Casa en la sombra

On dangerous ground es  una película del año 1951 dirigida por uno de los grandes, Nicholas Ray, y que combina el melodrama con el cine negro. De hecho la película comienza como una película propia del cine negro por su protagonista por el ambiente en el que se mueve por su trato con los criminales por su violencia cine negro, puro y duro. Y, sin embargo, a partir del minuto cuarenta la película cambia radicalmente y hasta el momento donde no había una protagonista femenina definida, aparecen en pantalla una chica ciega, Ida Lupino y lo que era cine negro, policiaco clásico, se transforma en un melodrama. Esta mezcla indudablemente solo la podía manejar un gran director como Ray y contar con dos monstruos de la interpretación como Robert Ryan e ida Lupino. 

La película cuenta la historia de un solitario policía de nombre Jean Wilson con cierta fama en el cuerpo de policía de hombre duro y sin remilgos ante los delincuentes. Sin embargo desde el principio vemos que algo le pasa. Se emplea con excesiva violencia y con métodos extremos en su trato con los criminales, especialmente para sacarle información a golpes a los sospechosos y testigos.. 

Tan duro es que sus superiores le amonestan y, tras es sancionado, su jefe decide destinarlo a un pueblo al norte del estado para que se calme. En el mismo se ha cometido un asesinato. La asesinada es una joven. Es precisamente ahí cuando la película deja de ser un filme policíaco para transformarse en melodrama.

Nada más llegar se une a una partida que persigue al posible asesino de la niña. El grupo está dirigido por Walter Brent, el padre de la víctima, quien está decidido a vengarse. Jim Wilson y Brent, el padre de la chica asesinada, se lanzan como posesos en busca del asesino de la chica. 

Durante una persecución después de detectar al asesino, Wilson y Brent se separan de los demás y tras una peligrosa persecución en coche por unas carreteras heladas tienen un accidente. Sin embargo, lo rastrean hasta llegar a una casa remota.

Nada más llegar descubren a una chica, Mary Malden, una mujer ciega, que dice vivir sola en la casa. Sin embargo, ni Walter ni Wilson se lo creen. Poco después se enteran de  que ella vive con su hermano, Danny. 

De cualquier manera algo raro le ocurre a Wilson que se siente atraído por la abnegada Mary y cuando se entera de que el asesino es su hermano y que tiene una enfermedad mental, acepta su petición de protegerlo de Brent y arrestarlo pacíficamente. 

Mary sabe que Danny se esconde en el sótano así que va en su busca. Trata de hacerle entender que Wilson es un amigo que se lo llevará para que lo ayuden. En su camino de regreso a la casa, Wilson, que ha dejado a Brent durmiendo, se encuentra con ella. Mientras explica el estado mental de su hermano, Danny huye del sótano. 

Wilson sigue a Danny a una choza aislada y logra entablar una conversación con él con calma. Danny divaga sobre los detalles del asesinato mientras Wilson avanza lentamente y se prepara para capturarlo. Pero Brent irrumpe de improviso y se produce una pelea entre los dos hombres. 

El arma de Brent se dispara durante la lucha y Danny escapa. Wilson y Brent persiguen a Danny por la ladera de una montaña escarpada, Danny pierde el equilibrio y cae por un precipicio. Cuando llegan a la base de la montaña se encuentran con un Danny que ya ha muerto. Brent, viendo que es un niño, se siente responsable y lleva su cuerpo a la casa de un vecino de Mary, arrepentido después de darse cuenta de la juventud de Danny. 

Mary llega, habiendo caminado desde su casa después de escuchar el disparo, es consciente de lo ocurrido. Ella sabe que Wilson no es responsable y caminan de regreso a su casa. Wilson le dice que le gustaría quedarse con ella, pero ella insiste en que se vaya. 

Wilson conduce a la ciudad como un hombre cambiado. Al recordar sus palabras sobre la soledad (Sometimes people who are never alone are the loneliest), retorna al campo y se encuentra con Mary y se abrazan. 

La película es una de las más desconocidas de Nicholas Ray, y para algunos historiadores de su obra la consideran una de sus mejores películas. El guion fue escrito por Al Bezzerides, autor de tramas de otras películas como "Sirocco" y en esta además hace un breve cameo. Para su guion parte de la novela de 1945 Mad with Much Heart, de Gerald Butler. 

Uno de los logros de esta película rodada para la RKO y producida por John Houseman, con pocos medios fue el hábil manejo de la elipsis realizada por el director. También hay que destacar el cambio de registro del filme ya que pasa de la oscuridad absoluta de la noche en una ciudad plagada de soplones vampiresas y matones a la claridad cegadora de un paisaje rural nevado.

La película es muy realista pero un realismo muy estético. A esto se suma el reparto tan propio del cine negro de los cincuenta. Estuvo encabezado por Robert Ryan por ida Lupino y por Ward Bond. Además en la película aparece un gran número de actores secundarios que están soberbios que son muy creíbles especialmente en la primera parte de la película. 

Para John Ford los actores eran  jeta,  miradas y silencio. Este es el caso de Ryan, un actor que no necesita prácticamente nada para trasmitir  que está cansado, desde que  sale de su casa. De sus películas que he visto de Rober Ryan probablemente en esta se muestra muy convincente en su sobriedad.  Se le hecha en cara siempre su inexpresividad, pero aquí se ajusta perfectamente. Como ex boxeador da el aspecto por su presencia de un hombre duro, amenazador, lo mismo que Widmark daba la imagen de un hombre desequilibrado, con un carácter fatalista, atormentado. Todas las mujeres que se cruzan con él  en la película se rinden ante él. De cualquier manera se muestra a lo largo sobre todo de la primera parte como un personaje muy violento, muy extremo. Brutal. 

Lo turbio está muy presente a lo largo de toda la película y se traslada de los bajos fondos a los agentes de policía. Esto es muy visible por ejemplo es las chicas jóvenes que aparecen al inicio de la película tanto la que está la barra del bar como la que le da el soplo para identificar a uno de los asesinos del policía.

En la segunda parte la melodramática hay un cambio de registro enorme. El personaje de Ryan se vuelve muy reflexivo y se va escuchando así mismo. Es el proceso de redención que tanto gustaba a Hollywood. Destaca José Luis Garci en el debate de Classics que está llevado el guión en la segunda parte y como en el mismo se refleja que la ceguera de ida Lupino en el fondo es la ceguera del personaje de Ryan. Hay una evolución dramática hacia la luz. La parte positiva de de lo melodramático es que contiene muchos elementos poéticos, pero la parte negativa es que todo parece apresurado teatral y poco creíble en contraste con lo que aparece en la primera parte. 

La banda sonora pertenece al director que tantas veces trabajaría con Alfred como es Bernard Herrman. Herrmann quería utilizar un oscuro instrumento barroco, la viola de amor, para simbolizar el aislamiento y la soledad de Mary Malden. El sonido del instrumento se puede escuchar gran parte del tiempo que ella está en pantalla. Herrmann quedó tan impresionado con la interpretación de Virginia Majewski que quería que se le acreditara en la película. Nicholas Ray le dijo: "No hay suficientes tarjetas", por lo que Herrmann respondió: "Ponla en la mía". En los créditos iniciales de la película, el de Bernard Herrmann dice: "Música de Bernard Herrmann - Viola de amor interpretada por Virginia Majewski".

La película estaba completada a principios de 1950, la película permaneció bajo llave en el estudio RKO durante casi dos años porque su conservador y excéntrico propietario, Howard Hughes, estaba indeciso sobre el producto de Ray. Finalmente la hizo acortar en 10 minutos y volvió a filmar varias escenas en las que Nicholas Ray no intervino y llevó la película, que había sido manipulada de esta manera, a los cines a finales de 1951, donde pronto se convirtió en un fracaso. 

En cuento a la crítica destacamos la realizada por el crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther, consideró que el guion era un fracaso que produjo malas actuaciones. Escribió: "la historia es un asunto superficial y desigual, según lo escrito por AI Bezzerides [el guionista] basándose en Mad With Much Heart de Gerald Butler. La causa del sadismo del policía se explica sólo superficialmente, y ciertamente su feliz redención se logra fácil y románticamente. Mientras Ward Bond ofrece una actuación de lo más mortificante interpretando al granjero, Ida Lupino es empalagosa como la niña ciega que derrite el corazón del policía. A pesar de toda la dirección sincera y astuta y la sorprendente fotografía al aire libre, este melodrama de RKO no logra alcanzar su objetivo". 

Dennis Schwartz, uno de los habituales en Rotten Tomatoes, escribió en 2005: Se trata de "Una película negra esquemática de Nicholas Ray ( They Live by Night ) que supera sus artilugios artificiales para convertirse en un conmovedor drama psicológico sobre la desesperación y la soledad, uno de los mejor de este tipo en la historia del cine negro. La feroz actuación de Robert Ryan es excelente, ya que es capaz de asegurarnos de manera convincente que tiene un verdadero despertar espiritual, mientras que el carácter amable de Lupino actúa para humanizar al luchador contra el crimen, que ha caminado sobre el "terreno peligroso" de la ciudad y nunca antes se había dado cuenta de que podría haber otro tipo de territorio hasta que conoce a alguien tan profundo y tolerante como Mary". 

Fernando F. Croce, crítico de cine de la revista Slant, en 2006 escribió en la revista que : "A caballo entre el cine negro de finales de los 40 y el drama criminal de mediados de los 50, esta es una de las grandes obras olvidadas del género. Algo flojo, el material alcanza una belleza casi trascendental en manos de Ray, un poeta de expresión angustiada: la dureza urbana de la ciudad contrasta con el austero campo nevado para obtener algunos de los efectos más desconcertantes y conmovedores de todo el cine negro. A pesar de la violencia y la intensidad constante, una película notablemente pura". 

El alemán Matthias Merkelbach , editor de la web Der Film Noir,  la identifica como una obra plena del cine negro: "'Decídete a ser policía, no un gángster con placa' (Make up your mind to be a cop, not a gangster with a badge). Los primeros 30 minutos de la película La casa en la sombra de Nicholas Ray son tan cine negro por excelencia que difícilmente se pueda evitar quedar asombrado. Calles oscuras, escaleras estrechas, sombras profundas: la ciudad sin nombre en la noche, obviamente Nueva York, suda envidia y codicia, desconfianza y miedo. 'Basura, eso es todo lo que manejamos: ¡basura!' (Garbage, that's all we handle: garbage!), le escupe Jim Wilson a su colega Pop Daly más de lo que dice mientras le impide violentamente golpear a un sospechoso." 

En el País, Miguel Ángel Palomo escribe destaca en las páginas de este diario que se trata de un "Un asombroso Ryan y una estilizada puesta en escena, un guión que es un prodigio de progresión dramática y la música de Herrmann ponen la guinda a una obra maestra imprescindible. Poco popular, es una cima del cine negro de los cincuenta"

Elisenda N. Frisach de la revista EAM Cinema considera a la película como característica del estilo de Ray: "La casa en la sombra no es una excepción en cuanto a esa voz refinadamente transgresora de Ray; es más, es posible que se trate de la película donde más nítidamente se aprecia esa amalgama genérica llevada a cabo con maestría por el autor americano, que en este caso en concreto va depurando paulatinamente el discurso del filme hasta dotarlo de una cualidad abstracta y lírica con el propósito de resaltar núcleo temático del mismo: la fuerza redentora del amor [...] El filme llega a tal grado de minimalismo y abstracción que recuerda a los paisajes de invierno de las pinturas de Pieter Brueghel El Viejo, especialmente a Cazadores en la nieve (1556), dadas las concomitancias temáticas que guarda con este cuadro". 

Por último, pero no menos importante- puede que mucho más - Fausto Fernández en Twitter dice de ella que " es un noir pegado a la mala suerte de inolvidables perdedores".

Por mi parte destacar la buena fotografía, aunque la haya visto en una mala copia, de George E. Diskant, especialmente en la primera mitad consiguiendo un muy logrado entorno que se ajusta perfectamente al concepto de cine negro. Valorar, y mucho, la banda sonora de Herrmann, Por supuesto, valorar por encima de todo esos 40 primeros minutos tremendos y la persecusión por la carretera helada que hacen casi inexplicable lo que ocurre cuando Wilson conoce a Mary. Es casi una reconversión inexplicable, poco creíble desde el momento que conoce al personaje de Ida Lupino o , incluso , la del personaje de Ward Bond cuando encuentra que el asesino es casi un niño, tal y como destacó en el coloquio de Classic, Torres Dulce. 

Las columnas del cielo

Posiblemente en los años cincuenta, época dorado de Hollywood, en la que el western tiene su espacio había tan cualificados actores , actrices, técnicos y directores que el género era una auténtica factoría. En la industria, como en todas las industrias, había unos pesos pesados y luego unas trabajadores resolutivos que realizaba un producto bien terminado , de calidad. Este es el caso de George Marshall , un director de éxito, que sabía rodearse de grandes técnicos y de buenos repartos para presentar un producto que podía no ser exquisito ni sublime, pero si un buen producto. 

No hace mucho hablamos del prolífico George Marshall cuando comentamos la película homenaje a un programa de radio que fue todo en un momento de la Historia de los Estados Unidos, El Caldero de Oro. El responsable que fue de Pillars of the Sky , presentada en España como Las columnas del cielo. El forma parte de esa legión de buenos directores que trabajaba para la fábrica. En este caso la fábrica era la Universal Pictures. Como factoría de calidad el producto era vendido con las prestaciones de la época . Y uno de los elementos a tener presente era que hablabamos de una película en CinemaScope y en Technicolor. 

Este western fue estrenado en 1956. Había sido rodado el año anterior, en 1955, como una producción en la que participaba Robert Arthur pra la citada "major", la Universal Pictures. La película se basaba en el guion de Sam Rolfe y en una escrita por Heck Allen que firmaba en ocasiones como Will Henry. El encargado de la fotografía fue Harold Lipstein, mientras que la responsabilidad de la edición lo fue de Milton Carruth. La banda sonora , no acreditada, fue de William Lava y Heinz Roemheld. 

El elenco lo encabezan Jeff Chandler como primer sargento Emmett Bell, Dorothy Malone como Calla Gaxton, Ward Bond como Doctor Joseph Holden, Keith Andes como Capitán Tom Gaxton, Lee Marvin como el sargento Lloyd Carracart, Sydney Chaplin como Timothy, Willis Bouchey como Coronel Edson Stedlow, Michael Ansara como Kamiakin, Olive Carey como Mrs. Anne Avery, Charles Horvath como Sargento Dutch Williams, Glen Kramer como teniente Winston y Floyd Simmons como el teniente Hammond, Junto a ellos aparecen como jefes indios Orlando Rodriguez como Malachi, Pat Hogan como Jacob, Felix Noriego como Lucas, Gilbert Conner como Elijah, Richard Hale como Isaías. Frank Kova como Zachariah . Igualmente aparecen Paul Smith como Morgan, Martin Milner como Waco. Robert Ellis como Albie, Ralph Votrian como Music, Walter Coy como Mayor Donahue, Alberto Morin como el sargento o Mayor Frenchy Desmonde, Terry Wilson como Capitán Fanning y Philip Kieffer como Mayor Randall. 

Estamos en Oregon, en el año 1868, pues el oeste sigue extendiéndose. En ese momento muchas de tribus de nativos americanos han sido desplazados en una reserva en el norte del río Snake. Allí, el doctor y sacerdote Holden (Ward Bond) ha construido una iglesia y muchos indios han aceptado el cristianismo. Esos indios confían tanto en el reverendo como otra persona blanca, el sargento Emmett Bell, jefe de la policía india y quien participa en la misión del Dr. Joseph Holden con sus exploradores indios. 

Bell es el encargado de mantener el orden en la reserva entregada a los indios después de la firma de un tratado de paz. Bell cuenta con la lealtad de algunos nativos como Sargento Dutch Williams (Charles Horvath ). Sin embargo, los movimientos de tropas y armas del Ejército de la Unión van limitando los movimientos a los nativos americanos pues el confinamiento en reservas limita lo que antes eran sus tierras infinitas. 

El problema aumenta con la llegada de un nuevo comandante en jefe de Caballería de los EE. UU., Coronel Steadlow (Willis Bouchey ) , que quiere construir una vía de transporte por medio de la reserva. Los jefes de las tribus creen que el tratado con los blancos se ha roto y deciden declarar la guerra.

El movimiento rebelde lo encabeza un jefe llamado Kamiakin ( Michael Ansara ) un nativo que , a pesar de estar bautizado por Holden , reniega de su conversión dada la actitud desafiante del ejército frente a la disposición más negociadora de otros jefes como Malachi (Orlando Rodriguez ) , Jacob (Pat Hogan ), Lucas (Felix Noriego ) , Elijah (Gilbert Conner ) y sobre todo Isaías ( Richard Hale). 

Como el ejército pretende atravesar ese territorio, algunas tribus se unen para la guerra. Bell, que se siente tremendamente molesto con Steadlow por su actitud arrogante descubre cuando llega al campamento que ha llegado con el alto militar, el capitán Tom Gaxton (Keith Andes ), cuya esposa Calla (Dorothy Malone ) estuvo enamorada de él. 

Con todo, Bell que , además, es un gran bebedor , algo que le proporciona su amigo el sargento Lloyd Carracart (Lee Marvin) es arrestado. Pero la llegada del Sargento Dutch Williams con nueva información sobre las actuaciones de los nativos que implican que el secuestro de Calla y otra mujer , lo que supone una ruptura abierta del tratado, activa a Bell que , primero intenta movilizar a los nativos que viven junto a la misión de Holden, aunque éste se niega a salir de ella, y luego rescata a Calla y la otra mujer. 

El reencuentro entre los dos examantes reaviva su romance. Sin embargo, cuando Bell va con la chica y los liberador, inclusive con Holden, observa como los indios emboscan a una gran patrulla de caballería que ha entrado en territorio indio bajo la autoridad del Coronel Steadlow. 

Tras eso se inicia una feroz lucha entre soldados y nativos americanos, que son muy superiores en número. 

Durante el ataque los soldados sufren muchas bajas , entre los que caen está el Sargento Lloyd Carracart. Pero también se produce un acercamiento entre Calla y el Capitán Gaxton, especialmente cuando ella comprueba la falta de compromiso de Bell y sobre todo el amor que siente por ella el Capitán, que además será herido. 

Se producen muchas bajas y , tras varios episodios, los soldados deciden escapar a la misión de Holden, usándola como una fortificación contra un ataque esperado. Los llamamientos para una tregua son en vano. 

El último intento lo realiza Holden , pero éste, que cuenta con la admiración de la comunidad nativa, es asesinado por Kamiakin. El asesinato a sangre fría del reverendo supone una respuesta por parte de uno de los jefes, Isaías, que mata a Kamiakin. 

Finalmente los nativos americanos bajan de la montaña y acompañan el cuerpo de Holden a la misión. Allí piden una oración por la pérdida del que consideran uno de los suyos y quien la oficia no es otro que Bell , una vez que éste y los jefes han acordado hacer lo que sea necesario para restablecer la paz. 

La película fue filmada parcialmente -comenzó en agosto de 1955´- en locaciones de Oregon durante seis semanas. Se rodó en concreto en las localidades de Joseph, LaGrande, Wallowa Lake, aunque también algunas escenas se rodaron en los Universal Studios en el 100 de Universal City Plaza de Universal City en California. 

Señalar que en un momento se anunció que la película sería dirigida por John Ford y que contaría como protagonista con John Wayne , pero la realidad es que tiró de algunos de sus habituales con Bond a la cabeza, pero poco más.

La película es original en algunos puntos pues vemos que siendo un westerns clásico se ve como los indios realmente montan a pelo o en mantas en lugar de una manta sobre la silla de montar. 

Un anécdota del rodaje es que Ward Bond discutió con Lee Marvin, La razón es que el veterano actor pensaba y defendía que Estados Unidos debería atacar a la Unión Soviética por ser una amenaza comunista. Marvin, un veterano condecorado del Cuerpo de Marines de EE. UU., herido en la Batalla de Tarawa de la Segunda Guerra Mundial, le preguntó a Bond cómo pasó la guerra. Bond no dio respuesta real, ya que Marvin sabía que Bond se había quedado en Hollywood durante el conflicto bélico. 

La película tuvo su estreno el 12 de octubre de 1956 en Nueva York y llegó a recaudar unos $ 1.5 millones. 

En cuanto a la crítica decir que el crítico Leonard Maltin consideró que "Chandler es apto como oficial del ejército fanfarrón ..." pero poco más. Por su parte, Steven H. Scheuer dijo que l película era para " aficionados al western que aceptarán esta historia de un sargento sin dinero, bebedor y perseguidor de mujeres que finalmente ve el error de sus maneras ..." 

Para la Motion Picture Guide la película dentro de su género es "relativamente satisfactoria (...) protagonizada por Chandler como un explorador de caballería que es literalmente una voz en el desierto ... "y, en conclusión, agrega:" [Dios] elenco. El rodaje en exteriores se realizó en Oregón ". 

En ABC se señala que "Jeff Chandler, todo una estrella del cine western y de acción, gracias a sus intervenciones en cintas como "Flecha Rota" o "Atila, rey de los Hunos", entre otras, protagonizó esta película del oeste junto a un primerizo Lee Marvin ("La ingenua explosiva"), que cuenta con una bellísima fotografía en color de Harold Lipstein ("Un hombre llamado Peter"). La cinta, dirigida por George Marshall ("La conquisrta del oeste", "Arizona"), es peculiar porque no presenta a los nativos como salvajes sino que muestra a unos pieles-rojas culturalmente occidentalizados. " 

Personalmente la película no me ha llegado en exceso. Como dato a tener en cuenta es que al final es coherente con el Código Hays que estaba en vigor y con el echo de acabar casi religiosamente el relato con esa oración final. Tiene escenas de interés como la de los ataques, un elenco excepcional y unos paisajes de ensueño, similares a los que pude disfrutar en Montana, bien fotografiados por Harold Lipstein en Technicolor y la banda sonora del dúo Lava y Roemheld que se deja oír y centrada y sonora en los momentos de acción. Pasable. Se deja ver, pero no es apasionante.

Tres padrinos

Hay películas que me remiten a los sitios en los que fue rodada. Esta es una de ellas. Y es que el haber estado en los mismos pisándolos, viéndolos "in situ", pasando el calor o viendo la maravilla del paisaje solo se remiten a mi emoción. Antes de nada señalaré que la película en cuestión, The Three Godfathers o 3 Godfathers, un western del año 1948 y dirigida por John Ford fue filmada principalmente en Death Valley, uno de los Parques Nacionales más interesantes de California . 

Allí pude ver un amanecer en el llamado Zabriskie Point de resonancia cinematográficas - Antonioni tiene una película precisamente llamada así. Pero además de allí se ruedan en otros puntos de este Death Valley National Park inserto en pleno desierto del Mojave, que comparten tanto Nevada como California.

Pero para alucinación mía se rodó igualmente en Alabama Hills, en otra localidad cinematográfica de Lone Pine que también pude disfrutar junto a mi mujer y mis hijos con su impresionante Mount Whitney. Después en aquel mes de mayo de 1946 el director decidió rodar en otros puntos como Carson & Colorado Railroad, sito en la californiana Owens Valley, así como en la cercana Keeler, zona por la que pude llevar mi Toyota Sienna . Se inserta en el condado de Inyo que está en el lado este de Sierra Nevada y al sureste del Parque Nacional Yosemite. Contiene el valle del río Owens ; está flanqueado al oeste por Sierra Nevada y al este por las Montañas Blancas y las Montañas Inyo. Un paisaje , simplemente, espectacular.

El único punto en el que no estuve de la película es en el RKO Encino Ranch en Balboa Boulevard & Burbank Boulevard, en Encino, cerca de Los Ángeles.

Pues , precisamente en estos espacios, se decidió llevar a la gran pantalla el guión escrito por Frank S. Nugent y Laurence Stallings así como Robert Nathan y que partía de la novela del mismo nombre escrita en 1918 por Peter B. Kyne .

Ford ya era conocedor de la misma pues había adaptado la película una vez antes , en 1919 , como Marked Men . Se cree que la adaptación silenciosa original de Ford se ha perdido hoy. Ford decidió rehacer la historia en Technicolor y dedica la película a la memoria del viejo amigo Harry Carey , quien protagonizó la película de 1919 Marked Men siendo uno de los tres padrinos precisamente el hijo de Carey, Harry Carey, Jr. , uno de los papeles principales en esta película de 1948.

John Ford para ello contó con la producción de Merian C. Cooper que junto a él había fundado la Argosy Pictures a la que se sumó la productora Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La película tuvo un presupuesto de $ 1,243,000.

La película cuenta con la música de Richard Hageman, la fotografía de Winton Hoch y el montaje de Jack Murray.

El reparto lo encabeza John Wayne como Robert Marmaduke Hightower, Harry Carey Jr. como William Kearney "The Abilene Kid" y y Pedro Armendáriz como Pedro "Pete" Rocafuerte. Junto a ellos aparecen Mildred Natwick como Madre moribunda, Ward Bond como el Sheriff Buck Sweet, Mae Marsh como Mrs. Sweet, Jane Darwell como Miss Florie, Guy Kibbee como juez, Hank Worden como ayudante Curley, Dorothy Ford como Ruby Latham, Ben Johnson como uno de los ayudantes, Charles Halton como Oliver Latham, Jack Pennick como Luke, Fred Libby como ayudante. Junto a ellos están igualmente Michael Dugan , Francis Ford uno del bar , el compositor Richard Hageman como el pianista de salón, Gertrude Astor como una de las mujeres de la ciudad, Ruth Clifford como una mujer en el bar, y los camareros Jack Curtis y Harry Tenbrook . También sale Eva Novak y la pequeña Amelia Yelda como Robert William Pedro Hightower (el bebé).

Tres bandidos de Texas, Robert Hightower ( John Wayne ), Pedro "Pete" Rocafuerte ( Pedro Armendáriz ) y William Kearney ( Harry Carey, Jr. ) que recorren Arizona , deciden asaltar un banco en la ciudad de Welcome, Arizona , antes llamada Tarántula, una aldea que es la puerta del gran desierto de Arizona.

Antes , mientras diseñan el asalto, se paran en una casa de la localidad. Allí reside, aunque ellos no lo saben el sheriff Buck Sweet ( Ward Bond ) que junto a su mujer (Mae Mars) están a la espera de ka llegada de una de sus sobrinas desde otra localidad. Vienen en carromato desde el norte, pero a pesar de que ellos no la han visto, pues vienen recorriendo el desierto les mienten a la pareja y les dice que sí. El líder del trío es Robert Hightower quien se rie del nombre de Buck Sweet sin saber que se trata del sheriff.

Esa es la razón por la que uno de ellos William Kearney (Harry Carey Jr.) da, sin querer, dar referencias su lugar de nacimiento Abilene.

Tras tomar el té que le ofrece la señora Sweet, los tres forajidos asaltan el banco de la pequeña localidad y huyen luego de las fuerzas de la ley montando un gran alboroto.

Durante la fuga, son perseguidos por Sweet y sus hombres, que momentos antes del golpe había identificado a uno de los tres "The Abilene Kid" como uno de los integrantes de la banda.

Estos alcanzan a William Kearney en el hombro ademas de dar un certero disparo a la bolsa de agua que completamente llena para el golpe lleva Pedro, aunque no se dan cuenta hasta después de que se haya filtrado toda el agua.

Robert Hightower ( John Wayne ), Pedro "Pete" Rocafuerte ( Pedro Armendáriz ) y William Kearney ( Harry Carey, Jr. ) tienen huir al desierto, con un hombre herido, sin agua y con un caballo menos, perseguidos por la cuadrilla montada por el sheriff Buck Sweet ( Ward Bond ).

A esta desgracia se suma que Buck Sweet es un hombre inteligente que conocedor de las circunstancias monta un dispositivo en los puntos estratégicos donde hay agua. como en un depósito del ferrocarril que recorre el Mojave y algún punto más del recorrido del ferrocarril.

Ante esas circunstancias los tres en dos caballos han de cruzar sin agua el desierto. Eventualmente pierden sus caballos en una tormenta de arena del desierto y terminan caminando.

Desesperados por la falta de agua y la herida sangrante de William, se dirigen a un pozo de agua que, sin embargo, y para su desagradable sorpresa ha sido destruido por los esfuerzos equivocados de un torpe hombre que tras intentar sacar agua con un barreno lo que hizo fue destrozar el manantial y luego por el estruendo perseguir a su ganado y , posiblemente morir al no regresar.

Para aumentar u desgracia en un carromato cubierto cercano al manantial reventado se topan con una mujer moribunda. Se trata de la esposa del hombre (la sobrina del sheriff Sweet), que está a punto de dar a luz.

Finalmente da a luz un bebé. Antes de su muerte, los tres le juran a la madre que llevarán a su hijo a un lugar seguro, aunque tengan que dar sus vidas para ello. La mujer muere y con la ayuda del trío, se hacen cargo de un chico que llaman Robert William Pedro por sus benefactores.

Movidos por cumplir su promesa a pesar de la aguda falta de agua deciden atender al chaval. William está seguro de que un poder superior los guió allí y compara su situación con los Tres Reyes Magos que encuentran al niño Jesús en un pesebre. Él convence a los demás, especialmente después de haber visto leído , primero un manual de atención a bebés y luego una Biblia que al abrirse lo hace por un pasaje que habla de los tres magos y del Nuevo Jerusalén, de que se dirijan a la ciudad de Welcome o Nueva Jerusalén, que se encuentra a una amplia extensión de desierto.

Como el calor aumenta y el agua mengua, deciden cruzar el desierto andando. Mientras cruzan un salar , William muere.

Más tarde, Pete cae y se rompe la pierna. Le pide a Robert que le deje su pistola, para "protegerse de los coyotes ".

Cuando Robert se aleja, escucha un solo disparo. Este sabe lo que ha ocurrido y decide seguir avanzando con el bebé.

Finalmente, Robert al límite de sus fuerzas, casi pierde la esperanza, pero en su delirio, aparecen los fantasmas de sus dos amigos y se niegan a dejarlo rendirse.

Despreciativamente tira la Biblia de la mujer, luego vuelve a buscarla y lee un pasaje que cuenta la aparición de un burro y un potro. Justo entonces, una par de animales realmente aparecen. Con su ayuda, finalmente llega a Nueva Jerusalén y entra en una cantina donde la gente está cantando villancicos pues es Navidad y luego se derrumba justo cuando el Sheriff Sweet entra en la sala. 

Robert es arrestado, pero debido a su heroísmo y su negativa a ceder la custodia de su ahijado a los Sweets (de quienes ahora se ha hecho amigo), la gente del pueblo lo ve como un héroe incluso antes de que concluya el juicio.

Al final,Robert Marmaduke Hightower (John Wayne), lo que genera el regocijo del sheriff Perley "Buck" Sweet (Ward Bond) dado su nombre - y lo mucho que se rió el anterior del suyo- es sentenciado a un mínimo de un año y un día y, cuando se va a servir con la promesa de regresar, toda la ciudad le da una despedida entusiasta.

Estamos ante uno de los grandes western de la carrera de John Ford, quizás uno de los menos conocidos del maestro, aunque a la misma altura de sus mejores películas, si bien el tradicional tono épico de sus producciones del género es sustituido aquí por otro registro: al trasformar la historia de tres fugitivos que huyen en una relectura de la historia de Los Tres Reyes Magos en un contexto del western estadounidense.

Esta película fue dedicada al amigo de John Ford y estrella temprana, Harry Carey , quien murió en 1947. Su hijo, Harry Carey, Jr., desempeñó uno de los papeles principales. John Ford hizo que un jardinero regara un cactus durante la noche para permitir que cuando fuese exprimido saliese agua.

Para la escena en la que el ayudante Curly (Hank Worden) tiene problemas para tirar de una mula a bordo de un tren, el director John Ford manipuló las riendas para tirar hacia atrás en dirección contraria a la que Worden realizaba.

El personaje de John Wayne, Robert Marmaduke Hightower, fue nombrado por el director John Ford en honor a su especialista favorito, Bryan 'Slim' Hightower, quien también trabajó en esta imagen. John Wayne sufrió graves quemaduras solares durante el rodaje de esta película y fue brevemente hospitalizado.

Pedro Armendáriz aparece hablando en castellano, - he visto en parte la película en inglés- y haciendo por momentos cabriolas con su caballo al inicio de su película que son espectaculares. Tristemente Pedro Armendáriz, quien interpreta al personaje de Pedro, y que se suicidará con un tiro en esta película, quince años después, Armendariz se suicidaría con un disparo, tras ser diagnosticado de un cáncer terminal.

La película fue lanzada el 1 de diciembre de 1948 e hizo una taquilla de $ 2,841,000 según los registros de MGM. Bosley Crowther en The New York Times comenta que "Hay humor y lágrimas honestas en esta película visualmente hermosa. "

Ya en España, Luis Martínez en El País nos dice que "Ford hace que tres cuatreros se rediman de sus pecados. Para ello, les coloca delante de un inmenso desierto con un bebé huérfano entre sus brazos. Definitivamente, pocos trabajos del director rezuman tanta simpatía".

En Fotogramas se señala que es una " Adaptación de una novela de Peter B. Kyne que John Ford ya había llevado al cine en 1919. Demuestra como una historia abiertamente folletinesca -tres bandidos se regeneran después de hacerse cargo de un bebé huérfano- puede convertirse en una obra vigorosa y nada blanda. El talento de su director transformó este material en un film especialmente inspirado en el retrato coral. Film inédito en España."

En ABC defienden que se trata de una "Enérgica, sentimental y, en ocasiones, hermosa crónica de la redención de tres forajidos que 'adoptan' a un recién nacido con el que se topan en el desierto. John Ford dedicó esta película a su primera estrella, Harry Carey. Sr. John Badham (“Procedimiento ilegal”) realizó un remake para la TV de este film, en 1974, titulado “The Godchild”, con Jack Palance como protagonista. "

Ford crea aquí lo que se podría denominar como "western sentimental", en una película que el genial director dedicó al actor Harry Carey, su mentor y amigo personal fallecido un año antes de la producción de "Tres padrinos". De hecho la película incluye la siguiente dedicatoria: "Dedicada a Harry Carey, una brillante estrella en el cielo de los primeros años del western"

"Tres padrinos" fue la primera película que John Ford rodó en color, con la fotografía del excelente operador Winton C. Hoch ("El Hombre Tranquilo (1952)", "Centauros del Desierto (1956)" y "La Legión Invencible (1949)") el cual hizo un trabajo admirable fotografiando el desierto de una manera que pocos films han conseguido.

La cinta reincide en uno de los temas favoritos de Ford, las relaciones humanas en un grupo variopinto durante una situación extrema, que el maestro trató sobre todo en films como "La Diligencia (1939)", "Centauros del Desierto (1956)" y "La Patrulla Perdida (1934)".

Además, lanza interesantes notas sobre la necesidad de formar una familia, la resistencia del ser humano y el espíritu de sacrificio. Los diálogos son especialmente inteligentes y en ocasiones, divertidos quedando al final un western muy atípico, donde apenas se dispara una bala.

Ford narra a modo de cuento y con muchos detalles humorísticos la aventura de los tres protagonistas que corre en paralelo a algunos relatos evangélicos relacionados con la Navidad: un niño, una mujer, tres hombres, una estrella que los guía, un asno y su cría...

Los tres forajidos convertidos en padrinos del niño recién nacido (Robert William Pedro) tendrán que alimentarlo y dar de beber leche condensada y han de sufrir antes , durante y después todo tipo de peripecias, ( tormentas de arena,, falta de agua, persecución a  caballos y sin los mismos, falta de alimentos, desconocimiento,  y se irán despojando de sus maldades para convertirse en buenos hombres en lo que será un viaje de redención donde  fluyen valores como la amistad, el compañerismo y el amor al prójimo, delatando la bondad que habita en el corazón de estos nobles bandidos .

Y al final, John Wayne con el niño en brazos, desnudo y protegido  llega para la adoración final justamente el día de Navidad, a una localidad denominada Jerusalén. Es un nuevo concepto de Navidad.

Johnny Guitar

Se verdadero nombre era Johnny Logan pero ha pasado a la historia como Johnny Guitar, posiblemente una de las película con los mejores 45 minutos de diálogo que haya visto, y lo digo después de haberla visto en multitud de ocasiones. Pero no me canso de ver esta maravilla de Nicholas Ray. Ni de la música de Victor Young, compositor nacido en Vhicago, pero curiosamente formado musicalmente hablando en polonia, y que participó en más de 350 películas, pero que aquí en la composición musical  no deja un par de  joyas, la música y la canción interpretada por Peggy Lee que siempre nos remitirá a la imagen icónica de Joan Crawford.

De la película se ha dicho de todo. Principalmente que es atípica o que es un western feminista, el único del siglo XX. Pues esta joya , para mi una de las mejores películas del cine fue obra de uno de los grandes, Nicholas Ray cuyo auténtico nombre era Raymond Nicholas Kienzle. Se trataba del primer proyecto de Nicholas Ray después de dejar los RKO Studios, donde había estado bajo contrato durante siete años. Aunque pudiera parecer de los cineastas nacidos en Europa, el nació en Wisconsin, aunque era de origen alemán. 

Compañero en momentos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante. En 1948 con Los amantes de la noche dirige su primera película, siendo seguida en 1949 por El secreto de una mujer, en la que trabaja Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. 

Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950)con Bogart y Grahame de protagonistas. A estas le siguieron otras como Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes , vinculas con la RKO, pero en 1954 comienza el rodaje en Sedona, mi querida Sedona , la ciudad de Arizona de Johnny Guitar. La película fue un gran éxito de taquilla y tras este siguieron otros títulos que impresionan desde Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), pasando por Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, 1956) y las míticas Los dientes del diablo (The Savage Innocents, 1959), Rey de reyes (King of Kings, 1961) o 55 días en Pekín (55 Days at Peking, 1963), pero esa es ya otra historia, ya veremos si cercana. 

Volviendo a Johnny Guitar señalar que fue producida por Nicholas Ray y Herbert J. Yates para la Republic Pictures , - una compañía que originalmente se dedicada a la producción y distribución de filmes con muchas películas de serie B y bastantes western, aunque apoyo la carrera de John Ford y Orson Welles como su Macbeth - que también la distribuyó ya que el fundador Yates estaba detrás. En este caso Ray contó con un guión escrito por Philip Yordan y basado en la novela de 1953 titulada Johnny Guitar de Roy Chanslor. Con el tiempo se dijo que otro guionista, Ben Maddow , escribió el guión y la mayoría de las críticas cinematográficas no creerían que Philip Yordan fuera el verdadero autor hasta que el mismo Maddow, después de ver la película, afirmara que no escribió el guión. Parece ser que Philip Yordan reescribió el guión en la ubicación. 

La película contará la música de Victor Young, la fotografía de Harry Stradling rodada en Trucolor el sistema a color utilizado y propiedad de la división Consolidated Film Industries de la Republic Pictures . Se introdujo como reemplazo para el propio proceso Magnacolor de Consolidated .Republic utilizó Trucolor principalmente para sus westerns , hasta la década de 1940 y principios de la de 1950 como alternativa al Technicolor. Aunque hay quien afirma que esta película fue pensada para su visualización en 3D.

El montaje fue encargado a Richard L. Van Enger, mientras que el sonido fue para T.A. Carman y Howard Wilson; el vestuario fue labor de Sheila O'Brien y los efectos especiales , especialmente las explociones fueron de Howard Lydecker Theodore Lydecker. El reparto lo encabeza Joan Crawford como Vienna acompañado de Sterling Hayden como Johnny Guitar o Johnny Logan, Mercedes McCambridge como Emma Small y Scott Brady como el Kid, el bailarín (Dancin' Kid). Secundarios de lujo están presentes como Ward Bond como John McIvers, Ben Cooper como Turkie Ralston, Ernest Borgnine como Bart Lonergan y John Carradine como el viejo Tom. Junto a ellos aparecen Royal Dano como Corey, Frank Ferguson como Marshal Williams, Paul Fix como Eddie, Rhys Williams como el Sr. Andrews, Ian MacDonald como Pete y Robert Osterloh como Sam. 

La película comienza con la llegada de un jinete que en vez de portar un rifle lleva a sus espaldas una guitarra. Mientras avanza por estas tierras del Norte de Arizona ve tres cosas que parecen llamarle la atención. 

Por un lado, una explosión en un área rocosa y montañosa realizada por los trabajadores de un ferrocarril que va avanzando hacia el oeste, un grupo de cowboys que guía ganado y el asalto a una diligencia y el asesinato por parte de cuatro bandidos de uno de sus ocupantes. 

Poco después el jinete llega a un establecimiento envuelto entre nubes de polvo en una tormenta de arena. Tras desmontar de su animal entra en el local, un saloom, que está vacío de cientes y en el que hay un camarero y tres croupiers sobre las mesas de juego. El jinete pide un vaso de whisky y le dice a los barman que tiene una cita con la dueña del local, Vienna. Cuando le preguntan por su nombre , lo dice. Dice llamarse Johnny Guitar (Sterling Hayden). 

Tras tomarte el whisky espera sale de una habitación en la parte superior Vienna( Joan Crawford) y le dice con bastante altivez que tiene una cena de trabajo con un cliente. Vienna, la propietaria de un salón situado en las afueras de una ciudad del Oeste, se entrevista con un hombre de negocios local que rechaza la proposición de Vienna de transferir la titularidad del mismo a su nombre a cambio de una importante suma de dinero. 

A favor del local es que frente al mismo pasará el tren y puede ser el embrión de una futura ciudad si en ella se monta una estación. 

Mientras, abajo,  Johnny Guitar habla con los trabajadores de las mesas y sobre todo con el viejo Tom (John Carradine) que le informa de la tensión que vive en la zona entre Vienna y los grandes ganaderos locales, los hermanos Small y John McIvers que temen que con la llegada del ferrocarril el área se pueblo de agricultores que limitarán sus terrenos de pasto. 

Después baja Vienna que habla con cierto desdén a Johnny , dejando entrever que ha dejado de ser un famoso pistolero Johnny Logan , un portentoso pistolero, que ha cambiado su revólver por una guitarra. Vienna lo ha llamado pues le ha ofrecido un trabajo como músico. La relación entre ambos viene de antiguo, pero han pasado cinco años desde que Johnny y Vienna rompiesen sus amor debido a la negativa de Johnny a echar raíces. 

En este tiempo, ella ha adquirido una casa de juego en un terreno que piensa vender a la compañía de ferrocarriles cuando el trazado de la línea llegue hasta allí. 

Tras concretar el acuerdo , Vienna le dice a Tom que le de de comer a Johnny mientras ella sube al piso superior. Al rato llega una partida de hombres en la que parece encabezarla una mujer. Se trata de Emma ( Mercedes McCambridge ), hermana del hombre asesinado, que junto a John McIvers (Ward Bond) y el Marshall Williams (Frank Ferguson ) acusa del asalto a la diligencia al que posiblemente sea el antiguo amante de Vienna, pero también pretendiente de Emma que es conocido con el nombre del bailarín, Dancing Kid ( Scott Brady) y su banda, que viven de explotar una mina de plata oculta en las montañas. 

El propósito de Emma no sólo vengar a su hermano que acaba de ser asesinado, sino aniquilar Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril, a quien envidia, y a Kid, su amante, por quien Emma siente una profunda pasión que tiene que reprimir. Emma tiene el apoyo del sheriff y de John McIvers , el otro gran ganadero al que no le gusta la llegada del ferrocarril. Emma Small no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda que , casualmente llega en ese momento. 

La llegada de Kid y sus chicos altera aún más a los ganaderos locales. El conductor de la caravana es presionado para culparles, pero dice una y otra vez que tenía el sol, de cara y que no pudo ver sus rostros con claridad , pues iban tapados. Vienna se enfrenta a ellos con su arma, y ellos le dice que no puede con todos pues son muchos, pero en ese momento vemos que sale en su defensa desde la cocina el misterioso y recién llegado Johnny Guitar. 

Como el Marshall no puede acusarlos son una prueba directa la tensión baja aunque los ganaderos, liderados por John McIvers e incitados por Emma Small, decididos a forzar a Vienna , a Johnny Guitar, y a Kid y sus hombres a salir de la ciudad, le dan 24 horas para ello. Tras poner su ultimátum los ganaderos se marchan llevándose el cuerpo del fallecido. "The Dancin Kid" y a sus compañeros se quedan tomándose una copa. Uno de ellos Bart Lonergan (Ernest Borgnine) fuerza a Johnny a beber un whisky, tras el primero viene un segundo, pero Johnny ya no acepta y deciden pegarse a las puertas del local. Johnny le da una paliza a Lonergan. 

Tras eso Kid, Lonergan y sus otros dos compañeros, que viven de la explotación de una desconocida mina de plata en la que no están teniendo mucha fortuna, el joven Turkie Ralston (Ben Cooper) y el reflexivo - y lector- Corey (Royal Dano) deciden marcharse. No obstante, el joven Turkey , se retrasa un poco y antes de irse le dice a Vienna que está encantado de haberla conocido y que por supuesto la protegería con su revolver, comenzando a alardear con el mismo. Johnny nos sorprende a todos disparando sobre el revolver que empeña Turkey al que reduce disparando con suma habilidad, aunque con ojos de desquiciado. 

Una vez se tranquiliza y es atendido por Vienna que resulta ahora lo reconoce como actuaba cuando era ex amante y pistolero pendenciero conocido por su nombre real es Johnny Logan.

Esa misma noche vemos que Vienna se desvela y baja encontrándose en la cocina a Johnny que le pide que recuerde su antigua relación. Entre ellos se ve que hay una relación de amor / odio latente. Es en ese momento cuando se produce uno de los diálogos más sugerentes de la historia del cine entre Vienna y Johnny Guitar: 

VIENNA: ¿Se divierte, Sr. Logan? 

JOHNNY: No podía dormir. 

VIENNA: ¿Y eso le ayuda? 

JOHNNY: La noche pasa más deprisa. ¿Por qué estás despierta? 

VIENNA: Sueños. Pesadillas. 

JOHNNY: Yo a veces también los tengo. Con esto los ahuyentarás. 

VIENNA: Ya lo he probado. No me ayudó demasiado. 

JOHNNY: ¿A cuántos hombres has olvidado? 

VIENNA: A tantos como tú mujeres. 

JOHNNY: ¡No te vayas! 

VIENNA: No me he movido. 

JOHNNY: Dime algo bonito. 

VIENNA: Claro. ¿Qué quieres que te diga? 

JOHNNY: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. 

VIENNA: Te he esperado todos estos años. 

JOHNNY: Dime que habrías muerto si yo no hubiera vuelto. 

VIENNA: Habría muerto si tú no hubieras vuelto. 

JOHNNY: Dime que me quieres todavía, como yo te quiero. 

VIENNA: Te quiero todavía, como tú me quieres. 

JOHNNY: Gracias. Muchas gracias. 

Tras esto la relación se ablanda entre ambos y parece que pasan la noche juntos. Al día siguiente, ambos deciden ir al banco a sacar el dinero que tiene depositado allí Vienna. El banco está cerrado pues en esos momentos se está desarrollando el entierro del fallecido Small. 

El banco está cerrado por esa razón, el entierro, con todo al ver que la que pide entrar es Vienna le abren la puerta. En ventanilla ella pide recuperar el dinero depositado, no en oro, como le ofrecen , sino en billetes. 

Justo cuando la caja está abierta y sacado el dinero se persona los hombres de Dancin 'Kid en el pueblo, aunque el único que es visible es Turkey que pide hacer un ingreso. Pero aunque le abren con dudas en el momento en que la puerta está abierta bajan del carro Lonergan y Corney, así como el bailarín que entran en el banco con la finalidad de robarlo y financiar así su fuga a California tal y como habían acordado en el día anterior. Se manifiestan violentamente pegando a uno de los empleados y amenazando al otro, y cuando el bailarín descubre que Vienna éste se despide y la besa. 

El grupo de ladrones huye con el botín dejando el dinero a Vienna y Johnny que decide no intervenir. Al llegar al río deciden los asaltantes mantenerse unidos aunque dudan entre ir a California cruzando el desierto o ir a través de las montañas. 

Como "el bailarín" se niega hacerle caso a Lonergan , que apuesta ir cada uno por su lado y si no por el desierto, van por el camino de la montaña. Un camino muy duro pero que además se encuentra su paso limitado pues los operarios del ferrocarril que se adentra en su camino están colocando barrenos para adaptarlo a las vías. Ante la imposibilidad de seguir avanzando y dado que Turkey queda herido en una de las explosiones deciden regresar a su escondite secreto detrás de una cascada. 

Mientras tras el entierro, los asistentes se enteran del asalto y Emma Small convence a la gente de la ciudad de que Vienna es tan culpable como el bailarín y los suyos del robo. Ante eso el grueso del grupo se dirigen al saloom, mientras que otros se dirigen a la zona en la que piensa que puede estar la mina de plata del "bailarín" y los suyos, es decir, cerca del río. Esta presión de la persecución se hace notar entre los hombres de The Dancin 'Kid que avanzan sin mirar atrás. Y en su avance no perciben que Turkey se ha caído del caballo , dándose cuenta cuando llega al refugio. 

Ante las dudas sobre si buscarlo o no, el peso de Bart Lonergan se hace notar y deciden quedarse en el refugio. 

Por su parte, Vienna nada más llegar indemniza a sus hombres. Su objetivo es cerrar el local para luego cuando llegue el tren fundar la ciudad. También le paga a Johnny que dolido se marcha. 

Pero al cabo del rato se presenta Tom y no llega sólo. Se ha encontrado con un Turkey herido que pide cobijo en el local, justo en el momento en que llegan los ganaderos. 

Cuando el grueso del grupo llega Vienna se encuentra tocando el piaño la balada de Johnny Guitar con un vestido blanco. Tras irrumpir el grupo en el local , este se enfrenta a Vienna culpándola del robo . Ella desmonta su teoría. 

Pero cuando parece haber convencido a John McIvers y al Marshall Williams, aunque no a Emma, Turkie es detectado en el local y descubierto debajo de una mesa. Emma convence a los hombres para que cuelguen a Turkie . Este pide clemencia y Emma le dice que se le dará si reconoce la intervención en el robo de Vienna. Turkie que no quiere morir responsabiliza a Vienna. Tras lo cual Emma propone el ahorcamiento de ambos a lo que McIvers accede, aunque no Williams. Tom, por su parte, se niega , pero es golpeado y hiere mortalmente a Williams, tras o cual no queda ningún freno para ahorcar a ambos y quema el salón. 

Tras eso se disponen a ahorcar a Turkey y Vienna. A Turkey lo ejecutan pero cuando van a colgar a Vienna aparece en el último segundo Johnny Guitar quien salva a la chica. Vienna y Johnny huyen a caballo y se escapan encontrando refugio en una cueva pasando la noche. 

Una vez se ha alejado el peligro ambos van al escondite secreto de The Dancin 'Kid que es conocido por Vienna. 

Mientras el grupo de Anna y McInvers rastrea la zona. Nada más llegar Vienna junto a Johnny , el bailarín descubre que entre ambos hubo una relación tan poderosa que impedía que Vienna lo quisiera a él. Con todo se sorprende al saber que Johnny Guitar es realmente Johnny Logan, un pistolero de renombre. 

Entretanto Corvey y Bart salen fuera. Corvey ve como el grupo se dispone en la zona mientras él lee. Pero , después, es sustituido por Bart, que en un momento dado, traiciona al grupo que penetra en el área del escondite tras ver como el caballo de Turkey entra tras la catarata. 

Tras llegar a un acuerdo con Emma y los suyor va en busca de Corney para invitarle a unirse en su traición, pero éste se niega por lo que es asesinado por Bart. Cuando este huye se enfrenta a Johnny Guitar que sabe de la traición, justo cuando el grupo de Emma los sorprende.

Emma dispara sobre Vienna que es herida en el hombro y tras la intervención de Kid recibe un disparo en la frente de Emma. Tras eso continua el baño de sangre que culmina con la muerte de Emma ha mano de los disparos de Vienna. 

Lo tristemente acontecido hace reflexionar al líder de los perseguidores, con McIvers a la cabeza que decide dejar a Johnny y Vienna salir del escondite en paz, viéndolos ir. Con la cascada en la imagen suena la canción de Peggy Sue de Johnny Guitar y acaba la película. 

La historia fue rodada entre Arizona y California. La zona principal de rodaje fue Sedona, sobre todo el área de Red Rock Canyon, Bell Rock, Boynton Canyon, Schnebly Hill, Courthouse Butte, Oak Creek Canyon, así como en los Republic Studios en Radford Avenue, en North Hollywood de Los Angeles. Fue rodada entre octubre y diciembre de 1953. De hecho destacan las escenas filmadas en el distrito de Red Rock que abarca muchas de las famosas mesetas y mesas de roca roja, y los cañones que han hecho de Sedona una ciudad turística famosa. Justo al norte de Sedona se encuentra el cañón Oak Creek, uno de los muchos cañones grandes ubicados a lo largo del borde de Mogollon. Oak Creek Canyon forma parte del llamado Bosque Nacional Coconino (National Forest Coconino) una de las pocas áreas en el bosque donde los árboles de hoja caduca son el tipo de vegetación dominante y Ponderosa. Sedona está a 4,500 pies (1,400 metros sobre el nivel del mar) que el resto del bosque, lo que resulta en temperaturas más altas durante todo el año permitiendo el rodaje entre octubre y diciembre tal y como fue. 

El filme se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela y la había vendido a la Republic Pictures poniendo un requisito: ella sería la protagonista y tendría peso en la toma de decisiones.  Joan Crawford que actuaría por segunda vez en un western,  ya que no se prodigaba en este género - el anterior la de Luz de Montana (1930)- .  

La actriz y diva insistió en que sus primeros planos solo fueran filmados en el estudio, donde la iluminación podía controlarse rígidamente y de hecho no se rodó ningún primer plano de ella mientras rodaban en Sedona. Esto contrasta con lo que sobre ella dijo George Cukor "Tiene un rostro absolutamente perfecto, como una máscara griega. Todo está en su sitio exacto...Puede usted fotografiarla desde desde cualquier ángulo, de cualquier lado, no importa en qué lugar ni bajo qué condiciones. Siempre es magnífica. Pero su verdadero talento es su forma de andar..." 

Crawford que tenía previsto trabajar con Nicholas Ray - estaban programados para hacer una película llamada Lisbon en la Paramount, pero como el guión les resultaba inaceptable- Crawford que sostuvo los derechos cinematográficos del libro, derivó para la dirección de esta película al director de Wisconsin. 

La película era parte de un paquete que incluía a Roy Chanslor, un ex periodista convertido en guionista, quien escribió el guión especialmente para Joan Crawford. En ese momento, Republic era considerado el más prestigioso de los estudios menores y el contrato de Nicholas Ray con ellos le daba mucha libertad creativa a pesar del modesto presupuesto de la película. 

Se comenta que Nicholas Ray tuvo una aventura con Joan Crawford y quiso presentarla en una de sus películas. Pero durante la filmación, Ray se enfrentó con  Crawford, llegando hasta el punto de que Philip Yordan, para tranquilizarlo y animarlo, le dijo que cuando hubiese terminado de filmar nunca volvería a trabajar con Joan Crawford

Una de las primeras cosas que hizo el director fue contratar a Philip Yordan para una reescritura completa del guión. Yordan dijo más tarde: "Colaboró ​​conmigo menos en el nivel dramático que en el arquitectónico, creando entornos como el salón, trabajando en las relaciones geométricas entre los lugares". Pero el resultado le decepcionó. 

Crawford quería a Bette Davis o Barbara Stanwyck para el papel de Emma Small, pero eran demasiado caras. Claire Trevor fue la siguiente en mente para el papel, pero no pudo aceptar porque estaba atada a  otra película y, finalmente, Ray se decantó por la McCambridge. A Crawford no le gustó la elección de la joven Mercedes McCambridge como oponente. Crawford, quería aparecer más favorecida en sus primeros planos, así que exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. 

Joan Crawford quería , además, que Paul Newman interpretara a The Dancing Kid y Robert Mitchum fuese considerado para el papel de Johnny Guitar, pero la RKO no lo prestó así que el elegido fue Sterling Hayden , una elección inusual para el papel principal ya que no sabía montar a caballo ni tocar la guitarra ni disparar un arma. 

La mayoría de las personas afirmaron que era fácil trabajar con Crawford, siempre profesional, generoso, paciente y amable, pero con Hayden y McCambridge la cosa cambió.  Los problemas entre las dos mujeres surgieron al principio, pero Ray no se alarmó. Las razones de la disputa parecen remontarse a una época en que Crawford había salido una vez con el esposo de McCambridge, Fletcher Markle . Según algunos de los miembros del elenco,  McCambridge molestó a Crawford al respecto, como tampoco que  Crawford y Ray , que tenían cierta relación, le molestaba la "atención especial" que Ray le estaba prestando a McCambridge. 

Para empeorar las cosas, McCambridge  coincidió con una Crawford que estaba luchando contra el alcoholismo durante este período, algo que ella admitió más tarde y que contribuyó a los problemas entre ella y Crawford. La actriz femenina secundaria declaró que Crawford era "una dama mezquina y poderosa". Por su parte, Crawford dijo de McCambridge: "Tengo cuatro hijos, no necesito una quinta".  Más tarde, Ray afirmó que Crawford, durante un ataque de ira, lanzó los vestidos de la McCambridge a la calle, cosa que reconoció la Crawford admitiendo lo ocurrido y que era cierto que  una noche, Nicholas Ray encontró a Crawford, bebida a un lado de la carretera, destruyendo todos los trajes de Mercedes McCambridge  con un cuchillo y arrojándolos a los matorrales.  El elenco y el equipo tuvieron que recoger los trajes.  Recoge en su Historia del Cine Terenci Moix que ella declaró una vez "Seguro que estaba loca cuando acepté hacer ese bodrio". ¡Qué mala opinión tenía de la película! pero cuánto se equivocaba igualmente.

La cosa fue a peor cuando McCambridge la culpó por los dos años de inactividad de los repetidos intentos de Crawford de ponerla en una lista negra. Curiosamente, Ward Bond que fue miembro de "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" y "uno de los líderes más activos en la lucha contra los comunistas en Hollywood" trabaja en la película junto a la actriz que dijo ser represaliada. ". Parece que Philip Yordan, el guionista de la película, dijo: "Le hicimos un buen truco a Ward Bond, que era, como saben, uno de los líderes de los miembros de la "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" en Hollywood. Le hicimos desempeñar el papel de líder de la milicia, un terrorista extremista. Y pensó que su personaje era un héroe, un buen tipo. ¡No se dio cuenta de ello, no lo entendió ! Aunque a Philip Yordan se le acredita como guionista en la película, su contribución al guión en realidad fue escrita por Ben Maddow, integrante de la lista negra, a quien Yordan lideró, repartiendo la cuota con el escritor.

Pero por otro lado la relación con Hayden tampoco fue buena. El llegaría a decir en una entrevista: "No hay suficiente dinero en Hollywood para seducirme a hacer otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero" y continuo comentando que "Estaba en guerra con esa película, durante el día, con Joan Crawford ...y de noche con mi segunda esposa". A pesar de sus reservas sobre la película, Hayden reconoció la  popularidad que le vino con la película , pero llegó a  declarar que nunca había visto a nadie comportarse tan mal con Mercedes McCambridge.

Sin embargo, a Crawford le sorprendieron los comentarios de Hayden, afirmando que tenía una carta suya que decía que le encantaría volver a trabajar con ella.

Nicholas Ray se mostró bastante incómodo durante el rodaje y luego admitió: "Muchas veces, tendría que detener el automóvil y vomitar antes de ir a trabajar por la mañana".  Ray llegó a decir que en esos momento "Joan estaba bebiendo mucho y le gustaba pelear", pero que también era "muy atractiva, con una decencia básica".

Sus desagradables recuerdos de la producción solo se vieron reforzados por las críticas en su mayoría negativas que la película recibió de los críticos estadounidenses cuando se estrenó. Según "Flesh and Fantasy" de Penny Stallings, el equipo de rodaje dio un aplauso espontáneo después de una de las poderosas escenas de Mercedes McCambridge, lo que enfureció a la estrella Joan Crawford. Según Nicholas Ray, luego comenzó a filmar las escenas de la actriz que interpretada a la señorita Smell algo más temprano en la mañana antes de que Joan Crawford llegara allí para evitar conflictos. 

Con respecto a la banda sonora la música parece inspirarse o hacerse eco de varios temas de la danza española No. 5: Andaluza de Enrique Granados , que fue escrita para piano, pero a menudo se toca en la guitarra clásica. El instrumental para la canción se utiliza en los créditos de apertura y en toda la película. La canción aparece tocada en el piano por Joan Crawford (doblada) y cantada parcialmente al final por Peggy Lee . 

La película se estrenó el 7 de mayo de 1954 en Los Ángeles, y casi veinte días más tarde - el 26 de mayo de 1954 en Nueva York y , a partir de agosto en el resto de los Estados Unidos , y lo hizo con críticas negativas. Pero a pesar de una serie de comentarios negativos iniciales, en los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, esto no ocurrió en Europa , ya que el público  europeo, por otro lado, libre de sesgos convencionales, vieron a Johnny Guitar como lo que era: "una imagen estilizada, poco convencional, intensa, llena de ambigüedades y subtextos que la hicieron extremadamente moderna" como señalo Scorsese.

Johnny Guitar recaudó más de $ 2,500,000 en enero de 1955 y fue el número 27 en la lista de Variety de las más taquilleras de 1954. 

Esta misma revista dijo de ella que "Demuestra que [Crawford] debe dejar las sillas de montar y los Levis a otra persona y quedarse con las luces de la ciudad como fondo. [La película] es solo una pieza de entretenimiento justa. [El guionista] se involucra tanto con los matices de los personajes y las neurosis. , todo envuelto en un diálogo, que [la imagen] nunca tiene la oportunidad de levantarse en la silla de montar ... La gente en la historia nunca alcanza mucha profundidad, este personaje debe estar en desacuerdo con el pretencioso intento de análisis al cual Guión y dirección dedica tanto tiempo ". Y añadió "Amor, odio y violencia, con poca simpatía por los personajes, se mezclan en esta película demasiado larga." 

Dura, muy dura,  también fue la crítica de  Bosley Crowther destacó la resistencia física de Crawford para las críticas en su reseña del New York Times , afirmando que "no hay más feminidad en ella que en el robusto Sr. Heflin en 'Shane'. Para la dama, como de costumbre, no tiene sexo como los leones en los escalones de la biblioteca pública y tan aguda y románticamente prohibida como un paquete de hojas de afeitar sin envolver ". Además dijo en las páginas del The New York Times  "Ni Crawford ni el director Nicholas Ray evitan que sólo sea un simple paseo (...) por los clichés del western (...) El color es un poco desagradable y los paisajes de Arizona sólo son aceptables." 

Sin embargo, la película más tarde llegó a ser considerada como una de las mejores películas de Ray,  siendo una de las favoritas del cineasta francés François Truffaut , quien la describió como "La bella y la bestia de los westerns". Y añade Truffaut   Johnny Guitare fue hecho a medida para Joan Crawford, como El ángel de la maldición de Fritz Lang para Marlene Dietrich . Joan Crawford fue una de las mujeres más bellas de Hollywood; Ella está hoy fuera de los límites de la belleza. Ella se ha vuelto irreal, como el fantasma de sí misma. El blanco ha invadido sus ojos, los músculos de su rostro. Voluntad de hierro, cara de acero (sentido apenas figurado). Ella es un fenómeno. Se vuelve viril a medida que envejece. Su juego tenso, tenso, empujado a su clímax por Nicholas Ray, es en sí mismo un espectáculo extraño y fascinante ". Y también dijo " Johnny Guitar es una especie de remake de La Bella y la Bestia en la que la bestia sería Sterling Hayden" .  A Truffaut le impresionó especialmente la extravagancia de la película: los colores llamativos, la poesía del diálogo en ciertas escenas y la teatralidad que resulta en la desaparición y muerte de los vaqueros "con la gracia de las bailarinas ".

James Dean, al pasar por el área de Salinas en su última carrera, dicen que dijo "Aquí es donde le dispararon a Johnny Guitar ".  Según algunos de sus biógrafos, nunca olvidó mencionar a Johnny Guitare entre sus películas favoritas y estaba particularmente feliz de poder filmar The Fury of Living bajo la dirección de Nicholas Ray.

Según Martin Scorsese , el público estadounidense contemporáneo "no sabía qué hacer al respecto, por lo que o bien lo ignoraron o se rieron de él". 

En   1988, Mujeres al borde de una crisis nerviosa , el director español Pedro Almodóvar rindió un homenaje a la película. Su personaje principal, Pepa Marcos ( Carmen Maura ), un artista de la voz, se desmaya mientras dobla la voz de Viena en una escena en la que Johnny (expresado anteriormente por el ex amante de Pepa, Iván) y Viena bromean sobre su pasado conflictivo. La película de Almodóvar también termina con una persecución y una mujer obsesionada que dispara al personaje principal. 

Un década después, en 1998, la columna de Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader incluía a  Johnny Guitar como una de las 100 mejores películas americanas. 

La película fue reconocida por el American Film Institute en  sus principales listas a inicios de este siglo XXI.

En 2008, la Biblioteca del Congreso seleccionó a Johnny Guitar para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente importante".

También ha sido incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider y para Robert Ebert la incluyó en su particular lista de "Grandes películas".

En 2012, el director de cine japonés Shinji Aoyama nombró a Johnny Guitar como una de las mejores películas de todos los tiempos. Dijo: " Johnny Guitar es la única película que me gustaría rehacer algún día, aunque sé que es imposible. Probablemente sea la más cercana a la peor pesadilla que pueda tener. Estoy seguro de que mi deseo de rehacer esta película proviene de Mi torcido pensó que quiero rehacer mi propia pesadilla ". 

Para críticos actuales , hoy algunos de ellos fallecidos como Roger Ebert en su web rogerebert.com "La película tiene momentos extraordinarios (...) Es fascinante verla a ella y a Johnny usando palabras como si fueran armas de amor (…) "

Dave Kehr en otro diario de Illinois, el Chicago Reader señala que "A pesar de toda su violencia, es una película muy tierna y sensible (...) Con una inolvidable Mercedes McCambridge haciendo de némesis de Crawford"

Richard Brody en el The New Yorker comenta que  "Nicholas Ray es el director de Hollywood más emocionalmente furioso, extremo y sensible"

Para Scott Tobias de AV Club se trata de "Una película tan singular no es fácil de definir (...) Ray aportó una sensibilidad de izquierdas, feminista y revisionista que estaba 15 años adelantada a su tiempo"

Calum Marsh de Slant escribe que "Hay tantas cosas escondidas más allá de la superficie (...) Consigue humanizar el drama y la política del Macartismo al mismo tiempo que la transforma en algo casi surrealista (…) "

Para Bruce Bennett de IndieWire comenta que "En su primer tercio, 'Johnny Guitar' es una obra ingenuamente elaborada de teatro filmado (...) El espacio principal del salón es tan extrañamente moderno que podría ser obra del (...) arquitecto de producción Ken Adam."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian señala que es "Un western brillante, inolvidable y extraño (...) Un drama psicológico extraordinario (…)"

También desde las islas bitránicas  Tom Huddleston en Time Out dice que "Joan Crawford se sale de la pantalla en este emocionante y magistral western freudiano (…) "

Para  Kim Newman de Empire se trata de "Un western verdaderamente alocado, con localizaciones vívidas y coloridas y una intensidad casi operística de violencia física y emocional (…) "

En España Fernando Morales en  El País afirmaba que es "Uno de los mejores westerns de la historia (...) bellísima partitura musical de Victor Young y unas sobresalientes interpretaciones"

Terencia Moix en el tercer volumen de su Historia del Cine publicada por la revista Blanco y negro de ABC dice de Johnny Guitar que "es una de las cumbres del romanticismo cinematográfico , más allá de las coordenadas de western psicológico entonces de moda. Sigue siendo un filme majestuoso, poco comprendido en su momento".

Para muchos críticos, incluido Roger Ebert ,  han señalado que la película es un comentario oculto sobre la caza de brujas de McCarthy momento en que fue filmado y lo considera una parábola sobre la situación política de Estados Unidos en ese momento. Se sospechaba que Nicholas Ray simpatizaba con los comunistas, pero su productor Howard Hughes lo estaba protegiendo de las investigaciones en curso.

Es una gran película que responde un poco a esa idea que dio Eric Rohmer sobre el director "Nicholas Ray , es un poeta" o como señaló Terenci Moix refiriéndose al director , pero también y en concreto a Johnny Guitar, como una característica de la película y del director: "la capacidad de dotar a sus personajes de carga lírica que le hace sobresalir en sus relaciones con ambientes a menudo hostiles".

Para mi la película contiene los más impresionantes diálogos de un western en sus 45 primeros minutos. Como amante de los western lo consideró una inmensa obra de arte. Además rodada en esa ciudad y sus alrededores que alcancé desde Flagstaff de casualidad para descubrir un espacio en el que vi por primera y única vez en mi vida un diminuto colibrí volando. Un lugar de película.

Ford Apache

Sí, sí; Ford Apache. No es un error, lo he hecho conscientemente. Es mi personal homenaje a ese gigantesco director norteamericano, enamorado de su Irlanda ancestral, que se presentaba como " Me llamo John Ford y hago western".  Fort es fuerte, pero Ford, en el cine, sólo puede ser John Ford.

Así se presentó el maestro, con su parche en el ojo, su gorra de beísbol y su mordisqueada pipa, en la reunión de la liga de directores donde Cecil B. DeMille pedía la cabeza de Joseph Leo Mankiewicz por comunista. ¡¡¡Qué gran tarjeta de visita!!! Un hombre al que se ha tachado de conservador, militarista, belicista y racista, un apologeta de la violencia, el imperialismo y el colonialismo. Nada más alejado de la realidad, dando la cara por un compañero,  el director por ejemplo de Cleopatra, ante otro compañero al que apreciaba como director, pero no como persona.  

John Ford, o simplemente, Ford, el tuerto, era el director de la luz en blanco y negro - o en color- del , para mi, idolatrado Monument Valley, ese espacio que pude ver desde las nubes mientras cruzaba el cielo camino del Sur de los Estados Unidos. Era el director del galope de la caballería, el hombre que dignificaba y convertía en héroes a los viejos borrachos arrinconados en un pueblo de Irlanda o en una cantina del viejo Oeste, del polvo en el viento y en la ropa de los desiertos de Arizona o México, del silencio o de la apuesta por la sonoridad de los "Sons of Pionners" , de los caminos polvorientos, por los que se mueven , entre otros, John Wayne y Henry Fonda como actores principales, pero siempre acompañados de George O'Brien, Ward Bond o Victor McLaglen o su cuadrilla de navajos.

Aunque fuese rencoroso y obcecado, alcohólico y violento, pero también valiente y generoso y, por lo que aquçi afecta, un gran director. Preguntado en cierta ocasión acerca de sus tres directores favoritos, Orson Welles exclamó: «John Ford, John Ford y John Ford». Es buena prueba del inmenso prestigio que el gran director de ascendencia irlandesa tuvo siempre tanto entre sus compañeros del Hollywood clásico como entre las siguientes generaciones de realizadores ya devorados por la cinefilia, de Martin Scorsese a Steven Spielberg. Es hermoso saber que cuando al crítico José Luis Guarner le anunciaron que le quedaban pocas horas de vida, pidió ver una última vez Centauros del desierto…

Hubo un momento en que John Ford, que había vivido en sus propias carnes la segunda guerra mundial , pensó que debía que rendir un homenaje al Ejército. Y Fort Apache fue la primera película surgida con esa intencionalidad, la primera de la conocida como Trilogía de la caballería, que completan La legión invencible (1949) y Río Grande (1950). De hecho, aunque pudiera parece otra cosa fue una de las primeras películas en reflejar simpatía y respeto por los nativos americanos.

Tras esta vino She Wore a Yellow Ribbon (1949) y Rio Grande (1950), ambas también protagonizadas por Wayne. A pesar de que pudiera ser planteada como una Trilogía "la de Caballería" lo cierto es que , inicialmente,  John Ford no había pensado realmente como una trilogía.  Ford en equipo con Merian C. Cooper lo que realmente planteó fue darle estabilidad financiera a su empresa, Argosy Productions, tras el fracaso comercial de El fugitivo (1947), así que apostó por lo que le había salido bien.

La Trilogía de la Caballería sirvió para etiquetar a John Ford como cineasta «fascista». Para acusarlo algunos de ello por la visión que daba del ejército norteamericano visto como la glorificación del militarismo , colonialista y  genocida. Sin embargo, puede ser todo lo contrario pues por ejemplo en Ford Apache prevalece el clasismo sobre militarismo y sobre el indigenismo. En Fort Apache, el protagonista es un militar clasista cuya obcecación en búsqueda de la gloria queda bien claro que conduce a sus hombres a la muerte. Por otro lado, la visión de los indios  no puede ser más digna.

De ningún modo la Trilogía es un conjunto de «hazañas bélicas» para mayor gloria del VII º  de Caballería. De hecho  Fort Apache es la historia de una enorme derrota.

El guión se inspiró en la historia corta de James Warner Bellah "Massacre" (1947), aunque Ford , sin duda alguna, parece inspirarse directamente en   George Armstrong Custer y su derrota en la batalla de Little Bighorn y su misión suicida.

Para su película John Ford contó en la dirección artística con James Basevi y , como en otras de sus película se hizo productor de la misma junto a Merian C. Cooper - que por cierto había sido oficial de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y de la Fuerza Aérea de Polonia y director de la RKO Pictures ,antes y después de la Segunda Guerra Mundial- por medio de Argosy Pictures que trabajó en este caso bajo el amparo de la productora y distribuidora de la RKO Pictures con un presupuesto de $ 2.1 millones.

La película sigue el guión trazado por Frank S. Nugent siguiendo lo ideado en la ya citada "Massacre"de James Warner Bellah.

La música, papel esencial en todas las películas de Ford, será de Richard Hageman , habitual colaborador de John Ford con el que había conseguido un Oscar por La diligencia y trabajaría en obras anteriores como El fugitivo, y posteriores como "She wore a yellow ribbon", la segunda de la trilogía, y gustaba de componer pensanado en los inmensos espacios abiertos y grandes horizontes , combinando esas melodías con canciones del folklore popular; mientras que el maquillaje lo será de Emile LaVigne.

La fotografía de un colaborador permanente de Archibald "Archie" Job Stout , el gran fotógrafo de exteriores, que combinaba sus trabajos entre los puestos de director de fotografía y trabajos de segunda unidad, y que , como amigo personal de Wayne, está presente en 25 de sus películas. También estará presente en el montaje Jack Murray.

El reparto lo encabeza John Wayne como el Capitán Kirby York  y Henry Fonda como el Teniente coronel Owen Thurday. Junto a ellos habituales de Ford como  Ward Bond como Sgt. Mayor Michael O'Rourke , John Agar como Teniente  Michael Shannon como "Mickey" O'Rourke , Dick Foran como sargento Quincannon , Pedro Armendáriz como sargento Beaufort , Miguel Inclán como Cochise y Victor McLaglen como sargento Festus Mulcahy .

Junto a ellos aparecen Shirley Temple como Miss Filadelfia Thurday, hija de uno de los protagonistas,  Guy Kibbee como el Capitán Wilkens, el cirujano de regimiento , Anna Lee como Emily Collingwood,  George O'Brien como el Capitán Sam Collingwood, Jack Pennick como el sargento Daniel Schattuck , Irene Rich como Mary O'Rourke , Grant Withers como Silas , Meacham Movita como Guadalupe,  y Ray Hyke como el Teniente Gates, ayudante de regimiento

La película comienza en el desierto del Mojave , mientras el Teniente Coronel  Owen Thursday (Henry Fonda) es destinado a un lejano y perdido emplazamiento en la frontera con México llamado Fort Apache. Owen es un hombre ambicioso que ha intervenido en Europa y que quiere conseguir altos honores militares mediante acciones que serán mérito suyo. Se trata de un militar arrogante y detallista, obsesionado con las ordenanzas. En este caso va acompañado por su joven hija,  Miss Filadelfia Thursday (Shirley Temple) que está encantada de poder contar con su padre, tras haber estado dos años alejada de él.

Tras llegar a una cantina perdida en mitad de la nada, y preguntar si es conocida su llegada, le informan de que no es así.

De cualquier manera, su hija se dispone ir al servicio y en el mismo coincide con otro militar. Se trata de un joven  Teniente  Michael Shannon como "Mickey" O'Rourke  (John Agar) que acaba de regresar de West Point. El encuentro entre ambos implicará el inicio de un enamoramiento mutuo.

Tras eso llegan a la cantina tres sargentos veteranos desplazados de Fort Apache con la intención de recibir al hijo de su compañero, otro veterano militar, el sargento O´Rourke  (Ward Bond) . Se tratan del sargento Quincannon (Dick Foran),  el Sargento Beaufort (Pedro Armendáriz) y el Sargento Festus Mulcahy (Victor McLaglen).  Al ver la llegada  Thursday, piensa que les han comunicado su llegada. Sin embargo, ellos lo sacan de dudas pues no sólo no saben nada, sino que informan que el telégrafo ha sido tirado por los apaches. De cualquier manera todos juntos van hacia Fort Apache.

Al llegar el fuerte está siendo dirigido por dos capitanes como el veterano capitán Kirby York ( John Wayne ), muy respetado, y que esperaba ser el reemplazo del comandante saliente en Fort Apache , en ese puesto aislado de caballería de los EE . UU junto con el Capitán Sam Collingwood (George O'Brien) , ambos militares que se integraron en el ejército unionista cuando acabó la Guerra Civil Americana.

Kirby York había ordenado su propio regimiento durante la Guerra Civil y estaba bien calificado para asumir el mando permanente. Para sorpresa y decepción de la compañía, el teniente coronel Owen Thurday  ( Henry Fonda ) viene con el nombramiento del mando del regimiento.

Thursday, graduado de West Point , y que  fue general durante la Guerra Civil, ahora como  teniente coronel no tiene experiencia con los indios que se espera que supervise

De cualquier manera es aceptado su llegada por Collingwood , al que destituye de sus funciones. De cualquier manera, éste y su mujer Emily Collingwood (Anna Lee) tratan magníficamente a Philadelphia, quien al día siguiente se encuentra nuevamente con el teniente segundo Michael Shannon O'Rourke ( John Agar ), el hijo del sargento mayor Michael O'Rourke ( Ward Bond ) quien recibió la Medalla de Honor como comandante de la Brigada irlandesa durante la Guerra Civil, lo que le permitió a su hijo ingresar a West Point y convertirse en un oficial. En cumplimiento del protocolo entrega a la chica una tarjeta de presentación y ésta se enamora de él, casi de inmediato.

Por su parte, Thurday,  consciente de su clase, le prohíbe a su hija ver a alguien a quien no considera un caballero. Pero de todas formas la chica, que recibe un caballo como regalo por parte de la compañía le pide que le enseñe los alrededores. Lo cierto es que en esa salida detectan la presencia de indios apaches en la zona. Estos han quemado a dos soldados en el poste de un telégrafo.

Owen Thursday cuando se entera de la ausencia de su hija y de la compañía de O´Rourke le prohibe salir desde ese momento con el muchacho.

De cualquier forma Kirby, conocedor de los indios, decide investigar por su cuenta y descubre que el delegado del gobierno en la zona, un vendedor , Silas Meacham (Grant Withers) está vendiendo , a pesar de la prohibición, alcohol y armas a los indios, cosa que comprueban "in situ" tanto Thursday como York . Su actitud y su falta de épica ha provocado la reacción del jefe apache Cochise.

Ante la preocupante situación , York y Beaufort ( Pedro Armendáriz) persiguen a Cochise hasta la frontera con México, penetrando en el interior del país.

En un momento dado hay un encuentro con los indios y, finalmente, logran entrevistarse con  Cochise ( Miguel Inclán ). Tras llegar a un acuerdo con el gran jefe apacha , que está rodeado junto a otros, entre ellos Gerónimo Beaufort y York regresan a Fort Apache.

Cuando llegan los suboficiales están organizando una fiesta presidida por el más veterano de todos, el Sargento O' Rourke.

Casi de inmediato Owen Thursday que está en el baile, aunque de mala gana, pues  está entre suboficiales ordena la salida para el día a primera hora, a pesar del consejo de York de tratar a los nativos con honor y remediar los problemas de la reserva causados ​​por el corrupto agente indio Silas Meacham ( Grant Withers ).

La incapacidad de Thursday para represaliar a Meacham efectivamente,  debido a su rígida interpretación de las regulaciones del Ejército que declara que Meacham es un agente del gobierno de los Estados Unidos y por lo tanto tiene derecho a la protección del ejército (a pesar de su desprecio personal por el hombre), junto con los prejuicios y el desprecio que siente hacia la nación apache hace que el alto mando decida ir directamente a la guerra con los indios.

Thursday , ansioso por la gloria y el reconocimiento ordena que su regimiento  esté preparado para  la batalla en los términos tradicionales, ignorando el modelo de batalla de los apaches de Cochise, y apostando por  una carga directa en las colinas, a pesar de las advertencias urgentes de York de que tal movimiento sería suicida.

Ante las advertencias del capitán York , Owen releva a York y le ordena que se quede atrás, reemplazándolo con el Capitán Sam Collingwood ( George O'Brien ).

Cumpliendo las órdenes de Thursday, York saca al joven O'Rourke del batallón, mientras que el resto van a una carga suicida.

Lo pronosticado por Owen Thursday se cumple y el regimiento es casi  aniquilado por los hombres de Cochise, pero algunos soldados logran escapar  a una cresta donde se encuentra el Capitán York. El mismo Thursday sobrevive,  pero luego retorna al campo de batalla para morir con el último de sus hombres atrapados.

Cochise perdona la vida a York y al resto del destacamento porque sabe que York es un hombre honorable.

Un tiempo más tarde, vemos que ahora el teniente coronel Kirby York comanda el regimiento. Reuniéndose con los corresponsales de prensa que han ido para enterarse de la carga heroica de Thursday. York ahora presenta a la prensa al teniente O'Rourke, ahora casado con Filadelfia.

Un periodista le pregunta al coronel York si ha visto la famosa pintura que representa la "Cargo de Thursady". York, a punto de comandar una nueva y ardua campaña para atraer a los apaches, aunque cree que Thursay se equivocó y erró en la táctica  que encabezó contra los apaches por temeraria y suicida, dice , por contra, que el cuadro es precisa y luego recuerda a los periodistas , mientras mira por la ventana, que los soldados nunca serán olvidados mientras el regimiento siga vivo. Acaba así la película.

 Algunos exteriores para el rodaje de la ubicación de la película fueron filmados en Monument Valley , Utah . Los exteriores que involucran al fuerte en sí y al comercial renegado del agente indio fueron filmados en el Corriganville Movie Ranch , un antiguo rancho de películas de Simi Hills que ahora es un parque regional en el valle Simi del sur de California.

También se rodó en espacio protegidos en diversos puntos de Utah, Arizona y California. Destacan algunos sitios como el  Parque Nacional Arches, de Utah, en Shafer Outlook en el Goosenecks State Park en la State Highway 316 de Mexican Hat, en Utah, en el Parque Estatal Dead Horse Point, también en Utah, al igual que en Moab y Kanab, ambas en Utah.

También se rodó en Kayenta, Red Mesa, Teec Nos Pos, y Mexican Water todas en Arizona, y en los Selznick International Studios en el  9336 W. Washington Blvd., Culver City, en California. Las secuencias de batalla se filmaron en el lado de Arizona de Monument Valley, ya que las tasas de seguro para los especialistas en acrobacias eran más bajas allí que en el lado de Utah.

La película fue un éxito de público y de taquilla, y registró una ganancia de $ 445,000 consiguiendo en taquilla $ 3 millones. Y es bien valorada por la crítica del momento y la actual. Entre esta última destaco la de Steve Crum que dice que es "un clásico en sí mismo. Wayne y Fonda están bien. O la crítica de Jeffrey M. Anderson de la que dice que es "una película extraña, que consiste más en desvíos que en una historia real, pero que mostró una nueva inquietud en Ford". Para Michael E. Grost de la que dice que es "Fascinante western cargado de comentarios políticos y sociales".

En cuanto a la producción señalar que la película fue el debut cinematográfico de John Agar . Ya sea porque Agar estaba recién casado con Shirley Temple o porque Ford  quería ponerlo a prueba, el director le llamaba  sin piedad  "Sr. Temple" delante de todos y criticaba su falta de habilidad en una equitación experta. Un día, Agar salió corriendo del set, jurando abandonar la película, pero John Wayne se lo llevó aparte y lo ayudó con algunos trucos de los aspectos más difíciles de su trabajo. John Agar nunca olvidó la ayuda generosa y paciente que John Wayne que le dio como actor joven e inexperto en esta producción. "Me hubiese ido al infierno y regresé por Duke", dijo más tarde. Trabajaron en cinco películas más juntos.

Señalar que poco después, un par de años,  Shirley Temple y John Agar tuvieron un divorcio muy publicitado  con acusaciones de abuso conyugal, infidelidad y alcoholismo.

Igualmente John Ford no se llevaba bien con la esposa de Agar, Shirley Temple , que contaba con 19 años, y con frecuencia ridiculizaba su actuación y por su falta de educación. Para Shirley Temple fue uno de sus primeros roles adultos, y ya estaba embarazada durante el rodaje lo que le preocupaba el montar a caballo o usar un corsé demasiado apretado lo que podría inducir a un aborto espontáneo.

El director de fotografía Archie Stout y John Ford utilizaron material de película infrarroja en blanco y negro, que se desarrolló originalmente para investigación médica y científica, en muchas escenas exteriores filmadas en Monument Valley para realzar las nubes y las formaciones rocosas. No detectaba el color azul, sino que lo registraba como negro, lo que crea espectaculares paisajes y cielos. Fue el fotógrafo mexicano Gabriel Figueroa , que trabajó con Ford en El fugitivo (1947), quien sugirió esta técnica.  Sin embargo, el tono de la piel de los actores parecía demasiado pálido en el infrarrojo, por lo que se vieron obligados a usar un maquillaje muy oscuro para compensar.

Las condiciones del rodaje fueron difíciles, ya que las temperaturas que a veces aumentaban a 115 grados Farenheit  en el día y bajaban a  sólo a 90 grados durante la noche. Además el rodaje se retrasó varias veces por los fuertes vientos y las tormentas del desierto.

La trama de esta película se basó en la Última carga del General Custer o "Custer's Last Stand", siendo Owen Thursday el George Armstrong Custer; lo que sí se hizo  sustituyendo a los apaches por los sioux. El encubrimiento por parte de los supervivientes y de los militares del error por el militar protagonista  está en línea con el encubrimiento de los errores de Custer y la desobediencia deliberada de las órdenes en Little Big Horn.

El fuerte de Fort Apache, construido para esta producción, se mantuvo durante años. Fue reutilizado en docenas de producciones, especialmente la serie de televisión Rin Tin Tin (1954). Estaba ubicado en Corriganville Movie Ranch en Simi Valley, California. Hoy es posible visitar esta ubicación, ya que ahora se administra como City Park en Simi Valley.

John Ford usó navajos para interpretar a los  apaches, considerándolos como "actores naturales" y muy confiables. Él los respetaba y disfrutaban trabajando para él. Les encantaba que se rodara cerca de la nación navajo una película  porque significaba trabajo. Viajarían muchos kilómetros en carreta por un trabajo, y sabían que podían contar con un gran almuerzo con Ford. La película requirió a 200 navajos como guerreros apaches y otras 100 mujeres y niños navajos. Igualmente, también requirió 100 extras no indios como tropas de caballería.

Es la última película protagonizada por Henry Fonda antes de aparecer en la lista gris por su activismo político de izquierda.  Henry Fonda tenía sus propios problemas personales en este momento: falta de roles gratificantes. Además influyó las dificultades del rodaje de "El fugitivo" la que había sido  su última película con John Ford , en (1947), y su completo fracaso en la taquilla. A esto se unía los matrimonios fallidos; alienación de sus hijos y algunos de sus amigos a través de los años. Su biógrafo Peter Collier afirma que "el caballero de caballería con baqueta que jugó en 'Fort Apache' de John Ford era quizás el más cercano a su personalidad fuera de la pantalla en este momento".

Aunque Henry Fonda trabajaría con John Ford nueve veces en el transcurso de sus carreras, el actor encontró frustrante la falta de voluntad del director para ensayar escenas emocionales. Observó que si quería hablar de una escena, Ford cambiaría de tema o le pediría que se callara. Fonda tampoco se sintió cómodo con el lenguaje sucio y las formas de acoso de Ford. "Literalmente, vi lágrimas en los ojos de Henry Fonda en [esta película]", recordó Michael Wayne . "Se dio vuelta y se fue". De cualquier manera, Henry Fonda también admitió que el director fue responsable de algunos de sus mejores trabajos. Los críticos de cine a menudo han estado de acuerdo, señalando que antes de trabajar con Ford,  Fonda era una estrella, pero después de trabajar con él, Fonda era actor.

Aunque John Ford no permitió que sus esposas y novias llegaran a sus lugares, John Wayne pudo traer a su hijo Michael Wayne con él a Monument Valley. Más tarde describió las condiciones difíciles y las largas horas de trabajo de seis días por semana: "Lo único que la gente podía hacer en Monument Valley era trabajar , no había otra distracción. Pero cuanto más áspero era, más parecía que le gustaba a Ford."

El actor John Hudkins se rompió la espalda durante el rodaje, cuando un vagón de municiones a toda velocidad  dio la vuelta y arrastró a las cuatro personas a bordo hacia una pared rocosa (Hudkins se rompió la espalda cuando uno de los caballos cayó encima de él, la escena se mantuvo en la película). Afortunadamente, el doble y el actor ocasional, Ben Johnson,  galoparon y evitaron un accidente potencialmente mortal. Fue recompensado con un contrato de siete años con Argosy y papeles importantes en los años venideros. Hudkins estuvo sin trabajo durante aproximadamente un año mientras se recuperaba.

Como era habitual en John Ford contó con Ward Bond en esta película. Y como los demás recibió su parte de abuso y bromas, no solo de John Ford sino también de John Wayne . Los dos solían burlarse de él sin piedad por   el enorme tamaño de su parte trasera. El corpulento y áspero Bond albergaba ambiciones de convertirse en protagonista romántico, para la diversión de todos, y siguió quejándose a lo largo de la película de que debería haber jugado el papel de Wayne. Ford simplemente lo despidió con el apodo "Grande y doble feo".

John Wayne se entregó por completo a las intenciones y órdenes del director por el que sentía un gran respeto por su talento "Cuando señaló la cámara, estaba pintando con ella", dijo Wayne. "No creía en mantener la cámara en movimiento, movió a su gente hacia la cámara y se alejó de ella"

La secuencia de la música de apertura contiene algunos compases de "She Wore a Yellow Ribbon". Este fue el tema musical de la película del mismo nombre, la segunda de "La trilogía de caballería" de John Ford . De hecho el peso musical de la película es determinante en toda la historia, puede que no tanto como Río Grande, la tercera de la trilogía, pero sí que juega y está presentes en multitud de momentos importantes de la película.

John Ford parecía disfrutar creando dificultades entre el elenco y el equipo comenzando peleas y comportándose de forma abusiva, todo ello , según las malas lenguas, para ser temido y obedecido ciegamente.  Entre ese equipo permanente John Ford contó con el guionista Frank Nugent e hizo que le escribiera biografías completas para cada personaje: detalles del nacimiento, educación, política, hábitos de bebida, caprichos, etc.Aunque trabajarían juntos en 11 películas, John Ford y Frank Nugent no establecieron la misma relación cercana que Ford tuvo con Dudley Nichols , ni Ford tuvo el mismo nivel de respeto por Nugent, a pesar de que Nugent se casó con la hija de Ford. "Una vez que el guión está terminado, el escritor debe mantenerse alejado de su camino", dijo Nugent. "La imagen final es siempre de Ford, nunca del escritor". Sin embargo, Ford tuvo la suerte de recibir las contribuciones de Nugent y Merian C. Cooper al proyecto. Según el guionista Philip Dunne , que trabajó con Ford en ¡Qué verdad era mi valle! (1941), "Ford realmente no entiende los guiones. No tiene sentido de la historia. Tiene un gran sentido de las escenas. Pero Ford nunca debería ser el productor de sus películas".

John Ford despidió al actor / director Paul Fix mientras el equipo estaba filmando en Monument Valley. El guionista contrató a un estudiante de antropología de la Universidad de Arizona como su guía. Después de regresar, Ford le preguntó si creía que había reunido suficiente información. Cuando Nugent respondió que sí, Ford le dijo: "Bien. Ahora olvídate de todo lo que leíste y comenzaremos a escribir una película".  Como preparación para escribir el guión de la película, John Ford hizo que Frank Nugent leyera 50 libros sobre el período y escenario de la historia y lo envió a Arizona para estudiar la cultura Apache.

Frank Nugent sintió que John Ford tenía ideas vagas de historias en mente pero no sabía cómo desarrollarlas, por lo que su método de trabajo se convirtió en una rutina simple: escribir una escena aproximada, y luego enviarla a Ford para que comentara. Se centró principalmente en el desarrollo del carácter, consciente de que Ford odiaba la exposición y que proporcionaría gran parte de su propio diálogo.

Mientras Frank Nugent completaba el guión, John Ford fue a buscar lugares en Monument Valley. Completamente consciente de que necesitaba un generador de dinero para mantener a Argosy solvente, Ford pasó seis meses planificando cuidadosamente un guión de rodaje y configuraciones previas a la producción para poder recortar su presupuesto de $ 2.8 millones a $ 2.1 millones y acortar el calendario de rodaje planificado de 77 días a 44.

En este universo paralelo a Ford, jugó un importante papel Danny Borzage , hermano del director Frank Borzage , a quien John Ford contrataría como un músico para que Danny pudiera tocar las canciones favoritas del director en el acordeón entre tomas para mantener vivo el ambiente. Michael Wayne recordó que a veces el sonido del acordeón de Borzage, o alguien que canta sin acompañamiento, sería todo lo que traspasaría el silencio por la noche, mientras los rayos de calor brillaban en la distancia.

En 1953 RKO reeditó esta película en una doble factura con otra western, Sangre en la luna (1948), protagonizada por Robert Mitchum , Barbara Bel Geddes y Robert Preston , con el lema "Two Rip-Roaring Action Hits!".

El censor de películas Joseph Breen tuvo algunos problemas con el guión. Estaba preocupado por una escena de los hombres que trabajan en una pila de estiércol como posiblemente ofensivo e insistió en que una escena con los dos soldados muertos se manejara discretamente sin ningún de morbosidad. También dio órdenes de que no se mostrara ningún inodoro en la pantalla y que las escenas de bebida se mantuvieran al mínimo. Breen también instruyó a John Ford para mantener un contacto constante con Mel Morse, director regional de la American Humane Society, con respecto a cualquier escena que involucre caballos u otros animales.

John Ford contrató a dos médicos de Los Ángeles para supervisar a su equipo  de 600 personas en Monument Valley, donde la compañía trabajaba a 135 grados centígrados.

El presupuesto original de la película era de $ 2.8 millones, y por su trabajo, a Shirley Temple , John Wayne y Henry Fonda se les pagaron $ 100,000 cada uno, mientras que Victor McLaglen recibió $ 75,000.

Ben Johnson , que interpreta al sargento Tyree en La legión invencible (1949) y  al soldado  Tyree en Río Grande (1950), también aparece en esta película, aunque no como actor, sino como doble de Henry Fonda en esta película, pues era ex jinete de rodeo descrito como "el mejor jinete de Hollywood".

John Ford se aseguró de que la historia incluyera varios personajes irlandeses; quería incluir "un poco de Americana" al describir el tipo de irlandés-estadounidense que se dirigió hacia el oeste después de la Guerra Civil.

George O'Brien , como el Capitán Sam Collingwood, era en realidad un viejo amigo de John Ford que protagonizó la película muda  El caballo de hierro (1924), salió de su retiro para interpretar al comandante del fuerte reemplazado por Henry Fonda en esta historia.

El primer ayudante de cámara William H. Clothier se convirtió en el director de fotografía favorito de John Wayne después de esta película. Trabajaron en 17 películas  juntos.

La película está reconocida por el American Film Institute en las  listas de 2008 sobre las 10 principales 10 de AFI en los western. La película consiguió el premios de estar nominada por su guión por el Sindicato de Guionistas (Writers Guild of America, WGA) en la persona del guionista Frank S. Nugent .

La película fue galardonada con el Premio al Mejor Director y al Mejor fotografía en el Festival Internacional de Cine Locarno de Locarno, Suiza .

El crítico Bosley Crowther del The New York Times dijo de ella que   "El Sr. Ford nunca nos decepciona. Cada episodio, cada detalle del drama y de los personajes está realizado con firmeza y vigor."

Fort Apache es sobre todo una crítica de la tiranía, de la autoridad ejercida despóticamente por Thursday, es decir, del autoritarismo, sin consideración por el sentido común y lo que hoy se denomina “inteligencia emocional”.  La diferencia entre el general degradado Owen Thursday, que llega entre amargado y resentido a Fort Apache para ser su comandante, y el propio Ford, es que Thursday -interpretado por otro tipo con reverso tenebroso, Henry Fonda- es un elegante patricio yanqui allá donde Ford parecía un patán desaseado (un “irlandés de chabola” lo describirá no de sus numerosos enemigos).

La película contiene un reconocimiento a ciertos valores que encarna Thursday: la disciplina, el orden, el rigor, el coraje, variables todas ellas que tienden a perderse en un ambiente relajado, llevando con ello al descuido, la molicie y la ineficiencia.

A pesar de que Fort Apache es una respuesta en toda regla a la imagen idílica que de Custer habían mostrado Raoul Walsh y Errol Flynn en Murieron con las botas puestas (1941), tanto la interpretación de Fonda, al igual que siempre sublime, como la delineación del personaje por parte de Ford no se ceban con el personaje haciendo de él una caricatura histriónica: Thursday se pasa la película disculpándose con todo el mundo  y, por último, su final es heroico y ejemplar. Ford nos está diciendo que así debe morir un oficial de caballería de los Estados Unidos de América, que puede ser incompetente y soberbio pero jamás cobarde. Por ello mismo, el capitán York, que “hereda” Fort Apache, representa el ideal militar para Ford: alguien que es capaz de poner el bien común por encima de las aspiraciones egoístas, que prefiere un mal acuerdo a una buena batalla, que es respetuoso con el Otro (sea sudista o indio navajo) siempre que se mueva por los universales del honor y la gallardía, la bravura y la nobleza. Pero que también, y aquí recoge el modelo “West Point” que representa Thursday, es capaz de imponer disciplina, jerarquía y orden en una institución como la militar -en esto igual, aunque en distinto grado, a la escolar- que exige caracteres templados y hábitos enraizados. El valiente no nace, se hace.

Al final de Fort Apache, York no sólo justifica aparentemente a Thursday sino que viste como él. Sin embargo, la interpretación de John Wayne (que desde Río Rojo (1948) de Hawks había demostrado lo sutil y profundo que podía ser), nos obliga a “leer entre fotogramas”: Ford defiende la autoridad, no el autoritarismo; defiende a los indios, dando una imagen de Cochise, el jefe de los indios, como de auténtico gentleman y estadista frente al histérico Thursday; hace todo lo posible para integrar a las minorías, ya sea a los soldados “sudistas” -a los que entierra, por ejemplo, con su propia bandera y no con la de barras y estrellas- o, claro, a los irlandeses, los únicos que, en todo caso, deberían protestar por el retrato que de ellos hace Ford: bravucones, alcohólicos, pendencieros, machistas, buenos soldados, regulares oficiales por su tendencia a a discutir las órdenes... en fin, como él mismo.

La visión que Ford da de los soldados los reviste de enorme dignidad (soldados e indios, para Ford, son seres especulares, cada uno con su propio estilo de vida, pero que comparten la misma valentía, la misma vida nómada y el mismo componente gregario como sustrato ético).

También es cierto que Ford no juzga lo correcto o incorrecto de la indudable rapiña que se hizo a los indios: Ford no es un historiador sino un poeta, y los poetas juegan con los arquetipos y no con las realidades. Lo que a él le interesa de los soldados no son los motivos de sus actos sino la vida que llevan. Y ahí es donde se encuentra la poesía, la poesía que Ford compartió con muchos otros grandes artistas (cineastas, literatos) cuya ideología fue profundamente conservadora y burguesa: la considerable simpatía y comprensión, casi envidia, que sintieron por aquellos que no eran como ellos porque no podían serlo, porque no tanto sus elecciones vitales como los condicionantes de su existencia los convirtieron en lo opuesto a ellos.

En esta como en toda la trilogía nos movemos sobre espacios comunes,  fuertes fronterizos gobernados por el   7º de Caballería; se basan siempre en historias de James Warner Bellah, un autor de novelas del oeste muy popular en su época; John Wayne es el protagonista de las tres, si bien en la primera comparte peso estelar con Henry Fonda; se repiten los secundarios, incluso los rostros de figuración, de una película a otra: el más emblemático, el entrañable Victor McLaglen, sale en las tres; las canciones populares que tanto amaba Ford y que la tropa canta continuamente pasan de un film a otro, e incluso dan título al segundo: La legión invencible se llama, en realidad, Ella llevaba una cinta amarilla; de una a otra van saltando, los encarne el mismo actor o no, el mismo prototipo de personaje: el sargento mayor que supone prácticamente la mascota del regimiento; el joven oficial en formación; la muchacha enamorada de éste; el soldado experto en caballos y rastros; el médico lúcido y escéptico… Y por supuesto, el capitán que sabe juzgar a los hombres de un vistazo y que en todo momento sabe cómo conviene tratar a cada uno: no por casualidad se construyen los carismas.

Fort Apache recrea la historia de la famosa derrota sufrida por el general Custer en la batalla de Little Big Horn a manos de los sioux de Caballo Loco  . El guión hace que el Custer del relato sea un altivo oficial, el coronel Owen Thursday, el cual, sin que se concreten nunca los motivos, ha sido degradado del generalato y enviado al último rincón del mundo, a un puesto polvoriento que, sin embargo, desde el primer momento decide que será su plataforma para volver a la cúspide.

El film se desarrolla en dos niveles. El primero sigue la trayectoria del protagonista hacia el desastre, y lo hace poniendo bien claro su clasismo (se niega a aceptar el amor de su hija por un joven oficial que es hijo del sargento mayor del fuerte: a sus ojos, un plebeyo), su racismo (que le lleva incluso a obligar a su capitán a violar la palabra dada a Cochise: un indio no tiene honor que pueda ser herido) y su resentimiento por la ofensa que para él supone ese puesto. El capitán York, precisamente, supone su espejo inverso, puesto que él sí es un oficial respetado por sus hombres, que conoce bien el territorio por el que ha de velar y a los indios, a los que respeta sin paternalismo. Henry Fonda como el clasista Owen ThursdayFord, tan amigo de narrar (como todos los grandes directores) a través de los gestos y no de las palabras, remarca ese contraste mediante diversas secuencias paralelas: ambos hombres interrumpen sendos bailes del fuerte con su llegada, pero si la presencia de Thursday provoca incomodidad, la de York supone una explosión de cariño; los dos se entrevistan con Cochise, pero mientras York trata al indio en pie de igualdad, Thursday hace que le instalen una silla de campaña para poder sentarse y exhibe una nada disimulada impaciencia mientras hablan los intérpretes. Eso sí, Ford tiene el acierto de no hacer a Thursday unidimensional, mediante varias decisiones en el final: la de librar al joven oficial enamorado de su hija del puesto de vanguardia y, por tanto, de la muerte; y el gesto de valor con que, pudiendo salvarse al comprobar su completo error al provocar batalla, acude junto a sus hombres para morir junto a ellos.

El segundo nivel del film se corresponde con la descripción de la vida cotidiana de esos hombres: Ford sabía bien que la mejor forma de concernir al espectador en una tragedia colectiva es personalizar a ese colectivo, individualizar a sus tipos, hacerlos cercanos gracias a esa capacidad que tenía para el dibujo de las psicologías sencillas (nunca simples) y su inclinación a contrapesar la tensión con la distensión (la impagable relación de los sargentos con los jóvenes reclutas) o con el romanticismo (la historia sentimental). En la conclusión, el capitán York, ahora en el puesto de mando heredado de Thursday, recibe a unos periodistas que vienen a cubrir el inicio de la campaña contra esos mismos indios que vencieron en la anterior batalla. Conclusión que se inicia con un plano de un retrato del fallecido Thursday, glorificado como quería, como un héroe: los periodistas asaetean a York a preguntas sobre la heroica carga de su antiguo superior, y uno de ellos, ebrio de patriotismo, le pregunta si conoce otro cuadro, de gran éxito en Washington, que reproduce su heroica carga contra los indios. «Exacto en todos sus detalles», contesta York. La ironía es clara: la mirada de Wayne se basta para que el público comprenda que, como jefe del mismo regimiento que casi fue exterminado por su incompetente ambición, su misión no es otra que aceptar el baño de moral que siempre suponen los heroicos sacrificios y aprovecharlo en bien común del pelotón de desheredados que, sin aspirar jamás a la gloria individual, son los que al final deben hacer el trabajo duro.

Reconozco que es una magnífica película. Una recomendación: veánla en versión original, pues escucharemos diálogos en español. Por supuesto,  los de Beaufort (Pedro Armendáriz)  y la  de Cochise (Miguel Inclán), pero en la que, incluso, escuchamos ligeramente al mismo John Wayne. Y otro dato, aunque fuese por los grandiosos bailes o el tono cómico que domina en los papeles de los sargentos  merece ver una y mil veces. En este caso vemos que sí se cumple lo que trasciende de la película: cuando la realidad se convierte en leyenda, se cuenta la leyenda.