The Big trail

Uno cree saber algo, pero no sabe nada o sabe bastante menos de lo que cree. Uno sabe que el western, género norteamericano por excelencia, tiene un punto de partida en una película y en un director. La película es The Great Train Robbery o Asalto y robo del tren, un cortometraje mudo estadounidense de 1903 dirigido, escrito, rodado, montado y producido por Edwin S. Porter para la The Thomas Edison Co. 

Tras ella el género floreció en torno a que integraba en su interior otros muchos géneros que podían ir desde la comedia ligera - hubo una The LittleTrain Robbery, que en este caso igualmente rueda el mismo Edwin S. Porter dos años después, en 1905.El género nació como una recreación nostálgica del Viejo Oeste en tiempo real, ya que la frontera estadounidense se había declarado "cerrada" apenas unos años antes, en 1890. 

Hasta 1930 podemos establecer algunas etapas en el western en función de las décadas. La primera, no llega a  década siquiera, y abarca de 1903 al año 1910 y sería la que podemos identificar como la del nacimiento y los primeros pasos de este género.

En esta primera etapa, el western se definía por cortometrajes mudos y rudimentarios. Eran películas filmadas principalmente en la Costa Este (Nueva Jersey) que buscaban el impacto visual y la acción rápida mediante asaltos y persecuciones. Estas películas pasan del teatro filmado al uso de montajes narrativos paralelos y rodajes en exteriores reales como se consigue en la primera y más significativa,  The Great Train Robbery (1903) que dirigida por Edwin S. Porter, es considerada el primer western de la historia. Introdujo el montaje paralelo y el icónico plano de un vaquero disparando directamente a la cámara. Las figuras destacadas de esta época son  Gilbert M. "Broncho Billy" Anderson, quien actuó en la película de Porter y se convirtió en la primera estrella del wéstern tras protagonizar cientos de cortos autoconclusivos, es decir, eran piezas audiovisuales de corta duración que cuenta una historia completa con un principio, un nudo y un final cerrados, sin necesidad de secuelas, explicaciones adicionales o continuaciones

La segunda década abarca desde 1910–1920. Estamos en plena madurez del cine mudo y las primeras superestrellas. La industria del cine se trasladó a California en busca de mejor clima y paisajes auténticos. El western empezó a ganar complejidad psicológica y a dividirse en dos vertientes: el entretenimiento puro y el realismo histórico

Los cortometrajes dieron paso a los largometrajes. Los personajes dejaron de ser arquetipos planos para mostrar dilemas morales que serán llevados a la gran pantalla por Thomas Ince, pionero en la producción en masa de westerns realistas, y un joven John Ford, que empezó a dirigir sus primeras películas mudas llenas de fuerza lírica, muchos de ellos interpretados por actores de la talla de William S. Hart que trajo un realismo descarnado al género con vaqueros que no eran perfectos; vestían ropa usada, los pueblos eran polvorientos y se enfocaba en la redención moral  visibles en películas como Hell's Hinges, 1916; o Tom Mix que representaba la antítesis de Hart al instaurar un western como espectáculo vistoso: trajes impecables, acrobacias increíbles sobre su caballo Tony y un tono de aventura ligera que definió al héroe de matinée. 

En la década que va de 1920–1930, que coincide con el nacimiento del cine sonido sincronizado en 1.927 con "El cantor de Jazz", se relatan las grandes epopeyas y la llegada del sonido. Durante los años 20, el western alcanzó su mayoría de edad con superproducciones de presupuestos millonarios que retrataban la construcción de la nación. A finales de la década, la llegada del cine sonoro planteó un reto técnico gigantesco

El género se volvió monumental, recreando la inmigración y los viajes en caravanas a gran escala. Sin embargo, entre 1928 y 1930, los micrófonos primitivos obligaron temporalmente a los directores a encerrarse en estudios, restando movilidad a las cámaras en el exterior.

Entre las películas clave están The Covered Wagon (1923), de James Cruze, una superproducción de escala épica sobre los pioneros que cruzaban el país; o de The Iron Horse (1924), de John Ford que narra con todo éxito la construcción de las vías del ferrocarril transcontinental; o In Old Arizona (1928), de Irving Cummings y Raoul Walsh el que vino a ser el primer gran western sonoro filmado en exteriores, que le valió un Óscar a Warner Baxter como el Cisco Kid. Lo cierto es que Walsh estuvo trabajando un largo tiempo en exteriores filmando el primer gran western sonoro protagonizado además por él mismo. Pero entonces sucedió el famoso accidente automovilístico que le hizo perder un ojo. De esta forma, mientras el sufrido realizador estaba hospitalizado, otro director (Irving Cummings) tomó las riendas del proyecto utilizando a otro actor como protagonista. El film resultante, En el Viejo Arizona (1928) fue un enorme éxito de taquilla. Walsh, haciendo honor a sus películas, era un hombre de acción, y lejos de lamentarse decidió resarcirse volviendo a la dirección tan pronto se recuperó con un gigantesco western que superaría en magnitud a En el Viejo Arizona. Se trataba de La Gran Jornada (1930).

Dos años después se extrena The Big Trail, el que sería el cuarto largometraje sonoro de Walsh, ambién conocido con el título de La gran jornada, una película del año 1930 dirigida por Raoul Walsh y Louis R. Loeffler siendo una de las películas fundamentales del western que presentaba además un formato innovador de 70 mm y con un tratamiento del sonido muy avanzado para la época. 

La película reúne todos los ingredientes clásicos del género convirtiéndose en un título fundamental para su evolución y presentando una fotografía que fue labor de Lucien Andriot y Arthur Edeson absolutamente magistral propia de aquellos grandes fotógrafos que retrataron la crisis del 29 y con un brillante montaje de Jack Dennis. 

El guion de la película era de Jack Peabody Marie Boyle Florence Postal Fred Serser Historia de Hal G. Evarts Residencia en El libro " La ruta de California y Oregón" de 1849 , de Francis Parkman, Jr. 

La película fue producida por Raoul Walsh para la Fox Film Corporation y tuvo una inversión de $1.250.000 

The Big Trail  dirigida por Raoul Walsh es una película épica estadounidense de 1930, un western pre -Código Hays filmado en locaciones del oeste americano. Protagonizada por John Wayne, de 23 años, en su primer papel protagónico, ya que anteriormente había participado como extra en 18 filmes, desde “Brown of Harvard” (1927) hasta “Cheer Up and Smile” (1930), en su gran mayoría sin aparecer en el reparto original. La película fue la última película que completó Tyrone Power Sr., el padre de Tyrone Power, antes de su muerte en 1931, así como su único papel sonoro. 

La historia se centra en un joven cowboy interpretado por John Wayne que debe dirigirse de viaje en un numeroso tren o caravana llevando a un numeroso grupo de colonos que cruza el país desde el Mississippi hasta el estado de Oregón. Se trata de una gran caravana de colonos intenta cruzar el oeste de Estados Unidos por la Ruta de Oregón . 

El protagonista es Breck Coleman, un joven trampero que acaba de regresar a Misuri tras sus viajes cerca de Santa Fe, buscando vengar la muerte de un viejo amigo trampero asesinado el invierno anterior en la Ruta de Santa Fe por Red Flack y su secuaz López, quienes le robaron sus pieles. 

En un gran puesto comercial propiedad de un hombre llamado Wellmore, Coleman ve a Flack y enseguida sospecha que es uno de los asesinos. Flack, a su vez, sospecha que Coleman sabe demasiado sobre el crimen. 

Un grupo numeroso de colonos le pide a Coleman que explore su caravana hacia el oeste, pero él se niega, hasta que descubre que Wellmore acaba de contratar a Flack y López para dirigir una caravana de bueyes a lo largo de la aún sin señalizar Ruta de Oregón hasta un puesto comercial en el norte del Territorio de Oregón (que en aquel entonces se extendía hasta la actual Columbia Británica), propiedad de otro comerciante de pieles de Misuri. 

Coleman acepta explorar el camino para vigilar a los villanos y eliminarlos en cuanto lleguen a su destino. La caravana de colonos en sus carretas cubiertas sigue al convoy de carretas tiradas por bueyes de Wellmore , siendo el primer grupo importante de colonos en dirigirse al oeste por la Ruta de Oregón. 

En el camino, la caravana es atacada por una horda de indios cheyennes a caballo, que llevan tocados. Coleman encuentra el amor con la joven Ruth Cameron, a quien besó accidentalmente, confundiéndola con otra persona. Reacia a aceptar su atracción por él, Ruth se acerca a un conocido de Flack, jugador empedernido que se unió a la expedición tras ser descubierto haciendo trampas.

 

Coleman y Flack deben guiar a los colonos hacia el oeste, mientras Flack hace todo lo posible por asesinar a Coleman antes de que encuentre pruebas de sus crímenes. La principal razón de los tres villanos para ir al oeste es evitar la horca por sus delitos anteriores, pero en cambio, reciben su merecido castigo. 

La expedición termina en un valle sin nombre, donde Coleman y Ruth finalmente se establecen juntos entre secuoyas gigantes. 

La película cuenta con la presencia de Andy Shufford, Doso Newrlton, Joan Blackman, Lucille.van Lent, Margueritte Churchill, Marjorie Leet y Russ Powell. 

Según se dice (la afirmación no está confirmada), el guion inicial, entonces llamado The Oregon Trail , se ofreció primero al director John Ford , quien luego se lo pasó a su amigo Raoul Walsh. La leyenda señala que inicialmente la película la debía protagonizar el mismo Raoul Walsh, pero unos meses antes perdió un ojo en un accidente de tráfico, por lo que desestimó protagonizarla. Con Gary Cooper se le disparaba el presupuesto, afortunadamente aún le quedaba un ojo sano y cuando John Ford le presentó a Marion Robert Morrison , supo que había encontrado a su protagonista. .

Para la película, Walsh empleó a 93 actores siendo el principal John Wayne como Breck Coleman y Marguerite Churchill como Ruth Cameron. Junto a ellos aparecen El Brendel como Gus, Tully Marshall como Zeke, Tyrone Power Sr. como Red Flack (identificado como Tyrone Power), David Rollins como Dave Cameron, Frederick Burton como Pa Bascom, Ian Keith como Bill Thorpe, Charles Stevens como López. En un breve papel aparece Ward Bond como Sid Bascom, Louise Carver como la suegra de Gus, Russ Powell como Windy Bill y William V. Mong como Wellmore . 

Además se utilizaron a hasta 725 nativos de cinco tribus indígenas diferentes. También obtuvo 185 carretas, 1800 vacas, 1400 caballos, 500 búfalos y 700 pollos, cerdos y perros para la producción de la película. 

El rodaje duró del 20 de abril al 20 de agosto de 1930, y se filmó en siete estados: Arizona, California, Idaho, Oregon, Montana, Utah y Wyoming en un recorrido de más de 3500 Km..  La película se rodó en un proceso de pantalla ancha primitivo llamado película Grandeur de 70 mm , que se usó por primera vez en la película Fox Movietone Follies de 1929.   Grandeur fue utilizada por Fox Film Corporation para un puñado de películas estrenadas en 1929 y 1930, de las cuales The Big Trail fue la última.  Grandeur resultó financieramente inviable para una industria que todavía invertía en la transición al cine sonoro. 

La escena del viaje de la caravana a través del país fue pionera en su uso de la cinematografía y la profundidad y perspectiva del paisaje épico. Se hizo un esfuerzo por dotar de autenticidad a la película, con las carretas tiradas por bueyes en lugar de caballos; se bajaban con cuerdas por los cañones cuando era necesario para ciertas tomas en valles estrechos. 

La ropa del personaje de Tyrone Power Sr., en su último papel y única peli sonora, luce realista y sucia, e incluso los suministros de alimentos que los "inmigrantes" llevaban consigo en sus carretas fueron investigados minuciosamente. Se utilizaron locaciones en cinco estados, desde Nuevo México hasta California , para filmar la travesía de 2000 millas (3200 km) de la caravana .  Las escenas finales filmadas en locación fueron una estampida de búfalos filmada cerca de Moiese, Montana 

Tras el rodaje, la película se proyectó en preestreno para un público selecto y se estrenó oficialmente en octubre de 1930. «A menudo, las escenas de la película», escribió Mordaunt Hall en The New York Times, «causan asombro por su naturalidad y belleza. Hay una tormenta eléctrica que parece tan real como la tierra, el agua y el cielo que se presentan a lo largo de la producción». Según Hall, en una secuencia que muestra un ataque de nativos americanos, «de repente parece como si uno fuera arrancado de su asiento y arrojado frente a los caballos que cargan, los cuales parecen precipitarse desde la pantalla y desaparecer en la oscuridad aterciopelada del teatro».

Tras el fracaso en taquilla de la película debido a que la Gran Depresión impidió que los cines invirtieran en tecnología de pantalla ancha, Wayne solo fue contratado para seriales y largometrajes de bajo presupuesto (principalmente wésterns de bajo presupuesto ); aunque su nombre aparecía en los créditos por encima del título en docenas de películas en la década de 1930. Gozaba de un gran número de seguidores, especialmente en el Sur, pero fue su papel en La diligencia (1939) lo que le permitió volver a ser un actor de renombre.

Más allá de la diferencia de formato, las versiones de 70 mm y 35 mm difieren sustancialmente entre sí. Se filmaron con cámaras diferentes, y el material de cada formato se editó por separado en la sala de montaje. Algunas escenas se filmaron simultáneamente con ambas cámaras, siendo la única diferencia el ángulo (generalmente se le daba el mejor ángulo a la cámara de 70 mm). Algunas escenas se filmaron primero con una cámara y luego se volvieron a filmar con la otra. Las cámaras de 70 mm no podían enfocar bien de cerca, por lo que sus tomas eran principalmente panorámicas con muy pocos primeros planos. Las cámaras de 35 mm podían acercarse y enfocar a distancias cortas. Así, las escenas en la versión de 70 mm podían mostrar a dos personajes hablando entre sí en la misma toma, aprovechando mejor el formato panorámico, mientras que la versión de 35 mm tendría primeros planos alternando entre los dos personajes. Esto pudo haber sido una decisión tanto artística como técnica. El director de fotografía responsable de la versión en 70 mm de la película, Arthur Edeson , escribió en el número de septiembre de 1930 de American Cinematographer : «La grandiosidad reduce considerablemente el número de primeros planos, ya que las figuras son mucho más grandes, por lo que los planos medios suelen ser suficientes» 

La versión panorámica solo se proyectó en un par de salas de Estados Unidos. Aunque se distribuyó una versión alternativa en 35mm, la película no recuperó su enorme presupuesto de más de 2 millones de dólares, lo que congeló el uso del formato panorámico en Hollywood durante dos décadasLo cierto es que ha sido una película olvidada durante muchos años, solo se vio en la versión convencional de 35 mm durante décadas. 

A principios de la década de 1980, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York , que poseía el negativo original de cámara de nitrato de 70 mm , deseaba preservar la película, pero descubrió que la descomposición del nitrato la había dejado demasiado encogida y frágil para ser copiada a película de seguridad , y que ningún laboratorio cinematográfico la tocaría. Durante un proyecto de un año de duración, Karl Malkames, un especialista en tecnología de restauración de películas, diseñó y construyó una impresora especial para preservar esta versión de la película.  La imagen del negativo original se transfirió a un máster anamórfico de 35 mm . 

Dave Kehr escribió para el Chicago Tribune en 1988: «La mayor riqueza de resolución y el brillo plateado que habrían proporcionado las copias de nitrato de 70 mm de primera generación solo pueden imaginarse. Y, sin embargo, The Big Trail sigue siendo una experiencia visualmente impactante» 

En 2006, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos consideró esta película "cultural, histórica o estéticamente significativa" y la seleccionó para su preservación en el Registro Nacional de Cine , afirmando que "la trama de una travesía por el Sendero de Oregón se ve enormemente favorecida por la majestuosidad que proporciona el proceso experimental de pantalla ancha Grandeur de 70 mm utilizado en el rodaje".  Los directivos de Fox le dijeron a Walsh que sus escenas iniciales eran las mejores filmadas en Hollywood hasta ese momento.

La película se presenta a una escala majestuosa y más aún con ausencia de trucajes digitales. Escenas como el descenso de carretas y ganado por acantilados escarpados o el cruce de ríos caudalosos siguen considerándose prodigios de la filmación en exteriores. A diferencia del cine posterior de ritmo frenético de Walsh, críticos como Fred Camper en el Chicago Reader o analistas en revistas de cine destacan su cualidad contemplativa. 

A través de planos generales inmensos, la película funciona casi como un documental ficcionalizado sobre la dureza extrema de los colonos americanos. Algunos críticos señalan que, si bien la recreación épica y las secuencias de acción son inmejorables, la trama melodramática secundaria (la historia de venganza y el romance predecible) resulta el eslabón más flojo y simple de la producción.

Fiebre de venganza

Raoul Walsh, Sedona y traiciones, venganza, odio, secuestros de mujeres, despecho, mentiras y un destino final encaminado a México. Todos estos ingredientes - y muchos más-  se dan en esta fantástica película en la que además Rock Hudson está en plena forma y en la que también están presentes en este western de la Columbia del año 1953 y producido por Lewis J. Rachmil cuanta con además Lee Marvin, Leo Gordon, Donna Reed- que ganaría eese mismo año el Oscar a la mejor actriz de reparto por su intervención en "De aquí a la eternidad"-, Bob Heron, Neville Brandy, Phil Carey, Phils Rawlins o Roberta Haynes como la bella Estela Morales. Todo ello es Gun Fury , un western, basado en la novela publicada en año anterior, 1952, Ten Against Caesar de Kathleen B. George y Robert A. Granger. 

La película nos cuenta la historia de una joven Jennifer Ballard (Donna Reed), una chica del sur que vio como su ciudad y su casa quedó arrasada con el famoso incendio de Atlanta durante la guerra de Secesión. 

Junto a ella en la diligencia van tres hombres más. Otro hombre del sur, concretamente de Richmond que lo perdió todo en la guerra y cuyo nombre es Frank ( Philip Carey) y otro que va dormitando llamado Jess (Leo Gordon) siendo el tercer acompañante un hombre con intereses en las minas de oro, Weatherby (Forrest Lewis). 

Durante el recorrido mientras se desplaza la diligencia hablan de como la banda de forajidos conocida como la banda de Slayton y Gordon, merodean por la zona. Frank, vemos que se muestra muy galante con Jennifer, aunque ella deja bien claro que realiza el viaje para encontrarse copn su novio y que viaja en diligencia para reunirse con su novio que tiene un rancho sito en California, donde desean contraer matrimonio y vivir en el rancho propiedad de Ben. 

En la primera parada que conocemos aparece en el hotel se persona el novio Ben Warren (Rock Hudson) que se adelanta a verla en Arizona. Tras tomar habitación salen a cenar y allí se vuelven a encontrar con los tres individuos que sacan a bailar a la chica afortunada. Mientras cenan vemos que las posturas ante el proceder para defender una granja o una idea difieren. Las experiencias de Warren durante la Guerra Civil estadounidense lo han convertido básicamente en un pacifista. No va armado y se niega a prestar la ayuda para defender una postura. Frente a esta postura, Slayton se muestra partidario de la acción violenta. 

A la mañana siguiente parte la misma diligencia con los mismos integrantes más Ben. Van escoltados por militares dada el temor a la banda de Slayton y Gordon, pero no son conscientes de que los dos integrantes principales de la banda son Frank y Jess que a las primeras de cambio ayudado por los bandidos disfrazados de escoltas militares se apoderan del oro, matan a Weatherby y a un militar que ciertamente lo escoltaba , hieren a Ben y secuestran a la aterrorizada chica. 

Después del asalto la famosa banda de forajidos de Frank Slayton abandona a Ben Warren al que dan por muerto y se marcha con su prometida. Warren tras recuperarse los sigue y van viendo sus huellas. Por lo pronto han parado en un casa en la que habita la novia de Stayton, un chica celosa llamada Estela Morales (Roberta Haynes), que al ver que Frank quiere ir a México con Jennifer pero no con ella, se enfada. Poco después, en una parada, intenta Frank sobrepasarse con Jennifer ante esto se interpone Jess que es golpeado y atado para morir de hambre y sed.

Mientras tanto, Ben, tras recuperase toma un caballo e inicia su persecución para intentan alcanzar a Jennifer y a la banda de Slayton antes de que crucen la frontera con México.

Cuando recorre el territorio en busca de aliados se encuentra con un Jess que está en condiciones penosas , pero lo ayuda y acuerda dar con Stayton y su banda. Buscan más gente en una bar , pero no consigue el apoyo de nadie. 

Después llegan a un pueblo cercano a la frontera mientras van siguiendo  a los huídos. Allí piden ayuda al marshall local pero ni él ni ninguno de los habitantes del pueblo con los que se encuentra está dispuesto a ayudar para acabar con el despiadado Slayton. Sin embargo, un indio que ha estado atento sí se va a sumar. Se trata de Johash (Pat Hogan), un indio con un rencor igualmente personal: su hermana fue secuestrada y asesinada por Slayton en circunstancias idénticas. 

Mientras continúa la persecución, este caballero del sur Slayton mata a tres miembros de su banda por delitos reales o imaginarios. Justo antes de la frontera mexicana, su banda se ve obligada a refugiarse en un pueblo fantasma. 

La habilidad letal de Johash con un rifle de francotirador corta la ruta de escape de la banda, como descubren fatalmente otros tres miembros de la banda. No sólo ellos sino que algunos como Blinky (Lee Marvin) se muestran extremadamente violento llegando incluso a disparar a Estela que sigue tras ellos. 

Warren coloca la única agua disponible en un espacio abierto y desafía a Slayton a que vaya a buscarla. Slayton se queda sin municiones y Warren finalmente gana una larga pelea a puñetazos que comienza en la cima de una colina empinada y progresa lenta y peligrosamente hasta el nivel del suelo. 

Pero gracias a Johash, que dispara su cuchillo sobre la espalda de Slayton logra el encuentro entre Warren y su prometida Jennifer Ballard que se besan al final. 

La película rodada integramente en mi querida Sedona, con su clásico e inconfundible roquedo rojo en el que destaca la Cathedral Rock, su bello Bosque Nacional de Coconino, de Río Verde y el Oak Creek Canyon, contó con la fotografía en Technicolor de Lester White que se rodó con idea de presentarla en 3D como se aprecia en algunas imágenes en las que se lanzar rocas, trozos de árboles,..., el montaje de Jerome Thoms y James Sweeney y la banda sonora de Mischa Bakaleinikoff y Arthur Morton. 

En cuanto la crítica destaco la publicada en el diario El País en la que plantearon un par de crónicas. La primera firmada por Fernando Morales que dijo de ella que "Aunque no se encuentre entre lo mejor de Walsh, un western menor que encierra algunas escenas de interés y un buen uso de exteriores, amén de un reparto protagonista muy en su papel" 

Miguel Ángel Palomo, por su parte, escribió que se tarat de un "Western que nace con vocación de menor, pero que en las manos del maestro Raoul Walsh se convierte en un prodigio de intensidad. El agreste paisaje de Arizona potencia su tono violento" 

Alberto Abuín ex crítico de la mítica web de cine afirmó que " 'Fiebre de venganza' ('Gun Fury', Raoul Walsh, 1953) es un título menor en la filmografía de su director, que siendo Walsh es una meta en la trayectoria de otros directores. Diálogos sosetes, extraordinario uso del paisaje y portentosa pelea final".

Se trata de una película llena de luchas y acción , con asaltos, persecuciones, enfrentamientos, luchas a puñetazos, peleas cruzadas, huidas, etc... resultando de todo ello un espectáculo lleno de tensión, brillo narrativo y emoción.

La película del centenaria del año: El ladrón de Bagdad

 

He visto la versión restaurada en 2012, una auténtica joya del cine mudo. The Thief of Bagdad es una de las películas mudas estadounidenses más representativas del año 1924, dirigida por Raoul Walsh. Fue producida por la Douglas Fairbanks Pictures y protagonizada por Douglas Fairbanks. Es una adaptación libre de Las mil y una noches, cuenta la historia de un ladrón que se enamora de la hija del califa de Bagdad. 

Fairbanks, llamado cariñosamente Doug, este espíritu este hombre hace pasado de la historia y a la leyenda del cine como el aventurero ideal. Su obra en concreto su participación en el ladrón de Bagdad es considerada una obra obrar maestra del cine de aventuras tal y como señala Terenci Moix en su gran historia del cine "Sus interpretaciones acreditan un estilo y se convierten en ejemplo emblemático de una forma de hacer cine que tenía la perfección artesanal y la inspiración popular como fin último. Su obra respira modernidad y esto hace se debe a que fue concebida por un espíritu que ya era moderno en su tiempo". Para el crítico catalán, "Doug es una apuesta segura por un estilo y por una perfecta adecuación física al prototipo que representaba". 

En este caso la frontera entre Douglas Fairbanks y el director, no está muy definida. La cierto es que Raoul Walsh dirigió más de un centenar de películas de los géneros más diversos, aunque destacó sobre todo como director de películas de aventuras. 

En 1912 debutó en la dirección, con la película Life of Villa, en la que el revolucionario mexicano Pancho Villa se interpretó a sí mismo. Poco después dirigió una secuencia de otro filme muy similar, La vida del general Villa; esta vez, el personaje de Pancho Villa fue interpretado por Walsh. 

En 1914 empezó a trabajar como asistente de dirección de D.W. Griffith, e interpretó el papel del asesino de Lincoln en el clásico El nacimiento de una nación (1915). Siguió con él incluso después de estrenar como director en 1916 His return ("Su retorno"). Su trabajo con Griffith llamó la atención de la Fox Film Company (futura 20th Century Fox), que lo contrató ese mismo año. 

Durante su época en el cine mudo, Walsh solía escribir los guiones de sus películas, y a menudo actuaba también en ellas como protagonista. Por esos años sirvió como oficial en el ejército de Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial. Raoul Walsh contrajo matrimonio en 1916, con Miriam Cooper, actriz habitual de Griffith en títulos como Intolerancia, con la que adoptó a dos hijos, antes de divorciarse diez años más tarde. Posteriormente estaría unido a Lorraine Miller y Mary Simpson, ajenas al mundo del cine.

Destacan entre sus obras de esta época una de las primeras películas de gánsteres de la historia del cine, Regeneration (1915), así como una obra maestra indiscutible, la innovadora y espectacular El ladrón de Bagdad (1924), interpretada por Douglas Fairbanks y Anna May Wong, que alcanzó un enorme éxito por su desbordante fantasía y su imaginativa escenografía, cercana a veces al expresionismo del cine alemán. La película, además, experimentaba con el color tintando algunas de sus escenas. 

Bastante insólita en su filmografía, en general consagrada al cine de acción, es Evangeline (1919), basada en un poema de Longfellow, uno de los pocos filmes de su producción con pretensiones artísticas y que no tuvo demasiado éxito de público, todo lo contrario que su comedia romántica What Price Glory? (1926), uno de sus grandes éxitos. Por desgracia, muchas de sus películas mudas se han perdido irremisiblemente. 

En el año 1924 Walsh contó como ayudante de dirección con James T. O'Donohoe. Tuvo como persona encargada de la dirección artística a William Cameron Menzies. La historia sigue el guion de Achmed Abdullah y Lotta Woods. 

Pero, con todo, Fairbanks intervenía de manera tan activa en la preparación de sus filmes que es difícil descartarlo del resultado final. Casi toda su obra es producto de su empeño personal y del talento de sus directores. Quería transmitir una visión del mundo y se valían de un director para organizarla. 

De esta voluntad nos quedan algunos testimonios tan valiosos como las películas. Son fotografías de rodaje es en las que el actor aparece atribuyéndose las funciones del director, cuando ya se había atribuido las de organizador general. Incluso la cuestión del decorado fundamental en esta película parece un invento suyo que hubiese sido transmitido con todo detalle a un colaborador o decorador como fue William Cameron Menzies. 

En 1924, Douglas Fairbanks había regresado de uno de sus viajes por Europa profundamente impresionado por la innovaciones escénicas de la escuela de directores alemanes y muy especialmente del expresionismo arquitectónico de Friz Lang. 

Llevado por su entusiasmo compró la película "Las tres luces (1921)" para su distribución en los Estados Unidos pero llevado por sus intereses prohibió su difusión hasta después del estreno de su proyecto inmediato que era precisamente el ladrón de Bagdad. 

Entre las principales deudas que el actor contrajo con los expresionistas alemanes figura la aplicación al decorado de algunos conceptos geométricos y arquitectónicos tal era la idea de verticalidad adoptada y a un exagerada tanto para los interiores de películas como Robin de los bosques o en El ladrón de Bagdad. 

La película contó con la música de Mortimer Wilson, - inaugurando así la lista de grandes músicos que han aceptado componer para la pantalla- el maquillaje de Paul Burns, la fotografía de Arthur Edeson, el montaje de William Nolan, la escenografía de Lotta Woods, el vestuario de Mitchell Leisen y la avanzados efectos especiales fueron por parte de Hampton Del Ruth. 

La historia parte de las Mil y una noches, pero vista a través de Fairbanks. El personaje central es Ahmed (Douglas Fairbanks), un hábil e ingenioso ladrón que deambula despreocupadamente por las calles de Bagdad, escenario de sus múltiples y exitosas raterías. Es un hombre feliz, pues todo lo que quiere lo consigue. Al entrar en una mezquita, le dice un hombre que desdeña su religión ya que su filosofía es: "Lo que quiero, lo tomo". 

Un día, él y su socio, Abu (Snitz Edwards) deciden robar en el palacio del califa. Por la noche, Ahmed escala los altos muros con la ayuda de una cuerda mágica que robó durante las oraciones rituales, mientras su socio le espera fuera. 

Consigue acceder al lugar donde se guarda un gran tesoro, pero tras ver dormida a la princesa (Julianne Johnston) se enamora de ella. 

Todos los pensamientos de saqueo se olvidan cuando ve a la princesa dormida, la hija del califa. Una esclava mongola (Anna May Wong) le descubre y da la voz de alarma, pero Ahmed logra huir. 

Cuando su socio Abu le recuerda al desconsolado Ahmed que un ladrón del pasado robó a otra princesa durante el reinado de Haroun al-Rashid, Ahmed se propone hacer lo mismo. 

Al día siguiente, es el cumpleaños de la princesa, y se anuncia con gran pompa por parte del califa (Brandon Hurst) la futura boda de su hija y la llegada en breve de los principales príncipes de Asia para que la novia elija entre ellos: el príncipe de Persia (Mathilde Comont), el príncipe de la India (Noble Johnson) y el príncipe Mongol Cham Shang (Sojin Kamiyama). Este, sin que nadie lo sepa,  tiene la intención de apoderarse de la ciudad para añadirla a sus dominios. 

Otro de los esclavos de la princesa predice que se casará con el hombre que toque por primera vez un rosal de su jardín. La princesa observa ansiosamente cómo pasan junto al rosal primero el ceñudo Príncipe de las Indias, luego el obeso Príncipe de Persia y finalmente el Príncipe de los Mongoles. 

La mera visión del mongol llena de miedo a la princesa, pero cuando aparece Ahmed (disfrazado de pretendiente con ropas robadas), ella queda encantada. La esclava mongol le cuenta la profecía a su compatriota, pero antes de que pueda tocar el rosal, el asustado caballo de Ahmed arroja a su jinete hacia él. Ahmed, ayudado por Abu, se hace pasar por un príncipe y es elegido por la princesa, pero en un acceso de sinceridad le confiesa a ella su verdadera identidad y su amor por ella. Esa noche, siguiendo una antigua costumbre, la princesa elige a Ahmed como marido. Por amor, Ahmed abandona su plan de secuestrarla y se lo confiesa todo en privado. 

El príncipe mongol se entera por su espía, el esclavo mongol de la princesa, que Ahmed es un ladrón común e informa al califa. Ahmed es azotado sin piedad y el califa ordena que un simio gigante lo destroce, pero la princesa soborna a los guardias para que lo dejen ir. La esclava mongola lo reconoce y lo delata. Es castigado a ser , primero, despedazado por un simio y, luego, azotado antes de morir, pero salva la vida gracias a la princesa. 

El califa obliga a su hija a volver a elegir entre los pretendientes. Para ganar tiempo, la princesa le propone a su padre que los envíe a tierras lejanas en busca de un tesoro, y que vuelvan al cabo de siete lunas. Quien traiga el tesoro más extraño y maravilloso será el elegido. Cuando el califa insiste en que elija otro marido, su leal esclavo le aconseja que lo posponga. 

Ella pide que cada uno de los príncipes le traiga un regalo después de "siete lunas"; se casará con el que le traiga lo más raro. Desesperado, Ahmed se dirige al santo. Le dice al ladrón que se convierta en príncipe, revelándole el peligroso camino hacia un gran tesoro. Ahmed, que siempre había sido escéptico en materia religiosa, acude a la mezquita y consulta su situación con un hombre santo (Charles Belcher), quien le dice que hay que luchar por la felicidad y que debe ser él mismo quien conquiste su destino. 

Ahmed partirá para poder conseguir un valioso tesoro y así poder casarse con la princesa. Pero en su camino deberá pasar graves situaciones de peligro y vivirá extraordinarias y fantásticas aventuras. 

Los regalos espectaculares van apareciendo. El Príncipe de Indias obtiene una bola de cristal mágica del ojo de un ídolo gigante, que muestra todo lo que quiere ver, mientras que el Príncipe Persa compra una alfombra voladora. 

El príncipe mongol que ha conseguido una manzana que cura toda las enfermedades, deja atrás a su secuaz y le dice que organice a los soldados que enviará a Bagdad disfrazados de porteadores. 

Después de poner sus manos en una manzana dorada mágica que tiene el poder de curar cualquier cosa, incluso la muerte, envía un mensaje al esclavo mongol. envenenar a la princesa. 

Después de muchas aventuras, Ahmed obtiene una capa de invisibilidad y un pequeño cofre con polvos mágicos que se convierte en lo que quiera cuando lo rocía. 

Corre de regreso a la ciudad. Los tres príncipes se reúnen según lo acordado en un caravasar antes de regresar a Bagdad. El mongol le pide al indio que compruebe si la princesa los ha estado esperando. Descubren que está al borde de la muerte y viajan sobre la alfombra voladora para alcanzarla. Entonces el mongol usa la manzana para curarla. 

Los pretendientes discuten sobre qué regalo es el más raro, pero la princesa señala que sin ningún regalo, los dos restantes habrían sido inútiles para salvarla. Su fiel esclavo le muestra a Ahmed en la bola de cristal, por lo que la princesa convence a su padre para que delibera cuidadosamente sobre su futuro yerno. 

El príncipe mongol decide no esperar, desata su ejército secreto esa noche y captura Bagdad. Ahmed llega a la puerta de la ciudad, cerrada y defendida por los mongoles. Cuando conjura un gran ejército con su pólvora, los soldados mongoles huyen. El príncipe mongol está a punto de que uno de sus soldados lo mate cuando el esclavo mongol le sugiere escapar con la princesa en la alfombra voladora. 

Ahmed libera la ciudad y rescata a la princesa, usando su capa de invisibilidad para atravesar a los mongoles que custodian a su príncipe. En agradecimiento, el califa le entrega a su hija en matrimonio acabando así la aventura. 

La película fue estrenada en Nueva York hace poco más de cien años, el 18 de marzo de 1924. 

El ladrón de Bagdad fue una de las películas más caras de la década de 1920. El director artístico William C. Menzies construyó la ciudad de Bagdad en una parcela de unas tres hectáreas (la mayor de la historia de Hollywood). Algunos de los trucos empleados en la película fueron copiados de la película alemana Las tres luces, dirigida por Fritz Lang.

Fairbanks consideraba que esta era la favorita de sus películas, según su hijo. La imaginativa gimnasia le sentaba bien a la estrella del atletismo, cuyos movimientos "gatunos, aparentemente sin esfuerzo" eran tanto danza como gimnasia. 

La película, fuerte en efectos especiales (alfombra voladora, cuerda mágica y monstruos temibles) y con enormes escenarios de estilo árabe, también resultó ser un trampolín para Anna May Wong, quien interpretó a una traidora esclava mongol. La campaña publicitaria en la que ella sale es simplemente espectacular.

Fairbanks buscó hacer una auténtica epopeya. Lujosamente escenificada en un estudio de Hollywood, a un costo estimado de 1.135.654,65 dólares, aunque yo he leído que fueron 2 millones los invertidos. El ladrón de Bagdad fue una de las películas más caras de la década de 1920. 

El director de arte William Cameron Menzies fue en gran parte responsable del diseño de producción, siguiendo de cerca los requisitos establecidos por Fairbanks, quien actuó como escritor, productor y protagonista. 

La meticulosa atención de Fairbanks al detalle, así como las complejas imágenes visuales, requirieron el uso de efectos especiales de última generación, como una cuerda mágica, un caballo volador, una alfombra voladora y decorados de palacio a gran escala. 

En 1926, la revista japonesa Kinema Junpo eligió esta película como la mejor en materia de entretenimiento. 

En 1996, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry El 17 de junio de 2008 se dieron a conocer por el American Film Institute (AFI) diez listas de distintos géneros, cada una de ellas compuesta por diez películas. En el apartado de películas fantásticas, El ladrón de Bagdad quedó en noveno lugar. 

El ladrón de Bagdad es ahora ampliamente considerada una de las grandes películas mudas y la mejor obra de Fairbanks. El biógrafo de Fairbanks, Jeffrey Vance, escribe que se trata de "Una épica y romántica aventura de fantasía inspirada en varios de los cuentos de Las mil y una noches, El ladrón de Bagdad es el mayor triunfo artístico de la carrera de Fairbanks. El magnífico diseño visual, el espectáculo, el esplendor imaginativo y los efectos visuales, junto con con su valiente actuación (liderando un elenco de literalmente miles de personas), todo contribuye a hacer de esta su obra maestra". 

Glenn Erickson en el DVD sobre la película elogió la película comenta que "Cada época tiene sus entretenimientos maravillosos, y El ladrón de Bagdad de 1924 transportó al público a un nuevo nivel de fantasía imaginativa. Tenía la estrella más grande de la época en una producción que eclipsaba todo lo que nadie había visto... Tiene escenarios más grandes que los de Intolerancia y escenas de multitudes disfrazadas para rivalizar con los enormes espectáculos italianos de la época. Además, la película está repleta de elaborados efectos especiales, muchos de los cuales todavía tienen el poder de impresionar. ... Algunos críticos prefieren las primeras aventuras modernas de Douglas Fairbanks a las epopeyas de disfraces de sus veintes, pero esta película deslumbrante todavía sorprende a la gente. En pocas palabras, el diseño y la ejecución general de la producción (escenografía, vestuario, iluminación, efectos especiales) están tan estrechamente coordinados que la ilusión de grandeza es completa". 

Darragh O'Donoghue en un artículo sobre la película en Senses of Cinema opina que: "El primer carrete ofrece una de las alegrías más puras que el cine mudo puede ofrecer... Mientras que inicialmente había una equivalencia satisfactoria entre las discretas aventuras de Ahmed como un ladrón psicológicamente plausible en la Mesopotamia medieval y Ahmed como una figura universal de hombre común, en  los últimos dos tercios de la película, la superestructura distintiva anterior da paso a una especie de Progreso del Peregrino en el drag orientalista... Las secuencias de aventuras están escenificadas como cuadros de feria y no tienen el interés en el proceso físico o la inversión emocional que hicieron las primeras películas. tan emocionante... Después de prometer un sueño, esta gran pero defectuosa película finalmente hace que su audiencia se duerma".

Para Terenci Moix es " una de las películas más deslumbrantes del universo visual del siglo XX y para el que el actor contaba también con experiencia previas como es la visión orientalista de en "Sumurum" y "La mujer del faraón" , y también con el concepto de deformación del espacio real por medio de las luces típico del expresionismo en general. En manos de Menzies, estas experiencias dieron lugar a un universo donde reina la fábula y el delirio; una muestra de orientalia que se proclama autónoma y deliciosamente pintoresca al mismo tiempo con su reza sabios denso ensueño romántico del siglo 19 y sus atisbos de la estética art decó". 

Añadió el crítico catalán que este decorativismo llevado a puntos tan rigurosos que amenazaban con ahogar la espontaneidad del filme, nos sorprende todavía hoy por lo que tiene de estrecha identificación con el estilo interpretativo del productor protagonista. Sin renunciar a su simpatía desbordante y a su arrolladora humanidad. Doug consigue convertirse en una parte más del decorado y cada uno de sus movimientos resulta un prodigio de ritmo que si bien se ha visto en su firmes anteriores adquiera aquí su mayor significado como si hubiese conseguido alcanzar la abstracción total. Es así como el héroe el aventurero el saltimbanqui se convierte en danzarín y finalmente en estilista uno de los mejores que ha tenido el séptimo arte. 

Con esta película y otras de este productor director y actor, se consigue el prodigio del arte de entretener que responde en última instancia a la personalidad del soñador empedernido que se permite realizar en la pantalla todo tipo de quimeras alimentadas por una imaginación desbordante. 

En este sentido Douglas Fairbanks, hijo, declaró en cierta ocasión que su padre fue durante toda su vida un Peter Pan que convirtió en obras maestras de la ficción su voluntad de no hacerse adulto. Gracias a él este arte nuevo, ese entretenimiento gozoso, se convierte en un reclamo de un país de nunca jamás frecuentado por todos los soñadores del siglo XX. 

Camino de la horca

TCM ha apostado por rendir homenaje a la Warner Brothers en su centenario. Entre lo mucho y bueno que ha programado está este western de Raoul Walsh del año 1951 titulado Along The Great Divide o Camino de la horca y que cuenta con Kirk Douglas en el que fue el primer western que protagonizó, y la única película que hizo a las órdenes de Raoul Walsh. Con un guion escrito a cuatro manos por Walter Donigery Lewis Meltzer, con música de David Buttolph y la fotografía de Sidney Hickox descubro esta joya.  

La película cuenta como el Marshall Lee Merrick (Kirk Douglas), tras ser avisado por uno de sus hombres, salva de un linchamiento a Timothy “Pop” Keith (Walter Brennan) un presunto cuatrero y asesino. Es el padre del finado un ranchero, Ned Roden (Morris Ankrum ) , cuyo amado hijo recibió un disparo en la espalda. Es él , el que acusa a este pobre agricultor instalado en un área bastante reseca de matar al hijo de un importante y poderoso terrateniente, además de robarles el ganado.

Los otros rancheros no están dispuestos a enfrentarse a un marshall, pero Roden promete administrar su propia justicia. Envía a su otro hijo, Dan (James Anderson ), a reunir a los peones del rancho mientras él se ocupa del entierro. Merrick se ofrece a ayudar, pero se encuentra con una hostilidad implacable. Los que le van a linchar prometen hacerlo y les dicen que no cegarán en su empeño. 

El marshall prefiere que se haga justicia mediante un juicio legal y quiere escoltar a un hombre (Walter Brennan), primero a su rancho, aunque se desvía previamente para ver la zona en la que murió el hijo del ganadero, aunque momentos antes de llegar observa como el padre y el hermano se llevan el cuerpo. No obstante, el descubre en la zona, un reloj, posiblemente del muerto. Cuando se dirige a la granja de Keith es recibido a tiros. 

Tanto él, como sus dos ayudante se protegen de un tirador que resulta ser la hija de Keith , Ann (Virginia Mayo). A esta por petición de su padre le oculta que Keith está acusado de un crimen que dice no haber cometido. 

Merrick decide trasladar a Keith hasta una localidad fronteriza de Santa Loma en la que será sometido a un juicio justo. Merrick puede desarmarla a la hija en un nuevo intento por liberar a su padre sin causarle daño. Cuando se van, Ann decide ir con ellos. 

Antes de salir,  y al poco de iniciar la cena recibe la visita de los hombres que acompañaban al ganadero. los compañeros ganaderos que han conocido antes le advierten de las intenciones de Roden,

Merrick decide tomar una ruta inesperada en el desierto, donde puede ver si lo están siguiendo. Sin embargo, la táctica falla y Roden y sus hombres superan al grupo. El padre del muerto los perseguirá a través del desierto para vengar el fallecimiento de su hijo. 

Merrick ahora se preocupará de llevar a Keith ante la ley para que reciba un juicio justo; pero no se lo pondrán fácil aquellos que sólo quieren ver colgado a un hombre en razón de la llamada justicia justiciera. 

El excesivo interés de Merrick por salvar de un linchamiento a un hombre va más allá de querer hacer cumplir la ley. Su sentido de la justicia está condicionado por su drama personal. Por ese que confiesa a la chica cuando le dice que la razón de todo está que que su padre, que también fue marshall, murió linchando cuando protegía a un delincuente y él se negó a ayudar a escoltar a dos prisioneros. Los tres fueron linchados. 

Ann simpatiza, pero le advierte que su primera lealtad es hacia su padre.. No quiere que eso vuelva a ocurrir como le cuenta Merrick a la chica ante la tumba de su ayudante y amigo, Billy Shear (John Agar ) en uno de los múltiples ataques que el grupo integrado inicialmente por los tres agentes de la justicia así como Keith padre e hija, van a ir sufriendo. Confiesa así sus miedos. Merrick y Ann comienzan a enamorarse.

Mientras tanto, Dan convence al otro ayudante, Lou Gray (Ray Teal), para que lo ayude a escapar mediante el soborno dándole un rancho. 

Cuando el grupo llega a un pozo de agua, solo para encontrar el agua no potable, estalla un desacuerdo. Todos menos Merrick quieren ir a un río medio día hacia el sur. Preocupado porque el río está en la frontera con México, Merrick insiste en continuar hasta Santa Loma. 

Gray saca rápidamente su arma, sin embargo, pero Merrick es más rápido y la dispara. Ahora, tiene que lidiar con tres prisioneros. 

Después de dos días sin dormir, Merrick, exhausto, se cae de su caballo. Keith agarra su arma, pero no está dispuesto a disparar. Cuando Gray va por su rifle, Keith lo mata y luego le devuelve el arma a Merrick.

Keith es juzgado en Santa Loma. Merrick le dice al jurado que está seguro de que Keith no es un asesino, aunque todas las pruebas y los testigos están en su contra cuando se llega a un veredicto de culpabilidad. 

Justo antes de que ahorquen a Keith, Merrick se da cuenta de que el reloj que encontró en el cuerpo del hermano muerto tiene una inscripción para Dan. Ante la prueba de que había matado a su propio hermano, Dan saca su revólver y agarra a Ann como escudo. 

Cuando su padre se acerca, Dan lo mata y luego regresa corriendo al granero donde se produce un tiroteo entre él y Merrick, luego, después de un tiempo, Dan sale del granero desde el siguiente nivel y salta sobre la parte trasera de un caballo tratando de escapar pero recibe un disparo en la espalda, al igual que su hermano, por Merrick, acabando así la película. 

Alberto Abuín en blog de cine - ahora espinof- escribe que " En la propia autobiografía del actor se puede leer que el mismo no estaba demasiado satisfecho con ‘Camino de la horca’ ni con el propio Walsh". Es más, en una entrevista de 1986 con David Letterman, fue una de las dos películas que Kirk le dijo a la audiencia que "podrían omitir" en su filmografía; el otro era Los grandes árboles. El crítico y actor gallego añade que se trata de "un sólido western que va directo al grano, lleno de violencia, con un encomiable sentido del ritmo, algo en lo que Walsh demostró ser de los mejores". 

Francisco Marinero en el El Mundo escribió sobre ella que " Con una historia que sobre el papel ofrecía pocas novedades, Walsh y sus guionistas demostraron que en el western se podían hacer obras admirables sin apartarse de las reglas del género, buscando sus esencias (...) Walsh saca todo el partido a los exteriores y hace un relato económico que mantiene la tensión en todo momento". 

En ABC Play se señala que " Raoul Walsh, considerado uno de los grandes directores de la época dorada de Hollywood gracias a títulos como "Murieron con las botas puestas" o "El ladrón de Bagdad", firma este clásico western que protagoniza Kirk Douglas. La película contiene todos los rasgos característicos del estilo de su realizador: pulso narrativo enérgico, manejo inteligente de los escenarios y habilidad en el montaje.".

Para acabar diré que la película fue rodada entre octubre y noviembre de 1950 en California, principalemente , en concreto en las Alabama Hills de Lone Pine, en el Desierto del Mojave - tanto en territorio de California como Arizona , en las Montañas californianas de Sierra Madre así como en Yuma, Arizona, , así como en los Warner Brothers Burbank Studios, todo ello bajo la producción de Anthony Veiller para la warner y que contiene una gran fotografía de Sidney Hickox. Gran iniciativa por cierto la de TCM con el centenario de la Warner. Feliz centenario. 

Una trompeta lejana

 

EC: En construcción

Montana

Yo soy un enamorado de Montana. El estado del tesoro (The Treasure State) , de la Plata y el Oro o El País del Gran Cielo ( The Big Sky Country ) es uno de los espacios más impresionantes que he visto en mi vida. Un lugar en el que mientras juegas al fútbol los ciervos invaden el campo. Un estado lleno de Montañas, ríos, población nativa americana, en el que las personas tienen un punto de amabilidad y generosidad que impresiona. Montana , o mejor dicho, parte de la historia de Montana está ligado al ganado. Y la película del año 1950 que lleva como título el nombre de estado va precisamente de esto. 

Se trata de una película baja la dirección de dos personas, una acreditada, Ray Enright, la otra, no: Raoul Walsh. Enright era un hombre de la Warner Bros. Dirigió 73 películas entre 1927 y 1953, muchas de ellas comedias que supervisó para la gloria de Joe E. Brown, Joan Blondell y Glenda Farrell . 

Desde los años 40 , a pesar de haber trabajado con grandes como Humphrey Bogart, Dick Powell, Olivia de Havilland, así como Jane Wyman y Ronald Reagan , lo encontramos en westerns. Sin embargo, Montana ha sido atribuida a uno de los clásicos de Hollywood y del western como Raoul Walsh. 

La película parte de un guion por un guionista de peso como James R. Webb, uno de los grandes especialistas del género, autor de “El gran combate” para John Ford, 1964, junto a Borden Chase responsable que fue del guion de “Río rojo”, para Howard Hawks, 1948, al que también se unió Charles O'Neal partiendo de una historia escrita por Ernest Haycox. 

La película cuenta con la música de David Buttolph y la fotografía de Karl Freund. 

El elenco lo encabeza Errol Flynn como Morgan Lane y Alexis Smith como Maria Singleton siendo la cuarta película y última vez que hicieron en la pantalla como pareja de actor. Junto a ellos aparecen Douglas Kennedy como Rod, Ian MacDonald como Reeves, Lester Matthews como Forsythe y Lane Chandler como Sheriff Jake Overby. Junto a ellos aparecen veteranos de la talla de S.Z. Sakall como Papa Schultz , James Brown, Charles Irwin, Paul E. Burns, Tudor Owen, Lester Matthews. 

La película comienza en 1979 con un narrador que nos habla de las dificultades en la conquista de este territorio del oeste, que se integraría en la Unión en 1889, y que combina pastos en las montañas y valles y que presenta un imponente naturaleza , contra la que hubo que luchar al igual que con los nativos, pero también entre hombres que se enfrentaron en el territorio de Montana por el pastoreo de ganado vacuno contra ovejas, así como el enfrentamiento entre los grandes terratenientes ganaderos y a los pequeños propietarios a causa de intereses distintos.

En esa batalla hubo muchas bajas, pero los que más sufrieron fueron los pastores de ovejas que se encontraron con el veto de los ganaderos que creían que en aquellos lugares donde aparecía la ganadería ovina acababa las posibilidades de la ganadería vacuna. Así que muchos ovejeros fueron expulsados. En una de las secuencias iniciales se muestra un cementerio en plena llanura que reúne a víctimas de ambos bandos. 

Tras esto vemos la llegada en 1871 a las praderas de Montana de uno de estos ganaderos. Se trata de Morgan Lane (Errol Flynn), un ovejero y antiguo marino australiano que llega a los territorios ganaderos de Montana buscando nuevos y buenos pastos y con el deseo de rendir homenaje a su padre, antiguo ovejero, que en el pasado fue expulsado del territorio por los caciques del lugar. Busca un destino para sus ovejas que le han acompañado desde Texas. Va acompañado de sus hombres, en gran medida hispanos. 

Morgan Lane y sus hombres se encuentran con un letrero que declara que los pastores de ovejas que crucen un determinado punto serán asesinados si pisan las llanuras circundantes son estrictamente para el pastoreo de ganado. Morgan y su carretero celebran la llegada al territorio con una botella de whyskie junto a sus hombres mientras acampan para pasar la noche justo antes de la frontera. Sin embargo, durante la noche, una grupo de hombres armados que trabajan para los criadores de ganado vacuno se personan por sorpresa y atacan el rebaño matando a muchos animales, pero también matan a tiros a un joven vigilante español de nombre Miguel que estaba desarmado. 

A la mañana siguiente, después de que Morgan y sus hombres entierren el cuerpo de Miguel, aparece con su carromato un vendedor ambulante conocido como Papa Schultz (S. Z. Sakall). Morgan obliga a Papa Shultz a fingir que son socios para cuando lleguen a la ciudad. A la misma van juntos. 

La intención de Morgan es descubrir quiénes son los que mandan en la ciudad en el área de Fort Humbolt . Allí Morgan además quiere saber para quién trabajan los asesinos de Miguel. En la ciudad se hace pasar por un elegante vendedor ambulante y descubre a la banda de asesinos en el salón. Ellos sospechan del hombre, un recién llegado a la ciudad. 

El matón Slim Reeves (Ian MacDonald ) lo desafía a un duelo de pistola. Slim intenta hacer trampa al intentar disparar antes de que terminen de contar hasta tres, pero Morgan demuestra sus habilidades disparando en la mano que porta el arma. 

Tras el incidente, Morgan descubre que hay tres terratenientes principales en el área. Los dos principales son la ganadera Maria Singleton (Alexis Smith) y su prometido Rodney "Rod" Ackroyd ( Douglas Kennedy ), quienes se oponen con vehemencia a los pastores de ovejas en su área. El tercero es un hombre llamado George Forsythe (Lester Matthews ). 

Una vez que maneja esa información, Morgan se dirige al rancho de Alexis Singleton con una guitarra como regalo para María. Nada mas conocerse hay un regalo, una guitarra, y un flechazo. De hecho ambos cantan juntos. Por su parte, Rod sospecha de Morgan y está de mal humor pues un caballo sin domeñar y sin domar. Morgan se entera que seis años atrás, en 1873, las familias Singleton y Ackroyd sostuvieron una guerra de exterminio contra inmigrantes ovejeros, con bajas por ambos bandos, como las del padre y hermano de María Singleton y las del padre y hermano de Rod Ackroyd, en el sangriento enfrentamiento de julio de ese año. 

María invita a Morgan a unirse a ellos para una cena y Morgan les revela que desea comprar algunas de sus tierras. Creen que las quiere para el pastoreo de ganado vacuno, y Rod apuesta con él por la tierra: si Morgan puede permanecer en el caballo salvaje durante exactamente un minuto, puede quedarse con la tierra. Para que Morgan no lo consiga, Slim, la mano derecha de Rod, corta el estribo para que Morgan se caiga del caballo unos segundos antes del minuto. María, sintiendo lástima por Morgan, le ofrece alquilarle un pedazo de su tierra que habría pertenecido a su hermano fallecido. 

Durante la noche, Morgan ya con el ofrecimiento de Alexis, reúne a los ganaderos minoritarios en el área y solicita la ayuda del banquero Forsythe para pelear en una nueva guerra con los dueños del ganado. Forsythe invita a todos a su casa para una fiesta y anuncia sus intenciones de apoyar a Morgan. 

En la misma, María descubre en ese momento que Morgan es un ovejero y se siente dolida por su engaño y él rompe el contrato de arrendamiento y se lo devuelve. Ella comparte un beso con él, y aunque él le pide que comprenda que las dos ganaderias son compatibles como ha visto él en México, pero luego le dice que él tiene la intención de librar una guerra contra ella y sus amigos lo que la enoja. Así que dolida abandona la fiesta. 

Slim, el matón, dispara y mata a Forsythe, lo que lleva a una pelea entre Morgan y Slim, durante el cual Slim se dispara con su propia arma y muere. 

Morgan, sus hombres y los propietarios minoritarios de ganado se unen al sheriff mientras planean llevar las ovejas a través del territorio. El sheriff les advierte que Rod y sus hombres han organizado una estampida de ganado para pisotear y atropellar a los hombres y sus ovejas. Morgan y sus hombres se dirigen hacia la estampida y logran cambiarla de rumbo, durante la cual mueren tanto el sheriff como Rod. 

Morgan y sus hombres tienen la intención de trasladar las ovejas a través del territorio caminando por la calle principal de la ciudad. Uno de los hombres regresa al rancho Singleton e informa a María sobre la muerte de Rod y los planes de Morgan, alegando que no hay nadie que lo detenga ahora. María toma una pistola y cabalga hacia la ciudad, donde se para en medio de la calle principal y espera a Morgan. 

Morgan desmonta de su caballo cuando ve a María y camina hacia ella, pero ella amenaza con dispararle. Él continúa conduciendo las ovejas y ella le dispara en el hombro y él se desploma en el suelo. Al ver lo que ha hecho, deja caer el arma y corre hacia Morgan, ayudándolo y demostrando su afecto. Discuten sobre lo terco que es el otro y luego comparten un beso acabando así la película. 

La historia de esta película tiene que ver con el interés de la Warner Bros por realizar películas que identificaran espacios con su pasado. De hecho, la Warner Bros había hecho una serie de westerns que llevan el nombre de famosas ciudades estadounidenses, incluidas Dodge City , Virginia City y Santa Fe Trail . 

En junio de 1940 anunciaron que estaban haciendo un Western sobre Montana , basado en el libro de CB Glasscock "La guerra de los reyes del cobre". Pero en agosto de 1941, la Warner Bros anunció que Errol Flynn aparecería en un western rodado en Technicolor que se rodaría en Montana entre 1941-42. Según los informes, Max Brand trabajó en el guión. Sin embargo, la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial llevó a retrasar la producción. 

Una vez acabada la intervención americana en la Segunda Guerra Mundial se informó que Eagle Lion quería hacer un western llamado Montana protagonizado por Joel McCrea . Fue en julio de 1947, cuando la Warner pareció reactivar el proyecto: Vincent Sherman fue nombrado director, mientras que el productor asignado era William Jacobs y Thames Williamson para el guión; Errol Flynn figuraba como una posible estrella. 

Sin embargo, ya en aquellos años a Errol Flynn no le gustaba hacer westerns. En 1949 le comentó a Hedda Hopper en una entrevista que "Actuar para mí es muy divertido. Solo hay una cosa que realmente no quiero hacer más y son westerns. Supongo que he recorrido todos los senderos y cañones en todo el oeste. Literalmente, nunca tuve que leer la frase, "se fueron de par en par", pero hay un cliché que he dicho tantas veces que me viene en todas mis pesadillas. Cada vez que hay una brecha en la historia, cada vez que los escritores no saben qué hacer a continuación, me hacen parar delante de mi banda, asumir una mirada decididamente sombría y decir 'Muy bien hombres, ya saben qué hacer ahora.' El hecho es que he hecho muchas de estas cosas, los guiones parecen ser muy parecidos, lo que me viene a la mente es que el estudio dice: 'Aquí hay un caballo. Monten."

En diciembre de 1947 se anunció que Ronald Reagan, también se había habado de Gary Cooper, una habitual actor de Ray Enright, iba a ser el protagonista de Montana , con el guión basado en una novela de Ernest Haycox . En enero de 1948, la película se incluyó oficialmente en el calendario de la Warner para ese año. Al mes siguiente, el estudio anunció que se haría con un presupuesto de $ 2 millones. 

Finalmente, Warner Bros decidió darle la película a Errol Flynn que ya contaba 41 años y estaba además de alcoholizado, en declive profesional tras su reinado indiscutible en el género de aventuras durante los años 30 y 40. Un actor que había trabajado bajo las órdenes de Michael Curtiz o el mismo Walsh, con resultados satisfactorios para ambos. 

Junto a Flynn en su cuarta y última colaboración estaba Alexis Smith. Es uno de los últimos films de Flynn en Hollywood. En julio de 1948 le ordenaron que regresara de su casa en Jamaica y asumiera el papel bajo su contrato. Un mes más tarde al cumplidor Ray Enright asignó a dirigir su primera película bajo un contrato a largo plazo con Warners. En agosto, Alexis Smith y SZ Sakall fueron anunciados como coprotagonistas. 

Flynn se perdió parte de la filmación debido a una enfermedad. La filmación comenzó en agosto de 1948, después de que Flynn acabara de completar un viaje en barco de tres meses en el Zaca. Se rodó en escenarios naturales y en los platós de Warner Studios, con un presupuesto de serie B aunque no se estrenaría hasta inicios del año 1950. 

Según los informes, la película comenzó a rodar con el guión solo a medias. James R. Webb y Charles G Booth fueron acreditados como trabajando de una historia de Ernest Haycox. 

En cuanto a la crítica la revista Filmink dijo de ella que "Esta fue el primer western de Flynn hecha para la Warner que no parece ser muy costosa, no es una" B "de ninguna manera, simplemente no es un espectáculo". 

En Los Angeles Times se comentó que que la película "no incendiará el mundo del cine, pero es un sólido western, entretenido". Por su parte, al otro lado del continente, el Washington Post lo calificó como "una hora y cuarto bastante justas". 

En el presente, Fausto Fernández en sus tweets nos dice de esta entretenidda película que "Errol Flynn seguía en su casa, la Warner, aunque en sus películas ya no tenía ni a Michael Curtiz, Raoul Walsh u Olivia de Havilland. Pese a ello, cintas como MONTANA mantuvieron la frescura de los pasados buenos tiempos. Y en otro nos habla de este "Errol Flynn ovejero... El carisma de la estrella podía con todo, incluso cuando ya empezaba a tener problemas en la Warner y tenía que rodar por contrato productos un tanto de segunda, aunque fueran tan amenos como esta MONTANA".Y como siempre sin que se le vaya una señala "Ojo a S. Z. Sakall, secundario robaescenas".

Según Variety, la película se estrenó a finales de enero de 1950 en los Estados Unidos y ganó $ 2.1 millones a nivel nacional en 1950. La película ganó £ 131,969 en el Reino Unido y tuvo ingresos de 1,899,891 en Francia. Según los registros de Warner Bros, la película ganó $ 2,203,000 en el país y $ 1,444,000 en el extranjero, ganando $ 3,647,000 en total. Como su costo fue de $ 1,589,000, la película obtuvo ganancias.

Este entretenido western presenta y conjuga acción, aventuras y un romance entre un tranquilo, inteligente, valiente, dialogante y razonable que sabe usar la cabeza para tejer alianzas y establecer estrategias al igual que los puños y la pistola y una mujer de carácter, dura, apasionada, intransigente y de genio fuerte. 

Además los diálogos son chispeantes, breves, rotundos, emotivos y no exentos de ese estilo que juega entre la comedia y lo burlesco que tanto caracterizan a Flynn.  

La dirección cuontó  con la colaboración de Raoul Walsh, patente en las escenas de acción y en los movimientos de ganado en campo abierto. 

En cuanto a la música y a la fotografía reconocer el tono orquestal y positivo que sale del compositor David Buttolph, trufadas de canciones  como “Cielito lindo” y “Reckon I’m In Love”. Esta última, la cantan a dúo Alexis Smith y Flynn, con acompañamiento de guitarra. En cuanto a la fotografía pertenece a un hombre de peso como Karl Freund (“Cayo Largo”, de John Huston, 1948) que se explaya en la película  en los colores vistosos, al fin y al cabo es en Technicolor de ese vistoso y luminoso estado que es Montana.