barco de su padre y se duerme.

Cuando Daniel se despierta, descubre que el bote se había desatado y se había desviado aguas abajo hacia los desiertos de Texas.

Después de un breve encuentro con dos piojosos ladrones, Daniel es rescatado por el legendario vaquero Pecos Bill (Patrick Swayze) con un certero disparo con el que quita un dedo al pistolero, marca de la casa. El chico le pide ayuda al pistolero, que les perdona la vida alegando que es sábado , día que no mata a nadie. El dice que  que va hacia el sur , a México, pero decide acompañarle.

Casi desde el principio se mete en problemas como en una serrería y más tarde forma equipo con el leñador Paul Bunyan (Oliver Platt) y el ex esclavo afroamericano John Henry (Roger Aaron Brown).

Cada uno de estos héroes conecta con Daniel y se involucra en una lucha cada vez más amarga y combatida contra Stiles, cuyos planes para comprar tierras amenazan la fuerza de los héroes populares y el bienestar de la gente común que habita en el oeste de los Estados Unidos.

En esa aventura aparecen distintos personajes que aportan ideas como el viejo (Burgess Meredith) o la antigua compañera sentimental de Pecos Calamity Jane (Catherine O'Hara) que para una pelea entre Pecos y un pistolero que desprecia a los texanos.

En un momento dado a pesar de la oposición del grupo, Stiles se hace con  la escritura, Daniel se despierta al darse cuenta de que era solo un sueño. En el mismo también ha visto a su padre casi esclavizado trabajando a pico y pala para la compañía del ferrocarril que va a terminar con el espíritu del oeste. El sueño le permite descubrir lo mucho que ama su granja y esas tierras salvajes.

Al despertar comprueba que tiene la escritura y busca a su madre, que le informa que su padre está fuera de peligro. Tras eso va en busca de Stiles. Éste va en el tren y parece que está a punto de entrar en sus tierras. Daniel se pone delante de la locomotora y Stiles da orden de atropellarlo, hasta que John Henry  llega y  frena el tren.

De inmediato Stiles ordena a sus hombres que los maten, pero Pecos llega y les dispara los dedos del gatillo con suma habilidad como cuenta la leyenda. A Bill se le suman los hombres y mujeres de la zona para ayudar y recuperar sus tierras, mientras que Paul, en el túnel, al  que entró sin que  nadie lo percibiera, quita los postes de la mina.

Daniel luego termina el trabajo de Paul quitando el último poste  acabando con Stiles y sus hombres y el ferrocarril mientras una multitud aplaude.

Daniel luego regresa a la granja y admite que las historias eran ciertas y que su tierra es importante. Mientras vemos que se despide de Paul que va siempre con su buey azul Babe, y John con su mula Cold Molasses. Los se despiden de Daniel y desaparecen después.

Pecos deja su caballo a Daniel descubriendo que es muy dócil no como parecía con anterioridad que con una coz te mandaba a la luna, como reflejaba la leyenda y gira su lazo en un tornado para su partida. Los dos se despiden y en ese momento acaba el mito de Pecos Bill.

El rodaje de la película comenzó el 12 de septiembre de 1993 acabando en diciembre de ese mismo años , aunque la distribución de la misma no llegó hasta dos años después.

El rodaje tuvo lugar en diversos espacios de California , así como alguno en otros estados . Se rodó en Ranch y Melody Ranch en Santa Clarita, Vasquez Rocks State Park cerca de Agua Dulce, , Fillmore,  y Barstow, todos ellos en California.

También se rodó en  Carbondale,y  Glenwood Springs, en Colorado , así como en el río San Juan y Mxican Hat en Utah y en su Monument Valley . La filmación se completó el 16 de diciembre de 1993. Locaciones de filmacion

Como ya he señalado la película tuvo su estreno el 24 de marzo de 1995  y , a pesar de su elenco y su elevado presupuesto de $ 32 millones (estimado) sólo consiguió en taquilla $ 11 millones sumando lo obtenido en Estados Unidos y fuera del país. Por lo tanto , la película fue un fracaso a nivel nacional y mundial.

La película ha recibido críticas mixtas.Sin embargo, Roger Ebert le dio a la película una crítica positiva. En este sentido Peter reiner de "Los Ángeles Times" señala "Si se supone que una buena película para niños abre los ojos de su público joven, entonces el titulado "Tall Tale: The Unbelievable Adventures of Pecos Bill", algo engañosamente dicho, es muy bueno.

No piensa así Janet Maslin que desde las páinas del New York Times dijo "Esta no es la materia de la que se hacen las leyendas." o lo señalado en el Washington Post por Rita Kempley "Los súbditos de Mickey en este documento transforman a tres de los superhéroes fronterizos más punteros de América en iconos de lo política y ecológicamente correcto para nuestro tiempo". Igualmente Stephen Hunter del Baltimore Sun afirma que "Disculpe, ¿es esta una lección para niños? Hola, niños, si sueñan lo suficiente, los héroes míticos saldrán de sus fantasías y ayudarán a derrotar a sus enemigos con tiroteos de lujo".

 Por mi parte destacar que estamos ante una película familiar , con buena factura, pero absolutamente desperdiciada . El enfoque es tan pueril que ni a los niños atrae. Toma el modelo  o , al menos, eso parece de "Field of Dreams"pero en vez de jugadores de beisbol los elegidos son héroes de la literatura del oeste.  Esperaba más de un producto bien presentado, pero mal gestionada, endeble. Si quieres pasar una hora y media vale, pero igualmente puedes prescindir de ella.

El silencio de los corderos

Era miércoles, día del espectador, aunque pudiera ser día del estudiante. Era septiembre de 1992 y las críticas no pedían ser mejores. El cine era el Santa Rosa, la sala, llena. Expectación. Comenzaba. 115 minutos después, los que salíamos de esa gran sala, ya comprendíamos a la perfección un concepto, el de caníbal, que para más coincidencia rima con Hannibal. Hannibal , el caníbal desde ese septiembre de 1992 caminan juntos, son inseperables.

Es tremendo, pero ya han pasado 25 años desde aquel día que colocamos un director en órbita, Jonathan Demme, y a dos de sus tres actores protagonistas, Jodie Foster y Anthony Hopkins, en el Olimpo cinematográfico.

El silencio de los corderos, era una novela negra de terror escrita por Thomas Harris  que había tenido cierto recorrido en los Estados Unidos y cuya primera entrega, El dragón rojo, había sido llevada a la pantalla con el título de Manhunter con más pena que gloria. algo que no pasaría con esta segunda entrega que vuelve a tener a Hannibal Lecter y a Jack Crawford , como personajes de interés aunque ahora se le suma una nueva agente, aquella que dejamos momentos antes de que visite al doctor Lecter. Se trata de la agente Sterling.

Desde que fue concebida y su estreno en 1991  la película que combina a la perfección un thriller con crímenes y terror se le considera un clásico del género. La cinta fue la tercera película en obtener los cinco premios principales de la Academia de Artes: Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director (Jonathan Demme), Óscar al mejor actor (Anthony Hopkins), Óscar a la mejor actriz (Jodie Foster), y el Óscar al mejor guion adaptado (Ted Tally), una hazaña que ya había sido lograda por Ocurrió una noche (It Happened One Night, 1934) y por Alguien voló sobre el nido del Cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest,1975). Igualmente, es  de las pocas películas de terror en hacerse con el Óscar a la mejor película,  y está considerada un logro «cultural, histórico y estético» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y la cinta original fue preservada por este ente gubernamental en 2011. Desde el estreno de The Silence of the Lambsel día de San Valentín - buen día para una película de terror- de 1991 fue un éxito en taquilla recaudando más de  $272.7 millones de dólares en taquilla, en contraste con $19 millones de su presupuesto inicial, convirtiéndola en una de las películas más exitosas de aquel año.

Entrando ya en la película decir que fue dirigida por Jonathan Demme y  que está basada en la novela homónima de Thomas Harris, escrita en 1988 como secuela de El dragón rojo (1981), aunque aquí el guion es de Ted Tally, ya que Harris no quería saber nada sobre sus libros llevados al cine .

Se trata de una producción de Edward Saxon , Kenneth Utt y Ron Bozman en la que están implicadas las productoras Strong Heart, Demme Production y cuya distribución la asumió la extinta Orion Pictures , una compañía de Hollywood formada por tres ejecutivos de United Artists (Arthur B. Krim, Eric Pleskow y Robert S. Benjamin, a los que se unieron William Bernstein y Mike Medavoy ) , que en poco tiempo crearon de una pequeña empresa con una larga reputación que nacía con la idea de financiar películas realizadas por productores independientes - como Woody Allen- y distribuirlas por otro estudio, Warner Bros., con Orion manteniendo el mando de la distribución y anuncio , y aunque había ganado varios Oscar por sus filmes, cayó rápidamente en una enorme deuda en los años 90 y que después salir de la quiebra, la compañía desapareció tras haber sido vendida a Metro-Goldwyn-Mayer y operando solo como una compañía subsidiaria de Metro-Goldwyn-Mayer, que curiosamente, es una empresa "hermana" de United Artists.

La película contó con un presupuesto US$19 millones que se multiplicó en la recaudación con más de 272 millones de dólares.

La película contaba con una banda sonora escrita por Howard Shore , la fotografía de Tak Fujimoto y el montaje de Craig McKay.

El reparto está integrado por Jodie Foster como Clarice Starling, Anthony Hopkins como Hannibal Lecter, Scott Glenn como Jack Crawford, Ted Levine como Jame Gumb/Buffalo Bill, Anthony Heald como el Dr. Chilton, Brooke Smith como Catherine Martin. A estos su unen Frankie Faison como Barney Matthews, Diane Baker como la Senadora Ruth Martin, Kasi Lemmons como Ardelia Mapp, Charles Napier como el Teniente Boyle, Danny Darst como el Sargento Tate, Jim Pembry como un Sargento , Dan Butler como Roden, Paul Lazar como Pilcher y George A. Romero como un agente del FBI en Memphis , Junto a ellos aparecen en pequeños papeles Tracey Walter, Chris Isaak, Roger Corman, Daniel von Bargen y Cynthia Ettinger

La película da inicio con una agente en formación como es Clarice Starling (Jodie Foster) que aparece corriendo por el bosque de entrenamiento cerca de Quantico (Virginia), lugar de la academia de formación de los jóvenes reclutas para el FBI.

En un momento dado uno de ellos se dirige a Clarice Starling, una pretendiente a ser joven agente del FBI, con el cabeza visible de la división del FBI en perfiles psicológicos de asesinos en serie Jack Crawford (Scott Glenn), investigador al que admira Clarice Starling

Éste le encarga a la joven psicóloga la entrega de un cuestionario al psiquiatra Hannibal Lecter, confinado en un centro psiquiátrico de Baltimore debido a sus crímenes por canibalismo. El motivo para este encuentro es que el asesino en serie apodado como Buffalo Bill es el responsable de las muertes de varias jóvenes adolescentes, y del que Starling debe sacar su perfil psicológico y sus datos mediante la colaboración de Lecter.

Éste, inicialmente se muestra esquivo y casi maleducado con ella, pero tras unos primeros momentos de tanteo cambia y se transforma en un ser educado y cordial con Starling la mayor parte del tiempo, aunque a lo largo de la conversación le lanza repetidamente provocaciones muy sutiles a su forma de vestir, sus zapatos, sus cremas corporales y a su personalidad, valiéndose de una mezcla de palabras bien escogidas y expresiones faciales y corporales aparentemente engatusadoras. Hasta que Starling le entrega el cuestionario, momento en que rehúsa ayudarla en el caso.

Sin embargo, cuando se da cuenta de las groserías lanzadas por los otros compañeros de celdas contiguas y especialmente cuando uno de ellos ofende gravemente a Clarice mientras se va, Lecter cambia de parecer y le da una pista para que siga investigando, tras lo cual ella abandona rápidamente el lugar, pues los demás presos parecen haber  enloquecido.

La pista, una anagrama, le lleva hasta un trastero de la periferia de Baltimore y, allí en un bote, encuentra la cabeza de la primera víctima de Lecter. Éste entonces ve que es competente  y comienza a dar directrices sobre cómo y por dónde irán apareciendo cuerpos.

Mientras aparece la quinta víctima de Bill en un río y en el Estado de Virginia Occidental. Se hallaba en el agua y en un grado elevado de descomposición. Allí van Crawford y Starling con otros miembros de su equipo. Starling se queda durante la autopsia y de la misma se deduce que había sido asesinada pasados tres días desde su captura. Al examinar la boca de la joven asesinada, la agente Starling  encuentra dentro de la garganta una crisálida de una mariposa.

Starling lleva la crisálida a unos entomólogos, que la identifican como Acherontia styx, la mariposa cabeza de muerte, cuyo hábitat se limita a algunas zonas de Asia y que en los Estados Unidos sólo está en posesión de aficionados y cultivadores.

Por otro lado, en Memphis, Tennessee, Catherine Martin se dirige a su casa en coche mientras suena en la radio American Girl. Al llegar a casa vemos que sus movimientos son seguidos por alguien. Cuando va a entrar en casa ve a un hombre que está intentando meter un sillón en una furgoneta, con una astuta treta es engañada y secuestrada. Evidentemente, se trata de Buffalo Bill.

Cuando su madre, la senadora Ruth Martin, se entera, cunde el pánico. Starling vuelve con Hannibal Lecter y le ofrece un trato: si él le aporta información relevante para atrapar a Bill y rescatar a la chica, la senadora Martin transferirá a Lecter a una nueva institución, donde podrá gozar de más libertad, de paseos en la playa y de una ventana con vistas al exterior.

Lecter, no obstante, le propone otro trato a Starling, un "quid pro quo", una cosa a cambio de otra, por la que ella deberá responder preguntas y hablar de su vida privada y él, a cambio,  le dará respuestas sobre Buffalo Bill. El trato es aceptado y Lecter comienza haciéndole preguntas a la agente sobre sus recuerdos de la infancia y la muerte de su padre, un agente de policía local.

Después, Hannibal le explica que lo que Bill busca es cambiarse a sí mismo, y que es presa de una obsesión que le hace creer que es transexual, lo cual se refleja con la metamorfosis de la crisálida de mariposa. Poco después, añade que Bill no nació criminal, sino que se convirtió en ello al sufrir años sistemáticos de abuso, y que probablemente la búsqueda de cambio se debe al odio que siente por sí mismo.

Mientras Hannibal da sus explicaciones descubrimos que el doctor Chilton, administrador del psiquiátrico, ha estado escuchando en secreto la conversación entre Lecter y Starling.

Chilton le advierte a Lecter que la propuesta de Crawford es mentira y le ofrece una nueva: si revela la identidad de Buffalo Bill, será transferido a otro psiquiátrico, aunque con la condición de que únicamente Chilton obtiene reconocimiento público a cambio de ello. Lecter insiste en que únicamente proporcionará esa información a la senadora en persona, y Chilton acepta.

Sin que el médico lo sepa, Lecter ha conseguido ocultar su bolígrafo con hebillas, que posteriormente utilizará.

Cuando llegan a Tennessee, Lecter, maniatado con una espectacular máscara se divierte a costa de la senadora, entreteniéndose con la angustia de la mujer, aunque también le dice que le encanta su abrigo, pero al cabo del tiempo decide dejarle el nombre real de Bill: Louis Friend que es en realidad un acertijo que Clarice comprende.

Con esta nueva información, el FBI emprende de nuevo la búsqueda de Bill para salvar a Catherine. Al día siguiente, Starling va a Menfis a visitar aLecter con el que mantiene una nueva conversación, donde la agente le cuenta la anécdota más terrible de su infancia: Una noche, en el rancho de su tío, se levantó al oír gritos que parecían de humanos. Al acercarse al granero descubrió que eran  corderos lechales destinados al matadero e intentó frustradamente salvar a uno. Huyendo con él fue encontrada al cabo de unas horas por la policía. Su tío, además, no tuvo reparos en matarlo.

Hannibal le pregunta si aún sigue oyendo esos lamentos, y si cree que salvando a Catherine logrará acallarlos. Antes de que ella pueda responder, el Dr. Chilton aparece para prevenir que Lecter pueda aportar a la agente datos de Bill, y Starling es conducida hasta la salida.

Esa misma noche, Lecter pide de cena chuletas de cordero. Usando solo la hebilla del bolígrafo que tiene camuflada en la mano, consigue escapar de las cadenas que lo atan a la verja de la jaula en la que está encarcelado.

Tras liberarse ataca a los dos oficiales encargados de su custodia. Tras dar la alarma un grupo operativo de la policía procede a intervenir. Pero cuando llegan ven dos cuerpos destrozados, aparentemente son de los policías. Uno parece malherido,  y es llevado en ambulancia al hospital. Cuando lo introducen en el ascensor detectan salpicaduras de sangre procedentes del falso techo del ascensor.

Al poco tiempo descubrimos que el que parecía policía es realmente Lecter que fingiendo ser uno de ellos vistiéndose con su ropa y arrancándole parte de la piel facial para usarla a modo de máscara de modo que simule estar herido y así ser evacuado... Cuando el resto de policías se dan cuenta del engaño ya es demasiado tarde.

Más tarde la compañera de Starling le cuenta vía telefónica que han encontrado la ambulancia en la que Lecter escapa con el personal sanitario muerto además de que es informada que un turista también asesinado a quien le ha robado el dinero.

Sin embargo Starling la tranquiliza pues no teme que ella sea el objetivo de Lecter. Mientras, Starling es enviada por Crawford a la casa de la primera víctima de Bill: Frederica Bimmel, en Ohio, donde se entera de que Bimmel, una chica gruesa, con poca autoestima,  era costurera. Las prendas del armario de la joven asesinada tienen parches idénticos a la piel arrancada de la última víctima de Bill. Starling entonces deduce que lo que Bill busca es transformarse a sí mismo en mujer tejiendo capas de piel superpuestas entre sí.

De inmediato telefonea a Crawford, pero éste le informa de que la teoría de la transexualidad coincide con uno de los casos del hospital Johns Hopkins: Jame Gumb, a las afueras de Chicago.

Tras la llamada, Starling continúa entrevistando a los amigos de Bimmel. Stacy, una de sus amigas, le comenta a la agente que Bimmel trabajó una vez para una señora mayor llamada Lippman.

Cuando Starling va a la casa de Lippman y llama a la puerta, le abre la puerta  no una mujer sino un hombre que dice llamarse Jack Gordon.

Starling entra y es entonces cuando ve bastante desorden y suciedad en una casa de una mujer, así como una mariposa desarrollada, una Esfinge de la Calavera, volando en la casa a su alrededor posándose sobre unos de los muchos ovillos de costura, justo en ese instante comprende que se encuentra tras el psicópata.

Sin saber qué hacer, le pide usar su teléfono y, cuando éste mira para otro lado, la agente saca su arma e intenta arrestarle. Bill, sin embargo, consigue huir. Al perseguirle, pasa a un sótano en el que Starling encuentra a Catherine encerrada en un pozo abierto y pidiendo ayuda.

Antes de que Clarice pueda hacer nada, las luces se apagan y dejan a la agente sumida en la oscuridad.

Gumb, valiéndose de unas gafas de visión nocturna, surge tras Starling y prepara su pistola. Al oír el sonido del gatillo de la pistola, Starling se vuelve rápidamente y dispara a Gumb, que cae muerto.. Tras esto., Starling rescata a Catherine y llama al FBI.

Durante su graduación de honor como Agente Especial de la Academia del FBI, a la que asisten sus compañeros y Jack Crawford,  Starling es avisada de que acaba de recibir una llamada telefónica de alguien. Ese alguies resulta ser Lecter, quien quiere saber si los corderos han dejado de gritar.

Asustada, Clarice trata de averiguar dónde se encuentra Lecter, ya que teme que la vaya a buscar, pero Lecter le dice que no se preocupe pues el mundo es más interesante con ella en él, y que le agradecería ser correspondido de igual forma por ella, a lo cual Starling responde que no puede prometer lo mismo.

Entonces Lecter se despide diciendo que un viejo amigo le espera para "cenar", tras lo cual cuelga dejando a la intrigada Starling al teléfono. Finalmente se muestra a Lecter en un país afroantillano a donde acaba de llegar en avión el doctor Chilton quien algo angustiado está pidiendo medidas de seguridad al policía que le recibe, al tiempo que se ve a Lecter caminando lentamente hacia él a cierta distancia. Acabando así esa joya del thriller de los noventa.

El silencio de los corderos se estrenó el 14 de febrero de 1991. La película fue la cuarta película más taquillera de 1991.

El rodaje de la película comenzó el 15 de noviembre de 1989, y concluyó el 1 de marzo de 1990. El rodaje tuvo lugar principalmente en Pittsburgh y alrededores en el Estado de Pennsylvania, con algunas escenas rodadas en las inmediaciones del norte de Virginia Occidental .

El hogar de Buffalo Bill utilizado para escenas exteriores se encontraba en Layton, Pennsylvania . Y el exterior del Western Center , cerca de Canonsburg, en Pennsylvania sirvió de escenario para el Hospital Estatal de Baltimore para criminales dementes.

En lo que fue un rara excepción el FBI permitió escenas que se filmaron en la Academia del FBI en Quantico; y algunos miembros del personal del FBI, incluso asumieron en pequeños papeles .

El silencio de los corderos se basa en la obra de Thomas Harris  que fue publicada en 1988 dos años  después de haberse estrenado la película Manhunter de 1986 . Antes de la liberación de la novela, Orion Pictures se asoció con Gene Hackman para llevar la novela a la gran pantalla. Hackman parece ser que estaba dispuesto a dirigir y posiblemente protagonizar el papel de Lecter. Se hicieron las negociaciones para dividir el costo de $ 500,000 de derechos entre Hackman y el estudio. Lo cierto es que cuando Jodie Foster leyó la novela de Thomas Harris quiso comprar los derechos para su adaptación cinematográfica, sin embargo se le había adelantado Gene Hackman, quien se gastó miles de dólares en los derechos de la adaptación de El silencio de los corderos.  Inicialmente este tendría que haber sido Hannibal Lecter. Sin embargo, cuando vio clips de sí mismo en los Oscar de 1989 interpretando al agente del FBI Rupert Anderson en Arde Mississippi decidió que ya eran demasiados papeles oscuros y desagradables, por el momento…

Además de asegurar los derechos de la novela, los productores también tuvieron que adquirir los derechos sobre el nombre de "Hannibal Lecter", que eran propiedad del productor de Manhunter que no era otro sino Dino De Laurentiis .

Debido al fracaso financiero de la película anterior, De Laurentiis prestó los derechos del personaje a Orion Pictures de forma gratuita.

En noviembre de 1987, Ted Tally comenzó a escribir la adaptación; Tally había manifestado  previamente a Harris su interés en la adaptación de El silencio de los corderos . Cuando Tally estaba a mitad de camino de su primer borrador, Hackman se retiró del proyecto y la financiación no se concretó.

Sin embargo, el co-fundador de Orion Pictures Mike Medavoy aseguró a Tally que seguiría escribiendo para el estudio y que él se encargaría de la financiación y que buscaría a un director solvente para la dirección.

Como resultado, Orion Pictures designó a  Jonathan Demme para dirigir el proyecto. Con el guión aún no terminado, Demme firmó después de leer la novela. A partir de ahí, el proyecto despegó rápidamente, como se explica Tally, "[Demme] tras leer mi primer borrador, no mucho después de que éste estuviese terminado, nos encontramos, entonces yo estaba sorprendido por la velocidad de las cosas. Nos reunió en mayo 1989 y estabamos rodando en noviembre. No recuerdo ninguna revisión grande. " El director de la cinta tuvo una ocurrencia maravillosa para que los espectadores se identificaran con el personaje de Clarice y de paso tuviesen temor hasta el final. El truco fue que los personajes hablaran mirando directamente a cámara cuando conversaban con Clarice Starling. En el contraplano, sin embargo, Jodie Foster miraba fuera de cámara.

Para el inicio del rodaje ya estaba Jodie Foster seleccionada. Ella estaba interesada en asumir el rol de Clarice Starling inmediatamente después de leer la novela. Sin embargo, a pesar de que acababa de ganar el Oscar de la Academia por su actuación en la película The Accused (1988), Demme no estaba convencido de que ella era perfecta para el papel.

La idea de Demme era proponer para el papel de Starling a una actriz con la que ya había trabajado,  Michelle Pfeiffer , quien lo rechazó, más tarde diciendo: "Fue una decisión difícil, pero me puso nervioso la naturaleza del tema ". Jodie Foster pasó un tiempo con la agente del FBI Mary Ann Krause antes de rodar la película. De esta forma la actriz pudo meterse mucho mejor en el papel de la inexperta Clarice Starling. Fue precisamente la agente Krause quien tuvo la idea de la escena en la que el personaje de Jodie Foster se pone a llorar sola en el coche. Krause declaró que a veces el trabajo en el FBI podía ser tan abrumador que había que liberarse emocionalmente de vez en cuando. A la postre  Foster fue galardonada con otro Oscar por su papel en la misma.

Para el papel del Dr. Hannibal Lecter , Demme pensó inicialmente en Sean Connery . Después de que el actor lo rechazó, Anthony Hopkins se ofreció. Otros actores considerados para el papel incluyen a Derek Jacobi y Daniel Day-Lewis . Sin embargo, la elección del actor británico fue todo un acierto  actor , pues a la larga fue el ganador de un Oscar y quien también se sacó de la manga ese inquietante y grotesco sonido de sorber sesos.

A Hopkins le sirvió para dibujar a su personaje aunque ese sonido no estuviera en el guión. Hopkins aportó otras muchas cosas, como que en la primera escena Hannibal Lecter se burla del acento sureño de Clarice. Anthony Hopkins lo improvisó ahí mismo, rodando la secuencia. A Jodie Foster no le gustó esa broma, de hecho se sintió a tacada y su expresión de mal estar en la película es completamente real. Evidentemente la actriz acabó agradeciendo al actor su improvisación por provocar una actuación tan honesta. Anthony Hopkins y Jodie Foster salta a la vista. Sin embargo, apenas compartieron cuatro escenas en toda la película. Una relación estrecha, corta pero intensa. Además, el actor convenció al director Jonathan Demme y el diseñador de vestuario Colleen Atwood de vestir a Lecter de blanco en vez de naranja. La idea le llegó por su miedo a los dentistas. Anthony Hopkins ganó el Oscar a mejor actor por su interpretación de Hannibal Lecter. Sin embargo, sólo aparece 25 minutos en pantalla. Eso, para una película de 115 minutos son números de secundario. Pero pocas actuaciones han sido tan convincentes.

Scott Glenn fue elegido para el papel de Jack Crawford , el agente a cargo de la Unidad de Ciencias del Comportamiento del FBI en Quantico, Virginia . Para prepararse para el papel, Glenn se reunió con John E. Douglas , personaje real quien modeló su personaje. Douglas Glenn le dio un recorrido por las instalaciones de Quantico y también escuchó con él una cinta de audio que contenía diversas grabaciones de asesinos en serie como fueron Lawrence Bittaker y Roy Norris que habían hecho violado y torturaro a una chica de 16 años de edad.

De acuerdo con Douglas, Glenn lloró al experimentar las grabaciones e incluso cambiado su postura liberal sobre la pena de muerte.

En cuanto a la estética en la película reconocer que la calavera que aparece sobre el cuerpo de la polilla en la portada, está basada en una fotografía artística de Philippe Halsman llamada "In Voluptas Mors", la cual contó con la colaboración de Salvador Dalí. Cuenta con Dalí de pie junto a unas cuantas mujeres desnudas que forman un cráneo humano.

El asesino Buffalo Bill está inspirado en la combinación de tres asesinos en la vida real: Ted Bundy conocido por usar yeso en su brazo para atraer a las mujeres hacia su camioneta, Gary Heidnik que era conocido por tener a varias mujeres cautivas en un pozo en su propia casa y Ed Gein que desenterraba las tumbas de mujeres de avanzada edad para quitarles la piel.

El baile ya mítico en el que Ted Levine coloca su miembro entre las piernas para simular el cuerpo de una mujer es idea suya. Según él ayudaba a explicar el carácter demencial del asesino. Sin embargo, no fue tan fácil de rodar, el actor necesitó un par de chupitos de tequila para ponerse a bailar.

La banda sonora de la película, fue compuesta por Howard Shorey fue grabado en la ciudad de Múnich, Alemania, durante la mitad del verano de 1990, contando con la orquesta de dicha ciudad, que fue seleccionada para los fondos musicales. "Traté de escribir de una manera que va a la derecha en la trama de la película", explica Shore en su enfoque. Cuando tratas de ver la película no eres consciente de la música, sino que obtienes tus sentimientos de todos los elementos simultáneamente, iluminación, cinematografía, vestuario, actuación, y música."

En cuanto a las críticas señalar que Gene Siskel, el crítico de cine del Chicago Tribune, vio El silencio de los corderos y no le gustó. El periodista opinaba que era un show para tipos raros lleno de estrellas y que se convertiría en el típico caso de mucho ruido y pocas nueces. Y prosigue diciendo que "El personaje de Foster, que es atractivo, queda eclipsada por los monstruos que es después. Prefiero ver su trabajo en otro caso."

Sin embargo, esta opinión crítica y negativa quedó aislada , ya que  El silencio de los corderos fue un éxito inesperado que ganó gradualmente amplio éxito y reconocimiento de la crítica

Para Rotten Tomatoes el 95% de los 73 comentarios críticos de cine han dado a la película una revisión positiva, con una calificación media de 8,5 sobre 10. Considera que la película es "inteligente, un tenso thriller del director Jonathan Demme que se tambalea al borde entre estudio psicológico Y todo el horror, y se beneficia enormemente de las actuaciones estelares de Anthony Hopkins y Jodie Foster ". En Metacritic  onbtiene una puntuación media de 84 de 100, basado en 17 comentarios de la prensa .

Para Roger Ebert , del Chicago Sun-Times , menciona específicamente las "cualidades terribles" de Hannibal Lecter. Ebert añadió más tarde la película a su lista de las grandes películas , reconociendo la película como una "obra maestra del terror", junto a clásicos como Nosferatu , Psicosis , y Halloween . Para Ebert es "Verdadero suspense, terror sin pestañeo y una interpretación de Anthony Hopkins que es probable que sea referente durante años cuando se analice el cine de terror. (...) ."

Owen Gleiberman escribe en el Entertainment Weekly que es "Un thriller supremamente sensual e hipnótico" .

Para Pablo Kurt en filmaffinity es, sin lugar a dudas, el thriller de los años noventa, un formidable ejercicio de suspense psicológico con toques de terror que arrasó en las taquillas, consiguió un hito pocas veces visto en los Oscar (se llevó los 5 premios principales... ¡cuando llevaba un año estrenada!) y demostró la maestría de Anthony Hopkins al interpretar de forma prodigiosa a un psiquiatra caníbal que fascinó a todos. Aunque, para ser justos, lo que hace que "The Silence of the Lambs" destaque sobre la mayoría de películas del género no es sólo el personaje de Lecter, sino la inteligencia de su guión y la habilidad de su directa y poco glamourosa dirección. El primero alterna interesantísimos detalles sobre la investigación en curso con sorpresas tan impredecibles como angustiosas. Y la dirección se apoya en escenas impactantes y multitud de primeros planos, consiguiendo exprimir la mayor potencia posible del relato. Mención especial para las escenas -y diálogos- entre Clarice y el Dr. Lecter, todas absolutamente memorables. Un clásico imprescindible.

Para Fernando Morales del diario El País destaca las "excelentes interpretaciones (...) un buen guión (...) y una cuidada ambientación son los pilares de este brillante filme"  

Para Lucero Solórzano del mexicano diario Excélsior lo interesante es que "Introdujo recursos visuales y narrativos que cambiaron para siempre el thriller y el terror sicológico. Las historias posteriores de asesinos seriales, tienen una marcada influencia de esta cinta."

Obtuvo multitud de premios en ese año 1991, destacando los cinco Oscars: Película, director, actor (Hopkins), actriz (Foster), guión adaptado, siendo una de las tres películas que ha ganado los cinco grandes premios Oscar Las otras dos son Sucedió una noche y Alguien voló sobre el nido del cuco.

En los Globos de Oro de 1991 se premió a la Mejor actriz drama (Foster), obteniendo además cinco nominaciones

Obtuvo dos premios BAFTA, al mejor actor (Hopkins) y mejor actriz (Foster) de un total de nueve nominaciones

En el Festival de Berlín fue Oso de Plata al  Mejor director (ex aequo "Ultrà") . También fue nominada al Cesar como mejor película extranjera

Tendrá tres premios National Board of Review: Director, película, actor sec. (Hopkins) , así como cuatro premios del Círculo de Críticos de Nueva York, incluyendo el de mejor película . Fueron cinco los  premios Asociación de Críticos de Chicago, incluyendo el de mejor película

Obtuvo también el premio del Sindicato de Productores (PGA) a la mejor película de ese años , pero también el premio al mejor director por el Sindicato de Directores (DGA).

También vista con el tiempo la película deja en una situación complicada a los transexuales. Comentar que tras ser presentada lo que hoy es el colectivo LGBT criticó la imagen que presentaba de su comunidad por el retrato de Buffalo Bill. En respuesta a las críticas, Demme respondió que Buffalo Bill "no era un personaje gay, era un hombre atormentado que se odiaba a sí mismo y deseaba ser una mujer porque eso lo habría hecho lo más lejos posible de sí mismo. " Demme añadió que "se dio cuenta de que hay una enorme ausencia de personajes positivos gay en las películas". 

De cualquier manera es de destacar el ingenio y carisma de la película del personaje más inolvidable de la misma, que no puede ser otro que Hannibal Lecter, su habilidad para jugar con la gente y ser a la vez una amenaza seria incluso cuando está en prisión así como el enorme miedo que evoca con o sin pantalla de por medio. El problema es que su enorme capacidad para captar la debilidad de las personas lo hace un ser tremendamente atractivo, temible, pero del que no deseas su muerte, puesto que un ser así no se puede perder. Y eso que en el domina tras la fachada de sofisticación una vena criminal y sádica sin fin.

La secuela del "El silencio de los corderos" (1991)  será "Hannibal" (2001), cuyo director Ridley Scott contará con muchas de las claves que hicieron triunfar a este thriller psicológico, pero no con su guionista, pues este será  el prestigioso  David Manet, pero no, no funcionará igual de bien aumnque tenga esas miradas de Anthony Hopkins.. como Hannibal Lecter. por que está claro que no hay otro  Hannibal posible que Anthony Hopkins o, en todo caso, sólo uno, Mads Mikkelsen. Pero esa historia ya la hemos contado aquí.