Los juegos de mi hijo

Día del Pilar 2012, ¡ cuántas veces ha sido noche de fiesta, de champán, y de Bohemia – local ya desaparecido en la plaza de la Palmera! ¡Noches de santo, en santa compaña!. Esos tiempos se fueron. Ahora es noche en familia y si es de noche y hay familia, hay una peli. Aquella noche, ya sin partido frente a Bielorrusia, tuvimos ocasión de ver una Resident Evil: Apocalipsis (Resident Evil: Apocalypse en inglés).

Resident Evil: Apocalipsis es una película que se encuadra en el genero de ciencia ficción, acción y terror, dirigida por Alexander Witt, escrita y producida por Paul W.S. Anderson, estrenada en el 2004 y protagonizada por Milla Jovovich.

La película es la segunda entrega de la saga cinematográfica de Resident Evil que se basa en el videojuego de Resident Evil producido por Capcom.

La película fue producida por Paul W. S. Anderson, Jeremy Bolt y Don Carmody para realizar una Coproducción entre Gran Bretaña – Alemania – Francia para Sony Pictures Entertainment, Screen Gems,  Constantin Film Produktion,  Davis-Films e Impact Pictures. En ella se inviertieron unos 45 millones de dólares (U$S). La distribución quedó para Screen Gems y obtuvo una recaudación descomunal de 129.394.835 dólares U$S.

La música es de Jeff Danna, mientras que la fotografía es de Derek Rogers y Christian Sebaldt.

La película combina un poquito de todo. Terror, acción, ciencia ficción, cine fantástico y zombies, además de su estética de videojuego es una secuela de la Resident Evil. Está protagonizada además de la ya renombrada Milla Jovovich (Alice Abernathy), por Thomas Kretschmann (Timothy Cain), Jared Harris (Dr. Charles Ashford), Sandrine Holt (Terri Morales), Mike Epps (L.J.), Sienna Guillory (Jill Valentine), Oded Fehr ( Carlos Oliveira), Zack Ward (Nicholai Ginovaef), Sophie Vavasseur (Angela Ashford), Raz Adoti (Peyton Wells), Iain Glen (Dr. Sam Isaacs), Stefen Hayes (Yuri Loginov) y Eric Mabius (Némesis).

La película incluye varios elementos de los juegos Resident Evil 2, Resident Evil 3: Nemesis y Code: Veronica.

Parte justo después del brote del virus-T en el laboratorio subterráneo La Colmena. Por debajo de la ciudad, un grupo de científicos abren La Colmena para investigar lo que ocurrido  previa captura de Alice y Matt, pero en el trayecto son atacados por los zombies y mutantes del virus-T. Más tarde, un equipo manda a evacuar a los principales científicos de la Corporación Umbrella, incluyendo a Ángela Ashford, hija de un científico muy importante de la compañía, Charles Ashford. En el trayecto, su transporte choca con un camión, ella logra sobrevivir, pero no salir de la ciudad.

Trece horas después el virus llega a la ciudad y Jill Valentine, una policía que es miembro de los S.T.A.R.S. suspendida de su puesto de trabajo,  se prepara para combatir a los infectados. Al llegar a la jefatura de policía comienza a disparar matando a infectados y liberando a un preso llamado LJ. Luego les dicen a todos que salgan de la ciudad.

Mientras tanto, el mayor Timothy Cain, encargado de mantener la cuarentena en la ciudad y de los proyectos Némesis y Alice, activa el programa Alice y ella despierta en el hospital abandonado, al salir ve a la ciudad devastada y toma un rifle de una patrulla.

Y es que el virus mortal ya ha sido liberado sobre la población de Raccoon City. Alice (Milla Jovovich), una de las supervivientes del desastre bioquímico, se encuentra en el corazón de esta devastada ciudad. Sometida a experimentos que han alterado su genética, ahora posee fuerza, sentidos y destreza sobrehumana. Estas habilidades, y más, serán las que deba utilizar quien quiera sobrevivir en esta nueva aventura.

Los ciudadanos se amontonan en el puente principal conocido como Ravens Gate City ya que es la única ruta de evacuación. Es allí donde Jill Valentine se encuentra con su compañero Peyton, pero inesperadamente una persona infectada muere y de inmediato se transforma en un zombie, mordiendo a Peyton. En ese momento Cain ordena cerrar la salida, dejando a miles de personas atrapadas, pero se alejan del puente, ya que se ordena el uso de armas.

Mientras tanto, en un helicóptero, Carlos Olivera, enviado a Racoon City en la misión de Umbrella para mantener el virus en la ciudad, junto con Nicholai Ginovaef y Yuri Loginov ven a una mujer atacada por los zombies en un tejado del edificio. Cuando llegan intentan salvarla pero ella ya infectado por un bocado se suicida. Después, Cain se reúne con Charles Ashford, donde le sugiere que se vaya junto con los otros, pero él se rehúsa ya que su hija no logró salir. Más tarde, en su computadora, la rastrea y la encuentra escondida en su escuela, pero necesita ayuda para poder salvarla. Mientras rastrea a Ángela encuentra a Alice.

Por su parte Alice, que tiene implantado en su interior el virus T., comienza a prepararse para luchar contra los zombies, entonces comienza a recordar lo que le sucedió en el hospital y se da cuenta de que está infectada masivamente. Más tarde Ashford también rastrea a Jill, Peyton y Terry Morales - periodista de Raccon 7 de Raccoon City que acompaña a los miembros de S.T.A.R.S., mientras filma con su cámara de video, quien decide acompañarlos-, los tres se dirigen a la catedral de la ciudad. Jill va a investigar ya que escucha ruidos raros y descubre que un sacerdote tenía a su hermana amarrada y alimentada de otros seres humanos, pero esta ya era una zombie, Jill intenta dispararle pero el sacerdote se atraviesa y el zombie lo muerde así que Jill les dispara a los dos. Terry intenta escapar al oír los disparos, así que abre la puerta pero allí se encuentran mucho más zombies por lo cual atrancan la puerta. Pronto se dan cuenta de que dejaron entrar a algunos lickers, mutantes del virus-T. En ese momento llega Alice en una motocicleta, salta y le dispara al tanque de gasolina provocando una explosión, y así logra matar a uno de los lickers. Al segundo le dispara a una cruz que se encuentra arriba de el, así lo atrapa y luego le vuela la cabeza. Al tercero y último le avienta una banca y le dispara.

Después de que LJ lograra escapar de la jefatura y robar un auto para huir, éste choca al distraerse con zombies prostitutas. Mientras, en otro lugar, una brigada de combate lucha con los zombies, pero Yuri es mordido e intentan escapar, dejando a merced al resto de los policías para los zombies. Alice y los demás se encuentran en un cementerio donde descubren que Peyton está infectado, pero Jill impide que ella le dispare. Inesperadamente éstos son atacados por zombies que salen de la tierra. Alice y Jill matan a algunos, pero deciden escapar debido a que son demasiados.

Cuando la contaminación por virus-T llega a niveles críticos, Cain ordena que se active el programa Némesis. Más tarde manda un helicóptero y es divisado por Carlos y su equipo, pero no los rescata, y ven que dejaron en el hospital estuches de armas (para el proyecto Némesis). Mientras tanto, Carlos es mordido por Yuri, convertido en un zombie, pero logra dispararle.

Junto con otros supervivientes deberá escapar de la cada vez más peligrosa Raccoon City. Para alcanzar su meta necesitarán luchar contra las fuerzas de la Umbrella Corporation, las violentas criaturas de bioingeniería creadas en sus laboratorios, los zombies que plagan la ciudad y, finalmente, enfrentarse a la más colosal y mortal de estas creaciones: Nemesis

Después, LJ busca un auto para escapar. Cuando un francotirador le dispara a un zombie que estaba por atacarlo, llega a un teatro donde está el escuadrón de rescate de S.T.A.R.S., cuando inesperadamente llega Némesis y una de sus operadoras altera los protocolos ordenándole a Némesis que mate a todos los miembros de S.T.A.R.S. logrando liquidar a todos menos a LJ, ya que el programa no lo identifica como un miembro de S.T.A.R.S.

En otra parte, Alice y los demás son interrumpidos por una llamada proveniente de un teléfono público, quien resulta ser Charles Ashford. Ashford propone un trato: él les dirá como salir de la ciudad si logran rescatar a su hija Ángela, ya que nadie los podrá ayudar y por lo tanto ordenarán una "desinfección", que resulta ser un misil nuclear de 5 megatones.

Después, en un puente, Némesis los encuentra y le dispara a Peyton, matándolo, y Alice lucha contra él mientras los demás escapan. Después Jill intenta encender una camioneta cuando es sorprendida por el zombie de Peyton, y ella le dispara y así escapan. Cuando después se encuentran con LJ y se une con ellas, al llegar a la escuela se separan. Allí buscando a Ángela Terry es asesinada por los zombies escolares. Luego llega Jill y ve que es demasiado tarde para ayudarla, pero logra encontrar a Ángela y toma su cámara de video, mientras que LJ se encuentra con Carlos Olivera.

Más tarde Jill trata de salir pero es atacada por zombies de doberman. En esto llega Nicholai y les dispara. Pero uno de los perros lo ataca junto con otros dos más matándolo instantáneamente. Más tarde Jill intenta quemar el lugar con gas de las estufas de la cocina, pero no lo consigue debido a que su encendedor se apaga. Un momento después llega Alice, lanza un cigarrillo encendido y logra explotar la cocina junto con los doberman, después ve que Ángela está infectada masivamente. Ella cuenta que su padre fue el creador del virus-T para ayudarla a mejorar su condición médica, pero la corporación Umbrella le quitó su invento para usarlo para sus propios fines. En ese momento llega LJ junto con Carlos, y descubre que su compañero está muerto. Alice ve que también está infectado, pero Ángela tiene el antivirus que es la cura del virus-T. Alice le inyecta el antídoto a Carlos, logran escapar llegando a la alcaldía, donde está un helicóptero tal y como dijo Ashford, pero Cain se entera de lo que hace y cambia los planes. Alice combate a los guardias y le dice al piloto que despegue, pero Cain llega de sorpresa.

En ese momento llega Némesis y Cain le dice a Alice que combata con él, a lo que ella se niega. Él le dice que si no lucha morirán todos y le dispara a Charles Ashford, matándolo, por lo que ella no tiene más opción que pelear contra Némesis. Ella pelea y logra derrotarlo, cuando se da cuenta de que él es Matt, su amigo, y que comenzó a mutar y los técnicos de Umbrella se lo llevaron para experimentar con él. El objetivo principal de esta máquina es eliminar a los S.T.A.R.S. (Escuadron Táctico de Rescates Especiales) y al proyecto Alice para que no haya supervivientes, con el que había logrado escapar de La Colmena. Se niega a matarlo. Ante esto Cain, decepcionado, ordena a Némesis que la mate pero este decide traicionar a Umbrella permitiéndole a Alice y a los demás escapar, causando su muerte en el progreso al defender a Alice de unos agentes de Umbrella. Cain ordena la desinfección y en eso es noqueado por LJ. Cuando escapan del helicóptero Alice tira a Cain y los zombies logran entrar al complejo y Cain les dispara. En un momento desesperado se intenta suicidar, pero se le acaban las balas y muere en manos del zombie de Charles Ashford y otros zombies.

Los demás logran escapar, pero se detona la bomba y la onda expansiva alcanza al helicóptero. Una herramienta se dirige hacia Angela pero Alice la salva y el tubo se clava en su estómago, matándola aparentemente. El helicóptero cae en el río de las montañas Arklay. Dos horas más tarde, el Dr. Isaacs y su equipo se dirigen en la zona cero y encuentran el cuerpo de Alice. Después en un noticiero pasan la tragedia de Raccoon City mostrando el contenido de la cámara de video de Terry Morales, pero la Corporación Umbrella descarta eso como una contaminación de periodistas y dice que un reactor nuclear estalló, causando una tragedia. Ahora, Carlos Olivera y Jill Valentine son buscados por la policía.

Tres semanas después, en el centro de investigación médica de la Corporación Umbrella, en Chicago, el Dr. Isaacs logra restaurar a Alice. Ella está en una cámara, sumergida en líquido, desnuda y conectada a tubos. Cuando despierta, comienza a tener recuerdos de lo sucedido, y cuando le preguntan su nombre ella responde que Alice y los comienza a atacar logrando escapar de la instalación. Más tarde llegan Carlos, Jill y LJ e intentan salir con identificaciones falsas. Después el Dr. Isaacs les dice que se vayan y da el programa Alice iniciado. En un primer plano se muestran los ojos de Alice con el logotipo de Umbrella y su visión es de una computadora, y finalmente es rastreada por un satélite de Umbrella.

La película fue la primera de la saga en ser duramente criticada tanto por fanáticos de los videojuegos originales como por los críticos.

Apocalypse comienza con un resumen de lo acontecido en Racoon City mientras Alice (Milla Jovovich) se encontraba en cuarentena en los laboratorios de Umbrella, para después volver al lado del personaje justo en el momento en que terminaba la primera parte y, a partir de aquí, seguir con su historia y a la vez introducir a nuevos personajes que la acompañarán en otros episodios de esta saga.

La película se rodó en Toronto, ciudad que sirve de marco para  Raccoon City. Utilizando escenarios clásicos como la iglesia o modernos como el edificio del ayuntamiento han representado unos correctos escenarios para esta película- videojuego iniciada por Capcom en 1996.

Mi hijo mayor dice que hay escenas que están copiadas literalmente del juego como son el escenario y algunos personajes; y también escenas calcadas, como la del helicoptero disparando a la galería (sacado de CODE Veronica, 4ª entrega de la saga de videojuegos lanzada para DreamCast en el año 2000) y la principal amenaza, Némesis, al que se le da una historia completamente diferente, o el misil sobre Raccoon City o los acribillamientos en los callejones a los zombis. Multitud de personajes que aparecen en el videojuego como Némesis, la unidad especial STARS o Jill Valentine (extraordinaria la caracterización de Sienna Guillory), al igual que numerosos monstruos mutados como perros, zombis y lockers son extraídos del videojuego.

Las reacciones entre los críticos fueron pobres. Leonard Maltin califico la película como una "Bomba" en su libro Leonard Maltin's Movie Guide, y la llamo "Una tediosa secuela de Resident Evil que parece más un remake". Por su parte, Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película una estrella y media de cuatro, argumentando: "La película es una perdida de tiempo total. No hay razón para producirla, más que para hacer dinero, y no hay razón para verla, más que para gastar dinero. Es una zona muerta, un filme sin interés, el ingenio, la imaginación o incluso la entretenida violencia y los efectos especiales."

Scott Foundas en la revista “Variety " afirmaba que “ Lamentablemente poco inspirada y rozando la incoherencia, este nuevo film carece incluso de la los placeres fugaces (por ejemplo, sentido del humor) que hicieron que la primera película fuera un pasable entretenimiento de palomitas."

Ya en España, Javier Ocaña en el Diario El País decía que “Un correquetepillo que no es más que la base del videojuego y, por desgracia, de la película. No hay más. (...) Resident Evil 2: Apocalipsis es una de las secuelas más inútiles del último cine americano, y conste que ha tenido competencia para semejante galardón." Frente a esta opinión, José Manuel Cuéllar decía en el Diario ABC que "El mayor mérito de 'Resident Evil 2' es estar a la altura de la primera parte, lo que no es mucho decir porque aquella tenía su aquel, pero no su aquello."

Injusticia y colaboración

Ya he hablado de las ventajas de los canales temáticos de cine que ofrecen en abierto películas de una calidad aceptable y con cortes publicitarios asumibles o razonables para los espectadores. En este sentido la Sexta 3 y el Paramount Channel aciertan en su  modelo televisivo.

Yo hace años que pude ver está película. Reconozco que la vi sin prejuicio alguno pues no sabía lo que iba  ver. Sólo tenía medianamente claro que era una película francesa, por eso del nombre. Tras su visualización llegué a la conclusión de que había visto una película tierna y amable, a la par que desgarradora. Además como historiador creo que en ella se refleja bien la postura pasiva de parte del pueblo francés durante la ocupación y por otro, la valentía de otros que se enfrentan a lo injusto.

Monsieur Batignole en España o Una razón para vivir en Argentina es una película francesa que conjuga el drama y la comedia. La película de 100 minutos de duración está dirigida por Gérard Jugnot en 2002.

La producción fue asumida por el propio Jugnot conjuntamente con Dominique Farrugia, Olivier Granier, para la productora RF2K Productions, aunque distribuyera la Paramount. El guión está firmado por Philippe Lopes-Curval y Gérard Jugnot.

La música fue obra de Khalil Chahine, mientras que el sonido lo fue de Michel Kharat. La fotografía estuvo filmada por Gerard Simon. Otros aspectos fueron Rachel Aboulkheir, Marie Luiset para el maquillaje, Martine Rapin, Annie Thiellement para el vestuario y el montaje obra de Catherine Kelber, mientras que el diseño de producción fue obra de Jean-Luis Poveda.

Está protagonizada por Gérard Jugnot (Edmond Batignole), Jules Sitruk (Simon Bernstein), Michèle Garcia (Marguerite Batignole), Jean-Paul Rouve (Pierre-Jean Lamour), Alexia Portal (Micheline Batignole), Violette Blanckaert (Sarah Cohen), Daphné Baiwir (Guila Cohen), Götz Burger (Spreich), Elisabeth Commelin (Irène), Hubert Saint-Macary (Teniente), Daniel Martin (Albert).

La acción principal tiene lugar en un París ya ocupado en 1942. Monsieur Edmund Batignole (Gérard Jugnot) un modesto charcutero francés, que vive con la familia (esposa, hija y novio de ésta) en la reducida trastienda del comercio que regenta, combinando ansias de supervivencia y tranquilidad con el clima de intimidación que imponen las fuerzas de ocupación.

Se trata de un comerciante que trata de llevar una vida normal más allá del miedo y la intimidación ejercida por los alemanes. Su situación es privilegiada: su negocio le da para comer y el novio de su hija es un colaboracionista nazi que le consigue un ingreso extra organizando banquetes para el ejército de ocupación. Su futuro yerno, Pierre-Jean Lamour (Jean-Paul Rouve), es un apasionado de la literatura, un escritor mediocre que tiene la misión de localizar judíos y delatarlos.

Gracias a su futuro yerno, escritor mediocre, colaboracionista de los nazis en la persecución de judíos, tiene la oportunidad de servir banquetes a los oficiales nazis y conseguir sustanciosos ingresos y beneficios extras. Algunas de las víctimas serán los miembros de la familia Bernstein, vecinos de los Batignole, pero de una posición más acomodada. Una vez sus bienes son confiscados y ellos capturados, el piso pasará a ser ocupado por la familia Batignole. Con un piso nuevo y teniendo a su disposición una furgoneta también incautada, Batignole inicia una relación más estrecha con los alemanes.

Todo parece ir bien, hasta que un día, justo cuando está ofreciendo una fiesta en su casa para los alemanes, toca a la puerta una inesperada visita: se trata del pequeño Simon Bernstein (Jules Sitruk), quien ha logrado escapar y vuelve a casa, donde espera reencontrarse con su familia. Edmond Batignole no halla la forma de hacerle entender que ya no puede vivir allí. El niño insiste y Batignole no tiene otra opción que esconderlo en uno de los cuartos de servicio. Consciente del peligro, el comerciante acepta dejarlo sólo una noche. El pequeño se quedará allí más tiempo y poco a poco se establecerá entre ellos una relación de complicidad y rivalidad, pues el niño exige explicaciones a Batignole, a quien considera el delator de su familia.

Con la intención de deshacerse del pequeño sin tener que entregarlo a los nazis, Batignole llegará a hacer cosas inimaginables… Decide proteger a las dos primas de Simon y en compañía de los tres niños emprende una aventura en la que más de una vez, su propia vida estará en juego al decidir Batignole escapar con los niños a Suiza.

La película se estrenó es Francia el 6 Marzo 2002, mientras que en España lo hizo el 29 Abril 2005. Se rodó en exteriores de Morteau, Bizot y Gras (Franco Condado, Francia) y en estudio. Obtuvo el César al mejor actor revelación (Jean Paul Rouve).

Gérard Jugnot, protagonista de "Les choristes", o "Los chicos del coro" (2004), con la que comparte actor protagonista y guionista, es un reputado realizador en el país galo, dirigió en el año 2001 esta comedia dramática que tuvo una excelente acogida del público y división de opiniones por parte de los críticos. M. Torreiro en el Diario El País afirmó que era "Un filme hecho para mejor glorificar la popularidad del actor, poco crítico con el colaboracionismo, que se limita tan sólo a un personaje de caricatura (el aspirante a yerno del protagonista) y poco más, una ocasión perdida para ajustar las cuentas a tanto dolor, a tanta hipocresía."

Alberto Bermejo en el diario El Mundo afirmaba que era "Correcta y moderadamente intensa, se mantiene a una distancia más que prudencial de los detalles sórdidos (...) lo mejor: la evolución del personaje principal (...) Lo peor: el tono del relato convencional con tendencia a bordear el sentimentalismo facilón."

En el Diario ABC, Javier Cortijo, afirmaba que se trataba de "Una historia medida para emocionar sin pasarse de riego por aspersión lacrimal (...) A veces áspera y con astillas inesperadas (...) Perfectamente ambientada y con roles bien dibujados (...)

La película está dividida en dos partes, y ofrece una descripción de la ocupación, sus protagonistas, métodos, veleidades, caprichos y de la crueldad con la que llevan a cabo detenciones masivas de judíos franceses. Los hechos que se exponen, aunque conocidos, no dejan de ser desoladores y perturbadores. Por otro lado, la obra ofrece una referencia superficial, evasiva y caricaturesca de la realidad del colaboracionismo, encarnado en Pierre Jean Lamour, incompetente y repulsivo. En un tercer nivel se sitúa Edmund Batignole, ingenuo y de limitadísima inteligencia, interesado, enemigo de los compromisos y de los riesgos. Su comportamiento descontrolado aporta motivos adicionales de hilaridad. Cuando se cruza en su camino el pequeño Simon, listo, avispado, locuaz y manipulador, se entabla entre los dos una prolongada lucha de poder a poder (lo más interesante del film), de la que el niño sale vencedor una y otra vez.

La música es de aire festivo y alegre. Subraya la comicidad de la obra, la ingenuidad infantil de Simon, las inquietudes de Batignole, su exagerada hiperactividad y su incapacidad para resolver los enredos en los que se ve envuelto por debilidad e imprevisión. La fotografía es clara y rica en matices. Los tonos oscuros, metálicos y sombríos de la primera parte estallan en un luminismo exultante hacia el tramo final del metraje. El guión opta por sazonar la crudeza de los hechos y la emotividad de los mismos con un exceso de amabilidad, dulzura y comicidad. Como consecuencia de ello la comedia prevalece sobre el drama. La interpretación de Jugnot es convincente y la de Jules Sitruk sobresaliente. La dirección, deudora de "La vida es bella" (1998), de Roberto Benigni, envuelve el drama en recursos empalagosos, gratos al público, cuyo favor persigue.

Un retrato de la ocupación nazi distinto a los ya vistos hasta ahora: además de los malos malísimos, también se da alguna pincelada de cómo eran vistos los judíos hasta entonces por sus conciudadanos: "llevan años viviendo aquí y ni siquiera nos han saludado tres veces". El drama de la incomprensión de un niño ante la guerra y su peripecia por encontrar a sus padres. También se aprecia la degradación moral a la que lleva cualquier guerra y en cualquier bando.

Es una película completa: momentos de rabia, de tensión, de miedo, de ironía, de humor, de compasión. También de venganza y odio. La música no es gran cosa, pero cumple su cometido. 

Escenas aparentemente sin salida (el soldado alemán herido en la estación) encuentran una solución inverosímil, pero cómica y en el tono del resto de la película.

Un personaje muy humano y con rasgos de inocencia infantil, en un entorno hostil y falso de adultos que se mueve entre los dos. Buenas la dirección, la fotografía y la interpretación del director, siempre un poco torpe e irresoluto, contrastando con el personaje de Simón, avispado y resuelto. Las contradicciones entre el supuesto padre y los niños ante la policía hasta que llegan a la frontera hacen las delicias del espectador. Hay en la cinta una velada crítica a la resistencia y a la falta de compromiso por la ocupación alemana de Francia. Salvo por los racionamientos y los controles, la vida en la Francia ocupada siguió siendo igual, incluso algunos ganaron dinero, y los vecinos no pusieron el grito en el cielo cuando la policía se llevaba a los judíos a los campos de trabajo.

Se trata pues de una película sencilla, con una historia de injusticia y colaboración, agradable de ver, con una cuidada fotografía, leve emotividad y buenas actuaciones. El hecho de que la película trate de eludir la crudeza del momento que le sirve como trasfondo, bastante bien recreado en su aspecto costumbrista, no significa que no podamos a través de ella acercarnos a cómo el ser humano puede comportarse en situaciones donde nadar contra corriente (ir en contra de los ocupantes) es un camino peligroso y donde lo importante se convierte en única ideología, sobrevivir, aunque sea indignamente.

Ambición y traición en la corte escocesa

Si William Shakespeare  creyó que en la corte danesa algo olía a podrido, en la escocesa Shakespeare sintió que dominaba la ambición y la traición. Es cierto que ninguna de las dos forman parte de los pecados capitales, pero ambas llevan a la ruina a las personas y a los reinos. Lo cierto  es que esta cinta ha sido calificada por Guillermo Cabrera Infante en su obra “Cine o Sardina” como una obra de las obras más feas de los años cuarenta. Pero dice Cabrera, su fealdad es  coma la del día  con que comienza la obra: “Un día tan feo y tan bello no de visto”, dice Macbeth. Y así es esta película de imágenes tan épicas como trágicas.

Macbeth es una adaptación cinematográfica realizada en 1948 por Orson Welles de la obra trágica Macbeth de William Shakespeare. Existen varias adaptaciones de la obra al cine antes de la de Welles hubo otras.
Una película británica y homónima, muda, protagonizada por Frank Benson en 1911. Otras de 1914 y que llevaba por título When Macbeth Came to Snakevilla. La dirigida por John Emerson en 1916 y en ese punto paró hasta llegar al Macbeth de Orson Welles en 1948. Macbeth era la cuarta obra  de Shakespeare que un estudio de Hollywood prodicía. En 1929 la United Artists produjo La fierecilla; la Warner Brothers hizo Sueño de una noche de verano en 1935, y la Metro-Goldwyn-Mayer produjo Romeo y Julieta en 1936. Ninguna de estas películas fueron un éxito comercial, pero el prestigio comercial y de crítica obtenido por la versión cinematográfica de Enrique V creada por Laurence Olivier (que se produjo en Gran Bretaña en 1944, pero no se vio en los EE.UU. hasta 1946) ayudó a impulsar Macbeth de Welles adelante.

Parece ser que en 1947, Orson Welles, tras el fracaso comercial de “La dama de Shanghai”  tener problemas de financiación, comenzó a promover la idea de llevar un drama de Shakespeare a la pantalla cinematográfica. Al principio se trató de despertar el interés de los inversores de una adaptación de Otelo, pero fue incapaz de conseguir apoyo para el proyecto. Welles cambió y optó por una adaptación cinematográfica de Macbeth, que combinara  en su entorno violento como "un centro perfecto entre Cumbres borrascosas y La novia de Frankenstein".

Trabajando en equipo con el productor Charles K. Feldman, Welles logró convencer a Herbert Yates, el fundador y presidente de Republic Pictures, de la perspectiva de crear una versión cinematográfica de Macbeth. Yates estaba tratando de elevar el nivel de su estudio, que producía seriales, producciones de serie B y westerns de Roy Rogers y otras de bajo presupuesto, en un estudio de prestigio. República ya había intentado presentar excéntricas características, entre ellas Celos de Gustav Machatý (1945) y el Espectro de la Rosa de Ben Hecht (1946), así que tener un artista creativo de la estatura de Welles fue considerado como un golpe de Estado artístico, más aún cuando Welles proponía rodarlo todo en 21 días, tiempo récord si se piensa que para cualquier producción normal se empleaban entre cinco y seis semanas.

La producción del filme estuvo en manos del trío formado por Orson Welles, Charles K. Feldman y Richard Wilson. Sin embargo, el productor Charles k. Yates no fue capaz de proporcionar Welles con un gran presupuesto. Welles se comprometió filmar Macbeth en tres semanas con un presupuesto de700.000 dólares USA ($). Cuando algunos miembros de la junta directiva de la Republic Pictures conocieron el proyecto expresaron sus dudas. Ante esto  Welles se ofreció a financiar personalmente parte de la película si superaba su presupuesto original.  Como Welles había montado un Macbeth ambientado en el Haití del rey Cristophe llamado “Voodoo” en 1936 en Nueva York con un elenco completamente de actores de color, y en Salt Lake City en 1947 como parte del Festival del Centenario de Utah, pidió prestados elementos de ambas producciones para su adaptación cinematográfica.

El guión evidentemente fue obra de William Shakespeare, pero con la peculiar adaptación de  Orson Welles.

La música correspondió a Jacques Ibert, mientras que la fotografía impecable es obra de John L. Russell. La edición quedó en manos de Louis Lindsay, mientras que la distribución fue asumida por una Republic Pictures ansiosa de ganar reputación con el fichaje de Welles. La película se rodó en tres semanas, en un estudio y con decorados que antes habían servido para rodar otras películas. La película se estrenó en octubre de 1948.

La película está interpretada por Orson Welles como el usurpador Macbeth, un capitán escocés y más tarde rey de Escocia; Jeanette Nolan como Lady Macbeth y más tarde la Reina de Escocia; Dan O'Herlihy como Macduff el Barón de Fife; Peggy Webber como Lady Macduff y como una de las tres brujas; Christopher Wells como el hijo de Macduff; Erskine Sanford  como Rey Duncan de Escocia, que más tarde fue asesinado por Macbeth: un joven Roddy McDowall como Malcolm, el hijo mayor de Duncan; Edgar Barrera como Banquo, un capitán escocés y amigo de Macbeth; Jerry Farber como Fleance, hijo de Banquo. Además participan Alan Napier como un Santo Padre; John Dierkes como Ross, un lord escocés; Keene Curtis como Lennox, un lord escocés; Lionel Braham como Siward, conde de Northumberland y comandante inglés; Archie Heugly como el  Joven Siward, su hijo; Morgan Farley como el un médico que atiende a Lady Macbeth; Lurene Tuttle la asistenta de Lady Macbeth y una de las tres brujas; Brainerd Duffield como el asesino así como una de las tres brujas, siendo el único actor en la película que hace un papel travestido; William Alland coo el Segundo asesino; George Chirello en el papel de Seyton, siervo de Macbeth; y Gus Schilling como el portero en el castillo de Macbeth.

Macbeth, como obra literaria es una de las obras más conocidas de William Shakespeare, y es una tragedia en cinco actos, escrita en prosa y en verso, que fue compuesta probablemente hacia 1606 y estrenada poco después. Fue publicada por primera vez en 1623, en la edición conocida como First Folio. Es una tragedia acerca de la traición y la ambición desmedida. No hay seguridad absoluta de que la tragedia sea en su totalidad obra de Shakespeare, ya que algunos afirman que ciertos pasajes podrían ser adiciones posteriores del dramaturgo Thomas Middleton, cuya obra La bruja (The witch) tiene múltiples afinidades con Macbeth.

La obra está libremente basada en el relato de la vida de un personaje histórico, Macbeth, que fue rey de los escoceses entre 1040 y 1057. La fuente principal de Shakespeare para esta tragedia fueron las Crónicas de Raphael Holinshed, obra de la que extrajo también los argumentos de sus obras históricas. Holinshed se basó a su vez en Historia Gentis Scotorum (Historia de los escoceses), obra escrita en latín por el autor escocés Hector Boece e impresa por primera vez en París en 1527. Para agradar a su mecenas, el rey Jacobo V de Escocia, Boece había oscurecido deliberadamente la figura de Macbeth, con el fin de exaltar a un hipotético antepasado del rey, Bancuo.

No existe acuerdo en cuanto a la fecha de composición de la obra. Según Henry N. Paul (The Royal Play of Macbeth) se escribió en 1616 aproximadamente. También se ha utilizado como argumento para fechar la obra su posible relación con la entronización de Jacobo VI de Escocia y I de Inglaterra (se hace referencia en la obra a un imaginario antepasado suyo, Banquo), que tuvo lugar en 1603. No obstante, la fecha exacta de composición de la obra no puede determinarse con seguridad.

La obra comienza con tres brujas, las tres "Hermanas Fatídicas", que hacen un hechizo en el que se ponen de acuerdo acerca de su próximo encuentro con Macbeth.

Cuando Macbeth, thane de Glamis y primo  del rey,  y su compañero Banquo cabalgan hacia Forres desde el campo de batalla que acaban de librar para poner fin a la invasión de Escocia por noruegos e irlandeses, acaudillados por el rebelde Macdonwald. En su trayecto se encuentran con las brujas, quienes saludan a Macbeth, primero como thane de Glamis, luego como thane de Cawdor, y por último anunciándole que un día será rey. A Banquo le dicen que sus descendientes serán reyes. Cuando Macbeth pide a las brujas que le aclaren el sentido de las profecías, ellas desaparecen. De inmediato se presenta un noble escacés enviado del rey Duncan, rey de Escocia, (Ross), quien notifica a Macbeth la concesión real del título de thane (barón) de Cawdor por haber tenido un importante papel y con el fin de recompensarles.

Viendo cumplida la profecía de las brujas, Macbeth comienza a ambicionar conseguir el trono. Macbeth escribe una carta a su esposa, en Inverness, explicando las profecías de las brujas. Lady Macbeth, al leer la carta, concibe el propósito de asesinar a Duncan para lograr que su marido llegue a ser rey.

De improviso se presenta Macbeth en el castillo, así como la noticia de que Duncan va a pasar allí esa noche. Lady Macbeth le expone sus planes. Macbeth duda, pero su esposa lo azuza, estimulando su ambición.

Todo esto correspondería con el primer acto de la obra ldramática del autor británico.

El siguiente tramo de la película - que ya correspondería al segundo acto-empieza en la noche de la llegada de Duncan al Castillo de Macbeth. Al llegar la noche, Macbeth, instigado por su esposa, y tras muchísimas dudas, da muerte al rey cuando duerme en su aposento. Antes de su muerte ve visiones de una espada con sangre y siente fuertes remordimientos, que Lady Macbeth se esfuerza por acallar.

Con la llegada de uno de los hombres del rey se descubre el crimen. Macbeth culpa a los sirvientes de Duncan, a los que asesina, supuestamente en un arrebato de furia para vengar la muerte del rey. Los hijos de Duncan, Malcolm y Donalbain, que se encuentran también en el castillo, no creen la versión de Macbeth, pero disimulan para evitar ser también asesinados. Malcolm huye a Inglaterra, y Donalbain a Irlanda. Gracias a su parentesco con el rey fallecido y a la huida de los hijos de éste, Macbeth consigue ser proclamado rey de Escocia, cumpliéndose así la segunda profecía de las brujas.

Tras la entronización de Macbeth como monarca escocés se iniciaría el tercer acto en su versión literaria. A pesar del éxito de sus propósitos, Macbeth continúa intranquilo a causa de la profecía que las brujas hicieron a Banquo, según la cual éste sería padre de reyes. Encarga a unos asesinos que acaben con su vida, y la de su hijo, Fleance, cuando lleguen al castillo para participar en un banquete al que Macbeth les ha invitado. Los asesinos matan a Banquo, pero Fleance consigue huir. En el banquete, poco después de que Macbeth sepa por los asesinos lo ocurrido, se aparece el espectro de Banquo y se sienta en el sitio de Macbeth. Sólo Macbeth puede ver al fantasma, con el que dialoga, y en sus palabras se hace evidente su crimen. Lady Macbeth intenta controlar la situación , pero la locura del rey escocés es una evidencia para ella y para su corte.

Macbeth - en lo que se supone que corresponde con el acto IV de la obra- regresa al lugar de su encuentro con las brujas. Inquieto, les pregunta por su futuro. Ellas conjuran a tres espíritus. El primero advierte a Macbeth que tenga cuidado con Macduff. El segundo dice que "ningún hombre nacido de mujer" podrá vencer a Macbeth, y la tercera indica que el castillo de Dunsinane, sería atacado por del bosque de Birnam.

Estas profecías tranquilizan a Macbeth, pero no se queda satisfecho. Quiere saber también si los descendientes de Banquo llegarán a reinar, como las brujas profetizaron. En respuesta a su demanda, se aparecen los fantasmas de ocho reyes y el de Banquo, con un espejo en la mano, indicando así que ocho descendientes de Banquo serían reyes de Escocia. Un vasallo de Macbeth le notifica que Macduff ha desertado. En represalia, Macbeth decide atacar su castillo y acabar con la vida de toda su familia. La acción se traslada a Inglaterra, donde Macduff, ignorante todavía de la suerte que ha corrido su familia, se entrevista con Malcolm, hijo de Duncan, al que intenta convencer para que reclame el trono. Recibe la noticia de la muerte de su familia.

En el último acto, el quinto, Lady Macbeth empieza a sufrir remordimientos por su actuación alentadora en los asesinatos de Duncan  Banquo: sonábula, intenta lavar manchas de sangre imaginarias de sus manos. 

Malcolm y Macduff, con la ayuda de Inglaterra, invaden Escocia. Macduff, Malcolm y el inglés Siward, conde de Northumberland, atacan el castillo de Dunsinane, con un ejército camuflado con ramas del bosque de Birnam, con lo que se cumple una de las profecías de las brujas: el bosque de Birnam se mueve y ataca Dunsinane.

Macbeth recibe la noticia de que el bosque se mueve y de la muerte de su esposa por suicidio – por cierto, la caída es similar a la de Elisabetta en Drácula-. Tras pronunciar un monólogo nihilista, toma la determinación de combatir hasta el final. Tras matar al hijo de Siward, se enfrenta con Macduff. Se siente todavía seguro, a causa de la profecía de la bruja.

Demasiado tarde, pues Macduff es hijo de una madre que  había muerto una hora antes de que él naciera, y que los médicos habían realizado una cesárea para mantener a Macduff vivo, y así se cumple la profecía de que «no podría ser muerto por ningún hombre nacido de mujer» y Macbeth comprende que las profecías de las brujas han sido engañosas. Macduff mata a Macbeth y su cabeza es clavada en una pica. En la escena final, Malcolm es coronado rey de Escocia, mientras las brujas señalan “Paz, se acabó el hechizo”.

La profecía referente al destino real de los hijos de Banquo era familiar a los contemporáneos de Shakespeare, pues el rey Jacobo I de Inglaterra era considerado descendiente de Banquo.

Toda la película brilla, especialmente la posición de la cámara y el juego de luces irreales. El juego de luces y sombras, de picados y contrapicados, de tortuosos escenarios en ruinas que sirven de marco a la tragedia del personaje, el mundo de irrealidad, el ambiente teatral llevado al cine, es utilizado por Welles para captar el espíritu de la obra. Su única misión es capturar, plasmar y grabar la pura esencia de la ambición, la locura, la fatalidad, y una vez conseguida hacerla fascinante, transmitirla. Y el resultado es perfecto a través de primeros planos, planos directo a la cara, en escorzos, y un excesivo número de contrapicados (donde el decorado es innecesario).  La atmósfera que emplea es similar a la de un cuento o pesadilla; la noche predomina sobre el día, que cuando aparece lo hace cubierto de nubes, con una luz irreal, fantasmagórica. Los árboles y las rocas están desnudos, retorcidos, y el palacio se asemeja a una gruta infernal, plagada de luces y sombras, que son hábilmente proyectadas contra los rostros de los actores. La composición de cada plano, el continuo recurso a la alternancia de ángulos y la soberbia puesta en escena contribuyen a transmitir con total eficacia el tema de la obra. Apuesta Welles por una puesta en escena casi minimalista, y cercana al expresionismo, utilizando técnicas igualmente rudimentarias para suplir la escasez de medios, con una series de efectos como el de poner vaselina directamente en la cámara para conseguir que ciertas imágenes parezcan borrosas, casi surrealistas, el uso maquillaje y vestuario de los intérpretes y algunos aciertos visuales más para dar una sensación de mayor volumen, pero también para exteriorizar lo oscuro y turbio de la historia que nos está contando. 

Para relatarnos la historia, como teatral que es originariamente, gusta de diálogos y sobre todo de monólogos para mostrar la ambición de los personajes, su cobardía y sobre todo su transformación. Espectacular por lo simple es el vestuario y sus complementos que nos llevan a esta brumosa Escocia del siglo XI. Magistral y teatral interpretación de Welles como el propio Macbeth.  En su teatralidad se apoya en dos personajes más, Lady Macbeth o MacDuff cuyos personajes corrieron a cargo de la compañía de teatro que el propio Welles creó.

El Macbeth real, Macbeth de Escocia llegó al poder derrocando y matando a su primo Duncan, pero no lo mató en su cama a cuchilladas, sino en una batalla y el pueblo (que no tenía a Duncan en gran estima) se lo agradeció. De hecho, se permitió el lujo de peregrinar a Roma para expiar el regicidio, lo que indica una situación de tranquilidad y estabilidad. Reinó 17 años, se casó dos veces y tuvo un hijo. Pero cuando Malcom, criado en el exilio en Inglaterra, regresó con tropas inglesas, todo se desmoronó. Macbeth perdió una batalla y fue asesinado al poco. Su hijo le sucedió, pero solo duró un año y también fue asesinado. Malcom introdujo en Escocia la monarquía hereditaria que se daba en Inglaterra, siendo los Macbeth los últimos reyes célticos de su país.

Un jurista, Federico Trillo- Figueroa,  gran conocedor de la obra de Shakespeare y actual embajador de España en el Reino Unido escribía en 2001 en la contraportada de la carátula del video casette de Macbeth de Welles que no era una casualidad que Orson Welles escogiera adaptar esta obra al cine. El alega que Orson Welles estaba obsesionado con el tema de la caída del hombre y la pérdida de la inocencia. Según Trillo, la versión de la adaptación que hizo Welles de la obra de Shakespeare capta la esencia de la tragedia de Macbeth, que no es otra que el enfrentamiento de sus dos protagonistas a la aterradora realidad: su propia corruptibilidad.

En la película señala Trillo que se aprecia la grandeza y la miseria del alma humana, además se recurre a uno de los temas más obsesivos de la literatura del siglo de obra, ya sea la británica, ya la hispana: la ambición y traición; y la presentación adivinatoria del devenir a través de las visiones.

Señalaba Terenci Moix en su “Gran Historia del Cine” que el resultado fue un filme maldito, nuevo y  fascinante, opuesto a la revisión cinematográfica de Shakespeare realizada por Lawrence Olivier, ya que consigue transmitir una dimensión interior del mundo de Macbeth que encaja con el mundo de postguerra. “Brutal “ es el calificativo que le da Guillermo Cabrera Infante en la obra antes citada. Es un filme negro- señala Moix- “como la maldad y encendido como la tea del diablo”. Tras esta obra inicio su exilio como director en Europa.

Miguel Ángel Palomo en el Diario El País señalaba sobre este filme que la "Obra maestra que da cuerpo a las palabras del autor con una apabullante sensación de realidad. Un Macbeth atormentado y espectral: nunca su tragedia tuvo en el cine tanto rigor, tanta fuerza física y visual. Tampoco fue nunca tan radicalmente amarga".

Macbeth puede verse como una advertencia acerca de los peligros que entraña la ambición. La ambición es el rasgo principal del carácter de Macbeth, pero sobre de su mujer, Lady Macbeth, y es la ambición la causa de su ruina. Tras la visión de la brujas y su presentación a su esposa la ambición está presente. Es la ambición la que le lleva al regicidio, a pesar de deberle lealtad y que acaba además de recompensarle con un título; y se reitera cuando ordena matar a su amigo Banquo.

En cuanto a las visiones señalar que están presentes desde el inicio de la película con la brujas. Pero también a lo largo del brumoso filme. Macbeth y su esposa sufren varias visiones.

La persistencia de la familia Park

Está claro que uno no ha visto mucho cine coreano, salvo una película bélica que ahora mismo ni recuerdo el título. No creo haber visto ninguna más. Mi sorpresa anoche fue mayúscula cuando me planté a las diez de la noche en el sofá. No sabía lo que iba a ver, pero las dos horas que duró el filme me tuvo plantado ante el televisor sin inmutarme. La película era de Corea del Sur y me entretuvo.

La película surcoreana en cuestión es conocida en el mundo occidental como  The Host (Gwoemul en coreano). Se trata de una película de terror del año 2006. El filme, con elementos de terror, comedia y drama, fue dirigido por el para mí desconocido Bong Joon-ho. Éste conjuntamente con Won-jun Ha, será el coguionista. En el mismo también colabora en ello Baek Chul-hyun. Los tres firman los 119 minutos del filme. 

Parece ser que era el  tercer filme de Bong Joon-ho y contó con un presupuesto de 10 billones de wones, un valor elevado según los estándares del país. Al parecer la inversión total en el filme alcanzó los 11 millones de dólares (es difícil calcular la conversión de wones a dólares, ya que la cifra coreana es mareante).

La producción de la película fue asumida por Yong-Bae Choi para la productora Chungeorahm Film, tratándose realmente de una coproducción entre Corea del Sur y Japón . La distribución internacional correspondió a la distribuidora Notro Films.

La buena música en la película corresponde a Byeong Woo, mientras que la fotografía es de Hyung-ku Kim. El montaje complejo en este filme fue de Kim Sun-min y el vestuario de Cho Sang-kyung.

La película cuenta con los efectos especiales de "The Orphanage", empresa responsable de películas como "Superman Returns", Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto , Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo y "Harry Potter y el Cáliz de Fuego". La criatura fue diseñada por Chin Wei-chen, mientras que el modelado lo realizó Weta Workshop y el animatronic es de John Cox's Creature Workshop.

La película está protagonizada por los miembros de una familia a los que dan vida Song Kang-ho como Gang-du, Byeon Hee-bong como Hee-bong, Park Hae-il como Nam-il, Bae Doona  como Nam-joo y Ko Ah-seong en el papel de Hyun-seo.

Unos médicos de un laboratorio vierten un centenar de botellas de formaldehído, un producto químico, en el río Han de Seúl. Poco después, un par de pescadores encuentran en el agua una pequeña criatura, a la que dejan suelta tras ser mordido uno de ellos.

Años más tarde, y en un día soleado y de asueto para muchos ciudadanos de Seúl, los habitantes de la capital de Corea del Sur observan sorprendidos un extraño monstruo que cuelga del puente Wonhyo. En realidad es una monstruosa criatura  mutante que emerge del río Han y aterroriza a los habitantes de la ciudad que pasan el día en sus tranquilas y soleadas orillas.

Cuando el monstruo da la cara, y se lanza al agua existe una enorme expectación entre la ciudadanía, pero de inmediato el monstruo se presenta como un ser peligroso e insaciable. En medio de tanto horror, la criatura mutante rapta Hyun-seo, la nieta del dueño de un quiosco que vive felizmente a la orilla del río, junto a su padre, un desgraciado de nombre Gang-du.

De inmediato hay una intervención por parte del ejército. Pero mientras el ejército fracasa una y otra vez en sus intentos de destruir al monstruo, este hombrecillo anónimo y su familia, los Park, intentan recuperar a su hija.

En el refugio de las víctimas del ataque, la humilde familia Park al completo (el abuelo Choy-Tac, el padre Gang-du y sus tíos: Nam-il, un universitario desempleado, y Nam-joo, campeona de tiro con arco) lloran la desaparición de Hyun-seo. En el recinto hacen acto de presencia representantes del Gobierno vistiendo traje de peligro biológico y se llevan por la fuerza a todo aquel que haya tenido algún contacto con la bestia. El Gobierno anuncia que la criatura es, además de un peligro directo, portadora de un virus letal.

Mientras se encuentra en cuarentena en el hospital, Gang-du recibe la inesperada llamada de la niña desde las alcantarillas de la ciudad. Ante la inoperancia del Gobierno, la familia al completo escapa con la determinación y con la ayuda de una banda con el fin de rescatar a la niña. Tras lograr salir del cerco policial y sanitario y buscarla de forma indeterminada por las alcantarillas, la familia se reúne nuevamente en el negocio familiar. Allí son atacados por el monstruo.

En la confrontación con el anfibio muere el patriarca Choy-Tac, mientras que Gang-du es atrapado por el ejército y Nam-il y Nam-joo se separan.

Nam-il consigue la ayuda de un compañero de universidad para localizar la procedencia de la llamada telefónica de su sobrina, pero es traicionado, aunque logra escapar y enviar la información a su hermana.

Nam-joo con las indicaciones de su hermano se acerca a la zona en la que la pequeña se oculta. Pero el ataque de la criatura y su inseguridad con el arco la llevan al fracaso y a caer por un hueco, donde permanece inconsciente.

Por su parte, Gang-du, atrapado en un hospital, descubre que el virus no existe. Tras ser ninguneado por todos, y después que los científicos toman una muestra de su tejido cerebral, él coge a una enfermera como rehén y escapa.

Mientras, Hyun-seo sobrevive oculta en un tubo en la guarida de la criatura, la cual deja los cuerpos de sus víctimas para devorarlos más tarde. Entre los cuerpos encuentra a un niño huérfano. Tras darle protección ella planea utilizar la ropa de las víctimas para escapar, pero sus planes fallan y son engullidos por la criatura.

Gang-du, que ha conseguido escapar, descubre que su hija ya no está en su escondite y que se encuentra ya dentro de la bestia, la sigue hasta la orilla del río, donde el Gobierno lanza el «agente amarillo» para combatir el virus ficticio. El agente amarillo colapsa momentáneamente a la criatura, tiempo suficiente para que Gang-du extraiga los cuerpos de los niños de su interior.

Nam-il que buscó la colaboración de un desarrapado lanzará cócteles molotov a la criatura sin éxito, hasta que el vagabundo que ayudó a fabricarlas vierte sobre él gasolina. El último cóctel cae al suelo, Nam-joo lanza una flecha incendiaria a la criatura. La criatura envuelta en llamas intenta huir al río, pero Gang-du la empala con una señal de tráfico rota.

Hyun-seo no sobrevivió el estar tanto tiempo dentro de la criatura, Gang-du al descubrir que el niño que había compartido cautiverio con su hija decide adoptar al niño huérfano. Gang- du sigue viviendo en el negocio familiar junto al río, y allí expectante vigila a que un nuevo ser no surja de las turbulentas y marrones aguas del río Han.

El filme en Corea del Sur se convirtió rápidamente en la película más taquillera de la historia, alcanzando los 13 millones de entradas vendidas (más de un cuarto de la población de país). De esta manera, se considera la pieza cinematográfica con más recaudación en toda la historia de Asia, duplicando los resultados de taquilla de otras superproducciones de Hollywood. Obtuvo excelentes críticas. En España Javier Ocaña y Jordi Costa en el Diario El País dijo de ella que era "una de las propuestas más sugestivas del cine reciente en materia terrorífica." O que era "Inteligente, imprevisible y técnicamente deslumbrante." respectivamente, mientras que Federico Marín Bellón en el Diario ABC señalaba que tenía "Una capacidad inagotable para sorprender en cada secuencia (...) juegan con las convenciones del género, que subvierten hasta descubrir una salida inteligente en cada cruce (...).

Hay que destacar también la precisa actuación de los personajes (a destacar la gran actuación que hace la niña durante toda la película y que se convierte en uno de los personajes mejor logrados de la película), logrando crear unos personajes muy singulares e interesantes, como el padre de la niña (un pobre infeliz inmaduro e infantil), el hermano del protagonista (un alcohólico desengañado del mundo y que descubre que sus esfuerzos realizados hasta ahora no han servido para nada), la hermana del protagonista (una deportista que no duda en renunciar a su fama para salvar a su sobrina), y el abuelo de la niña (un hombre que piensa que ya ha vivido de todo en el mundo y que el dinero es el que mueve todo). Todos ellos forman una familia muy singular en la que ni ellos mismos llegan a entenderse pero que en los momentos difíciles dan todo lo que tienen (incluso la vida) por salvar a uno de los suyos de una muerte segura. Y con ideas claras sobre las soluciones no tomadas como cuando el padre se queja de nadie le hace caso  … ¿Por qué nadie me hace caso? Mis palabras también son palabras… ¡Soy una persona!). Y el abuelo, que está consumido por la culpa (… él […] de pequeño era listo como el solo […] pero yo nunca estaba en casa, y...), pero convierte esa culpa en cariño, en una puñetera e inagotable paciencia.

La crítica social visible por ejemplo en la pobreza de los otros chicos está presente durante la gran mayoría del argumento (dejando al monstruo en un segundo plano), y ello se muestra en una gran cantidad de escenas como por ejemplo cuando los protagonistas son ignorados por el gobierno y por el ejercito y deben tomar ellos mismos la iniciativa si quieren salvar a la hija del protagonista.

Cabe destacar también los efectos especiales, perfectamente hechos y con la creación de un monstruo con un aspecto creíble, muy bien conseguido y con una cantidad de movimientos que lo hacen tan dinámico y rápido como letal tanto en tierra como en agua. Destacar también la escena del ataque inicial, creando una serie de situaciones tanto tensas como inquietantes.

Recibió muchos reconocimientos a nivel de premios como fueron los Annual Asian Film Awards (Festival Internacional de Cine de Hong Kong) a la mejor Película, mejor Actor (Kang-ho Song), mejor fotografía (Hyung-ku Kim) y mejores efectos especiales, The Host. El Baek Sang Art Awards a la mejor película y mejor actriz revelación, Ah-sung Ko. El Fantasporto (Festival Internacional de Cine de Oporto) al mejor Director, Joon-ho Bong. El festival de Cine Asia-Pacífico con premios al mejor montaje, Seon Min Kim, al mejor sonido, Tae-young Choi y al mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon. En casa recibio reconocimientos en el Festival de Sitges con los premios a los mejores efectos especiales y el premio Orient Express, Joon-ho Bong. En Corea del Sur ganó los Grand Bell Award, al mejor director, Joon-ho Bong, y mejor montaje, Seon Min Kim; los Premios Blue Dragon a la Mejor película, la mejor actriz revelación, Ah-sung ko, mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon y mejores Efectos Especiales, los Premios de Cine de Corea a la mejor Película, mejor director, Bong Joo-ho, mejor fotografía, Hyung-ku Kim, mejor iluminación, Lee Kang-seon, mejores efectos especiales, The Host y mejores efectos sonoros, Choi Tae-yeong; así como en el Festival de Cine de Jun Daejong con premios al mejor director, Joon-Ho Bong y mejor montaje, Seon Min Kim.

Las nominaciones fueron múltiples tanto a nivel internacional como nacional como los prueban la nominación a  mejor película de terror en los Saturn Awards de Estados Unidos a la mejor Película Internacional y mejor interpretación by a Young Actor, Ah-Sung Ko o los Premios Empire en el  Reino Unido; los recibidos en el Festival de Cine de Jun Daejong a la mejor Película, mejor actor, Song Kang-ho, mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon, mejor actriz de reparto, Ah-Sung Ko, mejor planificación, Choi Young Bae, mejor fotografía, Hyung-ku Kim, mejor iluminación, Lee Kan San y Jung Young Min, los mejores efectos especiales, The Orphanage, EON, Kwak Tae Young, Hwang Go Kyun y Kim Byung Ki y los mejores efectos sonoros, Lee Seung Chul, Choi Tae-yeong; o los Grand Bell Awards con el mejor Actor, Kang-ho Song, mejor fotografía, Hyung-ku Kim, mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon, mejor actriz de reparto, Ah-Sung Ko y a la mejor película; o en el Hong Kong film Awards a la mejor película asiática.

Ante el gran impacto del filme, Chungeoram Productions anunció la producción de una secuela que se estrena en 2008. El filme cuenta con nuevo director y un presupuesto de 10,7 millones de dólares.

American Film Market anunció en 2006 que Universal Pictures había adquirido los derechos para la realización de la versión estadounidense de The Host. Del filme se encarga también Vertigo Entertainment, que ya ha trabajado con remakes como The Ring y The Departed. Después se anunció que Bong joon-ho escribiría el guión, y en el cast, un actor prácticamente desconocido, Chris Mala, como protagonista. 

Más tarde, el proyecto halló nuevo productor y director, en la dirección el debutante Fredrik Bond y como productor el conocido director y guionista y por supuesto productor Gore Verbinski, conocido por dirigir Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra.

De cualquier manera la película es un buen ejemplo de la modernidad y de la buena salud del cine asiático, en concreto del coreano, modelo para la persistencia de la familia Park.

Primera lectura de como la vida misma

Muchas veces, casi siempre, el cine se nos presenta envuelto en papel de oro. Los medios (las televisiones, la prensa,…) vinculan el séptimo arte al lujo, a la apariencia, con lo que el mundo del cine y lo que lo rodea se nos presenta como un producto elaborado por y para la “Beautiful People”. 

Sin embargo, qué lejos queda esto del cine de verdad, el cine de aquellos pioneros, unos documentalistas, otros creacionistas, todos narradores de historias, que con unos medios limitados (los que se tenían) nos presentaban unas historias auténticas, alejadas de un mundo que parece vivir por fuera de la realidad o por encima del bien y del mal. Sabemos que, a veces, ese envoltorio no es de oro, sino de oropel. Ese oro, - e insisto, en ocasiones ese oropel- lo separa del mundo real.

Pues bien, esto no tiene nada que ver con lo que ayer pude ver y disfrutar en la Filmoteca de Andalucía. Allí, un director, Miguel Ángel Entrenas, me ha devuelto al mundo de la realidad vista a través de una cámara. Me ha llevado nuevamente al cine real, al de los pioneros, el que tenía como misión mostrar una realidad desde un objetivo y un fotograma. Y no nos engañemos, no hemos visto un documental, sino que hemos visto una historia real, que no realista. La historia que hemos contemplado tiene como protagonista estelar a Paco Ariza, un pintor baenense, que desde sus obras nos ha acercado a su realidad como pintor. Pero esa realidad nos ha acercado a la persona. Y la cámara ha estado allí para observar, para escuchar, para mirar, para mostrar. La cámara no juzgaba, no valoraba, no se posicionaba, simplemente y llanamente mostraba, presentaba. 

Con Miguel Ángel Entrenas volvemos al cine de José Luis Guerín o al de Victor Erice. Con esta película volvemos a los orígenes, y con ella a la infancia, como vuelve Paco Ariza a través de los dibujos de su nieta. La película lleva como nombre oficial Paco Ariza “Desde el cielo a la Tierra” y se presentó en junio de 2012 en el pueblo natal del pintor. No solo es el pueblo natal del pintor, sino que también es la entidad en la que nació el guionista de esta película, el también pintor Pepe Cañete. 

El filme está patrocinado por el Excelentísimo Ayuntamiento de Baena y por el Grupo Cultural Amador de los Ríos. Este grupo es el que igualmente edita la obra de mi compañero y, sin embargo, amigo José “Pepe” Cañete, y que lleva como título“Paco Ariza: Estudio de los géneros artísticos en su obra”. La obra escrita fue prologada por Antonio J. Bujalance. La obra cinematográfica cuenta igualmente en su desarrollo con la colaboración musical e interpretativa de José Antonio Varo, con la narración de Miguel Ángel Hidalgo Miranda, así con la poesía de José Antonio Santano y las entrevistas realizadas por Pepe Cañete. La producción ejecutiva es de José Antonio Esquinas. 

La película se estructura en dos grandes bloques. El primero es estrictamente descriptivo, mientras que el segundo responde al manantial creativo procedente de la entrevista entre Paco Ariza y Pepe Cañete. En este segundo bloque de unos doce minutos brota lo íntimo en el pintor. La cámara juega con las creaciones y el rostro del creador plástico. 

El primer bloque a su vez contiene tres partes diferenciadas. La primera - y a modo de presentación- nos muestra lo que yo vengo a llamar el texto y el contexto. En este caso nos presenta a la biografía del autor desde sus inicios y el papel del pueblo que juega su pueblo, y, sobre todo, los paisajes del mismo en su obra. La segunda se centra en la casa estudio del pintor. Nos presenta ahora al autor en su taller tradicional, su casa-estudio, en una atalaya del pueblo blanco, así como su evolución artística. Nos muestra retazos de la obra de un pintor que lo ha tocado todo, desde el realismo a las vanguardias pictóricas, pasando por el idealismo, el expresionismo, el constructivismo o los volúmenes geométricos o la experimentación con materiales como los capazos de esparto integrados en su obra. Ese gusto por integrar los volúmenes en la pintura lo ha llevado igualmente a la escultura, pues Baena está trufada de sus obras volumétricas. 

Por último, el director de Góngora (2011), de Desdémona (2005), o la La Chiquita Piconera (2007) desarrolla una última mirada de la obra del pintor en su nuevo y prolífico estudio: la huerta que lleva por nombre "El nido de la golondrina". Pero si de la descripción sale mucho, de la entrevista sale más. En ella y durante unos doce minutos es donde conseguimos no la imagen de un lienzo determinado, sino la imagen de su lienzo vital. Aquí el maestro no habla tanto de su obra, sino de lo que le motiva o le inspira, y al final, descubrimos que este pintor se inspira en lo más esencial: la vida que lo rodea. En definitiva esta película nos devuelve a las cosas que son de verdad, nos devuelve a la vida.