La isla de las cabezas cortadas

Es la historia de un gran fracaso, más bien de un sonado batacazo, de cómo una empresa como Carolco que había destacado en el cine de los ochenta se esfuma y se pierde en las tinieblas del olvido. Todo por una apuesta, revivir el cine de aventuras protagonizadas por piratas. El género de la piratería y de los mares que en los cincuenta inundaba las salas de cine, dio la espalda y de que manera a la industria y a este cine de aventuras que no llegará a reiniciarse hasta que aparezca la franquicia de Piratas del Caribe. Pero no nos engañemos, ya en los ochenta el público había avisado que por ese camino la cosa no iba a salir bien. Lo demostro el fiasco de Piratas la película de Roman Polanski del año 1986 con Walter Matthau interpretando al Capitán Red como protagonista que fue un fracaso en la taquilla. El presupuesto inicial de la película, cuando se programó para hacerla con Paramount Pictures, era de quince millones de dólares estadounidenses, pero el presupuesto final que asumió The Cannon Group llegaría a los cuarenta. Los beneficios brutos de la película en Estados Unidos fueron sin embargo de un millón seiscientos cincuenta mil dólares.  

Este fue uno de los precedente de Cutthroat Island que podían ser un indicador de que aquello podía salir mal, y salió mal.  El precedente era malo, pero en 1995 otro director exitoso, Renny Harlin se lanzó a la aventura como productor con el respaldo de la productora Carolco Pictures Inc. junto a Beckner/Gorman Productions, Canal+, Cutthroat Productions, Forge, Laurence Mark Productions y RCS Videoy el apoyo en la distribución de la Metro-Goldwyn-Mayer. 

En vez de invertir los 40 millones como se hizo en la obra de Polanski aquí se invirtió algo más del doble, unos $98 millones. La película logró recaudar apenas 20 millones. 

La productora se hundió al igual que el prestigio de Renny Harlin. La película partía de un guion bastaste adsurdo escrito por Robert King y Marc Norman que a suvez tiraban de una historia ideada por Michael Frost Beckner, James Gorman, Bruce A. Evans, Raynold Gideon. El hecho de ver a tanta gente por aquí es síntoma de que algo no iba bien. 

La música quedó como responsabilidad de John Debney y la fotografía, fantástica y luminosa, eso sí, de Peter Levy.

En cuanto al reparto lo encabezaba la mujer del director, la en ese momento actriz en la cresta de la ola, Geena Davis como la capitana Morgan Adams junto a Matthew Modine como William Shaw. Junto a ellos Frank Langella como Dawg Brown, Maury Chaykin como John Reed, Patrick Malahide el Gobernador Ainslee, Stan Shaw como Glasspoole, Rex Linn como el Sr. Blair, Paul Dillon como Snelgrave, Christopher Masterson como Bowen y Jimmie F. Skaggs como Tom Scully. Junto a ellos aparecen igualmente Harris Yulin como Harry Adams "el negro" , Carl Chase, Peter Geeves, Angus Wright como Capitán Trotter, Ken Bones, Mary Peach, Lucinda Clare, Thomas Lockyer, Roger Booth, George Murcell como George Murcell, Chris Johnston, Richard Leaf como Snake Lookout, Tam White, Rupert Vansittart como Capitán Perkins, Nick Bartlett, David Bailie, Kwame Kwei-Armah, Ramon Tikaram y Christopher Adamson. El director Renny Harlin hace un cameo como pirata con rifle.

La película comienza en 1668 con la huída de la isla de Jamaica un grupo de piratas entre las que se encuentra Morgan Adams (Geena Davis) hija de un capitán pirata y que se convertirá en capitán del barco pirata Morning Star (El Lucero del Alba), cuando fallezca su padre el pirata Black Harry (Harris Yulin ) es depuesto por su hermano, otro pirata , Dawg Brown (Frank Langella). 

Black Harry tiene una de las tres piezas de un mapa de un enorme alijo de oro en la remota isla de las cabezas cortadas o Cutthroat. Dawg tiene otra pieza, habiéndola robado del cadáver de un tercer hermano, Richard, mientras que un cuarto hermano, Mordejai (George Murcell ), tiene la última pieza. 

Harry que se niega a darle a Dawg su pieza se escapa del barco con la ayuda de Morgan, no sin antes ser herido de muerte. Un Harry moribundo le revela a su hija la ubicación de la pieza del mapa que está grabado en su cuero cabelludo. 

Dawg propietario del último trozo, quiere a toda costa conseguir el mapa de un tesoro oculto en una isla mítica del Caribe, la llamada isla de las cabezas cortadas, una isla que no aparece en ningún mapa de navegación. 

Dawg al igual que su sobrina se lanza a la búsqueda de tres trozos que integran un completo mapa de un tesoro. Después de arrancarle el cuero cabelludo a su padre , Morgan, ahora el capitán del barco de su padre, el Morning Star , parte hacia el tesoro. 

Desafortunadamente, las instrucciones parecen estar en latín, una lengua que nadie a bordo sabe leer. Como el idioma del mapa es latín, ella marcha a Port Royal con la intención de hacerse con los servicios de alguien que conozca el idioma y el única que parece entenderlo es un condenado a muerte por ladrón, William Shaw, que podría ser descifrarlo. Morgan en una subasta se hace con él. Pero de inmediato tiene que huir de la ciudad junto con los suyos y Shaw. 

El Gobernador Ainslee promete encontrarla tanto para arrestarla como para hacerse con la mitad de sus ganancias. Lo cierto es la Corona Británica aparentemente intenta terminar con las incursiones piratas para lo cual se aliará con Dawg para conseguirlo. Solicita entonces ayuda del cronista John Reed (Sr.Blair), que a menudo sigue a los piratas para escribir sus libros. 

Adams y su esclavo, William Shaw, emprenden la búsqueda de los tres fragmentos necesarios para reconstruir el mapa de un tesoro. La tripulación va en busca de Mordechai que está en Spittlefield Harbour. 

Antes de que puedan saber dónde está la segunda pieza del mapa, aparece Dawg. En la inmediata pelea, Mordejai muere y Morgan recibe un disparo, mientras que Shaw encuentra en secreto la pieza y se la guarda para sí mismo. 

Después de escapar en el Morning Star , Morgan se derrumba de su herida, pero es salvada por Shaw, quien dice ser médico. Los dos comienzan un romance. Morgan se da cuenta de que las palabras en el mapa, cuando se leen al revés, deletrean la mitad de las coordenadas de la isla. Pero por desgracia, el último trozo está en manos de su cruel tío Dawg que también ansía el tesoro y que no se parará ante nada para conseguirlo, incluido matar a su propia familia. 

Precisamente el barco de Dawg, el Reaper , se lanza sobre ellos. Morgan dirige el suyo hacia un arrecife de coral ante el fuerte oleaje y Shaw mientras se las arregla para reconstruir la ubicación de Cutthroat Island con su pieza y la de Morgan, pero es atrapado y arrojado al calabozo. Durante la tormenta, Reed envía una paloma mensajera que revela su ubicación a Ainslee. 

Mientras tanto, la mayoría de la tripulación liderada por un pirata, Scully, se amotina . Morgan es llevado junto con sus leales y abandonada en una barcaza a su suerte. La marea los lleva directamente a la isla Cutthroat, que es una tierra inexplorada al noreste de Cuba . 

Mientras Morgan en la isla va tras el tesoro, Shaw, que escapó durante la tormenta, le roba la última pieza a Dawg, que está en la isla. Shaw cae en arenas movedizas y Morgan, al darse cuenta de que tiene la pieza, lo libera. 

Juntos, encuentran en una escarpata gruta el oro. Sin embargo, el beneficiario del mismo es Dawg pues se lo roba. De cualquier manera antes de caer en manos de Dawg los dos saltan desde el acantilado al mar. 

Después de recuperar el conocimiento, Shaw se encuentra a Reed, quien lo lleva a una trampa tendida por Dawg, Ainslee y los amotinados, quienes han unido fuerzas con la intención de dividir el oro entre ellos. Mientras Shaw es capturado y se abren camino hacia el mar con el oro, Morgan se cuela a bordo del Morning Star y lo recuperatras acabar con Scully y los amotinados. Luego, la tripulación de Morgan intenta atacar el Reaper , pero Dawg contraataca. 

Se produce un enfrentamiento en el mar, durante la cual Shaw escapa y Ainslee, sus hombres y Reed mueren por el fuego de cañón. Morgan aborda el Reaper y busca en el barco para llegar al oro. Luego se enfrenta a Dawg mientras Shaw queda atrapado con el tesoro debajo de un agua que sube rápidamente . 

Morgan mata a Dawg con un cañón y salva a Shaw que es obligado a abandonar el tesoro para escapar del barco que se hunde. De cualquier manera Morgan colocó un barril lo que les permitió recuperarlo. Y ahora con la tripulación enroquecida han de optar por abandonarlo todo y asentarse como hombres ricos en tierra o zarpar hacia una próxima aventura. Optan por el al Índico. Su próximo puerto está en Madagascar. 

La dirección corrió a cargo de Renny Harlin, por aquel entonces marido de Geena Davis. Harlin convenció al productor Mario Kassar para que eligiera a Davis, especializado en películas de aventuras con toque de comedias con la esperanza de convertir a su mujer en una estrella de acción y aventuras. Carolco , que ya estaba profundamente endeudada cuando la película entró en preproducción, inicialmente presupuestó $ 60 millones para Cutthroat Island y puso sus esperanzas de supervivencia en el éxito de la película. 

Para financiar este proyecto la compañía canceló su único otro proyecto en producción, Crusade protagonizada por Arnold Schwarzenegger , perdiendo $ 13 millones en el proceso, pero liberando dinero adicional para Cutthroat Island. 

En cuanto al casting,  Michael Douglas aceptó originalmente interpretar a Shaw con dos condiciones: la filmación tenía que comenzar de inmediato porque estaba disponible solo por un tiempo limitado, y su personaje tenía que tener la misma cantidad de tiempo en pantalla que Davis. Douglas finalmente se retiró, alegando que el papel de Davis aumnetó a expensas de su personaje. 

Ante la deserción de Douglas, Geena Davis decidió renunciar pero estaba obligado por contrato a terminar la película. 

Oliver Reed fue elegido originalmente para un cameo como Mordechai Fingers, pero fue despedido y su papel pasó a George Murcell. 

Tras la renuncia de Douglas Harlin estaba tan preocupado por tratar de encontrar un protagonista masculino que la construcción del escenario y el trabajo del guión se realizaron sin su participación. En consecuencia, a Harlin no le gustó lo que vio cuando estaba listo para comenzar el rodaje, lo que llevó a costosas reconstrucciones y reescrituras. Harlin gastó $ 1 millón de su propio dinero para reescribir el guión, ya que Carolco estaba tan endeudado que no podían pagar más. 

Los nombres que pasaron por el proyecto fueron Tom Cruise , Keanu Reeves , Russell Crowe , Liam Neeson , Jeff Bridges , Ralph Fiennes , Charlie Sheen , Michael Keaton , Tim Robbins , Daniel Day-Lewis y Gabriel Byrne rechazaron el papel de Shaw antes de que Modine aceptara hacerlo, en parte. por su experiencia como esgrimista . 

El rodaje se retrasó por varias razones. Cuando Harlin despidió al operador de cámara principal tras discutir con él , más de dos docenas de miembros del equipo renunciaron. Además, las tuberías rotas provocaron que las aguas residuales salieron al tanque de agua donde se suponía que debían nadar los actores. A esto se sumó que la primera semana de producción, el director de fotografía original de la película, Oliver Wood , se cayó de una grúa y se cayó en uno de los tanques de agua, rompiéndose la pierna; tuvo que ser reemplazado por el director de fotografía Peter Levy . 

La película se rodó en diversos lugares de Malta. Las escenas de interior se rodaron en Mediterranean Film Studios en Kalkara, Malta , y las modelos se rodaron en el Paddock Tank en Pinewood Studios , en Iver Heath, Inglaterra . También se rodó en Tailandia pues parte de la filmación se realizó en las islas Phi Phi, en este país asiático, donde también se rodó La Playa. 

Si por algo ha pasado a la fama esta obra es por el tremendo batacazo que sufrió en taquilla, cosechando una cifra extremadamente menor a la esperada, perdiendo un total de casi 80 millones de dólares. Es uno de los grandes fracasos cinematográficos de la historia del cine, junto a Cleopatra (1963) y La puerta del cielo (1980). Además, el fracaso en la recaudación pudo suponer el principio del fin para Carolco Pictures. Se dice, además, que parte de los gastos de producción fueron malgastados por Harlin y Geena Davis, incluyendo el transporte aéreo de un asno blanco que compraron en Malta, pero eso dicen las malas lenguas.

En un principio se contaba con la participación de Michael Douglas en el papel de William Shaw, pero finalmente el personaje perdió protagonismo (hay quien calificó en su día a Matthew Modine de "convidado de piedra" en el filme) y Douglas abandonó. No fue fácil convencer a Modine, hubo que abonarle una cantidad casi tan alta como la que pedía Douglas. 

La banda sonora fue creada por John Debney (nominado al Oscar por la OST de La Pasión de Cristo (2004)), teniendo más éxito que la propia película y obteniendo fantásticas críticas. Tras el primer álbum de la banda sonora original salió a la venta uno mayor, con una serie de pistas inéditas en el primer disco. 

La película se estrenó el 22 de diciembre de 1995 en los Estados Unidos y en España el 15 de enero de 1996. Se convirtió en un desastre a nivel económico perdiendo 98,3 millones de euros.

En cuanto a la crítica uno de los más generosos fue Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times señaló que era " una película de piratas, pura y llanamente, y no trasciende el género excepto por, quizás, su lujosa producción (...) Hace su función (...) " Y añadió que "Esta es, en resumen, una película satisfactoria, pero no trasciende su género, y no es sorprendente ni sorprendente. Lo vi porque ese era mi trabajo y, habiéndolo visto, otorgo su habilidad y le doy tres estrellas sobre esa base. Pero a menos que realmente te gusten las películas de piratas, no es una película necesaria ". 

Janet Maslin en el The New York Times dijo de ella que era "demasiado estúpida y obscena para los críos, demasiado caricaturesca para adultos sanos y no suficientemente atrevida para cualquiera que considere que Davis en corsé es su principal atracción" Añadiendo que "No es posible creer que la Sra. Davis sea la capitana muy respetada de un barco pirata, y ni siquiera es divertido intentarlo" 

James Berardinelli en ReelViews señaló que "Es más entretenida por su tonta historia y su abierta estupidez que por su acción casi incesante (...) Algunas de sus escenas son visualmente impresionantes" 

Desson Howe en las páginas del The Washington Post defendía que era " (...) un acto de voluntad de dos horas mantenerse mirando la pantalla durante esta moribunda película" 

Kenneth Turan en Los Angeles Times comentó que "Nadie parece haber recordado que las grandes películas de bucaneros (...) lograron forjar una conexión humana entre el público y la acción, algo que esta producción no tiene ni idea de cómo hacer" 

Todd McCarthy en Variety comentó que "Intenta enérgicamente, pero sin éxito, revivir las emociones fuertes de las película de piratas a la antigua usanza (...) No hay nadie en la película que parezca divertirse demasiado y el efecto es contagioso" Y añadió que "Lo que parecía una propuesta dudosa en el papel se reproduce aún más dudosamente en la pantalla, ya que Cutthroat Island intenta enérgicamente, pero en vano, revivir la emoción de las películas de piratas anticuadas. Dando la mayoría de las oportunidades de capa y espada a la estrella Geena Davis, La película hace poco con su inversión de las expectativas de género y presenta un dúo romántico seriamente diferente en Davis y Matthew Modine ". 

Susan Wloszczyna de USA Today declaró: "Si la vista de marineros tatuados y semidesnudos disparándose cañones entre ellos hace temblar sus vigas, suba a bordo. Incluso las películas de piratas pasables no pasan todos los días" 

En el Reino Unido Ian Nathan en Empire señaló que "Es entretenimiento descerebrado, pero su fracaso crítico y comercial condenó al género a una tumba acuática...al menos, hasta que Johnny Depp y compañía lo resucitaron (...) " 

En  Time Out London se escribió que "tenemos a Geena Davis haciendo los honores de toda acción, y un guión mezcolanza que parece pensar que las películas de piratas son tan divertidas en sí mismas que la necesidad de más humor es superflua. La trama está bien gastada". 

Ya en España Alexis López de inemanía dijo que "Lástima que, a pesar de su presupuesto -8.750 millones de pesetas-, no podamos olvidar Tourneur y su "Mujer Pirata"

Fernando Morales en El País señalaba que era "Entretenida, aunque poco brillante, cinta de aventuras con todos los clichés del género."

Para Fausto Fernández en twitter la película es "Renny Harlin y Geena Davis pirateando a lo loco en esa juerga incomprendida que fuera La isla de las cabezas cortadas " y en otro nos dice "Sí, asúmelo Geena Davis, jamás habrás estado mejor que cuando Renny Harlin te trataba como una reina... pirata " . Fauto se siente "Fan desde su estreno. Una de piratas súper trempante. Y Frank Langella divertidísimo" y recalca que entiende que va "Subiendo enteros a cada nueva revisión, más todavía si se la compara con otras cositas de piratas, que vale más que lo de Depp, en este vikingada filibustera de Renny Harlin para su ex Geena Davis" Y concluye que esta sí es "una de piratas que sí revolucionó el género (aunque fracasara en taquilla, lo que confirma que la vida y el cine son injustos".

En FilmAffinity se dice que esta "Cinta de piratas con la "negra" leyenda de ser el mayor fracaso comercial de los años noventa, terminó por hundir a la productora Carolco Pictures de Mario Kassar (ya sin Andrew G. Vajna, socio con el que había triunfado con la saga Rambo y Total Recall). Su ruinosa taquilla tuvo además un efecto negativo en los proyectos de rodaje de grandes superproducciones de aventuras" . 

Y efectivamente tiene el récord de la peor recaudación y de ser uno de los peores fracasos en taquilla de todos los tiempos y a su vez es la última película producida por Carolco Pictures , la Kassar & Vajna, (declarada en bancarrota un mes antes), pero que había sido la responsable de los tres primeros Rambo, Desafío total o Instinto básico .

Por mi parte decir que lo peor de una historia de aventuras es que a pesra de que no pare la acción, cosa que ocurre en esta película, la película te aburra. Y puedo destacar en lo positivo  de ella el rodaje espectacular, las escenas bien coreografiadas, el uso de lo excesivo, pero el mucho dinero invertido que se ve en los detalles de los barcos pero es imperdonable que no te aporte nada. Los toques de comedia no funcionan, los personajes no te enganchan y el resultado es el que fue, un desastre. 

El rifle y la biblia

Hace algo más de un año perdí la oportunidad de ver esta película. Sabía que era la continuidad de True Grit, no en la historia, pero sí en el personaje de Rooster Cogburn aquel interpretado por John Wayne y que le dio su primer y único Oscar. Esta continuación no tiene la frescura que la anterior pero dos cosas sí que merecen la pena. La primera, el reencuentro con el personaje que , de hecho, le da el título a la película en su versión original, Rooster Cogburn. El segundo ver la acompañante que ahora tiene el veterano sheriff que no es otra que la enorme Katharine Hepburn que vuelve con ello al cine de aventuras que ya protagonizó en La Reina de África. Lo cierto es que El rifle y la Biblia que es el título que se le dio en España a este filme tiene mucho que vercon la película de John Huston.

La película fue escrita por Martha Hyer que retoma el personaje de Rooster Cogburn creado por Charles McColl Portis en su novela del oeste de 1968 True Grit. 

La película nos vuelve a traer al sheriff tuerto implicado en la muerte de muchos asesinos y que como casi siempre tiene problemas con la justicia a causa de la violencia y el derramamiento de sangre con la que culmina sus arrestos. Ahora en vez de ir acompañado de una niña que busca venganza por el asesinato de su padre , va acompñado por una solterona que busca a los asesino de su padre, un reverendo que predica ante los indios. 

El que lleva la batuta en la dirección es el neoyorkino Stuart Millar fallecido en 2008 y que entre 1956–1982 se prodigó más como productor que como director siendo responsable de dos películas, Cuando mueren las leyendas (1972) y esta de Rooster Cogburn (1975) . 

En este caso quien realmente estuvo detrás del proyecto fue Hal B. Wallis por medio de su productora Hal Wallis Productions que puso $ 10 millones conjuntamente con la distribuidora , la Universal Pictures. 

Vinculada con la banda sonora está Laurence Rosenthal, mientras que la fotografía fue de Harry Stradling y el montaje deRobert Swink. Los protagonistas principales del filme son John Wayne , en su penúltima película, como el U.S. Marshal Reuben Rooster Cogburn acompañado de Katharine Hepburn como Miss Eula Goodnight. 

Junto a ellos se encuentran secundarios de lujo como Anthony Zerbe como Breed, Richard Jordan como el malvado Hawk, John McIntire como el juez federal Parker y Richard Romancito como el joven indio Wolf. Igualmente participan de la película Paul Koslo como Luke, Strother Martin como Shanghai McCoy, Tommy Lee como Chen Lee, Jack Colvin como Red, Jon Lormer como el reverendo George Goodnight, Lane Smith como Leroy, Warren Vanders como Bagby, Jerry Gatlin como Nose, Mickey Gilbert como Hambone , Chuck Hayward como Jerry , Gary McLarty como Emmett y Andrew Prine como el marido de Fiona. 

Casi desde el principio reconocemos el proceder habitual de Rooster Cogburn (John Wayne), el sheriff bebedor y ya entrado en años, que tras ir tras tres asaltantes a los que embosca terminan muriendo así como su ayudante, Por este motivo es despojado de su placa por el juez federal Parker (John McIntire), que lo acusa de exceso de celo en la búsqueda y captura de forajidos. 

Pero, poco después, el propio juez Parker va a la casa en la que Cogburn vive con su amigo chino Chen Lee (Tommy Lee) y le confía una nueva misión: capturar a la banda de Hawk (Richard Jordan), que ha robado nitroglicerina de una tropa de transporte de la caballería del ejército de los Estados Unidos y en el que ha participado activamente un excolaborador de Cogburn, Breed (Anthony Zerbe) quien ha planificado el robo del producto químico que pretenden usar para el atraco a un banco . 

Cuando Rooster va en busca de la partida, se encuentra con una misionera Miss Eula Goodnight (Katharine Hepburn), cuyo padre el reverendo George Goodnight (Jon Lormer), ha sido asesinado por la banda Hawk junto a un grupo de nativos a los que formaban en la fe y en la escuela en el asentamiento remoto de Fort Ruby en el Territorio indio. 

La hija soltera del reverendo, Miss Eula, quiere unirse al marshall Cogburn para rastrear a los criminales, junto con Wolf, el hijo de uno de los indios fallecidos, que aspira a ser uno de los primeros agentes de la ley indios y marshall de los Estados Unidos. 

Cogburn en principio se niega, pero la politica de hechos consumados de Miss Eula de sumarse a la partida hacen el resto. 

Mientras tanto, los bandidos, repelen un ataque de los indios con nitroglicerina y tras eso comienzan algunas disensiones en el grupo de Hawk. A esto se suma la dificultad de movilidad de un carro que pierde una de sus ruedas al chocar contra una roca. En ese momento el líder de la banda, Hawk, decide adelantarse para explorar la localidad en la que van a robar sin saber que el grupo de Rooster, Wolf y Eula están cerca. 

Hawk, Breed y uno de sus hombres heridos viajan a la ciudad donde habían planeado usar la nitro para robar un banco mientras los otros hombres intentan arreglar el eje. El hombre apuñalado cae del caballo y Hawk le dispara sin piedad. 

El grupo de Rooster traza una emboscada al grupo a través de un barranco en el bosque, bloqueando el camino con troncos. Los bandidos son detenidos y Rooster amenaza con volar el carro . Ante eso los hombres desmontan pero uno intenta dispararle a Rooster por la espalda, pero la señorita Eula dispara desde el otro lado del barranco y lo mata, revelando que es una excelente francotiradora. Otro hombre intenta lo mismo, pero muere instantáneamente por una bala en el pecho. 

Tras eso como habían acordado sus socios comienzan a disparar al aire, haciendo que los hombres realmente piensen que tiene un número abrumadoramente superior al suyo por lo que huyen. Rooster captura el carro, y una ametralladora Gatling. 

Los hombres van en busca de su líder, Hawk. Éste ordena a Breed que investigue las huellas en el barranco y allí descubre que el grupo era reducido.Esa noche los forajidos secuestran a Wolf, diciendo que lo dejarán ir si Cogburn devuelve el carro, las cajas de explosivos y la pistola Gatling, pero en realidad están planeando recuperar el carro y matar a los integrantes de la partida. 

Wolf dispara al hombre que lo sostiene con una pequeña pistola (una Pepperbox de 5 disparos que Rooster le dio previamente para protegerse a sí mismo y a la señorita Eula si es necesario) y escapa corriendo de regreso al campamento de Cogburn. Eula aprovecha para enganchar los caballos en la carreta, mientras que Wolf dispersa a los caballos de los forajidos. Los bandidos se retiran ante los disparos de la Gatling. 

Al día siguiente, Rooster "toma prestada" una balsa de un viejo balsero ( Strother Martin) metiendo las cajas de botellas con nitroglicerina en el barco y bajando por el río a pesar de tener rápidos y estar rodeados de escarpes rocosos . 

Los hombres de Hawk intentan tenderles una emboscada pero la ametralladora Gatling los ponen a raya y logran escapar por los meandros del río. Breed y otro bandido preparan una trampa en una parte más ancha y lenta del río con una cuerda submarina para atrapar a Cogburn y su grupo. 

Mientras, el bandido escondido detrás de las rocas de la orilla está a punto de matar a Rooster a sangre fría cuando trata de liberar la balsa, Breed le dispara por la espalda , mostrándose a Rooster y recordándole que era a cambio de una deuda con Rooster pasada que le salvó la vida años antes. Esa noche, Breed regresa al campamento de los forajidos informando a Hawk que el otro bandido murió en un tiroteo con Rooster. Hawk, comprobando el arma de Breed, ve que solo ha gastado una bala así que patea a Breed que cae por un barranco rocoso, matándolo. 

Mientras los tres héroes se encuentran con enormes rápidos de aguas bravas a la mañana siguiente. Se las arreglaron para pasar a salvo, aunque a costa de perder la pistola Gatling al caer por la borda. De culquier manera el grupo de Hawk está planeando encontrarlos río abajo en las amplias aguas poco profundas. Sabedores de lo que puede ocurrir Rooster se dispone a tirar las cajas de dinamita por la borda. Las cajas flotan y van por delante de la balsa .  

Por su parte la señorita Eula y Wolf fingen rendirse y dicen que Cogburn está herido. Pero cuando las cajas de explosivos están cerca de los hombres de Hawk aparece Rooster y con su rifle las hace explotar acabando con la partida de Hawk. 

Poco después vemos al juez Parker, ante las insistentes demandas de la señorita Eula ue le pida que le devuelva a Rooster su trabajo, especialmente cuando ella lo compara con el guerrero Gideon en las Escrituras bíblicas y revela por error el verdadero nombre de Cogburn de "Reuben" al viejo juez. asombro. El juez accede. 

Finalmente vemos como la señorita Eula y Wolf se despiden de Rooster mientras ellos, junto con varios colonos, regresan para reconstruir Fort Ruby, pero ella vuelve con su caballo y le dice está orgullosa de ser su amiga. El viejo Cogburn se encabrita en su silla y dice: "¡De todos modos, ella siempre dice la última palabra!" acabando así la película. 

Como vemos estamos ante un western propio de los setenta, que siguiendo la estela que había dejado el Rooster Cogburn de True Grit conjuga momentos cómicos con otros propios del género así como una latente lucha de sexos propio de la comedia que tanto gustaba a la Hepburn. El guión fue escrito por la actriz Martha Hyer , esposa del productor Hal B. Wallis , bajo el seudónimo de Martin Julien. 

El director Stuart Millar, un productor de Hollywood que había dirigido solo una película, When Legends Die asumió el reto de dirigir a dos veteraos actores con un Wayne en su penultimo papel retomando el Rooster Cogburn que le había dado el Oscar. Aunque True Grit fue lanzado por Paramount Pictures , Wallis hizo un trato con Universal Pictures para financiar esta película. 

La película se rodó en distintos puntos de Oregón en el otoño de 1974. En concreto se rodó en el condado de Deschutes al oeste de Bend,  para las escenas de montaña se hizo en el río Deschutes para los rápidos de aguas bravas y en el río Rogue en los condados de Josephine County, y Curry County, al oeste de Grants Pass. 

También se rodó en el Parque Estatal Smith Rock , al noreste de Redmond, y el edificio Rockhard / Smith Rock Climbing Guides en la entrada del parque se construyó originalmente como un escenario para la película. 

Durante el rodaje, ambas estrellas de 67 años se quedaron en Sunriver, Oregon; El gobernador Tom McCall viajó en avión para una breve visita con ellos a principios de octubre. 

John Wayne y Katharine Hepburn , los nacidos en 1907 (Hepburn el mayor por dos semanas), los dos con 67 años, y con carreras paralelas,aparecieron juntos por primera vez en una película. Aunque fue promocionada como Rooster Cogburn (... and the Lady), los créditos iniciales de la película dan el título simplemente como Rooster Cogburn . 

El actor d Strother Martin que interpreta al balsero Shanghai McCoy también apareció en True Grit , pero como el comerciante de caballos Coronel G. Stonehill. 

Fue la última película del productor Wallis y la penúltima de Wayne - que terminaría su carrera profesional con El último pistolero de Don Siegel acompañado de Lauren Bacall y James Stewart- y la única de Hepburn que rodó ese año. Todavía le quedaban a ella cuatro títulos mas y un Oscar entre las mismas. La película fue un éxito de público y recaudó $ 17,594,566 en taquilla. 

En cuanto a la crítica en The New York Times , Vincent Canby dijo que era "un ejemplo de clase alta del arte del reciclaje en Hollywood" y elogió las actuaciones de los dos protagonistas: Wayne por su continuación de su papel ganador del Oscar como Cogburn, y Hepburn por una actuación que recuerda su "maravillosa caracterización junto a Humphrey Bogart en The African Queen ". Canby concluyó que la película es "un western alegre y desechable...". 

Roger Ebert del Chicago Sun Times dijo de ella que "la química está ahí a veces. Pero cuando funciona, se debe en gran parte al arte de actuar de [Wayne y Hepburn]. El diálogo que se les da es tan consciente, tan lleno de pequeños reconocimientos sutiles de quiénes son los dos actores, que nunca nos importa la historia y nunca se cuenta. Y sin una narrativa que nos ayude, finalmente tenemos que preguntarnos por qué se hizo la película ". 

Gene Siskel del Chicago Tribune escribió en sus páginas que "Es una historia estúpida plagada de agujeros en la trama. Lo único que le importa es proporcionar a Hepburn y Wayne juntos en media docena de 'escenas importantes' ... Qué pocos placeres contienen en 'Rooster Cogburn' y ocurren cuando Hepburn y Wayne se miran simple y silenciosamente con afecto. Sentimos que se agradan desde el principio, por lo que su material de desprecio se presenta como una teatralidad falsa ".

Arthur D. Murphy de Variety escribió que la película tenía "un guión vergonzosamente prefabricado, junto con una actuación muy forzada y estridente, todo mal coordinado por la dirección entumecida y desigual de Stuart Miller". 

Charles Champlin de Los Angeles Times calificó la película como un vehículo estrella "lento y trampa" para Wayne y Hepburn, cuya pareja "no era tanto una relación como una competencia muy afable en el robo de escenas". Y añade "Hepburn gana cada vez con su subestimación dulcemente devastadora ". 

Gary Arnold de The Washington Post dijo de ella que tenía "una concepción de mosaico que podría haber funcionado si el guión hubiera sido considerablemente más ingenioso y la dirección considerablemente más hábil ... El guionista Martin Julien no ha descubierto cómo desarrollar una relación entre héroe y heroína que corre en la misma pista con la historia de la persecución, y la dirección de Stuart Millar es tan pesada como el plomo y lenta como la melaza ". 

Ya en España el enorme Fausto Fernández en Twitter nos comenta que esta "Secuela de VALOR DE LEY que en realidad es un nada inconfeso remake de LA REINA DE ÁFRICA en clave western y con Katherine Hepburn al lado del Duke" Y en otro nos dice que es La Reina de África en clave western (pero con río y embarcación fluvial) y en clave secuela de Valor de Ley". Y en otro sostiene que "Katharine Hepburn y John Wayne, extraña pero sólida pareja..., aunque el rollito que se traen John Wayne y Katherine Hepburn hace pensar más en un remake western de LA REINA DE ÁFRICA.. Le faltó un director con garra.

Por mi parte decir que estamos ante una película con encanto. Te encantará si tu gusta el western. Te encantará si te gustan las segundas entregas coherentes. Te encantará si quieres ver a dos colosos que envejecen con toda la dignidad profesional del mundo. 

Furtivos

Un Borau, José Luis, asume su papel de Gobernador y de director de una de las películas que son una referencia del cine de la transición política española. Una película que nos muestra el maravilloso quehacer de dos actrices y un actor, como son Lola Gaos, Alicia Sánchez y Ovidi Montllor. 

Una película marcada por la brutalidad y la violencia la explícita y la implícita en la que está presente el odio, el resentimiento y hasta el incesto. De todo lo que en ella descubrimos sobresale una tremenda y brutal Lola Gaos en su papel de Marina , una mujer que rezuma odio y violencia porlos cuatro costados. 

Furtivos fue producida por José Luis Borau, un zaragozano que nacido en 1929 y fallecido en 2012, que era también profesor de guion en La Escuela de Cine. Esto no le impidió transformarse en productor estando detrás desde 1967 de la productora El Imán Cine y Televisión S.A., y decidir dirigir, pero igualmente escribir en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón y dar como resultados Furtivos, una película que fue Concha de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de San Sebastián. Era su tercera película tras debutar con un western (Brandy, 1963) y seguir con una película policíaca (Crimen de doble filo, 1965). 

Durante diez años filmó sobre todo anuncios y produjo películas de otros con su productora. Además, trabajó como profesor de guion de la Escuela Oficial de Cinematografía.Su primera película bajo control propio es el thriller político Hay que matar a B. (1974). 

José Luis Garci dijo de él que era un director que adoraba a Hitchcock y que llevaba dentro toda la tradición del cine americano además de ser un gran guionista, lo fue de Mi querida señorita. Como guionista gusta de las elipsis que transforma en momentos y miradas. 

La película cuenta con la música compuesta por Carmen Santonja , Gloria Van Aerssen, es decir, Vainica Doble y la fotografía de Luis Cuadrado El elenco contó con Ovidi Montllor como Ángel , el Alimañero, Alicia Sánchez como Milagros, Lola Gaos como Marina, la madre de Ángel, Ismael Merlo como el Cura, José Luis Borau como el Gobernador, Felipe Solano el Cuqui. 

La historia tiene como protagonista a Ángel (Ovidi Montllor), un cazador furtivo pero un hombre tímido, apocado, que vive en un bosque con su madre Martina (Lola Gaos), una mujer de carácter tiránico y violento. 

En uno de sus viajes a la ciudad, conoce a Milagros (Alicia Sánchez), una chica joven atractiva y descarada escapada del internado de las monjas del Divino Consejo, un reformatorio y amante de un conocido delincuente, el Cuqui. 

Ángel la protege y tras pasar con ella una noche en una pensión decide llevarla a su casa. Nada más llegar descubrimos la animosidad de Marina, la madre, hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella, unido al aspecto claustrofóbico de las relaciones entre los personajes, desembocan en un drama casi saturniano. 

En ese drama vemos la ruptura de un mundo afectivo que le oprime y que no sabe romper por sí mismo. Los dos, madre e hijo, no dejan de ser sino alimañas poseídas por sus instintos más primarios mantendran una relación que no gustara nada a su madre, celosa de la mujer que puede arrebatarle a Ángel, conformándose un triángulo emocional y sexual dirigido hacia la tragedia. 

Milagros en su esplendorosa juventud es portadora de un deseo de vivir que no entiende de cortapisas morales, ni inhibiciones sexuales. Su llegada es un golpe en la relación que mantiene Marin con su hijo. 

Lo cierto es que madre e hijo han devenido en bestias, producto de un aislamiento prolongado que ha degradado hasta tal punto su relación materno-filial que parece abocada irreversiblemente al drama, una vez que en este ambiente opresivo se cuele Milagros como un soplo de aire fresco. 

Desde la llegada el choque frontal acaba con un enfrentamento entre hijo y madre que ultrajada por su propio hijo, que la arranca con violencia de la cama matrimonial, tendrá como objetivo poner fin a Martina. Como inicialmente no puede con ella, no dudará en ensañarse a golpes con una loba encadenada matando al pobre animal por no poder matar a Milagros. 

A esto se suma la presencia en la casa del Gobernador de la provincia (José Luis Borau) que aparece por la zona en busca de la caza tras un largo periodo de veda y en busca de su ama, pues descubrimos que tanto él como Ángel son hermanos de leche. Son los contrastes del país, uno amparado por el régimen, en la cúpula del poder y el otro, que mantiene su instinto primitivo, viviendo como un depredador de lo que la naturaleza le ofrece. 

Al descubrir el Gobernador la presencia de la chica en la casa huída del internado de las monjas del Divino Consejo la historia no puede acabar de otra manera sino en matrimonio, una vez rapada la chica. El oficio lo celebra el cura del pueblo (Ismael Merlo) y lo hace ante una madre dolida.

Tras eso la relación entre Ángel y Milagros se mantiene viva en el bosque hasta que el Cuqui retorna a escena. Tras robar una moto se persona en la casa de Marina, para alegría de esta y desolación de Ángel. Milagros duda entre ir con él o quedarse en esa casa castrante. Pero la presencia del Gobernador y de la Guardia Civil que busca al Cuqui, supone la huída de éste por el monte. 

Ángel y Milagros acuerdan dejar huir al Cuqui pero dejarlo con vida, aunque sea a costa de que milagros se quede en la casa. 

Viendo que la chica no se va, Marina manda a Milagros a recoger unas patatas junto al arroyo. Tras eso milagros desaparece. Ángel al regresar queda desolado y será antedido por su madre casi como antaño. Vemos que el muchacho asume la pérdida hasta que vuelve a encontrarse con el Cuqui y encuentre la caja personal de Milagros.  Esta situación determina que acabe con un ciervo de muchos puntas y que para evitar la condena pase a transforarse de furtivo a guardia forestal. 

Pero ya sabe la verdad. Tras eso le pide a su madre que le confiese ante el sacerdote. Tras participar activamente en la misa, de regreso a casa acaba con su madre y con ella la película.  

El rodaje que se desarrolló en el invierno de 1974/75 entre las localidades de Montejo en Madrid y El Rebollo en Segovia, fue muy duro debido al frío como alguna vez afirmó Alicia Sánchez. 

Se cuenta la anécdota de que el director aragonés le dijo a Gutiérrez Aragón "quiero hacer una película con un bosque y Lola Gaos". Lo cierto es que el director tenía dos cosas claras antes de enfrentarse con el primer borrador: Lola Gaos sería la protagonista y la historia se desarrollaría en un bosque, escenario que define como “ese ‘país’ que perdimos los españoles a costa de tantas guerras”. 

Las prisas de Borau hicieron que el guión se escribiera en apenas un mes. La exhibición de Furtivos estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada para los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y de público. 

Con esta película, Ovidi Montllor, conocido primero como actor de teatro en las compañías de Núria Espert y Adrià Gual, y también como cantautor, inició una paralela y notable carrera como actor de cine. 

Señalar que se barajó el nombre del motociclista Ángel Nieto para el papel de Cuqui (el novio de Milagros) y la actriz Ángela Molina declinó su participación por exigencias de la productora que la tenía contratada ya que sus compromisos siguientes le impedían cortarse tanto el pelo, algo que exigía el guión en determinadas secuencias.

Borau señaló que el papel de gobernador en un principio estaba destinado a José Luis López Vázquez. El objetivo del guión era representar a unos personajes aplastados por el bosque. Las historias que escribía por aquel entonces Gutiérrez Aragón tenían siempre un trasfondo de cuento infantil. "En la cocina del guión de ‘Furtivos’, eso que pertenece a lo que podría describirse como 'el secreto del sumario', estaba latente el cuento de 'Hansel y Gretel', en el que una pareja de niños se pierde en un bosque y acaba en la casa de una bruja", explicó alguna vez Gutiérrez Aragón . 

Borau tenía desde el principio una determinación: la película no sufriría ningún corte, ya había padecido en su anterior proyecto ‘Hay que matar a B.’ (1974). Aunque la censura vivía ya tiempos de agonía, si 'Furtivos' no padeció ningún tijeretazo fue gracias al coraje de Borau, que prefería no estrenarla a mutilarla. Así que finalmente la película estuvo virgen de cortes, salvo por una excepción que contó con el beneplácito del realizador, se eliminaría el plano en el que aparecía la sede del Gobierno civil de Segovia para no relacionarlo con el gobernador de la ficción. 

El Festival de San Sebastián amenazó con no aceptar ninguna cinta española si no iba la del aragonés. Además de ganar en San Sebastián y el  Premio Perla del Cantábrico a la mejor película de habla hispana . La película es un éxito en taquilla. 

No fue el único premio. En la 31.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos se llevó el premio a la Mejor película , Mejor director , Mejor actriz protagonista para Lola Gaos y Mejor guion para J.L. Borau y Manuel Gutiérrez Aragón.

En los Premios San Jorge ganó el Premio a la Mejor película española, Mejor interpretación en película española en Lola Gaos siendo igualmente Fotogramas de Plata a la Mejor intérprete de cine español (Lola Gaos) 

En el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias le fue concedida el Premio a la Mejor película.

En cuanto a la crítica Fausto Fernández en un par de tweets recientes comenta que la película se caracteriza por reflejar lo que son "Madres castradoras en un ecosistema decadente, violento y endogámico como el franquismo terminal... FURTIVOS , visceral Borau...". Y en otro señala que la película refleja "el fin del franquismo, su agonía y su taxidermia animal halló en la brutal FURTIVOS de José Luis Borau su violento y árido reflejo. ". 

Jordi Batlle Caminal en El País escribe que se trata de "Un drama rural tempestuoso y febril, expuesto sin simbolismos de ningún tipo, a cara descubierta mediante un cine de primer grado, directo, funcional (...) Un título de oro del cine español." 

Juan Antonio Porto, guionista, que estuvo en el Festival de San Sebastián den el 1975, defiende que la película es "muy española, pues está enraizada en nuestra cultura popular". Destaca en el misma la figura del furtivo. Dice que es extraordinaria, inteligente, bien escrita, con un juego subterráneo, con personajes que se vengan por delegación. Destaca el mérito de estranarse en el 75 , un año difícil especialmente una película tan dura y tan crítica. Destaca las elipsis como atractivo narrativo de la película y leyendo el subtexto de la película. 

Fernando Méndez Leite aclara que no era el primer desnudo del cine español pero tuvo problemas de censura en todo el año 1975 ya que terminada a inicios de ese año y se le propuso algunos cortes (gobernador, desnudos, se te ve el pajarito,...), pero Borau se negó e intentó estrenar en festivales. No lo logró en Cannes ni Berlín, sí en San Sebastián. 

Juan Miguel Lamet destaca que era un producto propio de 1975 inconcecible que apareciese un Gobernador , destaca la fotografía , la interpretación de Lola Gaos y destaca las miradas que son tan importantes como lo que está sucediendo , con muchas elipsis. Del director destaca su carácter perfeccionista que ha provocado que tenga una filmografía de únicamente siete películas. Aunque da siempre una visión desagradable del amor físico, lógico entre unos seres que se comportan casi como animales como igualmente destaca Méndez Leite y el uso de elipsis y el montaje a corte limpio (sin fundidos ni transiciones) pero con una continuidad magnífica. 

En ABC Play "José Luis Borau disecciona con vigor y atrevimiento la España franquista en este filme, considerado uno de los títulos mayúsculos de la historia del cine español. La cinta, premiada con la Concha de Oro en el festival de San Sebastián, cuenta una historia de amor loco en un ambiente rural magníficamente retratado. " 

En la web cine divergente destacan que " la verosimilitud que trasmiten los momentos de asueto del señor gobernador; sea en torno a unos chatos de vino, sea tratando de abatir a la ansiada presa: toda una radiografía del ejercicio del poder, y de las jerarquías a las que da lugar de manera natural, resuelta desde la observación rigurosa de miradas, gestos y comportamientos. Si bien en el plano formal esta obra no supone una ruptura con los recursos estilísticos propios del cine de su tiempo —tampoco lo pretende—, la impronta documental que atraviesa todo su metraje refuerza poderosamente este acercamiento, rayano en lo etnológico, hacia los tipos humanos que pueblan el entorno rural circundante: cuando la cámara se vuelve hacia los lugareños se diría que estos crecen, como las malas hierbas, en el propio bosque. "

El propio Borau declaró en alguna ocasión que la película muestra "El bosque como símbolo de nuestro país y de nuestra manera de vivir"

Lo cierto es que la película además mantiene la leyenda negra, aunque parece ser cierta de que apalearon a un perro que estaba muy enfermo hasta morir para rodarla. 

Como curiosidad señalar que casi ninguno de los actores y actrices muestra su voz. Alicia Sánchez tiene la voz de Maripé Castro, al mismo Borau le dobla Rafael de Penagos y a Ovidi Montllor, Jesús Nieto. Montllor sin su voz era menos Montllor. Para acabar diré que la película, una de las grandes referencias del cine español, y la principal del que con el tiempo será Académico de la Lengua, contará con un carte realizado igualmente por el escritor, cineasta e ilustrador, Iván Zulueta.

Tierra de violencia

Western estrenado en televisión durante el confinamiento. Presentado como western crepuscular, entiendo que por el ambiente que refleja, yo lo cnsidera una revisitación del western pero vista con los ojos de un europeo, un irlandés en concreto que crea un western en esencia, pero un toques de autenticidad, no exenta de novedad o revisionismo como defiendem algunos críticos que han analizado la película.

Así es  Never Grow Old aqui traducida como Tierra de violencia. No debemos onfundirla con la película homónima al menos en español dirigida por el artesano Robert D. Webb con Robert Ryan. Recuerdo una conversación con unos amigos norteamericanos, abogados ambos, que estaban de acuerdo con la idea de que l existencia todavía en los Estados Unidos de un espíritu de violencia, visible de vez en cuando en estallidos, raciales, masacres en las escuelas o en la necesidad de ir armado que reclaman muchos ciudadanos de algunos estados, tiene mucho que ver con el origen violenta en el pasado del nacimiento del país. 

Sin embargo, en este caso la persona que ha decidido poner fotograma tras fotograma esa violencia, o al menos, la del siglo XIX es el director irlandés Ivan Kavanagh. Se trata de un hombre que ha escrito, dirigido y editado cinco largometrajes y diez cortometrajes todos ellos a lo largo de este siglo. Su segundo largometraje "The Solution" recorrió el circuito de festivales de todo el mundo y ganó el premio a Mejor Drama en el Festival de Cine de Portobello 2007 en Londres. El Festival Internacional de Cine de Durban en Sudáfrica lo llamó "una obra maestra valiente". 

El tercer largometraje de Ivan, Tin Can Man, ganó el Boundary Breaking Best Feature en el Sydney Underground Film Festival 2007 y Mejor Actor por Patrick O'Donnell. También ganó Mejor Película Extranjera, Mejor Actor Extranjero para Michael Parle y Mejor Director Extranjero en el Festival de Cine de Melbourne 2008 y Mejor Fotografía en el Festival Internacional de Cine de Estrasburgo 2008. Al año siguiente estrenó The Fading Light, producido por Park Films y financiado por el Irish Film Board, ganando un Premio a la Mejor película y al mejor actor (Patrick O'Donnell) para los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Dublín durante el Festival Internacional de Cine Jameson de Dublín 2010. 

Sin embargo, la más recordada de todas es El canal una película de terror financiada por el Irish Film Board y protagonizada por Rupert Evans que fue un éxito de crítica y público. Tras esta llegó Tierra de violencia.

En este caso la película es producido por Jacqueline Kerrin, Dominic Wright y Nicolas Steil que representan a las productoras / distribuidoras Phoenicia Pictures, Saban Films. Ripple World Pictures, e Iris Productions.

La película parte de un guion escrito por el mismo Ivan Kavanagh , siendo la música responsabilidad de Aza Hand, Will Slattery y el luxemburgués Gast vals quedando la fotografía en manos de su habitual fotógrafo Piers McGrail y el montaje en Dermot Diskin.

El reparto lo encabeza Emile Hirsch como Patrick Tate, Deborah Francois como Audrey Tate y John Cusack como el holandés Albert. Junto a ellos aparecen Danny Webb como el predicador Pike , Tim Ahern como el Sheriff Parker, Sam Louwyck como  Dumb Dumb, el mudo, Camille Pistone como Sicilia , Antonia Campbell-Hughes como Maria Pike , Paul Reid como Ed , Blake Berris como Fred,  Anne Coesens como la Sra. Crabtree , Paul Ronan como Bill Crabtree. Igualmente aparecen Leila Schaus, Jean-François Wolff, Claire Johnston, Julie Kieffer, Nicolas de Lavergne, Manon Capelle, Sean Gormley, Éric Gigout y Nickel Bösenberg. 

La película se desarrolla en 1849, una fecha que registró grandes cambios en la sociedad; entre otros, la fiebre del oro en California lo que supuso el desplazamiento de muchos colonos al Oeste y la llegada masiva entre ellos de personas de todas partes del mundo, unas mejor recibidas que otras. 

La película comienza por la bandera de la unión destrozada por un incendio y con una secuencia en la que el protagonista que después conoceremos entra en una Iglesia en cuyo interior se escucha alguien que lee un versículo de la Biblia. Posteriormente se escucha en disparo.  

Tras eso nos informan que estamos en 1849, en Garlow, una ciudad en la ruta de California. un pueblo perdido de esa ruta, que fue la principal vía de emigración hacia esa parte del Oeste estadounidense. 

En el mismo se han asentado una pareja formada por Patrick (Emile Hirsch), un carpintero y enterrador del pueblo de origen irlandés que vive a las afueras de su localidad junto a su esposa Audrey (Déborah François), su mujer francesa, con la que tiene dos hijos: un chico y una niña. 

A Audrey le angustia la falta de futuro que ve en el lugar, dominado por un predicador puritano, el reverendo Pike (Danny Webb ) y en la que ella sueña con seguir su camino hasta California. Los dos han cambiado de religión y han dejado de ser católios para integrarse en la comunidad de la mejor manera posible. 

Patrick se gana la vida como carpintero y enterrador y quiere ganar un poco más para después lanzarse hacia el oeste. Vemos como asiste a un servicio religioso donde el predicador Pike afirma que la congregación no lamenta haber prohibido el alcohol, el juego y la prostitución para convertirla en una ciudad "cristiana". 

Tras salir de la iglesia, Patrick habla con su amigo Ed, quien se ofrece a cuidar a sus hijos si alguna vez lo necesita. 

Mientras la mujer de Patrick va a la tienda de un comerciante de apellido Schuter donde su hijo le pregunta si quiere un arma, a lo que él responde que tiene un rifle. Mientras tanto, un hombre extraño entra y gruñe agresivamente al tendero y mira a la esposa del hombre. 

Esa misma noche la casa de los Tate mientras ellos los Tate discuten sobre cómo nunca llegarán a California (su objetivo) ya que el hombre desea seguir adelante ahora que la ciudad "cristiana" se ha calmado y su mujer se niega a irse.  Mientras hablan reciben la visita de tres persona. Una de ellas toca a su puerta. Se trata de un desconocido, un hombre que desde el principio se muestra peligroso Albert "Dutch" el holandés" (John Cusack) junto a sus dos compinches, un hombre mayor y mudo ya que un comanche le ha cortado la lengua ( Sam Louwyck) y otro inmigrante, el italiano Sicilia (Camille Pistone ).  El grupo va en busca de un lugareño , Bill Crabtree (Paul Ronan ) , que lleva un tiempo sin aparecer por el pueblo. Los recién llegado obligan a Patrick a acompañarles a la casa de Bill, al otro lado del pueblo. Allí únicamente encuentra a su mujer ( Anne Coesens) y a su joven hija.  

Tras amenazar a la mujer el trío junto a Pat, así le llaman, deciden ir a una casa que en su momento fue la cantina local. El hombre revela que es un cazarrecompensas que busca a Bill. Al dueño le exigen traspasarles el negocio y que él se quede como cantinero asalariado tras enterarse de que el predicador exigió al posadero que dejara de servir alcohol o quemaría el salón. Mientras toman una copa, los hombres se presentan. 

La llegada de los forasteros dará pie a un gran cambio en el lugar, un lugar en el que estaba prohibido el alcohol y la prostitución impulsado por el reverendo Pike y el grupo de mujeres virtuosas que está alrededor de su mujer  María(Antonia Campbell-Hughes) y de la que forma parte Audrey con el beneplácito del veterano sheriff local Parker (Tim Ahern)

Dutch afirma que comprende lo que se siente al ser un forastero como Patrick, un católico irlandés. Como el posadero no tiene comida, los hombres regresan a la casa de Patrick donde su esposa, Audrey, les prepara una comida. El mudo, Dumb Dumb la mira de reojo. 

Después de la comida, Dutch regresa con el posadero y compra su hotel para convertirlo nuevamente en un salón. 

Un mes después, el saloon está en pleno apogeo gracias a los juegos de azar y las prostitutas que han contratado. Pero tras eso también ha llegado la violencia. En una disputa vemos como Dutch mata a un joven que no ha podido cubrir su deuda de juego. Tras el asesinato el posadero (Jim Emmett) va a buscar a Patrick porque un hombre murió "accidentalmente" en el salón. 

El sheriff Parker sospecha, pero todos guardan silencio cuando se les pregunta qué pasó. En el funeral, el predicador acusa al sheriff de negligencia y exige justicia. 

Esa noche, Dutch despierta a Patrick y le pide dos ataúdes. Lleva a Patrick a una cueva donde mata a Bill Crabtree y a otro hombre, un nativo americano. 

Lo cierto es que la violencia está permitiendo a Patrick ganar más dinero de lo habitual debido a la serie de muertes. 

En el salón, Dutch mata y afirma haber matado  en defensa propia, y nadie dice lo contrario. Todos escuchan los disparos al otro lado de la calle en la iglesia y ven  el cuerpo; el sheriff está cada vez más preocupado por la presencia de Dutch pero no puede hacer nada. 

Más tarde, de vuelta en la tienda, Dumb Dumb sigue a Audrey al interior y le toca la cara. Gruñe de manera ininteligible,  antes de irse avergonzado. 

Cuando Audrey le cuenta lo ocurrido a Patrick, él afirma que no permitirá que le hagan ningún daño.Ella cambia de opinión y tiene deseos de marcharse. Lo contrario de lo que piensa en este momento Patrick.

Un día se persona en el local la Sra. Crabtree va a ver a Dutch y se ofrece a trabajar como prostituta  porque tanto ella como su hija están hambrientas. Dutch dice que la contratará siempre que incluya en el negocio a la hija, pero no a ella sola. 

Mientras frente a la casa de Patrick, pasa un carromato y una pareja joven que afirma que se dirigen a California. Preguntan dónde está el salón pues el joven quiere tomarse un whiskie. 

Poco después de irse, Patrick escucha disparos y encuentra al hombre muerto en la calle, presuntamente asesinado por Dumb Dumb o Sicilia. 

Después de preparar el cuerpo, le da a sus hijos dulces y a su esposa un vestido nuevo, pero ella se niega porque es elegante y lo ve algo fuera de lugar. 

Ofendido, va al pueblo con su amigo y bebe una copa en el salón. Tiene un encuentro tenso con Dutch, pero se escucha un disparo en el piso de arriba: la hija de la Sra. Crabtree no podía soportar estar siendo violada por un cliente  y dispara al hombre que pagó por ella. 

El sheriff Parker se hace cargo del asunto y Patrick recibe el encargo de construir una horca para colgar a la niña, y su esposa dice que si lo hace, será responsable de su muerte. Discuten sobre que no tienen lugar en el pueblo, pero Patrick quiere quedarse por el dinero que está ganando con los asesinatos. 

Al día siguiente, la niña es colgada. Mientras esto se produce Dumb Dumb sigue a Audrey a casa y la acecha hacia el patio trasero, blandiendo un cuchillo, pero antes de que pueda llegar hasta ella, Patrick se acerca y lo estrangula con una cuerda, escondiendo el cuerpo en el ataúd de la chica colgada. 

Ahora, al darse cuenta de la verdadera profundidad de su depravación, Patrick acepta irse con Audrey al día siguiente. 

Esa noche, el predicador se despierta. Sale del levcho que comparte con María y toma un barril de aceite al otro lado de la calle y prende fuego al salón. 

Dutch lo mata a él y al sheriff que ha salido en su defensa. Patrick toma el arma del sheriff pero se aleja del lugar. 

Al día siguiente, mientras se desarrolla el entierro de Pike y el Sheriff llega a la casa de los Tate, Sicilia que va con la intención de matar/ violar a Audrey. Ella ve como se acerca y esconde a los niños. 

Tras eso prepara el rifle de Patrick y cuando Sicilia entra, le dispara al brazo. Pelean y ella lo apuñala en el estómago. Ella toma una de sus armas y se disparan entre sí. 

Los hijos de Patrick que siguiendo las órdenes de su madre van en busca del padre al cementerio y éste regresa a casa. Le pide a Ed que cuide de su familia si no regresa. 

Patrick recupera su dinero de su escondite en el suelo y lo gasta todo en un arma y una pistola. Carga el trabuco con clavos y dos monedas de plata, similares a las que pone en los ojos de los muertos que ha ido enterrando. 

Entra a la iglesia como se ve en la primera escena, donde encuentra a Dutch y Jim Emmett. Dutch se da cuenta de que Patrick ahora solo está lleno de odio , pero Patrick se adelanta y  le dispara el arma aunque también recibe un disparo en el estómago, luego apunta con su pistola a Jim, matándolo. 

Camina a casa y ve a su hijo en el porche, quien le pregunta si se está muriendo. Le dice a su hijo que sí, pero que recuerde siempre que lo ama tanto a él, a su hermana y a su madre y que vaya a buscar a Ed. Patrick permanece en el porche y presumiblemente muere acabando así la película.

La película es una coproducción europea capitaneada por Irlanda que se filmó en Connemara, al oeste de este país, en el condado de Galway y en Luxemburgo a lo largo de noviembre de 2017.

El director irlandés Ivan Kavanagh que con su anterior película El canal, encontró el éxito declaró que  "Mi película muestra el lado oscuro del sueño americano y la búsqueda desesperada de la felicidad a cualquier precio".

Kavanagh, parsa la película se inspiró en la dureza que reflejaban las fotos de aquella época, y ha reconocido que buscaba hacer un western clásico que reflejara el nacimiento de EEUU, un país cimentado en buena medida a partir de la llegada de ciudadanos de otros lugares. 

Kavanagh afirmó igualmente  que intentaba realizar Tierra de violencia desde el año 2007. Para rodarlo optó por no darles a los actores un guion acabado, sino que les proporcionó información detallada de sus personajes y les instruyó del modo en el que se suponía que debían reaccionar. 

En diciembre de 2017, se anunció que Emile Hirsch , John Cusack , Deborah Francois , Antonia Campbell-Hughes , Paul Ronan , Danny Webb se habían unido al elenco de la película, 

En una entrevista publicada en Cineuropa antes de su lanzamiento en Estados Unidos, Ivan Kavanagh le dijo a Davide Abbatescianni que su principal inspiración al escribir eran “las fotografías de la frontera desde la década de 1850 en adelante. En las mismas además de la dureza de la situación reflejada en los rostros de los protagonistas se reflejaba algo que también aparece en los himnos que cantaban en ese momento. Hablaban de las dificultades, la miseria de la vida y cómo la vida será mejor en el otro lado, en el cielo. Y declaró que "Es una visión muy aleccionadora y conmovedora de la fundación de Estados Unidos y de la experiencia de los inmigrantes. Traté de incluir algo de eso en la película, además de rendir homenaje a los westerns que amaba de niña ” 

En la película hay una buena cantidad de fotograms rodados como escenas nocturnas y con cielos nublados, y no tiene reparos en mostra escenas con una especial dureza como, por ejemplo, el ahorcamiento de una muchacha adolescente. 

Las críticas recibidas por esta película han sido mixtas. Frank Scheck en  The Hollywood Reporter señala que "Cusack hace su mejor interpretación en años (...) Es un placer ver un género familiar manejado con tanta destreza" 

Glenn Kenny de la siempre fiable  rogerebert.com señala que "Este tipo de western 'revisionista' —frío, serio, triste, decidido a castigar al espectador— (...) me parece la variante de género más innecesaria de todas (...)" 

Rex Reed del  The New York Observer defiende que la película es "Espeluznante y brutalmente desconcertante, 'Never Grow Old' es un western extraordinario hecho con una fuerza bruta implacable (...)"  

Richard Roeper del  Chicago Sun-Times afirma que es  "Una fábula fronteriza sólida, bien hecha y compleja con un aspecto distintivo y buenas interpretaciones de todo el reparto (...) " 

Noel Murray de Los Angeles Times comenta que "No es un western de primer nivel, pero está hecho con cuidado y tiene algo que decir sobre cómo, incluso en un país que fomenta el individualismo, la comunidad importa." 

Ya en España Alberto Luchini en El Mundo escribe que "Con un fotografía tristona y oscura, utilizando principalmente planos cortos (...) Kavanagh consigue crear un atmósfera oprimente y pesadillesca (…) "

 

En este mismo diario se escribe que "Emile Hirsch (''Hacia rutas salvajes'') y John Cusack (''Alta fidelidad'') protagonizan este oscuro wéstern sobre la llegada de un peligroso forajido y sus secuaces a un pueblo cristiano de la frontera estadounidense. Con esta situación, el personaje de Hirsch deberá hacer frente a un grave dilema moral: continuar con las ganancias o proteger a su familia. Ambientada en un apantanado y lúgubre paisaje, esta historia sobre la decadencia humana, las injusticias y la culpabilidad está escrita y dirigida por Ivan Kavanagh, quien se dio a conocer en todo el mundo con el terrorífico filme ''El canal'' (2014). "

Por mi parte decir que me ha gustadoy mucho la película. Considero que John Cusack (Alta fidelidad, El Jurado), hace un trabajo soberbio, como nunca, he visto en este actor más centrado en la comedio. Se hace acompañar de un convincente Emile Hirsch (La autopsia de Jane Doe, Freaks) que aguanta bien los primeros planos así como una muy agradable Déborah François (El niño, Las hormigas rojas), y por el empaque de los secundarios de peso como son Sam Louwyck (Cargo, El país de las maravillas), Danny Webb, Antonia Campbell-Hughes, Paul Ronan y Blake Berris. Consideró que estamos ante un western que no desmerece en nada a los nuevos western de calidad. Duro, brutal por momentos, bien rodado, con ritmo es una grata sorpresa que por inesperada no debe de reducirse al calificativo de crepuscular. Crepusculares son los tiempos que vivimos durante esta pandemia. 

Capitán Conan

Habrá que reconocer que los franceses vienen a ser los europeos que mejor recrean su historia, haciendo con ellas un cine histórico creíble, bien estructurado y perfectamente diseñado. Si ya el Germinal de Claude Berri fue un prodigio en la recreación del mundo obrero surgido a través de la obra homónima de Zola, Capitán Conan no llega a tanto, pero deja muy alto el listón del cine histórico francés para sacar a la luz pedazos de su compleja historia. El sacarnos aquí la casi desonocida para el gran público la Expedición del Oriente, una historia tan alejada como la Expedición Checoeslavaca interviniente en la Guerra civil rusa es de un enorme mérito.

Años llevaba esperando ver Capitaine Conan en su título original en francés es una película dirigida por el director, guionista, actor, y productor francés Bertrand Tavernier quien reconoce influencias cinematográficas que van de John Ford, William Wellman, Jean Renoir, Jean Vigo y Jacques Becker. Su primer trabajo en el mundo de cine fue junto a Jean-Pierre Melville. 

Posteriormente, llegó su primera película (L'Horloger de Saint-Paul, 1974) que ganó el Premio Louis Delluc y el Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1974. Después llegaron otros títulos como El juez y el asesino (Le Juge et l'Assassin, 1976) , Dos inquilinos (Des enfants gâtés, 1977) , La mort en direct (Deathwatch, 1980) Une semaine de vacances (1980),  Coup de torchon (1981), Mississippi Blues (1983), Un dimanche à la campagne (1984) , Autour de minuit (1986), La Passion Béatrice (1987). Poco después llegó un  BAFTA a la mejor película en un idioma que no sea inglés en 1990 por La vida y nada más (La vie et rien d'autre, 1989), que , a su vez, le aportó un total de cuatro Premios Cesar. Le siguieron a este fértil director otros títulos como Daddy nostalgie (1990) Contre l'oubli (1991) La guerre sans nom (1992)  o La hija de D’Artagnan (La fille de d'Artagnan) (1994) 

En 1995, su película L'Appât ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1995. Al año siguiente llegó la que aquí nos ha traido Capitaine Conan y cuatro años después, su película Hoy empieza todo (Ça commence aujourd'hui, 1999) que una ganó la mención en el Berlinale de 1999.

Después llegaron Laissez-passer (2002) Holy Lola (2004) Dans la brume électrique (In the Electric Mist, 2009) , La princesse de Montpensier (2010),  Quai d'Orsay (2014) o Las películas de mi vida (2016) 

Con respecto a Capitán Conan destacar que se trata de un drama bélico y se basa en la novela ganadora del Premio Goncourt de 1934, Capitaine Conan de Roger Vercel (cuya edición en español publicó Inédita, 2008), en la que junto a la narración bélica se mezclan con los rasgos autobiográficos de un relato que subraya el lado íntimo y desasosegador de la experiencia bélica. 

La película es una producción de Yvon Crenn en la que participan la productora Les films Alain Sarde , Canal +, Little Bear y TF1 Production y que contó con un presupuesto de $10 millones.

La película sigue el guion de Bertrand Tavernier y Jean Cosmos basada en la novela de Roger Vercel. En el apartado de la música destaca la banda sonora de Oswald d'Andréa , la fotografía de Alain Cloquart , el montaje de Luce Grünenwaldt, Laure Blancherie y Khadicha Bariha-Simsolo  y el vestuario de época de Jacqueline Moreau.

El elenco lo integran Philippe Torreton como el Capitán Conan, Samuel Le Bihan como Norbert,  Bernard Le Coq como el Teniente de Scève , Catherine Rich como Madeleine Erlane , François Berléand como el Comandante Bouvier , Claude Rich como el General Pitard de Lauzier,  Cécile Vassort como Georgette. Junto a ellos aparecen André Falcon como el Coronel Voirin, Claude Brosset como el Padre Dubreuil,  Crina Muresan como Ilyana, François Levantal como Forgeol,  Pierre Val como el cobarde desertor Jean Erlane,  Roger Knobelspiess como el Mayor Cuypene,  Frédéric Pierrot  como  conductor , Jean-Claude Calon como el oficial secretario judicial Loisy,  Laurent Schilling como Beuillard , Jean-Yves Roan como el soldado Rouzic , Philippe Héliès como Grenais , Tonio Descanvelle como Caboulet , Éric Savin el  armero , Olivier Loustau como Mahut , Jean-Marie Juan como  Lethore,  Jean-Christophe Chavanon como el centinela de Scève , Christophe Calmel: como otro centinela de Scève,  J.P. Monaghan como el Mayor inglés,  Laurent Bateau como Perrin.

Estamos en el epigono de la Primera Guerra Mundial. La infantería francesa se encuentra en el frente macedonio y en  primera linea conocemos a Conan (Philippe Torreton), un oficial de un grupo considerado de la élite del Ejército francés , los Chasseurs alpins (Cazadores alpinos), unidad fantasma que lucha en el frente oriental desde Bulgaria a Rumanía con una unidad formada por franceses, serbios e italianos en el llamado Ejército de Salónica. Se trata de un  carismático líder de un pelotón especial, integrado por muchos soldados que proceden de prisiones militares y que atacan sin miedo las líneas enemigas por la noche sin tomar prisioneros. 

Conan desprecia a los soldados de carrera, y su único amigo es un joven con estudios que aspira a ser maestro  Norbert (Samuel Le Bihan). 

Cuando termina el conflicto y se firma el armisticio con Bulgaria en septiembre de 1918, la unidad no es desmovilizada, y es envíada a Bucarest, capital de Rumanía, aliada de Francia, pero no devuelven la tropa al país galo recibiendo una suerte de unas órdenes confusas, ya que las tropas francesas del frente Oriental van a ser utilizadas como aliados y frente a los bolcheviques en la Guerra Civil Rusa. 

Sin luchar y sin ser tampoco desmovilizado, la moral de unos soldados que llevan años luchando se hunden y comienzan los desmanes , pero también las deserciones y con ellos los consejos de guerra. En las calles de Budapest, permanecen un año retenidos . Los soldados galos siembran el desorden, roban y asesinan. Mientras Conan vive , bebe y se divierte. Se siente inmensamente vivo.

El teniente Norbert amigo íntimo de Conan tiene la delicada misión de ejercer de fiscal militar con el objeto de condenar a los culpables. Así que , en ocasiones, pide ayuda al Capitán Conan, que es visto como un héroe de guerra desde que su actuación fue determinante en la toma del monte Sokol. 

A Norbert y Conan les separan grandes diferencias culturales, pero son buenos amigos. El cumplimiento de su deber pone en peligro su amistad, ya que Conan defiende apasionadamente a sus hombres, mientras que Norbert tiene que castigarlos. 

Después de una exitosa defensa, Norbert se ve obligado a convertirse en acusación por la amenaza de que, si no lo hace, se imputará a Conan ya que se sospecha que algunos de sus hombres han participado en el brutal ataque a un club nocturno lleno de gente, robando la recaudación, lesionando a una cantante y matando a la cajera. 

Con la ayuda de la policía rumana y una prostituta francesa, Norbert encuentra a los hombres pero logra sentencias livianas para ellos. 

Mientras todo esto ocurre una viuda de alta alcurnia Madeleine Erlane (Catherine Rich ) llega desde Francia buscando a su hijo, Jean (Pierre Val  ) quien encuentra esperando un  juicio por deserción. Después de escuchar su historia, Norbert cree que el chico puede ser inocente y que su oficial, un despreciable militar de carrera,  lo que busca es que le peguen un tiro para ocultar su propia incompetencia durante un combate. 

Conan, que odia al oficial, está de acuerdo, y se lleva a Norbert a la antigua línea del frente donde el muchacho se perdió en acción. Ambos, conjuntamente con el abogado defensor, un sacerdote castrense, el Padre Dubreuil (Claude Brosset) se convencen de su inocencia. A pesar de la defensa bien planteada el chico será condenado a morir fusilado. 

Pero la Guerra civil rusa prosigue y el ejército francés de Oriente es nuevamente movilizado para ser   trasladado al Danubio para luchar de manera no reconocida oficialmente, e impedir un ataque del Ejército Rojo. 

Inesperadamente los soviéticos atacan y durante la acción, Conan vacía la prisión y lidera a sus hombres hasta una última victoria. Consigue con su valentía cercana a la brutalidad vencer a los soviéticos aunque a costa de la muerte de un valeroso Jean, que demuestra que lucha con valor como le trasmite Norbert a su madre por carta. 

En una sombría coda, años más tarde, ya de vuelta a Francia, Norbert visita a Conan. Al llegar a la localidad natal de Conan en Bretaña, descubre  que ya no es un gallardo héroe, sino un tendero enfermo de muerte. le quedan seis meses de vida y durante la breve conversación un amargado excapitán Conan le dice «Son los hombres como yo los que ganan las guerras» y añade «¿Te acuerdas de lo que te decía en Gorna? ¿Eso de que éramos como mucho tres mil los que habíamos ganado la guerra? De esos tres mil, puede que encuentres alguna vez uno o dos, aquí o allá, en algún pueblucho… Míralos bien, Norbert: estarán como yo…» acabando casi de inmediato con suma tristeza.

Cuenta Tavernier que cuando Vercel publicó su novela, inspirado el personaje en un teniente de zapadores con el que el autor había coincidido en las trincheras, fueron muchos los que le escribieron diciendo: «Conan soy yo». Nunca logró reencontrarlo. 

La 

La película obtuvo una recaudación de $4.4 millones y con ella Bertrand Tavernier ganó el premio César al mejor director y Phillippe Torreton el César al mejor actor de un total de nueve nominaciones.

La película fue también nominada a otros seis premios César incluyendo el de mejor película, mejor guion y actor revelación. 

La película fue elegida para Film Presentado en el Festival de Cine de Telluride . En el Festival de San Sebastián obtuvo una mención especial. 

En 2019 en un homenaje a Tavernier el director contó que "Debido al frio; un día los extras bebieron vodka y acabaron todos borrachos ". La película se rodó entre Rumanía y Francia. En la capital Bucarest se rodó en Carul cu Bere, en la región de Tulcea, en las llamadas Macin Mountains y en Enisala y en Francia en Cap Fréhel en Côtes-d'Armor y en Saint-Suliac, en Ille-et-Vilaine. . Y en los Premios del Cine Europeo fue nominada a mejor película y actor (Torreton) 

En cuanto a la crítica  Janet Maslin, de The New York Times, dijo de ella que "Monsieur Torreton personifica poderosamente las cuestiones centrales de la película de en qué se convierte un luchador sin el combate y a dónde llevan los valores inherentes en una batalla salvaje".

Ken Fox, de TV Guide,  consideró que era " tan bella como brutal y que era uno de los mejores films bélicos de los últimos años".

Por su parte Alex Albanese, de Box Office, dijo que la película era dura, precisa y desoladora como el personaje que da título a la película. 

Ya en España Javier Ocaña dice de ellaen Cinemanía  que es un "Espectacular alegato antibelicista" , mientras que Fernando Morales en El País dice que es un "Intenso drama (...) espléndidas interpretaciones". 

Fernando Rodríguez Lafuente señala en ABC que "De los méritos de esta cinta uno se alza por su carácter absolutamente cinematográfico. El manejo de la cámara en los escasos pero brillantes episodios de batallas, escaramuzas y enfrentamientos. Tavernier logra que los ojos de los combatientes sean la visión en la pantalla, que cada plano asuma «la expresión y la emoción de un soldado que no ve al enemigo, y no sabe dónde está» (así contestó el director a Esteve Riambau, en la revista citada, allá por abril de 1997). Logra también relatar, a través de poderosas imágenes, la trastienda de la guerra, la vida cotidiana, los sabores y colores, el desánimo y la cobardía, la heroicidad y el crimen, la venganza y la deserción, el miedo y la arrogancia, el humor y la tristeza y las diarreas de la tropa, y a los fatuos generales en sus cámaras distinguidas con sus fastos anacrónicos. Y recuerda al espectador que, en medio del infierno, la salvación es a cualquier precio. Sobrevivir, como sea. No hay ya reglas ni normas. " Concluye su artñiculo diciendo que "Destrozados por la guerra, anónimos e invisibles para sus compatriotas, cada uno se convertiría en un héroe y un monstruo, también para sí mismo. Los que ganaron, aún más". 

En ABC Play "El reputado Bertrand Tavernier ("Hoy empieza todo", "El salvoconducto") se atrevió a llevar a las pantallas esta revisión histórica de la primera gran guerra del siglo XX. "Capitán Conan" nos presenta al ejército francés no como vencedor del conflicto, sino como víctima de su propia sed de sangre tras cuatro años de cruel enfrentamiento bélico. El comprometido director contó con Philippe Torreton -con el que ya había trabajado en "Ley 627"- y Samuel Le Bihan ("El pacto de los lobos") para los papeles principales. "

Un gran film bélico - más bien antibélico- con un final tremendo, grandes escenas de acción, una gran puesta en escena y que muestra la cara oculta y más triste de la Primera Guerra Mundial y el absurdo de la misma generando resentimientos y amarguras sin fin. Una de las mejores muestras del cine bélico relacionado con la Gran Guerra.