Viuda negra

Marvel paga sus deudas y se adapta a los tiempos.Tenía una deuda con La viuda negra, una de las heroínas que desaparece tras la derrota de Thanos ante los Vengadores, pero que había que darle un punto y final. Lo cierto es que el punto y final, en la práctica se ha convertido en un relevo, de heroína (...y hermana) a heroína (....y hermana).  Un relato en tono femenino y feminista, una reivindicación del emponderamiento y de la sororidad. 

Buen final para la reinona rusa que nos ha permitido conocer el cómo y el por qué de sus habilidades, así como su curiosa famiia ...rusa o más bien soviética...por supuesto. 

*EC: En construcción

La negación de Irving

 

No entiendo como puede haber canallas que niegan el Holocausto. Es una de las cosas que más me cuesta entender. Me avergüenzo como ser humano que otras personas pueden defender lo indefendible. Que lo haga un ignorante, está mal, pero que lo haga un supuesto historiador es bochornoso. Esa es la historia que está detrás de la película Delial o Negación, una película basada en hechos reales. 

Como señalaba un redactor en El País Jacinto Antón "reales fueron el primer encuentro (encontronazo) entre el famoso historiador británico David Irving y su joven colega destinada a convertirse en su némesis, la judía estadounidense Deborah Lipstadt, se produjo en 1994 durante una conferencia de esta en el DeKalb College de Atlanta en la que Irving, desde el público, la retó a gritos a debatir con él y, agitando en el aire un manojo de billetes, ofreció mil dólares a quien pudiera encontar una orden escrita de Hitler para desatar el Holocausto. También es auténtica la escena en que Lipstadt y sus abogados recorren Auschwitz en busca de pruebas del exterminio por gas. Y la fue la de la cena en la que importantes miembros de la comunidad hebrea de Londres le piden a la historiadora que no siga en su riña judicial con Irving, “por miedo, no querían ese tipo de publicidad” según la protagonista real de la película Deborah Lipstadt. 

Negación o Delial del veterano director británico de cine y productor de televisión Mick Jackson responsable que fue de la mítica The Bodyguard (1992), protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston Volcano (1997) con Tommy Lee Jones y Anne Heche entre otras. 

Aquí apuesta por desarrollar una excelente película de juiciosla que se centra en el caso David Irving contra Penguin Books y Deborah Lipstadt. La película Denial es del 2016 y fue producido por Gary Foster y Russ Krasnoff para las productoras BBC Films, Krasnoff / Foster Entertainment, Participant y Shoebox Films que invitieron en ella con $ 10 millones basada en el libro History on Trial: My Day in Court with a Holocaust Denier de Deborah Lipstadt que podría traducirse como Historia en juicio: Mi día en la corte con un negacionista del Holocausto por Deborah Lipstadt. 

La película cuenta con la música de Howard Shore, la cinematografíade Haris Zambarloukos y el montaje de Justine Wright. 

El elenco lo integran Rachel Weisz como Deborah Lipstadt, Tom Wilkinson como Richard Rampton, Timothy Spall como David Irving y Andrew Scott como Anthony Julius. Junto a ellos aparecen Jack Lowden como James Libson, Caren Pistorius como Laura Tyler, Alex Jennings como Charles Gray, Mark Gatiss como Robert Jan van Pelt, Andrea Deck como Leonie, Sally Messham como Meg, Sean Power como Mitch, John Sessions como Richard J. Evans, Nikki Amuka-Bird como Lilly Holbrook y Harriet Walter como Vera Reich. 

La película comienza en 1994 y en el momento en que conocemos a Deborah Lipstadt (Rachel Weisz ) una profesora estadounidense, neoyorkina, de Queens, que trabaja como profesora del departamento de la Historia Judía Moderna y Estudios del Holocausto en la Universidad de Emory en Atlanta , Georgia. Tras terminar su jornada escolar con alumnos y alumnas de la facultad se prepara para dar una conferencia pues acaba de presentar un libro: Negar el Holocausto: el creciente asalto a la verdad y la memoria escrito el año anterior. 

Mientras lo presenta en 1994 dando una conferencia sobre el mismo en el DeKalb College de Atlanta con el Holocausto como tema su discurso se ve interrumpido por David Irving ( Timothy Spall) , un polémico escritor que escribe sobre la Alemania nazi y que niega el Holocausto. 

Éste que ha estado oculto durante la conferencia, en un momento dado, ya sentado desde el público, la retó a gritos a debatir con él , llegando a decir que en las cámaras de gas de Auschwitz murieron menos mujeres que en el coche de Ted Kennedy y agitando en el aire un manojo de billetes, ofrece mil dólares a quien pudiera encontrar una orden escrita de Hitler para desatar el Holocausto. 

Tras boicotear el acto vemos que Irving regala gratis volúmenes de sus obras, no así la profesora Lipstadt. 

Indignada inicialmente poco después se queda perpleja cuando esta profesora de Judaísmo Moderno y de Estudios del Holocausto en la Universidad de Emory,  recibe una demanda por parte del escritor David Irving a la editorial de su libro La negación del Holocausto, la editorial Penguin Books, y contra ella misma por libelo en un tribunal británico, después de que ella caracterizase algunos de sus escritos y declaraciones públicas como negacionismo del Holocausto. La demanda se había por difamación en el Reino Unido contra Lipstadt y su editor.  

Como la carga de la prueba en los casos de difamación en el Reino Unido recae en el acusado, Lipstadt y su equipo legal, dirigido por el abogado Anthony Julius (Andrew Scott ) y el abogado de la defensa ante el Tribunal por el Consejero de la Reina, Richard Rampton (Tom Wilkinson) , deben demostrar que Irving mintió sobre el Holocausto.  El perito de la defensa fue el historiador de Cambridge Richard J. Evans. Estamos a inicios del año 2000. 

Para preparar su defensa, Lipstadt y Rampton , junto con un especialista en el campo , el investigador Robert Jan van Pelt (Mark Gatiss ) recorren las instalaciones del antiguo campo de concentración de Auschwitz en Polonia con un académico local, mientras que el equipo de investigación sigue investigando en Londres en los extensos diarios personales de Irving. 

Lipstadt está molesta por la actitud de Rampton en la visita a Auschwitz. Llega tarde, no quiere recorrer el perímetro por su cuenta y hace preguntas aparentemente irrespetuosas de Rampton sobre el tema algo que ella echa en cara mientras cena en un restaurante en la ciudad histórica de Cracovia. 

Lipstadt se siente frustrada cuando el equipo minimiza su participación en el caso, argumentando que ella perjudica sus posibilidades de éxito. A esto se suma que durante una cena con miembros de la comunidad judía británica le suplican que llegue a un acuerdo fuera de los tribunales para evitar crear publicidad para Irving. 

Sin embargo, su equipo tiene un comienzo prometedor cuando persuaden a Irving, apelando a su ego, para que acepte un juicio ante un juez único Charles Gray (Alex Jennings) en lugar de un jurado, que podría haber manipulado en su beneficio. 

Ante la prensa  y antes de la entrada Irving alegó la existencia de una campaña internacional para silenciarlo, organizada por los «tradicionales enemigos de la verdad».

Irving lleva a cabo su propia representación legal frente al equipo legal de Lipstadt. Irving se esfuerza por tergiversar la evidencia presentada para la defensa. Nada más empezar el juicio dice ante el juez que en su libro, Lipstadt lo había tachado de negacionista del Holocausto, de falsificador (de los hechos históricos) y de prejuicioso, agregando que él había manipulado y distorsionado documentos. 

Irving aduce durante su alegato que a consecuencia de las acciones de los acusados, él había sufrido un grave daño financiero: «Por virtud de la acción de los acusados, y de la de aquellos que la financian y guían su mano, he visto, desde 1996, a un temeroso editor tras otro alejarse de mí, rehusando reimprimir mis trabajos, rehusando hacerme nuevos encargos y dándome la espalda cuando me acerco». 

La defensa de Rampton argumentó  que el caso consistía en que Irving ofreció una interpretación sesgada y perversa de los hechos históricos y que ante la información disponible ―incluso para Irving― acerca del Holocausto, no era posible interpretarlo como no habiendo sucedido. También señala que Irving había distorsionado deliberadamente información en sus libros de historia y que a lo largo de su vida Irving se había asociado libre y conscientemente con grupos extremos de tal forma que había dañado su propia reputación. 

Tras una de las audiencia una mujer superviviente del Holocausto se acerca a Lipstadt y le pide la oportunidad de testificar, pero el equipo legal de Lipstadt , contra la voluntad de ella, insiste en centrar el juicio en Irving. 

Robert Jan van Pelt, experto neerlandés en arquitectura. Van Pelt presentó un informe demostrando que los campos de la muerte habían sido diseñados, construidos y utilizados con el propósito del asesinato en masa. En ese informe Van Pelt analizaba y describía como Irving no solo tuvo acceso a los documentos ―de hecho, había descubierto algunos de ellos― y hechos relevantes del Holocausto sino que distorsionó, malinterpretó y suprimió a su antojo parte de esa información a fin de apoyar lo que Irving sus argumentos.

Irving intenta desacreditar la evidencia de la existencia de cámaras de gas en Auschwitz, ante Robert Jan van Pelt alegando que no había agujeros en el techo para introducir los cristales de gas Zyklon B. Su frase "sin agujeros, no hay holocausto" domina las portadas de los medios sensacionalistas. 

Furiosa, Lipstadt exige que a ella y a los supervivientes del Holocausto puedan subir al estrado, pero Julius responde enojado que Irving solo humillaría y explotaría a los supervivientes en el contrainterrogatorio , como lo ha hecho en el pasado preguntando cuando dinero han sacado de los números del brazo. 

Rampton una noche visita a Lipstadt que va a la casa con una botella de vino para explicar su enfoque y se gana su confianza. En la corte, somete a Irving a un hábil contrainterrogatorio y expone sus afirmaciones como absurdas, mientras que el testimonio de expertos de académicos respetados como Richard J. Evans reflejan las distorsiones en los escritos de Irving. 

Cuando concluye el juicio, el juez Charles Gray preocupa a la defensa al sugerir que, si Irving cree honestamente en sus propias afirmaciones, entonces no puede estar mintiendo como afirmó Lipstadt. 

Lo cierto es que Lipstadt tras varias semanas retorna a Atlanta esperando la sentencia que se dictará según las normas británicas. Un día antes lo tendrán los abogados y 24 horas después los implicados. Ella decide estar cuando se dicte por lo que vuelve a Londres. 

Sin embargo, el juez Gray finalmente dicta sentencia a favor de la defensa, convencido de la veracidad de la interpretación de Lipstadt de Irving como engañosa. Penguin y Lipstadt ganaron el caso, utilizando la justificación de defensa, a saber, demostrando en los tribunales que las acusaciones de Lipstadt contra Irving eran ciertas y, por tanto, no calumniosas. EEl juez  Charles Gray justificó su sentencia en un texto de sentencia de 334 páginas, detallando la sistemática distorsión de la historia de la Segunda Guerra Mundial por parte de Irving. 

Lipstadt es aclamada por su comportamiento digno, mientras que su equipo legal le recuerda que, a pesar de su silencio durante el juicio, fueron sus escritos los que contrarrestaron las mentiras de Irving y proporcionaron la base para la victoria. En una conferencia de prensa, Lipstadt elogia a sus abogados por su estrategia. 

Es de noche ya con la sentencia en la mano y en la mente y Deborah Lipstadt vuelve a salir a hacer jogging por Londres. Pero ahora se detiene para contemplar la estatua de "Boadicea y sus hijas" y se queda mirando la imagen de la reina guerrera que lideró un fallido levantamiento contra los romanos en el muelle de Westminster. Acabando así la película. 

El rodaje tuvo lugar entre finales de 2015 e inicios del año 2016, en los Estados Unidos, Polonia , en concreto, en el Campo de Concentración de Auschwitz-Birkenau y Cracovia o Kraków , el Reino Unido especialmente en Londres en el área de Fleet Street. Las escenas de la corte interna fueron filmadas en County Hall en la localidad inglesa de Kingston Upon Thames. Allí hay una recreación de la sal de Old Bailey y que ahora se usa únicamente para trabajos de cine y televisión. 

Todos los diálogos de las escenas de la sala del tribunal se tomaron literalmente de los registros del juicio.

Aunque el caso se presentó en 1996, no llegó a juicio hasta los primeros meses de 2000; el veredicto se anunció en abril de ese año. 

La auténtica Deborah Lipstadt le divirtió lo glamorosa que es Rachel Weisz en la película: "Me vestí bien para el juicio, pero no soy elegante: ¡soy profesora!" No obstante, Lipstadt le prestó las bufandas que lleva Weisz. 

La historiadora comentó que “La película me parece muy buena, explica la historia, mi historia, y se ajusta a lo que pasó”,

Cuando se le preguntó si le parecía que Timothy Spall lo hacía mejor que Irving declaró que “Cualquier persona es mejor que David Irving”. Consideró que todo el reparto hace un trabajo estupendo y destacó que es “un poco surrealista” verse encarnada por Rachel Weisz. 

Lipstadt que no se había vuelto a ver con un Irving, que trató de redimirse tras ser encarcelado en Viena en 2006 señaló que   “Ni sé que es de él ni me importa, ya lo he tenido demasiados años en mi vida”. 

De las licencias de la película apunta que son lógicas para darle más dramatismo, y señala que en realidad no hubo visitas a su habitación por parte de su abogado, Richard Rampton (Tom Wilkinson —que curiosamente al principio tenía que interpretar a Irving—) “y tampoco bebía tanto”. 

Con respecto a David John Cawdell Irving señalar que tras la sentencia su crédito profesional se agotó. Y eso que su revisionismo le llevó a escribir un buen número de historias, algunas de ellas de cierto éxito, como La destrucción de Dresde (1963), Guerra de Hitler (1977), Guerra de Churchill (1987) y Goebbels: Mente maestra del Tercer Reich (1996). 

En esa obras, argumentaba que Adolf Hitler no sabía del exterminio de los judíos o, si lo sabía, se opuso. Parace ser que la gran deriva de este "mal historiador" como señalaba la sentencia se basaba en  en su lectura del informe pseudocientífico de Leuchter del año 1988. Fue en ese momento cuando inició sus investigaciones revisionistas sobre el Holocausto, negando específicamente que los judíos fueran asesinados en las cámaras de gas del campo de concentración de Auschwitz. 

Hasta ese momento Irving (1938), estaba considerado como un historiador de empaque  en la historia militar  y era reconocido por autoridades tan prestigiosas como Hugh Trevor-Roper y  John Keegan. Pero  la sentencia no dejó lugar a dudas: estableció que Irving era un mal historiador, manipulador, negacionista y un racista y antisemita asociado con extremistas de extrema derecha para promover el neonazismo. Prácticamente lo único que consideró el juez que no era verdad fue que tuviera un retrato de Hitler en su mesa. El juez dejó en la sentencia una frase fundamental: “Es mi conclusión que ningún historiador objetivo y sincero puede tener seriamente dudas de que hubo cámaras de gas en Auschwitz y de que se las hizo funcionar para asesinar a cientos de miles de judíos”. 

El periódico The Times el 14 de abril de 2000 señalaba la victoria de Lipstadt afirmando que  "La Historia ha tenido su día en la corte y anotó una aplastante victoria." se determinó que había tergiversado deliberadamente la evidencia histórica para promover la negación del Holocausto. 

La corte inglesa descubrió que Irving era un activo "negacionista del Holocausto", "antisemita y racista"  que «por sus propias razones ideológicas tergiversó y manipuló de forma persistente y deliberada la evidencia histórica».

Finalmente, la corte sentenció que sus libros habrían distorsionado la historia del papel de Hitler en el Holocausto para representar a Hitler bajo una luz favorable, ignorando la evidencia constatable contenida en sus obras. 

En el veredicto  se dice que  Irving era un activo negacionista del Holocausto, antisemita y racista,​ que "por sus propias razones ideológicas tergiversó y manipuló de forma persistente y deliberada la evidencia histórica". Además, la corte encontró que los libros de Irving habían distorsionado la historia del papel de Hitler en el Holocausto para representar a Hitler bajo una luz favorable. 

(...) Las acusaciones que he concluido que son sustancialmente verdad incluyen las acusaciones de que Irving, debido a razones ideológicas, ha tergiversado y manipulado persistente y deliberadamente pruebas históricas; que por las mismas razones ha dado una imagen incondicionalmente favorable de Hitler, principalmente en relación a su actitud hacia los judíos y su responsabilidad en el trato que recibieron; que es un activo negador del Holocausto; que es un antisemita y un racista y que está vinculado a extremistas de derecha que promueven el neonazismo. Considero que las acusaciones contra Irving que han sido probadas como ciertas son de suficiente gravedad  (...) y no tiene un efecto material sobre la reputación de Irving.  Por tanto, la defensa por justificación es válida.  Se sentencia a favor de los demandados. Firmado por el juez Gray.

La cinta se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 11 de septiembre de 2016. Fue estrenada en los cines de los Estados Unidos distribuido por Bleecker Street el 30 de septiembre de 2016 y en el Reino Unido por la distribuidora Entertainment One. la película hizo en taquilla $ 9.2 millones 

En cuanto la crítica, en general, fue positiva con ella . Para Owen Gleiberman en Variety se trata de "Un drama judicial demasiado confuso como para insuflar vida a su historia. (...) el guión de Hare se tropieza con las más básicas reglas de la escritura de guión." 

Para  Deborah Young del The Hollywood Reporter estábamos ante "Un drama judicial absorbente y verdadero, que toca el persistente dolor del Holocausto (...) La impresionante y combativa Lipstadt de Rachel Weisz (...) es un papel por el cual será recordada" 

Stephen Holden del The New York Times , más crítico con la película, afirma que "La falta de una catarsis emocional en la película, dirigida de manera eficiente por Mick Jackson (...) a partir de un guion escrito por el dramaturgo británico David Hare, deja un frustrante vacío en su parte central." 

David Ehrlich de IndieWire sostuvo que "Un drama judicial sencillo que jamás traiciona sus convicciones, la película es un recordatorio básico pero amargo e insistente de que la historia es mucho más fluida que los hechos." 

En el  Reino Unido Fionnuala Halligan de Screendaily afirma que "No es gran cine, pero 'Denial' le hace un gran favor al mundo moderno rehusando contemplar la idea de que haya dos versiones en cada historia" 

Nigel M. Smith en The Guardian dice que "Bajo la prosaica dirección de Mick Jackson, lo que podría haber sido un película para las masas emocionante y rabiosamente actual, en realidad parece más bien un telefilme (...) " 

Ya en España Jordi Costa en El País consideraba que "Una película de juicios tan circunspecta y académica como apasionante." 

Francisco Marinero en las páginas de El Mundo decía que "La obviedad del genocidio (...) sobre todo sirve para desarrollar una película distinta de la denuncia de los crímenes mayores (...) " 

Para  Oti Rodríguez Marchante en  ABC se trató de "Es un duelo de ideas, de historiadores, pero sobre todo es un duelo de actores, por un lado Timothy Spall y, por otro, el fabuloso Tom Wilkinson (...) " 

Quim Casas en El Periódico de Barcelona dijo que "Es interesante el choque que propone el relato entre ética e historia, legalidad y razón, pero el desarrollo deriva en un drama algo convencional, aunque muy bien interpretado. (...) " 

Álex Montoya en Fotogramas destacaba que la película "Mantiene un perfil bajo en su académica puesta en escena (...) Da margen de lucimiento a sus actores (...) y regala una perla de guion (...)"  

Irene Crespo de Cinemanía consideró que la película "Trae aquel caso de 1996 a una actualidad muy oportuna. En ello reside su gran valor, y en un reparto (...) que defiende la frialdad (y a veces pesadez) de un drama judicial (...)

Para concluir desde el punto de vista histórico señalar el importante papel que jugaron en ella reputados historiadores, sí , aquellos que llevaron la Historia - en mayúscula- a los tribunales y que participaron como parte de la defensa llamando a testimoniar a varios de renombre como Richard J. Evans, profesor de Historia Moderna en la Universidad de Cambridge, Charles Browning, historiador estadounidense del Holocausto, Hajo Funk, profesor de Política y Cultura alemanas, Peter Longerich, historiador alemán 

Browning testificó acerca de la realidad del Holocausto, Hajo Funke acerca de los lazos de Irving con los neo-nazis alemanes,​ mientras Longerich lo hizo acerca del papel central que Hitler jugó en la creación de una política de persecución y exterminio conscientes de los judíos, lo que habría sido necesario desechar e ignorar en su totalidad para formular la tesis de la ignorancia e inocencia de Hitler acerca del resultado de tales políticas y actitudes. 

El testimonio de Evans se concentró en el valor de los métodos de trabajo de Irving. Evans proporcionó una lista minuciosa ―abarcando la totalidad de la obra de Irving― de omisiones, distorsiones e interpretaciones sin justificación que le llevaban a la conclusión de que: Ninguno de los libros, discursos o artículos (de Irving), ni un párrafo ni una frase de cualquiera de ellos, puede ser tomada sin recelo como una representación fiel de la realidad histórica. Todos ellos carecen completamente de valor como historia, dado que no se puede confiar en que Irving dé en ninguna parte, en ninguno de ellos, una versión fiable de lo que está hablando o escribiendo [...] si entendemos por historiador alguien que está interesado en descubrir la verdad acerca del pasado y en dar una representación tan aproximada a los hechos como sea posible, entonces Irving no es un historiador. ​

La película muestra interés como película de juicios como debate para acallar a esos que sesgadamente usan la historia como arma arrojadiza y no como aprendizaje sobre lo excelso y lo miserable de la condición humana. A destacar las interpretaciones, brillantes, brillantísimas de los protagonistas, pero especialmente de Timothy Spall, haciendo nuevamente un papelón como referente de la miseria humana y Tom Wilkinson, el metódico e inteligente abogado.  Rachel Weisz y el resto, bien. 

Por último destacar que una parte del juicio, absoluta ¡mente mollar, consistió en demostrar la existencia o no de agujeros en el techo de las cámaras de gas para introducir el Zyklon B sostenido por una red metálica similar a la que al abogador de la defensa Richard Rampton se le clava en el zapato cuando visita la parte correspondiente a los hornos crematorios. Pues bien esos agujeros por los que penetraba el agente mortal, son la última imagen de la película. Eran los sumideros de la verdad que afortunadamente salió la verdad del Holocausto y evidenció la falsedad de la negación de Irving. 

Constantine entre ángeles y demonios

 

EC: En construcción 

La giovinezza

Paolo Sorrentino tiene la facultad como director de invitar a la reflexión. Si en La Grande Belleza la reflexión se centraba en aquellos buenos momentos perdidos, pero añorado vuelve a retormar el tema con Youth o como yo he llamado con La giovinezza o La juventud. Como he leído es cercana a 'La gran belleza' en su estructura, en su tema y en la manera de contarlos. Sin embargo, 'La gran belleza' era una fiesta , o al menos, así se manifestaba en sus inicios y 'Youth' es más cercana a un final cercano, a un entierro. Pero tan bella y reflexiva la una como la otra.

Se trata de una película italiana, escrita y dirigida por Paolo Sorrentino rodada en inglés, de hecho es la segunda película en inglés , tras This Must Be the Place o Este debe ser mi lugar del año 2011 del director napolitano nacido en 1970.

Es una película producida por Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori con el apoyo de las productoras Indigo Film , Bis Films , Pathé , RSI , C-Films, Number 9 Films, Medusa Film , Barbary Films, France 2 Cinéma , Film4 y un presupuesto de 12,8 millones de euros unos $ 14.4 millones de dólares en régimen de coproducción entre Italia-Suiza-Francia-Reino Unido. Participan igualmente Berbería Films y Mediaset Premium

Como idea fue plasmada en un guión por el mismo Paolo Sorrentino y cuenta con la música de David Lang, la inmensa fotografía de Luca Bigazzi y el montaje de Cristiano Travaglioli. En la escenografía la responsabilidad cayó en Ludovica ferrario, mientras que el vestuario fue de Carlo Poggioliy el maquillaje de Maurizio Silva.

En el reparto a parece Michael Caine como Fred Ballinger, Harvey Keitel como Mick Boyle y Rachel Weisz como Lena Ballinger. Junto a ellos están Paul Dano como Jimmy Tree, Jane Fonda como Brenda Morel, Madalina Diana Ghenea como Miss Universo, Alex Macqueen como el emisario de la Reina, Ed Stoppard como Julian, Tom Lipinski como el guionista en el amor, Roly Serrano como Diego Maradona, Ian Keir Attard como asistente emisario de la reina, Luna Mijović como joven masajista, Robert Seethaler como Luca Moroder, Chloe Pirrie como chica guionista, Alex Beckett como guionista intelectual, Nate Dern como guionista divertido y Mark Gessner como el guionista tímido. Además participan Ed Stoppard como Julian Boyle, Paloma Faith como ella misma, Mark Kozelek como él mismo, la soprano Sumi Jo como ella misma y Viktoria Mullova como ella misma. Aparecen igualmente Gabriela Belisario como una prostituta , Aldo Ralli como el camarero, Loredana Cannata como la esposa del presunto Maradona, Maria Letizia Gorga como la cantante francesa y Demetra Avincola como la novia de Jimmy.

La película comienza presentándonos a Fred Ballinger (Michael Caine), un compositor y director de orquesta de avanzada edad, que se encuentra de vacaciones en un balneario de los Alpes suizos con su hija Lena y su amigo Mick Boyle (Harvey Keitel) , un antiguo director que aún está en el negocio del cine. Fred aún se compone de piezas en su cabeza cuando está solo. Los dos amigos están pensando juntos en el futuro, observando con curiosidad las vidas de sus hijos y de los huéspedes en el hotel donde viven. A Mick le resulta difícil completar su última película, mientras que Fred se ha retirado de la escena desde hace años.

Pero todavía hay alguien que quiere escuchar sus sinfonías: de hecho, viene de Londres un emisario de la reina Isabel (Alex Macqueen), quien lo invita a dirigir un concierto de su obra más reconocida "Canciones sencilla" en el Palacio de Buckingham a petición de la Reina Isabel II para conmemorar el cumpleaños del príncipe Felipe . Sin embargo, Fred rechaza la oferta , inicialmente , y sin explicar el motivo.

Poco más tarde conocemos a su hija Lena (Rachel Weisz) casada curiosamente con el hijo de Boyle , y que ha sido recientemente abandonada por su marido Julian (Ed Stoppard) , hijo de Mick, quien la abandonado por una estrella del pop Paloma Faith (ella misma) Lena le reprocha a su padre por haber olvidado a su esposa y nunca la amó realmente, a pesar de todos los sacrificios que ella había soportado para ayudarlo en su carrera.

Durante un paseo ella insiste el por qué le ha abandonado y como le dice su padre se debe a que la otra era una loba en la cama.

Otra relación que se desarrolla en el hotel es la de Fred y Jimmy Tree (Paul Dano), un joven y famoso actor de Hollywood que lleva algún tiempo intentando redescubrir su dimensión artística ante un nuevo papel importante, decepcionado por ser recordado por los fanáticos sobre todo por participar en su papel de robot en una saga de éxito de ciencia ficción en lugar de por películas más cercanas en el tiempo y rodadas con importantes directores.

Mientras tanto, Mick está entusiasmado con el guión de su nueva película, El último día de la vida , del cual aún está buscando el final apropiado que define su "testamento artístico", escrito a varias manos por el mismo Mick y un grupo de jóvenes guionistas cada uno de personalidad muy definida: uno romántico ( Tom Lipinski ), una chica (Chloe Pirrie ) , un intelectual ( Alex Beckett ) , un humorista (Nate Dern ) y un tímido (Mark Gessner).

Como protagonista para su película, el anciano está decidido a elegir a la diva Brenda Morel (Jane Fonda), a la que él ha hecho famosa y con quien en el pasado ha trabajado en varias películas, manteniendo un fuerte vínculo profesional y afectivo con ella.

Por el lujoso spa / resort en Wiesen también pasan muchos individuos extravagantes, entre ellos una joven masajista, un Diego Maradona con sobrepeso, bellísimas mujeres musulmanas siempre tapadas, niños que se dedican a la música o una inteligente y espectacular Miss Universo .

Fred y Mick reflexionan sobre sus vidas, admitiendo que sus recuerdos se están desvaneciendo y que ven como su futuro les devora. Hablan de la próstata , de sus sueños realizados y de los no cumplidos.

Fred vuelve a reencontrase con el emisario de la reina de Inglaterra e, irritado por la insistencia de esta última, finalmente explica el motivo de su negativa: su obra había sido escritas para su esposa, y no quiere ser cantado por él y por ninguna otra persona . La parte de la soprano pertenece solo a su esposa y ella ya no puede cantar.

La hija de Fred,  Lena, escuchando el discurso, finalmente entiende el amor que el padre sentía por su esposa, finalmente viendo en él esos sentimientos que pensó que no podía demostrar.

Mientras se hospeda en el hotel, Lena se enamora de un monitor de escalada que la introduce en ese mundo y que es capaz de metafóricamente suspendida en las nubes en este momento particular de su vida.

Mientras tanto, los dos amigos se enfrentarán a su futuro, a su vida que sigue teniendo lugar de dos maneras diferentes: Fred con pesar y apatía y Mick con alegría por trabajar y vivir. Mick completa su guión junto a sus jóvenes guionistas colaboradores.

En un momento dado , Brenda ( Jane Fonda) llega al hotel y le comunica a Mick en un diálogo desgarrador que no pretende prestarse para filmar su última película, prefiriendo realizar un importante y bien pagado papel en una serie de televisión. Le reprocha que ya haya envejecido y haya perdido el propósito de su arte; Mick responde que la ingratitud hacia él no puede dejarlo asombrado, ya que fue quien la hizo ingresar al mundo del cine y hacerlo famoso. Brenda le explica que el cine es el pasado, dice, y Mick no ha hecho una buena película en años. Brenda acepta su condición de persona horrible, pero se va de una manera fría con una frase de gran realismo: "¡Esta mierda de película termina, la vida continúa!".

Poco tiempo después, los dos amigos vuelven a hablar como lo hacen todos los días. La apatía de Fred prevalece, mientras que la alegría que se está encendiendo en Mick está suspendida. Después de dar un mensaje específico a su amigo (debe vivir y no sobrevivir), Mick sale al balcón de la habitación y se lanza para suicidarse.

Después de este gesto de su amigo, Fred permanece en su expresión de apatía pero al mismo tiempo enfrenta una profunda redención interna.

Primero va a Venecia para llevar una flor a la tumba de Stravinsky , al que conoció y admiró, y luego va a ver a su esposa hospitalizada totalmente devorada por el Alzheimer, olvidando que ha vivido junto a su marido y su hija.

Luego el hombre acepta ir a Londres para dar el concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. en presencia de la reina para interpretar nuevamente sus melodías, haciéndoles cantar a la soprano Sumi Jo . Una clara señal de que ha superado su bloqueo de vida.

Ahora espera lo que había perdido, y que Mick estaba constantemente tratando de encontrar: la juventud. Algo tan simbólico como real, en una película con toques surrealistas en algunos momentos.

A lo largo de la película, se entremezclan secuencias surrealistas, que incluyen un monje levitando, un imaginado video musical de Paloma Faith, Jimmy vestido como Adolf Hitler , Fred dirigiendo un campo de campanillas y Mick imaginando a todas las actrices principales de sus anteriores películas en la cima de una montaña.

El rodaje de la película comenzó en Suiza en mayo de 2014. Algunas escenas también se rodaron en Roma.

El rodaje se inició en Flims , Suiza, en mayo de 2014, aunque ubicación principal fue el Waldhaus Flims , un hotel de 5 estrellas construido en el siglo XIX, donde el reparto y el equipo se quedaron mientras filmaban. Otras escenas fueron filmadas en Davos , Suiza, particularmente en el Hotel Schatzalp (la ubicación de la montaña mágica de Thomas Mann ). También se rodó algo en Roma y en Venecia.

El director de fotografía regular de Sorrentino, Luca Bigazzi, volvió a fotografiar la película. David Lang contribuyó a componer la música de la película, incluida la pieza " Simple Song # 3 " que se interpreta de manera ficticia para la reina Isabel al final.

La escena fue filmada con la soprano Sumi Jo , la violinista Viktoria Mullova , la BBC Concert Orchestra y el Berlin Radio Choir .

La película se estrenó en los cines italianos el 21 de mayo de 2015 , exactamente dos años después del estreno de la película anterior de Sorrentino, La grande bellezza, y coincidiendo con la presentación en el Festival de Cine de Cannes .

La película, que estuvo dedicada al director Francesco Rosi (1922-2015), se presentó en competencia en el Festival de Cine de Cannes donde compitió por la Palma de oro. La película fue un gran éxito en la taquilla, recaudando un total de más de $ 24 millones de dólares de los cuales 5,995,008 en Italia.

La película ha obtenido multitud de premios y fue nominada en múltiples certámenes y festivales, así como asociaciones de críticos.

En los Premios Oscar fue nominada a mejor canción, mientras que en los franceses Premios César fue nominada a la mejor película extranjera. Se presentó en el Festival de Cannes en la Sección oficial largometrajes a concurso y en los Globos de Oro fueron nominados a mejor actriz de reparto (Jane Fonda) y mejor canción original.

En Italia arrasó en cuanto a nominaciones, hasta 14, en los Premios David di Donatello consiguiendo el de Mejor música y mejor canción original.

En los Premios del Cine Europeo fue elegida mejor película, mejor director y mejor actor (Michael Caine)siendo nominado a la Mejor actriz europea Rachel Weisz y al Mejor guion europeo para el mismo Paolo Sorrentino.

En los Satellite Awards fue nominada a la Mejor actriz de reparto (Jane Fonda) y en los Critics Choice Awards a mejor canción original.

En el Festival Internacional de Cine de Hawai obtuvo Sorrentino una nominación al Premio de Hawaii Eurocinema . En los Hollywood Film Awards se premió a la mejor actriz de reparto del año en la persona de Jane Fonda.

En el holandés Festival de Cine de Oostende fue nominado en el Premio Look Paolo Sorrentino y el Karlovy Vary Festivalle dió el Premio del público a Paolo Sorrentino por esta película.

En cuanto a los Premios de la Crítica destaca el valor que tuvo está película para los críticos de Detroit sieno nominada a la Mejor película , Mejor director y ganado el de Mejor actor para Michael Caine . El Círculo de Críticos de Phoenix la premió como la Mejor película extranjera .

El Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos la nominó en multiples apartados como Mejor película , Mejor guion , Mejor vestuario para Carlo Poggioli, Mejor diseño de producción de Ludovica Ferrario y Mejor casting director en la persona de Anna Maria Sambucco. Pero ganó el de Mejor director Paolo Sorrentino y Mejor fotografía para Luca Bigazzi .

En los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Florida se premió a la Mejor a la de Luca Bigazzi en esta película.

Los Críticos de Cine de Houston premiaron a la Mejor canción original la de David Lang y el de Círculo de Críticos de Cine de Londres nominó al Mejor actor británico / irlandés a Michael Caine. 

Otros premios fueron los concedidos por la Alianza de Mujeres Periodistas de Cinea la Mejor Música de Cine o Partitura David Lang o el Premios del gremio de diseñadores de vestuario a Carlo Poggioli, mientras que el de los Maquilladores y Estilistas nominó al Mejor maquillaje contemporánea Maurizio y Matteo Silvi.

En cuanto a los críticos señalar que la película fue varorada por la prensa de casi todos los países. En Estados Unidos , Kenneth Turan, de Los Angeles Times , escribió: "Youth es una película que sigue su propio camino. Quijotesca, idiosincrásica, conmovedora sin esfuerzo, es tanto un ensayo cinematográfico como cualquier otra cosa, una meditación sobre las maravillas y complicaciones de la vida, un examen de Lo que dura, lo que importa para las personas, sin importar su edad ".

Todd McCarthy, de The Hollywood Reporter, calificó la película como "una fiesta de voluptuosos, una inmersión de cuerpo entero en los placeres sensoriales del cine", y elogió las actuaciones de Caine y Keitel. Y concluye "'La juventud' será, para algunos, absolutamente intoxicante en la forma en que forja su inmensa riqueza visual, la intensidad musical, la precisión actoral y el enfoque sin pretensiones a preocupaciones temáticas."

Lou Lumenick del New York Post sostiene que "Michael Caine y Harvey Keitel realizan unas de las mejores interpretaciones de sus largas carreras en esta sabia, ingeniosa, y bellísima comedia dramática de Paolo Sorrentino"’

Para A. O. Scott del The New York Times comenta que "El problema con 'Youth' no es que sea vacía (...), sino que es pequeña. Su imaginación parece que haya menguado o que sea de segunda mano, a pesar de las magníficas vistas y las bellas mujeres desnudas."

Mientras Peter Travers en la revista Rolling Stone dice que "Abróchense los cinturones para Jane Fonda, que da una sacudida sísmica a la exquisita meditación de Paolo Sorrentino sobre el arte y el paso del tiempo. (...) "

Jessica Kiang de IndieWire dice de ella que es "Una película que descansa casi exclusivamente en opuestos simplistas: edad vs. juventud, belleza vs. fealdad (...) No hay matices, no hay ambigüedad y aunque tiene reflexiones y epítetos forzados en cantidad, su sabiduría es escasa"

Jay Weissberg de Variety la describió como "la película más tierna hasta la fecha de Sorrentino, una contemplación emocionalmente rica de la sabiduría de la vida ganada, perdida y recordada".

En Gran Bretaña Robbie Collin de The Telegraph describió la película como "hermosa pero fría" y dijo que "nunca capta su tema central". Y afirma que "Hay relámpagos de pura brillantez ornamental durante "La juventud" de Paolo Sorrentino, aunque no ocurran demasiadas cosas en el paisaje que iluminan. (...)" .

Por su parte, Peter Bradshaw de The Guardian dijo que "tiene una elocuencia débil y "La elegancia, aunque cargada de sentimentalismo y un arrepentimiento machista-geriátrico extrañamente extraído y poco interesante por el tiempo perdido". Y acaba diciendo que "Sorrentino podría esforzarse más (...) Un trabajo menor, lúdico, trufado de ideas divertidas (...) Tiene brillantes florituras que sólo podrían venir de Sorrentino (...) "

En Screendaily Lee Marshall escribe que "Abre los poros con encantadoras imágenes y se embadurna en ungüentos musicales relajantes, de vez en cuando variando el tratamiento con un tonificante chorro de drama frío, servido por unos actores-ayudantes inmaculadamente cuidados."

Para Dave Calhoun de Time Out lo interesante es "El toque realista se ve poco, o a veces nada de nada (...) el autor italiano hace la siguiente película a 'La gran belleza' de 2013, a veces deslumbrante, pero otras discreta y dispersa. (...) "

En España Luis Martínez en El Mundo habla de que es "Una película tan imperfecta, barroca y pomposa como finalmente irresistible. (...) irritantemente bella" Y en este mismo periódico Carlos Reviriego sostiene que en ella "Casi todo es falso en este filme, que parece hecho de cara a la galería de espectadores sensibles a los hechizos de la pomposidad arty y el vacío ostentoso. (...) 'Youth' se parece bastante a la película de un farsante."

Carlos Boyero en El País comenta que se trata de una "Brillante y emotivo Paolo Sorrentino. (...) dos actores excelsos al servicio de un director que dona sensaciones hermosas." En este mismo diario Javier Ocaña afirma que es "Una obra un tanto ensimismada en la sistemática formal del director, pero que alcanza momentos de gloria (...) Una obra hermosa y palpitante, con genio a borbotones desiguales"

En La Razón Sergi Sánchez escribe que se trata de "Una película demasiado ensimismada (...) aquí todo suena petulante y ampuloso (...) Si el cineasta italiano no tuviera esa necesidad de epatar con la cámara y de sentar cátedra, su película sería mucho más emocionante."

Philipp Engel de Fotogramas afirma que es una "Gran decepción (...) No es 'La gran belleza'. Es más, cualquiera diría que se trata de una colección de descartes, de escenas que no sirvieron. Donde hubo gloria, ahora hay pena."

En el ABC Oti Rodríguez Marchante comenta que la película es "Grande y bella (...) Hay momentos en «Youth» de absoluto contacto con la excelencia, con un tumulto de sentimientos a la brega"

Desde Barcelona , Nando Salvá, en El Periódico señala que la película es "Exceso y autoindulgencia (...) El conjunto acaba siendo mucho menos que la suma de sus partes: una colección de destellos de brillantez que iluminan un paisaje baldío." Y Quim Casas nos dice que "Sorrentino tenía para varias películas, pero lo ha concretado todo en una. Excesiva, ambiciosa y banal pese a las miradas sabias de un Caine en excelencia interpretativa. (...) "

Y también en la ciudad condal, Salvador Llopart de La Vanguardia sostiene que "Una belleza demasiado pequeña. (...) vibrante por momentos, otros decadente y triste, cae en demasiados lugares comunes (...) este 'Youth' que tanto prometía, se queda en la superficie de la vejez, cual si fuera botox inyectado."

Toni Vall y Pablo González Taboada en Cinemanía afirman que "Fantástica película, triste y descreída, pero finalmente luminosa, entre Fellini y Resnais. (...) - dice el primero- y "Es una buena película. Ahora bien, carece del efecto sorpresa y parece más calculada (incluso forzada) que La gran belleza, que era puro arrebato." - dice el segundo.

Desde Argentina, dice Diego Batlle en el argentino diario La Nación que "Esta vez no aparecen las faraónicas fiestas romanas de 'La grande bellezza', pero eso no quiere decir que (...) no haya lugar para los excesos, la ampulosidad, el patetismo, los caprichos, las arbitrariedades y la autoindulgencia tan típicas del cine de Sorrentino."

Su espejo en la crítica, Pablo O. Scholz, de Clarín afirma que "'Juventud' es mucho más directa y acongojante que 'La grande bellezza'. La amargura que queda en la boca al final de las dos horas es mucho más genuina que la parafernalia exhibida en la ganadora del Oscar."

Por mi parte decir que es una historia de la lucha eterna entre la edad y la juventud, el pasado y el futuro, la vida y la muerte, de lo elegante y de lo cutre, de la pasión tenida y perdida, del compromiso de la amistad , pero también de la cruel traición. Pero que también es un reparto espectacular, en la que brillan todos y todas, con una fotografía brillantísima y una gran banda sonora.

Una película con mucho de poesía como fue La Gran belleza, poesía directa y en ocasiones surrealista, a veces únicamente visual. Como ese tiempo que pasa imparable e irrefrenable reflejado en la tienda de los relojes de  cucos.

Una película que no será del gusto de todos, pero que te llena y te envuelve, que te invita a reflexionar. Es satisfactoria en todo los sentidos, especialmente por sus imágenes sugerentes.

Como dije al principio, es una reflexión simple y llanamente sobre la juventud realizada por aquellos que son conscientes que la juventud ya no habita en ella, aunque la ven, sientes algunas punzadas de ella, pero sólo la perciben. Ya se ha ido.

The Deep Sea Blue

Me cuesta entrar en el cine llevado al teatro. Lo teatral y su lenguaje específico, considero que lastra el resultado final. Me ha pasado en múltiples ocasiones. Recuerdo dos por poner un par de ejemplos: La Venus de las Pieles de Roman Polanski, obra del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch o Tío Vania en la calle 42 de Louis Malle inspirado en la obra cumbre de Antón Chéjov, y reinterpretado por David Mamet en 1994.

Tanto una como otra tuvieron cierto éxito, especialmente por parte de la crítica, pero llegar, reconozco que no me llegó al alma.

Existen sus honrosas excepciones como aquella inmensa La Prueba o Sleuth que llevó al cine Joseph L. Mankiewicz, todo un duelo interpretativo por parte de dos grandes: Laurence Olivier y Michael Caine, que partía de otra obra teatral, la escrita por Anthony Shaffer. Pero, en general, me cuesta - y no poco- atenderlas en la justa medida.

Algo parecido me ha pasado con The Deep Blue Sea , una película dramática británica del año 2011 dirigida por Terence Davies , uno de los directores más personales del cine británico nacido en Liverpool, pero que también es guionista, cineasta, novelista y actor . Aunque esta película es , al menos diferente dentro de su obra de trabajo , pues no refleja como suele ocurrir en su obra, la influencia de la memoria en la vida cotidiana o los posibles efectos paralizantes de la religiosidad dogmática sobre la vida emocional de los individuos y las sociedades, aunque en The Deep Sea Blue, alguna píldora contra la moral, en ocasiones,  castrante de lo religioso,sí que aparece.

La película en cuestión, The Deep Sea Blue, está basada en una adaptación de la obra teatral del año  1952 perteneciente al dramaturgo londinense Terence Rattigan fallecido en 1977. Este escritor de origen irlandés y que estrenó habitualmente comedias y dramas durante veinte temporadas seguidas fue uno de los escritores de más éxito en la escena británica. Sus obras solían describir ambientes de clase media inglesa lo que , en parte, explicaría su éxito popular.

Rattigan también trabajó como guionista cinematográfico en películas como Mesas separadas (1958) o la inolvidable Adiós, Mr. Chips, 1969 así como El Rolls Royce amarillo, 1964. Fue en su momento el dramaturgo mejor pagado del mundo y uno de los más populares. Esta obra que podría traducirse como "Un profundo mar azul" ha sido llevada a la gran pantalla en dos ocasiones. La primera en 1955, dirigida por Anatole Litvak y protagonizada por Vivien Leigh y esta, la que nos ocupa. La segunda, es la que he visto en el día de hoy.

La dirección de Davies - un director homosexual al igual que lo fue Rattigan- en este The Deep Sea Blue se centra en la esposa de un juez que se involucra en una aventura con un ex piloto de la RAF y,  en este caso,  lo hace por medio de una composición simétrica , que empieza como acaba, respondiendo a eso que es la llamada estructura "sinfónica" que suena especialmente en el final de la obra o que se hace sensible en el ritmo mesurado de presentarnos la historia, más que visible, audible en todos y cada uno de los intervinientes.

The Deep Blue Sea fue realizada en el año 2011 y según tengo información - que puede ser más que errónea- y su antepenúltima película, seguida de Sunset Song (2015) y A quiet passion (2016).

La película toma su título del dilema que supone en este caso para la protagonista femenina en optar por estar atrapada entre el Diablo y el mar azul profundo, dos situaciones que son igualmente indeseables.

Esta versión cinematográfica , como muchas de las realizadas por Davies , por decir una la imborrable The long day closes - que ya comentamos- , fue financiada por productoras británicas tales como la UK Film Council,  Film4  junto a Lipsync Productions, Camberwell , Protagonist Pictures , Artificial Eye, Fulcrum Media Finance y Fly Films y estuvo producida por Sean O'Connor y Kate Ogborn . La película contó con un presupuesto de $ 8,000,00. quedando la distribución en manos de la Music Box Films

Como suele ser habitual en  Terence Davies, el mismo se encargó de adaptar el guión  de la película basándose en la obra del otro Terence , Rattigan.

A destacar el papel de la música de fondo orquestal que está tomada del concierto para violín de Samuel Barber escrito en 1939, así como la fotografía de Florian Hoffmeister

El corto reparto lo encabezan Rachel Weisz como Hester Collyer al que se suman  Tom Hiddleston como Freddie Page y Simon Russell Beale como William Collyer . Junto a ellos aparecen Harry Hadden-Paton como Jackie Jackson , Sarah Kants como Liz Jackson , Karl Johnson como el señor Miller , Barbara Jefford como la madre de Collyer , Oliver Ford Davies como el reverendo, padre de Hester .

La película nos informa que estamos a mediados de 1950, en la puritana sociedad londinense de los 50, una ciudad en la que la segunda guerra mundial , que acabó hace cinco años, todavía está en el recuerdo de gran parte de la población y sus huellas se manifiestan en calles y casas, todavía muchas de ellas devastadas.

En una de esas casas cercanas a una zona víctima de la devastación , a la caída de la noche ,  descubrimos mirando a través de una ventana a Hester Collyer (Rachel Weisz), la esposa de un juez de la Corte Suprema William Collyer (Simon Russell Beale ). Lo hace con la mirada perdida .

La imagen pasa al interior de una habitación medio iluminada. Vemos que Hester abre la espita del gas y se prepara para tirarse sobre una manta frente a la salida del gas. No hay duda, su intención es suicidarse.

Antes de dormirse por efecto del gas en lo que se supone que es la muerte dulce, vemos una imagen suya en un flashback de su pasado. Ella aparenta estar aburrida , mientras que su marido lee en silencio.

Sin embargo,  momentos después, descubrimos que la protagonista Hester Collyer (Rachel Weisz), no ha fallecido.

 Ahora , mientras que es atendida por un supuesto doctor,  el señor Miller (Karl Johnson) y la gobernanta de la casa en la que vive, la Sra. Elton (Ann Mitchell). Mientras todo esto ocurre y ella se recupera ,  vamos viendo retazos de su vida y las razones por las que se ha intentado suicidar.

La mayoría de la película tiene lugar durante un día en el apartamento de Hester. Un día en el que ha decidido suicidarse y ha fracasado en el intento,  y, a medida que se recupera, vamos viendo la historia de su aventura y la su vida conyugal   en un mosaico de flashbacks,  breves y esporádicos que se insertan en la historia de ese día.

Efectivamente, vemos que como esposa de un juez del Tribunal Supremo Sir William Collyer (Simon Russell Beale), lleva una vida privilegiada, pero también es víctima de las miserias familiares . En este caso lo es de una complicada relación con su suegra (Barbara Jefford) . Entre ellas las cosas no pueden ser peores. Con ella la tensión es máxima. El marido intenta mediar entre ambas. Pero chocan una y mil veces. Por todo. Nada de ella es del gusto de la dura e impertinente suegra.

Pronto descubrimos las limitaciones que le habían supuesto su cómodo  matrimonio cómodo con un hombre afectuoso pero sin pasión sexual.

Sin embargo, los más significativo es que en una de esas visitas el marido , casualmente, se entera por una llamada telefónica, nosotros por un flashback de que ella se ha embarcado en un apasionado romance con Freddie Page (Tom Hiddleston), un apuesto y joven piloto de la RAF que vive apasionadamente de sus recuerdos como piloto en  la Segunda Guerra Mundial.

Esa desbordante vitalidad que presenta él, ese deseo y gusto por la aventura, es  tan opuesta a la de su marido y eso es lo que le atrae, primero sensiblemente y luego sexualmente. Esa relación , de hecho, parece haberle dejado emocionalmente conmocionada.

Pero todo cambia cuando, tras una visita a casa de su suegra , su marido escucha esa conversación telefónica que delata su relación y, casi de inmediato, se produce la ruptura en la pareja , ya que  ella decide dejar a su marido , aunque éste le dice abiertamente que no se divorciará. Con  todo ella decide irse a vivir con Freddie Page (Tom Hiddleston). Ha caído profundamente enamorada.

Cuando se descubre el romance de Hester, ella deja su vida de lujo comparativo y se muda a un pequeño y lúgubre apartamento de Londres con Freddie.

Lógicamente busca el apoyo en su padre, un reverendo ( Oliver Ford Davies), pero éste se opone a la relación.

Inicialmente la pasión con  Freddie es intensa, pero ella va detectando que  esa mezcla de pasión y emoción que hubo una vez, va desapareciendo como lo demuestra cuando él regresa a la vivienda en la que viven, tras pasar fuera un fin de semana,  y entre otras cosas, se ha olvidado de su cumpleaños.

Lo peor viene cuando descubre en el bolsillo de ella una nota de despedida, la que le había preparada para el suicidio.

En ese momento , Freddie se va de casa y busca refugio en su amigo Jackie Jackson (Harry Hadden-Paton) con el que se reúne en su pub habitual, al que iba ella junto con la mujer del anterior,   Liz Jackson (Sarah Kants) y que conocemos a través de algunos  flashbacks.

El marido acude a la vivienda en la que ella vive su pasión y su desventura ya que ha sido llamada por la casera. Allí en el  lugar de los hechos ambos restablecen su relación de aprecio mutuo, pero Hester , reconoce que no puede volver atrás. Está claro que Freddie nunca podrá darle el amor y la estabilidad que su esposo le dio. Sin embargo, volver a una vida sin pasión sería insoportable.

Ella va al pub en el que está Freddie, pero , para evitar una escena escandalosa, deciden salirse fuera mientras le monta un espectáculo . El parece furibundo por haberle hecho sentir responsable de su intento de suicido.

Esa misma noche Freddie Page regresa a la habitación que tienen ambos, pero no duerme con ella. A la mañana siguiente,  él de dice que se marchará a trabajar a Brasil , ya que un amigo le ha conseguido un trabajo. Volverá de esa manera a sentir  la atracción que le falta, la necesidad de vivir su vida intensamente y se compromete a abandonar la bebida.

Freddie , aunque sea temprano,  se marcha. Mientras ella, al cabo de un rato, mira por la ventana como hizo al principio. Ahora con la luz del día  vemos lo que le rodea no es lo que parecía. Es destrucción, mediocridad, suciedad, es posible que sea lo que le espera en la vida. Acaba así la película.

La filmación comenzó a finales de 2010, entre noviembre y diciembre de ese año, y se rodó en 25 días , principalmente en la capital británica, Londres. En concreto se rodaron en los estudios Three Mills en Three Mill Lane, en Bow. En el Pub Ye Old Mitre de Ely Place, en el Dulwich Picture Gallery, en la Estación de metro de Aldwych, en Holborn, o en Granville Square de Islington, todas ellas , insisto, en Londres.

Terence Davies quería a Rachel Weisz para el papel de Hester Collyer después de que vio en ella un "talento increíble" en El hombre que vino del mar (1997). Lo llamativo es que no había oído hablar de ella antes de ver esa película. Así que llamó a su agente y le preguntó: "¿Alguna vez has oído hablar de esta chica, Rachel Weisz?" Su agente se rió y dijo: "¡Es una ganadora del Oscar!" Weisz se divirtió con esto y dijo: "No creo que Terence [Davies] conozca muy bien a nadie que no esté en una película en blanco y negro".

Davies también contó con la veterana actriz teatral  Barbara Jefford aparatada del cine desde La novena puerta (1999).

La citada Rachel Weisz , junto a Tom Hiddleston y Simon Russell Beale son los encargados de dar vida a esta historia de amor, una relación con tres protagonistas que se enfrentan a la pasión amorosa desde tres posiciones antagónicas: la entrega total, la aventura pasajera y el cariño incondicional.

La película fue lanzada en el Reino Unido en 2011, el año del centenario de Rattigan. y al año siguiente, en los Estados Unidos por medio de la distribuidora Music Box Films. La película consiguió en taquilla $ 3,143,316.

Por su actuación, Weisz ganó el Premio a la Mejor Actriz en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York 2012 y también ganó el Premio a la Mejor Actriz de la Asociación de Críticos de Cine de Toronto en el mismo año. En diciembre de 2012, Weisz fue nominada como Mejor Actriz en los 70º Golden Globe Awards .

La película también fue elegida como una de las diez mejores películas del año por The New York Times y The Los Angeles Times .

La película fue presentada en el Festival de San Sebastián en la  Sección oficial a concurso y fue  un éxito crítico en los Estados Unidos en parte por la actuación de Weisz  alabada por David Edelstein en la revista New York .

Tuvo nominaciones tanto la película como los actores . En los BFI London Film Festiva fue elegida como mejor película . En los 39 ° Evening Standard British Film Awards obtuvo una nominación a la Mejor actriz Rachel Weisz . El Círculo de Críticos de Cine de Londres nominó igualmente a Simon Russell Beale.

En cuanto a las críticas destacar las presentadas en el Reino Unido por Damon Wise en Empire al decir que   "Presenta la visión única de un artista (...) y en una época de alboroto, su paciente elegancia es una virtud que debemos valorar. (...) "

Otro crítico como Philip French del The Guardian "Davies ha trabajado con maestría sobre la obra teatral (...) Davies saca excelentes interpretaciones de su triángulo central"

Para Tim Robey del  Telegraph afirmaba que era "Una adaptación hermosa y desgarradora (...) " Mientras que, por su parte, Jonathan Romney del The Independent "Los tres actores [Weisz, Hiddleston y Beale] están excelentes (...) Es una película muy distinguida"

En  Estados Unidos A. O. Scott del The New York Times afirmó que "Las pinceladas sociales y psicológicas y los maravillosos detalles de época son parte del escenario. Y los señores Hiddleston y Beale, aun siendo actores disciplinados y sensibles, existen en la penumbra de la incandescencia de Weisz"

Kenneth Turan de Los Angeles Times comentaba que "Excepcionalmente bien realizada y completamente audaz en su descripción del nivel más alto de las emociones románticas, esta es una película tan comprometida con la pasión como su heroína y eso es decir mucho"

Para  Roger Ebert en rogerebert.com  la película era digna de elogio, así como al director Davies por crear "dos escenas luminosas (...) "

Según Todd McCarthy dre The Hollywood Reporter la película era "Inteligente pero sin sangre (...) El control y la discreción no vienen de forma natural para Weisz"

Entendía  Leslie Felperin de Variety que "Davies está en plena forma, con luminosas actuaciones, especialmente la de Rachel Weisz"

Decía  Richard Brody en el The New Yorker que "Davies no sólo es un director profundamente emocional y uno de los grandes estilistas de la imagen y el sonido (...) sino también un increíble director de actores."

Ya en España Carlos Boyero en  El País valoraba que en ella "Habla de la pasión con un lenguaje tan cuidado como frío, (...) Si no fuera por (...) la hermosura de Rachel Weisz me importaría un comino este amor volcánico entre personajes prescindibles." En este mismo diario, Javier Ocaña escribía que era "Puro cine británico: olor y sabor a pub, a pinta de Guinness (...) inmensa Rachel Weisz"

Por su parte, Luis Martínez de El Mundo decía que "Con una Rachel Weisz resplandeciente, el cineasta se empeña en buscar el eco a los sonidos profundos, cualquiera de ellos. (...) una las formas más auténticas y originales de hacer cine que aún se mantienen en pie."

Yo como dije al principio reconozco el enorme papel de los actores y de la actriz en la película. Me ha gustado de la película en sí el carácter contenido de la misma, especialmente la de la actriz principal y del que hace de su esposo, el actor  Simon Russell Beale en un trabajo simplemente grandioso. Frente a ellos el papel de auténtico arrebato que fue para Tom Hiddleston , el hombre temperamental y un personaje en busca de acción.

A destacar la banda sonora, audible en gran medida al final de la película , así como el papel de coro que se vive en el bar, con canciones cantadas "a capella" que reviven los momentos de unidad frente al sufrimiento del pueblo británico ante la batalla de Inglaterra, así como la buena recreación de escenarios y personajes por parte de Terrence Davies. Sin ser magnífica es digna de verse.

A los 70 años de lo acontecido

En esta semana se cumple el 70 aniversario de la victoria soviética en la batalla de Stalingrado, posiblemente, la más decisiva de la segunda guerra mundial en lo que se refiere al cambio de tendencia en el frente Este pues era la primera derrota del ejército alemán y de los nazis. Fue el principio del fin. Fue la tumba del nazismo.

La Batalla de Stalingrado fue un enorme y sangriento enfrentamiento entre las fuerzas alemanas y el ejército rojo de la URSS. En ella se dejaron la vida un millón de soldados desde septiembre de 1942 y finales de enero de 1993. La antigua ciudad de Volvogrado será el escenario de Enemigo a las puertas (Enemy at the gates) Ésta es una película bélica dirigida por Jean-Jacques Annaud, que intenta relatar la historia de dos francotiradores opuestos, Vasili Záitsev por el lado ruso, y el comandante König por el lado alemán durante la Batalla de Stalingrado en 1942. 

El primero de setiembre de 1942, las fuerzas alemanas del 6to Ejército habían rodeado completamente Stalingrado. La orden que Paulus recibió de Hitler fue tajante, tomar Stalingrado a toda costa y no retroceder bajo ninguna circunstancia. El día 4 de setiembre, la Luftwaffe lanza un ataque con mil aviones sobre la ciudad. Ante la inminencia de la ofensiva alemana, los soviéticos organizaron todas las fuerzas disponibles en la zona, agrupándolas en el 62 Ejército bajo el mando del General Lopatin. Las dudas del general Lopatin hacen que el general Yeremenko, comandante en Jefe de la zona de Stalingrado, no lo pensó dos veces y destituyó a Lopatin , poniendo en su lugar al experimentado Vasily Ivanovich Chuikov, personaje con experiencia en la guerra real pues había comandado las fuerzas del Ejército Rojo contra el Ejército Blanco durante la Revolución Rusa y en España había sido asesor durante la Guerra Civil. Las órdenes que recibió Chuikov fueron, mantener el control de la ciudad a cualquier costo y como primer paso, él a su vez, emitió una orden de no dar ni un paso atrás y menos rendirse. La orden fue refrendada por el Comisario Político Nikita Kruschev, quien le preguntó a Chuikov cómo interpretaba el trabajo que se le estaba encomendando, a lo que Chuikov respondió "Defender Stalingrado o morir en el intento". Kruschev replicó, "Usted ha entendido bien lo que se le ha encomendado." La NKVD cumplirá a rajatabla y dispararan a todo aquel que intentara retroceder. En la ribera opuesta del Volga se apostaron las fuerzas que harían cumplir esas órdenes. 

Este hecho será el punto de partida de la película dirigida por Jean-Jacques Annaud, persona que también interviene en la producción al igual que John D. Schofield, a través de Mandalay Pictures y K.C. Medien. 

La película parte de la adaptación de la novela homónima escrita por William Craig, persona que participa en el guión, al igual que Alain Godard. La música es de James Horner. La fotografía dominantemente gris y con muchos matices metálicos es de Robert Fraisse. El montaje recayó en Noëlle Boisson y Humphrey Dixon. Ha sido uno de las producciones más caras y más multimillonarias del cine europeo, invirtiendo en la película 68.000.000 de dólares ($).

La distribución del filme pasó por la Paramount Pictures (Estados Unidos), la Pathé (Reino Unido y Francia) y la TriPictures (España) que obtuvieron cerca de 100 millones de dólares (96.976.270 $) de beneficios. 

El elenco en la película está formado por Jude Law (Vassili Zaitsev), Joseph Fiennes (Comisario Danilov), Rachel Weisz (Tania Chernova), Bob Hoskins (Nikita Khrushchev), Ed Harris (Mayor Erwin König), Ron Perlman (el sargento Koulikov), Eva Mattes (Madre Fillipov), Gabriel Thomson (Sacha Fillipov), Matthias Habich (General Friedrich Paulus), Sophie Rois (Ludmilla), Ivan Shvedoff (Volodya), Mario Bandi (Anton), Gennadi Vengerov (Starshina), Mikhail Matveyev (Abuelo de Zaitsev) 

La película se rodó en diversos lugares de Alemania. Gran parte de ella en Berlín y las cercanas como los estadios Babelbergs de Potsdam(Brandemburgo), mientras que otras escenas como el cruce del Volga fue filmado en las proximidades de Cottbus en Alemania. 

La película se inicia en los Urales con un niño y su abuelo cazando un lobo. El lobo está al acecho de un caballo que han dejado ambos para matar al animal salvaje. El niño sigue al detalle las indicaciones de su abuelo para disparar como un francotirador. Sabemos que dispara, pero desconocemos el resultado. La escena cambia y nos muestra a un joven Vasili Zaitsev. Es un joven corriente, el típico campesino ruso que simplemente cumple con su deber con la Madre Patria y está además dotado con una destreza extraordinaria en el tiro. Modesto y reservado, descubre a una chica leyendo en el tren que lo lleva al frente. Los civiles bajan del tren en una estación y desde ese momento vemos que es un convoy militar. Su destino : Stalingrado. Nada más llegar a la estación al otro lado del Volga, los soldados se quedan horrorizados con el espectáculo que ven. Miran como la ciudad está envuelta en llamas y humo. Y como la travesía del río es una suerte de combate entre Luftwaffe ( en el aire) y la tierra y los barcos que llegan repletos de soldados rusos de la estación Este. 

Estamos en los inicios de septiembre de 1942 y se está aplicando la teoría de Chuikov : mantener el control de la ciudad a cualquier precio y como primer paso cumplimiento estricto de la orden de no dar ni un paso atrás y menos rendirse. Cruzar el río es una locura, la muerte la traen los alemanes y los oficiales rusos que no tienen reparos de disparar a sus compatriotas. La llegada no es más alentadora. Solo hay un arma para cada soldado. Al segundo le entregan únicamente una carga de munición. 

Tras unos minutos al frente y a enfrentarse con los alemanes. Las refriegas dejan cientos de muertos, especialmente en el desarmado en parte bando soviético, y en parte, causado por la política de acabar con los que huyen. Se cumple el mandato: los cobardes y desertores serían fusilados sin importar el rango. 

En una pausa del combate urbano, otro joven Danilov, un oficial encargado de la propaganda soviética, repartiendo propaganda y tras un accidente descubre la capacidad como tirador del modesto pastor y convierte al sencillo soldado de los Urales en un héroe nacional tras salvarle la vida en la plaza roja de Stalingrado impresionado por su destreza con el fusil. 

Tras una serie de derrotas a manos de los alemanes, la Unión Soviética está al borde del colapso y la pérdida de Stalingrado podría asegurar a los alemanes la victoria final en el Caúcaso. El mismo Iósif Stalin envía a Nikita Jrushchov como Comisario Político para supervisar la defensa de la ciudad. El valiente ejemplo de Vasili, convenientemente realzado por Danilov, anima a las tropas a seguir la lucha contra unas fuerzas abrumadoramente superiores y a resistirlas a costa de pérdida abrumadora de soldados. La leyenda de Vasili Zaitsev va en ascenso, tanto por su pericia con el arma, como por sus camuflajes, así como por la desmoralización de oficiales y suboficiales alemanes que caen bajo sus balas. 

Un niño de nombre Sacha Fillipov reconoce al nuevo héroe soviético que está esquilmando a la oficialidad de manera sistemática. Sacha lo pone en contacto con la familia Fillipov, en cuyo seno vive Tania Chernova, una joven judía rusa con estudios de filosofía y de alemán. A esa casa llega igualmente Danilov. 

La familia Filipov vive en un sótano en Stalingrado junto a su hijo Sascha, visitada a menudo por Tanya. Estamos en Septiembre y el perímetro del frente alemán alrededor de la ciudad, medía 48 kilómetros de longitud. 

Sin embargo, Danilov mostrará pronto sus celos de Vassili, el hombre que ha creado cuando, en medio de la guerra, pues ambos se enamoran de Tania Chernova, una de las muchas intrépidas soldados que luchan al lado de los hombres. Tanya es una hermosa intérprete rusa del idioma alemán y además ésta elige a Zaitzev como su hombre. Tanya sin querer, desata una guerra personal entre Danilov y Zaitsev por su amor. Zaitsev , por su parte, desea luchar como un soldado normal, es sincero, paciente y se preocupa mucho por sus amigos.

Mientras tanto los alemanes se dan cuenta de que mientras Zaitsev siga vivo la moral de las tropas rusas no decaerá, por lo que envían a König, un noble alemán director de la escuela de francotiradores en Alemania. Antes de partir hacia Stalingrado, König y el general Friedrich Paulus discuten sobre si la toma de la ciudad es necesaria o no. Estamos ante la guerra entre ratas o Rattenkrieg. Para ambas fuerzas, la orden de no retroceder, ni rendirse, desató una lucha sin cuartel de calle en calle, que obligaba al enfrentamiento cuerpo a cuerpo con conquistas y retrocesos de casa en casa. No fue raro encontrar edificios donde una parte era ocupada por los rusos y otra por los alemanes. 

Al llegar a la ciudad, Vassili es alertado por sus dos compañeros de la llegada de un gran francotirador alemán. Ambos parten hacia un edificio en ruinas donde hay un francotirador, este francotirador es König y con una habilidad increíble mata a los compañeros de Zaitsev y este logra salvarse de milagro. Danilov le informa a Zaitsev de quien es ese francotirador. 

Zaitsev es casi proclamado héroe nacional por él mismo Nikita Jrushchov, sin embargo este solo le ve como un elemento para aumentar la moral de las tropas rusas. Danilov entonces le asigna un guardaespaldas a Zaitsev, un veterano francotirador que estudió con König en Zosen llamado Kulikov. Zaitsev y Kulikov acompañados de un soldado ruso llamado Volodya, buscan a König por las ruinas de Stalingrado. Kulikov le cuenta a Zaitsev que fue encarcelado y torturado más tarde, por cumplir lo que se le había asignado. Odia sin rubor a Stalin. Ambos serán descubiertos y alertan a König de su posición, este captura y tortura a Volodya para que le cuente su posición, pero este rehúsa y König lo usa de blanco. Entonces König continúa al acecho y mientras Zaitsev y Kulikov saltan por el hueco de un edificio, König abate a Kulikov. 

Entonces, Zaitsev se da cuenta de que ese francotirador alemán es muy superior a él y el mismo solo es una invención de Danilov, el cual está muy celoso por la relación que el y Tanya mantienen. Danilov desea quitarse de en medio a Zaitsev y lo envía a una misión suicida en una fábrica. Pero Zaitsev logra sobrevivir gracias a que se queda dormido y uno de ellos le quita la documentación. Los alemanes lo dan por muerto. 

König sabe que Zaitsev no está muerto y decide quedarse de incógnito en Stalingrado. En este momento nos enteramos que König es un noble y comandante de buena graduación, su hijo era teniente y murió en los primeros días de la batalla, fue llevado a Stalingrado para eliminar al francotirador soviético, Vassili Zaitsev.

König usando a Sascha, un niño contraespía ruso intenta averiguar todo lo posible sobre Zaitsev, pero cuando se da cuenta de que Sascha le está delatando, König lo ahorca. Entonces, Danilov y Tanya corren a avisar a la madre de Sascha para que huya de Stalingrado, dándole Danilov la falsa información de que se había ido a Alemania, decidió marcharse con un salvoconducto, pero mientras intentan evacuar a la madre, el impacto de un proyectil hiere gravemente a Tanya. Danilov corre a avisar a Zaitsev y la madre de Sascha logra con su salvoconducto que Tanya sea evacuada de la ciudad (no se sabe que ocurre con la madre de Sascha). 

 Entonces, Danilov se arrepiente de sus actos por celos y se hace servir de blanco para que Zaitsev descubra la posición de König, Danilov cae abatido, y König sale de su trinchera a buscar su cuerpo, pero es sorprendido por Zaitsev que está escondido en la fábrica Octubre Rojo al pie de la colina Mamaev Kurgan, el cual abate finalmente a König de un disparo en la cabeza, Zaitsev entrega el fusil de König a Danilov en muestra de afecto. 

Al final, se ve que Tanya no murió en el ataque y Zaitsev logra reencontrarse con ella mientras los rusos celebran la liberación de Stalingrado. 

La película está basada en un hecho real: el enfrentamiento entre el francotirador soviético Vasili Záitsev y otro alemán, el mayor König, durante la batalla de Stalingrado. Sin embargo, otra novela titulada The War of the Rats proporcionó elementos para crear el enfrentamiento relatado por el guión de la película. El objetivo de la película es describir el papel de la propaganda en ambos bandos durante la Segunda Guerra Mundial, utilizando la imagen del francotirador como una metáfora de la lucha entre ambos ejércitos. 

El filme fue criticado tanto en Rusia como en Occidente por tomarse muchas libertades con los hechos, en ambos su argumento y descripciones de sus personajes (especialmente Joseph Fiennes como Danilov, y Ed Harris como König) que difieren de los personajes y hechos reales. Sin embargo, las escenas donde el Ejército Rojo cruza el río Volga bajo el bombardeo alemán y el asalto a las líneas alemanas y las escenas en el desembarcadero han sido elogiadas. La película fue un éxito parcial de taquilla. 

 Es la producción europea más cara producida hasta la fecha con un presupuesto superior a los 100 millones de euros. 

La cita textual del filme que dice : Un héroe nunca elige su destino. Su destino lo elige a él. El título de la novela (y de la película) está inspirado en una cita de Cicerón: "Una nación puede sobrevivir a sus tontos y aun a sus ambiciosos, pero no puede sobrevivir a los traidores que se encuentran en ella misma. Un enemigo a las puertas es menos temible porque muestra sus banderas abiertamente en contra de la ciudad. Pero el traidor se mueve entre los que están a la puerta abiertamente, su murmullo se mueve desde los callejones hasta los pasillos del gobierno mismo." 

La puesta en escena y la ambientación de este film es una de las más logradas dentro del género bélico. Las ruinas de la Plaza Roja de Stalingrado, la maestranza ferroviaria, el cruce del Volga son escenarios muy logrados y tremendamente creíbles. 

El papel de Ed Harris como König está muy bien logrado y ha recibido buena acogida de la crítica especializada; lo mismo para Bob Hoskins como el coronel ruso Kruschev. La actuación secundaria de Hoskins como Nikita Jrushchov y de Fiennes como Danilov son meritorias, proyectando éste último, en su actuación, el estilo shakespeariano del cual es maestro. Notable es la actuación de Ed Harris como el mayor König, aunque proyecta en su papel un cierto dejo de bondad no acorde a la situación del momento y con el asesinato de Sascha, el niño doble-espía. 

La forma en la que ganó Zaitsev el duelo de francotiradores de la película contra el general König no se corresponde con la historia real. Zaitsev usó el casco de su amigo Kulikov como señuelo; cuando König se levantó a comprobar su tiro, Zaitsev lo abatió. Aunque Zaitsev y Tanya se reencuentran en un hospital de campaña al final de la película, Zaitsev y Tanya jamás volvieron a verse. Zaitsev siguió luchando, se marchó a vivir a Kiev cuando acabó la guerra y se casó con otra mujer. Tanya se marchó al este de Rusia donde, según se sabe, nunca dejó de amar a Zaitsev. 

Un dato curioso es que el videojuego de Call of Duty se basa parcialmente en el comienzo y otras escenas de esta película, cuando se desembarca en Stalingrado por ejemplo, en el videojuego, el protagonista solo recibe munición sin arma alguna, al igual que en la película con el protagonista Vassili, o durante la batalla en la plaza de Stalingrado se combate de forma muy similar a una escena equivalente de la película, se pueden encontrar varias escenas de marcada similitud con el film. Además, en la mision "Vendetta" de Call of Duty: World at War se es un francotirador en la batalla de Stalingrado. 

La película fue mal recibida en la antigua Unión Soviética. Algunos veteranos del Ejército Rojo Stalingrado se sintieron tan ofendidos por las datos imprecisos en la película y sobre el retrato sobre el Ejército Rojo que el 7 de mayo de 2001, poco después del estreno de la película en Rusia, expresaron su descontento en la Duma, exigiendo la prohibición de la película, pero su petición no fue satisfecha. 

Igualmente parece ser que tampoco fue bien recibida en Alemania. Los críticos alegaron que simplifica la historia y glorificado la guerra. En el festival de cine Berlinale, fue abucheado. Annaud declaró más tarde que no presentaría otra película en la Berlinale, calificándolo como un "matadero" y afirmando que su película recibió una recepción mucho mejor en otro lugar. 

En los Estados Unidos, la película recibió críticas mixtas, la queja más común incluso entre los comentarios positivos fue la inclusión de la innecesaria historia de amor que perjudicó a la trama principal. 

Roger Ebert en su diario de Chicago escribió que "se trata de dos hombres colocados en una situación en la que tienen que tratar de utilizar su inteligencia y habilidades para matarse uno a otro. Cuando Annaud se centra en eso, la película funciona con raras concentración. Por su parte, Peter Ranier del New York Magazine fue menos amable, y criticó de principio a fin la película. 

En España Miguel Ángel Palomo en el Diario El País afirmaba que "De modo paradójico, el filme gana en intensidad cuando el espectáculo está ausente (...) Su mayor acierto es aproximar a la estética del 'western' el duelo entre los francotiradores protagonistas." 

El escritor ruso-alemán Wladimir Kaminer criticó en un libro del año 2000, Kaminer critica cómo los soldados soviéticos se presentan como hooligans que se emborrachan y juegan a tirarse pedos. El historiador Antony Beevor sugiere en su libro, Stalingrado, que, si bien Zaitsev era una persona real, la historia de su duelo (dramatizado en la película) con König es ficticio. 

Zaitsev, en una entrevista afirma haber participado en un duelo de francotiradores durante varios días. Zaitsev reconoce que tras matar al francotirador alemán, y tras recoger sus etiquetas, se encontró con que había matado al jefe de la Escuela Sniper de Berlín.
De todos modos en este setenta aniversario de esta carnicería ya quedan pocos testimonios de testigos que la vivieron en sus carnes. Entre esos pocos supervivientes tenemos el caso de la enfermera Marina Rokhlina que podemos leer en el diario "El mundo".