Ocho mujeres y un crimen

The Mad Miss Manton es una comedia, una "screwball comedy" o de lucha de sexos, pretendidamente alocada, llemna de chicas gesticulantes e inútiles policías, que son superados por unas investigadoras privadas en traje de cocktail y que localizan muertos en la nevera . Película realizada a la gloria de Barbara Stanwyck que sirve igualmente de trampolín para un jovencísimo Henry Fonda y en la que sale igualmente Hattie McDaniel,un año antes de su interpretación ganadora del Oscar en "Lo que el viento se llevó", donde el único sentido de las ocho féminas en busca de cadáveres del director Leigh Jason, estrenada en el año 1939, aunque realizada un año antes.

La película que parte del guion de Philip G. Epstein, cuenta la historia escrita por Wilson Collison en la que una chica, Melissa Mantón (Bárbara Stanwyck), una muchacha de la alta sociedad que es muy aficionada a solucionar los crímenes y delitos que lee cada día en la prensa. 

Una noche, a las 3:00 de la madrugada, la señorita Manton saca a pasear a sus perritos. De pronto de una vivienda cercana al metro que se está construyendo, ve salir a Ronnie Belden . Este va corriendo y lo ve alejarse. La casa está a la venta. Se trata la casa de Sheila Lane, la esposa de George Lane, un rico banquero. En el interior, Melissa encuentra un broche de diamantes y el cadáver de George en la casa deshabitada. Mientras corre en busca de ayuda, su capa se cae con el broche dentro. 

Pero tras llamar a la policía e informar de lo ocurrido al llegar estos a la casa descubren que el fiambre ha desaparecido al igual que el cuerpo, la capa y el broche que ya no están.  

La policía le toman en serio, ya que Melissa y sus amigas son notorios bromistas, por lo que el teniente Mike Brent no hace nada para investigar el asesinato. Como no la creen y dando por sentado que se trata de una imaginación de su mente la prensa la pone a parir. 

Como puede comprobar al día siguiente cuando un diario publica la noticia tomando como una bromista casi profesional a Melisa. Ella no sabe quien ha escrito en el artículo así que le pone un pleito al autor del mismo que resulta ser Peter Ames (Henry Fonda). Deseando demostrar la verdad Melissa, ella lo demanda por difamación y su grupo de inseparables amigas empiezan a investigar el caso. 

La persecución resultante incluye registros en la casa de Lane, el apartamento de Belden, la oficina comercial de Lane y todos los salones de belleza locales; dos intentos de intimidar a Melissa; dos atentados contra su vida: en un baile benéfico y una trampa tendida al asesino usando a Melissa como cebo. Las mujeres atacan dos veces a Ames y lo atan, aunque la mejor amiga de Melsa, Myra Frost, coquetea con entusiasmo con él. 

Durante la película, la relación entre Melissa y Peter evoluciona desde una fuerte animosidad hasta el amor y el compromiso. Casi de inmediato decide que se va a casar con ella y comienza a cortejarla agresivamente. 

Un segundo cadáver este nada escurridizo no tarda en aparecer. La investigación se hace cada vez más complicada. Y entre dudas sospechas y amenazas Peter Ames y Melissa Manton empieza a constatar que del odio al amor hay solo un pequeñísimo paso. 

Mientras el detective Mike acusa repetidamente a personas inocentes basándose en teorías incorrectas, Melissa deduce que Ronnie sacó el cuerpo y la capa de la casa de Lane antes de que llegara la policía. 

Un posible asesino que escapa dejará un trozo de papel alquitranado, que le recuerda a Melissa el sitio de construcción del metro. El asesino finalmente es capturado. Se trata de Edward (Stanley Ridges), que después de confesar los asesinatos y mantener brevemente a Melissa y Peter como rehenes a punta de pistola.  Después de que la policía los rescate de Edward, Melsa y Peter planean su luna de miel.

Película a la gloria de la RKO Radio Pictures y de Bárbara Stanwyck - Katharine Hepburn rechazó el papel de Melsa Manton tras la mala taquilla de La fiera de mi niña (1938), aunque Irene Dunne fue considerada para el papel principal- y de un jovencísimo Henry Fonda - que fue prestado por el productor Walter Wanger para esta película- que volverán a ser pareja en The Lady Eve y You Belong to Me. La película contó con un presupuesto estimado de 383.000. 

La película fue rodada en la Columbia/Warner Bros. Ranch en North Hollywood Way, en la localidad californiana de Burbank. La escena ambientada en un club nocturno recicla un decorado de escaleras utilizado en otra comedia de la RKO de 1938, el clásico de Katharine Hepburn/Cary Grant La fiera de mi niña (1938).Esta película tuvo un éxito modesto en la taquilla, lo que le valió a RKO una ganancia de $ 88,000 según los registros del estudio. Cuenta con la música de Roy Webb y la fotografía de Nicholas Musuraca. 

Más allá de la duda

Fritz Lang en 1953 presentó dos películas para la RKO:  Gardenia azul (The Blue Gardenia) y Los sobornados (The Big Heat). En esta segunda el director alemán nos muestra la desconfianza que le merecen las instituciones públicas encargadas de velar por el sostenimiento de la justicia. La policía aparecía como un cuerpo particularmente corrupto incapaz incluso de salvaguardar a sus miembros cuando estos son atacados por los malhechores que dominan por medio de su sobornos al grueso de la organización. 

Tres años más tarde, Fritz Lang vuelve a la carga con otras dos películas en las que se entremezcla los fallos del sistema y el ansia por el poder. Estas dos películas son Mientras la ciudad duerme (While The City Sleeps)  y Más allá de la duda (Beyond a Reasonable Doubt)- esta última con guion de Douglas Morrow- , ambas del año mil novecientos cincuenta y seis. 

A destacar en la misma desde el punto de vista técnico la fotografía de William Snyder, el buen montaje de Gene Fowler Jr. y la música de Herschel Burke Gilbert.

Los problemas surgidos con el productor de estas dos últimas películas , Bert E. Friedlob, tal vez asustado por el radicalismo sin concepciones de las mismas alejaron a Lang del cine de Hollywood donde no trabajará más aunque volverá a vivir allí. 

Más allá de la duda lleva más lejos la crítica del periodismo y de la sociedad por añadidura con un tono plenamente sarcástico. 

Tom Garrett ( Dana Andrews) es un periodista y escritor con un bloqueo creativo. Su jefe y futuro suegro el editor Austin Spencer (Sidney Blackmer), defensor del fin de la pena de muerte y del abuso de inadecuadas de las pruebas circunstanciales, tras estar presentes en una ejecución de un reo, le sugiere que escriba un libro precisamente sobre la pena capital. 

Mientras toman una copa tienen un encuentro con con el fiscal DA Roy Thompson (Philip Bourneuf ) empeñado en probar su integridad a base de limpiar las calles de indeseables y enviar a la silla eléctrica al mayor número posible de procesado. Poco después conocemos a la novia y prometida de Tom, que es Susan Spencer ( Joan Fontaine), la hija de su jefe.  

Días más tarde, tras un nuevo asesinato, el editor de prensa le propone a Tom, involucrar al periodista y escritor en el asesinato de esta chica, Patty Gray, planteando y colocando una serie de falsas pruebas contra sí mismo en el caso del asesinato de la bailarina, cuyo cuerpo acaba de aparecer, para ser condenado a la pena capital, y al descubrir la verdad demostrar que la justicia puede equivocarse y matar a inocentes, así como para demostrar la ineptitud del fiscal de distrito, un hombre que apuesta por la línea dura en las sentencias. 

El plan es que Tom coloque pistas que conduzcan a su arresto por el reciente asesinato de una bailarina de un club nocturno, Una vez que Tom sea declarado culpable, Spencer revelará la trampa y humillará al fiscal de distrito..  

Es una gran una trama urdida para demostrar la deficiencia de las leyes, la ineficacia de la policía y erradicar así la pena capital, tiene otro aliciente para otros. Para el fiscal la muerte de este escritor le vendría muy bien de cara a sus posibilidades de ser elegido gobernador del estado. 

Tom comienza en connivencia con su suegro a tener relaciones con una de las chicas del Cabaret, Dolly Moore (Barbara Nichols ), lo que le cuesta una ruptura temporal con su novia Susan Spencer (Joan Fontaine).  

El problema surge cuando el dueño del periódico muere en un accidente de tráfico antes de desvelar el engaño antes de que pueda absolver a Tom, y con el desaparece la evidencia fotográfica que tenía con la intención de usar para absolver a Tom después de su juicio se quema hasta un estado irreconocible. 

Tom permanece en el corredor de la muerte en prisión. Sin embargo, a tiempo para probar las intenciones de los dos hombres, se descubre el testimonio escrito del muerto. Y es que el escritor se había quedado sin más apoyos que el de su novia (Joan Fontaine) empeñada en conseguir su indulto, cosa que obtiene. Debido a esto, Tom debe ser perdonado. 

Sin embargo, mientras habla con su prometida Susan (Joan Fontaine), Garrett revela que conoce el verdadero nombre de la difunta mujer; esto lo lleva a confesar que la víctima del asesinato es en realidad su ex esposa, Emma Blucher, quien había incumplido su promesa de divorciarse de él en México. 

Como esto le impedía casarse con Susan, la asesinó. Susan, intransigente y reaccionaria, se le dice a la policía, y el indulto de Garrett se cancela antes de que entre en vigencia la regla de doble incriminación, y le pide al gobernador que no firme el indulto y conduce a su amado a morir. La película termina con él siendo llevado de regreso a su celda en espera de su ejecución. 

 

Esta es la película que el alemán Fritz Lang desarrolló en mil novecientos cincuenta y seis. Contó para ello con Dana Andrews y con Joan Fontaine, así como Sidney Blackmer, Arthur Franz, Phillips Bourneuf y Edward Binns. 

De ella se ha escrito mucho. Por ejemplo, Keith M. Booker afirma que "Beyond a Reasonable Doubt" es "quizás la más sombría de sus películas de cine negro estadounidense ". 

Dennis L. White describe que la película tuvo "un impacto considerable, no tanto por el estilo visual, sino por la estructura y el estado de ánimo narrativos y la trama diseñada por expertos, en la que el giro es sorprendente y convincente". 

Stella Bruzzi, autora de Men's Cinema: Masculinity and Mise-en-Scene in Hollywood, consideró que la trama de la película era "demasiado esquemática" y "motivada por una paradoja", afectando "un estilo invisible y transparente mientras, al mismo tiempo, siendo todo acerca de la superficie y el rendimiento".  Añade que Fritz Lang "despliega un estilo 'clásico' ostentosamente discreto", que "reduce a propósito a sus necesidades mínimas minimalistas". 

El crítico de cine habitual referenciado en Rotten Tomatoes, Dennis Schwartz escribió una crítica en la que agradecía los esfuerzos de Lang: "Escrito sin alegría con muchos agujeros en la trama, artilugios inverosímiles y absurdos legales por el graduado de la facultad de derecho Douglas Morrow, aunque hábilmente dirigido por el experto en cine negro Fritz Lang. La última película estadounidense de Lang es un drama judicial retorcido de bajo presupuesto sobre los peligros de la pena capital que termina siendo algo más intangible: la imprevisibilidad del destino... Pero en esta película subversiva, una atmósfera perversa de subliminal la incertidumbre prevalece sobre la realidad superficial establecida, y el sorprendente final se presenta más como un impacto emocional que como una sorpresa real, lo que le permite al cineasta transmitir su cinismo y desilusión sobre la condición humana. viendo la forma ingeniosa en que resuelve el dilema que planteó". El escritor James McKay señala que Fontaine como Susan Spencer es "un poco más atrevida de lo que normalmente esperamos, en un papel que requiere que ella haga todo el trabajo en lo que respecta a su hombre" 

Sin embargo, lo más interesante que he leído sobre ella es lo que recoge Terenci Moix en historia del cine, aunque firmado en este caso por Pedro Manuel Villora: "La repulsa de Fritz Lang contra una sociedad americana embarcada en la cruenta e inmisericorde casa de brujas encuentra en esta película su máxima expresión. Todos son culpables: el asesino por serlo la novia porque no vacila en ser intermediaria de la muerte el fiscal por pasar su éxito en la pena capital el gobernador por plegarse a los deseos de un representante del poder contra la vida de un hombre. 

Tras el estreno de esta película Fritz Lang abandonó Estados Unidos desengañado y volvió a Alemania buscando un clima cultural y social que se había perdido durante su ausencia. No lo encontró y la suya era una figura del pasado si bien con mucho todavía que decir todavía le quedaban dos grandes obras El Tigre de Sinapur y la tumba India. Pero eso es otra historia. 

Manda huevos

Película documental de Diego Galán, en calidad de director y de guionista. Es del año 2016. El director hace un recorrido por el cine español que muestra cómo nuestra cinematografía ha retratado al hombre a lo largo de estos últimos cien años.

Esta película es la segunda parte o la continuación si se quiere de lo que empezó con el documental "Con la pata quebrada" un documental que estudiaba en la representación de la mujer en el cine español. En este caso Diego Galán vuelve a recurrir al humor para tejer un retrato sociológico de la sociedad española desde posguerra hasta la actualidad. Viene a ser la lógica prolongación del documental "Con la pata quebrada" una película documental del año 2013. Este "Manda huevos" se dejo de ser su secuela. Utilizando sólo fragmentos de películas, "Con la pata quebrada" intentó sintetizar con ritmo narrativo y buen humor cómo el cine español había representado a la mujer española desde los años 30 hasta nuestros días y, con ello, su evolución en la sociedad. Del mismo modo, con similar tratamiento, cabe contar cómo las películas españolas han contemplado al varón español, o al menos, ciertos prototipos. 

La película  que fue producida por El Deseo D.A. S.L.U. y Enrique Cerezo P.C. y RTVE , contó con el montaje de Buster Franco. 

El documental cuenta con la narración de Carmen Machi, que no aporta gran cosa al interés ni le pone mucho énfasis, sólo para decir "Manda Huevos". Los textos que acompañan a los distintos de fragmentos de películas son bastante pobres y las imágenes de películas muy diversas, algunas de las cuales son de los años cincuenta incluso veinte años anteriores 1930, vemos como los roles patriarcales impuestos desde el poder que parten de ser mitad hombre mitad soldado a los que aspiraba la propaganda de Primo de Rivera se van perdiendo a medida que nos acercamos a nuestros días donde no dejamos de ser unos hombres blandengues. 

Así que hasta llegar a ese prototipo cantando por El Fary vemos pasar casi a vista de pájaro películas nacidas de la guerra civil, del franquismo con su ardor guerrero que muestra que teníamos que ser como mojes y guerreros, de la carestía y de esos años del hambre, del desarrollismo y su pasión por las suecas , de la llegada de la democracia, del divorcio, de la mili y los objetores de conciencia, de la supresión de la misma, del movimiento LGTB, etc...  Al final lo que realmente vemos en una crónica del país, más que un análisis profundo del papel del hombre español en el cine. Se queda en el barniz. 

La película fue seleccionada oficialmente en el festival de Cannes de 2013, y que quedó destacada, entre otros premios y candidaturas, con el Platino al mejor documental iberoamericano del año. En la página de la 31 edición de los Premios Goya 2017 se dice lo siguiente: "Frecuentemente, en la pantalla han sido simplificados como el héroe, el macho bravío, el obseso sexual, el calzonazos, el pobre fracasado, el reprimido, el sádico, el padre de familia responsable, el muerto de hambre, el emigrante, el corrupto, el pícaro, el tímido o el moderno metrosexual… Todos ellos han tenido su reflejo en el cine como este documental nos irá recordando. Lo que quedará esbozado finalmente es un retrato sociológico desde la posguerra hasta el presente, o lo que es lo mismo, el reflejo de una parte significativa de la historia de nuestro país. " 

Tuvo 5 nominaciones a los Goya a la mejor dirección dirección y mejor guion original , mejor película, mejor montaje y mejor película documental. 

De ella han dicho entre otros Ernesto J. Pastor , a través de tweeter señala que "Al igual que en "Manda huevos" (2016) adolece de una notable falta de rigor histórico realizando un sesgado, irregular e intencionado discurso repleto de generalizaciones políticamente correctas" . 

Por su parte, Jordi Costa en las páginas de El País que "El documental, a partir de una rica documentación y muy afortunadas soluciones de montaje, cuenta cómo un ideal nocivo (el monje/soldado) acaba erosionándose y revelando al subyacente hombre ridículo" o , desde México, Gerardo Gil, en las páginas del diario El Sol escribe que se trata de "Un documental que analiza la mirada que el cine español ha tenido de la figura masculina, sirve de pretexto para ver con humor (a veces se engolosina el director) la historia de España."

Desde mi punto de vista lo más interesante ha sido ver fragmento múltiples de películas, algunas de ellas muy desconocidas para mi; otras que se están recuperando gracias al canal "Somos" 

El demonio, la carne y el perdón

Extraño este western británico que se desarrolla en México y que lleva por titulo en inglés The Singer Not the Song que se mueve en un ambiente ante religioso, cercano a la crisis de los cristinos o , al menos, eso parece inicialmente , y en pleno siglo XX, ya que aparecen medios de transporte actuales como camiones y coches, y ,sin embargo, uno de los protagonistas es un pistolero clásico interpretado por Dick Bogarde en el papel de Anacleto, un hombre malvado de origen apache y que quiere meter al pueblo y al sacerdote titular bajo su control absoluto. 

La historia surgida de la novela de Audrey Erskine-Lindop y que fue transformada en guion por Nigel Balchin se inicia con la llegada a un pequeño pueblo mexicano de un sacerdote (John Mills) y que cuando llega se encuentra con una población intimidada por el bandido Anacleto ( Dick Bogarde). La llegada a Quantana del al Padre Keogh (Mills), en un viejo autobús de viajeros que llega hasta las inmediaciones de Quantana, la que es llamada por el conductor "ciudad infernal" , lo es cierto según comprueba el mismo nada más descender del mismo. 

Se trata de una población mexicana donde domina de forma tiránica el joven Anacleto (Bogarde). Un hombre que vestido de negro, con guantes y sombrero negro, pantalones negros de cuero, y, a veces incluso con gafas de sol, odia la religión y pretende "Quemar las iglesias, matar a los curas", hasta el punto de expulsar al veterano sacerdote Padre Gómez (Leslie French), que exclama aterrorizado a modo de justificación "Ya que no podía servir a la Iglesia, pensé morir por ella". 

Vemos la compleja salida del anciano párroco acosado por los colegas de villanía de Anacleto, en medio de los abucheos de todo el pueblo. En un momento dado pide el Padre Keogh una mula dado el agotamiento del anciano y la consigue de un esbirro. 

Desde el momento de la llegada el pueblo vive en tensión absoluta por ese enfrentamiento entre el bondadoso sacerdote y el malvado bandido que se propone dominar el pueblo. La iglesia en un estado  de abandono absoluto y con un pueblo atemorizado incapaz de exteriorizar sus sentimientos religiosos. 

Su labor va a ser compleja ya que su labor pastoral es inútil si "no se puede proteger un pueblo que no acepta la protección". 

El odio a la iglesia lleva a Anacleto y los suyos a cometer todo tipo de abusos y tropelías para conseguir que el nuevo clérigo se vaya. 

Las creencias del sacerdote que, poco a poco, va venciendo el temor de sus feligreses suministrando a los más pobres medicinas y otras ayudas, y eso a pesar del intento de asesinato en el que incluso le sabotean los frenos al coche en el que va el sacerdote. 

Algunos de los feligreses muere a manos de estos tipos. Sin embargo, el cura con su inmensa paciencia y mansedumbre así como su valor acabará por redimir al bandido que recuperará la fe en Dios como vemos en la escena en la que Pablo (Payne), un matón borracho, que confiesa poco antes de morir a manos de su colega Anacleto , no sin antes haber confesado sus angustias vitales al buen párroco. 

Entre medias del conflicto entre Anacleto y el Padre Keoch está una chica Locha de Cortínez (Mylène Demongeot), - cuya padre parece permitir todas las tropelías, y del que Anacleto espera subyugar al padre, a pesar de la atención que presta a todos sus movimientos el jefe de policía (John Bentley) que busca denodadamente pruebas para incriminar al cacique -, que en ocasiones se muestra atraída- o eso parece por ambos, aunque el demonio tiene su atracción. 

Al final entre Locha (Mylène Demongeot) y Anacleto (Dirk Bogarde) parece enamorarse progresivamente del Padre Keoch (John Mills); primero en una relación espiritual y más tarde de un modo más carnal. 

Sin embargo, el Padre Keoch al final traicionará y abandonará a los dos jóvenes; a la chica de buena familia, animándole a contraer un matrimonio de conveniencia, y al cruel extorsionador, entregándole a la Policía en plena misa, que finalmente lo acribilla. El plano final el Padre Keoch se sitúa sobre un Anacleto moribundo, y toma la mano del pistolero, hasta que éste, al morir, la deja caer, es la prueba definitiva de la historia de amor que hay entre estos dos hombres, en principio tan opuestos como Dios y el diablo. 

Se trata de una película del año 1961 dirigida por Roy Ward Baker - antes de su etapa con la Hammer y posteriormente la Amicus, que en un principio sólo iba a desempeñar funciones de productor- y que cuenta con la participación del ya citado Dick Bogarde, John Mills, la bella Mylène Demongeot, entre otros. 

La película un producto de la poderosa The Rank Organisation y a la que Bogarde debía una película, y que contó con la música de Philip Green y la fotografía no especialmente brillante de Otto Heller en color y cinemascope,- puede que por la mala calidad de la copia que he visto.

Con respecto a Dick Bogarde comentar lo que dice Terenci Moix al referirse al actor inglés como " galancito de rostro aniñado que tardó algunos años en aparecer ante el mundo como lo que realmente era un gran actor cinematográfico el mejor que ha dado Inglaterra".  Y añade el escritor catalán " durante una larga etapa en filmes de la Rank, fue el ídolo de la jovencitas pero al mismo tiempo pasaba inadvertido para el público internacional y desde luego para productores y realizadores exigentes. Encasillado como niño bonito se destapó de pronto con grandes interpretaciones pues trabajó con algunos de los principales directores europeos italianos franceses ingleses etcétera. 

Comentar que la película no me ha llegado a interesar mucho. En parte porque la he tenido que ver la he tenido que ver en en inglés sin subtítulos, me ha llamado la atención que todo estaba rodado en inglés incluso a un pueblo que se ve que se ha interpretado mayoritariamente por personajes latinos y que no me he tenido en tensión en ningún momento. Una película que maniquea nos muestra el clásico enfrentamiento entre el bien y el mal con tensión entre lo permitido y lo no permitido, en el que algunos ven una tensión que abarcaría una cierta atracción sexual entre el sacerdote y el bandido. Bueno, puede más que una simple tensión.

Fue rodado en las localidades de Alhaurín de la Torre (Málaga), y Las Gabias (Granada), además de otros puntos de Andalucía. Parece ser que se quería que Luis Buñuel dirigiera el film, y que lo protagonizara Marlon Brando.

El demonio, la carne y el perdón fue un sonoro fracaso en su época: como consecuencia de este descalabro. Tuvo sus consecuencias, al menos, para el director, Baker,  pasó 6 años sin dirigir una película (su periodo de inactividad más largo desde que debutara en la profesión en 1947) refugiándose en la televisión y volviendo al cine ya convertido en Roy Ward Baker tan sólo cuando la Hammer lo contrató para sus productos. En cuanto a los actores señalar que Dick Bogarde, figura induscutible, impouso su criterio en el rodaje de principio a fin, algo que sufrió el director y John Mills, En cuanto a la actriz, Milène Demongeot, bien, gracias. 

Rififi

Tremenda esta primera película de Jules Dassin en 1955 tras salir de su país natal siendo la primera   de su periodo francés. Basada en la obra de Auguste Le Breton. François Truffaut dijo en alguna ocasión que era el mejor director de cine negro que había visto en su vida. La película que lleva por título un término que se ha hecho popular como sinónimo de golpe o robo hecho con ingenio, inteligentemente, Rififi. 

Aunque ahora mismo significa robo realizado desde el techo haciendo un agujero y descolgándose en el interior de la sala que se va a robar mediante una cuerda, en la película es otra cosa. 

Me ha sorprendido de dónde procede el título de la película que es dar un Rififi. Hay un momento y la misma donde una cantante de L" age d' or, un local de la noche parisina, nos presenta lo que es dar un Rififi, o sea, una paliza, en una relación sadomasoquista. 

La película comienza cuando vemos a Tony Le Stefanois (Jean Servais)  un hombre que acaba de cumplir cinco años de condena y que  ha salido hace poco de prisión participar en una partida de naipes. De la misma sale desplumado. 

Tras eso llama a su cuñado amigo y socio de fechorías ( Carl Möhner)  y va a su casa a descansar. Allí vemos que este lleva una vida normalizada con su mujer (Janine Darey) y con su hijo.. Su intención es cambiar de vida, pero pobre como una rata no puede. Su cuñado le ofrece dar un último golpe pero él no está dispuesto. 

Sin embargo todo cambia cuando se entera de que su antigua amante se encuentra con un conocido gangster , que tiene un hermano drogadicto (Robert Hossein). 

Así las cosas no les le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches entre ellos un viejo amigo italiano ( Robert Manuel). 

Durante semanas los cuatro puesto que se ha sumado otro italiano especialista en alarmas y en abrir cajas fuertes van preparando minuciosamente un golpe perfecto: el atraco a una inaccesible joyería del centro de París. 

Un final impresionante con el protagonista tirado sobre el volante del coche y el niño que saluda a su madre. Ella se limita a recuperarlo dejando la maleta del dinero en el coche mientras se va acercando los vecinos la policía y por contra se va alejando la cámara por medio de un zoom inverso que se aleja del coche. 

Cuenta César Bardés que la película fue realizada con muy poco dinero. Esa cantidad era tan baja que el propio director decía que nadie le creía cuando contaba cuánto había costado realmente. Parte del ahorro había sido porque Dassin contrató un equipo que estaba formado por gente que nunca había trabajado en cine o por estudiantes que, prácticamente, cobraron una cantidad simbólica. Dassin declaró que estaba tanto en bancarrota durante la exhibición de la película en el Festival de Cannes de 1955, pero esa noche ganó el premio al mejor director de aquel año. En la noche anterior al estreno acompañó a uno de los productores al casino y él no tenía ni un franco para apostar. Se lo pidió al productor que le dio un par de miles de francos que, en realidad, era muy poco dinero.

Recordó que la fecha de comienzo del rodaje de la película fue un día 18,así que apostó todo al 18. Eso fue lo que salió en la ruleta. Más tarde, Dassin confesó que ese dinero fue lo que le permitió sobrevivir con su familia hasta que la película comenzó a producir beneficios.

Terenci Moix, en su Gran Historia del cine y en su tercer volumen en el capítulo dedicado a este director comenta que "con ella Dassin reanudó su carrera con un thriller destinado a convertirse en uno de los clásicos del cine negro francés oh cuanto menos uno de los que obtuvieron mayor éxito. Rififi ( Du Rififi chez les Holmes, 1955) le dio al director el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes". 

La secuencia del robo es antológica, una genialidad. Dura casi 28 minutos y está rodada sin diálogos. Otra genialidad se encuentra en la escena en la que una cantante nos enseña lo que es el Rififí, mientras una pareja de bailarines al fondo recrean lo que ella canta. Magistral. 

La película presenta un estilo realista, meticuloso, con una fotografía en blanco y negro esplendoroso. Gusta de sacar en la película escenas con el cielo nublado, las calles mojadas, la fatalidad de los personajes, una historia de perdedores… una obra maestra.

La ciudad sin ley

Buen western que en inglés llevada el título de Death of a Gunfighter del año mil novecientos sesenta y nueve aparentemente dirigida por los hermanos Smithee, Alan y Allen - aunque en Filmaffinity lo identifican con Don Siegel y Robert Totten- que cuenta con la participación de Richard Widmark, Lena Horne, entre otros. 

La historia basada en la novela Death of a Gunfighter de Lewis B. Patten, uno de los más prolíficos autores en el "western" (y que además colaboró en el guión), aunque transformada en guión por Joseph Calvelli,comienza con una mujer marcha vestida de viuda y que ve como están introduciendo en el tren el ataúd de su marido. en este momento comienza un largo flashback de casi dos horas de duración y conocemos la historia del marshall de Cottonwood Springs (Texas), protagonista que tras veinte años de autoridad omnímoda en un pequeño pueblo de Texas manteniendo la ley y el orden en su ciudad ve ahora como las fuerzas vivas que controlan la misma quieren destituirle y poner en su lugar a un sheriff más manejable y más acorde con los nuevos tiempos. 

El sheriff de nombre Frank Patch(Richard Widmark) comienza el principio de su fin cuando dispara a un ciudadano borracho de nombre Luke Mills (Jimmy Lydon), un mal hombre borracho, mal esposo y peor amante como le hecha en cara la prostituta con la que lleva estos últimos días, pero lo hace en defensa propia.

Entre esas fuerzas vivas que consideran a Patch una relñiquia del pasado, una "vaquero fanfarrón con las pistolas humeantes" , se encuentran el alcalde, el editor del periódico local y jurista Andrew Oxley (Kent Smith ) , empresarios con intereses en la zona como Edward Rosenbloom (David Opatoshu) o Arch Brandt ( Royal Dano ) , un sacerdote el Padre Sweeney (James O´Hara)o el Dr. Adams (Dub Taylor), un hombre inmoral y cliente habitual del saloon, etc. El editor Andrew Oxley finalmente es convencido de la necesidad de la dimisión, aunque muestra muchas dudas. 

Patch que lamenta lo ocurrido pues parece que mantuvo en el pasado una historia con la ya viuda, Laurie (Jacqueline Scott). Cuando la comisión ciudadana le plantea la dimisión Patch se niega, recordando a los ciudadanos que cuando asumió el trabajo, el acuerdo era que podía tenerlo todo el tiempo que quisiera, y todavía quería el trabajo. No solo renuncia a dimitir, sino que desacredita a Oxley en presencia de su hijo Will. 

Únicamente Patch cuenta con el apoyo de un joven de nombre Dan (McGreevey) que está alojado en una pensión y que se siente atraído por Hilda Jorgenson (Darleen Carr), la hija de la dueña y casera. 

Temerosos de que Patch debido a su naturaleza violenta , como ya hemos comprobado, y su conocimiento de sus fechorías en los días más salvajes de la ciudad, los padres de la ciudad solicitan la ayuda del sheriff del condado (un mexicano protegido y amigo de Patch) para expulsarlo. Cuando su viejo amigo Lou Trinidad (John Saxon), un mexicano que es comisario en la zona, llega a la ciudad para aconsejarle que se marche. Patch rechaza este intento y el sheriff se retira de la disputa. no sin llevarse una brecha en la cara tras ser agredido por Patch. 

Esto lleva a algunos de los concejales más abiertos a considerar asesinar a Patch. Patch que ha humillado a Oxley, el editor y abogado cobarde, en la "reunión de aviso de despido" abofeteándolo violentamente. Sabiendo que el incidente había avergonzado profundamente a su hijo adulto, el hombre decide tender una emboscada y matar a Patch, pero cuando Patch es disparado siendo levemente herido va a la habitación desde la que ha disparado ,  el tirador se apunta a sí mismo en lugar de enfrentarse al marshall y se suicida. 

El hijo de Oxley jura venganza, incitado por algunos de los concejales, quienes vieron esto como una forma conveniente de deshacerse del problemático marshall de la ciudad. El suicido de Oxley, tiene consecuencias, pues Will hace responsable a Patch de la muerte de su padre. Sin embargo, éste se muestra impasible y se niega a seguir el consejo recibido. Es más, decide pedirle matrimonio a la dueña del saloom y del prostíbulo, Claire (Lerna Horne). 

El matrimonio realizado ante el Reverendo Rov (Harry Carey Jr.) es el mismo día que el funeral de Luke Mill, después de lo cual los concejales planean el asesinato de Patch. 

Pero un invitado no deseado interrumpe lo que pudiera ser la noche de bodas. Se trata de Will, que ha bebido, y que ha sido invitado por tres parroquianos a matar al marshalll El hijo de Oxley rompe con el plan de la Comisión e intenta matar a Patch por su cuenta. 

Éste tras secuestrar a Claire dispara sobre Patch, pero no logra alcanzarle. Por su parte, el sheriff si  hiere mortalmente a Will, aunque antes de morir Patch le explica la razón de la inquina entre Oxley y él, que precisamente tiene que ver con Will y con un asesinato no resuelto de un hombre que tenia un hijo pequeño por la espalda. Oxley se comprometió ante Patch cuidar del niño siempre. 

Una vez muerto Will, son los tres que incitaron a él los que intentan acabar con Patch. Pero el sheriff se lanza a acabar con los tres instigadores del complot para matarlo, entre ellos un barman, un borracho y sobre todo, un cínico propietario de un salón llamado Lester Locke (Carroll O'Connor). Mata a los dos primeros y hiere, captura y encarcela a Locke, A este último lo lleva humillado al pueblo.

Una vez en el pueblo el sheriff se siente en el deber de asistir al entierro de Luke Mills,  y aunque consciente de que puede ser asesinado a tiros, avanza valientemente por la calle, algo que es aprovechado por los representantes de las fuerzas vivas que lo masacran en mitad de esa ciudad sin ley.  La película acaba con Claire subiendo al tren marchándose de esa desdichada ciudad.

La película fue producida por la Universal y contó con la música de Oliver Nelson, el montaje de Robert F. Shugrue y la fotografía de Andrew Jackson. Parece ser que esta historia de odios, venganzas y cobardías en un pueblo que desea modernizarse y no apegarse al concepto de viejo oeste.

Fue dirigida por Don Siegel y Robert Totten, bajo el seudónimo Alan y Allen Smithee. Parece ser que Don Siegel recomendó a Robert Totten para que éste dirigiera la película, pero, en pleno rodaje, con continuos recortes de presupuesto y de metraje, y numerosas interferencias de los productores en el trabajo del director, Don Siegel, por presiones de Richard Widmark, y de Lew Wasserman, Siegel tuvo que ser sustituido por el televisivo Robert Totten ("La ley del revólver" o series como Gunsmoke, o The Legend of Jesse James, como director. Como Totten no quiso figurar como director en los títulos de crédito (Widmark se opuso a ello) y Siegel, que había rodado menos días que Totten, hizo lo mismo, la DGA propuso un pseudónimo colectivo, Allen Smithee, que a partir de entonces se convirtió en un pseudónimo para los directores que, por la razón que fuera, no querían figurar como tales en los títulos de crédito. 

En ABC Play se refleja como " Hay que comentar que, en el momento del estreno del filme, el desconocido Alan Smithee fue considerado por la crítica como un director digno de ser tenido en cuenta. Toda una ironía". De ella en el The New York Times se señaló que estaba "brillantemente dirigida por Allen Smithee, quien tiene una habilidad hábil para escanear rostros y extraer detalles nítidos del fondo". Por su parte, eñl gran columnista del Chicago Sun Times, Roger Ebert, escribió sobre la película que "un western extraordinario ... el director Allen Smithee, un nombre con el que no estoy familiarizado, permite que su historia se desarrolle de forma natural.A destacar la presencia de Richard Widmark que está impresionante en este tramo final de su carrera. Un actor que aguanta bien los primeros planos, que describen su estado de ánimo. Dos años después encabezó el reparto de otro western crepuscular del rodeo "Cuando mueren las leyendas", de Stuart Millar, en la que Widmark encarnó a un viejo cowboy. 

Descubrimos que este Hollywood de 1969 no quiere finales felices, sino que apuesta por un desenlace coherente, y un tono amargo, cruel. 

Desenfunda

Drawl o Desenfunda del director Steven Hillard Stern es una película que tiene su gran aliciente en la presencia de Kirk Douglas  y James Coburn en esta historia de un oeste que languidece. 

La película fue realizada en mil novecientos ochenta y cuatro (1984) y tenía como destino la televisión por clave que en ese momento se estaba imponiendo en los Estados Unidos. Ese era su mercado. Contar con viejas glorias de la pantalla y recuperarlos en historias de entretenimiento. 

A lo largo de algo más de hora y media nos cuenta la historia de un ex presidiario, que al parecer perteneció a la banda de Jesse James, que al iniciar la película se encuentra con un chico y que, a pesar de su edad, le muestra su pericia deteniendo una diligencia descontrolada.

Al poco de llegar a la ciudad, entra en un saloom, participa en una partida de cartas y tras ganar un buen pellizco ante un fanfarrón - mientras es reconocido por el bartender- intenta cobrar el pagaré recibido en el Banco de la localidad, pero el sheriff al saber quién es se lo impide. Tras esto el reconoce que ya ha pagado con la sociedad pasando una temporada entre rejas, pero que no está dispuesto a pasar por allí. Su intención es hacerse con su dinero ( lo ha ganado en buena ley) e irse a México.  Pero esa no es la intención del sheriff ni del tipo que perdió el dinero iniciándose así una pelea que culmina en un tiroteo tras desenfundar los revólveres. Producto del tiroteo es que el sale herido, pero el que sale peor parado es el sheriff que muere. El viejo pistolero ha quedado herido y es auxiliado por una joven actriz. Pero cuando ve que es acusado de cometer un asesinato, decide  escapar y refugiarse en una habitación de hotel tomando como rey a la actriz ( Alexandra Bastardo).  Los habitantes del pueblo deciden ir a buscar a otro hombre que pueda enfrentarse a él. Así que el antiguo alguacil, que dimite de inmediato, va a México a buscar a un viejo Marshall, ya retirado que vive alcoholizado pero que tiene fama de ser un gran tirador.  Tras ser recogido por el antiguo Marshall ambos salen de México no sin problemas, pues son atacados por cinco ladrones de México. Al comprobar que es un gran tirador el grupo de 5 mexicanos que quería robarle las armas y los caballos, huyen. 

Aunque marcha en contra de su voluntad llegan al pueblo y allí tienen un encuentro entre los dos antiguos forajidos. Los dos saben que sus días de gloria han terminado y de hecho el viejo pistolero herido una vez recuperado mantiene su intención de ir a México en este caso acompañado de la actriz. Sin que nosotros lo sepamos uno y otro han llegado a un acuerdo simular la muerte el viejo pistolero en duelo público. 

Tras su muerte hay que enterrarlo. Quien se postula como enterrador es su viejo amigo y junto con la actriz se lo llevan a enterrar pero en mitad del trayecto el viejo pistolero sobrevive y descubrimos que hace que ha sido todo un ardiz entre ambos. Mientras los tres marchan con destino a México la carreta en la que van se cruza con un coche a motor. Los tiempos están cambiando. 

La película es un western con toques de comedia realizado para la televisión por cable. 

Lo mejor de las películas es la aparición de los dos colosos protagonistas y ese toque de pequeñas dosis de comedia que tiene. 

El gran Fausto Fernández dice de ella en diversos tweets,  que se trata de un western "producido y concebido para la temprana televisión por cable estadounidense que en Europa se vio en cines por tener hechuras de cine y buen cine del Oeste". Y añade que "ambos rejuvenecen a la vez - se bastan ellos solitos  y tampoco sin esforzarse demasiado - y a la voz de Desenfunda...Ellos, con su veteranía, lo son todo en esta nostálgica  y de mirada distanciada y casi de comedia en este western chiquito, decente y crepuscular".  Qué voy a decir yo. Lo ha dicho todo, y bien, Son Fausto Fernández.