Queimada

 

Una obra mítica, de un director que tuvo gran predicamente y que tanto película como director han caído en el olvido. La historia de cómo el hombre se convirtió en un lobo para el hombre, aquí materializada en la esclavitud, y a pesar de lo mucho que se ha investigado, está por descubrirse. Un ejemplo del cine comprometido de esta época, de cuando el compromiso era real, y no un lema de mercadotecnia, una posturita. 

*Ec: En construcción

El baile de los malditos

 

*EC: En construcción

El rostro impenetrable

Pocas veces un western acaba en el agua. Muy pocas veces, acabamos viendo lo que hay en el punto terminal del oeste, el Pacífico. Pero el rostro impenetrable es uno de los pocos en los que el mar rivaliza con el desierto. Y llama la atención, pues el desierto es el espacio en el que se produce la ruptura de una amistad y comienza el principio de una traición, de la deslealtad que termina ante una localidad frenter al mar. 

Así es el rostro impenetrable un western que acaba ante el Océano, que pasa por el Penal de Sonora y termina en los alrededores del  Monterrey californiano, no confundir con el de México. Tuve la fortuna de haber bajado por ese tramo de la Estatal 1 . Un tramo que disfruté del océano, de la montaña, de una naturaleza salvaje, leones marinos incluidos, y de infraestructuras creadas por el hombre y que comunican El Camino Real costero que va entre San Francisco y el Big Sur que tuvo en Monterrey y Carmel el centro de mi viaje costero frente al Pacífico. Sin seguridad he creído ver más que la ciudad que fue los contornos de las playas de Garrapata Beach, la costa cercana al arroyo Malpaso todo ello por la ruta de mi paisano Cabrillo.

El protagonista estelar de estar película es un Marlon Brando con mando en plaza, duro como siempre, de poses, con miradas que pasan de ser torvas hasta entregadas, de cabeza caída pero vigorosa, altiva, siempre audaz y llena de primeros planos. Pocas veces un western, en este caso dirigido por este divo de la interpretación, le da tanto peso al mar, a las olas, a los acantilados, a los cipreses marinos o a las playas.

Con un elenco grandioso trufado de hispanos y de estrellas  que van desde Modesto, un cholo, un "pelao", a los dos malvados deuteragonistas como Karl Malden o Ben Johnson. Junto a ellos chinos, mexicanos, colonos de origen hispano y anglosajón que conviven mejor que peor, pero que no intervienen de forma directa  en esta historia que no es otra cosa que la de una vieja amistad rota por una traición en la que también existe espacio para una breve pero delicada historia de amor  con Pina Pellicer, que hace de hija de la inolvidable Katty Jurado. 

One-Eyed Jacks , pues ese es su título en inglés, fue la primera y única película que dirigió Marlon Brando. Aunque se comenzó a rodar en 1958, se estrenó en 1960.

Originalmente al frente del proyecto estuvo Stanley Kubrick siguiendo un guión de Sam Peckinpah , pero las disputas entre los estudios llevaron a su reemplazo por Brando y Guy Trosper tras varios meses alegando desavenencias con Marlon Brando, quien terminó dirigiendo la película. La actriz Rosita Moreno colaboró como asesora técnica. 

La película era un producción de George Glass, Walter Seltzer y Frank P. Rosenberg que daban la cara ante la productora Pennebaker Productions que manejó un presupuesto de $ 6 millones . La distribución quedó en manos de la Paramount Pictures pasando a ser de dominio publíco entre 1988-2010 siendo tras su restauración propiedad de la Universal Pictures y Sony Pictures Television.

El guion original era de Rod Serling aunque el finalista fue de Guy Trosper, on aportaciones de Calder Willingham y Sam Peckinpah , éste sin acreditar. La película estaba basada en la novela de Charles Neider.

La banda sonora es de Hugo Friedhofer, mientras que la fotografía fue de Charles Lang Jr. y el montaje de Archie Marshek y Jack H. Lippiatt.

En cuanto al reparto lo encabezan Marlon Brando como Río, Karl Malden como el sheriff Dad Longworth, Katy Jurado como María Longworth, Pina Pellicer como Louisa, Ben Johnson como Bob Amory, Slim Pickens como Lon Dedrick, Larry Duran como Chico Modesto, Sam Gilman como Harvey Johnson , Timothy Carey como Howard Tetley,  Míriam Colón como la "pelirroja", Elisha Cook, Jr. como Carvey , Rodolfo Acosta como el capitán mexicano de los rurales, Tom Webb como el hijo del granjero, Ray Teal como Barney, John Dierkes como Chet , Philip Ahn como tío , Margarita Cordova como Nika, la bailarina de flamenco, Hank Worden como Doc,  Joan Petrone como la mujer vendiendo flores durante una fiesta en Monterey. 

La película comienza con un atraco en el que participan Rio ( Marlon Brando ), su mentor Dad Longworth ( Karl Malden ) y un tercer hombre llamado Doc (Hank Worden  ) roban un banco de dos alforjas de oro en Sonora, México . 

Los rurales mexicanos  los rastrean, mientras los dos últimos beben en una cantina y disfrutan con mujeres bonitas, Río tontea con la hija de un hacendado. Sin embargo, la llegada inesperada de los rurales daal traste con el descanso y   matan a Doc, mientras que Dad y Rio escapan, aunque quedan atrapados en una colina alta con un único caballo para los dos. 

Rio calcula que los rurales "pululando sobre nosotros dentro de una hora" así que entre los dos deciden que uno  podría tener éxito en cabalgar hasta un picadero cercano en una pequeña casa de adobe y regresar con nuevas monturas para huir. Ellos  se la juegan aunque Rio ha hecho trampas para que su amigo, Dad, pueda ser el que salga de la reseca montaña. 

Dad llega a un corral y amarra las alforjas de oro en un caballo nuevo, pero se lo piensa mejor. Dirige su mirada hacia el punto  en el que está Río y que seguramente será tomado por los rurales , y con el otro mira en la dirección opuesta, hacia la frontera y la seguridad. La primera opción lo conduce al peligro y da pocas posibilidades de sobrevivir con la mitad del botín, la otra hacia cierta seguridad con todo el botín. 

Tras un breve momento de reflexión deja a su amigo para que se lo lleven los rurales. Tras pasar unas horas y sin agua Rio es arrestado deshidratado y transportado llevado a un penal, aunque antes pasa por el picadero de adobe, el jacalito , donde se entera de la traición de Dad. 

Rio pasa cinco duros años en el Penal de Sonora. Se escapa con su nuevo compañero Chico Modesto (Larry Duran) y sale con un único objetico: encontrar a Dad Longworth y vengarse por su traición. 

Río vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Sin embargo, y siempre acompañado de Modesto va de cantina en cantina buscando información. En una de ellas coincide con una chica amiga común tanto de él como de Dad, una pelirroja , que juguetea con los yanquis. Se tratan de  Bob Amory  (Ben Johnson) y Harvey Johnson ( Sam Gilman). El primero aborda a Río y le propone un proyecto: el asalto de un banco de Monterrey (California), queda demás tiene un interesante aliciente: el sheriff del pueblo no es otro que Dad.

El cuarteto se dirige a la frontera y tras quince días llegan a la costa californiana la ciudad de Dad, quien ha pasado todos estos años temiendo su regreso mientras ahora aparenta una vida legal como sheriff de Monterey, California . 

Río en lugar de tenderle una emboscada, le da la oportunidad de explicar por qué lo dejó tirado en México. El mismo Rio le cuenta que escapó del asedio y que nunca fue capturado y, como tal, no tiene motivos para sentir venganza. La situación incómoda a Dad pero la historia de Rio no es menos inverosímil así que lo invita a pasar al interior de su casa situada a dos millas de la ciudad, junto al mar. 

Sin embargo, todo este tiempo ha servido para que Rio madure su plan de vengarse de Dad y también para llevar a cabo un robo a un banco en Monterey con sus nuevos socios. De todas maneras el afirma que está de camino a Oregón. No obstante, los planes se desvían cuando Rio se enamora de la hermosa hijastra de Dad, Louisa ( Pina Pellicer ). 

Louisa invita a Rio a disfrutar de una fiesta al día siguiente. La fiesta es un hervidero de personas y de bebida. Baila y bebe como todos los asistentes. Río además esa noche le sirve para engatusarla y pasar la noche con ella en la playa. 

Dad intenta castigar a Louisa por lo sucedido, pero tras la intervención de su esposa, María, ( Katy Jurado) renuncia. Aún enfurecido, atrapa a Rio, tras el incidente vivivo en un bar con un hombre que agrede a una flamenca y aprovechando la coyuntura lo ata en el medio del pueblo y le da una brutal paliza con un látigo. Luego aplasta la mano de la pistola de Rio con la culata de su escopeta, para asegurarse de que Rio nunca pueda vencerlo en un tiroteo. 

Tras lo ocurrido permite que salga de la localidad y Río y los suyos se refugian en la casade unos chinos en la playa. Allí se recupera aunque lentamente de sus heridas, lo que desespera a Emory y a su socio. No a Modesto que está fielmente con Río.

Rio lucha con sus deseos conflictivos de amar a Louisa que lo busca en la playa aunque le oculta que va a ser padre y vengarse de su padrastro. Practica repetidamente disparar con la mano izquierda. 

Con el tiempo Río decide renunciar a la venganza y al asalto al banco. Su intención es buscar a Louisa y marcharse de la ciudad. 

Sin embargo, Emory ha estado elaborando sus propios planes. Él y su socio matan a Chico cuando éste ha decidido regresar a México. Mientras marchan con dirección a Monterrey le ofrecen participar en el robo al banco sin el conocimiento de Rio. Modesto se niegan, pero lo matan.

Después Emory va  en bisca de Dad y le dice que Río le espera. Mientras espera Emory comete el atraco, pero este sale mal y una joven muere. 

Tras lo ocurrido Rio es acusado de cometer los crímenes por Dad y a pesar de que  Rio  lo niega , sabiendo que el resultado de su juicio condenatorio Dad lo encarcela. 

Tras el juicio Rio es condenado a ser ahorcado en dos días. Dad tiene una última charla privada con él, nuevamente tratando de absolverse a sí mismo por todo lo que ha hecho. Rio responde: " he visto el otro lado de tu cara". 

Por su parte, Louisa visita a Rio en la cárcel para decirle que va a tener a su bebé. Luego es golpeado por el sádico ayudante del sheriff Lon Dedrick ( Slim Pickens ), quien deseaba tener una relación con Louisa. 

Por su parte, María se enfrenta a Dad e insiste en que le digan la verdad sobre la relación entre él y Rio, afirmando que sabía que algo andaba mal desde el momento en que Rio llegó. Ella dice que sabe que Dad quiere colgarlo simplemente por culpa. Dad se va enojado después de decirle que no aprecia todo lo que ha hecho por ella y más aún cuando se entera que su hijastra está embarazada. 

Mientras tabto, Louisa intenta pasar de contrabando una pistola Derringer de bolsillo a Río, pero Dedrick la descubre, se burla de ella y la saca de la cárcel, dejando la pistola sobre una mesa. Mientras están fuera, Rio con gran dificultad es capaz de tomar la pistola que ha quedado sobre una mesa Sin embargo, está sin munición. De cualquier manera apunta con el arma descargada a Dedrick cuando regresa.

Consigue salir y Rio se escapa de la cárcel. Rio toma el revólver de Dedrick, lo golpea hasta dejarlo inconsciente y lo encierra en una celda. 

Mientras Rio se escapa, Dad lo ve, yendo a la ciudad. Bajo fuego, en el enfrentamiento final, Rio mata a tiros a Dad. Rio y Louisa cabalgan hacia las dunas y se despiden sentimentalmente. Rio ahora será un hombre perseguido y ya es buscado en México, por lo que le dice a Louisa que podría ir a Oregon . Él le dice que lo busque en la primavera, cuando él regresará por ella. Acabando en la playa la película.

Rod Serling , creador de la serie de televisión The Twilight Zone , escribió una adaptación de la novela The Authentic Death of Hendry Jones de Charles Neider (1956), a petición del productor Frank P. Rosenberg. 

El libro era un tratamiento ficticio de la historia de Billy the Kid , trasladada de Nuevo México a la península de Monterey en California. La adaptación fue rechazada, pero Rosenberg luego contrató a Sam Peckinpah , quien terminó su primer guión el 11 de noviembre de 1957. 

La productora Pennebaker Productions de Marlon Brando había pagado $ 40,000 por los derechos de Authentic Death y luego firmó un contrato con Stanley Kubrick para dirigir para Paramount Pictures . 

Peckinpah entregó un guión revisado el 6 de mayo de 1959. Brando luego despidió a Peckinpah y contrató a Calder Willingham para que revisara más el guion de la película, pero finalmente él también fue despedido. 

Guy Trosper fue contratado como reemplazo final. Además, Stanley Kubrick, por razones desconocidas, dejó de dirigir la película solo dos semanas antes de comenzar la producción.  Brando se ofreció a dirigir en su lugar. En última instancia, la película se parecía poco a la novela de Neider, y lo que queda tiene mucha más resonancia con la historia que con la ficción. 

En varias ocasiones, los dos guionistas acreditados y el no acreditado Peckinpah han reclamado (o han reclamado por ellos) la mayoría de la responsabilidad de la película. Cuando se le preguntó a Karl Malden quién escribió realmente la historia, dijo: "Hay una respuesta a tu pregunta: Marlon Brando, un genio de nuestro tiempo". Parece que malden llegó también la dirección de algunas secuencias. 

Se rodó en escenarios de California como Monterey Peninsula y su 17-Mile Drive, Pfeiffer Beach en Big Sur, Cypress Point en Pebble Beach, en Zabriskie Point del Death Valley National Monument, Warner Ranch sito en Calabasas. También se rodó en México en concreto en Bavispe y Yaqui River y Altar en Sonora, Durango, Puerto Peñasco, y en los Paramount Studios en el 5555 Melrose Avenue de Hollywood entre diciembre de 1959 y octubre de 1960. 

La película fue el último largometraje de Paramount Pictures estrenado en VistaVision allá por el 30 de marzo de 1961 en la ciudad de Nueva York. Lo cierto es que generó poco dinero, lo que llevó a una serie de películas sin éxito para Brando. 

Marlon Brando filmó un total de cinco horas de imágenes adicionales, algunas de las cuales fueron destruidas más tarde. Más tarde, otros directores trabajaron en el resto de la película después de que Brando se alejara de la producción. En una entrevista con Rolling Stone de 1975, Brando dijo sobre la dirección: "Trabajas hasta la muerte. Eres el primero en levantarse por la mañana ... Quiero decir, filmamos esa cosa en la carrera, ya sabes, inventas el diálogo la escena anterior, improvisando, y tu cerebro se vuelve loco ”. 

Gran parte de la crítica consideró que El rostro impenetrable era un ejercicio narcisista de su director-actor. Sin embargo su recepción en Europa fue muy buena, de tal modo que en julio de 1961 recibió la Concha de Oro en el Festival Internacional de cine de San Sebastián.

Con todo la pelívula fue nominada al Oscar a la  Mejor fotografía en color para Charles Lang (1902 - 1998), y el Sindicato de Directores (DGA) la nominó a Mejor director.

Como ya hemos visto la película en los Estados Unidos no tuvo una gran respuesta aunque recibió buenas críticas. 

Bosley Crowther de The New York Times , influenciado favorablemente por los esfuerzos de Brando, señaló: "Dirigido  e interpretado con el tipo de estilo vicioso que el Sr. Brando ha puesto en muchos de sus papeles escurridizos y escabrosos. El realismo huele en ellos , como está en muchos detalles de la película. Pero, al mismo tiempo, está curiosamente rodeado de elementos de romance cremoso-cliché y una especie de extravagancia pictórica que se suele ver en las películas de las islas del Mar del Sur ".

En las páginas de Variety, por otro lado, se escribió que "Es una rareza (...) tanto su fuerza como por su debilidad que radica en el área de la caracterización. El concepto de Brando exige, sobre todo, profundidad de carácter, figuras humanas dotadas de un bien y lados malos de su naturaleza ". 

Dave Kehr de The Chicago Reader escribió: "Hay una fuerte atracción freudiana en la situación (el nombre de la pareja es" Dad ") que es más ritualizada que dramatizada: las escenas más memorables tienen una feroz intensidad masoquista, como si Brando estaban aprovechando la oportunidad para castigarse a sí mismo por algún crimen desconocido " 

En filAffinity se informa que es un "Western de traiciones y venganzas que comenzó a rodar Stanley Kubrick pero que acaba y firma Marlon Brando. Algo excesivo en su metraje, tiene excelentes secuencias pero, sobre todo, tiene a Brando y a Malden"

En el País Miguel Ángel Palomo señala que es un "Western sin precedentes, psicológico, fantasmagórico, abstracto. También, un ejercicio de egolatría feroz. Pero las barrocas imágenes suponen en su osadía un alarde tal que se le perdona el narcisismo" 

Por último en ABC Play señala que "Wéstern psicológico sobre un malhechor que busca vengarse de un antiguo amigo, ahora 'sheriff'. Basado en la novela de Charles Neider, se trata de la única incursión tras la cámara del mítico Marlon Brando. Un filme considerado notable en cuanto a su estudio de personajes, pero criticado por su excesivo metraje y el narcisismo de su director. La película se benefició del trabajo de sus dos protagonistas principales, Marlon Brando y Karl Malden, ambos pertenecientes a la célebre escuela del método, y de la actriz secundaria Katy Jurado ("La hoguera de odios"). "

Lo cierto es que la película pasó a ser de dominio público en 1988 , pero en  2018 la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso. Merecido premio para este western que mira más al mar que ningún otro. 

Sierra Prohibida

Esta pasada semana falleció John Saxon. El dijo que esta, dentro de sus películas, era su favorita . Este es mi pequeño homenaje a este actor multifacético que tuvo mucho más peso específico en la historia del cine como secundario, tal y como ha comentado en alguna ocasión Fausto Fernández ya sea en su faceta como actor de cine siendo además una cara reconocible en la serie televisivas. 

The Appaloosa o Sierra prohibida es un western estadounidense estrenado en 1966 dirigido por el canadiense Sidney J. Furie director de American Soldiers , The Ipcress File con Michael Caine y Superman IV , entre otras, que fue rodado en el otoño de 1965 en Technicolor. 

La película está basada en una novela de Robert McLeod (The Appaloosa, 1963) e interpretada en sus principales papeles por Marlon Brando, Anjanette Comer y John Saxon. Este último fue nominado en 1967 en los Premios Globo de Oro como mejor actor de reparto. 

La película es la historia de una venganza obsesiva con la que el canadiense Sidney J. Furie contó con el apoyo de un ayudante de dirección como Douglas Green y de Alexander Golitzen y Alfred Sweeney en la dirección artística. 

La película fue una producción de Alan Miller para la Universal Pictures y que contó con el guion de James Bridges (responsable que fue de “Cazador blanco, corazón negro”) y Roland Kibbee (“El temible burlón”). Está basada en The Appaloosa novela de Robert MacLeod.

La película cuenta con el "score" en la música de Frank Skinner, el sonido de Waldon O. Watson y Lyle Cain, el maquillaje de Bud Westmore y la enorme fotografía de Russell Metty en Technicolor del de fue responsable de la imagen en "Espartaco". 

En cuanto al montaje correspondió a Ted J. Kent siendo la escenografía de John McCarthy Jr. y Oliver Emert. Para el vestuario los responsables fueron tanto Helen Colvig para los hombres como Rosemary Odell en las mujeres. Por último en los efectos especiales está Ben McMahan. 

En cuanto los protagonistas de la película destacan Marlon Brando como Matt "Mateo" Fletcher, Anjanette Comer como Trini, John Saxon como Chuy Medina. Aparecen acompañados de Emilio Fernández como Lázaro, Alex Montoya como el tuerto, Míriam Colón como Ana, Rafael Campos como Paco, Frank Silvera como el pastor Ramos, Larry D. Mann como el sacerdote y Argentina Brunetti como mujer yaqui.

Estamos en el año 1870 y vemos como un jinete llega tras cruzar una amplia zona desértica a Ojo Prieto en Texas, una pequeña ciudad estadounidense fronteriza con México, después de estar ausente muchos años de esas tierras. El que ha llegado es Matt Fletcher (Marlon Brando), más conocido como Mateo, un solitario cazador de búfalos que llega andrajoso, sucio, con greñas y largas barbas, vistiendo un ajado uniforme confederado y que regresa a lo que fue su pueblo, en la frontera de Río Grande, montado con un semental appaloosa. Llega con la intención de dejar su vida nómada, asentarse y dedicarse a la cría de caballos. 

Ante la llegada, como su fuese premonitorio, un perro acosa sin tregua al caballo aunque para ante su mirada. Pero la llegada a Ojo Prieto coincide con la desgraciada presencia de un mexicano, Chuy Medina (John Saxon), que admira especialmente su ejemplar de appaloosa, el caballo que piensa usar como semental en el rancho que quiere montar con Paco, su amigo desde la infancia, y así cumplir un viejo sueño. 

Cuando entra en la iglesia para confesar sus pecados ante el sacerdote escuchamos que se siente responsable de algunas muertes en defensa propia y de estar con mujeres buscando ante el sacerdote (Larry D. Mann) arrepentimiento, penitencia y perdón. Tras entrar se cruza en la nave con Trini (Anjanette Comer), novia a la fuerza de Chuy Medina, que descubrimos que es jefe de una banda de malhechores, a quien fue vendida por sus padres cuando ella tenía quince años, y que está permanentemente vigilada por Lázaro (Emilio "Indio" Fernández). 

Al salir Trini del templo ve el caballo de Mateo y se apropia de él para intentar huir de su posesivo prometido, pero es descubierta por los hombres de éste. Para salvar la apariencia de hombre abandonado ante sus secuaces, y fingiendo que la chica está probando el animal, Chuy intenta comprarle el caballo a Mateo, pero éste se niega a vendérselo. El bandido, entonces, le avisa de que tiene intención de quedarse con el appaloosa. 

Sin embargo, Mateo hace caso omiso y se marcha a las tierras que trabajan Ana ( Míriam Colón) y Paco (Rafael Campos). Éste último un agricultor que trabaja las tierras de su padre cercanas al río. Sin embargo, Mateo tiene la intención de que él junto a Paco y a Ana , así como la prole de hijos que tienen, se dediquen a la cría de caballos. 

Tras celebrar la llegada de Mateo, éste y Paco beben hasta el hartazgo. Mientras esto ocurre Chuy y Lázaro han identificado el espacio y robado el animal a Mateo. Cuando éste lo adivina intenta acabar con su vida, pero ambos están tan borrachos que no dan con los hombres. 

Además Chuy decide humillar a Mateo propinándole una paliza aprovechándolo que está muy borracho arrastrándolo por la tierra y colgándolo de la cintura. 

Tras esto marcha con toda su banda a su guarida en Cocatlan situado en el área montañosa de Sonora (Méjico). 

Matt, sabedor de que el caballo es el futuro suyo y el de la familia de Paco, a la que debe todo, hace todo lo posible para intentar recuperarlo. Tras identificar el lugar en el que vive Chuy, a un par de días, allí cabalga tras pasar por una pulquería y tras hablar con un pastor con el fin de recuperar su semental, a pesar de los intentos de Paco y de Ana, la mujer de este, por disuadirlo de su intención, desoyendo todos los consejos como que "Chuy no es un hombre solo, es casi un ejército".

Matt comienza a cazar al bandido pero encuentra las cosas más complicadas de lo esperado dado el alto número de hombres que trabajan para Chuy como le avisa un pastor de cabras (Frank Silvera). 

Nada más llegar a la hacienda de los Medina, Fletcher es detenido aunque avisa: "Me marcharé de aquí con ese caballo, o no me marcharé". 

Como Chuy es un hombre al que le gustan los retos propone a Matt un duelo de brazos ante la presencia de dos alacranes de Durango cuyas picaduras pueden acabar con el perdedor. Fletcher pierde y es picado en el brazo por el escorpión. El cuerpo de Mateo es abandonado para morir en la abandonada iglesia sin sacerdote. 

Sin embargo, Fletcher es rescatado por Trini, que desprecia a su "amante", Chuy, y prefiere la compañía de Fletcher. Ella le consigue la ayuda del anciano pastor que les da cobijo. Mateo parece mortalmente herido, sin embargo, el rápido raspado que hizo sobre la picadura con una botella rota y los brebajes del pastor que lo oculta obran el milagro de su curación. Eso sí, después de una copiosa sudoración, pues la medicina clásica consideraba que a través del sudor se expulsaban los humores perniciosos. 

Con todo, los hombres de Chuy Medina van tras ellos y , finalmente, aunque los oculta estos acaban con la vida al anciano. Mateo no se deja amedrentar y tras vengar a los asesinos del viejo al que entierra,  vuelve a la hacienda, roba el caballo y huye junto a la chica con el objeto de retornar al pueblo. 

Tras conseguirlo ambos huyen por la montaña. Poco a poco van cayendo los hombres de Chuy. Al final en la montaña cae Lázaro y por último se ha de enfrentar a Chuy que los controla desde una zona elevada. 

Para salvarse en un momento dado, Fletcher se ve obligado a elegir entre Trini y su Appaloosa. Matt, al darse cuenta de que Trini significa más para él que el caballo, envía el Appaloosa para atraer el fuego de Chuy y mientras el bandido se prepara para apuntar al caballo, la luz del sol brilla en el cañón de su arma, revelando su posición. Matt dispara y lo mata cayendo por la ladera de la montaña nevada. 

Por ultimo, Matt y Trini luego cruzan la frontera con Appaloosa para comenzar una nueva vida junto a Ana y Paco que los reciben con alegría. 

El título de trabajo del film fue inicialmente Southwest to Sonora. El rodaje se realizó en Lancaster, en las Montañas de San Bernardino, cerca de Wrightwood en California, aunque también en Antelope Valley y Lake Los Ángeles. También se rodó en St. George , en Hurricane y en Virgin River en Utah así como en los Vermilion Cliffs, National Monument, Paiute Wilderness Area, Cane Beds, Moccasin Mountains, Wolf Hole y Colorado City en Arizona en cuanto a los exteriores y en los platós de Universal Studios durante el otoño de 1965. 

Una vez elegido el elenco en que estuvo a punto de participar Claudia Cardinale fue originalmente buscada para el papel de Anjanette Comer, lo más significativo del rodaje fueron las malas relaciones entre director y la gran estrella. 

Sidney Furie, el director, tuvo muchos problemas en el set debido a su forma de ser, a su método de filmación, a los ángulos extraños que le pidió al operador de cámara, un veterano en el negocio del cine desde Lo que el viento se llevó. Tanto es así que Marlon Brando le dijo , en alguna ocasión, a Furie que era un director pésimo. 

Según el coprotagonista John Saxon, la relación de Marlon Brando con el director Sidney J. Furie fue horrorosa. Llegó al punto de que llegaron a un enfrentamiento físico entre ambos. La mala relación con Furie,se manifestaba en el hecho de que Brando, cuando se preparaba para rodar un primer plano siempre se encontraba leyendo un libro. Solo dejaba el libro cuando Furie gritaba "Acción". Cuando gritaba "Corta", Brando levantaba el libro de nuevo. 

Según el libro de Peter Manso sobre Marlon Brando, señala como tras el rodaje y con el tiempo Brando y Furie llegaron a apreciarse. Brando llegó a decir que : "Pensé que eras un tramposo inútil, y no sabía si podía confiar en ti, pero vi la película y tienes el gran sentido de los mejores directores visuales. hacer otra película juntos ". Furie, según el libro, respondió: "¡Nunca!" . 

Según la biografía de Bob Thomas de 1973 "Marlon: Portrait of the Artist as a Rebel", el productor Alan Miller, consternado por la falta de interés de su estrella en la película y su actuación mediocre, escribió un poema sobre Marlon Brando, en la película "Mateo" que decía algo así como "Mateo, su corazón / Sangra por la misa, / Pero la gente con la que trabaja / la patea en el culo". 

La película fue estrenada en Nueva York el 15 de septiembre de 1966. Aunque no tuvo el acompañamiento del público, a pesar de tener a Marlon Brando como estrella de cartel. Consiguió únicamente un millón de dólares de recaudación. La película fracasó estrepitosamente en las salas de proyección y en su posterior distribución para la televisión «su impacto se vio reducido por la pérdida de nitidez en el único aspecto en el que la película destacaba: su fotografía paisajística». 

La película obtuvo algún premio. En los Globos de Oro el actor John Saxon estuvo nominado a Mejor Actor de Reparto. 

En cuanto a las críticas española decir que Augusto M. Torres en El País dijo de ella que "El canadiense Furie llega a Hollywood después de debutar en su país y trabajar en el Reino Unido para hacer este interesante western" 

En ABC Play se añade que " Basado en una novela de Robert Mac Leod, el título original del film, “The Appaloosa”, hace referencia al nombre y a la raza del caballo desencadenante del conflicto. Dirigida por Sidney J. Furie, un especialista en el cine de acción, fue protagonizada por un Marlon Brando ya en evidente deterioro físico y un John Saxon (“El último Samurai”) que fue nominado para un Globo de Oro por su interpretación en el filme.". 

Sin embargo, tenemos que destacar que la película da mucho más de sí de lo que parece. Junto a la actuación de Saxon destaca la presencia de Brando que , independientemente, de su relación con el director se muestra como un actor magnífico. Hay momentos que la película que parece avisar de lo que viene después como Vito Corleone, como viudo en el Prís del último tango o como el Coronel Kurtz. Un actor que reflexiona y que Furie saca de él lo mejor. De frente o de perfil lo que hace que estemos ante un western atípico que combina la acción, aventura, la road movie y que se dedica a explorar los sentimientos profundos que un ser humano que tiene sueños y ambiciones, por los que es capaz de luchar y arriesgar su vida. La película habla de la codicia, del poder, de la fidelidad a la palabra dada, del agradecimiento, del amor, del resentimiento, de la venganza, de la condición humana en suma. 

Algunos hablan de que Furie parece inspirarse de lo que llega de Europa, de Sergio Leone, pero también de John Ford y Howard Hawks. De hecho hay que reconocer en este western elementos propios del espaguetti. esa lucha de alacranes por ejemplo, o el gusto por la violencia y el reflejo de la maldad de los malvados, siempre sonriendo - enorme en ese sentido Don Emilio "Indio" Fernández- como los aporte clásicos en la narración especialmente en dar cuerpo y personalidad a los personajes. 

El resultado es una western diferente, singular, curioso casi poético con todos los elementos propios del género pero llevado a un ritmo pausado y casi manierista en los que están presente el paisajes agreste tan seco por momentos como intensamente nevado en otros, todo ellos con una fotografía de Russell Metty que impresiona con muchos claroscuros, contraluces, con primeros planos y encuadres desde múltiples posiciones que intentan captar los sentimientos de los personajes y todo ello aderezado de la música de Frank Skinner responsable entre otras de "Horizontes lejanos" de Anthony Mann, que habla de la codicia, de los sueños, de la ambición, la venganza o la redención o el perdón. Con perdón.

The wild one

Si eliges una imagen icónica de Marlon Brando creo que dos pueden ser muy representativas, por supuesto, no las únicas. Una de ellas la que lo muestra como en camiseta de tirantes representando a Kowalski, el personaje de origen polaco que vuelve loca a Vivian Leight , protagonista de la película de Elia Kazan en Un tranvía llamado deseo. La otra la de un motorista de nombre Johnny con chupa de cuero en The wild one, vendida en España como El salvaje y que fue rodada por László Benedek. 

El actor nacido en Omaha (Nebraska) hijo del productor Marlon Brando, Sr. y de una actriz Dodie Brandon y que fue su inspiración imitando sus gestos . Fue un adolescente rebelde, por lo que fue expulsado de varios colegios. Su padre le animó a la interpretación y marchó a Nueva York, donde estudió interpretación en la The New School junto a Stella Adler, una de las más prestigiosas profesoras que desarrolló el trabajo de Stanislavski en Nueva York; y después en el famoso Actor's Studio interesado en las clases de Elia Kazan.

Se convirtió en actor de teatro a mediados de la década de 1940 con algunos papeles en Broadway en obras como I remember Mamma, Candida, de George Bernard Shaw o Truckline Cafe llamando la atención de críticos teatrales como Pauline Kiel llegando al éxito arrollador con la interpretación teatral en una obra de Tennessee Williams, Un tranvía llamado deseo, dirigida por Elia Kazan.

De aquí dio el salto al mundo del cine en 1950 en la película The Men que se centrada en veteranos de guerra y sus limitaciones físicas por lo que pasó un mes en un hospital militar para preparar su papel. En 1951 lo encontramos como el personaje referencia en Un tranvía llamado deseo .y en actor de cine a comienzos de los años 1950.

Tras esto llegaron ¡Viva Zapata! (1952) , Julio César (1953) y ese mismo año su papel de Johnny Strabler en Salvaje. El mito había nacido.

Al año siguiente, 1954, el director húngaro Laslo Benedek o László Benedek estrenaba Bengal brigade o Rifles de Bengala con Gary Cooper, una clásica película de aventuras en la India. Sin embargo, ese año 1953 el director junto al productor Stanley Kramer había hecho mucho ruido en la sociedad norteamericana con el estreno de The Wild one o El salvaje que se convertirá en la película de referencia de una generación que tendrá un calificativo muy identitario, rebelde.

La película está basada en una novela corta llamada The Cyclists' Raid, escrita por Frank Rooney y publicada en la revista estadounidense Harper's Magazine en enero de 1951. La historia, basada en un hecho real, trata sobre los acontecimientos sucedidos en el pueblo californiano de Hollister el fin de semana del 4 de julio cuando un grupo de moteros protagonizó diferentes altercados vandálicos en la zona. El hacinamiento, el consumo de alcohol y el retraso en el crecimiento de la calle recibieron atención nacional en la edición del 21 de julio de 1947 de Life , con una fotografía en escena de un hombre borracho salvaje en una motocicleta. En la película, el pueblo ficticio donde sucede la historia se llama Wrightsville, pero está basado claramente en Hollister.

Tras la adquisición por parte de Kramer de los derechos de autor junto a la productora Stanley Kramer Pictures Corp. y la Columbia Pictures, que quedará como distribuidora, le entregó el encargo de transformarlo en guión a John Paxton y Ben Maddow.

En el apartado técnico Kramer contrató en la música a Leith Stevens y en fotografía a Hal Mohr quedando el montaje en manos de Al Clark

En cuanto al reparto lo encabeza Marlon Brando como Johnny Strabler y narrador, Mary Murphy como Kathie Bleeker, Robert Keith como el jefe de policía Harry Bleeker, Lee Marvin como Chino. Junto a ellos aparecen Jay C. Flippen como el sheriff Stew Singer, Peggy Maley como Mildred, Hugh Sanders como Charlie Thomas, Ray Teal como Frank Bleeker, John Brown como Bill Hannegan, Will Wright como Art Kleiner, Yvonne Doughty como Britches. Además participan Keith Clarke como Gringo Jerry Paris como Dextro, Alvy Moore como Pigeon, Gil Stratton como Mouse. Junto a ellos Richard Farnsworth, John Brown, Robert Osterloh y Robert Brice.

Un narrador nos lleva a una línea discontinua en una solitaria carretera californiana comentándonos que la carretera es el origen de un problema. Tras eso vemos aparecen en el horizonte a un grupo de motorista la Black Rebels Motorcycle Club (BRMC), encabezado por Johnny Strabler (Marlon Brando) , el carismático líder de un grupo de motoristas pendencieros que la lían nada más llegar a una pequeña localidad en la que se está organizando una carrera de motos. Ellos rompen el cordón de seguridad, pasan por mitad de la carrera y , tras serles llamada la atención por los organizadores, se encaran con ellos . Un miembro de la pandilla, Pidgeon (Alvy Moore), roba el trofeo de la segunda posición (el primero es demasiado grande para ocultarlo) y se da a Johnny. Los comisarios de la carrera y los policías les ordenan que se vayan.

Casi de inmediato , vemos que Johnny se encara con la policía, pero decide marcharse y proseguir su camino. El grupo se desplaza por las carreteras a un pequeño pueblo californiano de nombre Wrightsville. Su llegada llama la atención de sus vecinos que miran asombrados el ruido y las carreras que montan.Los residentes están inquietos, pero en su mayoría están dispuestos a aguantar a sus visitantes.

Al ver un bar, el Bleeker´s , todos se dirigen al mismo a beber unas cervezas. Mientras se desplazan los motoristas se cruzan con un viejo coche conducido por un anciano y uno de ellos caen bajos las ruedas del vehículo dañándose un pie. El señor mayor, Art (Will Wright )  aturullado le pide al jefe de policía que haga algo, pero como el jefe de policía de la localidad , Harry Bleeker (Robert Keith ) , un hombre mayor , tranquilo y sin mucho carácter para tomar decisiones, le quita importancia a lo ocurrido y pide tranquilidad a todos.

Tras eso el asunto se olvida y los motoristas se disuelven. Pero como en el incidente uno de los miembros del grupo conocido como Los Rebeldes , se ha lastimado, la mayor parte de los moteros deberán quedarse un tiempo más en la ciudad hasta que éste se recupere. Aunque los jóvenes se vuelven cada vez más bulliciosos, su presencia es acogida con entusiasmo por el hermano de Harry, Frank, que dirige el café-bar local, y emplea a la hija de Harry, Kathie, y al anciano Jimmy (William Vedder).

Mientras esperan, Johnny y sus compañeros deciden tomar unas cervezas en un café donde el líder de los motociclistas conoce a la sobrina del dueño, Kathie Bleeker (Mary Murphy ) , por la que empieza a interesarse y decide quedarse un tiempo más en el lugar. Johnny conoce a Kathie y la invita a un baile que se celebra esa noche. Kathie cortésmente lo rechaza, pero la personalidad oscura y melancólica de Johnny le resulta atractiva a la chica, Por su otro lado, Mildred (Peggy Maley ) , otra chica local, le pregunta: "¿Contra qué te rebelas, Johnny?", Él responde: "¿Qué gans con ello?". Pero pronto descubre que ella es la hija del policía del pueblo y decide irse.

Sin embargo, justo en ese momento se presenta en la localidad otro grupo de motociclistas. Nos enteramos que el grupo había surgido luego de dividirse el grupo en el que Johnny estaba antes. El líder de esta nueva banda, Chino (Lee Marvin) y éste le roba el trofeo de Johnny.

Tras esto ambos comienzan a pelear por él . Johnny vence a un Chino ya muy borracho. Vemos que entre la gente del Chino va una chica,Britches (Yvonne Doughty ) que había sido un año antes la amante de Johnnny, quedándose prendado de él. Pero cuando se acerca a él , éste le ignora y la trata con desprecio. Mientras Johnny y Chino pelean, uno de los habitantes quiere irse con su auto y al querer pasar por donde la pelea estaba ocurriendo termina atropellando a un motociclista del grupo de Chino, Meatball, por lo que todo el grupo intenta dar vuelta volcar el auto. En este caso, el policía interviene y arresta únicamente a Chino ya que si arresta a Charlie (Hugh Sanders ) , el habitante que intentó marcharse con su coche y el que originó el nuevo incidente, tendrá futuros problemas con el resto de sus conciudadanos.

Los Beetles, al ver a su jefe Chino en la cárcel durmiendo la mona decide que esa noche la asaltaran. Diseñan , tras estar bebiendo un buen rato, un plan que implica cortar las telecomunicaciones acosando a Dorothy, la operadora de la centralita telefónica, para que se vaya, interrumpiendo así la comunicación de la gente del pueblo, mientras que algunos miembros de BRMC, el grupo de Johnny, se quedan vigilantes delante de la cárcel con el fin de sacarlo en un momento dado. Pero antes los rebeldes deciden ir a casa de Charlie y secuestrarlo.

Después toman la comisaria local y encierran a Charlie junto al Chino quien decide quedarse en la celda al estar demasiado borracho. Ambos grupos comienzan a hacer desmanes , primero en el bar, donde la cerveza corre por doquier y luego por la ciudad. Britches (Yvonne Doughty ) lo vuelve a intentar con un Johnny cada vez más arisco y dolido con Kathie por que esta le ignora.

Cuando la chica sale del trabajo, los motoristas liderados por Gringo persiguen y rodean a Kathie . La acorralan hasta que Johnny aparece, la rescata y la aleja de la ciudad.

Asustada al principio, Kathie se da cuenta de que Johnny se siente realmente atraída por ella y no le hace daño. Cuando ella se abre y le pide que lo acompañe, él la rechaza. Llorando, ella huye. Johnny se va para buscarla, pues Kathie se da cuenta de que Johnny realmente se siente atraída por ella, pero cuando la muchacha le confiesa como ella se siente, Johnny la rechaza. Kathie sale corriendo llorando y Johnny sale a buscarla.

Mientras tanto el tío de Kathie, Frank Bleeker (Ray Teal ) ve toda la situación y la malinterpreta. Este supuesto ataque a Kathie es algo que no van a permitir por lo que varios habitantes de la comunidad se juntan, persiguen y atrapan a Johnny y le golpean.

Johnny logra escapar cuando el policía, padre de Kathie, aparece , y en la distracción del grupo que parece querer linchar a Johnnny éste huye.

Nuevamente salen a perseguir al motociclista y le lanzan el gato de la rueda de un coche. Johnny pierde el conocimiento, cae de la motocicleta que sigue un trayecto más, chocando sobre un anciano trabajador del café al que recurrían los motociclistas.

El Sheriff Stew Singer (Jay C. Flippen ) ,regresa al pueblo se hace cargo de la situación y devuelve el orden.

En un principio, Johnny es arrestado por la muerte del anciano. Todo parece conducir a eso. Pero luego, gracias a los testimonios principalmente del padre de Kathie, de ella y su hermano, el dueño del café, se sabe que la muerte del anciano fue solo un desgraciado accidente. Johnny sale libre pero no les agradece a ninguno su intervención por salvarle el pellejo.

Johnnny se va con su grupo dada la orden del sheriff. Sin embargo, Johnny vuelve solo al tiempo y regresa al café para despedirse de Kathie por última vez dándole el trofeo que siempre llevaba con él mientras él le sonríe. Así acaba la historia del duro motero, su chupa de cuero y de todo el icono de una generación.

Comentar que la motocicleta que lleva Johnny / Marlon Brando es una Triumph Thunderbird . Lo curioso es que la marca británica de motocicletas Triumph estuvo disconforme, desde el principio, con el uso de sus motocicletas en la película, debido a la mala imagen que podrían percibir el público con el uso de las mismas, relacionándolas con las bandas callejeras y la delincuencia. Hoy día la marca ve con mejores ojos esta clásica película y asocia muchas veces su propia imagen a la misma. 

La película fue estrenada el 30 de diciembre de 1953 en los Estados Unidos, pero fue en el Reino Unido censurada por la British Board of Film Censors durante 14 años. Finalmente, fue calificada como 'X' en noviembre de 1967. Fue vista por primera vez por el público del Reino Unido en el Club 59 en Paddington , Londres en 1968.

En cuanto a la crítica Dave Kehr, del Chicago Reader, escribió: "Legiones de imitadores de Brando han convertido su actuación en esta película seminal de motocicletas de 1954 en autoparodia, pero sigue siendo un buen momento".

La revista Variety señaló que la película "tiene mucho suspense, brutalidad y sadismo ... Todas las actuaciones son altamente competentes".

Eso sí, una historia sostiene que los Beatles tomaron su nombre del otro club de motocicletas dirigido por Lee Marvin , los Beetles, como se menciona en The Beatles Anthology (aunque como se mencionó anteriormente, la película fue prohibida en Gran Bretaña hasta 1967). Los propios Beatles lo negaron, afirmando que su inspiración para el nombre era el grupo Buddy Holly and the Crickets.

Con ella nacía un icono del siglo XX Marlon Brando, de cuero negro y gorra de medio lado y una nueva representación del medio oeste americano. Además se considera que The Wild One es la primera película que presenta a los motoristas como personas que pueden vivir al margen de la ley , como rebeldes , con o sin causa, con un de corte de pelo que ayudó a inspirar una locura por las patillas, como harán James Dean y Elvis Presley , entre otros, y fue la primera en examinar la violencia de pandillas en motocicletas en Estados Unidos . De hecho Elvis Prestley usó la imagen de Johnny como modelo para su papel en Jailhouse Rock .

Con el se abrió una espoleta, la del motorista que nos avisa que algo va a ocurrir. Algo que volveremos a ver en otras películas como Easy Rider, Quadrophenia, Los ángeles del infierno, y otros muchas películas en la que la llegada de las motos es el inicio del caos. En esas nuevas historias del Oeste vienen a ser lo que en los western tradicionales suponían la aparición de los indios.

Para acabar unas palabras de Terenci Moix que dijo "sería injusto reducir la importancia de Brando a la de símbolo erótico que , indudablemente, fue. Vestido de motorista en ¡Salvaje! revolucionó las costumbres e instauró una iconografía destinada a perdurar", pero en muchos de sus papeles y de sus películas que en el reside " un actor genial y una bestia cinematográfica de fuerza incomparable". 

The Brave

Los indígenas de los Estados Unidos, también conocidos popularmente como Native American (Nativo Americanos), representan las etnias amerindias que viven en los Estados Unidos. Su número de individuos varía en cuanto a número de personas, lo que influye a su vez en temas tales como las personas que hablan una lengua amerindia. 

En Estados Unidos lo que sí llama la atención es la enorme diversidad existente y el hecho de identificarse y protegerse a través de la Ley de Auto-Determinación del Indio y Asistencia a la Educación del año 1975 que reconoce la necesidad de autodeterminación para los nativos americanos. Esta autodeterminación no tiene nada que ver con las exigencias que aparecen en algunos países europeos que me suenan , sino con reconocer el derecho a formar un gobierno propio, cumplir las leyes (tanto civiles como penales), los impuestos, establecer los requisitos para la adhesión, autorizar y reglamentar las actividades en una determinada zona o para excluir a las personas de los territorios tribales. Las limitaciones a los poderes tribales de gobierno autónomo son las mismas limitaciones aplicables a los estados,; por ejemplo, ni las tribus ni los estados tienen el poder de hacer la guerra, participar en las relaciones exteriores, o acuñar moneda. 

En los actuales Estados Unidos se reconocen 562 gobiernos tribales reconocidos a nivel federal. Pero el hecho de ser reconocidos como nación no implica que sus relaciones con el Gobierno Federal sea a través de un Secretario de Estado sino a través de una Oficina , la Oficina de Asuntos Indígenas. La función de esa Oficina de Asuntos Indígenas es la administración y gestión de 55.700.000 hectáreas (225.000 km2) de tierra en fideicomiso existentes en los Estados Unidos para los indios americanos, tribus indígenas y los nativos de Alaska." 

El estatuto interno de los amerindios depende del estado en el que se encuentren. Los amerindios de los EE. UU. se encuentran internados en reservas, que son una especie de territorios autónomos dependientes del gobierno federal. Estas reservas son en muchos casos el espacio en que aún se conservan sus lenguas indígenas autóctonas . 

En la actualidad en Estados Unidos se calcula que entre 300.000 y 400.000 indígenas hablan algunas de las 135 lenguas nativas supervivientes en el territorio. El número de indígenas hablantes está muy por debajo del número de personas de etnias nativa americana, debido a que en muchas familias han ido relegando e incluso olvidando su lengua materna en favor del inglés. 

Hace dos años en Arizona tuve la oportunidad de descubrir que todavía en algunos lugares de Estados Unidos los nativos americanos hablaban su idioma, pero usando como lengua franca el inglés. Como ya he contado en alguna ocasión rompí una rueda en Flagstag. Allí tuve que buscarme la vida en una gasolinera que regentaba una nativa americana. Digamos, aunque no lo sé con seguridad que era de la nación navajo. En la larga, a mi se hizo largísima, espera, ella fue la que contactó con el seguro, la que nos explicó la solución y la que me ayudó a salir del atolladero. 

Durante la espera, de vez en cuando entraba nativos que hablaban su lengua materna. Una extraña sensación de inmersión tuve durante esas dos horas de espera en aquel domingo de julio. Nativo americano fue igualmente la persona del taller en la que me arreglaron en coche y el que me explicó como solventaría la documentación directamente en el aeropuerto de San Francisco, como así fue. 

Lo cierto que en mi periplo por Montana, Wyoming, Nevada, Arizona y California, fueron varios los indígenas que pude ver y en algún caso escuchar. A veces, vi que su situación sociolaboral o personal no parecía la mejor. Pude ver igualmente que vivían en caravanas que se agrupaban en las cercanas vías del tren de aquella localidad del estado de Arizona y que estaban en paralelo a la ruta 66 . 

Pues bien, la situación de marginalidad que viven algunos miembros de esta comunidad es lo que mueve, en parte, la película The Brave, una película dirigida, producida y escrita por Johnny Depp. Hasta el momento, creo, que ha sido su primera y última película y que contó con una de las últimas apariciones en el cine de uno de los grandes de la interpretación, Marlon Brando ya muy envejecido.

Se trata de una película en la que la presencia de Johnny Depp está en casi todo incluyendo en la producción que es asumida igualmente por Charles Evans, Jr. y Carroll Kemp representantes de las productoras Majestic Films , Jeremy Thomas, Inmotion Productions y Acappella Pictures que lograron reunir un presupuesto de unos 6 millones de dólares. El guión de la misma es de Johnny Depp, Paul McCudden y el hermano de Johnny , DP Depp. Dicho guión parte de una obra literaria basada en la novela The Brave escrita por Gregory McDonald. 

La banda sonora es de un amigo del director, el músico Iggy Pop que , por cierto hace un breve cameo casi al final de la misma comiendo durante la fiesta que organiza el protagonista. 

La fotografía fue obra de Vilko Filač , aunque también aparece como ayudante Eugene D. Shlugleit. El montaje fue realizado por Pascale Buba y Hervé Schneid. 

El reparto está formado por Johnny Depp como Raphael, Marshall Bell como Larry, Elpidia Carrillo como Rita, Frederic Forrest como Lou Sr., Clarence Williams III como el Padre Stratton, Max Perlich como Lou Jr., Luis Guzmán como Luis, Cody Lightning como Frankie, Nicole Mancera como Marta, Floyd Red Crow Westerman como Papa, Pepe Serna como Alessandro, Lupe Ontiveros como Maria, Alexis Cruz como Heyman, Chuck E. Weiss como Whizzy y la aparición especial de Marlon Brando como McCarthy. 

La historia se centra en Raphael (Johnny Depp), un joven indio que vive con su esposa, Rita, y sus dos niños, Frankie y Martha, de unos diez y seis años, respectivamente. Todos viven en Morgandown, un pueblecito de chabolas asentado a los pies de un vertedero, en la más absoluta miseria. Raphael ha pasado por la cárcel por desórdenes públicos y por sus problemas con la bebida , problema que todavía no ha superado, pero quiere mucho a Rita y a los niños, y un día, asqueado por la vida que lleva y obliga a llevar a sus hijos decide marchar a buscar trabajo en la ciudad para la que se desplaza en un autobús público. 

Mientras que se desplaza ve como están levantando nuevos viviendas en las cercanías de la localidad. Sabe que su futuro está en otro sitio, puesto que sabe que una gran empresa estatal ha comprado las tierras del vertedero y va a demoler las viviendas cercanas al vertedero. Raphael en ese nuevo viaje está decidido a hacer todo lo que esté en sus manos por sacar adelante a sus hijos y a su mujer del pueblo y sobre todo de la miseria. 

Cuando va a un almacén donde se ofrece el trabajo, el "gerente" le pregunta que cómo se ha enterado del mismo. Raphael reconoce que ha sido en una conversación casual en un bar dónde se ha enterado de que un tipo está ofreciendo alguna clase de trabajo misterioso a gente desesperada, en la ruina y con antecedentes. Por el mismo les dará mucho dinero y tras ese  día de trabajo, ya nadie sabrá nada más de ellos. 

Raphael decide que cumple todas las características Allí, el gerente le toma el nombre y le hace algunas preguntas. Tras ver que reúne el perfil, le introducen por detrás de una pared por medio de un panel secreto y le bajan en un montacargas a un sótano donde es recibido por un anciano en silla de ruedas (Marlon Brando). Éste le dice que desea ver y retratar a alguien muriendo de forma muy dolorosa antes de morir . 

El trabajo consiste en el rodaje de una "snuff movie". El macabro anciano lo compara con las parturientas: la cara perlada de sudor, contorsionada de dolor y angustia, pero con destellos de felicidad en la mirada. Ellas, normalmente porque lo han deseado, y él, que es el candidato perfecto, porque lo hace por alguien muy importante para él. Por su trabajo recibiría unos cincuenta mil dólares y le dice que le pagará más cuando vuelva, más cuanto más tiempo resista el dolor, pues el trabajo consiste en dejarse torturar y asesinar. 

Raphael acepta, coge el dinero y se va. Desde ese momento Raphael intenta satisfacer las necesidades vitales de su familia en lo que le queda de vida lo dedica, gracias al dinero cobrado, y sobre todo, en esta semana contra el tiempo, quiere demostrar el amor que siente por su familia y sus amigos y darles una oportunidad para una vida mejor. 

En esa semana Raphael aprovecha el dinero para comprar alimentos, juguetes para sus hijos, ropa para su mujer y organiza una gran fiesta para toda la comunidad. La única persona que sabe lo que va a ocurrir es el extraño gerente que lo amenaza con matar a toda la familia en caso de que no cumpla, su viejo amigo Luis (Luis Guzmán), que le exige parte del dinero cobrado previamente como el extorsionador que es, su padre que hablará con él tras asesinar a Luis cuando éste ha agredido a su mujer y ha intentado violarla y el sacerdote que ha de confesarlo y que es consciente de que lo que ha hecho es algo así como venderle el alma al diablo. 

Finalmente, antes se despide de su familia mientras abandona los barracas de autoconstrucción ante la mirada del sacerdote, dejando a su familia durmiendo. 

Tras ello vuelve al almacén para ser torturado y asesinado frente a la cámara. Un fundido en negro dentro del almacén pone fin a la misma. 

La película fue rodada en Los Ángeles y en Ridgecrest, ambas en la parte más desértica de la caldeada California en 1996. 

The Brave supuso el debut en la dirección de Johnny Deep y desde entonces no ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras . Depp asegura que eligió dirigir este film porque "habla del mayor sacrificio que se puede hacer en esta vida. Nos pasamos la vida diciendo que seríamos capaces de morir por nuestra familia, que mataríamos por ellos. ¿Pero lo haríamos en serio? ¿Se puede llegar a querer tanto a alguien?". Mientras la presentaba en Cannes  afirmó "The Brave es una historia sobre la dignidad y la espiritualidad de la gente expulsada de la historia de mi país, arrojada a los vertederos de una sociedad que los exprime y luego los echa y aplasta como si fueran insectos. Pero son hombres genuinos y algunos de ellos, como mi personaje, tienen un sagrado sentido del sacrificio: saben amar y dar la vida por quienes aman". 

Para la banda sonora contó con la música de Iggy Pop, quien hizo una banda sonora consistente en crear ambientes o atmósferas . 

La película tiene algunas escenas interesantes, rodadas desde perspectivas sugerentes como cuando sube por la escalera de almacén, o las vistas desde la montaña de basura del estercolero, o algunas imágenes propias de la naturaleza árida california. A destacar la escena del encuentro entre Marlon Brando y Johnny Depp, actores que habían coincido en Don Juan de Marco  o las charlas que denotan la buena relación entre padre e hijo y al protagonista con su mujer que acaban resultando interesantes o la lucha a muerte con Luis  Pero en su conjunto  la película pudiera ser un ejercicio fallido al que le falta cohesión. A destacar un par de cosas, el primer diálogo en la película  comienza diez minutos iniciada la película y , por lo curioso, destacar el cameo de Iggy Pop durante la fiesta.

La :película está hecha a base de silencios, con un drama que se desesmascará en el tramo final del mismo y una emotividad basada en las razones familiares. 

En cuanto a la crítica la película tiene actualmente una aprobación de 33% en Rotten Tomatoes y 6.5 en IMDb. 

Fue presentada en mayo del 97 en el Festival de Cannes , en la selección oficial del Festival de Cannes de 1997. La película se estrenó en los cines y en DVD a nivel internacional, - en España lo hizo el 3 de julio de 1998- pero no en los Estados Unidos. 

Antonio Weinrichter en Cinemanía dijo de ella que "Depp debuta en la dirección con una película sobre las snuff-movies, y por lo menos no ha hecho el indio" 

Para Miguel Ángel Palomo en las páginas de El País se trataba de "Una obra de hondura admirable y excelente rigor narrativo. (...) Complejo y, sobre todo, diferente, es un filme que mereció mejor suerte comercial." 

Un estudio más detallado fue el realizado por Ángel Fernández Santos también en El País . El articulista, asistente al estreno en Cannes, nos dice que "The Brave, primera incursión del actor Johnny Depp detrás de la cámara, parece destinada a alcanzar resonancias minoritarias seguras, aunque es dudoso que obtenga un premio de los grandes, a la altura de las ambiciones de este proyecto. Y prosigue diciendo "La actuación de Depp es magnífica, tal vez su mejor trabajo interpretativo; y el paso, fugaz pero intensísimo, de Marlon Brando por la primera y la última escena de la película otorgan a éstas el peculiar poder irradiador que caracteriza a este actor, ya convertido en una leyenda viviente de la historia del cine. Prácticamente sin moverse, Brando otorga a su diabólico personaje esa peculiar pegada seca y exacta a la cámara que sólo él posee. Es sólo una presencia de alrededor de cinco minutos, pero tan fuerte y contagiosa que impregna a las dos horas que separan el arranque y el final de esta extraña historia". 

Y añade " El resto de The Brave está invadido por un Johnny Depp que se autodirige con (sorprendente en un novato) contención y trazo firme en su interrelación con los otros intérpretes, todos excelentes. Es The Brave una historia oscura y enigmática, muy hermosa si se la rebobina interiormente una vez terminada la película, pero que incurre en arritmias y dilaciones graves en la graduación y la armazón de la secuencia, lo que nos obliga, tras quitarnos el sombrero ante Depp actor y director, a volvérnoslo a poner ante Depp guionista. La bella (atroz y tierna al mi , sino tiempo) metáfora está graduada sin orden ni timón, ya que hace falta que nos adentremos más. de una hora en el relato para percatarnos de lo que está ocurriendo en él, tiempo de perplejidad y desorientación que fatiga e invita a irse a la calle al espectador. 

Acaba diciendo "Depp olvida una regla inviolable de la escritura cinematográfica que formuló Billy Wilder: la que ordena a la pantalla situar con toda exactitud al espectador en los 15 o 20 primeros minutos de la duración de una intriga. Y paga un alto peaje por este olvido, pues el excesivo alargamiento por Depp del tiempo de acceso al enigma que intenta expresar hace que la tardía llegada de éste coja al espectador desconectado del hilo de interés y con la receptividad emocional muy gastada. Y, de esta manera, cuando nos encontramos a media película pasada, es cuando realmente comenzamos a verla y vivirla. Luego, en los tres cuartos de hora finales, levantamos los ojos del suelo y los clavamos en la pantalla. Es ya irremediablemente tarde, pero en todo caso mejor que nunca, pues entonces recuperamos poco a poco la perturbadora fuerza de la escena inicial y por fin remontamos el vuelo hacia una zona de desenlace que ciertamente tiene gran calado poético".

El director y estrella Johnny Depp se quedó tan profundamente molesto por las críticas negativas de los críticos estadounidenses que asistieron a la exhibición en el Festival de Cine de Cannes que  se negó a lanzar la película en los Estados Unidos. 

Lo cierto es que estamos ante una película con una   gran carga social, con una estupenda y lumonisa fotografía y con un buen acompañamiento  musical. Es en  el fondo una reflexión sobre la importancia de la familia y la necesidad de darle en buen futuro.

Hay algunas personas que entienden que la película tenía mucho de los padres "putativoscinematográficos" de Depp como son  Emir Kusturica y Tim Burton, pero otros lo acercan más a las obsesiones de David Lynch o Arturo Ripstein conteniendo , además, algo del espiritualismo nativo americano, así como de todos aquellos, especialmente , en los muchos hispanos que malviven en un basurero. Los honestos  parecen los verdaderos "Braves" de la historia como siempre recordaré a la persona de aquella nación que me ayudó.  

A Streetcar Named Desire

Un clásico , tocaba ver un clásico, y la elegida ha sido Un tranvía llamado Deseo o A Streetcar Named Desire, una película de 1951 basada íntegramente en la obra de teatro homónima de Thomas Lanier Williams III, más conocido como Tennessee Williams, considerada como la obra maestra del dramaturgo Williams, ganadora en 1948 del Premio Pulitzer en la categoría de Drama. Hay que reconocer que el Hollywood del star system vio en las obras de este escritor nacido en Mississippi toda una fuente de inspiración , ya que muchas de las mismas fueron llevadas al cine. Fueron dirigidas por los más grandes directores de su generación, desde Joseph L. Mankiewicz hasta John Huston, pasando por Elia Kazan o Richard Brooks , y muchos más. Dada la intensidad de las tramas y la riqueza potencial de sus atormentados personajes, la calidad de estas adaptaciones ha sido, en general, magnífica, y muy propicia para que los actores y actrices brillen de manera luminosa y demuestren su talento interpretativo.

De entre estas obras que son llevadas al cine y que se inspiran en ya éxitos teatrales, posiblemente la primera y la que, en principio, tuvo más repercusión fue A Streetcar Named Desire o Un tranvía llamado Deseo (1947) la obra con la que cierra lo que algunos han llamado la consagración de Williams como dramaturgo, anterior a su etapa de madurez. En ese momento Williams contaba con 35 años años, solamente pero tocó con ella el cielo de Broadway. 

La obra fue estrenada en Broadway el 3 de diciembre de 1947 y su última representación fue el 17 de diciembre de 1949 en el Teatro Ethel Barrymore. La producción de Broadway fue dirigida por Elia Kazan y la protagonizaban Marlon Brando, Jessica Tandy (Ganó el Premio Tony por su actuación como Mejor Actriz en 1948) -luego Uta Hagen- , Kim Hunter y Karl Malden. Después de más de medio siglo de haber sido creada, esta obra se sigue representando en diversos teatros alrededor del mundo. Al final de su estreno en Broadway, Nueva York, el 3 de diciembre de 1947, el público se mantuvo en un momento de tenso silencio, para después desbordarse en un aplauso que duró 30 minutos. Es considerada la obra de teatro más importante del siglo XX por la Asociación Estadounidense de Críticos de Teatro. Además, le valió el premio Pullitzer de Drama en 1948 a Tennessee Williams. La obra fue nominada y consiguió dos premios Tony. Tras el éxito en esa calle diagonal de Manhattan era de esperar que alguien la llevara al cine, y quién mejor que Elia Kazan. 

Así que en 1951, se estrenó como película Un tranvía llamado Deseo, dirigida también por Elia Kazan, ganó varios premios, entre ellos un Oscar en la categoría de Mejor Actriz, por la actuación de Vivien Leigh como Blanche DuBois. La característica principal de esta obra es el enfrentamiento de dos culturas. Blanche DuBois, una atractiva y desequilibrada mujer del Sur estadounidense al final de su juventud, con prejuicios y sentimientos de altivez, cuyas pretensiones de virtud y educación ocultan su alcoholismo, que va de visita al apartamento de su hermana Stella en Nueva Orleans. 

Se trató en este caso de una producción de Charles K. Feldman para la productora / distribuidora Warner Bros. que seguía casi al pie de la letra el guión de Tennessee Williams y Oscar Saul. La película contó con la música de Alex North, la fotografía de Harry Stradling y el montaje de David Weisbart. 

Kazan contó con gran parte del elenco que había triunfado en Broadway , es decir, como Marlon Brando como Stanley Kowalski, Kim Hunter como Stella Kowalski y Karl Malden como Harold "Mitch" Mitchell, aunque en el papel estelar la elegida fue Vivien Leigh como Blanche DuBois. Junto a estos cuatros aparecen Peg Hillias como Eunice Hubbel, Rudy Bond como Steve Hubbel, Nick Dennis como Pablo Gonzales, Mickey Kuhn como un marinero, King Wright como repartidor del periódico, Edna Thomas como la dama de la flor, Richard Garrick como Doctor y Ann Dere como la matrona o Enfermera. 

La película , al igual que la obra de teatro, cuenta la historia de Blanche DuBois, una dama sureña con delirios de grandeza, refugiada en un mundo inventado, presumida, altanera y desequilibrada, y Stanley Kowalski, su rudo cuñado, miembro de la clase inmigrante proletaria, que en esos tiempos incrementaba su influencia y determinación en la sociedad estadounidense , y en concreto , la de Nueva Orleans. 

La película comienza con la llegada a la estación de tren de Nueva Orleans de Blanche Dubois, una mujer madura, de familia de clase acomodada y anclada en el pasado, que va de visita para ver a su hermana Stella y a su marido Stanley, un joven violento, que vive en Nueva Orleans y que tiene ascendencia polaca. Blanche decide quedarse durante un período indefinido a vivir con su hermana. En este momento Blanche le cuenta sobre la pérdida de una antigua propiedad de la familia llamada Belle Reeve. Esto levanta sospechas en el marido de Stella, quien decide investigar más acerca del escabroso pasado de Blanche. Esto creará conflictos en la joven pareja, especialmente entre Blanche y Stanley (marido de Stella) y ella poco a poco dejará mostrar su estado mental y físico nada saludable. 

Para llegar a la casa de su hermana ha de tomar varios tranvias (Streetcar) sobre todo el que se identifica como deseo (Desire) que pasa por Cementerio y por los Campos Eliseos. Blanche no lo sabe, pero su hermana y marido viven en un patio de vecinos junto a otros inmigrantes. Este edificio se encuentra en la Elysian Fields Avenue (Avenida de los Campos Elíseos de París) en el barrio francés y se llega a ella usando la ruta de tranvía llamada Deseo.  

Nada más llegar nos enteramos que Blanche DuBois , acaba de dejar la escuela como maestra de escuela secundaria y que ha salido de su casa en Auriol (Mississippi) para viajar a Nueva Orleans para vivir con su hermana, Stella Kowalski , donde descubre que su hermana y cuñado, Stanley Kowalski , viven en un apretado apartamento de dos habitaciones en un viejo edificio de Nueva Orleáns. 

Al llegar descubre que ni su hermana ni su cuñado están en casa, sino en la bolera. Al llegar a la misma, Stella se lanza a abrazar a su hermana. Tras el efusivo encuentro Blanche le pregunta por su marido Stanley Kowalski que en ese momento está lanzando los bolos con sus amigos, mientras se beben unas cervezas. 

Blanche comenta que la propiedad familiar, Belle Reve, se ha perdido a los acreedores, y que quiere quedarse con Stella y Stanley por un tiempo. Blanche parece perdida y rota . No tiene ningún lugar a donde ir. Stella la acoge con el corazón abierto. Con la noticia de que su antigua plantación (Belle Rêve), en Auriol, Mississippi, se ha perdido debido a la mala gestión llevada a cabo por sus antepasados . Blanche intenta justificar lo ocurrido por la soledad que sintió mientras cuidada ella sola a sus padres , mientras Stella se marchaba para vivir su vida. 

Una vez en casa Stanley, al enterarse de los ocurrido l se molesta, en principio, por la permanencia en casa de Blanche, que les explica que el director le ha sugerido unas vacaciones para calmar sus nervios,- aunque en realidad, y luego aflora todo ha sido despedida al haberse descubierto que tuvo una aventura sexual con uno de sus estudiantes- . 

Pero, inicialmente, lo que le duele a Stanley es la pérdida de la propiedad, alegando que según el Código Napoleónico vigente en Mississippi, están en gananciales , por lo que la pérdida de Belle Rêve es también su pérdida. Desde este principio, Blanche y Stanley chocan mutuamente. Blanche le habla con voz suave; pero Stanley se muestra áspero y borde con ella. Su mera presencia parece amenazarla, mientras que su conducta y manera suscitan sospechas en él. 

Cuando se le pregunta acerca de su pasado, Blanche le dice que estaba casada y quedó viuda a una edad temprana. Ella insiste que ha tomado una licencia de su trabajo debido a sus nervios. Para satisfacer el escepticismo de Stanley sobre la pérdida de la finca, Blanche le entrega los papeles pertenecientes a Belle Reve. 

Pero Stanley agarra una gran caja que contiene algunos de sus papeles privados que está reteniendo, y que caen al suelo. Llorando, reúne a todos, diciendo que son las cartas de amor de su marido muerto. Blanche no puede entender cómo es posible que su hermana, perteneciente a una familia aristocrática, se haya casado con un polaco proletario, bebedor y jugador de cartas. 

Stella de alguna manera se ha acostumbrado a la vida vulgar y ordinaria de aquel ambiente, y ha renunciado a los refinamientos de que había disfrutado en la mansión familiar. Stanley, por otra parte, es un hombre lleno de energía con una presencia varonil, y , en parte, brutal. 

Él domina totalmente a Stella y abusa de ella física y emocionalmente. Stella, no obstante, tolera este comportamiento debido a la atracción, casi animal, que siente por su marido.La llegada de Blanche interfiere en la vida de su hermana y su cuñado, ya que su estancia en la casa provoca aún más peleas en la pareja. 

Un día Stanley sus amigos quedan para jugar a las cartas en casa, mientras las hermanas salen a cenar. La partida de prolonga con lo que llegan las hermanas. Blanche, al entrar es presentada a los amigos de Stamley por Stella, pero en la otra habitación pone la música, algo que altera a Stanley que acaba lanzando la radio por la ventana. 

En esta tensa situación surge uno de los amigos en defensa de Blanche. Se trata de Harold Mitchel (Mitch) (Karl Manden), un gigantón sentimental a quien Blanche le confiesa parte de su vida y su tragedia. 

Su manera cortés lo distingue de los otros amigos de Stanley. Mitch, atraído por su fragilidad y feminidad, piensa en un romance para , en un futuro, casarse con ella sobre todo para satisfacer a su madre enferma. Stanley esa noche explota en parte por el alcohol y termina golpeando a Stella, y echando a sus amigos , mientras que Blanche y Stella huyen con la vecina de arriba, Eunice. 

Cuando su ira disminuye, Stanley grita con remordimiento el nombre de Stella, para que Stella regrese. "Stella, Stella, hey Stella", él grita, hasta que ella baja. Stanley la lleva a la cama. Por la mañana, Blanche le dice a Stella que está casada con un polaco, un animal subhumano. 

En un monólogo emocional, insta a su hermana a que deje Stanley. Stella no está de acuerdo con la franqueza de su hermana y le asegura a Blanche que todo está bien y que no quiere irse. A medida que pasan las semanas, la tensión aumenta entre Blanche y Stanley. Pero Blanche tiene esperanza en Mitch, diciéndole a Stella que quiere irse con él y no ser problema de nadie. Ella está al borde del colapso mental, anticipando una propuesta de matrimonio de Mitch. 

Finalmente, él le dice que se necesitan el uno al otro y deben estar juntos. Stanley se enfrenta a Blanche y le echa en cara todo lo que había hecho, acusándole de que su carácter le estaba arruinando la vida a él y a su esposa. Sin embargo, su intento por desenmascararla es cruel y violento. Pero Stanley, aún escéptico, comienza a investigar su pasado y descubre el pasado de Blanche a través de un compañero de trabajo que viajaba frecuentemente a Auriol. 

Le dice a Stella lo que Blanche les ha estado ocultando, que tiene reputación de inestabilidad mental y que fue despedida de su trabajo de maestra en Auriol por tener relaciones sexuales con un menor de edad y prácticamente fue repudiada de la ciudad. Él entonces dice que Mitch no vendrá más. Stanley ha comentado con Mitch sobre el pasado de Blanche, - lo que ha provocado una intensa pelee en el taller entre los dos amigos- y la noticia de su promiscuidad aleja a Mitch de ella. 

Stella estalla de rabia con Stanley ha arruinado las oportunidades de Blanche con Mitch. Pero la pelea es corta, ya que le dice a Stanley que la lleve al hospital, pues se pone de parto. Blanche espera en casa noticias del bebé, Mitch llega y la comenta las historias que Stanley le ha contado. Al principio, ella lo niega todo. 

Luego, se descompone en la confesión, describiendo, en un largo monólogo, su pasado atribulado. Este historia, añadida a otros similares, habían arruinado su reputación, por lo que había decidido escapar de Auriol. Posteriormente se da a conocer que Blanche había descubierto que su esposo había tenido una aventura previsiblemente homosexual al principio de su matrimonio; esta tragedia había desembocado en el suicidio de éste y la confusión de la realidad con la fantasía en la mente de ella. Mientras habla con Mitch, muestra como ella ahora es una ruina del Sur; su voz parece cansada y profunda y en cara se adivinan arrugas. Ella aboga por su perdón, pero Mitch se siente herido y humillado y la rechaza. Blanche comienza a gritar, y Mitch huye. 

Más tarde esa noche, mientras el trabajo de Stella continúa, Stanley regresa del hospital para dormir un poco, sólo para encontrar a Blanche vestida con un viejo traje jaspeado y le dice que va a partir de viaje con un viejo admirador. Ella lo aborrece y lo desprecia, afirmando su sentido de superioridad sobre él y le habla de sus planes para el futuro. Ella parece estar delirante, pero Stanley no siente ninguna compasión por ella. En cambio, él busca destruir todas sus ilusiones por lo que pelean y la lucha termina en la violación. 

Semanas después, hay otro partida de póquer en el apartamento de los Kowalski. Allí esté Stanley, sus amigos Stella y su vecina, Eunice, están empaquetando las pertenencias de Blanche. Stella y Eunice le han dicho a Blanche que se va de vacaciones, pero, en verdad, Blanche va a ser confiada a un hospital psiquiátrico. Ha sufrido una crisis mental completa. Ella le ha dicho a Stella lo que pasó, pero Stella no puede creer la historia de Blanche. Stella, bajo esa tensión, no sabe qué hacer. Un caballero y una señora mayores acuden a la puerta. Es el médico y la enfermera que vienen a llevar a Blanche. Blanche no los reconoce y se resiste a ir. Ella se desploma en el suelo en total confusión. Mitch, presente en el juego de póker, se descompone en lágrimas. 

El médico se acerca y le ayuda a Blanche. Él le ofrece su brazo suavemente, y ella va voluntariamente con él, diciendo, "Quienquiera que sea, siempre he dependido de la bondad de los extraños." 

Mientras el coche se aleja con Blanche, Stella lleva al bebé a Eunice y dice que nunca volverá a Stanley. Acabando así el drama. 

La producción original de Broadway fue producida por Irene Mayer Selznick y dirigida por Elia Kazan. Su estreno fue en el teatro Shubert en New Haven, antes de mudarse al Teatro Ethel Barrymore, el 3 de diciembre de 1947. 

Selznick originalmente quería que los protagonistas fuesen Margaret Sullavan y John Garfield, pero finalmente fueron Marlon Brando y Jessica Tandy, no muy famosos en esa época. Además, la obra contó con Kim Hunter como Stella y Karl Malden como Mitch. Más tarde, Uta Hagen reemplazó a Tandy, y Anthony Quinn tomó el lugar de Brando. Hagen y Quinn hicieron la obra en todo el país siendo dirigida por Harold Clurman hasta regresar a Broadway para continuar con sus trabajos. Tandy recibió un premio Premio Tony en la categoría de Mejor Actriz de Teatro, y la producción no recibió más nominaciones a estos premios. 

La actuación de Brando causó que la audiencia simpatizara con Stanley en las primeras escenas de la obra, al menos hasta antes de donde el personaje comienza a ser violento con Blanche. Brando, además, actuó también en la película basada en la obra. 

Por su parte, Vivien Leigh, quien ganó un premio Oscar por la película apareció en la producción , pero en este caso en los teatros londinenses de 1949, en el Teatro Aldwych, dirigida por su esposo, Laurence Olivier. Bonar Colleano personificó a Stanley. 

Obtuvo doce candidaturas a los Premios Óscar —entre ellas las de mejor película y mejor director— y ganó cuatro de ellos: mejor actriz (Vivien Leigh), mejor actor de reparto (Karl Malden), mejor actriz de reparto (Kim Hunter) y mejor dirección artística en blanco y negro. El filme ofrece además una de las buenas actuaciones de Marlon Brando.

Hay algunas diferencias entre la versión teatral y la cinematográfica. La obra en la versión teatral se desarrolla enteramente en el apartamento de los Kowalski, mientras que la película se tiene esenas que corresponden con la estación de tren, las calles del barrio francés, la bolera, el muelle de un casino de baile y la fábrica de máquinas. 

También se redujeron algunos diálogos y se modifica en la película el nombre de la ciudad de la ciudad de Laurel, Mississippi , que es un lugar real, para transformarse en Auriol, un lugar ficticio.

Los temas de la obra fueron polémicos, haciendo que el guión fuese modificado para cumplir con el Código de Producción de Hollywood . En la obra original, el marido de Blanche se suicidó después de que se descubrió que tuvo una historia homosexual, aunque la literalidad de la misma desaparece en la película, sí es cierto que se insinúa cuando Blanche dice que mostró desprecio por la naturaleza sensible de su marido, lo que lo llevó al suicidio. 

Al final de la obra, se transformó en un " final de Hollywood " en el que Stella culpa a Stanley por el destino de Blanche, y decide dejarlo. Otras escenas fueron rodadas pero cortadas después de que la filmación fuera completa para conformarse al Código de Producción y más tarde, para evitar la condena por la Legión Nacional de la Decencia . En 1993, después de que los Warner Brothers descubrieran las imágenes censuradas durante un inventario rutinario de archivos y varios minutos de las escenas censuradas fueron restaurados en una reedición del video de la versión original del director.

Se sabe que Tennessee había trabajado en la obra de teatro mucho tiempo. El nombre había cambiado desde La paloma a La silla de Blanche en la luna, entre otros. Cuando el autor se mudó a su nuevo apartamento en Nueva Orleans la obra se llamaba La noche de póker. Inicialmente la historia se desarrollaba en Chicago o en Atlanta, pero no pasó mucho tiempo para que su nueva ciudad, Nueva Orleans, se convirtiera en alimento espiritual y fuente de inspiración, que naturalmente hizo su presencia en el argumento.

En su nuevo apartamento, Tennessee podía escuchar el sonido de dos tranvías, el de la ruta "Deseo" que iba por la calle 'Real', y el de la ruta "Cementerios", que iba por el 'Canal'. Tennessee se dio cuenta de que ésta era una metáfora de la vida del ser humano, y de ahí nació el nombre definitivo de la obra. Los habitantes de Nueva Orleans se sienten orgullosos de este hecho y mantienen viva la presencia de Tennessee y de su obra. Aunque el tranvía ya no va por la calle Deseo, todavía se puede visitar la casa donde Tennessee terminó la obra.

Tennessee Williams colaboró ​​con Oscar Saul y Elia Kazan en el guión. Kazan, quien dirigió la producción de Broadway, también dirigió la película  y éste quiso contar con Marlon Brando , Kim Hunter y Karl Malden que ya fueron interpretados en sus papeles originales de Broadway. Aunque Jessica Tandy originó el papel de Blanche DuBois en Broadway, Vivien Leigh , que había aparecido en la producción del teatro de Londres, fue moldeado en la adaptación de la película.

Tras la liberación de la película, Marlon Brando, prácticamente desconocido en el momento del casting de la obra, subió como una estrella de cine importante de Hollywood. La película marcó la primera de cuatro nominaciones consecutivas de la Academia de Marlon Brando a Mejor Actor.

La película  ganó $ 4,250,000 en la taquilla estadounidense y canadiense en 1951, convirtiéndose en el quinto mayor éxito del año.  

En la película, Blanche realmente montó en un tranvía que en el momento en que la película estaba en producción, sin embargo, la línea de tranvías de Desire había sido convertida en un servicio de autobuses, y el equipo de producción tuvo que obtener el permiso de las autoridades para contratar un tranvía con el nombre "Desire". 

La partitura musical, de Alex North , fue escrita en conjuntos cortos de música que reflejaban la dinámica psicológica de los personajes. Por su trabajo en la película, North fue nominado para un Premio de la Academia a la Mejor Música, una de dos nominaciones en esa categoría ese año. 

Tras su paso por las salas la película obtuvo un gran elogio de la crítica. El crítico del New York Times , Bosley Crowther, afirmó que "los tormentos internos raramente se proyectan con tanta sensibilidad y claridad en la pantalla" y elogiando las interpretaciones de Vivien Leigh y Marlon Brando. 

El crítico de cine Roger Ebert también ha expresado elogios por la película, incluyéndola en un "gran conjunto de películas". La película tiene actualmente una calificación del 98% sobre Rotten Tomatoes , basada en 50 opiniones. 

Un Tranvía llamado Desire ganó cuatro premios en la 24ª edición de los Premios de la Academia, obteniendo ocho nominaciones más. Los premios que ganó fueron para la actriz en un papel principal (Leigh), actor en un rol de apoyo (Malden), actriz en un rol de apoyo (Hunter), y en la dirección de arte (Richard Day y George Hopkins) . Entre las nominaciones estaba el de mejor película para Charles K. Feldman , el productor (aunque el ganador fue Arthur Freed de la MGM para Un estadounidense en París) , el de mejor director para Elia Kazan auque ganó  George Stevens por Un lugar en el sol ;  Marlon Brando aunque el ganador  fue Humphrey Bogart por la La Reina de Africa; al mejor guión para Tennessee Williams , aunque el ganador fue Harry Brown y Michael Wilson por Un lugar en el sol ; a la mejor fotografía en blanco y negro para  Harry Stradling, aunque el ganador fue William C. Mellor por Un lugar en el sol; el mejor diseño de vestuario en blanco y negro nominando a Lucinda Ballard ganando Edith Head por Un lugar en el sol ; mejor música para Alex North que fue nominado frente al ganador que fue Franz Waxman por un Un lugar en el sol ; y el mejor grabación de sonido Nathan Levinson nominado frente al ganador Douglas Shearer por El Gran Caruso.

En los Globos de Oro recibió tres nominaciones y un premio a la mejor actriz de reparto (Kim Hunter).En el Festival de Venecia de 1951 recibió el Premio Especial del Jurado y a la mejor actriz (Vivien Leigh)

El Círculo de críticos de Nueva York premió la mejor película, director y actriz (Leigh) y el Sindicato de Directores (DGA) la nominó al mejor director y la National Board of Review la incluyó en el  Top 10 Mejores películas

En los Premios BAFTA premió a la Mejor actriz británica (Leigh) y la nominó  a la mejor película.

Obtuvo siete nominaciones y un premio Tony en 1948.15 El filme obtuvo cuatro premios Oscar y ocho nominaciones en 1952,16 el premio de la Academia Británica de 1953,17 tres Globos de Oro y ocho nominaciones,18 el premio Jussi de Finlandia en 1952,19 el premio de New York Film Critics Circle Awards en 1951,20 un premio especial de Sant Jordi en España en 1957,21 y un par de premios en la bienal de Venecia en 1951 

Básicamente  tanto Elia Kazan como en su momento Tennessee Williams, bucea en las relaciones de pareja, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. 

Hay que destacar las magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. 

Para Pablo Kurt en filmaffinity su calificativo no pude ser otro que el de "Imprescindible". La obra es una referencia central en la película de Pedro Almodóvar Todo sobre mi madre, de 1999, donde se puede ver que varios personajes de reparto preparan una versión de la obra. Lo interesante es que los diálogos de la obra están basados en la película de 1951 y no en la obra original. 

Es una película que está llena de sexualidad en el sentido más extenso del término. La sexualidad masculina se presenta de manera abierta al tomar la forma brutal y natural de la virilidad de Stanley. Se cree que este personaje está basado en el amante de Tennessee de aquellos días, cuyo nombre era Pancho Rodríguez González, un hombre tosco, masculino y de mal carácter. Hasta ese momento, el papel protagonista masculino de las obras de teatro solía ser interpretado en forma elegante y caballerosa, y es aquí donde por vez primera se ve al protagonista sin camisa o con las ropas desgarradas, lo cual al mismo tiempo da la oportunidad de mostrar sus músculos y poderío físico.

La sexualidad femenina también se muestra abiertamente. Blanche habla sin tapujos de sus deseos y de su vida sexual; algunos estudiosos consideran que este personaje también tiene su inspiración en una persona de la vida real: el mismo Tennessee. En una entrevista para una estación de radio norteamericana, su hermano declaró que la similitud entre ellos se representa en su forma de ver la vida, ya que uno nunca sabía cuando Tennessee decía la verdad: "Él no decía la verdad, decía lo que debía ser verdad." Blanche dice en la obra: "A mí no me interesa la realidad, yo lo que quiero es magia".

También se aborda la bisexualidad y la homosexualidad, ya que, al descubrir Blanche que su primer marido tuvo una aventura con otro hombre, éste (el marido) termina por suicidarse. La escena más controvertida de la obra es cuando Stanley viola a Blanche. Esta escena provocó furor y admiración en su tiempo. Todas estas demostraciones de sexualidad e intensas emociones están en el centro de la obra y se presentan de forma brutal y sin censura.

Pero además la película está llena de  contenido y crítica social, especialmente relevante es el tema de la inmigración ¡lo entiendes Trump!  como es el caso de Stanley que representa la juventud, la sangre nueva  y que desprecia la arrogancia  de los de vieja sangre.

Un tranvía llamado Deseo es una metáfora de la condición humana, del encuentro de culturas, del conflicto y la inevitabilidad entre la vida y la muerte, el entendimiento de esta realidad y posteriormente la representación de ella hacen que la obra de Tennessee Williams tenga una influencia en la definición de la palabra Deseo en el resto de la cultura del siglo XX.

A partir de esta obra las sociedades norteamericanas y del mundo empezarían a crear otras obras de teatro, películas y libros donde se abordan temas y conceptos prohibidos hasta entonces, tomando como base esta obra. La idea del deseo es forjada por los medios de comunicación.

Debido a estos temas relacionados con la sexualidad y con el trato de los migrantes frente a la población que recepciona la misma Un tranvía llamado Deseo despertó admiración en unos y rechazo en otros.

En un principio, el público de aquella época no soportaba ver la obra completa, especialmente en la escena de la violación; la gente salía del teatro a mitad de la obra. La censura intentó eliminar esta escena y modificar el argumento original, y Tennessee tuvo que hacer algunos ajustes, pero al negarse a quitar dicha escena y hacer modificaciones mayores, los miembros de la censura obligaron a que se hicieran cambios de tal forma que los personajes que cometían actos inmorales fueran debidamente castigados. Sólo así le permitirían a Tennessee seguir con su puesta en escena y posteriormente con su película.Sin embargo, estas pretensiones no tuvieron mayor cabida y no pudieron evitar el éxito de la obra; la cual con el tiempo logró marcar un referente para buena parte de las obras posteriores. 

En 1995, se estrenó una ópera basada en la historia de Un tranvía llamado Deseo, con música de André Previn y con Renée Fleming como Blanche, y en 1999, un tranvía nombrado deseo fue seleccionado para la preservación en el registro nacional de la película de Estados Unidos por la biblioteca del congreso como "cultural, históricamente, o estéticamente significativa". Acababa así un siglo, pero la película seguía siendo y es un mito.