Chuka, the Gunfighter

 

*EC: En construcción

Marty

En pocas películas que visto que hablen de Union City, una pequeña ciudad de New Jersey a 20 minutos en autobus del centro de Manhatan. Marty es la primera en la que escucho del nombre de esta ciudad que también es onocidas por algunos como la otra Little Havanna, mucho más pequeña que la de Miami, pero con un extensísimo barrio latino en el que pasé cinco días mientras visitaba New York. En su momento, Union City fue una ciudad con fuerte presencia de comunidades armenia, italiana, alemana,  y judía. En el autobús que me desplazaba, junto a integrantes de la comunidad latina, había rusos y judíos. Allí, justo al final de la película de Delbert Mann, es donde plantean ir los amigos de Marty para jugar una partida de naipes. Es una anécdota, pero me ha gustado ver referencias de aquella ciudad del Este de los Estados Unidos. 

Pero Marty, no es una anécdota. Fue una película, la única, en ganar la Palme d’Or de Cannes y el Oscar a Mejor Película.Delbert Mann se inició en 1948 en la televisión estadounidense. 

Marty fue su primer filme que además del Oscar a la mejor película se llevó otros tres Oscars, entre ellos, el de mejor director y al mejor actor en la persona de Ernest Borgnine.  

*EC: En construcción

The Revengers

Es western que nacen ya con un deseo, el ser revisionistas. Algunos lo consiguen, otros no. Este es uno de los que nació con este fin, pero no lo consiguió. Y eso no lo digo yo. Lo dice uno de sus protagonistas, Ernest Borgnine en sus memorias. Lo dice el escaso éxito de público que fue a verla. Lo dice su escasa relevancia dentro de la historia del western. Lo digo yo que la he visto y considero que es un western al que le sobran hechos y le falta tejido para que sea compacta. El punto de partida era inmejorable. Contaba con buenos actores, algunos de ellos "vacas sagradas" como el citado Borgnine - que había sustituido a Van Heflin después de la muerte inesperada de éste, pero en el que estaban otros de mucho éxito cercano como William Holden - participante junto al anterior en Grupo Salvaje / The Wild Bunch (1969) de Sam Peckinpah - o ese secundario de lujo, primer actor con Ford en el Sargento negro como Woody Strode. A esto se le suma una actriz sacada de su ostracismo voluntario, Susan Hayward. 

Tenía un buen respaldo de productores y contaba con un director solvente como el neoyorkino, de Brooklyn- Daniel Mann o Daniel Chugerman (1912 - 1991), director de cine, teatro y televisión estadounidense y considerado un verdadero "director de actores" pues había trabajado con Burt Lancaster , Shirley Booth , Susan Hayward , Marlon Brando , Elizabeth Taylor , Dean Martin y Anthony Quinn y había sido nominado para distintos premios como dos Palme d'Or , tres Premios del Director Guild of America , un Oso de Oro y que estaba implicado en varias películas nominadas al Oscar y dos galardonadas con el Premio Tony.

Tras las cámaras un director de la talla de Daniel Mann, que en su momento filmó películas notables como "Mañana lloraré", "La rosa tatuada" o "Una mujer marcada". La mayoría de las películas de Mann fueron adaptaciones de obras teatrales como Come Back Little Sheba , The Rose Tattoo (1955) , The Teahouse of the August Moon(1956 ) o literarias Butterfield 8 (1960), Our Man Flint (1966 ). Lo cierto es que no estaba experimentado en el westerns ni en rodar en México. El guion fue escrito por Wendell Mayes, quien había sido nominado a un Oscar por su guión para Anatomy of a Murder(1956), y quien escribió los éxitos de taquilla Death Wish y Towering Inferno basándose en una historia de Steven W. Carabatsos. 

Con todos estos paños se hizo The Revengers o Los vengadores que fue estrenada en 1972. Por detrás en la producción estaba Martin Rackin que representaba a Cinema Center Films y a los mexicanos Estudios Churubusco Azteca SA con la distribución de National General Pictures y que tenía un presupuesto de $ 4,000,000.

La película cuenta con la música muy setentera de Pino Calvi, la fotografía en Panavisión de Gabriel Torres y el montaje de Walter Hannemann y Juan José Marino. Dos montadores, mala señal. 

La película contó con William Holden como John Benedict, Ernest Borgnine como Hoop, Woody Strode como Job, Roger Hanin como Quiberon, Susan Hayward como Elizabeth Reilly, René Koldehoff como Zweig, Jorge Martínez de Hoyos como Cholo, Arthur Hunnicutt como Free State, Warren Vanders como Tarp, Larry Pennell como Arny, John Kelly como Whitcomb, James Daughton como Morgan, Scott Holden como el Teniente, Lorraine Chanel como Mrs. Benedict, Jorge Luke como Chamaco, Raúl Pérez Prieto como Guardián 

La historia se inicia cuando John Benedict (William Holden), un pacífico ranchero, retorna con un buen número de caballos a su granja de Colorado. El señor Benedict, capitán del Ejército de la Unión durante la Guerra de Secesión, decidió retirarse del ejército y trasladarse a un lugar remoto de Colorado para dedicarse a la cría de caballos, cuyo destino más común será el propio ejército.

En ese rancho aislado vive junto a su mujer y sus cuatro hijos, así como un asistente ya mayor que los admira Free State (Arthur Hunnicutt). Nada más llegar descubre que en la casa hay un militar y el sheriff local que lo acompaña. La razón del la presencia del militar se debe a que viene con una oferta: ofrece una plaza para Morgan , el mayor de los Benedict, una familia de pacíficos rancheros,  para que se incorpore a la Academia de  West Point para formarse como militar. 

John tiene sus dudas, pero tras preguntarle a su hijo Morgan, accede a que se incorpore en la Academia, a pesar de que hay mucha faena en el rancho. Una vez terminada la comida John es obligado a mostrar la Medalla de Honor quiere comprobar que un puma al que ha disparado su hijo está muerto. Decide ir junto a su perro. Relativamente cerca de la casa da con el puma. Efectivamente, está muerto, pero mientras va a tirar del animal escucha a su perro quejarse y cuando va para donde lo dejó descubre no solo que lo han matado sino que dos comanches le han robado su caballo. Logra abatir a uno, pero  el otro escapa con su caballo.

Al regresar a la casa descubre que la vivienda está humeante y se teme lo peor, su familia ha sido asesinada por los comancheros y sus aliados comanches durante el robo de caballos.  Nada más entrar a la casa ve a los distintos integrantes de la familia de John masacrados por el grupo de comanches. Su viejo compañero Free State, moribundo, le informa que estaba en el establo con su hijo Morgan. Al llegar lo encuentra colgado dentro de un granero. 

Mientras  entierra a sus seres queridos jurando venganza incluso cuando un partida organizada por el Sheriff Whitcomb (John Kelly) le informar que el grupo de comanches y comancheros iba dirigido por un blanco renegado. Los comancheros eran comerciantes del norte y centro de Nuevo México que intercambiaban con las tribus nómadas de los llanos del nordeste de Nuevo México y el oeste de Texas, el territorio natural de los Comanches, siendo estos sus mejores clientes. Intercambiaban con ellos productos manufacturados (herramientas y paños), harina, tabaco y pan por pieles, ganado y ¿por qué no? armas y esclavos de los Comanches.  

Ansioso de venganza, marcha solo al sur entrando en México y mientras descansa ve una carreta de presos que son llevados a trabajar a las minas.Al ver que esa prisión mexicana alquila para trabajar a los convictos. Tras llegar a la prisión intenta reclutar a un grupo de hombres para que le ayuden a capturar al culpable. Por mediación de Cholo , un mexicano que sirve de traductor y de enlace entre los prisioneros y los soldados de la prisión los elegidos son seis. Un americano de nombre Hoop (Ernest Borgnine), un negro del sur de los Estados Unidos que huyó de ser esclavo y que acabó con sus huesos en la prisión Job (Woody Strode), un francés que intenta salir escalando Quiberon (Roger Hanin), un alemán Zweig (René Koldehoff), al que se suman dos mexicanos el mismo Cholo (Jorge Martínez de Hoyos) y Chamaco (Jorge Luke).  

Con ellos en un carro y un par de militares mexicanos salen de la prisión. Tras maniatar a los guardias los seis son liberados. Al poco de liberarlos , los lleva a un pueblo ya en los Estados Unidos, los viste y les compra armas decentes, tras ello sale con la intención de rastrear el área de la frontera entre Estados Unidos y México. Pero casi de inmediato ve que tiene dificultades para obtener su lealtad. De hecho están a punto de matarlo , aunque Job se interpone y lo ayuda.

A la mañana siguiente se personan los cinco restantes una vez que se han gastado el dinero y algunos han perdido hasta las ropas. Tras reintegrarse al grupo diseñan un plan para ir a la fortaleza del Comanchero.

Con la excusa de venderles armas, sorprende y acaba con gran parte de los Comancheros, aunque el líder de los comancheros el tuerto Tarp (Warren Vanders) escapa, aunque queda herido. Deprimido por este fracaso, el grupo pasa muchos meses en busca de la partida de Tarp. Benedict en esos meses se embrutece. Todos beben mucho. En un encuentro en una localidad en la que se encuentra el ex Sheriff Whitcomb , ahora agente federal, marshall, provocan una matanza.

En ese encuentro con Whitcomb le hace meditar sobre lo que se ha convertido y separarse momentáneamente del grupo marchándose a un garito a beber, Mientras bebe y mira las fotos de la familia, van llegando sus hombres.

Borracho como ellos se pelea con uno de los seis, Chamaco el pistolero mexicano que cree que puede ser el hijo de Benedict, pero el mexicano se ofende por la reacción de John ante sus palabras, le dispara a John en el pecho. Todos lo dejan  por muerto.

Sin embargo, la hija del posadero descubre que esta vivo así que lo llevan a una enfermera local, una enfermera irlandesa de mediana edad llamada Elizabeth Reilly (Susan Hayward), que atiende a Benedict gravemente herido pues la bala no le ha dado en el corazón por una pulgada.  Ella lo atiende con sumo cuidado y entre ellos va naciendo cierta atracción durante el tiempo de convalecencia mientras Benedict sana. Ella le dice que puede comenzar con ella una nueva vida pues la venganza no le llevará a ningún buen sitio. Pero a pesar de que se atraen y se besan John decide marchar en busca de Tarp.

Sin embargo, al cruzar la frontera es arrestado y llevado a la prisión mexicana de la que había ayudado a escapar a los seis. Tiempo después se produce el reencuentro entre dos de los seis, Hoop (Ernest Borgnine) y Chamaco (Jorge Luke), el pistolero mexicano.

La noticia dada por el borracho Hoop a Chamaco de que John está vivo provoca que los seis retornan a la banda con el fin de liberar a John.

Tras sacar a Benedict de la prisión mexicana y reanudan la búsqueda de Tarp, a quien encuentran retenido por una pequeña unidad de caballería estadounidense asediada por comanches y comancheros, que lo quieren de vuelta.

Benedict propone matar a Tarp y enviarlo de vuelta a los comanches de esa manera, pero no lo hace por respeto al teniente, un militar recién salido de West Point que podría tener la edad de su hijo y que mantiene las órdenes a pesar de las dificultades y de estar gravemente herido. Benedict y los seis se unen a la caballería superada en número y usan dinamita y un poco de artillería para hacer frente a un último ataque. Ellos resisten.

La caballería gana, pero no sin bajas. El teniente y el pistolero mexicano Chamaco mueren en el asalto. Tras descubrir que han muerte Benedict y los cinco restantes van hacia el espacio de reclusión de Tarp. Pero Benedict al entrar se lo piensa y se aleja sin matar a Tarp, después de haber decidido tardíamente que la venganza es una motivación que no le aporta nada. Su sed de venganza se ha ido.  En la última imagen vemos que ha regresado a por los caballos a su vieja granja mientras aparecen los títulos de crédito. 

La película producido por Cinema Center Films ( CCF ), la productora de cine de la cadena de televisión CBS de 1967 a 1972. Sus películas fueron distribuidas por National General Pictures. La unidad de producción se hizo con el lote de Republic Pictures y produjo 30 películas.

La película distribuida por National Pictures general está producida por los Estudios Churubusco Azteca.

La película se rodó a final de verano e inicio del otoño de 1971, entre localizaciones de Nuevo México y sonre todo en Bavispe en el estado de  Sonora, en los Estudios Churubusco Azteca de Mexico DF, en las Lagunas de Zempoala del estado de  Morelos, al igual que Tres Marias, en Parral, en Chihuahua, - el mismo lugar donde se rodó Grupo salvaje de Sam Peckinpah (1969) la película que reunió a  William Holden y Ernest Borgnine  . Tambien se rodó en Torreón y Viesca en el Estado de Coahuíla.

Como ya hemos señalado Van Heflin iba a interpretar el papel de Hoop, pero murió antes de que comenzara la filmación. El papel finalmente fue interpretado por Ernest Borgnine. Precisamente Ernest Borgnine inicialmente tuvo problemas para meterse en el personaje para interpretar al villano desquiciado Hoop. Como estaba en medio de un divorcio desordenado de su cuarta esposa en ese momento, decidió enredar en sus amargos sentimientos con respecto a su esposa, lo que lo ayudó a encontrar el tono de su actuación.

Ernest Borgnine escribió en su autobiografía: "Este western fue un intento de devolver al público al oscuro territorio de The Wild Bunch con una pizca de The Dirty Dozen . Tuvimos a Bill Holden nuevamente, y Daniel Mann, que había dirigido a Willard, intentó de lo difícil, pero no lo logramos ". 

La película marcó el debut cinematográfico estadounidense del actor alemán Reinhard Kolldehoff , . La actriz escocesa Mary Ure fue originalmente elegida como Elizabeth Reilly, pero se vio obligada a retirarse debido al compromiso con una obra de teatro en Londres y el regreso de Susan Hayward de la jubilación voluntaria aunque fue la película final de Susan Hayward pues fallecería poco tiempo después. También fue el último western de William Holden.

La película tuvo su estreno en junio de 1972 y fue un gran fracaso en la taquilla. La película, que recibió críticas mixtas. Entre esas críticas destaca la de Judith Crist de la revista New York que dijo que era  "otro tipo de basura de clase alta ... con William Holden como un orgulloso ranchero para sacar a los villanos ..."

Dave Billington del Montreal Gazette comparó la película con otras películas de género, escribiendo que si bien la película no se acerca al Retorno de los Siete o The Dirty Dozen "en suavidad y dirección limpia, sí llena una tarde calurosa con algo de entretenimiento genial".  Al crítico canadiense no le gusto la actuación de Holden aunque de los que le acompañan destaca que  "los dos mejores son ciertamente Ernest Borgnine y Woody Strode " ... y señala además que esta fue "probablemente la mejor actuación de Borgnine desde Marty ".

En España Fausto Fernández dijo de ella "La sombra (fronterizo-mexicana y de William Holden y Ernest Borgnine) de Grupo Salvaje sobrevuela sobre la muy reivindicable Los Vengadores. Imprescindible verla en Versión Original".

La película prometía sobre el papel en aquel año 1972, un buen equipo de actores, una actriz mítica, todos muy veteranos, un buen director, un western revisionista  que podría ser digno sucesor de grandes clásicos,  y con un argumento que prometía: la historia de un padre de familia que ve cómo es asesinada a sangre fría por una pandilla de forajidos, tras lo cual decide hacer justicia por su cuenta. Pero no. No hubo química entre los actores, salvo el gran Borgnine, ni entre Holden y una retirada Susan Hayward que fallecería tres años después, en 1975. El resultado, para mi, entretenida, pero poco más, mucho menos de lo esperado.

Johnny Guitar

Se verdadero nombre era Johnny Logan pero ha pasado a la historia como Johnny Guitar, posiblemente una de las película con los mejores 45 minutos de diálogo que haya visto, y lo digo después de haberla visto en multitud de ocasiones. Pero no me canso de ver esta maravilla de Nicholas Ray. Ni de la música de Victor Young, compositor nacido en Vhicago, pero curiosamente formado musicalmente hablando en polonia, y que participó en más de 350 películas, pero que aquí en la composición musical  no deja un par de  joyas, la música y la canción interpretada por Peggy Lee que siempre nos remitirá a la imagen icónica de Joan Crawford.

De la película se ha dicho de todo. Principalmente que es atípica o que es un western feminista, el único del siglo XX. Pues esta joya , para mi una de las mejores películas del cine fue obra de uno de los grandes, Nicholas Ray cuyo auténtico nombre era Raymond Nicholas Kienzle. Se trataba del primer proyecto de Nicholas Ray después de dejar los RKO Studios, donde había estado bajo contrato durante siete años. Aunque pudiera parecer de los cineastas nacidos en Europa, el nació en Wisconsin, aunque era de origen alemán. 

Compañero en momentos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante. En 1948 con Los amantes de la noche dirige su primera película, siendo seguida en 1949 por El secreto de una mujer, en la que trabaja Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. 

Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950)con Bogart y Grahame de protagonistas. A estas le siguieron otras como Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes , vinculas con la RKO, pero en 1954 comienza el rodaje en Sedona, mi querida Sedona , la ciudad de Arizona de Johnny Guitar. La película fue un gran éxito de taquilla y tras este siguieron otros títulos que impresionan desde Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), pasando por Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, 1956) y las míticas Los dientes del diablo (The Savage Innocents, 1959), Rey de reyes (King of Kings, 1961) o 55 días en Pekín (55 Days at Peking, 1963), pero esa es ya otra historia, ya veremos si cercana. 

Volviendo a Johnny Guitar señalar que fue producida por Nicholas Ray y Herbert J. Yates para la Republic Pictures , - una compañía que originalmente se dedicada a la producción y distribución de filmes con muchas películas de serie B y bastantes western, aunque apoyo la carrera de John Ford y Orson Welles como su Macbeth - que también la distribuyó ya que el fundador Yates estaba detrás. En este caso Ray contó con un guión escrito por Philip Yordan y basado en la novela de 1953 titulada Johnny Guitar de Roy Chanslor. Con el tiempo se dijo que otro guionista, Ben Maddow , escribió el guión y la mayoría de las críticas cinematográficas no creerían que Philip Yordan fuera el verdadero autor hasta que el mismo Maddow, después de ver la película, afirmara que no escribió el guión. Parece ser que Philip Yordan reescribió el guión en la ubicación. 

La película contará la música de Victor Young, la fotografía de Harry Stradling rodada en Trucolor el sistema a color utilizado y propiedad de la división Consolidated Film Industries de la Republic Pictures . Se introdujo como reemplazo para el propio proceso Magnacolor de Consolidated .Republic utilizó Trucolor principalmente para sus westerns , hasta la década de 1940 y principios de la de 1950 como alternativa al Technicolor. Aunque hay quien afirma que esta película fue pensada para su visualización en 3D.

El montaje fue encargado a Richard L. Van Enger, mientras que el sonido fue para T.A. Carman y Howard Wilson; el vestuario fue labor de Sheila O'Brien y los efectos especiales , especialmente las explociones fueron de Howard Lydecker Theodore Lydecker. El reparto lo encabeza Joan Crawford como Vienna acompañado de Sterling Hayden como Johnny Guitar o Johnny Logan, Mercedes McCambridge como Emma Small y Scott Brady como el Kid, el bailarín (Dancin' Kid). Secundarios de lujo están presentes como Ward Bond como John McIvers, Ben Cooper como Turkie Ralston, Ernest Borgnine como Bart Lonergan y John Carradine como el viejo Tom. Junto a ellos aparecen Royal Dano como Corey, Frank Ferguson como Marshal Williams, Paul Fix como Eddie, Rhys Williams como el Sr. Andrews, Ian MacDonald como Pete y Robert Osterloh como Sam. 

La película comienza con la llegada de un jinete que en vez de portar un rifle lleva a sus espaldas una guitarra. Mientras avanza por estas tierras del Norte de Arizona ve tres cosas que parecen llamarle la atención. 

Por un lado, una explosión en un área rocosa y montañosa realizada por los trabajadores de un ferrocarril que va avanzando hacia el oeste, un grupo de cowboys que guía ganado y el asalto a una diligencia y el asesinato por parte de cuatro bandidos de uno de sus ocupantes. 

Poco después el jinete llega a un establecimiento envuelto entre nubes de polvo en una tormenta de arena. Tras desmontar de su animal entra en el local, un saloom, que está vacío de cientes y en el que hay un camarero y tres croupiers sobre las mesas de juego. El jinete pide un vaso de whisky y le dice a los barman que tiene una cita con la dueña del local, Vienna. Cuando le preguntan por su nombre , lo dice. Dice llamarse Johnny Guitar (Sterling Hayden). 

Tras tomarte el whisky espera sale de una habitación en la parte superior Vienna( Joan Crawford) y le dice con bastante altivez que tiene una cena de trabajo con un cliente. Vienna, la propietaria de un salón situado en las afueras de una ciudad del Oeste, se entrevista con un hombre de negocios local que rechaza la proposición de Vienna de transferir la titularidad del mismo a su nombre a cambio de una importante suma de dinero. 

A favor del local es que frente al mismo pasará el tren y puede ser el embrión de una futura ciudad si en ella se monta una estación. 

Mientras, abajo,  Johnny Guitar habla con los trabajadores de las mesas y sobre todo con el viejo Tom (John Carradine) que le informa de la tensión que vive en la zona entre Vienna y los grandes ganaderos locales, los hermanos Small y John McIvers que temen que con la llegada del ferrocarril el área se pueblo de agricultores que limitarán sus terrenos de pasto. 

Después baja Vienna que habla con cierto desdén a Johnny , dejando entrever que ha dejado de ser un famoso pistolero Johnny Logan , un portentoso pistolero, que ha cambiado su revólver por una guitarra. Vienna lo ha llamado pues le ha ofrecido un trabajo como músico. La relación entre ambos viene de antiguo, pero han pasado cinco años desde que Johnny y Vienna rompiesen sus amor debido a la negativa de Johnny a echar raíces. 

En este tiempo, ella ha adquirido una casa de juego en un terreno que piensa vender a la compañía de ferrocarriles cuando el trazado de la línea llegue hasta allí. 

Tras concretar el acuerdo , Vienna le dice a Tom que le de de comer a Johnny mientras ella sube al piso superior. Al rato llega una partida de hombres en la que parece encabezarla una mujer. Se trata de Emma ( Mercedes McCambridge ), hermana del hombre asesinado, que junto a John McIvers (Ward Bond) y el Marshall Williams (Frank Ferguson ) acusa del asalto a la diligencia al que posiblemente sea el antiguo amante de Vienna, pero también pretendiente de Emma que es conocido con el nombre del bailarín, Dancing Kid ( Scott Brady) y su banda, que viven de explotar una mina de plata oculta en las montañas. 

El propósito de Emma no sólo vengar a su hermano que acaba de ser asesinado, sino aniquilar Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril, a quien envidia, y a Kid, su amante, por quien Emma siente una profunda pasión que tiene que reprimir. Emma tiene el apoyo del sheriff y de John McIvers , el otro gran ganadero al que no le gusta la llegada del ferrocarril. Emma Small no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda que , casualmente llega en ese momento. 

La llegada de Kid y sus chicos altera aún más a los ganaderos locales. El conductor de la caravana es presionado para culparles, pero dice una y otra vez que tenía el sol, de cara y que no pudo ver sus rostros con claridad , pues iban tapados. Vienna se enfrenta a ellos con su arma, y ellos le dice que no puede con todos pues son muchos, pero en ese momento vemos que sale en su defensa desde la cocina el misterioso y recién llegado Johnny Guitar. 

Como el Marshall no puede acusarlos son una prueba directa la tensión baja aunque los ganaderos, liderados por John McIvers e incitados por Emma Small, decididos a forzar a Vienna , a Johnny Guitar, y a Kid y sus hombres a salir de la ciudad, le dan 24 horas para ello. Tras poner su ultimátum los ganaderos se marchan llevándose el cuerpo del fallecido. "The Dancin Kid" y a sus compañeros se quedan tomándose una copa. Uno de ellos Bart Lonergan (Ernest Borgnine) fuerza a Johnny a beber un whisky, tras el primero viene un segundo, pero Johnny ya no acepta y deciden pegarse a las puertas del local. Johnny le da una paliza a Lonergan. 

Tras eso Kid, Lonergan y sus otros dos compañeros, que viven de la explotación de una desconocida mina de plata en la que no están teniendo mucha fortuna, el joven Turkie Ralston (Ben Cooper) y el reflexivo - y lector- Corey (Royal Dano) deciden marcharse. No obstante, el joven Turkey , se retrasa un poco y antes de irse le dice a Vienna que está encantado de haberla conocido y que por supuesto la protegería con su revolver, comenzando a alardear con el mismo. Johnny nos sorprende a todos disparando sobre el revolver que empeña Turkey al que reduce disparando con suma habilidad, aunque con ojos de desquiciado. 

Una vez se tranquiliza y es atendido por Vienna que resulta ahora lo reconoce como actuaba cuando era ex amante y pistolero pendenciero conocido por su nombre real es Johnny Logan.

Esa misma noche vemos que Vienna se desvela y baja encontrándose en la cocina a Johnny que le pide que recuerde su antigua relación. Entre ellos se ve que hay una relación de amor / odio latente. Es en ese momento cuando se produce uno de los diálogos más sugerentes de la historia del cine entre Vienna y Johnny Guitar: 

VIENNA: ¿Se divierte, Sr. Logan? 

JOHNNY: No podía dormir. 

VIENNA: ¿Y eso le ayuda? 

JOHNNY: La noche pasa más deprisa. ¿Por qué estás despierta? 

VIENNA: Sueños. Pesadillas. 

JOHNNY: Yo a veces también los tengo. Con esto los ahuyentarás. 

VIENNA: Ya lo he probado. No me ayudó demasiado. 

JOHNNY: ¿A cuántos hombres has olvidado? 

VIENNA: A tantos como tú mujeres. 

JOHNNY: ¡No te vayas! 

VIENNA: No me he movido. 

JOHNNY: Dime algo bonito. 

VIENNA: Claro. ¿Qué quieres que te diga? 

JOHNNY: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. 

VIENNA: Te he esperado todos estos años. 

JOHNNY: Dime que habrías muerto si yo no hubiera vuelto. 

VIENNA: Habría muerto si tú no hubieras vuelto. 

JOHNNY: Dime que me quieres todavía, como yo te quiero. 

VIENNA: Te quiero todavía, como tú me quieres. 

JOHNNY: Gracias. Muchas gracias. 

Tras esto la relación se ablanda entre ambos y parece que pasan la noche juntos. Al día siguiente, ambos deciden ir al banco a sacar el dinero que tiene depositado allí Vienna. El banco está cerrado pues en esos momentos se está desarrollando el entierro del fallecido Small. 

El banco está cerrado por esa razón, el entierro, con todo al ver que la que pide entrar es Vienna le abren la puerta. En ventanilla ella pide recuperar el dinero depositado, no en oro, como le ofrecen , sino en billetes. 

Justo cuando la caja está abierta y sacado el dinero se persona los hombres de Dancin 'Kid en el pueblo, aunque el único que es visible es Turkey que pide hacer un ingreso. Pero aunque le abren con dudas en el momento en que la puerta está abierta bajan del carro Lonergan y Corney, así como el bailarín que entran en el banco con la finalidad de robarlo y financiar así su fuga a California tal y como habían acordado en el día anterior. Se manifiestan violentamente pegando a uno de los empleados y amenazando al otro, y cuando el bailarín descubre que Vienna éste se despide y la besa. 

El grupo de ladrones huye con el botín dejando el dinero a Vienna y Johnny que decide no intervenir. Al llegar al río deciden los asaltantes mantenerse unidos aunque dudan entre ir a California cruzando el desierto o ir a través de las montañas. 

Como "el bailarín" se niega hacerle caso a Lonergan , que apuesta ir cada uno por su lado y si no por el desierto, van por el camino de la montaña. Un camino muy duro pero que además se encuentra su paso limitado pues los operarios del ferrocarril que se adentra en su camino están colocando barrenos para adaptarlo a las vías. Ante la imposibilidad de seguir avanzando y dado que Turkey queda herido en una de las explosiones deciden regresar a su escondite secreto detrás de una cascada. 

Mientras tras el entierro, los asistentes se enteran del asalto y Emma Small convence a la gente de la ciudad de que Vienna es tan culpable como el bailarín y los suyos del robo. Ante eso el grueso del grupo se dirigen al saloom, mientras que otros se dirigen a la zona en la que piensa que puede estar la mina de plata del "bailarín" y los suyos, es decir, cerca del río. Esta presión de la persecución se hace notar entre los hombres de The Dancin 'Kid que avanzan sin mirar atrás. Y en su avance no perciben que Turkey se ha caído del caballo , dándose cuenta cuando llega al refugio. 

Ante las dudas sobre si buscarlo o no, el peso de Bart Lonergan se hace notar y deciden quedarse en el refugio. 

Por su parte, Vienna nada más llegar indemniza a sus hombres. Su objetivo es cerrar el local para luego cuando llegue el tren fundar la ciudad. También le paga a Johnny que dolido se marcha. 

Pero al cabo del rato se presenta Tom y no llega sólo. Se ha encontrado con un Turkey herido que pide cobijo en el local, justo en el momento en que llegan los ganaderos. 

Cuando el grueso del grupo llega Vienna se encuentra tocando el piaño la balada de Johnny Guitar con un vestido blanco. Tras irrumpir el grupo en el local , este se enfrenta a Vienna culpándola del robo . Ella desmonta su teoría. 

Pero cuando parece haber convencido a John McIvers y al Marshall Williams, aunque no a Emma, Turkie es detectado en el local y descubierto debajo de una mesa. Emma convence a los hombres para que cuelguen a Turkie . Este pide clemencia y Emma le dice que se le dará si reconoce la intervención en el robo de Vienna. Turkie que no quiere morir responsabiliza a Vienna. Tras lo cual Emma propone el ahorcamiento de ambos a lo que McIvers accede, aunque no Williams. Tom, por su parte, se niega , pero es golpeado y hiere mortalmente a Williams, tras o cual no queda ningún freno para ahorcar a ambos y quema el salón. 

Tras eso se disponen a ahorcar a Turkey y Vienna. A Turkey lo ejecutan pero cuando van a colgar a Vienna aparece en el último segundo Johnny Guitar quien salva a la chica. Vienna y Johnny huyen a caballo y se escapan encontrando refugio en una cueva pasando la noche. 

Una vez se ha alejado el peligro ambos van al escondite secreto de The Dancin 'Kid que es conocido por Vienna. 

Mientras el grupo de Anna y McInvers rastrea la zona. Nada más llegar Vienna junto a Johnny , el bailarín descubre que entre ambos hubo una relación tan poderosa que impedía que Vienna lo quisiera a él. Con todo se sorprende al saber que Johnny Guitar es realmente Johnny Logan, un pistolero de renombre. 

Entretanto Corvey y Bart salen fuera. Corvey ve como el grupo se dispone en la zona mientras él lee. Pero , después, es sustituido por Bart, que en un momento dado, traiciona al grupo que penetra en el área del escondite tras ver como el caballo de Turkey entra tras la catarata. 

Tras llegar a un acuerdo con Emma y los suyor va en busca de Corney para invitarle a unirse en su traición, pero éste se niega por lo que es asesinado por Bart. Cuando este huye se enfrenta a Johnny Guitar que sabe de la traición, justo cuando el grupo de Emma los sorprende.

Emma dispara sobre Vienna que es herida en el hombro y tras la intervención de Kid recibe un disparo en la frente de Emma. Tras eso continua el baño de sangre que culmina con la muerte de Emma ha mano de los disparos de Vienna. 

Lo tristemente acontecido hace reflexionar al líder de los perseguidores, con McIvers a la cabeza que decide dejar a Johnny y Vienna salir del escondite en paz, viéndolos ir. Con la cascada en la imagen suena la canción de Peggy Sue de Johnny Guitar y acaba la película. 

La historia fue rodada entre Arizona y California. La zona principal de rodaje fue Sedona, sobre todo el área de Red Rock Canyon, Bell Rock, Boynton Canyon, Schnebly Hill, Courthouse Butte, Oak Creek Canyon, así como en los Republic Studios en Radford Avenue, en North Hollywood de Los Angeles. Fue rodada entre octubre y diciembre de 1953. De hecho destacan las escenas filmadas en el distrito de Red Rock que abarca muchas de las famosas mesetas y mesas de roca roja, y los cañones que han hecho de Sedona una ciudad turística famosa. Justo al norte de Sedona se encuentra el cañón Oak Creek, uno de los muchos cañones grandes ubicados a lo largo del borde de Mogollon. Oak Creek Canyon forma parte del llamado Bosque Nacional Coconino (National Forest Coconino) una de las pocas áreas en el bosque donde los árboles de hoja caduca son el tipo de vegetación dominante y Ponderosa. Sedona está a 4,500 pies (1,400 metros sobre el nivel del mar) que el resto del bosque, lo que resulta en temperaturas más altas durante todo el año permitiendo el rodaje entre octubre y diciembre tal y como fue. 

El filme se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela y la había vendido a la Republic Pictures poniendo un requisito: ella sería la protagonista y tendría peso en la toma de decisiones.  Joan Crawford que actuaría por segunda vez en un western,  ya que no se prodigaba en este género - el anterior la de Luz de Montana (1930)- .  

La actriz y diva insistió en que sus primeros planos solo fueran filmados en el estudio, donde la iluminación podía controlarse rígidamente y de hecho no se rodó ningún primer plano de ella mientras rodaban en Sedona. Esto contrasta con lo que sobre ella dijo George Cukor "Tiene un rostro absolutamente perfecto, como una máscara griega. Todo está en su sitio exacto...Puede usted fotografiarla desde desde cualquier ángulo, de cualquier lado, no importa en qué lugar ni bajo qué condiciones. Siempre es magnífica. Pero su verdadero talento es su forma de andar..." 

Crawford que tenía previsto trabajar con Nicholas Ray - estaban programados para hacer una película llamada Lisbon en la Paramount, pero como el guión les resultaba inaceptable- Crawford que sostuvo los derechos cinematográficos del libro, derivó para la dirección de esta película al director de Wisconsin. 

La película era parte de un paquete que incluía a Roy Chanslor, un ex periodista convertido en guionista, quien escribió el guión especialmente para Joan Crawford. En ese momento, Republic era considerado el más prestigioso de los estudios menores y el contrato de Nicholas Ray con ellos le daba mucha libertad creativa a pesar del modesto presupuesto de la película. 

Se comenta que Nicholas Ray tuvo una aventura con Joan Crawford y quiso presentarla en una de sus películas. Pero durante la filmación, Ray se enfrentó con  Crawford, llegando hasta el punto de que Philip Yordan, para tranquilizarlo y animarlo, le dijo que cuando hubiese terminado de filmar nunca volvería a trabajar con Joan Crawford

Una de las primeras cosas que hizo el director fue contratar a Philip Yordan para una reescritura completa del guión. Yordan dijo más tarde: "Colaboró ​​conmigo menos en el nivel dramático que en el arquitectónico, creando entornos como el salón, trabajando en las relaciones geométricas entre los lugares". Pero el resultado le decepcionó. 

Crawford quería a Bette Davis o Barbara Stanwyck para el papel de Emma Small, pero eran demasiado caras. Claire Trevor fue la siguiente en mente para el papel, pero no pudo aceptar porque estaba atada a  otra película y, finalmente, Ray se decantó por la McCambridge. A Crawford no le gustó la elección de la joven Mercedes McCambridge como oponente. Crawford, quería aparecer más favorecida en sus primeros planos, así que exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. 

Joan Crawford quería , además, que Paul Newman interpretara a The Dancing Kid y Robert Mitchum fuese considerado para el papel de Johnny Guitar, pero la RKO no lo prestó así que el elegido fue Sterling Hayden , una elección inusual para el papel principal ya que no sabía montar a caballo ni tocar la guitarra ni disparar un arma. 

La mayoría de las personas afirmaron que era fácil trabajar con Crawford, siempre profesional, generoso, paciente y amable, pero con Hayden y McCambridge la cosa cambió.  Los problemas entre las dos mujeres surgieron al principio, pero Ray no se alarmó. Las razones de la disputa parecen remontarse a una época en que Crawford había salido una vez con el esposo de McCambridge, Fletcher Markle . Según algunos de los miembros del elenco,  McCambridge molestó a Crawford al respecto, como tampoco que  Crawford y Ray , que tenían cierta relación, le molestaba la "atención especial" que Ray le estaba prestando a McCambridge. 

Para empeorar las cosas, McCambridge  coincidió con una Crawford que estaba luchando contra el alcoholismo durante este período, algo que ella admitió más tarde y que contribuyó a los problemas entre ella y Crawford. La actriz femenina secundaria declaró que Crawford era "una dama mezquina y poderosa". Por su parte, Crawford dijo de McCambridge: "Tengo cuatro hijos, no necesito una quinta".  Más tarde, Ray afirmó que Crawford, durante un ataque de ira, lanzó los vestidos de la McCambridge a la calle, cosa que reconoció la Crawford admitiendo lo ocurrido y que era cierto que  una noche, Nicholas Ray encontró a Crawford, bebida a un lado de la carretera, destruyendo todos los trajes de Mercedes McCambridge  con un cuchillo y arrojándolos a los matorrales.  El elenco y el equipo tuvieron que recoger los trajes.  Recoge en su Historia del Cine Terenci Moix que ella declaró una vez "Seguro que estaba loca cuando acepté hacer ese bodrio". ¡Qué mala opinión tenía de la película! pero cuánto se equivocaba igualmente.

La cosa fue a peor cuando McCambridge la culpó por los dos años de inactividad de los repetidos intentos de Crawford de ponerla en una lista negra. Curiosamente, Ward Bond que fue miembro de "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" y "uno de los líderes más activos en la lucha contra los comunistas en Hollywood" trabaja en la película junto a la actriz que dijo ser represaliada. ". Parece que Philip Yordan, el guionista de la película, dijo: "Le hicimos un buen truco a Ward Bond, que era, como saben, uno de los líderes de los miembros de la "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" en Hollywood. Le hicimos desempeñar el papel de líder de la milicia, un terrorista extremista. Y pensó que su personaje era un héroe, un buen tipo. ¡No se dio cuenta de ello, no lo entendió ! Aunque a Philip Yordan se le acredita como guionista en la película, su contribución al guión en realidad fue escrita por Ben Maddow, integrante de la lista negra, a quien Yordan lideró, repartiendo la cuota con el escritor.

Pero por otro lado la relación con Hayden tampoco fue buena. El llegaría a decir en una entrevista: "No hay suficiente dinero en Hollywood para seducirme a hacer otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero" y continuo comentando que "Estaba en guerra con esa película, durante el día, con Joan Crawford ...y de noche con mi segunda esposa". A pesar de sus reservas sobre la película, Hayden reconoció la  popularidad que le vino con la película , pero llegó a  declarar que nunca había visto a nadie comportarse tan mal con Mercedes McCambridge.

Sin embargo, a Crawford le sorprendieron los comentarios de Hayden, afirmando que tenía una carta suya que decía que le encantaría volver a trabajar con ella.

Nicholas Ray se mostró bastante incómodo durante el rodaje y luego admitió: "Muchas veces, tendría que detener el automóvil y vomitar antes de ir a trabajar por la mañana".  Ray llegó a decir que en esos momento "Joan estaba bebiendo mucho y le gustaba pelear", pero que también era "muy atractiva, con una decencia básica".

Sus desagradables recuerdos de la producción solo se vieron reforzados por las críticas en su mayoría negativas que la película recibió de los críticos estadounidenses cuando se estrenó. Según "Flesh and Fantasy" de Penny Stallings, el equipo de rodaje dio un aplauso espontáneo después de una de las poderosas escenas de Mercedes McCambridge, lo que enfureció a la estrella Joan Crawford. Según Nicholas Ray, luego comenzó a filmar las escenas de la actriz que interpretada a la señorita Smell algo más temprano en la mañana antes de que Joan Crawford llegara allí para evitar conflictos. 

Con respecto a la banda sonora la música parece inspirarse o hacerse eco de varios temas de la danza española No. 5: Andaluza de Enrique Granados , que fue escrita para piano, pero a menudo se toca en la guitarra clásica. El instrumental para la canción se utiliza en los créditos de apertura y en toda la película. La canción aparece tocada en el piano por Joan Crawford (doblada) y cantada parcialmente al final por Peggy Lee . 

La película se estrenó el 7 de mayo de 1954 en Los Ángeles, y casi veinte días más tarde - el 26 de mayo de 1954 en Nueva York y , a partir de agosto en el resto de los Estados Unidos , y lo hizo con críticas negativas. Pero a pesar de una serie de comentarios negativos iniciales, en los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, esto no ocurrió en Europa , ya que el público  europeo, por otro lado, libre de sesgos convencionales, vieron a Johnny Guitar como lo que era: "una imagen estilizada, poco convencional, intensa, llena de ambigüedades y subtextos que la hicieron extremadamente moderna" como señalo Scorsese.

Johnny Guitar recaudó más de $ 2,500,000 en enero de 1955 y fue el número 27 en la lista de Variety de las más taquilleras de 1954. 

Esta misma revista dijo de ella que "Demuestra que [Crawford] debe dejar las sillas de montar y los Levis a otra persona y quedarse con las luces de la ciudad como fondo. [La película] es solo una pieza de entretenimiento justa. [El guionista] se involucra tanto con los matices de los personajes y las neurosis. , todo envuelto en un diálogo, que [la imagen] nunca tiene la oportunidad de levantarse en la silla de montar ... La gente en la historia nunca alcanza mucha profundidad, este personaje debe estar en desacuerdo con el pretencioso intento de análisis al cual Guión y dirección dedica tanto tiempo ". Y añadió "Amor, odio y violencia, con poca simpatía por los personajes, se mezclan en esta película demasiado larga." 

Dura, muy dura,  también fue la crítica de  Bosley Crowther destacó la resistencia física de Crawford para las críticas en su reseña del New York Times , afirmando que "no hay más feminidad en ella que en el robusto Sr. Heflin en 'Shane'. Para la dama, como de costumbre, no tiene sexo como los leones en los escalones de la biblioteca pública y tan aguda y románticamente prohibida como un paquete de hojas de afeitar sin envolver ". Además dijo en las páginas del The New York Times  "Ni Crawford ni el director Nicholas Ray evitan que sólo sea un simple paseo (...) por los clichés del western (...) El color es un poco desagradable y los paisajes de Arizona sólo son aceptables." 

Sin embargo, la película más tarde llegó a ser considerada como una de las mejores películas de Ray,  siendo una de las favoritas del cineasta francés François Truffaut , quien la describió como "La bella y la bestia de los westerns". Y añade Truffaut   Johnny Guitare fue hecho a medida para Joan Crawford, como El ángel de la maldición de Fritz Lang para Marlene Dietrich . Joan Crawford fue una de las mujeres más bellas de Hollywood; Ella está hoy fuera de los límites de la belleza. Ella se ha vuelto irreal, como el fantasma de sí misma. El blanco ha invadido sus ojos, los músculos de su rostro. Voluntad de hierro, cara de acero (sentido apenas figurado). Ella es un fenómeno. Se vuelve viril a medida que envejece. Su juego tenso, tenso, empujado a su clímax por Nicholas Ray, es en sí mismo un espectáculo extraño y fascinante ". Y también dijo " Johnny Guitar es una especie de remake de La Bella y la Bestia en la que la bestia sería Sterling Hayden" .  A Truffaut le impresionó especialmente la extravagancia de la película: los colores llamativos, la poesía del diálogo en ciertas escenas y la teatralidad que resulta en la desaparición y muerte de los vaqueros "con la gracia de las bailarinas ".

James Dean, al pasar por el área de Salinas en su última carrera, dicen que dijo "Aquí es donde le dispararon a Johnny Guitar ".  Según algunos de sus biógrafos, nunca olvidó mencionar a Johnny Guitare entre sus películas favoritas y estaba particularmente feliz de poder filmar The Fury of Living bajo la dirección de Nicholas Ray.

Según Martin Scorsese , el público estadounidense contemporáneo "no sabía qué hacer al respecto, por lo que o bien lo ignoraron o se rieron de él". 

En   1988, Mujeres al borde de una crisis nerviosa , el director español Pedro Almodóvar rindió un homenaje a la película. Su personaje principal, Pepa Marcos ( Carmen Maura ), un artista de la voz, se desmaya mientras dobla la voz de Viena en una escena en la que Johnny (expresado anteriormente por el ex amante de Pepa, Iván) y Viena bromean sobre su pasado conflictivo. La película de Almodóvar también termina con una persecución y una mujer obsesionada que dispara al personaje principal. 

Un década después, en 1998, la columna de Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader incluía a  Johnny Guitar como una de las 100 mejores películas americanas. 

La película fue reconocida por el American Film Institute en  sus principales listas a inicios de este siglo XXI.

En 2008, la Biblioteca del Congreso seleccionó a Johnny Guitar para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente importante".

También ha sido incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider y para Robert Ebert la incluyó en su particular lista de "Grandes películas".

En 2012, el director de cine japonés Shinji Aoyama nombró a Johnny Guitar como una de las mejores películas de todos los tiempos. Dijo: " Johnny Guitar es la única película que me gustaría rehacer algún día, aunque sé que es imposible. Probablemente sea la más cercana a la peor pesadilla que pueda tener. Estoy seguro de que mi deseo de rehacer esta película proviene de Mi torcido pensó que quiero rehacer mi propia pesadilla ". 

Para críticos actuales , hoy algunos de ellos fallecidos como Roger Ebert en su web rogerebert.com "La película tiene momentos extraordinarios (...) Es fascinante verla a ella y a Johnny usando palabras como si fueran armas de amor (…) "

Dave Kehr en otro diario de Illinois, el Chicago Reader señala que "A pesar de toda su violencia, es una película muy tierna y sensible (...) Con una inolvidable Mercedes McCambridge haciendo de némesis de Crawford"

Richard Brody en el The New Yorker comenta que  "Nicholas Ray es el director de Hollywood más emocionalmente furioso, extremo y sensible"

Para Scott Tobias de AV Club se trata de "Una película tan singular no es fácil de definir (...) Ray aportó una sensibilidad de izquierdas, feminista y revisionista que estaba 15 años adelantada a su tiempo"

Calum Marsh de Slant escribe que "Hay tantas cosas escondidas más allá de la superficie (...) Consigue humanizar el drama y la política del Macartismo al mismo tiempo que la transforma en algo casi surrealista (…) "

Para Bruce Bennett de IndieWire comenta que "En su primer tercio, 'Johnny Guitar' es una obra ingenuamente elaborada de teatro filmado (...) El espacio principal del salón es tan extrañamente moderno que podría ser obra del (...) arquitecto de producción Ken Adam."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian señala que es "Un western brillante, inolvidable y extraño (...) Un drama psicológico extraordinario (…)"

También desde las islas bitránicas  Tom Huddleston en Time Out dice que "Joan Crawford se sale de la pantalla en este emocionante y magistral western freudiano (…) "

Para  Kim Newman de Empire se trata de "Un western verdaderamente alocado, con localizaciones vívidas y coloridas y una intensidad casi operística de violencia física y emocional (…) "

En España Fernando Morales en  El País afirmaba que es "Uno de los mejores westerns de la historia (...) bellísima partitura musical de Victor Young y unas sobresalientes interpretaciones"

Terencia Moix en el tercer volumen de su Historia del Cine publicada por la revista Blanco y negro de ABC dice de Johnny Guitar que "es una de las cumbres del romanticismo cinematográfico , más allá de las coordenadas de western psicológico entonces de moda. Sigue siendo un filme majestuoso, poco comprendido en su momento".

Para muchos críticos, incluido Roger Ebert ,  han señalado que la película es un comentario oculto sobre la caza de brujas de McCarthy momento en que fue filmado y lo considera una parábola sobre la situación política de Estados Unidos en ese momento. Se sospechaba que Nicholas Ray simpatizaba con los comunistas, pero su productor Howard Hughes lo estaba protegiendo de las investigaciones en curso.

Es una gran película que responde un poco a esa idea que dio Eric Rohmer sobre el director "Nicholas Ray , es un poeta" o como señaló Terenci Moix refiriéndose al director , pero también y en concreto a Johnny Guitar, como una característica de la película y del director: "la capacidad de dotar a sus personajes de carga lírica que le hace sobresalir en sus relaciones con ambientes a menudo hostiles".

Para mi la película contiene los más impresionantes diálogos de un western en sus 45 primeros minutos. Como amante de los western lo consideró una inmensa obra de arte. Además rodada en esa ciudad y sus alrededores que alcancé desde Flagstaff de casualidad para descubrir un espacio en el que vi por primera y única vez en mi vida un diminuto colibrí volando. Un lugar de película.

Recuerdos de Prescott (Arizona)

Veníamos de la hermosísima Sedona, una localidad de cine, con sus colinas rojas . A la salidad de la ciudad de Arizona, la segunda más turística del estado, tomamos una de las tres vías principales que comunican con Prescott y sus alrededores como era la Ruta Estatal 89A de Arizona , - las otras eran la Ruta 69 y la Ruta 89 amabas del Estado de Arizona - que conectaba Sedona de dónde veníamos con el área de Northern Prescott , dejando a un lado la ruta que llevaba a Phoenix.

El cambio de ruta nos llevó hasta Prescott , situada en el Condado de Yavapai, y que fue la capital del Estado de Arizona desde 1864 reemplazando a la capital temporal Fort Whipple . No duró mucho pues en 1867 se trasladó a Tucson. No obstante, Prescott nuevamente se convirtió en la Capital Territorial en 1877, hasta que Phoenix se convirtió en la capital definitiva del Estado de Arizona en 1889. Eso sí, la ciudad cuenta con el restaurante y el bar más antigua del Estado.

Mientras nos movíamos hacia Prescott podíamos divisar la cuenca del Granite Creek y cerca de ese Granite Creek, al este de la misma, hubo una serie de importantes asentamientos mineros . Cuando pasamos por ese área de Granite Dells, también llamada 'The Dells', había un incendio que afectaba al matorral que había entre los afloramientos rocosos de granito que se han erosionado en una apariencia espectacular de características de rocas con baches. Pues bien esta es teóricamente el área en el que se desarrolla la película The Badlanders y digo teóricamente pues no se rodó en sus colinas para mi totalmente reconocibles y que tengo grabada en mi memorias tras el viaje que hicimos a los Estados Unidos.

The Badlanders es una película del año 1958 que fue dirigida por Delmer Daves, un excelente director especialista en western, muchos de ellos de bajo presupuesto y responsable , entre otras de grandes obras como “El árbol del ahorcado”, “Cowboy”, “El tren de las 3:10”, “La ley del talión”, “Jubal”, “Tambores de guerra” y “Lanza rota” y alguna obra relevante dentro del cine negro como Fark Passage, para gloria de la pareja Bogart & Bacall, y para gloria del cine.

La película fue producida por el neoyorkino Aaron Rosenberg fallecido a los 67 años en Torrance (California) de western clásicos como La verdadera historia de Calamity Jane , Winchester 73 , Horizontes lejanos, El desertor del Álamo o la serie sobre Daniel Boone por medio de Arcola Pictures - compañía que entre 1958 y 1968 participó en 16 proyectos , entre ellos éste con la que inició su recorrido- con la distribución de la MGM contando para ello con un presupuesto estimado de $1,436,000 .

Partía de un guión escrito por Richard Collins que a suvez tomaba como referencia la novela de “The Asphalt Jungle”, o sea, La jungla de asfalto que ya había dado origen al gran clásico de cine negro “La jungla de asfalto” de John Huston, y además de esta conoció otras dos adaptaciones poco conocidas como fueron “Cairo” con George Sanders, y “Cool Breezy” inédita en España.

La fotografía correspondió a John F. Seitz , mientras que el montaje lo fue de William H. Webb y James Baiotto. Como responsables de Arte están Daniel B. Cathcart y William A. Horning. Llama la atención pero no aparecen acreditado ningún músico .

El reparto lo componía Alan Ladd como Peter Van Hoek, Ernest Borgnine como John McBain, Katy Jurado como Anita y Claire Kelly como Ada Winton. Junto a ellos Kent Smith como Cyril Lounsberry, Nehemiah Persoff como Vincente, Robert Emhardt como Sample, Anthony Caruso como Comanche, Adam Williams como Leslie , Ford Rainey como el guardián de la prisión y John Daheim como Lee.

En 1898, dos hombres son liberados de la mítica Prisión Territorial de Arizona, Yuma . Uno, el ingeniero de minas y geólogo Peter Van Hoek (Ladd), el "alemán - en la versión española - / el holandés en la inglesa", que fue incriminado por el robo de un cargamento de oro de la mina de Lisboa y la muerte del propietario del mismo.

El otro, John McBain (Borgnine), mató a Bascomb, el hombre que lo engañó y lo sacó de su tierra. Los dos son compañeros de prisión y de cuarda de presos. De hecho , vemos como un día tras recibir un preso una paliza e ser incorporado a la cuerda de presos, se desmaya en el río que han de cruzar y gracias a los esfuerzos de Van Hoek y McBain , logran salvar al resto de presos.

Tras ese incidente se produce una pelea entre McBain y uno de los guardias ( Ford Rainey ) pues el trato que infringe a los presos es el que se le da a un animal.

Tras su periodo de condena en el penal los dos hombres son liberados y se dirigen por separado a la ciudad de Prescott , en busca de oro y venganza donde ninguno es bienvenido. El ingeniero de minas y experto geólogo conocido como el alemán (holandés en la versión original), sólo piensa en vengarse de los habitantes de una pequeña población minera, Prescott, que hicieron que se le encarcelara injustamente. El otro, un granjero llamado McBain, analfabeto y hombre de buen fondo desea emprender el camino recto

El Marshall (Karl Swenson), a quien Van Hoek acusa de acosarle, le ordena abandonar la ciudad en la siguiente diligencia, al atardecer del día siguiente. Una vez instalado en el hotel, el alemán / holandés atienda a su vecina de habitación que resulta ser "la invitada" y amante de de Cyril Lounsberry ( Kent Smith ), la bellísima Ada Winton ( Claire Kelly ), amante solitaria que vive encerrada por su celoso y rico amante. Poco después es McBain el que llega a Prescott y busca trabajo en el secretario y consejero de Cyrill , Sample ( Robert Emhardt ), a pesar de que todo le supone una humillación. A la salida , van Hoek le hace una oferta para un trabajo, pero éste la rechaza .

Mientras se marcha tiene que salir en ayuda a una mujer mexicana, Anita ( Katy Jurado ), cuando tres hombres, entre ellos Comanche ( Anthony Caruso) un mestizo que también trabaja para el potentado del pueblo y propietario de las principales minas de la ciudad, Cyrill, que la acosan abiertamente en la calle.

Entre McBain y los tres hombres se inicia una pelea que es parada por Leslie ( Adam Williams ), el ayudante del Marshall, que salva la vida de McBain con un certero disparo.

Pero le da a McBain la misma fecha límite para irse, a pesar de que los padres de McBain se instalaron en la localidad desde su fundación para levantar una granja.

Una agradecida Anita - que realmente es prostituta en la localidad- invita a McBain a quedarse en su casa, aunque previamente ambos han atendido a una mexicana parturienta, , y los dos se siente atraen el uno hacia el otro.

El alemán / holandés consigue que Sample ( Robert Emhardt ), el Consejero le presente a Lounsberry. Lounsberry que se había casado con la hermana de Bascomb por su dinero es un hombre sin escrúpulos algunos.

Van Hoek le ofrece venderle mineral de oro de un depósito extremadamente rico que solo él conoce. Vale por lo menos $ 200,000, pero Van Hoek estará satisfecho con la mitad de esa cantidad en efectivo. Miente cuando Lounsberry le pregunta bromeando si es procedente de la mina de Lisboa perteneciente a su esposa. La posibilidad de ser un hombre rico por derecho propio e irse a Europa con Ada hace que Lounsberry esté de acuerdo.

Van Hoek recluta a un reticente McBain, y a un viejo amigo experto en demolición Vincente ( Nehemiah Persoff ) para su plan. Tras preparlo todo entran en la mina. Lo preparan todo para que se cronometre su explosión , necesaria para extraer el mineral , coincidiendo con el trabajo habitual de la mina que todos los días a las cuatro de la tarde realizan su voladura regular.

La explosión tiene éxito y logran sacar el mineral, pero daña la vieja estructura de la mina produciéndose un importante derrumbe que no impide que McBain saque el oro y ayuda tanto a Van Hoek, como a Vicente que ha resultado herido en una pierna.

Tras dejar en casa de Vicente al herido van al punto concertado. Van Hoek y McBain lo llevan a Lounsberry. Éste intenta engañarles , además de contar con la ayuda de Leslie, que los amenaza con un arma.

Finalmente, Van Hoek le lanza una botella y logra disparar a Leslie que muere, aunque McBain queda herido.

Van Hoek lleva a McBain al lugar de Anita y le saca la bala, luego se va en una carreta con el oro. Sin embargo, Lounsberry, Sample y sus hombres encabezados por Comanche pronto lo acorralarán en la ciudad . Coincidente ese día con la festividad de los mexicanos que trabajan en las minas como mano de obra barata se va a iniciar una fiesta en la que la pólvora esta muy presente.

Cuando Anita ve que McBain va en ayuda del alemán / holandés, ella reclama ayuda a muchos de sus muchos amigos mexicanos , que rodean y desarman a los villanos. Mientras Van Hoek , McBain y Anita huyen con el carromato del oro.

Van Hoek les confia el oro a la pareja , diciéndoles que los encontrará más tarde en Durango para dividirlo por igual. Luego, cumpliendo su palabra, se va en la diligencia con su compañera de viaje , Ada acabando así la película.

La película fue producida por Aaron Rosenberg, que tuvo un trato para hacer películas para MGM . Originalmente se anunció que la estrella sería William Holden , aunque también se especuló con la incorporación de  James Cagney y Paul Newman . Finalmente, Alan Ladd firmó para protagonizar; fue su primera película en la MGM. Ernest Borgnine fue su coprotagonista, estando como compañeas de rodaje tanto Katy Jurado como  la bella Claire Kelly.

Ernest Borgnine y Katy Jurado se enamoraron durante la realización de la película . Ernest Borgnine conoció a su futura esposa Katy Jurado mientras trabajaba en esta película. Un reportero vio a los dos riéndose durante el almuerzo un día y comenzó a correr el rumor de que los dos estaban involucrados románticamente, lo que Borgnine insistió por el resto de su vida no era cierto.

Sin embargo, la historia persistió,  y la esposa de Borgnine, la que fue su primera esposa, Rhoda Kemins , terminó divorciándose de él por eso. Irónicamente, él y Jurado se acercaron cada vez más a causa de este problema y terminaron casándose en 1959. El amor duró hasta 1963, casándose al año siguiente con Ethel Merman.

El rodaje se llevó a cabo en el estudio MGM con tres semanas de trabajo en la mima Tennesee , en la Schulhill Mine y en la   Elk Hart Mine de Kingman, Arizona, aunque también se filmó en Old Tucson Studios de Tucson, en las Tucson Mountains, en la Yuma Territorial Prison State Park , en Total Wreck, en Silver Bell Mountains. Se rodó igualmente en Colorado River, en la cercanías de Yuma,  así como en Yuma Desert, y Castle Dome Peak,  todas ellas en Yuma, enclavada en el Desierto de Sonora, en el  Kofa National Wildlife Refuge,  todos estos espacios en Arizona, y , por supuesto en los  Metro-Goldwyn-Mayer Studios de Culver City en California, así como en Imperial County, también en California.

Mientras rodaban en Yuma Ernest Borgnine, cazador empedernido, al saber que en la zona había una excelente caza de aves pequeñas en la zona decidió ir repetidas veces a la localidad en otoño y alojarse en el  antiguo Stardust Hotel  para ir a cazar.

La película fue presentada al público el 3 de septiembre de 1958 y consiguió en taquilla unos $2,105,000 al final de ese año 1958 , lo que le impidió cubrir el gasto y generando un déficit de $ 373,000.

De ella los críticos han dicho lo siguiente . En el diario El País  Joaquín de Luna  comentaba que es un filme "Lleno de acción, este filme contiene robos, intriga, oro, romace, tiroteos y algún que otro muerto. No desmerece en absoluto a su original". Y añadió "Curioso western inspirado en La jungla de asfalto (John Huston se quedó anodadado cuando lo contempló) con un pétreo Alan Ladd planificando un robo. La estatura del joven no tenía nada que ver con la trama. Tampoco influyó necesariamente en el resultado final.

En ABC se dice que se tarta de un "Sólido wéstern basado en una novela de W.R. Burnett, y la vez una especie de remake de la película con el mismo nombre, "La jungla de asfalto". No obstante, el filme que nos ocupa carece del carácter sombrío de la primera versión, merced a los toques de humor con que supo salpicarla su director, Delmer Daves ("El tren de las 3:10"), todo un especialista en el género. La película es una de las mejores cintas protagonizadas por Alan Ladd ("Raíces profundas") en la última etapa de su carrera cinematográfica, un intérprete que será recordado por su corta estatura y su poca expresividad en escena".

En Fotogramas se dice que es una "Adaptación de la novela de William R. Burnett "La jungla del asfalto", cuya ambientación se traslada al universo propio del western. Sin ser uno de los mejores films de su director, está construido con las adecuadas dosis de solidez y brío. Posiblemente lo que más le perjudica es el recuerdo del memorable trabajo que hizo John Huston con la misma novela".

Arizona, prisión federal, o The Badlanders cuenta con un buen reparto,  y es muy recomendable desde mi punto de vista. Es una película entretenida, ágil y muy bien narrada con personajes no especialmente profundos , pero que responden a lo que se puede esperar de ellos, que todo les salga bien.

Film con una gran fotografía de John F. Seitz rodado en Cinemascope y Technicolor que sacan con todo lujo de detalles los paisajes secos de Arizona, pero igualmente con detalladas  secuencias que nos decriben la mina en la película , la Mina Lisboa. Una película que se ve con comodidad e ideal para amantes del western como yo.

Interesante para mi ha sido volver a ver los espacio llanos y secos de Kingman en pleno desierto del Mojave. Eso sí Prescott, y sus colinas , ni salen ni están ni se les esperan .

Comentar para poner fin a esto que tras Prescott toma la ruta estatal 89 del Estado de Arizona para encaminarme por las llanuras de Chino Valley y Paulden al norte, para ir hacia el norte y salir en Ash Fork, en la mítica ruta 66, hoy casi un pueblo fantasma, aunque esa es otra historia que posiblemente tenga mucho que ver con la película de animación Cars.

Una película salvaje, una joya

El californiano David Samuel Peckinpah, natural de El Fresno, muere el 28 de diciembre de 1984. Aquel día era viernes. Supongo que la noticia llegó a España ese mismo día. Al día siguiente, el magnífico programa de Televisión Española que emitía los sábados noches y de título Informe Semanal emitía en uno de sus cuatro habituales reportajes uno dedicado a este director y guionista de cine, televisión y teatro estadounidense. yo del mismo conocía para entonces poca cosa. 

Mucho cine había visto, pero especialmente el clásico en esa magnífica cantera que fue la televsión y el cine de mi barrio y mi colegio, pero diría que poco o nada había visto de este director. Era presentado como un director transgresor que llevaba a las pantallas una enorme violencia. Esta es la causa por la que algunos entendidos criticaban su manera de entender el cine al pensar que Peckinpah hacía una apología de la violencia o la banalizaba. Otra parte del público bendecía su obra porque entendía que el realizador usaba la violencia como una renovación del canon narrativo más clásico.

De hecho Peckinpah está considerado uno de los directores que reactivaron la industria de Hollywood a finales de los 60 y en los 70. Especialmente relevante es la nueva lectura y textura que le va a dar al género norteamericano por antonomasia, el western dándole un tono crepusculares - algo que había iniciado con Ride the High Country (Duelo en la alta sierra, 1962)- y con dotes de mayor violencia explícita algo que irritará a los más fieles del canon clásico como John Wayne. Dentro de ese género The Wild Bunch , la película que realizará en 1969 mercará la historia del cine. 

Sin embargo, en cualquier caso lo que intentaba era cargar su obra de lirismo y dar profundidad psicológica sus personajes, así como recursos estilísticos propios como el uso de la cámara lenta en numerosas secuencias - que por supuesto tendrá continuación y seguidores en la dirección- y una técnica de montaje bastante vanguardista. Fue considerada por algunos críticos como «la película más violenta que se haya filmado jamás» y que acabarían llamándole con el apodo de Bloody Sam (Sam el sanguinario) . 

A finales de la década de 1970, Peckinpah parecía haber pasado al olvido. Ninguna publicación hablaba de él. Su salud era ya muy precaria debido a su alcoholismo y su adicción a la cocaína y, sin embargo, hoy es para muchos un director clave en el el cine. 

El nombre "The Wild Bunch" fue aplicado por primera vez por la prensa a una banda de proscritos en Oklahoma y de los entonces llamados Territorios Indios, encabezados por Bill Doolin. Cada miembro de esa banda finalmente murió violentamente. Más tarde, el nombre "The Wild Bunch" fue aplicado por la prensa a la gente de Butch Cassidy . 

No obstante lo que más impactó de The Wild Bunch  o Grupo salvaje como se llamó en España fue el inicio de su película que fue presentado en ese informe semanal que empieza con la llegada del grupo y el posterior tiroteo. Tras ver esas secuencias no tuve duda alguna: tenía que ver esa película.

La película la he ido revisando y viendo cada cierto tiempo, no sólo porque el western como género me encanta sino por considerar que es una de las grandes películas que va mucho  más allá de su género. 

Indudablemente en la película juegan un papel esencial tanto el guión como el montaje y su nítida fotografía en Technicolor y Panavision .

La película fue una producción de Phil Feldman para la productora Warner Bros. 8 en este caso también como distribuidora) y Seven Arts Productions. Contará para su realización con un presupuesto que superó ligeramente los 6 millones de dólares y que duplicará en beneficios tras su exhibición , que alcanzó algo más de 11 millones de dólares.

La historia de la misma está inspirada en lo narrado por Walon Green y Roy N. Sickner  que también se transformará en guión por parte del primero y el director de la misma, Sam Peckinpah.

Hay pocas películas en la que el equipo técnico tenga por su parte un reconocimiento tan intenso como esta. A destacar el papel de la música compuesta por un habitual colaborador de Peckinpah  (aunque también de Eastwood) Jerry Fielding , uno de los músicos afectados por el seguimiento del Comité de Actividades Antiamericanas, e incluido en la Lista negra de Hollywood, con una buena cantidad de fragmentos de música mexicana. También a destacar la luminosa y en ocasiones fotografía Technicolor y presentada en Panavision de uno de los grandes de Hollywood, Lucien Ballard, así como uno de los mejores montajes de la historia en este caso en manos de un competente y esforzado Lou Lombardo.

Sobresalientes igualmente es su elenco formado por un ramillete encabezado por  William Holden como Pike Bishop , Ernest Borgnine como Dutch Engstrom, Robert Ryan como Deke Thornton , Edmond O'Brien como Freddie Sykes,  Warren Oates como Lyle Gorch, Ben Johnson como Tector Gorch . Junto a ellos aparecen  Jaime Sánchez como Angel , un grandioso Emilio Fernández como General Mapache, Strother Martin como Coffer,  LQ Jones como TC,  Albert Dekker como Pat Harrigan , Bo Hopkins como Clarence 'Crazy' Lee, George Russek como Mayor Zamorra,  Alfonso Arau como Teniente Herrera , Dub Taylor como Wainscoat , Rayford Barnes como Buck,  Paul Harper como Ross , Chano Urueta como Don José,  Elsa Cárdenas como Elsa,  Bill Hart como Jess,  Stephen Ferry como el sargento McHale,  Fernando Wagner como el comandante Mohr,  Sonia Amelio como Teresa,  Aurora Clavel como Aurora.

Estamos en 1913. Un grupo formado por nueve soldados , que en realidad son veteranos atracadores de bancos y que viven al margen de la ley y que actúan en la frontera entre los Estados Unidos y México, se aproximan a un pueblo de Texas, Starbuck . Los títulos de crédito iniciales de ‘Grupo salvaje’ muestran el camino que la película tomará a lo largo de más de dos horas.

Mientras el grupo, vestidos de soldados, se dirigen a caballo a atracar un banco, vemos a un grupo de niños ajenos a la acción y practicando un  juego: torturan a un escorpión dándoselo a comer a unas  hormigas hambrientas que lo devoran poco a poco, para luego prender fuego a las hormigas. Los niños observan tan terrible acto con total impasibilidad. El grupo de chicos para para ver al grupo como pasa.

.Mientras el grupo avanza la cámara enfoca primeros planos de los actores, para sobreponer el nombre, la imagen se congela virando a una especie de espectral dibujo del personaje, como si de un fantasma se tratase. La muerte pues, marca desde el inicio del film a los personajes.

Más tarde pasa ante un predicador amenaza con el infierno a todos aquellos que beben. A la predicación asisten principalmente mujeres mayores. Pronto el grupo de fieles inicia un desfile cantando por las calles.

Los soldados desmontan y entran en las oficinas del ferrocarril del sur de Texas. El grupo está encabezado por   Pike Bishop ( William Holden ), líder de una pandilla de proscritos envejecidos, que está buscando la jubilación con este robo  final en la una oficina de ferrocarril. Son , como ya he dicho, en realidad atracadores. Pero mientras se disponen a dar su gran golpe descubrimos que realmente es una  trampa, ya que hay un grupo de cazarrecompensas apostados en las azoteas de los edificios y que los está esperando para acabar con ellos. La emboscada está dirigida  por el ex socio de Pike, Deke Thornton ( Robert Ryan ), quien liderando el grupo de cazarrecompensas contratados  por el ferrocarril.

Cuando el grupo descubre la emboscada comienza un sangriento tiroteo que no sólo mata a varios de los asaltantes y de los cazarrecompensas, sino a muchos de los participantes en el desfile contra el alcohol en el fuego cruzado que es aprovechado para huir.

Del grupo inicial de asaltantes encabezados por Pike, eran nueve, únicamente salen ilesos  cinco Dutch Engstrom  ( Ernest Borgnine ), los hermanos Lyle ( Warren Oates ) y Tector Gorch ( Ben Johnson ), y Ángel ( Jaime Sánchez ). Así comienza la encarnizada huida de esta banda,

Al llegar al punto en que han quedado con otro integrante de la banda, el veterano Freddie Sykes ( Edmond O'Brien ) deciden  dirigen a México tras comprobar que el botín del robo resulta ser un señuelo: arandelas de acero en vez de moneda de plata.

Los hombres de Pike tras cruzar la frontera del Río Grande buscan refugio  esa noche en el pueblo donde Angel nació.

Al llegar el grupo Ángel descubre que su padre ha sido asesinado y su novia se ha fugado con el responsable de la muerte del padre, el sanguinario general Mapache ( Emilio Fernández ), un oficial corrupto y brutal del Ejército Federal Mexicano , que ha estado devastando las aldeas de la zona para alimentar a sus tropas y que han estado luchando -y perdiendo- las fuerzas del revolucionario Pancho Villa, a pesar de contar con asesores del ejército alemán.

Tras recuperarse y ser informados de lo ocurrido por un anciano, veterano de correrías , otro ladrón en este caso mexicano Don José (Chano Urueta) el grupo de Pike decide entrar en contacto con el general Mapache que está en la localidad de Agua Verde.

Cuando llega un ángel celoso ve a Teresa, su antigua amante, en los brazos de Mapache y , tras tener unas palabras, le dispara matándola. Esto enoja a Mapache, pero Pike desactiva la situación y se ofrece a trabajar para Mapache. Su tarea es robar un cargamento de armas de un tren del ejército estadounidense para que Mapache pueda reabastecer a sus tropas y apaciguar al Comandante Mohr ( Fernando Wagner ), su asesor militar alemán , que desea obtener muestras de los armamentos de Estados Unidos. La recompensa será en monedas de oro.

Mientras todo esto transcurre, al otro lado de la frontera el comisionado del ferrocarril persiste en la idea de que Deke Thornton ( Robert Ryan ), continúa con la caza y captura de los miembros del grupo  liderando el grupo de cazarrecompensas contratados  por el ferrocarril. Descubrimos por medio de flashbacks que Thornton era el compañero de Pike y que se ve obligado a ello para escapar del penoso penal el que ha pasado los últimos años. El no odia a Pike, en todo caso, lo admira. Sabe lo que va a hacer y el representante del ferrocarril que lo sacado de la cárcel a cambio de que lo captura le ordena seguirle más allá de la frontera.

El asalto al tren que transporta las armas se realiza con éxito. Todo  va en gran parte según lo planeado hasta que descubren que Deke y su grupo de cazarrecompensas va en el mismo y está preparado para la persecución. Los soldados que van en el tren también van en su búsqueda. Tras eso se produce una carrera contrarreloj para cruzar la frontera.

El grupo perseguidor, que acaba disparando hasta los soldados norteamericanos,  está cerca de alcanzar a los asaltantes que han llevado su carro hasta allende del río. Cuando el grupo de Deke está cruzando el puente que hay sobre el río en la frontera mexicana, los ladrones hacen estallar el caballete que atraviesa el Río Grande , arrojando toda la pandilla al río.

Los perseguidores se reagrupan ya con bajas considerables temporalmente en un campamento ribereño y luego rápidamente reanudan la búsqueda como Pike esperaba por el interior del desierto mexicano.

Cuando el grupo custodia las armas robadas son a su vez asaltados por un grupo de indígenas mexicanos que necesitan las armas para defenderse de Mapache. Por su parte, Ángel entrega su parte del oro a Pike a cambio de entregar  una caja de los rifles robados y municiones a esa banda de rebeldes opuestos a Mapache. Pike accede.

Pike y sus hombres, sabiendo que corren el riesgo de ser engañados  por Mapache como por el grupo de Thorton, idea una forma de entregarle las armas robadas sin que él acabe con ellos , les engañé o los mate.

De hecho los hombres de Deke dan con la zona en la que se refugian y Sykes es herido por la gente de Thronton, mientras asegura los caballos de repuesto.

Sin embargo, Mapache sabe por medio de la madre de Teresa que Ángel entregó una caja de armas y de munición al grupo contrario a él, y cuando  Ángel y Engstrom hacen la última entrega de armas Ángel es rodeado por el ejército de Mapache, cuando éste le exige que se entregue a Dutch. Mapache deja ir a Engstrom, y regresa para reunirse con la pandilla de Pike y contarles lo que ha pasado.

Ángel desesperadamente trata de escapar, sólo para ser capturado. Dutch parece que ha renunciado a salvar a Ángel pero va a describir lo ocurrido a su jefe Pike, que juntos a sus compañeros deciden ir a por su compañero.

Cuando llegan ven a Ángel  torturado, siendo arrastrado poruna cuerda atada detrás del coche del general por la periferia de Agua Verde. Ellos intenta  negociar por Ángel pero Mapache se niega. El general les dice que se queden pero para disfrutar de las prostitutas que van junto a ellos.

Después de un breve regocijo con las prostitutas y un período de reflexión, Pike y la banda intentan forzar a Mapache a liberar a Ángel, que aún está vivo después de la tortura. El general y parte de su ejército está en una bacanal para celebrar la transferencia de armas.

Cuando Pike, Dutch, Lyle y Tector deciden ir a rescatar a su amigo Angel de las garras de Mapache, saben que será un camino sin retorno, que no regresarán de dicha misión. Y toman esa decisión porque saben que sólo pueden terminar así, con coherencia a como han vivido, como pago a sus pecados.

Tras una larga caminata los cinco supervivientes, ya que Sykes ha sido detenido por un mexicano, vuelven a pedirle a Ángel. El general parece que lo va a entregar. Sin embargo, mientras esperan su liberación el general en su lugar corta la garganta de Angel.

La respuesta de Pike y la banda es disparar sobre Mapache frente a cientos de sus hombres. Con un conciso montaje de los rostros de los cuatro protagonistas, expectantes ante la reacción de los cientos de mexicanos que allí hay, se produce el último momento de paz, el último respiro de tranquilidad que vivirá el grupo salvaje, la tensión alcanza su máximo punto, Borgnine se ríe,   libera la tensión, la violencia explota, y la muerte aparece.

Por un momento, los soldados federales están tan sorprendidos que no logran devolver el fuego, provocando que Engstrom dispare con la ametralladora que habían entregado al general.

Pike , por su parte, mata a Mohr , resultando de la refriega inmediatamente posterior un violento y sangriento tiroteo, en el que la ametralladora demuestra su eficacia. Con todo Pike y sus hombres irán cayendo poco a poco, junto con gran parte de las tropas de Mapache y el consejero alemán restante.

Una vez concluido el tiroteo,  Deke y los suyos alcanzan un desolado Agua Verde. Deke permite que los miembros restantes de su grupo tomen los cuerpos acribillados por balas de los miembros de la pandilla para así recoger la recompensa, mientras él prefiere quedarse atrás, sabiendo lo que espera a la pandilla.

Después de un rato se persona Sykes que llega acompañado de una banda de los rebeldes mexicanos que previamente han matado lo que queda a la gente de Deke a lo largo del camino. Sykes le pide a Deke que venga y se una a la revolución y los hombres de Pancho Villa . Deke sonríe y se va con ellos. Con ello se pone fin al trágico y violento destino tras descubrir que el honor y la palabra dada valen más que el pillaje y la avaricia.

La película fue filmada en México , especialmente en la Hacienda Ciénaga del Carmen que hace de Villa verde (en el desierto entre Torreón y Saltillo , en la localidad de Coahuila ) y en el Río Nazas .  También se rodó en La Goma, Durango, en  Parras, también en Coahuila, al igual que   Bavispe, en Sonora, y en la México Sierra Madre Occidental de Sonora. Igualmente se rodó en los Churubusco Studios de la Ciudad de México.

La última escena a ser terminada era el puente que explotaba sobre Río Nazas (presentado como Río Bravo). Para rodarla su utilizaron seis cámaras y la escena se rodó en una toma. Una de las cámara cayó al río y se perdió.

El rodaje fue sorprendentemente bien. En los 79 días del mismo sólo hubo dos pequeños accidentes . Ben Johnson se rompió el dedo en la ametralladora y William Holden se quemó el brazo , pero el polvo y el calor fueron implacables. Según Joe Canutt , quien también trabajó en el Mayor Dundee (1965), "Estábamos en una zona tan seca que los cactus se habían secado y los sapos de cuernos llevaban cantimploras". Sin embargo, Sam Peckinpah insistió en que la película tenía que ser filmada en México. Había trabajado previamente en el guión de Paramount para Villa cabalga (1968) y algunas de las localizaciones  habían sido protagonistas en décadas anteriores durante la revolución mexicana.

Gran parte de la película fue filmada en Parras de la Fuente, donde estaba  la bodega más antigua de las Américas. También el centro de Parras será la Starbuck de Texas. En 1968, la ciudad era todavía lo suficientemente pequeña y rural como para pasar por una ciudad de 1913, pero los funcionarios locales estaban a punto de ir a la electricidad. La adición de las líneas eléctricas habría arruinado el paisaje, así que Peckinpah consiguió que sus productores pagaran a la ciudad una cantidad no revelada de dinero para mantenerla sin red eléctrica otros seis meses.

Todas las "tropas" involucradas en el tiroteo final en el cuartel general de Mapache- realmente una bodega abandonada fuera de Parras- eran verdaderos soldados mexicanos de un regimiento de caballería estacionado cerca de Parras en el estado de Coahuila, y que fueron contratados como extras por la compañía cinematográfica.

Se hicieron siete vestuarios idénticos para cada actor principal. Todos fueron arruinados durante la filmación. El presupuesto pasó de $ 3.5 a $ 6 millones y el  rodaje original previsto en 70 días aumentó a 79 ( u 81, según otras fuentes).

Peckinpah,, director de implacable intensidad - como lo califica Cabrera Infante en Cine o Sardina-,  tuvo la oportunidad de dirigirla en un momento delicado de su vida. Tras conocer el éxito y la fama después de tres largometrajes, de repente se encontró sin trabajo. Todo sucedió muy rápido durante el rodaje de ‘El rey del juego’ (‘The Cincinnati Kid’, 1965), film que empezó Peckinpah, pero que cuando éste sugirió un desnudo femenino, le despidieron, siendo sustituido por Norman Jewison que curiosamente consiguió uno de sus mejores trabajos. De repente, Peckinpah no tenía trabajo y le costaba mucho encontrarlo, hasta que en el campo de la televisión obtuvo cierto reconocimiento con una película titulada ‘Noon Wine’. Tras eso todo cambió.

El polémico cineasta logró vender un guión titulado ‘Villa cabalga’, que giraba en torno a la figura de Pancho Villa. La película la dirigió Buzz Kulik, director enfrascado normalmente en el campo televisivo que Peckinpah conocía muy bien, pero cuando el personaje central recayó en manos de Yul Brynner, Peckinpah se desentendió totalmente del proyecto.

Tras dar clases durante un tiempo en Los Angeles sobre dirección y escritura de guiones para cine y televisión, recibió una oferta de la Warner Brothers para dirigir una película.

De esa oferta nació ‘Grupo salvaje’. Peckinpah entró en contacto con Dick Hyman por haber producido en Inglaterra ‘La colina’, una película de Sidney Lumet protagonizada por Sean Connery, con la que el director de ‘Duelo en la alta sierra’ quedó asombrado.

En 1967 el productor Kenneth Hyman junto a Phil Feldman de la Warner Bros. Seven Arts comenzaron a estar interesados ​​en que Sam Peckinpah reescribiera y dirigiera una película de aventuras llamada The Diamond Story . Pero Hyman le hizo llegar junto a este guión, otro, con la esperanza de que los reescribiera y dirigiera. El otro era ‘Grupo salvaje’ —y aunque  ‘The Diamond Story’ nunca llegó a filmarse—, y venía firmado por Walon Green a partir de una historia de Roy Sickner, un especialista de cine, viejo amigo de Peckinpah, que terminó trabajando en el film como doble y productor asociado.

El trabajo de Green fue retocado por el propio director, como hacía con todos los guiones que no eran suyos, aproximadamente en un 30 % de lo escrito, lo cual generó problemas para que Peckinpah pudiese ser acreditado —se exige al menos un 60% para ello—, cosa que al final pudo ser, logrando el director la única nominación al Oscar que tuvo en su vida, la de mejor guión en la edición de 1970. Durante el rodaje hubo modificaciones del mismo si las sugerencias eran buenas. Por ejemplo, inicialmente no estaba en el guión la imagen del escorpión con las hormigas fue sugerida por Emilio Fernández porque él y sus amigos hacían eso cuando eran niños. Por ejemplo, otra fue el robo del tren no estaba en el guión. Todas las escenas se improvisaron en el acto, lo mismo con "el paseo" del grupo para ayudar a "Angel". El paseo realmente iba de hecho a comenzar con el grupo dejando el burdel. Una vez que se tomó la decisión de alargar la escena, muchos de los extras mexicanos fueron coreografiados por los directores asistentes mientras la escena se estaba filmando.

Lo cierto es que ya Peckinpah había dado muestra tanto de genialidad y saber hacer como de  dificultades de producción de una película anterior, el Mayor Dundee (1965). De cualquier manera su trabajo y su calidad ya eran indiscutibles , así que Peckinpah se centró en un guión alternativo al que ya disponía el estudio , y que fue el inicio de The Wild Bunch , escrito por Roy Sickner y Walon Green .

En ese momento, el guión de William Goldman sobre Butch Cassidy y el Sundance Kid ya había sido comprado recientemente por la 20th Century Fox, así que en este caso la Warner Bros quiso apostar por el género en esta The Wild Bunch.

Lo cierto es que ambas guardaban ciertas similitudes. En el otoño de 1967, Peckinpah estaba reescribiendo el guión y preparándose para la producción. De hecho durante el rodaje cambió el mismo y en varias ocasiones como hemos visto.

Antes del comienzo de la película parece que Peckinpah estaba al tanto de cómo que se estaba haciendo en el cine y de cómo iba  la sociedad norteamericana. Mucho del espíritu épico de Peckinpah pudo  inspirarse en   la violencia vista en Bonnie y Clyde de Arthur Penn (1967) y esa sensación de frustración procede de la intervención de los Estados Unidos en la Guerra de Vietnam . Quiso hacer una película que retratara  no sólo la violencia viciosa de la época, sino también los hombres rudos tratando de sobrevivir a una época. Múltiples escenas intentadas en  el Mayor Dundee se introducen en esta película, incluyendo secuencias de acción en cámara lenta que parecen estar inspiradas en el trabajo de Akira Kurosawa en Siete Samurias / Seven Samurai (1954) así como la idea de  los personajes que salen de un pueblo como si se tratara de un cortejo fúnebre y el uso de locales inexpertos como extras.

A pesar de su coste, hubo limitaciones presupuestarias y materiales. Por ejemplo, como no había suficientes uniformes para todos los extras en la batalla, el supervisor de vestuario Gordon T. Dawson que en principio tenía un montón de uniformes - 350 de ellos - para los soldados mexicanos . Pero como estos recibían disparos o verían como sus trajes se rasgarían o quedaban ensangrentados después de casi cada toma decidió que el y todo su equipo trabajarían todo el día para limpiarlos y repararlos. Si alguien fue filmado recibiendo un disparo, los encargados del vestuario repararían el uniforme lavando la sangre falsa, o tiñendo los agujeros de bala, secando la pintura y enviando a un ejecutante igual o diferente para que le dispararan de nuevo. tenía las manos llenas manteniendo a los extras que jugaban a los soldados mexicanos vestidos apropiadamente. En total, esos 350 uniformes vistieron a unos 6000 hombres.

El director Sam Peckinpah y Walon Green , coautor del guión con Peckinpah, consideraron que este proyecto requería una mirada más realista de los personajes del Viejo Oeste, cuyas acciones en la pantalla rara vez coincidían con la realidad violenta y cobarde que algunos de aquellos hombres en los que ellos se basaron. Green resumió los sentimientos de los autores cuando dijo: "Siempre me gustaron los westerns, pero siempre me pareció que eran demasiado heroicos y con demasiado glamour. Había leído lo suficiente para saber que Billy the Kid le disparó a la gente por la espald mientras bebían café." Tanto Green como Peckinpah consideraron importante no sólo demostrar que los protagonistas de la película eran hombres violentos, sino que lograron su violencia fuese nada heroica y horrible, como usar a la gente como escudo humano y matar a espectadores desarmados durante los robos o a prostitutas.

Walon Green basó el personaje de Freddie Sykes en Howard, el prospector interpretado  por Walter Huston en El tesoro de Sierra Madre (1948). Walon Green reveló más tarde la inspiración detrás de muchos de los nombres de los personajes principales: "Pike era un nombre que siempre quise usar, es es duro y depredador como un pez, mientras que los Gorch eran una verdadera familia basura que yo conocía ..."

Ya he comentado que esta película fue adaptada de una historia ideada por Roy N. Sickner. Walon Green escribió el guión, que luego fue reescrito por Sam Peckinpah . Green sentía que la reescritura de Peckinpah era lo suficientemente importante como para merecer aparecer en los créditos, pero tuvo que presionar al WGA (Gremio de Escritores de América) para permitir a Peckinpah que apareciera en los mismos.  Green, Sickner y Peckinpah compartieron nominaciones a los premios de la Academia al mejor guión (la única nominación al Oscar que recibió Peckinpah en toda su carrera).

Para la película el director Sam Peckinpah consideró a muchos actores para el papel de Pike Bishop antes de decidirse por William Holden. Estuvieron en cartera Richard Boone , Sterling Hayden , Charlton Heston , Burt Lancaster , Lee Marvin , Robert Mitchum , Gregory Peck y James Stewart . Marvin realmente aceptó el papel pero se retiró después de que le ofrecieran un papel y más dinero en por protagonizar Paint Your Wagon (1969), vista y comentada aquí hace muy poco. De William Holden habla Guillermo Cabrera Infante en su libro Cine o Sardina y nos dice que  "el actor que tuvo éxito en su vida y en su carrera profesional,  representa al antiguo antihéroe, pero más que un héroe existencial es un frío desperado cercano a la locura y a la muerte violencia, no gratuita, sino buscada deliberadamente, como la solución final, la única salida a la trampa de la vida. Eso que se llama suicidio."

Como ya he dicho, en un principio, el personaje de Pike Bishop debía estar interpretado por Lee Marvin. Al final Marvin consideró que ‘Grupo salvaje’ podría parecerse demasiado a ‘Los profesionales’ (‘The Professionals’, Richard Brooks, 1966), a lo que hay que añadir que fue contratado por un millón de dólares para participar en ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ (‘Paint Your Wagon’, Joshua Logan, 1969), lo que le ayudó a tomar una rápida y lógica decisión. A Peckinpah no le gustó demasiado la idea de que Marvin abandonase un proyecto en el que parecía muy involucrado, pero cuando vio a William Holden enseguida determinó que era el Bishop perfecto.

William Holden ya no era un galán de Hollywood y , como tantos otros, director incluido, tenía serios problemas con el alcohol. Este detalle convención a Peckinpah quien consideró que con ello Holden encarnaría al Bishop adecuado.

Antes de comenzar la filmación , William Holden y Sam Peckinpah discutieron sobre el bigote que Peckinpah sentía que el personaje de Holden, Pike Bishop, tenía que llevar, porque a  Holden no le gustaba su imagen en la película. Peckinpah argumentó y , finalmente, Holden llevó un bigote falso durante la filmación. 

A su lado, un Ernest Borgnine en absoluto estado de gracia, como Dutch Engstrom , inseparable compañero de Pike en sus andanzas. Peckinpah no estaba muy convencido con el hecho de que Borgnine interpretase a Dutch, pero la profesionalidad demostrada por el actor el primer día de rodaje hizo que se ganase el respeto del director, famoso por tratar mal a sus trabajadores. Borgnine y Holden demuestran una compenetración no vista en el resto del reparto. Las parrafadas de Dutch en castellano durante la película en su versión original son magníficas. Entre los considerados para interpretar a Dutch   fueron Charles Bronson , Jim Brown , Alex Cord , Robert Culp , Sammy Davis, Jr. , Richard Jaeckel , Steve McQueen y George Peppard . En la elección de Ernest Borgnine tuvo mucho que ver su actuación en The Dirty Dozen (1967).

Su integración con Holden fue absoluta. Es más, después de filmar la escena donde Ernest Borgnine y William Holden se sientan junto a una fogata y sus personajes comentan que "no tendrían otra solución", fue difícil para el director Sam Peckinpah gritar "Cut!" porque estaba llorando. Al final, y a pesar de sus disputas, Ernest Borgnine habló muy bien de Sam Peckinpah como director, alegando su profesionalidad, el cumplimiento con el calendario,la  buena relación con el elenco, y que sólo bebió duro durante días libres. En su autobiografía, Ernest Borgnine indicó que   algunos de los miembros  molestaban a menudo Jaime Sánchez  ya que "Apenas tenía treinta años y era como un niño en una tienda de dulces. "

El elenco de secundarios no tiene desperdicio alguno, Warren Oates —el actor Peckinpaniano por excelencia— interpretó a Lyle Gorch, y es que ya  había trabajado con Peckinpah en la serie de televisión The Rifleman y en películas anteriores, Ride the High Country (1962) y Major Dundee (1965). Junto a él su hermano en pantalla, el actor Ben Johnson —actor Fordiano por excelencia, y que en cierto modo representa los valores del western clásico— forman el resto del grupo salvaje —junto con Jaime Sánchez—, y son los únicos que protagonizan la única escena cómica del film —la de la borrachera en la bodega con varias prostitutas—. En una entrevista, Ben Johnson dijo que las mujeres mexicanas que "se divirtieron" con él y con Warren Oates en las enormes cubas de vino no eran actrices sino prostitutas de un burdel cercano y que fueron contratados por Sam Peckinpah para poder decirle a la gente que Warner Bros pagó unas putas para el reparto.

Robert Ryan, otro rostro conocido en el género, da vida a Dake Thornton, hombre que lidera el grupo que persigue a los protagonistas, y que en otros tiempos fue compañero de Pike. Las primeras dos elecciones de Peckinpah para el papel de Deke Thornton fueron Richard Harris (quien había co-protagonizado en Major Dundee ) y Brian Keith (quien había trabajado con Peckinpah en The Westerner (1960) y The Deadly Companions (1961)). Harris nunca fue tenido en cuenta formalmente, pero Keith sí. Finalmente . Robert Ryan fue finalmente elegido después de que Peckinpah lo vio en la película de acción de la Segunda Guerra Mundial The Dirty Dozen (1967). Otros actores considerados para el papel fueron  Henry Fonda , Glenn Ford , Van Heflin , Ben Johnson (más adelante contratado para el papel  Tector Gorch), y Arthur Kennedy .  Las incesantes quejas de Robert Ryan por no recibir una facturación superior molestó al director Sam Peckinpah que decidió "castigar" a Ryan. En los créditos de apertura, después de congelar la pantalla en los primeros planos con las caras de William Holden y Ernest Borgnine, Peckinpah congeló la escena en los cuartos traseros de varios caballos y allí Ryan fue incluido.

Robert Blake fue inicialmente la elección original para interpretar a Ángel, pero éste pidió demasiado dinero. Peckinpah había visto a Jaime Sánchez en la adaptación cinematográfica de Sidney Lumet de The Pawnbroker , quedó impresionado y exigió que lo contratarán para el papel de Ángel.

Edmond O´Brien, Strother Martin, L.Q. Jones y un enfermo Emilio Fernandez cierran con gloria uno de los castings más perfectos que haya habido jamás, como si pareciera que han nacido para interpretarlos. Según el editor de la película, Lou Lombardo , Sam Peckinpah sabía que Strother Martin tenía miedo de los caballos, así que le dio el caballo más alto para montar, y luego lo hizo montarlo y , durante un momento de la misma, vemos como rueda cuesta abajo.  De acuerdo con un informe, Roy N. Sickner levantó tanto infierno beber y pelear en México después de llegar a trabajar en la película que las autoridades mexicanas lo escoltaron físicamente fuera del país, impidiéndole regresar.

Para el general Mapache fue considerado al actor germano-italiano Mario Adorf, pero el papel fue para Emilio Fernández, el director de cine mexicano y actor y amigo de Peckinpah.  Adorf rechazó la oferta cuando se enteró de que su personaje cortaría la garganta de un niño, pero lamentó su decisión tres años después cuando vio la película.

Albert Dekker , un actor de teatro, fue elegido como Harrigan, el detective del ferrocarril siendo Wild Bunch su última película pues murió pocos meses después de que sus escenas finales estuvieran terminadas.

También se emplearon a familiares del director.  Durante la secuencia de robo de apertura, se ve a dos niños sosteniéndose mutuamente, y viendo como uno de los asaltantes se aproxima a caballo y recoge una bolsa de dinero tirada en el suelo. El niño en esa escena es Matthew Peckinpah , hijo del director Sam Peckinpah .

La relación entre actores, equipo y director no fue nada fácil. Sam Peckinpah fue muy duro con todo su equipo. A veces tanto que, a veces, creaba fricciones y enfrentamientos entre él y ciertos miembros del elenco. Al principio del rodaje, William Holden amenazó con abandonar el set si Peckinpah continuaba abusando verbalmente de los demás en su presencia. Robert Ryan amenazó con golpear al director después de hacer que Ryan le hiciera pruebas de vestuario durante diez días  y maquillaje sin filmar ninguna escena o sin permitirle unos días libres para hacer campaña a favor del senador Robert Kennedy . Ernest Borgnine también prometió "acabar con el mierda" de Peckinpah si el director no le permitiera algo de alivio del polvo que le obstruía la garganta y que estaba afectando la respiración del actor en un momento.

Por contra la colaboración de Sam Peckinpah con el productor Phil Feldman fue mucho mejor. LQ Jones comentó: "Si no fuera por Phil Feldman, no creo que Sam hubiera hecho nada de importancia". Feldman le dio consejos a Peckinpah sobre personajes, líneas de diálogo, colocación de escenas e incluso cambió la idea previas de Peckinpah. A esto se une su buen conocimiento en su trabajo al conocer el trabajo de Lou Lombardo  usando la cámara lenta y ángulos diferentes en algunas muertes rodadas en películas anteriores. Esto impresionó al productor Phil Feldman y a Sam .

La película fue filmada en Panavisión con unas lentes especiales de proyección anamórfica . Peckinpah y su director de fotografía, Lucien Ballard , utilizaron también teleobjetivos que permitían comprimir en perspectiva tanto a objetos como a personas fotografiadas incluso en primer plano.

La edición de la película es notable ya que las imágenes rodadas desde múltiples ángulos fueron empalmados juntos en rápida sucesión, a menudo a velocidades diferentes, poniendo mayor énfasis en la naturaleza caótica de la acción y los tiroteos.

Lou Lombardo, que previamente había trabajado con Peckinpah en Noon Wine , fue personalmente contratado por el director para editar The Wild Bunch . Peckinpah había querido un editor que cumpliese sus funciones y no el de la productora. La juventud de Lombardo también era un plus, ya que no estaba obligado por las convenciones tradicionales.

El director filmaría hasta con seis cámaras, operando a varias velocidades de película, incluyendo 24 fotogramas por segundo, 30 fotogramas por segundo, 60 fotogramas por segundo, 90 fotogramas por segundo y 120 fotogramas por segundo. Cuando las escenas fueron finalmente cortadas juntas, la acción pasaría de lento a rápido a más lento, dándole al tiempo una calidad elástica nunca antes vista en las imágenes en movimiento hasta ese momento. La película fue filmada con el proceso anamórfico. Sam Peckinpah y su director de fotografía, Lucien Ballard , también hicieron uso de teleobjetivos que permitían comprimir en perspectiva objetos y personas tanto en el fondo como en el primer plano. El efecto se ve mejor  está en "el paseo" a por Mapache para liberar a Angel. A medida que avanzan, un flujo constante de personas pasa entre ellos y la cámara; La mayor parte de la gente en el primero plano es tan agudamente centrada como el manojo.

Para el rodaje de la película, Peckinpah había filmado 101.000 metros de carretes. Lombardo y Peckinpah permanecieron en México durante seis meses editando. Después de los cortes iniciales, la secuencia de disparos de apertura duró 21 minutos. Al cortar cuadros de escenas específicas e intercalar a otros, fueron capaces de cortar con precisión el robo de apertura hasta cinco minutos.

El montaje creativo se convirtió en el modelo para el resto de la película y "cambiaría para siempre el modo en que se harían las películas".

Según el editor Lou Lombardo, la versión original contiene unos 3.643 cortes editoriales, más que cualquier otra película de Technicolor jamás procesada. Algunos de estos cortes son casi subliminales, consistentes en tres o cuatro marcos, haciéndolos casi imperceptibles a simple vista.

Sam Peckinpah le advirtió a Lombardo que ante la previsible llegada de personas del Estudio que: "No le muestres a nadie nada que cortes hasta que lo vea, si Feldman entra, tira de la tapa de la moviola".

Lombardo y  Peckinpah habían entrado en contacto mientras Peckinpah estaba dirigiendo la película para televisión Noon Wine (1966).  Peckinpah estaba particularmente interesado en las técnicas de edición que Lombardo había ideado durante la edición de Felony Squad

Grupo salvaje está sustentada por dos tiroteos, uno cerca del comienzo de la película y uno cerca del final. Los tiroteos son demostraciones de virtuosismo de las posibilidades de narración cinematográfica. Lombardo trabajó con Peckinpah tanto para diseñar el trabajo de cámara para Grupo salvaje y editar la película. Nada menos que seis cámaras estaban grabando simultáneamente desde diferentes lugares; las cámaras estaban grabando a velocidades de 24 a 120 fotogramas por segundo. La edición de la película es notable ya que los tiros de múltiples ángulos fueron empalmados juntos en rápida sucesión, a menudo a velocidades diferentes, poniendo mayor énfasis en la naturaleza caótica de la acción y los tiroteos.

Él y Peckinpah estuvieron editando el material grabado durante seis meses en México, donde una parte de la película fue grabada.

En su valoración de 2011, Daniel Eagan escribió: "Grupo salvaje tenía 3642 ediciones, más de cinco veces el promedio de Hollywood para este tipo de característica cinematográfica, este tipo de montaje tan denso no se había intentado desde la vuelta de Sergei Eisenstein en los años 1920.

Stephen Prince escribió: "La edición es audaz y visionaria, como el espacio de montajes curvo y alargado en el tiempo de una manera cuyo alcance y ferocidad no tenía precedentes en el cine estadounidense".

En la biografía de Peckinpah, Daniel Weddle escribió sobre este efecto: "La acción haría constantemente estar cambiando de lento a rápido a más lento y a aún más rápido, dando en las secuencias una extraña cualidad elástica".

Antes de filmar, Sam Peckinpah escribió en una carta a su amigo, Charlton Heston , hablándole de la película y que la misma "podría resultar ser razonablemente buena". Después, él decía: "De todos los proyectos en los que he trabajado, esto es lo más cercano a mí."

Gabrielle Murray resumió como Grupo salvaje afectó al cine: "Peckinpah, con la ayuda del brillante editor Lou Lombardo y el director de fotografía Lucien Ballard, desarrollaron un enfoque estilístico, que a través del uso de la cámara lenta, la grabación con varias cámaras y el montaje de edición, parecía tener una violencia más intensa y visceral".

Muchos críticos han señalado la influencia de la edición de los tiroteos de Grupo salvaje en películas posteriores. Paul Monaco ha escrito: "Lombardo empujó la revolución en la edición de Hollywood más que nadie, y Grupo salvaje fue establecida a finales de la década de 1960 como epítome de la edición de ritmo rápido en una película narrativa".

Sam Peckinpah , famoso por ser un director exigente, para la escena clave en la que Pike hace estallar el puente por el que va a pasar Deke, dio instrucciones muy específicas para el técnico de efectos especiales Bud Hulburd , que no era experto en dinamita, pero que iba a usar 50-60 cartuchos de explosivo.  Joe Canutt estaba preocupado por los hombres a caballo pudieran  ser heridos o muertos si se metían en el agua  antes de que la carga de dinamita final estallara. Sin embargo, Hulburd se negó a prestar atender a Canutt, por lo que, según Marshall Fine en "Bloody Sam: La vida y las películas de Sam Peckinpah", "Sin saberlo Peckinpah y Hulburd,  decidieron que "Si cualquier persona entraba en el agua antes de que Hulburd hiciera estallar la carga tendrían problemas. Afortunadamente para todos, la secuencia salió como estaba planeada y nadie salió herido salvó un caballo que se ahogó y una cámara que se hundió.

Se realizó una nueva edición para obtener una calificación favorable de la MPAA que estaba en el proceso de establecer un nuevo conjunto de códigos. Peckinpah y sus editores cortaron la película para satisfacer los nuevos y amplios parámetros de clasificación R que, por primera vez, designaban una película como inadecuada para los niños. Sin este nuevo sistema, la película no podría haber sido lanzada con sus imágenes explícitas de derramamiento de sangre.

Peckinpah declaró que uno de sus objetivos para esta película era dar al público "alguna idea de lo que es ser abatido". Una anécdota sobre el rodaje cuenta como  mientras Peckinpah rodaba con su equipo y le consultaba sobre los efectos del "fuego de arma" para ser utilizado en la película, el director no satisfecho con los resultados se exasperó y , finalmente, gritó: "Eso no es lo que quiero! ¡ Eso no es lo que quiero! " Luego agarró un revólver real y disparó contra una pared cercana, vaciando el cargador del arma. Peckinpah gritó a su equipo  aturdido: "¡Ese es el efecto que quiero!"

Esta película también cambió los efectos de sonido de los disparos para la película. Antes, todos los disparos en las películas de Warner Bros sonaban idénticos, independientemente del tipo de arma que se disparara. Peckinpah insistió en cada tipo diferente de arma de fuego que tiene su propio efecto de sonido específico. Igualmente Sam Peckinpah quería añadir el sonido de las moscas que zumbaban en la escena tras la batalla y, sin ella, sentía que la película era incompleta.  Y así se hizo.

Los críticos de The Wild Bunch señalaron el tema del fin de la era la historia de unos proscritos, pero la película habla de muchas más cosas. Habla de la palabra dada, de la amistad, del compromiso con un causa, de la perseverancia, de la vejez, de la desubicación  y de los cambios.

El personaje de  Pike Bishop responde a todos estos temas. El es consciente de que su tiempo se ha terminado y de que  vive con un código de honor anacrónico sin  lugar en la sociedad de principios del siglo XX. Cuando inspeccionan el automóvil nuevo del General Mapache, perciben el coche refleja ese tiempo en el que ya ellos no tienen cabida. Es el final de su viaje y con él de su mundo.

Hay elementos curiosos y paradójicos en  la película como el hecho de que Deke Thornton describa al general Mapache como "un asesino a las órdenes de Huerta". Se refería al general Victoriano Huerta  que había derrocado y asesinado al presidente mexicano Francisco I. Madero en 1913, desencadenando una guerra civil. La ciudad mexicana que filmó esta película, Parras en el estado de Coahuila, fue el lugar de nacimiento de Madero.  Por su parte, Emilio Fernández , que interpreta Mapache, fue seguidor del posterior revolucionario mexicano, Adolfo de la Huerta, que era una persona completamente diferente al Huerta mencionado en la película. Adolfo de la Huerta fue finalmente derrotado, y sus seguidores, entre ellos, Emilio Fernández fue capturado, juzgado por traición y sentenciado a 20 años de prisión. Se escapó y huyó a Los Ángeles, California, donde encontró su camino en la industria cinematográfica y comenzó una amistad de por vida con el director John Ford . Después de regresar a México, se convirtió en un actor y director y se hizo conocido como uno de los grandes cineastas de la historia del cine mexicano. Pero Victoriano Huerta y Adolfo de la Huerta no eran en absoluto la misma persona y en realidad representaban facciones opuestas en la Revolución, según se desarrollaba. Victoriano Huerta murió de cirrosis como exiliado en El Paso en 1916, mucho antes de la subida de Adolfo de la Huerta.

Emocionan igualmente en la película el uso de la bansa sonora. Especialmente emotiva es "La Golondrina" cantada por los aldeanos mexicanos cuando los miembros del Grupo Salvaje salen del pueblo de Ángel. Es una canción escrita en 1862 por el médico mexicano Narciso Serradell Sevilla (1843-1910), mientras estaba exiliado en Francia debido a la intervención francesa en México.  Se convirtió en la canción de la firma de los mexicanos exiliados. Pero, lo que es más importante, para la época de la Revolución Mexicana, "La Golondrina" (o, de hecho, su nombre propio, "Las Golondrinas") se había convertido en una canción de despedida en el norte de México y las fronteras del sur de Texas. Fue en este tiempo cuando se convirtió en una canción funeral común, una tradición que continúa hasta hoy.  También a lo largo de la película se escucha otra canción el "Corrido de Santa Amalia".

Por supuesto , el tema de la violencia también está presente. Fue de hecho muy criticada desde el principio en 1969 generando muchas controversias. Peckinpah señaló que era una alegoría de la guerra estadounidense en Vietnam, la violencia televisada de todas las noches a los hogares estadounidenses a la hora de la cena. Trató de demostrar que la violencia armada era un lugar común en el histórico período de la frontera occidental, rebelándose contra la televisión esterilizada con western y películas que glorificaban los tiroteos y el asesinato: "El punto de la película es tomar esta fachada de violencia cinematográfica y abrirla". El objetivo era la reacción    y mostrarla como es "brutal y horrible, algo alejada de la  diversión y los juegos, de los vaqueros y los indios, ... en definitiva, fea.

También hubo mesura, a pesar de los muchos muertos que se ven durante la película, 145 (22 en el primer tiroteo y un enorme 112 en la batalla final). se decidió que la escena de la muerte de los cazarrecompensas iba a ser un tiroteo elaborado, pero el productor Phil Feldman sugirió matarlos completamente fuera de la pantalla. A Sam Peckinpah le gustó tanto que le escribió para darle las gracias diciendo: "Tu idea de eliminar la matanza de los cazarrecompensas era absolutamente correcta".

Peckinpah utilizó la violencia como una catarsis , creyendo que su público se horrorizaría al presenciarla explícitamente en la pantalla. Posteriormente confesó  que la audiencia llegó a disfrutar más que horrorizarse por la violencia de sus películas, algo que le preocupaba.

La traición es otro tema secundario de The Wild Bunch . Los personajes sufren por sentir que han traicionado a un amigo y lo han dejado a su destino, violando así su propio código de honor

El crítico David Weddle entiende que el heroísmo de Pike Bishop es propulsado por un sentimiento de culpa  y un deseo de búsqueda desesperanzada de muerte".

‘Grupo salvaje’ fue un éxito, directores como Martin Scorsese y George Lucas lo consideraron el mejor western jamás hecho. Durante una proyección en Nueva York, Sam Peckinpah invitó a Jay Cocks , de la revista Time, quien trajo a su amigo Martin Scorsese . Se sentaron en una sala vacía de Warner Bros. con sólo dos otros críticos, Judith Crist y Rex Reed . La escena final los sacó de sus asientos. Recordó Scorsese: "Estábamos cautivados por ella, era obviamente una obra maestra, era un cine real, usando la película de tal manera que ninguna otra forma podía hacerlo, no podía hacerse de otra manera. Declaró que fue todo emocionante. " Cocks recordó que él y Scorsese "literalmente se volvieron el uno al otro al final y estuvieron atónitos, nos miramos, sacudiendo la cabeza, como si acabáramos de salir de un sueño de fiebre compartido".

Aún así, muchos quedaron escandalizados por el uso de la violencia en el film. Además cambió la idea de western clásico tradicional de tendencia crepuscular como puede ser  ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (‘The Man Who Shoot Liberty Valance’, John Ford, 1962), para dar nuevas claves del western crepuscular, ya tratado en ‘Duelo en la alta sierra’.

Vincent Canby comenzó su crítica calificando la película como "muy hermosa" , presentándolo como el " primer western  interesante en muchos años". Dijo igualmente "También está tan lleno de violencia - de una intensidad que difícilmente puede ser apoyada por la historia - que va a inducir a una mucha gente que no conoce el efecto real de la violencia de la película (como yo no) para escribir  condenas automáticas sobre ella. " Y prosigue :  "Aunque las secuencias de acción convencionales y poéticas de la película son extraordinariamente buenas y sus paisajes bellamente fotografiados ... es muy interesante en su desarrollo el alegre del caos, la corrupción y la derrota". De los actores, comentó en particular de William Holden: "Después de años de actuaciones aburridas en películas aburridas, Holden regresa galantemente en The Wild Bunch . Parece más viejo y cansado, pero tiene estilo, tanto como hombre como por el personaje que persiste en hacer lo que siempre ha hecho, no porque realmente quiere el dinero, sino porque simplemente no hay nada más que hacer ".

En 1995, Peter Stack escribió: "Es sorprendente lo desgarradora que sigue siendo Grupo salvaje, más de 25 años después (...) Se convirtió en una mezquina poesía pictórica inquietante y resumió la corrupción de la culpa, la vejez y la muerte en la fantasía americana del viejo oeste.

Stephen Prince escribió en 1999 que: "Grupo salvaje es una obra épica, y que ha tenido un impacto épico en el cine estadounidense y señaló la descripción realizada por Martin Scorsese de la película a la que definió como poesía salvaje".

Paul Seydor en su libro "Peckinpah: The Western Films A Reconsideration" describió la película como: "una de las grandes obras maestras del cine mundial", y señaló además que "cualquier discusión sobre Grupo salvaje reconoce implícitamente la edición de Lou Lombardo y Robert Wolfe. En la edición de películas no se conocen picos más altos que en Grupo salvaje y muy pocos están cerca de su cumbre".

En la revista Time también elogió el trabajo de Holden, describiéndolo como su mejor desde Stalag 17 (una película de 1953 por la que ganó Holden un Oscar ); también elogió el trabajo de Robert Ryan . Y concluyó que " The Wild Bunch contiene faltas y errores" (como flashbacks "introducidos con torpeza sorprendente"), pero "sus logros son más que suficientes para confirmar que Peckinpah, junto con Stanley Kubrick y Arthur Penn , pertenece a lo mejor de la nueva generación de cineastas estadounidenses ".

Roger Ebert en sus revisiones de películas dijo sobre ella en 2002 que "vio la versión original en el estreno mundial en 1969,  cuando Warner Bros. proyectó cinco de sus nuevas películas en las Bahamas para 450 críticos y reporteros", y añadió que en aquella época había declarado públicamente que la película era una obra maestra durante la conferencia de prensa de la reunión, motivada por los comentarios de "un reportero de Reader's Digest [quien] se levantó para preguntar" ¿Por qué se hizo esta película? "Comparó la película con Pulp Ficción : "alabada y condenada con igual vehemencia".

El crítico de cine Michael Sragow dijo que "Lo que el Ciudadano Kane fue para los amantes del cine en 1941, The Wild Bunch fue para cineastas en 1969"; añadiendo que Peckinpah había "producido una película americana que iguala o supera lo mejor de Kurosawa : el Gotterdammerung de Westerns" .

Hoy día, la película tiene una calificación de "Fresh" de 98% en  Rotten Tomatoes basada en las críticas de 46 críticos.

Se hizo un documental sobre Sam Peckinpah y el rodaje y creación de The Wild Bunch bajo el título The Wild Bunch: Un álbum en montaje (1996) dirigido y editado por Paul Seydor. El documental se hizo a partir del descubrimiento de 72 minutos de imágenes en blanco y negro silenciosas de Peckinpah y su equipo  en el norte de México durante el rodaje de The Wild Bunch .

Michael Sragow escribió en 2000 que el documental era "una introducción maravillosa a la película histórica radicalmente detallada de Peckinpah sobre los proscritos estadounidenses en México revolucionario - una obra maestra y un vuelo poético "

Seydor y su co-productor Nick Redman fueron nominados en 1997 para el Premio de la Academia de Mejor Documental.

Carlos Boyero en las páginas del diario El Mundo comentaba que era  "Uno de los mejores westerns de todos los tiempos"

Por su parte, Miguel Ángel Palomo de El País escribía en sus páginas que era "Una película mítica y de importancia capital (...) una obra maestra de indecible amargura, de inolvidable lirismo"

Alberto Abuín en blog de cine comienza elogiando la labor de montaje realizada por Lou Lombardo al recoger unas palabras del montador en relación a la pelíucla. "Había 3462 cortes en la película. Recordaba que Hitchcock había dicho una vez que, si quieres que una película sea realmente emocionante, tienes que meter muchos cortes. Una película normal no suele tener más de unos 600. Así que, según ese criterio, ‘Grupo salvaje’ es la película más emocionante de la historia.

Pero - prosigue Abuín, aunque ‘Grupo salvaje’ es una historia llena de violencia, a ratos insoportable, se ven en ella algunos matices que ponen en la mirada de Peckinpah cierto punto de esperanza hacia sus malditos personajes. Con un inusitado uso de los flashbacks —eliminados en un primer montaje por parte de la productora— en el que vemos el pasado conjunto de Pike y Deke, éstos añoran sus tiempos de amistad, una amistad traicionada, que se sellaría indefinidamente como elemento común en la filmografía de Peckinpah. Dicha amistad se ve latente en secuencias como la que transcurre tras descubrir los protagonistas que han robado anillas de metal en vez de oro. Nada pueden hacer y sólo les queda reír, escenas recordadas en el cierre del film, mientras Robert Ryan y Edmond O´Brien se alejan.

El primer montaje duraba casi cuatro horas. Peckinpah deslumbró a medio mundo con esta película, escandalizando al otro medio, que no aceptó la impresionante orgía de violencia descrita en el film.

Dice igualmente que el director innovó en muchos aspectos el lenguaje cinematográfico, trastocando las preconcebidas ideas que se tenían sobre el séptimo arte.

De acuerdo con Paul Seydor hubo un estreno previo de la película con 151 minutos de duración y  tuvo lugar  en Kansas City el 1 de mayo de 1969. Con este preestreno se inició la controversia sobre la violencia extrema de este película. Varios espectadores supuestamente salieron corriendo por las salidas a un callejón cercano para vomitar. Esta versión de la película tuvo que recortada por otros seis minutos antes de su lanzamiento, pero por esto que la película obtuvo la calificación R de la MPAA. A pesar de todo el masivo derramamiento de sangre, y la objeción de Motion Picture Association of America a gran parte de ella, sólo el corte de la garganta de Angel es lo que consideraron "inaceptable".

Los ejecutivos de Warner Bros se pusieron nerviosos cuando la película se abrió a la mediocre taquilla, y dieron vía libre al productor Phil Feldman para cortar 10 minutos de la película, pensando que un tiempo de ejecución más corto  podría ayudar. Feldman lo hizo sin siquiera decirle nada a Sam Peckinpah.  Feldman provocó que algunos elementos de la trama fuesen incomprensibles. Un furioso Peckinpah nunca volvió a hablarse con Feldman.

No ganó el Oscar, ya que acabó  siendo la vencedora ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and Sundance Kid’, George Roy Hill, 1969), la gran triunfadora de aquel año, otro western imprescindible. Pero fue la 17ª película de mayor recaudación de 1969 .  Después de su lanzamiento, Peckinpah fue uno de los diez directores para recibir una nominación para el Premio Sindicato de Directores (DGA) -Guild of America- como mejor director.

La película recibió dos nominaciones al Premio de la Academia, por Mejor Guión Original (Walon Green, Roy N. Sickner, Sam Peckinpah) y Mejor Música Original ( Jerry Fielding ). Pero en esa  42ª ceremonia de entrega de premios de la Academia , los premios fueron para miembros de la tripulación de Butch Cassidy y Sundance Kid (guionista William Goldman y compositor Burt Bacharach ). Contiene frases míticas como esa de los primeros minutos de la película:  "Si se mueven, matarlos". Fue elegida como la cita # 72 de "The 100 Greatest Movie Lines" de Première en 2007.

El fotógrafo Lucien Ballard ganó el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a la Mejor Cinematografía.

La película se ubicó en el puesto 80 en las 100 mejores películas estadounidenses del American Film Institute y en la 69ª película más emocionante.  En 2008, la AFI reveló su " 10 Top 10 " de las mejores diez películas en diez géneros: The Wild Bunch clasificado como el sexto mejor Western.

La película está clasificada en el puesto  # 94 en la lista de la revista Empire de las 500 películas más grandes de todos los tiempos.

Grupo salvaje está incluido entre las "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

En 1999, el US National Film Registry la seleccionó para su conservación en la Biblioteca del Congreso como cultural, histórica y estéticamente significativa.

La película recaudó 10,5 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos en 1970 y otros 638.641 dólares en Estados Unidos en 1995, gracias a su versión restaurada, que totalizó 11.138.641 dólares.

Uno de los aspectos más llamativos y destacados de la película fue su edición en varios ángulos, de corte rápido, utilizando imágenes normales y de cámara lenta , una técnica de cine revolucionaria en 1969.

La obra del director nacido en El Fresno influirá en muchos directores posteriores por su "extraña cualidad elástica" del tiempo en la película, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, pero también John Woo, Quentin Tarantino, Kathryn Bigelow y los Hermanos Wachowski, entre otros.

John Woo ha emulado la violencia a cámara lenta de Peckinpah y el realista derramamiento de sangre. Mucho de lo que sucede en Grupo salvaje parece un cliché ahora, con mucha frecuencia se ha copiado y repetido. A Woo , además se suman Takeshi Kitano y Wong Kar-Wai, han referenciado las innovaciones de Peckinpah.

La directora Kathryn Bigelow ha escrito de Grupo salvaje: "la edición era  radical y tremendamente vibrante".

En la película The Matrix (dirigida por los hermanos Wachowski y editada por Zach Staenberg) escribieron que la realización de la película fue influenciada por el trabajo del director de cine Sam Peckinpah y los movimientos de artes marciales de Bruce Lee. John Goodman escribió en 2011: "La combinación de diferentes velocidades en la película realizada por Peckinpah y su estilo de edición elíptica poco convencional fueron una revelación.

El 19 de enero de 2011, fue anunciado por Warner Bros. que un remake de The Wild Bunch estaba en las obras. El guionista Brian Helgeland habia sido contratado para desarrollar un nuevo guión. El suicidio de 2012 de Tony Scott , que estaba programado para dirigir supuso el abandono del proyecto.

No se hizo y casi me alegro. Tocar el legado de Peckinpah es casi intolerable e intentar mejorar uno de los mejores western de la historia es , simplemente, imposible. De la pelíula me quedo con todo. Por supuesto con la historia, con unas actuaciones geniales, inolvidables, con su banda sonora, con su fotografía , con su montaje. Habré visto la películas en multitud de ocasiones  y cada día me parece más grande. En definitiva ¿qué voy a decir de esta película salvaje?. Responderé lacónicamente: es una joya.