Brainwashed: Sex-camera-power

Documental del año 2022 dirigido por Nina Menkes. Trata sobre una investigación de cómo el diseño de las formas cine cinematográficas se cruza con el abuso recién sexual y discriminación laboral contra las mujeres. Participan entre todas técnicos y actrices muchas de ellas vinculados con un movimiento metoo, donde por supuesto aparece el caso Weistein planteado por Patricia Arquette. 

El peso del documental lo llevó la directora y siempre criticando lo que se denomina la mirada masculina. 

La "mirada masculina" en el cine ha sido objeto de críticas y debates en los últimos años, y hay un movimiento creciente hacia la diversidad y la inclusión en la industria cinematográfica. La noción de la "mirada masculina" en el cine es un concepto que se ha discutido y analizado en el campo de la teoría cinematográfica y los estudios de género. 

Se refiere a la forma en que las películas, en su mayoría dirigidas y producidas por hombres, a menudo presentan al mundo desde una perspectiva masculina y reflejan los deseos, las preocupaciones y los puntos de vista de los hombres como el enfoque dominante. En esa "mirada masculina"  aparecen algunos elementos como 

La objetificación de la mujer: En muchas películas, las mujeres son representadas a menudo como objetos de deseo sexual o como personajes que existen principalmente para servir como interés romántico o sexual de los protagonistas masculinos. Esto puede manifestarse a través de la sexualización de los personajes femeninos, la cosificación o la simplificación de sus motivaciones y personalidades. 

La perspectiva centrada en el hombre: Las películas a menudo se centran en las experiencias y los puntos de vista de los personajes masculinos, lo que puede llevar a la subrepresentación de personajes femeninos complejos y bien desarrollados. La historia principal tiende a girar en torno a los logros y desafíos de los hombres, mientras que los personajes femeninos a menudo se utilizan en función de su relación con los protagonistas masculinos. 

Los estereotipos de género: La "mirada masculina" o el "male gaze" en el cine a veces perpetúa estereotipos de género, como la idea de que los hombres son fuertes, valientes y lógicos, mientras que las mujeres son emocionales o frágiles. Estos estereotipos pueden influir en la forma en que se representan y se tratan a los personajes de género en las películas. 

El control detrás de escena: La "mirada masculina" en el cine también se relaciona con el hecho de que la mayoría de los directores, productores y guionistas en la industria cinematográfica han sido históricamente hombres. Esto significa que la perspectiva masculina a menudo domina en la toma de decisiones creativas y la representación en pantalla. 

El peso del relato en Brainwashed lo lleva la cineasta Nina Menkes. Ella, a través del documental y sus películas, casi todas de carácter experimental-, que defiende como el cine ha perpetuado el machismo, ha desafiado las normas cinematográficas convencionales y ha abordado directamente la cuestión de la "mirada masculina" en el cine a través de su obra, contribuyendo así a la discusión y la crítica de las representaciones de género en la industria cinematográfica incluso en obras maestras como Erase una vez en Hollywood de Tarantino, La Dama de Shanghai de Orson Welles, Toro Salvaje de Scorsese o Carrie de Brian de Palma pasando por Vértigo del tito Alfred o la primera gran película que muestra explícitamente esa mirada, Metrópolis de Fritz Lang. Pero que incluso obras consideradas valientes por su transgresión están altamente sexualizadas como La vida de Adèle de Abdellatif Kechiche - cuya obra parece detestar- o El desprecio de Godard. Algunas feministas han visto en todo esto el fomento de la cultura de la violación. 

El "male gaze" o "mirada masculina" es un concepto acuñado por la crítica de cine británica Laura Mulvey en su influyente ensayo "Visual Pleasure and Narrative Cinema" (Placer visual y cine narrativo), publicado en 1975. Se refiere a la forma en que las películas, en su mayoría producidas y dirigidas por hombres, tienden a presentar al mundo desde una perspectiva masculina y a objetivar a las mujeres en pantalla. Sus rasgos más representativos son ver a la mujer como objeto de deseo, como espectáculo, como sujeto pasivo o como "Otro", es decir, como seres misteriosos o incomprensibles desde la perspectiva masculina, lo que puede reforzar la idea de que las mujeres son enigmáticas y difíciles de entender. 

Menkes, a través de sus películas experimentales, tales como "The Bloody Child" o "Queen of Diamonds" a menudo se alejan de las narrativas convencionales y se centran en explorar la psicología de los personajes, la sensualidad y la alienación. Esto le permite abordar las representaciones de género de manera inusual y provocativa. En algunas de sus películas es su hermana la actriz principal. 

A través de su obra y su activismo, Nina Menkes ha contribuido a elevar la conciencia sobre las cuestiones de género en el cine y ha abogado por una mayor diversidad y representación en la industria cinematográfica. Su trabajo ha sido influyente en el movimiento feminista en el cine y en la reevaluación de la "mirada masculina" en la cinematografía. Es profunda su crítica a la cosificación y conversión de la mujer en objeto frente al papel de sujeto de los hombres. 

Ella apuesta por "devolver la mirada" lo que es una idea clave en su trabajo y se refiere a la idea de empoderar a las mujeres en el cine para que cuenten sus propias historias y desafíen las representaciones convencionales de género en la pantalla.

En lugar de simplemente criticar la "mirada masculina" en el cine, Menkes aboga por "devolver la mirada" o "revertir la mirada" como una forma de empoderar a las mujeres en el cine y permitir que sus experiencias y perspectivas sean exploradas y expresadas de manera auténtica. 

La idea de "devolver la mirada" implica que las mujeres, como espectadoras y creadoras de cine, tienen el poder de cuestionar y subvertir las representaciones convencionales de género en la pantalla. En lugar de ser pasivas en la recepción de imágenes y narrativas que refuerzan estereotipos de género o que están diseñadas desde una perspectiva masculina, las mujeres pueden "devolver la mirada" al cine, es decir, crear su propio cine y su propia narrativa que refleje sus propias experiencias y puntos de vista. 

La noción de "devolver la mirada" busca transformar la dinámica tradicional en la que las mujeres son a menudo representadas como objetos pasivos de la mirada masculina en el cine. En su lugar, las mujeres pueden asumir un papel activo al crear películas que desafían las normas de género y que presentan personajes femeninos complejos y empoderados. Este enfoque contribuye a una mayor diversidad y representación en el cine, lo que a su vez puede enriquecer la cultura cinematográfica al incluir perspectivas más variadas y auténticas. Y aunque toma como referencia del poder que pueden tener las mujeres en su representación cinematográfica siempre que detenten ellas el poder o la autoridad en una situación de desigualdad social como hace con poniendo como ejemplo la película de Mandingo (1975) una película de serie Z que apuesta por la representación racial y sexual, y que se ha considerado como un ejemplo de cómo el cine puede perpetuar estereotipos y prejuicios perjudiciales.

Lo cierto es que ella, así como otras mujeres que aparecen en este film documental considera que el cine está cambiando y que esa mirado que ha estado en el cine - casos explicitos son"Anatomy of a Murder" (1959) de Otto Preminger, Orlando (1992) de o Sally Potter o Thelma y Louise (1991) de Ridley Scott - estará cada vez más presente desafiando las convenciones de género y ofrecer perspectivas diversas y auténticas como ocurre en "Girlhood" (2014) de Céline Sciamma, "Monster" (2003) de Patty Jenkins, la maravillosa y durísima "Mustang" (2015) dirigida por Deniz Gamze Ergüven, "Belle" (2013) dirigida por Amma Asante o "Fish Tank" (2009) de Andrea Arnold.

De ella Indienwire señaló que era “Un documental destinado a cambiar la forma en que los espectadores ven películas”

A vida o a muerte

A Matter of Life and Death o como he leído Highway to Heaven es la mítica película de Michael Powell y Emeric Pressburger - aquí directores, productores y guionistas- que  el historiador de cine británico Mark Cousins considera como determinante para explicar por dónde evoluciona el cine británico de posguerra. 

Es una película del año 1946 producida con The Archers. Cuanta con la participación de David Niven y Kim Hunter, Robert Corte, Katheleen Byron - el ángel de la recepción- , un jovencísimo Richard Attenborough como joven piloto derivado, Roger Livesey como el Doctor Frak Reeves , Raymond Massey.

La película comienza con una imagen del Universo y como nosotros en el mismo somos nada, y que una historia humana es menos que nada, sin embargo nos cuenta la historia de un aviador británico Peter Carter (David Niven) que está a punto de de morir en un avión incendiado. El 2 de mayo de 1945, el líder de escuadrón Peter Carter, un piloto de la RAF, está volando un bombardero Lancaster muy dañado y en llamas sobre el Canal de la Mancha, después de una misión sobre Alemania.

Antes de morir contacta con la central y habla con la operadora norteamericana June (Kim Hunter). Carter espera morir, después de ordenar a su tripulación que se retire, sin revelarles que su propio paracaídas ha sido destruido. El único operador de radio que lo recibe es June, en una base de la USAAF en la costa de Inglaterra. 

Tras una breve conversación en la que le confiesa sus pensamientos más íntimos, casi de despedida, en la que él le pide que se ponga en contacto con su madre y con sus hermanas para decirle que las quiere en un segundo comienzan a enamorarse. 

Después de esto el aviador se despide y se lanza al vacío sin paracaídas a más de mil pies de altura. Peter debería haber muerto en ese momento, pero el conductor 71 (Marius Goring), el guía enviado para escoltarlo al Otro Mundo, lo extraña en la espesa niebla sobre el Canal de la Mancha.

La caída supone su muerte segura pero cuando vemos la playa se recupera aunque debería estar muerto. Pero tras ver sobrevolar un avión , un "mosquito" De Havilland vuela bajo, descubre, desconcertado, que todavía está vivo. Peter se encuentra con June regresando en bicicleta a su habitación después de su turno de noche y se enamoran. 

Tras eso nos enteramos que en el cielo lo están esperando. Un enviado del cielo, el conductor 71, un aristócrata francés guillotinado en la Revolución, parando el tiempo mientras se encuentra junto a June, le explica que debería estar muerto, pero él renuncia a ingresar en el cielo por haberse enamorado en el último momento de la radiotelegrafista americana, consiguiendo que su caso sea llevado al juicio apelando su muerte ante un tribunal celestial y finalmente consiguiendo unos días, tres, de prórroga para su incorporación. Mientras el conductor 71 consulta a sus superiores, Peter sigue viviendo. 

El conductor 71 le informa en otro momento que debe elegir un abogado defensor entre todas las personas que han muerto alguna vez, pero tiene dificultades para elegir uno. Mientras June recurre al Dr. Reeves para que ayude al piloto. 

Las visiones de Peter son diagnosticadas por el doctor Reeves, como un síntoma de una lesión cerebral (aracnoiditis adhesiva crónica por una conmoción cerebral leve dos años antes) y está programado para una cirugía.

Reeves muere en un accidente de motocicleta mientras intenta encontrar la ambulancia que llevará a Peter al hospital. La muerte de Reeves le permite actuar como abogado de Peter. Durante el juicio, y simultáneamente a esta situación sobrenatural, un equipo de médicos lucha en el quirófano para curar a Peter una lesión en el cerebro. 

Durante el juicio Reeves sostiene que, sin ser culpa suya, a su cliente se le dio tiempo adicional en la Tierra y que, durante ese tiempo, se enamoró y ahora tiene un compromiso terrenal que debería tener prioridad sobre el reclamo de la otra vida sobre él. 

El asunto llega a un punto crítico, en paralelo con la cirugía cerebral de Peter, ante una corte celestial; la cámara se aleja de un anfiteatro para revelar que es tan grande como una galaxia espiral. 

El fiscal es el estadounidense Abraham Farlan, que odia a los británicos por convertirlo en la primera víctima de la Guerra Revolucionaria Estadounidense. Reeves cuestiona la composición del jurado, que está formado por representantes que tienen prejuicios contra los británicos. Para ser justos, el jurado es reemplazado por una mezcla multicultural de estadounidenses modernos cuyos orígenes son tan variados como los de aquellos a quienes reemplazan.

Reeves y Farlan hacen comparaciones con la nacionalidad del otro para respaldar sus posiciones. Al final, Reeves hace que June suba al estrado (el  enviado o conductor 71 la hace quedarse dormida en el mundo real para que pueda testificar) y le demuestra que ama genuinamente a Peter diciéndole que la única forma de salvar su vida es ocupar su lugar. 

Después de lo cual sube la escalera al Otro Mundo sin dudarlo y se deja llevar, dejando atrás a Peter. La escalera se detiene abruptamente y June regresa corriendo a los brazos abiertos de Peter. Como explica triunfalmente Reeves, "... nada es más fuerte que la ley en el universo, pero en la Tierra, nada es más fuerte que el amor". 

 El jurado falla a favor de Peter. El juez muestra a Reeves y Farlan la nueva esperanza de vida otorgada al acusado; Reeves lo llama "muy generoso", y Farlan se queja en broma y luego acepta.

Luego, los dos se involucran en bromas de apoyo entre sí y contra el severo registrador jefe, quien protesta contra la violación de la ley. En el quirófano, el cirujano declara que la operación fue un éxito. 

Se filmó en D&P Studios y Denham Studios en Denham, Buckinghamshire, Inglaterra, y en locaciones de Devon y Surrey. La escena de la playa se rodó en Saunton Sands en Devon, y el pueblo que se ve en la cámara oscura era Shere en Surrey. La escena en la que Carter se lava en la playa, la primera escena filmada, donde el director de fotografía Jack Cardiff empañó la lente de la cámara con su aliento para crear la apariencia que quería. 

La película tuvo un extenso período de preproducción debido a la complejidad de la producción. Por ejemplo, la enorme escalera mecánica que une este mundo con el otro, llamada "Operación Ethel" por la firma de ingenieros que la construyó bajo los auspicios del Ayuntamiento de Londres. La producción se llevó a cabo del 2 de septiembre al 2 de diciembre de 1945. Tardó tres meses en fabricarse y costó una millonada. El ruido de la maquinaria impidió grabar la banda sonora en vivo; todas las escenas con la escalera mecánica fueron dobladas en posproducción. 

La decisión de filmar las escenas del Otro Mundo en blanco y negro, ese 'Cielo' surrealista y en blanco y negro, y con  esa escalera eterna producto de un grandioso diseño de producción, aumentó las complicaciones. Fueron filmadas en technicolor, pero no se agregó color durante la impresión, lo que dio un tono nacarado a las tomas en blanco y negro, un proceso citado en los créditos de pantalla como "Color y tinte monocromático procesados en technicolor".

Otras secuencias también presentaron desafíos, como el juego de tenis de mesa con acción detenida para el cual Hunter y Livesey fueron entrenados por los campeones Alan Brooke y Viktor Barna.

Los dos directores juegan durante todo el metraje con la fantasía y la realidad en esta extraña película de ciencia ficción romántica que pasa del color el mundo terrenal al blanco y negro celestial. 

Los Archers contaron como ayudantes de dirección con Parry Jones Jr., Paul Kelly, Laurie Knight y Pat Marsden. En la dirección artística estuvieron acompañados de Arthur Lawson, Joseph Bato, William Hutchinson, William Kellner, Terence Morgan II, Don Picton y Roger Ramsdell y en la producción de George R. Busby. 

La película fue reconocida por el Círculo de Críticos de Nueva York con un premio a la mejor película y mejor dirección. Para la crítica estamos ante una obra maestra. Más de 50 años después de su estreno, en 1999, Una cuestión de vida o muerte ocupó el puesto 20 en la lista de las 100 mejores películas británicas del British Film Institute; ocupó el puesto 90 en la encuesta The Sight and Sound Greatest Films of All Time 2012 considerada por algunos como la más autorizada del mundo, y el 78.º en 2022. 

Para la crítica es una película llena de elogios. Tras su estreno en la ciudad de Nueva York, Bosley Crowther dijo que la película realizada por Michael Powell y Emeric Pressburger era la mejor película navideña jamás realizada, y la elogió por su encanto elegante, humor inteligente y sorprendente arte visual. 

En tiempos más cercanos, por ejemplo, Roger Ebert en su web antes de fallecer nos dejó en rogerebert.com que se trata de "Una de las películas más audaces jamás hechas, por su visión grandiosa y por la manera inglesa acogedora en la que está expresada (...) La historia es magnífica e íntima (…) "

Dave Kehr en The New York Times nos dice que "Los elementos compositivos parecen haber sido escogidos con mucho cuidado (...) 'A Matter of Life and Death' está inundada de ideas". 

En su país Emma Cochrane en la revista Empire señala que ""Una película de su tiempo pero con un atractivo universal (…) " y en The Guardian Brian Dillon escribió que "Su extravagancia la hace una obra maestra (...) El elemento más seductor de la relación mágica entre cielo y Tierra es el tratamiento del color. David Parkinson en Radio Times dijo de ella que "Su franqueza política, su audacia visual y sus amaneramientos la convierten en una de las películas británicas más agradables de recordar (…) ".

Finalmente, Noel Murray defendió que "'Life And Death' muestra a Powell jugando con el cine, trasteando con fotogramas e interludios vanguardistas para crear una realidad en la pantalla más vívida que la propia vida." 

En España comenta Terenci Moix en el tercer volumen de su Gran Historia del Cine esta película surgida del tándem The Archers, que una vez realizada " A Canterbury Tale" (1944) en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial " A vida o muerte" , surgida una vez terminada la guerra y una vez que la inevitable propaganda se convirtió en una no menos inevitable reflexión dice de esta película que" es una incursión en la temática del más allá por medio del piloto de las fuerzas aéreas que debe enfrentarse a un tribunal celestial defendido por un médico inglés, el papel asumido por Roger Livesey, ante un fiscal estadounidense interpretado por Raymond Massey como el fiscal Abraham Farlan. Pese a lo enfático del argumento, no necesariamente creíble, la realización sorprende hoy en día por su constante tendencia a la inventiva visual y a la exacerbación del tecnicolor con la fotografía de Jack Cardiff en sentido expresivo". 

En palabras de Fausto Fernández "Aunque Orson Welles detestara el cine de Michael Powell y Emeric Pressburger pocas maravillas celestiales (en años en los que el Cielo y segundas oportunidades copó Hollywood y el resto de cinematografías) como en A vida o muerte"

Lo cierto es que después de la Segunda Guerra Mundial, surgió una notable oleada de producciones cinematográficas, como esta y It's a Wonderful Life que reflejaban el sentimiento colectivo de una población que lidiaba con la profunda pérdida de sus seres queridos durante la guerra, brindando una fuente de consuelo y consuelo a muchas personas, algo que también recalca en su documental Mark Cousins. 

Película con un diseño de producción prodigioso, llevado con el buen gusto estético y narrativo de Powell y Pressburger, que nos transforma una historia irreal en una gran historia de amor. 

The dogs of War

Los ingleses son como son, como los españoles son como son. Si nuestras referencias literarias muchas veces están en nuestros escritores del Siglo de Ooro y sobre todo en Cervantes y en El Quijote para los ingleses están en la obra de William Shakespeare. Y parece ser que está en Julio César la aparición de este término, "Perros de guerra" con "Grita:... y suelta a los perros de la guerra".

The Dogs of War es una película de bélica estadounidense de 1980 producida por Larry DeWaay, Norman Jewison y Patrick J. Palmer para la United Artist, en la que invirtieron $8 millones de dólares, basada en la novela homónima de 1974 de Frederick Forsyth. Aquí con un guion adaptado por Gary DeVore, George Malko y un no acreditado Michael Cimino, la película fue filmada en gran parte en Belice, fue dirigida por John Irvin y protagonizada por Christopher Walken y Tom Berenger junto a Collin Blakely, Colín Friels, George W. Harris, Hugh Millais y Paul Freeman.

Nos cuenta la historia del mercenario Paul ¿o es Jamie? Shannon (Christopher Walken) un profesional de la guerra que tras escapar de Centroamérica con sus camaradas Drew (Tom Berenger) , Derek (Paul Freeman), Michel (Jean François Stevenin) , Terry y Richard,  recibe una oferta de Roy Endean (Hugh Millais) , un empresario británico que trabaja para un importante magnate. 

La empresa de Endean está interesada en "ciertos recursos" en la pequeña nación africana de Zangaro, gobernada por el brutal dictador, el presidente Kimba. 

Shannon emprende una misión de reconocimiento a Clarence, la capital de Zangaro, y conoce a un documentalista británico llamado North, quien le informa sobre la situación política en Zangaro. Sin embargo, las actividades de Shannon despiertan las sospechas de la policía (especialmente un presunto coqueteo con una mujer que resulta ser una de las amantes de Kimba) y es arrestado, brutalmente golpeado y encarcelado. 

Sus heridas son tratadas por el Dr. Okoye (Winston Ntshona ) , un médico y prisionero que anteriormente fue un líder político moderado. North hace campaña por la liberación de Shannon y dos días después es deportado. 

Cuando Shannon le dice a Endean que no hay posibilidad de un golpe interno, Endean le ofrece 100.000 dólares para derrocar a Kimba invadiendo Zangaro con un ejército mercenario. 

El empleador de Endean tiene la intención de instalar un gobierno títere liderado por el coronel Bobi, el codicioso ex aliado de Kimba, permitiendo al empleador de Endean explotar los recursos de platino recién descubiertos del país, un acuerdo garantizado por el coronel Bobi. Shannon rechaza la oferta y, en cambio, le propone a su ex novia Jessie que comiencen una nueva vida en el oeste de los Estados Unidos, pues le han hablado muy bien de los paisajes de Colorado y Montana. 

Cuando ella rechaza su propuesta, él acepta el contrato de Endean con la condición de que tendrá el control total de la operación militar. Provisto de un millón de dólares para gastos, Shannon contacta a algunos de sus socios de Centroamérica y se reúnen en Londres para planificar la invasión. 

El grupo se abastece ilegalmente de metralletas Uzi, municiones, lanzacohetes, minas y otras armas a traficantes de armas. North (Colin Blakely) se encuentra con Shannon por casualidad en Londres y sospecha que es un agente de la CIA. Shannon le pide a Drew que asuste a North sin lastimarlo, pero North es asesinado por un sicario contratado por Endean para seguir a Shannon y su tripulación. Drew captura al asesino, y cuando Shannon, furioso, se entera de que Endean había enviado al sicario pero que el sicario había matado a North por su propia iniciativa, mata al asesino a su vez y deja el cuerpo en la casa de Endean durante una cena celebrada para el coronel Bobi. 

Para transportar al grupo y el equipo a la costa de Zangaro, Shannon contrata un pequeño carguero y una tripulación. En el mar, al equipo se une una fuerza de exiliados Zangaran entrenados como soldados por un ex colega mercenario. 

Una vez en tierra en un ataque nocturno, los mercenarios y sus tropas usan su variedad de armas para atacar la guarnición militar donde vive Kimba. Drew irrumpe en una choza en el patio del cuartel y sólo encuentra a una mujer joven con un bebé; cuando él se da vuelta para irse sin hacerles daño, ella le dispara por la espalda con una pistola. 

Después de que los mercenarios asaltan las ruinas de la guarnición en llamas y marcadas por las balas, Shannon se abre camino hacia la mansión de Kimba. 

Allí encuentra al dictador metiendo fajos de billetes en un maletín; Cuando Kimba, que llora, le ofrece a Shannon parte del dinero para perdonarle la vida, Shannon lo mata. 

A la mañana siguiente, Endean llega en helicóptero con el coronel Sekou Bobi (George Harris) y entran a la residencia presidencial, donde encuentran a Shannon y al Dr. Okoye esperando su llegada tardía. Shannon presenta al Dr. Okoye como el nuevo presidente de Zangaro, y cuando Endean protesta ("¡Todo este país está comprado y pagado!"), Shannon le dice: "Vas a tener que comprarlo todo de nuevo", y lo silencia diciéndole disparando a Bobi. 

Shannon, Derek y Michel cargan el cuerpo de Drew en un Land Rover, de acuerdo con el brindis que brindaron al planificar la operación: "Todos vuelven a casa". La película concluye con los mercenarios conduciendo por las calles desiertas de Clarence hasta que quedan fuera de cuadro. 

Parece ser que la United Artists compró los derechos de la novela en 1974 y que Don Siegel iba a dirigir pero no le gustó el guión. Abbey Mann escribió un nuevo guión. Luego Michael Cimino escribió otro borrador. Norman Jewison se incorporó como productor y director, y Gary Devore reescribió el guion. Jewison decidió producir, no dirigir, y buscó otro director. 

Inicialmente, Jewison contrató a Michael Cimino para dirigir con Clint Eastwood y Nick Nolte como protagonistas, pero abandonó la película para trabajar en Heaven's Gate. 

John Irvin se convirtió en director. Este fue sólo el segundo largometraje internacional del director John Irvin, quien anteriormente trabajó como realizador de documentales durante la Guerra de Vietnam y que hace nada puede ver Hamburger Hill. 

La película cuenta con la fotografía de Jack Cardiff, el montaje de Antony Gibbs y la múysica de Geoffrey Burgon. El director de fotografía Jack Cardiff había dirigido anteriormente un relato sobre mercenarios en África titulado Dark of the Sun conocido aquí como ültimo tren a Katanga. El compositor Geoffrey Burgon concluye la película con el Epitafio de un ejército de mercenarios de A. E. Housman cantado sobre los títulos finales. 

El rodaje comenzó el 18 de febrero de 1980. y la primera escena centroamericana se filmó en el Miami Glider Port, al suroeste de Miami, Florida. Posteriormente, se filmaron escenas de países africanos en la ciudad de Belice, Belice y sus alrededores, ya que Irwin decidió filmar las escenas en África en la vida real sería demasiado arriesgado. El puente giratorio manual que se muestra durante el ataque es uno de los más grandes de su tipo en el mundo. 

La película presenta varias armas que fueron prominentes en la cultura popular durante la década de los ochenta, y aunque no triunfó en taquilla, quedando muy por debajo de lo invertido, si obtuvo cierto éxito entre los interesados del cine bélico. No obstante, el concepto de perro de guerra se popularizó para identificar a los mercenarios.

El país africano ficticio inspirado parece estar inspirado en distintos países que en esa década no dejaban de ser Gobiernos militares y corruptos como Guinea-Bissau, Guinea-Conakry, Guinea Ecuatorial y Angola. Mirando hoy el mapa, parece que poco ha cambiado y esos perros de presa no serán británicos o americanos o incluso españoles - algunos fueron a las guerras coloniales portuguesas en los años 70)  y franceses sino rusos del grupo Wagner. El mundo no ha cambiado tanto. La guerra y sus perros persisten. 

La Carmen de Saura

Si tu gusta la música clásica, la ópera, el flamenco en cualquier de sus manifestaciones, incluyendo las sevillanas, el pasodoble, la guitarra de Paco de Lucía, llevar el compás como hacen unas canasteras o la misma Pepa Flores, la danza, el ballet, el zapateo, la pasión, la fuerza, las miradas, el envite, la clase, el ARTE, así en mayúsculas, esta es tu película. 

Carmen es una adaptación al cine de la famosa obra de Próspero Mérimée, en este caso contó con el apoyo del productor Emiliano Piedra para Televisión Española. Su novedad es que construye una historia de cine dentro del cine o de teatro dentro del cine para ser más exactos y que forma parte de la trilogía musical emprendida por su director, Carlos Saura, con Bodas de sangre y complementada posteriormente con El amor brujo. 

El guion fue cosa de Carlos Saura y Antonio Gades. La música fue tanto de Paco de Lucía como de Georges Bizet. El maquillaje fue labor de Julián Ruiz, la fotografía de Teodoro Escamilla, el montaje de Pedro del Rey y el vestuario de Teresa Nieto.

Fue una película que lanzó al estrellato a la entonces desconocida Laura del Sol hoy absolutamente olvidada - parace ser que Laura del Sol debuta como actriz en un papel al que optaron Ángela Molina y María José Cantudo- e irónicamente al igual que la actriz la película tuvo una mayor repercusión a nivel internacional que en España llegando a ser premiada en los BAFTA como Mejor película de habla no inglesa donde también fue nominada a Mejor banda sonora (Paco de Lucía) y Mejor sonido (Carlos Faruolo, Alfonso Marcos, Antonio Illán). 

Además, la película tuvo nominaciones a los premios Globo de Oro, y tres nominaciones a los Óscar de Hollywood (1984) y César francés. Recientemente, el Festival de Cannes, donde la película recibió el Gran Premio Técnico y una mención especial, homenajeó a Carlos Saura en 2023 al proyectar la película 'Carmen' en formato 4K.

El filme sirvió como homenaje del certamen francés al fallecido director aragonés, cuya carrera estuvo muy vinculada al Festival, donde seleccionaron y premiaron varias de sus películas. El aperitivo del recuerdo a Saura sucedió en la alfombra roja de esta 76 edición: sonó Porque te vas (Jeanette/José Luis Perales), de la banda sonora de Cría cuervos (1975), ganadora del Gran Premio Especial del Jurado en el Festival en 1976. El Festival le rindió homenaje ahora con una película que él “llevaba especialmente en el corazón”. 

En España el reconocimiento estuvo en la 39.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos al reconocerla como Mejor película, Mejor director (Carlos Saura) y Mejor actriz de reparto (Cristina Hoyos)

La película es del año 1983 y está interpretada por Antonio Gades, Laura del Sol y sale Paco de Lucía, Pepa Flores y Cristina Hoyos entre otros.

La historia se centra en un director de una compañía de baile clásico que busca una bailaora para protagonizar su nueva versión de la famosa ópera de Bizet, Carmen. Cuando la encuentra se enamora de ella y entre ambos se repite la misma historia que representa sobre el escenario. Inician, pues, una relación turbia y tormentosa, en la que se mezclan las ambiciones artísticas de ambos, su mutua atracción y los celos patológicos de Antonio, además del carácter indomable de la propia Carmen. La historia de los bailaores y amantes se va mezclando poco a poco con la de los personajes que interpretan. 

"Carmen" es una historia de amor y celos en donde el deseo aniquilador conduce a los personajes inexorablemente a la destrucción. Esta producción utiliza la intensidad de la partitura de Bizet y la contrapone a la sensualidad, pasión, amor y rivalidad reflejados en el flamenco más auténtico. En 2014 en unas jornadas de la SGAE dedicadas precisamente al personaje de Merimée y sus distintas representaciones hizo unas declaraciones que recogió el Diario de Sevilla donde reconoció "que no había vuelto a ver Carmen desde que la rodé". 

Y ese mismo diario señalaba que "el director comenzaba un discurso aparentemente improvisado en el que la única batuta que regía la ponencia eran las múltiples preguntas que los asistentes le hacían. En cuanto al origen de su Carmen particular, Saura siempre se remontaba al primer filme de su trilogía, Bodas de sangre, con el que junto a Antonio Gades y el productor Emiliano Piedra revolucionó el concepto de musical. Conseguirían sacar adelante una propuesta diferente al canon anglosajón, fusionando el ballet a ritmo de flamenco con el cine. 

Después de aquella obra inspirada en Lorca, vino inevitablemente Carmen. "Yo quería hacer una película con ese personaje. Esto, unido a mi pasión por los musicales y a mi experiencia como director de ópera, es lo que me llevó a rodarla", afirmaba Saura. 

El director hizo hincapié en ese intercambio de roles, en esa relación "extraña" en la que Laura del Sol interpreta a una mujer fuerte y Gades es el enamorado, el arrodillado a los pies de alguien que juega con los sentimientos de él y sólo mira por sus intereses. Es la explicación que da al "cambio" de sexo en los personajes, que acabará irremediablemente en el trágico final, donde él cumple con su papel y acaba matándola. " 

El cineasta contaba lo difícil, y fácil a la vez, que fue elegir a Laura del Sol como protagonista de su obra. Mientras Gades suplicaba la continuación de la por entonces primera bailarina de su compañía Cristina Hoyos, Saura tenía claro desde el primer momento que la elegida para ese papel sería Laura, a la que definía entre risas como la "descarada y maravillosa joven que salía y se divertía por las noches", algo que unido a su hermosura le convertían en la actriz, y no tanto bailarina, perfecta para encarnar a Carmen. 

Recalcaba esa búsqueda de "una mujer fuerte y bella" frente a la "perfección en el escenario" de Hoyos. De ahí surgirá la tensión entre las dos mujeres en la famosa escena de los espejos. 

Sin música, el cineasta fue capaz de darle sentido a una escena, centrándose exclusivamente en la importancia del ritmo; una nueva concepción del género musical que prolongará en El amor brujo, y más tarde, en Flamenco.

En cuanto a la calidad técnica de la película, se pone de manifiesto la experiencia previa como fotógrafo de Saura, el cual, aunque no se encarga de este apartado en sus películas, siempre intenta exprimir la grabación de cada escena como si fuera la última, consiguiendo una iluminación y escenografía fabulosas. Se considera no obstante un "vampiro de su profesión", alguien que se alimenta de los conocimientos de la gente que le rodea para enriquecer su visión de cineasta. Saura confesó que ha buscado en Carmen a la mujer de su vida. Aquí desde luego, la encontró.

The nutty Professor

De pequeño cuando ponían comedia en televisión prefería a los cómicos clásicos tipo Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, El Gordo y el flaco o los hermanos Marx al humor de Jerry Lewis. Creo que incluso la mula Francis estaría por delante de este actor cómico. No hace mucho me enteré que hizo pareja con Dean Martin, y que poco después de romper como pareja artística, comenzó a dirigir sus propias películas. 

Creo que la primera fue esta el profesor chiflado película de la que se han hecho varias versiones. Lógicamente tiene mucho que ver el profesor chiflado con el curioso caso del doctor Jekyll y Mister Hyde puesto que es la fuente de inspiración.  

Jerry Lewis está en todo. Es el actor principal, director, producción - aquí lo hizo para la Paramount Pictures- , guionista, junto a  Bill Richmond,   basada en El extraño caso del Dr. Jekyll y el Sr. Hyde de Robert Louis Stevenson. En otros apartados tecnicos contó con la música de Walter Scharf, la fotografía de W. Wallace Kelley y el vestuario de  Edith Head.

El profesor chiflado está considerada como la mejor película de Jerry Lewis película que también dirigió él y es el eje sobre el que girará toda su obra posterior en donde el humor va dando paso a un cierto pesimismo pero con Gags que parece ensacados de los dibujos animados más enloquecidos.

El argumento es una variación como ya he dicho del doctor jekyll y mister high de Stevenson. Aquí el doctor es un profesor Julius Kelp, considerado una eminencia en ciencias Químicas aunque no tiene nada de eminente ni en su físico ni en la forma de enseñar química a sus jóvenes alumnos. Su tremendo complejo de inferioridad que arrastra desde pequeño radica en su escasa fuerza física. Es feo, cobarde, desaliñado, con dientes salientes , propenso a accidentes y socialmente incómodo, cuyos experimentos en el laboratorio del aula no tienen éxito y son altamente destructivos. Vive acomplejado. Cuando un alumno matón que juega al fútbol lo avergüenza en público y lo ataca, meitendo a Kelp en un armario, éste decide "reforzarse" uniéndose a un gimnasio local. 

Enamorado de una alumna y harto de que sus alumnos más musculosos abusen de él decide inscribirse en un gimnasio para mejorar su pobre aspecto físico.  Viendo que no consigue lo que quiere decide hacer uso de sus conocimientos de química para crear un brebaje que le permita ser más musculoso. La falta de fuerza física de Kelp le lleva a buscar una solución en su especialidad de química . Esto le transforma tras ingerir una fórmula de su invención al fin y al cabo es químico. Se transforma así en un apuesto seductor con mucho en común con el tipo de personajes que interpretaba junto a Dean martin cuando formaba pareja con Jerry Lewis. Y todo por inventar un suero , un brebaje que funciona y cada vez que lo bebe se convierte en "Amigo Amor" ("Buddy Love"), un apuesto joven enamorado de su propio aspecto. 

 lo convierte en Buddy Love: un hipster guapo, suave, encantador y atrevido que persigue chicas. Es más el modelo imitar es precisamente Dean martin.

Esta nueva personalidad le da la confianza en sí mismo para seguir a una de sus alumnas, Stella Purdy. Aunque le molesta Love, se siente extrañamente atraída por él. 

Buddy cautiva a la multitud con su estilo musical alegre y de jazz y su comportamiento sereno en el Purple Pit, un club nocturno donde los estudiantes pasan el rato. También se burla de un barman y de una camarera además de golpear a un estudiante. La fórmula desaparece en momentos inoportunos, a menudo para humillación de Kelp. 

Aunque Kelp sabe que su personaje alternativo es una mala persona, no puede evitar tomar la fórmula continuamente mientras disfruta de la atención que recibe Love. 

Mientras Buddy actúa en el baile estudiantil anual, la fórmula comienza a desaparecer. Ahora que se revela su verdadera identidad, Kelp pronuncia un discurso apasionado, admitiendo sus errores y pidiendo perdón. Kelp dice que lo único que aprendió al ser otra persona es que si no te gustas a ti mismo, no puedes esperar agradar a los demás. Purdy se encuentra con Kelp detrás del escenario y confiesa que prefiere a Kelp a Buddy Love. 

Finalmente, el anteriormente tímido padre de Kelp decide comercializar la fórmula (una copia de la cual Kelp había enviado a la casa de sus padres para su custodia), respaldada por el inexpresivo rector de la universidad. 

El padre de Kelp hace una propuesta a la clase de química y todos los estudiantes se apresuran a comprar el nuevo tónico. 

En la confusión, Kelp y Purdy salen de la clase. Armados con una licencia de matrimonio y dos botellas de la fórmula, se fugan. 

Durante los breves créditos finales, cada uno de los personajes sale y se inclina ante la cámara, y cuando Jerry Lewis, todavía interpretando a Kelp, sale y se inclina, tropieza y cae sobre la cámara, lo que hace que la imagen se vuelva blanca, como si Lewis rompió la película que se proyectaba en ese momento. 

La película va a combinar la parte de comedia junto con algunos números musicales en los que Jerry Lewis actúa junto a la banda del mítico Les Brown. 

Lewis se hizo acompañar en esta película del año 1963 de la bella Stella Stevens, aunque junto a ella aparecen en pantalla Del Moore, Katheleen Freeman, Med Flory, Norma Alden y Howard Morris.

Toda la producción se filmó del 9 de octubre al 17 de diciembre de 1962, principalmente en el campus de la Universidad Estatal de Arizona en Tempe, Arizona.

La caracterización básica de Julius Kelp era un elemento básico de Lewis, ya que apareció anteriormente en Rock-A-Bye Baby (1958), y personajes básicamente idénticos aparecerían en The Family Jewels (1965), The Big Mouth (1967). Buddy Love a menudo se interpreta como una burla del socio del mundo del espectáculo de Lewis, Dean Martin ; el dúo tuvo un gran éxito de 1946 a 1956 antes de una amarga ruptura cuando no se hablaron durante décadas. Lewis, sin embargo, negó sistemáticamente este rumor. 

En su autobiografía de 1982 y nuevamente en un DVD titulado The Nutty Professor: Making The Formula , Lewis afirmó que el personaje estaba basado en cada hipster odioso, engreído y odioso que alguna vez conoció. En el comentario del DVD, Lewis especula que tal vez debería haber hecho que Love fuera más malvado en lugar de simplemente desagradable, ya que, para su sorpresa, llegaron más cartas de fans de Love que del profesor. El crítico de cine Danny Peary hizo esta afirmación en su libro de 1981.Cult Movies que el personaje de Love es en realidad una representación de un lado oscuro de la verdadera personalidad de Lewis. Lewis afirmó que los dos representaban el bien y el mal. 

La partitura de Walter Scharf hace un uso extensivo del estándar de jazz con música de Victor Young con su Stella de Starlight , incluida una versión optimista de los títulos principales de la película. 

Paramount era el titular de los derechos de autor del tema desde su aparición original en The Uninvited (1944). Les Brown y su Band of Renown se interpretan a sí mismos en las escenas extendidas del baile de graduación. Aunque no es un musical, la película presenta varios otros temas, incluidos " That Old Black Magic ", " I'm in the Mood for Love " y "We've Got a World that Swings", todos cantados por Lewis en Buddy Love.  

En 1996 se realizó una nueva versión, con el mismo título, con Eddie Murphy, dirigida por Tom Shadyac y con Jada Pinkett-Smith . Lo ciero es que Lewis había hablado durante décadas de hacer una secuela y finalmente se conformó con el remake de 1996 protagonizado por Eddie Murphy , por el cual Lewis fue acreditado como productor. Esta versión de 1996 produjo una secuela propia, Nutty Professor II: The Klumps . 

En cuanto a la critica en las paginas de El País Fernando Morales escribió de ella comentando que es "Divertidísima (...) Sin duda la comedia más brillante de Jerry Lewis". 

Otro crítico, Leonardo D' Espósito, dijo de ella lo siguiente: Aquí esa esquizofrenia estalla con una precisión notable y un grado de invención cómica que pocos grandes del cine han tenido. (...) sigue siendo efectivísima." 

En 2004, The Nutty Professor fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Revisión de Criminal

Revisión de una película que vi en 2018 aunque sea del año 2016 y que dirige Ariel Vromen. Lo curioso de la película es que no me acordaba de nada. Eso sí el principio me ha remitido alguna imágenes y a partir de ahí ya sabía lo que estaba viendo. 

La historia se centra en una gente de la CIA de nombre Bill Pope (Ryan Reynolds)  que es asesinado en Londres, ciudad en la que reside junto a su bella mujer (Gal Gadot) y su hija, durante una misión crucial para la seguridad de los Estados Unidos. 

En un intento desesperado por recuperar los recuerdos y secretos de la gente de tener la grave amenaza nacían decide recurrir a un programa experimental de transferencia de memoria de humano a humano, de Pope a Jericó Stewart ( Kevin Costner).

Jericó es un trastornado e impredecible presidiario del corredor de la muerte el que le implantan la memoria de Pope ( Reynolds) , la gente de la CIA fallecido en acto de servicio. Con ello pretenden acceder a la información acumulada por Pope respecto a una terrible amenaza para la seguridad nacional la que supone un hacker conocido como el nombre de "el holandés" (Michael Pitt) que ha conseguido convertirse en administrador único del sistema de emergencia mando y control del Ejército de los Estados Unidos por lo que puede autorizar y activar cualquier sistema armamentístico de su arsenal o invalidar cualquier orden rutinaria.

El problema para "el holandés"es que hay alguien muy peligroso que considera que lo ha traicionado, alguien decidido a hacerse con el poder como es Xavier Heindahl, asesino de Pope e interpretado por Jordi Mollá.

Por su parte Gary Oldman es Quaker Wells, el implacable jefe de la CIA en Londres y y que ha reclutado a un euro cirujano como el doctor Franks ( Tommy Lee Jones) para realizar la operación de transferencia de memoria.

Se trata de una película de acción suspense y ciencia ficción que cuenta con un extraordinario elenco con Kevin Costner como el inusual criminal. 

El director de criminal es el israelí Ariel Vromen, quien define la película como "Thriller grande. Tenemos secuencias de acción brutales con coches helicópteros y un Airbus 400 enorme junto con escenas intensas y excitantes de lucha. Sin embargo creo que el público actual busca algo más que explosiones y persecuciones emocionantes y sentí que la transformación de Jericó en otra persona podía ser igual de citante que la acción" 

La parte de ciencia ficción la aporta el concepto futurista pero con base científicas de la transferencia de memoria idea del equipo del guionista formado por Douglas Cock (fallecido antes del estreno de esta película) y David Weisberg, autores del libreto de la roca entre otros filmes. Los guionistas se basaron en las investigaciones de neurobiología, arquitectura cerebral o inteligencia artificial que sugiere que dentro de no mucho tiempo nuestras mentes podrán ser cartografíadas y que la conciencia misma podrá ser transferida de una mente humana a una máquina o incluso a otro ser humano".

Bien llamado la atención aparte del papel de malo malísimo de Costner  la presencia de un Jordi Mollá un líder anarquistado pero millonario que pretende acabar y arrasar con todo.

Película con mucha acción, casi adrenalínica, con un elenco de infarto, con una historia que va dando sus giros, aunque viendo como se encamina se va haciendo previsible. No sé si era una revisión necesaria, pero lo cierto es que una mala jugada de la memoria me ha hecho volver a verla.  Bueno, no está mal. 

Alerta misiles

Robert Aldrich consideraba que esta podía ser su mejor obra y estuvo trabajando hasta finales de los setenta y se embarcó en una película de que se mueve entre la política-ficción condicionada por el contexto político de la época, realizando una película siguiendo el guion de Ronald M. Cohen y Edward Huebsch, basándose libremente en una novela de 1971, Viper Three de Walter Wager , una obra historia ficción o política ficción que cuenta con la música de Jerry Goldsmith, titulada en español Alerta misiles aunque su título en inglés es Twillight's last Gleaming que significa algo así como El último resplandor de Crepúsculo. 

El título de la película original está tomado de " The Star-Spangled Banner ", el himno nacional de los Estados Unidos El presente filme, que en su versión original superaba los 140 minutos de metraje, fue inmisericordemente mutilado por la productora, de tal forma que las versiones que han llegado a Europa rara vez superan los 100 minutos, incluso menos 

La película es del año 1977 aunque se desarrolla en el año 1981. Después de escapar de una prisión militar, el general de la Fuerza Aérea Lawrence Dell (Burt Lancaster )  y sus cómplices Powell, Garvas y Hoxey se infiltran en un complejo de misiles balísticos intercontinentales en Montana que Dell ayudó a diseñar. Su objetivo es hacerse con el control de sus nueve misiles nucleares Titán . 

Allí esteex-general degradado de las fuerzas armadas norteamericanos , el exgeneral Dell de la USAF( Burt Lancaster), acusado de un asesinato que en realidad fue un accidente, libera un grupo de asalto en el que están un exmilitar de color Willis Powell (Paul Winfield), Augie Garvas (Burt Young) y como Hoxey (William Smith - el mítico Falconetti-) y decide vengarse ocupando una base militar en la que existe rampa de lanzamiento de misiles atómicos Titán que pueden estar dirigidos hacia Moscú o hacia su propio país y que podía dar lugar al inicio de la tercera guerra mundial, la temida guerra atómica.

La infiltración no sale según lo planeado, ya que el impulsivo Hoxey dispara a un guardia de la Fuerza Aérea por intentar contestar un teléfono que suena. Dell luego dispara y mata a Hoxey. 

Luego, los tres establecen contacto directo con el gobierno de Estados Unidos (evitando cualquier atención de los medios) y exigen un rescate de 10 millones de dólares y que el presidente aparezca en la televisión nacional y haga público el contenido de un documento ultrasecreto. 

Ante esta compleja situación interviene el presidente de los Estados Unidos David Stevens(Charles Durning) el que le exige pagarle a los asaltantes 10 millones de dólares a cada uno y garantizarles la impunidad así como hacer público un documento secreto relativo a la guerra de Vietnam redactado por su predecesor y presidente Nixon que cuestiona abiertamente las razones últimas de la guerra de Vietnam.

El documento, desconocido por el actual presidente pero no por ciertos miembros de su gabinete, contiene pruebas concluyentes de que el gobierno estadounidense sabía que no había esperanzas realistas de ganar la guerra de Vietnam pero continuó luchando con el único propósito de demostrarle a la Unión Soviética su compromiso inquebrantable de derrotar al comunismo.

Mientras tanto, Dell y sus dos hombres restantes eliminan las contramedidas de seguridad del sistema de control de lanzamiento y obtienen el control total sobre el complejo. 

En paralelo, el presidente y su gabinete debaten los aspectos prácticos, políticos, personales y éticos de aceptar las demandas, también autorizan a los militares a enviar un equipo de élite liderado por el general MacKenzie para penetrar el complejo de misiles balísticos intercontinentales e incinerar su centro de mando con baja potencia -un dispositivo nuclear táctico de rendimiento-. 

Justo cuando el dispositivo está a punto de configurarse, el equipo comando activa accidentalmente una alarma, alertando a Dell sobre su operación. Dell, furioso, responde iniciando la secuencia de lanzamiento de los nueve misiles. 

Mientras los militares y el presidente Stevens observan cómo las cubiertas de lanzamiento del silo subterráneo de misiles comienzan a abrirse, acuerdan cancelar el intento y el lanzamiento se aborta con apenas unos segundos de sobra. 

Durante este tiempo, los guardias cautivos de la Fuerza Aérea intentan dominar a Dell y sus hombres, lo que resulta en la muerte de Garvas y otro guardia. 

Finalmente, el presidente acepta cumplir con las demandas, que incluyen permitir que lo tomen como rehén y lo utilicen como escudo humano mientras Dell y Powell escapan del complejo. 

Cuando el presidente abandona la Casa Blanca, le pide al Secretario de Defensa que entregue el documento en caso de que lo maten en el proceso. Tras entrar en el complejo y salir del mismo con Dell y con Powell, los francotiradores de la Fuerza Aérea de EE. UU. apuntan y disparan tanto a Dell como a Powell, pero también disparan accidentalmente - o no- al presidente, quien con su último aliento pregunta al Secretario de Defensa si hará público el documento. El Secretario no se atreve a responder. 

Película en la que junto a Burt Lanscaster aparecen Joseph Cotten como Secretario de Estado Renfrew, un anciano Melvin Douglas como Secretario de Defensa Guthrie, ambos como consejeros del Presidente, entre los militares el enemigo del protagonista, Richard Widmark como el general Martin MacKenzie, así como Richard Jaeckel como el teniente coronel Sandy Towne, Charles Mc Graw como General Crane de la Fuerza Aérea, o Ed Bishop como el Mayor Fox, entre otros. 

La obra Viper Three de Walter Wager se publicó en 1971. Los derechos cinematográficos fueron adquiridos ese año por Lorimar Productions. Lorimar era conocida por hacer series de televisión como The Waltons y Eight is Enough y películas para televisión como Sybil y Helter Skelter . Querían pasar a la producción de largometrajes y El último resplandor de Crepúsculo , como se conocería, sería el primero. 

Según declaró Aldrich, Lorimar "no pudo conseguir financiación. El libro era muy conocido.  En principio, los secuestradores no tenían ninguna motivación interesante. Las razones por las que querían capturar al Presidente ni siquiera eran razones del tipo de la OLP. Sólo querían el dinero. Eso no me pareció que tuviera mucho sentido." Lorimar llevó el proyecto a Aldrich, quien dijo que "se preguntaba qué pasaría si tuvieras una mentalidad de Ellsberg , si tuvieras algún oficial de mando que saliera de Vietnam y que no estuviera amargado por los manifestantes de la guerra sino por el mal uso de los militares... ¿Qué pasaría si hubiera un general enojado por el uso político de las fuerzas armadas?"Aldrich le dijo a Lorimar que haría la película "si pudiera darle la vuelta a esa historia". 

Aldrich presentó su versión del material a Burt Lancaster , quien aceptó hacer la película."Si esa película es antiamericana , Jimmy Carter también lo es ", dijo Aldrich. "La afirmación más incendiaria de la película es que opta por un gobierno abierto". 

Lancaster calificó la película " Todos los hombres del presidente, segunda parte ... una pieza política muy poderosa expresada en términos muy melodramáticos".

Lorimar llevó el proyecto a una empresa alemana que aceptó aportar dos tercios del presupuesto.Merv Adelson, director de Lorimar, describió la película como "la fórmula perfecta... una película de acción y aventuras que atrae al mercado internacional..."

Más tarde, Adelson se desilusionaría  porque la película no logró muchos elogios de la crítica y, si no funcionaban en el país, Lorimar no ganó tanto dinero con ellas.  De hecho se quedó casi dos millones por debajo de lo invertido, 4,5 millones de recaudación. 

Lancaster y Aldrich pensaron que el presidente podría ser del tipo John F. Kennedy . Lancaster se acercó a Paul Newman para interpretar el papel, pero éste no se mostró entusiasmado. Entonces, Aldrich reconfiguró al personaje como un político tipo alcalde Daley colocando en su lugar a Charles Durny.

Parece enteramente un producto lanzado para la televisión ya que , entre otras, en la misma están implicadas la Productora Lorimar Television y Bavarian Films, siendo una coproducción entre Alemania Occidental y Estados Unidos que se rodó principalmente en los estudios Bavaria, en Múnich en agosto de 1976. Finalmente contó con un presupuesto de 6,2 millones de dólares .

De esta época son "Fail Safe" o Punto Límite de Sidney Lumet , y "Seven Days in May",- ambas del año 1964-, siendo esta de Frankenheimer, y en la que también interviene Burt Lancaster como un general de la Fuerza Aérea y cabecilla de un grupo de líderes militares estadounidenses que planean un golpe de estado contra el presidente, aunque esta con un claro mensaje pacifista.

Se rodaron varias escenas con Vera Miles como la esposa del presidente, pero se cortaron para ahorrar tiempo. 

De la película destacar que combina planos y secuencias de factura convencional con el recurso de la multipantalla muy en boga en ese momento, especialmente en los fragmentos de mayor tensión, logrando así multiplicar los puntos de vista y condensar la información, ganado el filme en dinamismo, circunstancia importante teniendo en cuenta que todo transcurre en dos o tres escenarios cerrados. 

De ella dijo James Monaco  en su obra "Cine americano de ahora" que Twilight's Last Gleaming "no hace mucho más que jugar con la paranoia".

Por su parte  Guilherme de Alencar Pinto en la prensa uruguaya, y más concretamente en La Diaria consideró que "Es un gran thriller político (...) El film alterna ese tipo de acción seca característica de la época con momentos de espera, y excepcionales picos de tensión y suspenso."

Fausto Fernández en Twitter - ahora X- escribió sobre ella que era " un puñetazo descreído de Robert Aldrich al patriotismo, el ejército y la política". Palabra de fastianovich.