La primera sirena

Creo que es la primera película que he visto de la angelina Esther Williams, una actriz que en mis recuerdos me remite a los elogios que sobre ella me hacía mi madre. 

Fue una actriz estadounidense famosa por sus películas musicales con espectáculos acuáticos, siendo una de las estrellas más populares de la era dorada de la productora cinematográfica Metro Goldwyn Mayer.

Esther Williams fue nadadora especialista en natación sincronizada, y habría participado en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1940 de no haberse suspendido por la Segunda Guerra Mundial. Acabado el sueño olímpico, Esther Williams se decidió por el espectáculo, y comenzó a realizar presentaciones con el también nadador Johnny Weissmüller, otro de los actores en parte acuáticos dados sus éxitos olímpicos, que conocimos en sus exhibiciones como nadador en las películas de Tarzán. Sin embargo, la actriz llamó la atención trabajando como modelo a un productor de la Metro-Goldwyn-Mayer, quien le propuso sumarse a la compañía.

Su primera película es de 1942, protagonizada junto al niño prodigio del momento, Mickey Rooney, en donde Esther realiza un pequeño papel. 

Dos años más tarde haría su espectacular entrada como gran estrella con la película de la que me hablaba mi madre, Escuela de sirenas, de George Sidney, un musical de la Metro, donde colaboraba el músico Xavier Cugat y su orquesta, el barítono colombiano Carlos Julio Ramírez y el comediante Red Skelton. 

A partir de esta película recibiría el sobrenombre de «Sirena de América», ocurrencia de su compañero de la Metro Clark Gable. 

Su estrella creció de tal modo que se creó un subgénero dentro del musical, el musical acuático, especialmente para ella. 

A las órdenes del prolífico director Richard Thorpe, protagonizaría Juego de pasiones, Fiesta brave, junto a Ricardo Montalbán, John Carroll, Fortunio Bonanova y Cyd Charisse; y, En una isla contigo, también junto a Ricardo Montalbán, y con Jimmy Durante, Peter Lawford y Xavier Cugat y su orquesta.

Llama la atención la cantidad de artistas hispanos con los que trabajó y se vinculó toda la vida, aunque en 1945 se casó con Ben Gage, de cuya unión nacieron sus tres hijos, Benjamin, Kendrall y Susan. Se divorciaron en 1959. Otro hispano llegaría a su vida, Fernando Lamas, el padre de Lorenzo Lamas. 

En 1949 finalizaría la década con La hija de Neptuno - que lleva precisamente el título de la película que asume representar en la película que he visto , La primera sirena, también del director de la misma-  de Edward Buzzell. Junto a Escuela de sirenas,  La hija de Neptuno se convirtió en un gran éxito  siendo las más relevantes de los 18 películas que había rodado hasta el momento en Hollywood. 

A inicios de los cincuenta rodaría Serenata en el valle del sol de Robert Z. Leonard, y La primera sirena de Mervyn LeRoy  -donde compartía protagonismo con Victor Mature- y que es la película que he visto. 

Esta película lleva en inglés el título de Million Dollar Mermaid, aunque en España se tituló La primera sirena. La película se estrenó el 4 de diciembre de 1952 en el famoso Radio City Music Hall de Nueva York y antes de terminar el año había estableció un récord: una recaudación bruta de 184 000 dólares en una única sala. Fue otro gran éxito para la actriz y un buen negocio para la MGM. Esto les empujó a hacer una secuela, pero el proyecto nunca se llevó a cabo. 

La primera sirena cuenta la vida de Annette Kellerman, la estrella australiana de la natación sincronizada. Para llevarla al cine se contó con el director Mervyn LeRoy, que había dirigido películas míticas como Mujercitas y Quo Vadis? 

Los estudios y, especialmente, el productor Arthur Hornblow Jr. , apostaron , gracias a su buen presupuesto de $2,642,000, por un equipo de grandes profesionales: el guionista Everett Freeman, el músico Adolph Deutsch, el coreógrafo Busby Berkeley y el director de fotografía George J. Folsey, que recibió una nominación al Oscar. 

Como actores y actrices, además de Esther Williams como Annette, y Victor Mature como James Sullivan, Walter Pidgeon como Frederick Kellerman, David Brian como Alfred Harper, Donna Corcoran como la joven Annette de 10 años, Jesse White como Doc Cronnol y Maria Tallchief - bailarina del Ballet de Nueva York- como Paulova. 

La película comienza con el recuerdo del desaparecido teatro del hipódromo de Nueva York, lugar en el que trabajaron grandes artistas como Houdini, Pavlova, Sousa, Marcelino el payaso y por supuesto Annette Kellerman. 

La película sigue la vida y las peripecias de Annette, una niña australiana afectada por la polio, nacida en Sydney, que está enferma y que , a espaldas de su padre (Walter Pidgeon), profesor de música que tiene una Conservatorio Privado- vamos, una escuela de música- que adora la música y la danza, pero que no puede dada su limitación física , se dedica a nadar a espaldas de su padre, que cuando lo descubre le apoya totalmente. Desde ese momento la chica se recupera y comienza a compaginar sus dos pasiones, la natación y el ballet. 

Pero mientras ella va ganando todos los campeonatos amateur que se presenta, siendo campeona de Nueva Gales del Sur, su padre ve como va perdiendo clientela, ante lo que decide junto a su hija, aceptar un trabajo en Londres.

Mientras va a Europa en barco coincide con un estadounidense de origen irlandés, James Sullivan (Víctor Mature), que viaja junto a su socio Doc Cronnol (Jesse White), y quienes se llevan a Londres un canguro boxeador llamado Sydney. El como promotor anima a la chica a unirse a un espectáculo ideado rápidamente por él en el barco. La propuesta tanto a ella como al padre le parece un disparate.

Cuando llegan a Londres el padre descubre que el puesto de profesor ya es inexistente, pues el conservatorio está cerrado. 

Tras vender ella sus únicas pertenencias, sus trofeos obtenidos en Australia, vuelve a encontrarse con Jimmy a quien tampoco el negocio con el canguro le va muy bien, y quien le sugiere propone a Annette, como técnica de publicidad, que realice a nado la seis millas que separan desde el centro de la ciudad hasta Greenwich. Pero ella se ofrece a nadar 26 millas. Se corre la voz sobre la hazaña de Annette que al ser noticia revelándose como un prodigio de la natación. 

De Londres saltará a Estados Unidos. Jimmy sugiere que pueden hacer una fortuna yendo a Nueva York y apareciendo en un ballet acuático en el mítico Teatro del Hipódromo. El gerente del mismo, Alfred Harper (David Brian) no les ofrece trabajo en el programa. 

Ante esto el grupo decide ir a Boston. Annette en las playas de la decente - e hipócrita- Boston decide hacer una prueba a distancia, pero como lleva un bañador adaptado a la natación su baño acaba en un escándalo público, siendo incluso detenida. Todo acaba en un juicio que será muy publicitado. En el mismo se habla del traje de una pieza demasiado revelador para su época, pero al dar ella una solución sale absuelta. 

El espectáculo diseñado por James en la ciudad se convierte en un éxito. Allí su carrera subirá como la espuma, aunque tendrá que lidiar con los problemas amorosos y el dolor, físico y emocional y tendrá que superar sus dificultades y debilidades y sus propios retos. No obstante ante la llegada de una oferta, ella y Jimmy tienen un malentendido y se separan. 

Ella marcha a Nueva York, donde el empresario Harper cambia de opinión y convierte a Annette en la cabeza de cartel de su espectáculo en Nueva York, junto a la bailarina Pavlova o el Payaso Marcelino. Además del éxito de sus coreografías el padre es contratado para dirigir la orquesta. Pero en una de las sesiones Fredericks muere de un infarto. Ella queda desolada. 

Mientras James sigue como buscavidas. Tras salir de Boston, había marchado a Florida con un aviador, pero tras el fracaso de ´ste busca en el mundo de la avición un hueco para sus empresas. Un día recibe la visita de Doc Cronnol que teme por su amigo James. Por eso viaja a Montauk a instancias de Doc para intentar disuadir a Jimmy de participar en una carrera aérea con un premio de 50.000 dólares. Pero ni el encuentra va bien, aunque descubre que James compró un anillo de matrimonio en Boston para ella. Sin embargo, la travesía tampoco va bien. 

Conforme pasa el tiempo, Harper se enamora de Annette. A ella , gracias a sus espectáculos le llueven las ofertas. Una de ellas para hacer cine en Hollywood. Mientras ella viaja a Hollywood para hacer una película, aparecen Jimmy y Doc, vendiendo mantas de nativos americanos, pero también promocionando un perro llamado Rin Tin Tin que esperan protagonizar algunas películas en la meca del cine. 

Tras llegar a Hollywood comienza su actividad. Cuando acabe se casará con Harper. están rodando La hija de Neptuno, pero en la última escena, la principal, en la que ella ha de introducirse tras un salto en un gran tanque de agua, este estalla durante el rodaje. Annette sufre una grave lesión: un hematoma espinal. 

Con su futuro en duda, Harper se hace a un lado cuando ve por sí mismo lo enamorados que están Annette y Jimmy. Y mientras se besan, la película, acaba. 

Se cuenta que la actriz Virginia Mayo también estuvo interesada en el papel de Annette, pero lo cierto es que en 1947, se informó que Esther Williams quería que MGM comprara los derechos de la historia de vida de Annette Kellerman como vehículo para ella. 

La auténtica Annette Kellerman no tenía un buen concepto de la MGM. La razón estaba en que Kellerman no estaba contenta de que MGM hubiera cambiado mucho su película Neptune's Daughter cuando la rehicieron como un vehículo de Esther Williams. "Lloré tanto por eso que en ese momento nunca hubiera aceptado dejarles hacer la historia de mi vida". pero cuando conoció a la nadadora se implicó de lleno. "Me di cuenta de que ella realmente quería hacer la historia de mi vida. Nunca hubiera pensado en ella para el papel. ¡Creo que es demasiado glamurosa para el papel! Creo que, de verdad, es demasiado hermosa. Preferiría haber visto a Metro-Goldwyn-Mayer elegir a una nueva actriz, tal vez una chica australiana, en el parte. No creas que me estoy quejando", dijo. 

Williams llevó a Kellerman a conocer a los ejecutivos de los estudios MGM y les presentó el proyecto. Ella dice que no recibió respuesta del estudio durante varios meses hasta que leyó un artículo en los periódicos comerciales que decía que se estaba haciendo la película. 

En febrero de 1951, se anunció que MGM había firmado un acuerdo con Kellerman para hacer una película basada en su vida. Originalmente se llamaba The One Piece Suit. Arthur Hornblow Jr. fue asignado para producir. "La señorita Kellerman es una mujer encantadora", dijo Williams. "Y todavía tiene muy buena salud y figura. Era una personalidad teatral famosa e hizo varias películas sensacionales para su época. Creo que su vida será un excelente tema para mí". "Todavía puedo defenderme de Esther del cuello para abajo", dijo Kellerman."Desde el cuello para arriba, creo que es demasiado glamorosa para el papel. Creo que, realmente, es demasiado hermosa". 

A Kellerman le agradaba Hornblow. "Él es el hombre que encuentra vida y drama en las cosas simples, y esa es realmente mi historia. En los dos años previos a que empezáramos a trabajar... revisé media docena de guiones, los cuales rechacé todos porque simplemente "Quería que fuera una historia romántica glamorosa, típicamente de Hollywood. Pensé que eran tontas e indignas". Antes de filmar, Kellerman dice que escribió el esquema del guion que iba a utilizar MGM. "Insistí en el derecho a editar el guión, porque no quería que Hollywood hiciera un desastre con mi historia. Mi vida ha sido hermosa y no quería que hicieran nada que la hiciera parecer barata en cualquier sentido." 

Otro de los puntos difíciles fue la elección del actor para interpretar a Jimmy. Anette quería a Glenn Ford. "Es lo más cercano que se me ocurre a mi querido esposo: no demasiado glamuroso". Pero no lo logró. La MGM apostó por Victor Mature, que estaba en la cima del éxito tras hacer Sansón y Dalila. Kellerman dijo más tarde que pensaba que la representación de Sullivan en la película era "la antítesis" del personaje en la vida real (lo llamó un hombre "tranquilo y sin pretensiones" que "nunca hizo nada barato"). Dijo que sus amigos se burlarían del verdadero Sullivan sobre el casting de Mature y lo saludarían con "Aquí viene Samson". 

Louis Calhern iba a interpretar al padre de Kellerman, pero, finalmente, el papel fue para Walter Pidgeon. El casting de Pidgeon deleitó a Kellerman, quien dijo que "tenía ganas de besarlo" cuando vio las primeras imágenes de él en la pantalla. 

Hubo momentos muy tensos en el rodaje. En una de las secuencias Esther Williams se rompió el cuello tras hacer uno de sus famosos saltos. Años más tarde, la actriz escribió sus memorias y contó lo que pasó ese día. "Cuando estaba subida a la plataforma me sentí desorientada, porque había sufrido la rotura del tímpano hasta en siete ocasiones. Cuando entré en el agua noté la pesadez del tocado y supe que tendría problemas. Y así fue, al caer al agua noté cómo mi cuello crujía. Cuando logré emerger a la superficie podía mover las piernas, pero la parte superior de mi cuerpo estaba paralizado y tuvieron que ayudarme para salir del agua. Horas más tarde me hicieron una radiografía y esta reveló que tenía tres vértebras rotas. Pude haberme quedado parapléjica!". 

Curiosamente, el libro de memorias se titula Million Dollar Mermaid, que era el apodo que Esther Williams tenía en Hollywood. No cabe duda: a pesar del susto, era su película favorita. 

Después del estreno de la película, se informó que Mervyn Le Roy se reunió con Kellerman para discutir una secuela, que cubriría la carrera de Kellerman como estrella de cine y su trabajo para la Cruz Roja en tiempos de guerra. Sin embargo, no se hizo ninguna secuela. 

Señalaba Terenci Moix en su libro la gran historia del cine que muchos de los títulos producidos por la Metro no llegaron a España y a veces a Europa a causa de las dificultades de exhibición que el musical siempre ha encontrado fuera de los ámbitos de lengua inglesa. Incluso los de la más popular de las actrices en el extranjero como Esther Williams quedaron en gran medida aparcados.

Los títulos de Esther se recuerdan con simpatía en especial los que llegaron a tiempo para aportar colores luz y ensueño al agresora de la posguerra. En este sentido poseen un valor sociológico de gran peso y sobrepasan sin duda sus propios méritos. Estos se limitan a la espectacularidad de los inevitables números acuáticos coma colofón de argumentos a menudos endebles donde se explota hasta la saciedad la fórmula chico busca chica sazonada con la intervención de cómicos de muy escasos vuelos, ya postura y simpatía arrugada en taquilla.

Excepción del extravagante número en el hipódromo en la primera sirena firmado por Busby Berkeley , las películas de Esther Williams tenían poco que ver con el musical moderno: era un super espectáculo llevado a sus últimas consecuencias. Todavía eran perlas desprendida de la ya vetusta corona de Ziegfield. 

La siguiente película se tituló Dangerous When Wet (Peligrosa cuando se moja), de Charles Walters, en una increíble escena acuática junto a Tom y Jerry; y La preferida de Neptuno de George Sidney. 

Estos papeles la encasillaron en papeles relacionados con la natación y no podía salirse de ellos. Williams deseaba tener papeles de corte dramático. pero el público de entonces no asimilaba a Esther Williams actuando en ellos. Esta es la última etapa de su carrera profesional. 

A mediados de la década de los cincuenta su estrellato empezó a declinar y rompió su contrato con la Metro y comenzó una carrera como actriz independiente, en la que no recuperó el éxito pasado; de esta época destacan sus películas Sombras de la noche, de Harry Keller, Momento inesperado, película de corte dramático, junto a George Nader, John Saxon, Edward Andrews y Edward Platt, El gran espectáculo, de James B. Clark, con Cliff Robertson como coprotagonista. 

Pero el público no valoró ese gesto y su fama se trasladó a la prensa del corazón, sobre todo tras su boda , la tercera, con el actor argentino Fernando Lamas. Como ella misma contó, fue el actor quien la empujó a dejar el cine y estuvo casada hasta la muerte del galán en 1982. 

Durante años su nombre fue un reclamo comercial para vender piscinas con marca registrada de su nombre, trajes de baño y una línea de productos relacionados con la natación, deporte que practicó hasta los últimos años de su vida. 

Tras la muerte de Lamas estuvo unos años viviendo sola, cuidada por sus tres hijos, y en 1994 celebró su cuarta boda, fue con Edward Bell. Williams siguió practicando la natación hasta los 90 años de edad. Fue una de más hermosas estrellas de Hollywood de todos los tiempos. Llegó a decir que " Nadar es el único deporte que puedes practicar desde tu primer baño hasta el último de tu vida y sin lesiones ". Murió en junio de 2013, cuando tenía 91 años. 

Hostiles

Película del año 2017. Un western con sabor a western y corte casi clásico, cuyo título original en inglés y en castellano es el mismo, Hostiles, y que dirige escribe y produce Scott Cooper, junto a Ken Kao y John Lesher por medio de las productoras Waypoint Entertainment, Le Grisbi Productions y Bloom Media contando con un presupuesto de 39 millones de dólares.

La película cuenta con Christian Bale como Blocker, Rosamund Pike como Rosalee Blake, Jesse Plemons como Rudi Kidder, Peter Mullan como el Coronel Ross MacCowan, Rory Cochrane como Thomas Metz , Bill Camp como el periodista Jeremias Wilks, Stephen Lang como el Coronel Abraham Biggs , o los actores nativos americanos como Adam Beach como Black Hawk, O' orianka Kilcher la mujer del anterior y Wes Studi como el jefe Yellow Hawk. Aparecen igualmente en papeles menores Timothée Chalamet como Phillipe Dejardin, Scott Wilson como Cyros Lounde, en ranchero de Montana y Ben Fosters como el Sargento Wills. 

La película comienza con una frase que de alguna manera va a condicionar todo lo que vamos a ver a partir de ese momento. La frase dice lo siguiente el alma americana esencial es dura, algo aparte, estoy acá y asesina. Aún no se ha rendido nunca". Con estas palabras de DH Lawrence comienza el filme. 

Estamos en Nuevo México, en 1892. Casi de inmediato la siguiente escena es desde la perspectiva de un grupo de comanches que se van acercando lentamente a una casa instalada en mitad de un prado en ella hay en el exterior de una casa de madera un hombre cortando leña mientras que en el interior una mujer, Rosalee Quaid, y se dedica a impartir clase a sus dos hijas mientras tienen su regazo a su pequeño hijo.

Casi de inmediato el grupo de comanches atacan la vivienda resultando del ataque la muerte del colono de las dos hijas y la persecución por un bosque cercano de la mujer y de su hijo que lleva sin darse cuenta de que el mismo ha sido alcanzado por los disparos. Rosalee escapa escondiéndose debajo de un afloramiento rocoso. 

En Fort Berringer conocemos al protagonista es el capitán del ejército Joseph J. Blocker ( Christian Bale), un eficiente militar cumplidor de las normas pero con un brutal pasado ligado a la extrema violencia y especialmente con un profundo odio a los indios. 

Su superior le lee la orden de que el presidente Harrison ordena al ejército estadounidense Joseph Blocker, que pronto se retirará, que escolte al jefe de guerra cheyenne, Yellow Hawk, enfermo de cáncer, y a cuatro miembros de su familia de regreso a sus tierras tribales en Montana. 

Blocker inicialmente se niega porque él y Yellow Hawk son viejos enemigos de la Gran Guerra Sioux de 1876, pero acepta bajo amenaza de un consejo de guerra y la pérdida de su pensión. 

A pesar de eso se compromete a acompañar a un moribundo jefe cheyenne ( Wes  Studi)  y a su familia de regreso a las tierras tribales en Montana en concreto al valle de los osos lugar sagrado donde el jefe quiere morir.

Blocker parte hacia Montana acompañado por su viejo amigo, el sargento primero. Thomas Metz, un asistente desde hace mucho tiempo, Woodson, el teniente Kidder recién llegado a West Point y un joven soldado llamado Dejardin. 

Nada más salir Blocker impone nuevas condiciones y desafía a Yellow Hawk a una pelea con cuchillos, pero él se niega. 

El grupo pronto se encuentra con la casa de Quaid y con el marido muerto de Rosalee. Dentro de la casa, encuentran a Rosalee traumatizada y a sus hijos fallecidos. 

Después de convencerla , Rosalee acepta unirse a la empresa hasta su próxima escala en Fort Winslow, Colorado. 

Pronto son emboscados por los comanches que matan al joven soldado de origen francés, Dejardin e hieren gravemente a Woodson antes de verse obligados a retirarse. 

Después del ataque, Yellow Hawk convence a Blocker para que lo desencadene a él y a su familia para que puedan ayudar en futuros ataques. Al día siguiente, se descubren tres comanches muertos y Blocker deduce correctamente que Yellow Hawk y su hijo Black Hawk se escabulleron del campamento y los mataron durante la noche. 

En Fort Winslow, el grupo deja a Woodson herido y Blocker hace arreglos para que Rosalee se quede con el comandante del fuerte, pero ella decide permanecer con el grupo. A Blocker se le pide el favoir de llegar al deshonrado sargento Philip Wills para que lo ahorquen por haber desertado de Fort Pierce y asesinado a una familia nativa. Dos miembros del fuerte,  Thomas y el sargento Malloy, se unen a la compañía de Blocker para supervisar a Wills. 

Wills es un viejo conocido de Blocker , sirvió bajo sus órdenes, al igual que él odiaba a los indios. Continuamente se lo irá echando en cara. 

Cerca del campamento, por la noche mientras las mujeres lavan los utensilios usados en la comida, la hija del jefe, Living Woman y Rosalee son secuestradas y violadas por tres comerciantes de pieles. El grupo persigue y mata a los violadores. Malloy muere en la pelea. 

La noche siguiente, Metz se encuentra bajo un aguacero y comienza a expresar culpa por sus acciones pasadas contra los nativos, lo que deja a Blocker preocupado. Pide misericordia al Jefe Yellow Hawk por las acciones pasadas de los nativos antes de regresar a su tienda. 

Mientras tanto, Wills finge estar enfermo, lo que le permite matar a Kidder y escapar. Blocker se despierta cuando Wills mata a Kidder e hiere fatalmente a Wills mientras escapa. Pero Metz, cada vez más deprimido, como sabemos desde el principio de la película, lo persigue contra las órdenes de Blocker. 

Al día siguiente, el grupo encuentra sus cuerpos con Metz todavía con una pistola en la mano tras su aparente suicidio. Rosalee consuela a un bloqueador devastado. Viajan más al norte mientras la condición de Yellow Hawk continúa deteriorándose. 

Blocker hace las paces con el jefe por las dificultades que se han infligido mutuamente a lo largo de los años. Yellow Hawk muere justo cuando el grupo llega a las tierras tribales de Montana, donde es  enterrado. 

Mientras Blocker y otros se preparan para irse, pero en eso llega un ranchero y sus tres hijos llegan, declaran que son dueños de la tierra y ordenan a Blocker y al resto del grupo que se vayan con el cuerpo del jefe. Blocker les informa de las órdenes del presidente, pero lo amenazan a punta de pistola. Blocker se niega y se produce un brutal tiroteo. Black Hawk, Living Woman, Elk Woman y el cabo Thomas son asesinados y enterrados junto al jefe. 

Por su parte, Rosalee decide llevarse al hijo huérfano de Black Hawk, Little Bear, a Chicago. En la estación de tren, la pareja agradece la compañía que se han dado y se despide emotiva de Blocker. Le entrega un regalo a Little Bear: un libro sobre Julio César. Cuando el tren sale, Blocker decide subirse a él. Al contrario que en The Seachers vemos como el tren se aleja , pero Blocker sigue sin entrar mientras el tren se marcha en el horizonte. 

Estamos ante una película del Oeste escrita y dirigida por el cine por el cineasta Scott Cooper que fue director de películas como Black Mass o Corazón rebelde pero que en este caso está basada en el manuscrito de Donald E Stewart. En este caso Cooper decidió volver a contar con Christian Bale con el que ya trabajó en la película La ley del más fuerte.

El rodaje comenzó a finales de julio en Santa Fe, Nuevo México. Ben Foster se incorporó al elenco al comienzo del rodaje. Ryan Bingham, quien también protagoniza la película, escribió e interpretó "How Shall A Sparrow Fly" para la banda sonora. La fotografía fue labor de Masanobu Takayanagi, el montaje de Tom Cross y la música de Max Richter al componer la banda sonora de la película, estrenada por Deutsche Grammophon. 

La cinta se estrenó en el Festival de Cine de Tellidure en 2017 y posteriormente fue al Festival Internacional de Cine de Toronto. 

Después de su estreno mundial en el Festival de Cine de Telluride, Sasha Stone de The Wrap, escribió sobre la reacción del público a la película, diciendo: "Fascinados por la gloriosa narración de Hostiles, algunos miembros de la audiencia de Telluride estallaron en aplausos espontáneos mientras avanzaba hacia su conclusión". Y añade "Christian Bale lidera un gran wéstern americano (...) Finalmente Cooper saca el máximo partido a la excelencia a la que se ha acercado en las buenas películas que ha hecho (...) Espléndida" "

Todd McCarthy de The Hollywood Reporter elogió la película y la actuación de Christian Bale, concluyendo que la película es un "trabajo estimable basado en una sensibilidad fina y una actuación principal juzgada por expertos" Y añade el critico de The Hollywood Reporter que estamos ante "Un wéstern inteligente y triste (...) Una dinámica dramática potente y la profunda inmersión y preocupación del director por su material enriquecen esta visión vívida de los últimos espasmos de los nativos americanos en los 1890." . 

La mayor parte de las críticas a la película se dirigieron a su guionista y director, Scott Cooper. David Ehrlich de IndieWire señaló que "Está menos interesada en decir algo nuevo que en repetir algo viejo (...) El Salvaje Oeste nunca ha tenido un aspecto tan bonito o ha sido tan premonitorio (...) El brillante reparto de Cooper es malgastado con arquetipos generales" 

Y Gregory Ellwood de The Playlist resaltó que "Christian Bale y Rosamund Pike no pueden salvar a un western recargado y con problemas (...) También está el evidente problema de que todo el film tiene la perspectiva de un hombre blanco (o una mujer)." 

William Bibbiani de IGN dijo que Cooper desperdició el talento de sus actores y director de fotografía en una "historia detallada con un mensaje bastante obvio sobre cómo es más difícil ser despreciable con la gente después de conocerla". Continuó diciendo: "Scott Cooper dirige Hostiles con ojo para la 'grandeza', pero el material real simplemente no es lo suficientemente profundo como para justificar la presentación solemne. No es entretenido, no es esclarecedor, ni siquiera es complicado. Es principalmente simplemente un fastidio".

Peter Debruge en Variety, menos generoso, considera que "Cae en los mismos arquetipos unidimensionales, representando a los nativos americanos como salvajes despiadados o como sabios estoicos (...) El film está excepcionalmente bien sintonizado con la complejidad de sus personajes blancos" 

Escribiendo en The Atlantic, David Sims destacó la "fotografía majestuosa" de la película, calificándola de "un western atractivo", pero criticó el guion por "parecer menos interesado en el desarrollo de los personajes" y criticó la "dura e intransigente". " tono de la película, describiendo sus escenas iniciales como "sangrientas, difíciles de ver y con poco diálogo, con Cooper decidido a mostrar un mundo que carece gravemente de empatía". 

Nada lo que se dice nada , le gustó a Chuck Bowen de Slant al decir que la película "Se mueve con un ritmo fúnebre, celebrando implícitamente su lentitud como una seña de integridad. Suceden bastantes cosas, pero es como si no pasara nada (…) 

Por contra, el Congreso Nacional de Indios Americanos (NCAI) elogió a Hostiles por su "auténtica representación de los pueblos nativos" y su interpretación precisa de las lenguas nativas americanas. 

Para los británicos, Peter Bradshaw del The Guardian "La belleza del paisaje y la violencia de sus habitantes humanos se supone que (...) tienen algún sentido. ¿Pero cuál? (...) Un drama defectuoso pero interesante (…) ; y en Screendaily, Allan Hunter comenta que "'Hostiles' requiere paciencia y concentración pero te recompensa con una mirada segura y reflexiva a un pasado cuyo legado todavía se siente en la actualidad."

La película , vemos que, trata de un peligroso viaje a través de Nuevo México Colorado hasta llegar a territorio de Montana y donde tendrán que enfrentarse a las duras condiciones del terreno a las hostiles tribus comanche que se encuentran por el camino dejando víctimas tras ellos, a las órdenes militares que le combinan a llevar a un preso a ser juzgado y condenado a muerte, a unos tramperos violentos capaces de secuestrar a las mujeres del grupo, a la propia división entre sus hombres ya los colonos que no quieren ceder un palmo de tierra. Para mi la película es todo un descubrimiento. Me parece una historia apasionante, medida, respetuosa con el pasado y los personajes y que se mueve por el oeste americanos, unos de los paisajes naturales más espectaculares del plantea. Merece verse, sí o sí. 

La batalla del lago Changjin (II)

La última entrada del pasado año fue la primera entrega de esta película y quedaba culminar el trabajo. Así que aquí está la segunda entrega,  y como empieza la primera entrega, acaba la segunda entrega. A la música épica que se ha desarrollado tanto en la primera parte como en la segunda termina con música melódica. 

Esta segunda entrega de The Battle at Lake Changjin II, también conocida como Water Gate Bridge, se centra en elementos de la batalla que no se vieron en la primera como es la toma del puente de Sumun que era estratégico para los norteamericanos y para los chinos sobre todo para permitir la entrada o salida de soldados. 

Esta segunda entrega comienza con un recordatorio de lo que vimos en la primera. Se trata de un resumen de escenas de La batalla en el lago Changjin, presentando a los personajes principales de esa película y sus acciones anteriores. 

Después de luchar en Sinhung-ni, la 7.ª Compañía del Ejército Voluntario del Pueblo Chino llega a un lugar a 12 kilómetros de Hagaru-ri donde se reúne con elementos del 20.º Cuerpo y el batallón de artillería comandado por el comandante Yang, preparándose para atacar el aeródromo y la 1.ª División de Infantería de Marina estadounidense. base de suministros en Hagaru-ri. 

Lo cierto es que después de luchar en Sinhung-ni y Hagaru-ri, la 7.ª Compañía del Ejército Popular de Voluntarios de China - también conocido como CPV (Chinese People's Volunteers) - tras haber sufrido algunas bajas como vimos en la primera entrega- llega al puente Water Gate en el paso de Funchilin, que protege un punto estratégico en la ruta de retirada de la 1.ª División de Marines estadounidense, y la 7.ª Compañía se involucra en una acción de francotiradores con las fuerzas estadounidenses.

En ese desplazamiento vemos como son atacados por una flotilla que sale del Mar de Japón, donde los Douglas A-1 Skyraiders parten de portaaviones estadounidenses para atacar a las unidades que avanzan hacia Hagaru-ri desde nueve direcciones. Luego, la 7.ª Compañía es ametrallada por los Vought F4U Corsairs de la Armada de los Estados Unidos, pero pasan a un objetivo diferente sin causar bajas. El comandante de la 7.ª Compañía, Wu Qianli, se da cuenta de que los aviones tienen la intención de atacar al batallón de artillería y hace avanzar a sus hombres. 

Mientras una columna del batallón de artillería que avanza en camiones estadounidenses capturados remolcando piezas de artillería es atacada destruyendo todas las armas. La 7.ª Compañía llega a la escena, Yang le dice a Qianli que todas sus armas capturadas han sido destruidas, Qianli le entrega a Yang una pistola y le dice a la 7.ª Compañía que vaya a capturar más armas a 1,5 km de distancia. Luego, Yang reúne a sus hombres para capturar más armas. 

Los de artillería llegan al perímetro estadounidense en Hagaru-ri, y los soldados chinos se arrojaron sobre una valla de alambre de púas para que sus camaradas pudieran saltar sobre sus espaldas para atacar posiciones estadounidenses. 

Las fuerzas incluida la 7.ª Compañía y el batallón de artillería, invaden a los defensores estadounidenses matando a muchos de ellos. Ping He y su grupo se hacen con la artillería capturada para comenzar a bombardear el aeródromo de Hagaru-ri y Qianli recupera su pistola de manos de Yang y mueve su unidad hacia adelante para atacar el aeródromo de Hagaru-ri. 

Se informa al comandante de la 1.ª División de Infantería de Marina, el general de división Oliver P. Smith, que los chinos avanzan en todas las direcciones y avanzan rápidamente. Los estadounidenses evacuan su hospital mientras Smith exige que se mantenga abierta la pista y se le ponga en contacto con Tokio. 

Luego, la escena se traslada a Tokio, donde el general Douglas MacArthur asiste a una celebración. MacArthur recibe una llamada telefónica de Smith quien le informa que el aeródromo de Hagaru-ri está siendo atacado y que carece de tropas para mantener la línea y solicita refuerzos para cubrir su retirada. MacArthur grita "¡Smith, esto es guerra! Retirarse es traición" y ordena a Smith que detenga su retirada. 

En otro punto, Yang es herido por fuego de artillería estadounidense que le destroza la mano, pero solo logra cargar y disparar una pieza de artillería que destruye un arma estadounidense. Los estadounidenses se retiran bajo fuego de artillería mientras la infantería invade Hagaru-ri. Se informa al principal militar chino, Song Shilun, que los marines se están retirando y que la única ruta es cruzar el puente Water Gate. 

Peng ordena a la 7.ª Compañía que se retire de los combates en Hagaru-ri para bloquear la retirada estadounidense en el puente Water Gate o Sumun.Qianli recibe la orden de avanzar hasta el puente Water Gate y destruirlo. 

Mientras en la Casa Blanca, donde el presidente Harry S. Truman recibe un telegrama de MacArthur solicitando el uso de bombas atómicas para ganar la guerra. Una voz en off de una conferencia de prensa del 30 de noviembre hace que Truman evite decir si se utilizarían o no bombas atómicas. La Séptima Compañía avanza hacia el Puente Water Gate. 

La 7.ª Compañía llega al puente y encuentra a la 9.ª Compañía atacando a las fuerzas estadounidenses y se unen al ataque, rescatando a los supervivientes de la 9.ª Compañía, pero finalmente se ven obligados a retirarse. Los bombarderos estadounidenses atacan el área con un efecto mínimo mientras las fuerzas estadounidenses reparan el puente y sus posiciones defensivas. 

Las Compañías 7 y 9 planean un nuevo ataque. Qianli informa a ambas compañías sobre el plan para atacar el puente desde cuatro direcciones diferentes. Qianli le dice a Wanli que corra libre demostrando que se ha ganado su confianza. Las compañías saludan al sol mirando al norte, hacia China, y recitan "Viva la República Popular China" antes de dividirse para el ataque. 

Desde ese momento hasta el final de la película vemos un toma y daca entre militares de los dos países. Se van produciendo muchísimas bajas por ambos bandos. Los americanos resisten al igual que el puente, y los voluntarios del ejército chino se retiran puntualmente. Mientras los protagonistas de los dos entregas irán cayendo. Es el caso de Yu Congrong, que muere como un héroe sacrificando su propia vida por el grupo, como ocurre con otros muchos soldados que saltan sobre granadas o no abandonan a sus compañeros heridos. 

Los mismo Wanli y Qianli son heridos mortalmente en apariencia. Ante el fugo de un lanzallamas Wanli recupera la conciencia por el calor del cuerpo en llamas de Qianli, que ha muerto como un héroe. 

Por su parte, las tropas estadounidenses colocan los tramos del puente y los vehículos comienzan a cruzar el Puente de Sumun, pues se dirigen a la evacuación de Hungnam el 24 de diciembre, donde las fuerzas estadounidenses descritas como el "Décimo Ejército" se preparan para destruir las líneas ferroviarias y los suministros que no pueden ser evacuados. Tras ellos los chinos van pasando el puente hacia Hungnam, y descubrimos que Wanli es el único superviviente perteneciente a la 7ª Compañía. 

En Hungnam, cargas de demolición explotan por toda la ciudad mientras las tropas estadounidenses, sombrías y heridas, observan desde los barcos mientras se alejan. Finalmente las tropas chinas llegan a las ruinas de Hungnam el 25 de diciembre, llegando a la playa donde ondean banderas rojas y vitorean. 

Desde una montaña, la máxima autoridad militar china, Song contempla el lago Changjin, se quita la gorra y hace una reverencia mientras otros oficiales saludan. Wanli toma un puñado de tierra y lo envuelve en tela. En una zona de retaguardia, los comandantes de las compañías informan de sus pérdidas, entre el batallón de artillería sólo 107 de 221 se presentan al servicio, mientras que Wanli informa que de los 157 soldados de la 7ª Compañía sólo uno se presenta al servicio. Song se detiene y mira solemnemente a Wanli y ordena que traigan una bandera. Song le pregunta a Wanli si desea algo, Wanli responde que quiere restaurar la Séptima Compañía. Song le presenta a Wanli una bandera y lo saluda. Luego se muestra la bandera ondeando mientras Wanli sostiene una urna que contiene las cenizas de Qianli. Wanli se imagina a Qianli preguntándole sobre cómo lanzar piedras sobre el agua y luego regresa a la aldea de su familia, acabando así la película. 

En esta entrega se pone fin a alguna de las historias de los soldados de la séptima compañía que no habían sido desarrolladas en la primera parte y sobre todo la historia de los dos hermanos, los Wu, Wu Qianli y Wu Wanli, así como sus compañeros Yu Congrong, Mei Sheng , Tan Ziwei, así como el grupo de amigos que formaban parte de esta séptima compañía que finalmente queda reducida a un hombre precisamente el hermano menor del protagonista.

Estéticamente está dominada por la pirotecnia y las coreografías que pudimos ver en la primera entrega aunque en este caso el trio de directores que asumió la primera: Chen Kaige, Tsui Hark y Dante Lam , aunque en la película ahora se atribuye esta segunda entrega a Tsui Hark, director de dos de las entregas de Erase una vez en China - la 2 y la 3- , Dragones gemelos, Viaje al Oeste 2 : los demonios contraatacan y La sirena .

En esta segunda batalla de la Guerra nos encontramos la importancia que tuvo la séptima compañía de infantería para la toma y destrucción del puente de Sumun.

Los soldados sufren una dura marcha hacia su objetivo llegando al límite de su fuerzas en medio de un clima hostil. Su lucha en el puente marcará su destino.

El intento del general MacArthur devolver a lanzar una bomba atómica en la zona para poner fin a la ofensiva China no tiene éxito dada la oposición de la ONU aunque el general queda tan mal parado que ni Truman le da opción alguna. 

En el reparto volvemos a encontrarnos con Wu King, Jackson Yee y Duan Yihong, apareciendo igualmente Zhang Hanyu, Zhu Yawen, Li Chen, Hui Jun y Michael Koltes. 

The Battle at Lake Changjin II contó con el mismo equipo de producción a cargo de Yu Dong, el mismo diseño de producción en manos de Heping Zhang, con los guionistas Huang Jianxin y Lan Xiaolong, la música épica de Elliot Leung, la fotografía de Pan Luo y Peter Pau y los muchos efectos especiales Huatang Yuan.

Esta segunda película se filmó consecutivamente con la película anterior The Battle at Lake Changjin a principios de 2021. 

Según el presidente y productor de Bona Film Group, Yu Dong, la película "completaría la historia de la 7.ª Compañía y haría ver a la gente por qué se les llama la '7.ª Compañía de acero'. Volvieron a participar August First Film Studio, Alibaba Pictures, Shanghai Film Group y Huaxia Film Distribution. 

La película, al igual que la primera, sigue conmemorando el centenario del Partido Comunista Chino, estuvo a cargo de la oficina de cine del Departamento de Publicidad del Partido Comunista de China y se basa en los combates históricos en el paso de Funchilin durante la batalla del embalse de Chosin en la Guerra de Corea.

La mayor parte de la película se rodó a principios de 2021 con dos equipos, que rodaron durante un total combinado de 210 días. Algunas escenas se volvieron a filmar en Hengdian World Studios a finales de 2021.

La película usa muchos efectos especiales, incluyendo millones de RMB de arena blanca que fue transportada a Hengdian para usarla como nieve falsa. Los actores también usaron maquillaje especial para simular la congelación en los rostros de los personajes. 

El actor Wu Jing dijo que las escenas de combate en esta película fueron más difíciles que en la película anterior. 

El productor Yu Dong sugirió en una entrevista que la productora podría lanzar una versión del director de seis horas que combine material de The Battle at Lake Changjin y su secuela La película se estrenó el 1 de febrero de 2022 (Año Nuevo chino) recaudando cerca de $700 millones en todo el mundo siendo una de las más taquilleras de 2022  

Según la crítica norteamericana la película es propaganda pura. Scott Mendelson de Forbes calificó la película como una "película de 'acción justa'" y dijo que era patriótica pero "no del todo nacionalista ni terriblemente patriotera". 

A parir la ponen otros dos críticos como Peter Bradshaw en las páginas del británico The Guardian cuando escribe que "Con su guion rígido y un tono serio, la epopeya bélica china de Tsui Hark, autorizada por el gobierno, no conquistará muchos corazones ni mentes (...)" 

Por su parte, James Marsh del South China Morning Post dice de ella que "La escasa caracterización de la película original es prácticamente inexistente aquí, y los coreanos, tanto del norte como del sur, vuelven a ser borrados de su propia guerra (...)" 

Por último, Rebecca Davis de Foreign Policy describió la película como propaganda que "ensalza las virtudes de sacrificarse por el Partido Comunista Chino". Además, describió la película como "laboriosa, dura y sermoneadora", y que aunque la película "retrata al general estadounidense Douglas MacArthur como un patán hambriento de guerra nuclear y pasa la mayor parte de sus dos años y medio en de una hora masacrando estadounidenses", su tema "es el sufrimiento de las tropas chinas, no el puro antiamericanismo".

Por mi parte decir que la película es más de lo mismo. Buenos efectos especiales, pirotecnia a todo trapo, buenas coreografías y mucha, mucha propaganda, normal, si sabes quién está detrás de la misma, al fin y al cabo ellos son los que pagan, y quien paga, elige. Pues ya está.

Los hermanos Marx en el oeste

Considerada una película menor dentro de todas las que realizaron los hermanos Marx- fue su décima película y estrenada en diciembre de 1940-  yo la considero una auténtica genialidad. Es la segunda vez que la veo y algunos de los sketch que aparecen me resultan geniales. No es solo ya el mítico grito de "más madera" sino es toda la historia de principio a fin. Es una muestra certera de la locura generalizada y caótica que tanto gustaba a los hermanos Marx.

En este caso Groucho asume el papel de San Quentin Quale, un hombre del este que quiere ir a hacer negocios al oeste. Junto a él aparecen Chico y Harpo como los hermanos Panello, Joe (Chico) y Rusty o Ricitos (Harpo). Y junto a ellos el resto de protagonistas como son John Carroll (Terry Turner), Diana Lewis (Eve Wilson) Walter Wolf King (Bercher) Robert Barrat (Red Baxter) June MacCloy (Lulubelle) y George Lessey (Presidente de la Compañía de Trenes). Por su ausencia destacan la falta de Zeppo y Margaret Dumont. 

Se trata de una película del año 1940 dirigida Edward Buzzell realizada para la Metro Goldwyn Mayer con Jack Cummings en la producción. La historia parte de un escrito original de Irving Brecher, - tanto el director como el guionista habían trabajado junto a los Hermanos Marx en la anterior película -At the Circus o Una tarde en el Circo- , contando ahora un mayor presupuesto, y con un programa musical en el que están presentes algunas canciones escritas por Bronislau Kaper, Gus Kahn y Roger Edens , así como Charles Wakefield Cadman contando con la dirección musical de Georgie Stoll y la orquestación de George Bassman. Entre las canciones destacan "You Can't Argue With Love", "From the Land of the Sky-Blue Water" y "Ridin' The Range". 

El director de fotografía es Leonard Smith, siendo Cedric Gibbons el director artístico, Blanchet Sewell la responsable de la edición, Edwin B. Willis responsable de la decoración y los responsables del vestuario fueron Dolly Tree y Gile Steele. 

Estamos en 1870. Un hombre, un timador, habituado en los desfalcos viaja al oeste para obtener fortuna. Se trata de S. Quentin Quale y se dirige al oeste en busca de fortuna, pero le faltan diez dólares para un billete de tren. En la estación de tren se encuentra con dos astutos hermanos cegados por la fiebre del oro. Son los hermanos Joseph y Rusty Panello e intenta estafar su dinero, pues únicamente tienen 10 dólares. Pero como los dos también son estafadores, logran estafar el dinero de Quale. Así pues los hermanos Panello se dirigen al Oeste a hacer fortuna. 

Los Panello logran marchar al Oeste . Allí se hacen amigo de un viejo buscador de oro llamado Dan Wilson, cuya propiedad casi sin valor, Dead Man's Gulch o Cañada del Muerto, no tiene oro. Los Panello le prestan a Wilson sus últimos diez dólares para una participación y él insiste en darles la escritura de Gulch como garantía. 

Sin que el viejo Wilson lo sepa, Terry Turner, hijo de su antiguo rival y novio de su nieta Eve, ha viajado a Nueva York para persuadir al Ferrocarril de que compre Dead Man's Gulch a Dan Wilson. Terry convence a los funcionarios del ferrocarril de que el barranco, escriturado por Wilson, es la única ruta práctica a través de las montañas hacia el oeste. El ferrocarril acepta comprar la propiedad, enriqueciendo así al titular de la escritura. Ahora sin saberlo, los Panello son los titulares de una mina sin valor pero cuyo terreno es muy codiciado por una compañía de ferrocarriles. 

Sin saberlo, los Panello se dirigen a una ciudad del oeste, Cripple Creek , y allí usan la escritura de Dead Man´s Gulch como pagaré para poder pagarse una jarra de cerveza convencidos de que ese documento no vale nada. 

Mientras tanto, al Oeste, aunque por mitad del desierto y caminando descubrimos a Quale que para una dikligencia. Al entrar vemos que en la mismas hay un par de señoritas, una con un crio, y dos usuarios más que resultan ser los Panello. Allí uno y otros se reconocen. Al saber lo del documento Quale intenta estafar a los Panello para quitarles la escritura. Y quiere con ella engañar igualmente al corrupto ejecutivo ferroviario John Beecher así como al turbio propietario de una taberna "Red" Baxter quienes, con artimañas, logran robarle la escritura a Quale. Sin ella, y humillados tanto Quale como los hermanos Panello ayudan a la joven pareja formada por Terry y Eve a recuperar la escritura, ya que la nieta de Wilson, Eva (Diana Lewis) proyecta casarse con Terry Turner (John Carroll) y necesita dinero, por lo que quiere vender la cañada a la Cia. del ferrocarril. Pide ayuda a Quentin, Joe y "Rusty" para rescatar la escritura y entregarla a los funcionarios del ferrocarril en Nueva York. 

Así que han de volver al saloom, entrar en la vivienda de los malvados, abrir su caja fuerte sin ser descubiertos por las chicas , entre otras la amante de Red Baxter, la bella - y malvada- Lulubelle y sus amigas y finalmente, ir a encontrase con los empresarios del ferrocarril, no sin antes haber pasado por un campamento indio y hacerse con un ferrocarril de la compañía. 

El final glorioso desde el tren a la llegada cuando Harpo quiere clavar el clavo y golpea con el mazo al presidente del ferrocarril. 

Estamos ante otra divertidísima comedia con 22 escenas de los hermanos Marx con inolvidables gags que gustan parodiar los western y el enorme éxito que en ese momento tenían. Los gags son continuos y entre ellos destacan la delirante escena inicial del timo mutuo en la estación, el uso de un enorme sombrero por parte de "Ricitos" o como los intercambia en la diligencia, el paseo de Eva, Terry y los Marx cantando, el enfretamiento a muerte de Baxter y Harpo, el encuentro de los Marx con tres señoritas sureñas con sus brindis con las chicas por Carolina del Sur, Mississippi y Lousiana, los gags del falso duelo de pistolas en el saloon o la experiencia en el campamento de los pieles rojas, o el delirante e inolvidable fragmento del desguace del tren para alimentar la pared la caldera al grito de más madera.

Los gags y las escenas del ferrocarril tuvieron como asesor fundamental a Buster Keaton, quien aportó su experiencia previamente adquirida durante el rodaje de El maquinista de la General, cuya influencia se hace notar en esta película de los Marx. 

La película contiene frases míticas que se han hecho célebres: "Le doy mi palabra de tramposo de que estaré de vuelta en dos minutos", cuando al llegar al saloon Groucho le pide a una chica "¡Coñac, coñac!. El agua me irrita la garganta" o le dice a otra "No piense mal de mí, señorita. Mi interés por usted es puramente sexual" , u otras como "El Oeste no me gusta: no hacen más que matarse unos a otros. Me gustaría el Oeste si estuviera en el Este", cuando Chico traduce del indio a Groucho "Ha dicho que van a someternos a un juicio justo y después nos matarán", la mítica "Más madera, es la guerra" , o pequeños detalles en los gags como el de la india que desprecia un collar y pide un Cadillac Sedán, la referencia al rompecorazones Clark Gable, o expresiones ante la petición de Chico que llamar por teléfono a las autoridades denunciando el robo del documento y la respuesta de Groucho: "Estamos en 1870 y Bell todavía no ha inventado el teléfono".

La obra parodia los westerns y el éxito que tenían, pero lo hace desde la diversión y la inteligencia, también desde el absurdo y el caos que trasmiten el marxismo marca de la casa. 

Como todas las demás películas de MGM de los hermanos Marx, Go West tiene varios números musicales, entre ellos "You Can't Argue with Love" de Bronislau Kaper y Gus Kahn, "Ridin' the Range" de Roger Edens y Gus Kahn, "From the Land of the Sky-Blue Water" de Charles Wakefield Cadman y "The Woodpecker Song" de Harold Adamson y Eldo di Lazzaro. (En esta canción, Chico, destaca tocando el piano, hace rodar una naranja sobre las teclas en sincronía con la melodía). Harpo maneja magistralmente los silbidos así como el harpa construida con un arco indio.

Al igual que con Una noche en la ópera y Un día en las carreras, los Marx interpretaron escenas de comedia clave de Go West en vivo en el escenario en una gira previa al rodaje. Esta gira fue mucho más corta que la de las dos primeras películas y duró tres semanas. 

Groucho tenía 49 años durante el rodaje de Go West y la línea del cabello había comenzado a retroceder. Como tal, volvió a usar un peluquín durante toda la película, como lo hizo en la película anterior, At the Circus. 

Algunas de las escenas exteriores del ferrocarril se filmaron en Sierra Railroad en el condado de Tuolumne, California. 

La crítica de la época valoró bien la película. Thomas M. Pryor de The New York Times escribió sobre la película que era "un espectáculo de ritmo desigual" con "sólo una secuencia realmente divertida", refiriéndose al clímax. 

Variety publicó que "Los tres hermanos Marx recorren un alegre sendero de risas y burlesque en una rápida aventura a través del país de artemisa", y agregó que la película tenía "muchas situaciones nuevas para las travesuras marxistas". 

Harrison's Reports escribió que era "mucho mejor que sus dos últimas películas" y que los veinte minutos finales "deberían emocionar y divertir a los espectadores" 

John Mosher de The New Yorker escribió: "Posiblemente no sea el producto marxista más vigoroso que hayamos visto; sin embargo, la película es muy satisfactoria y bastante lunática".

Ya en España, en la revista Fotogramas se dice de ella que era "Un vehículo para la disparatada familia Marx que se articula como una parodia de las constantes del western. Pese a contar con un guión bastante sólido, su desarrollo es algo irregular. Sus altibajos desaparecerán en la larga secuencia final del tren, que se convierte en uno de los momentos más brillantes de la historia del cine cómico en general y de la obra de los Marx en particular". 

Por todo lo que ya he comentado me parece una película genial, puede a seto se sume que adoro el western,  y saber parodiarlo, además de sabio e inteligente, es todo un arte. como años más tarde, sabróa hacer Mel Brooks en sus "Sillas de montar calientes". Además a los Hermanos Marx aún le quedaban cosas por contar. Realizarían en el futuro tres películas más.

Encuentro en la noche (revisión de Clash by night)

Clash by night de Fritz Lang , vista y comentada el pasado año en esta entrada, aunque con otro título, Tempestad de pasiones, procede de obra teatral de Clifford Odets. Contiene unos diálogos soberbios entre todos, pero destacan los entre Stanwyck y Ryan, pero es estéticamente puro cine negro y fue una de las favoritas del propio Fritz Lang. 

Se considera uno de los mejores dramas pasionales, por momentos tórrido, violento, llenos de amargura, amores prohibidos, dilemas morales, corazones rotos, insatisfacción, promesas y sueños incumplidos con unos personajes a vueltas de todo que luchan por abandonar la soledad a cualquier precio. Seres humanos arrastrados por sus sentimientos. 

La película cuenta con una Barbara Stanwyck como siempre genial y Mariyn Monroe espectacular, Robert Ryan , imponente y Paul Douglas en el trabajo de su vida interpretando a uno de los mejores hombres buenos que ha dado el cine. 

Fausto Fernández escribió sobre ella señalando que "De cuando una bisoña Marilyn Monroe orbitó el drama adúltero y fatalista entre Barbara Stanwyck y Robert Ryan en un Fritz Lang RKO escrito por Clifford Odets a rescatar " y añadió en catalán "Una primerenca, però amb un rol que potser va anticipar el de NIÁGARA, Marilyn Monroe a un Fritz Lang de nou al voltant de pulsions sexuals autodestructives/ Una debutante, pero con un rol que puede anticipar el de Niágara, Marilyn Monroe en un trabajo de Fritz Lang alrededor de pulsiones sexuales autodestructivas".

Alberto Abuín por su parte señala como " Impresionante interpretación de Barbara Stanwyck, a quien Lang adoraba. El director realizó una encuesta sobre adulterio con resultados bastante preocupantes... "

Confesiones de un asesino a sueldo

Confesiones de un asesino a sueldo es una película canadiense del año 2022 dirigida por Luc Picard que , a su vez, interpreta al protagonista.

La película se desarrolla entre Quebec y Bélgica, es decir, los espacios en los que el asesino a sueldo había cometido 28 asesinatos, robos, estafas y, por último, en Bruselas, el lugar de su detención. La película está basada en la historia real de Gerarld Gallant, un hombre aparentemente tranquilo y de aspecto y no ofensivo pero que resultó ser uno de los sicarios más prolíficos y enigmáticos del mundo. Fue el culpable de casi una treintena de asesinatos cometidos en el estado o provincia de Quebec entre 1978 y el año 2003 cuando fue detenido en Bélgica.

Confecciones de un asesino a sueldo o Confessions, su título original cuenta a través de numerosos flashbag que se intercalan a lo largo de una sesión de interrogatorio aspectos de la vida de este sicario como su desgarradora infancia en la que su madre, Jacinthe (Catherine de Léan) le muestra el máximo de los desprecios, sus inicios en el crimen organizado o su vida íntima. 

Descubrimos que Gérald Gallant (1950) es un asesino a sueldo canadiense que admitió haber cometido 28 asesinatos y 12 intentos de asesinato entre 1978 y 2003. Gallant normalmente tenía su propio sello como asesino: Gustaba de matar en público con disparos en la cabeza, el cuello o el pecho, lo que se convirtió en su marca registrada. Sus víctimas eran en su mayoría miembros de bandas criminales con base en Quebec.

Descubrimos en el interrogatorio por medio de flashback frente al Sargento Claude Sant-Cyr  (Emmanuel Charets) que Gallant, el cuarto de cinco hijos, nació en el distrito Chicoutimi de Saguenay, Quebec y que abandonó la escuela con un nivel bajo, de quinto grado. Su padre era un hombre tranquila que lo defendía ante su madre, una mujer dominante que abusaba física y psicológicamente de Gallant. 

A lo largo de la película vemos como la madre de Gallant le fue infiel a su padre , incluso cuando este postrado en la cama y, al final, vemos que el desprecio era absoluto , siendo para él la persona que "menos respeta en (su) vida". Le echa en cara su limitado cociente intelectual , 88, Gallant luchaba contra la tartamudez, lo que le convirtió en objeto de burla  y padecía una enfermedad cardíaca. Cuando el policía le pregunta por la experiencia más traumática de su vida, Gallant respondió: "Mi infancia".

Durante la película nos enteramos que está casado, que aparentemente respeta a la misma, Pauline (Eveline Gélinas), y que pasó por la cárcel por razones diversas  ( robos).

En los setenta, Gallant comenzó a trabajar para un miembro de alto rango de West End Gang, a quien conoció mientras estaban encarcelados juntos en la penitenciaría de Cowansville. Contrabandeó narcóticos en Cowansville para este integrante de su banda, quien controlaba el tráfico de drogas en la prisión. Otros gánsteres que Gallant conoció en la penitenciaría y con quienes más tarde trabajó fueron Donald "Dolly" Lamaitre (David La Haye), a quien describió como un "gran amigo",  y otros tenientes de West End Gang en el área de la ciudad de Quebec. 

Gallant , protegido por Desfossés,  con una red de tráfico de hachís cometió su primer asesinato por encargo el 30 de enero de 1980. Ese año Gallant y dos cómplices robaron 169.000 dólares en la cooperativa de crédito de Sainte-Marguerite en Trois-Rivières. Fue arrestado por el crimen pero a cambio  de una sentencia reducida, Gallant se convirtió en informante de la Sûreté du Québec,  llevando a la cárcel a su amigo "Maggy" Hubert, con quien Gallant cometió un robo a un banco de 125.000 dólares en Vancouver en 1985. La policía le pagó a Gallant 45.000 dólares por la información que proporcionó. Hubert, un peluquero de Cap-de-la-Madeleine a quien Gallant se refería como su "gemelo siamés", más tarde ayudaría a Gallant en ocho asesinatos. 

A lo largo de la película vemos su gusto por los coches, su deseo de no asesinar ante mujeres y niños y por estudiar sus objetivos. La parte central de la película está en la actividad de Gallant alcanzó su punto máximo durante la Guerra de los motociclistas de Quebec, que provocó la muerte de más de 160 personas entre 1994 y 2002. Durante este período, comenzó a matar para Rock Machine, la mafia de Montreal y los clanes Bertrand y Pelletier. Gallant se reunió frecuentemente con los jefes de su grupo mafioso. 

Entre 1995 o 1996 y noviembre de 2002, Gallant mantuvo una relación extramatrimonial con una chica, Jocelyne Lacroix ( Sandrine Bisson) a quien conoció practicando ciclismo. La chica trabajaba en el negocio familiar,  una funeraria en Donnacona, y ayudó a Gallant con la vigilancia y el apoyo logístico en tres contratos de asesinato,  algunos en Jonquière, matando igualmente a un traficante de drogas y asociado de Hells Angels, disparándole a Leclerc mientras cenaba con su esposa en un restaurante de Charlesbourg  junto a Gérard Hubert acompañando a Gallant durante el ataque, disfrazado de mujer.

Con su chica realizó varios viajes al extranjero, en concreto a La Habana, y prepararon planes para un futuro. 

Sin embargo, y tras cometer su mayor error que fue dejar vivo a Carlo (Dany Boudreault) , el amante de Donald, y antes de cometer uno de sus asesinatos Gallant donde dejó su ADN en una botella de cerveza recuperada por la policía en la escena del crimen, un error que fue fundamental para que la policía lanzara una investigación que fue la que finalmente daría con el criminal. Fue el Proyecto Baladeur, una investigación que reveló que Gallant mató a 28 personas en total hasta su último asesinato en 2003.

Luego Gallant rompe con su amante y huyó a Bélgica en 2006 después de que comenzó a sospechar que la policía lo estaba investigando. vemos su detención en Bruselas  en 2006, cuando cumplía 56 años, por la policía belga , que lo arrestó por un fraude con tarjetas de crédito falsificadas. 

Investigadores de la Sûreté du Québec y del Service de Police de la Ville de Québec se reunieron por primera vez con Gallant en Bruselas en 2006.  Durante el interrogatorio, admitió los asesinatos en Canadá y fue rápidamente extraditado. 

Después de su arresto, Gallant se convirtió en testigo de la Corona y proporcionó información que condujo al arresto de otras once personas involucradas en los asesinatos e intentos de asesinato.

En marzo de 2009, aceptó un acuerdo de culpabilidad con las autoridades canadienses y se declaró culpable de 27 asesinatos y 12 intentos de asesinato. Recibió 48 cadenas perpetuas sin derecho a libertad condicional hasta 2033. 

Los once cómplices, incluidos los jefes criminales Desfossés, Fred Faucher y Marcel Demers, se declararon culpables de sus papeles en los asesinatos de Gallant.

La película de Picard es un viaje a lo largo de la personalidad de este particular criminal, un hombre de tartamudo tranquilo modesto que fue capaz de despistar a los cuerpos de policía canadiense durante un par de décadas. Se trata de un asesino a sueldo que trabaja para las bandas de motociclistas de Quebec burlando tanto a la policía como al hampa durante décadas, cometiendo 28 golpes en 25 años.

La película está basada en el libro "Gallant: confesiones de un asesino a sueldo" de los periodistas Érich Thibault y Félix Séguin, un libro de no ficción del año 2015 sobre el asesino a sueldo canadiense Gerald Gallant. 

La película está protagonizada por Picard como Gallant.El reparto de la película también incluye a David La Haye, Sandrine Bisson, Éveline Gélinas, Dany Boudreault, Emmanuel Charest, Jean-François Boudreau, Bobby Beshro, Maxim Gaudette, Louise Portal, Raymond Cloutier y Catherine De Léan. 

La película fue producida por Christian Larouche por medio de Christal Films, con la distribución de Les Films Opale. La fotografía correspondió a François Dutil, mientras que el montaje fue labor de Carmen-Mélanie Pépin y la música de Daniel Bélanger. 

La película se rodó en 2019, con un presupuesto de 6,6 millones de dólares. La película se estrenó en el Festival de Cine de Whistler de 2021, donde ganó, el premio al mejor director y el Borsos Competion. También fue nominado en varias secciones en los Canadian Screen Awards y en los Prix Irisse, todos ellos del cine canadiense. Finalmente se estrenó comercialmente en marzo de 2022. 

No he leído crítica profesional alguna sobre esta película. Tengo que reconocer que me ha gustado, pues me hizo mantener la atención a pesar del cansancio tras el día de primero de año. Me ha gustado especialmente el trabajo de Picard como actor y el hecho de plantearnos una película desde un relato psicoanalítico para intentar descubrir las claves que llevaron a un hombre aparentemente simple , eso sí, muy interesado por el dinero, con una falta de empatía absoluta hacia los demás, como lo demuestra su falta de fidelidad a su mujer, incluso a su amante, o a su mejor amigo, al que no tiene reparo alguno en vender por 45.000 dólares, lo hicieron convertirse en el el mayor asesino de la historia de Quebec. No está mal para verla. 

Un día en las carreras

Película de la Metro Goldwin Mayer  que tenía pendiente desde que tenía conocimiento de los Hermanos Marx, y eso que hace ya años, cuando la televisión española apostaba por un mínimo de calidad cinematográfica y no se dedicaban a hacer política - la Primera de TVE es absolutamente imposible en sus programas, presuntamente informativos, o ridículos aquellos en los que responden a trabajos de encargos con productoras, y la 2, el único que se salvaba también está comenzando a politizarse. Lo mejor que tenía, como comprobé anoche en la madrugada, y que era lo único que merecía la pena de los especiales de fin de años, como era Cachitos, se dedica a mezcla presunto humor con política- se disfrutaban de grandes ciclos de directores, actores, actrices, o en géneros, y cuando de géneros se trataba y estaba presente la comedia, los que programaban humor tenían presentes a los Hermanos Marx. Desde entonces reconozco que soy Marxista, pero de Groucho, Chico y Harpo, básicamente. 

Un día en las Carreras era la séptima película de los Hermanos Marx, la segunda para la MGM, tras su glorioso paso por la Paramount—etapa en la que protagonizaron su inmortal ‘Sopa de ganso’ (‘Duck Soup’, Leo MaCarey, 1933)—, coincidiendo también con la marcha de Zeppo como destaca Alberto Abuín en lo que fue Blog de Cine. 

Es del año mil novecientos treinta y siete y perteneciente a los hermanos Marx dirigida por Sam Wood, que actúa como productor, con la compañía de Max Siegel,  y que en inglés se llamó A day at the races.

Basada en el guion de Robert Pirosh, George Seaton y George Oppenheimer, basada en la idea de los dos primeros. Aunque Alberto Abuín escribe que fueron unos ocho los que ,d e una u otra manera, intervinieron en la película. De entre ellos los más referenciales fueron " George Seaton —director que obtuvo un impresionante éxito con ‘De ilusión también se vive’ (‘Miracle on 34th Street’, 1947)— o Robert Pirosh —firmante de uno de los relatos antibélicos más sentidos de toda la historia, ‘Fuego en la nieve’ (‘Battleground’, William A. Wellman, 1949)—, y supone un no va más a lo ofrecido en el anterior films protagonizado por estos singulares hermanos". 

Franz Waxman es el director musical  aunque contando con las composiciones de Brinislaw Kaper y Walter Jurmann, con canciones escritas por Gus Kahn y los arreglos de Roger Edens. Contó con la fotografía de Joseph Huttenberg y el montaje Frank E. Hull.

El caos más absoluto se adueña de un hospital, Sanatorio Standish, propiedad de Judy Standish, una joven emprendedora (Maureen O" Sullivan)  que sufre una grave crisis financiera. El banquero J.D. Morgan, propietario de una pista de carreras, un hotel y un club nocturno cercanos, tiene la hipoteca sobre el sanatorio y está intentando ejecutar su hipoteca para convertir el edificio en un casino. 

Todo ello provoca indebidamente la llegada del Doctor Hugo Hackenbush  ( Groucho Marx), un veterinario que se hace pasar por doctor para ayudar a mantener en el hospital a una hipocondriaca ricachona siendo el único que puede detener la salida de la paciente más rica y de la que el sanatorio depende de su dinero. Ella es millonaria y sólo con su aportación podría mantener abierta la clínica o ceder el negocio al magnate avaricioso. 

La compra de un caballo de carreras por parte del novio de Judy, el cantante de vodeviles Gil ( Allan Jones) que se gasta los últimos 1.500 dólares de la pareja, no solucionada nada.  Es cuando cuando llega este doctor y con la ayuda de Stuffy (Harpo) , un genial Hockey, y de Tony (Chico), el hombre para todo del sanatorio,  someten al encantamiento de Mrs. Emily Upjohn (la eterna Margaret Dumont). 

Cuando Tony le miente a la señora Upjohn y le dice que han contratado a Hackenbush para administrar el sanatorio, ella se alegra e informa a Judy de que considerará ayudarla económicamente. Tony contacta a Hackenbush en Florida por telegrama y cuando llega el Doctor, inmediatamente insulta al gerente comercial del Sanatorio, el Sr. Whitmore. Whitmore, que es un títere de Morgan, sospecha de los antecedentes médicos de Hackenbush. 

Como ya hemos señalado, el novio de Judy, el cantante Gil Stewart, que actúa en el club nocturno de Morgan, acaba de gastar los ahorros de toda su vida en un caballo de carreras llamado Hi-Hat. Espera que el caballo, que le compró a Morgan, gane una carrera y que el dinero le permita a Judy salvar el Sanatorio. Hi-Hat le tiene tanto miedo a Morgan que se asusta cada vez que escucha su voz. 

Gil ahora no tiene dinero para pagar la alimentación de Hi-Hat, y él, Tony y Stuffy, el jockey de Hi-Hat , es decir, Chistera, tienen que recurrir a engaños para defenderse del Sheriff que ha venido a cobrar dinero para la factura de alimentación. Tony recauda algo de dinero estafando a Hackenbush en la escena "Tutsi Fruitsy Ice Cream", dándole  información gratis sobre un caballo, pero todo en código, por lo que tiene que comprar libro tras libro para descifrarlo.

Whitmore intenta ponerse en contacto con la Junta Médica de Florida para obtener información sobre el Dr. Hackenbush. Hackenbush intercepta la llamada y, haciéndose pasar por el hombre a cargo de los registros médicos, fingiendo un huracán con un ventilador eléctrico, pretendiendo olvidar de qué se trataba la llamada y llamando repetidamente a Whitmore al dictágrafo, enfurece a Whitmore hasta que se da por vencido. 

Esa noche, en la gala Water Carnival, Gil actúa junto con Vivien Fay y su ballet, y Tony y Stuffy tocan el piano y el arpa respectivamente. 

Whitmore intenta que despidan a Hackenbush haciendo que la señora Upjohn lo atrape en su suite con Flo (Esther Muir), una rubia tentadora. Stuffy escucha la trama e informa a Tony, por lo que los dos intentan frustrar la cita de Hackenbush con la  rubia despampanante haciéndose pasar por detectives de la casa y luego como empapeladores. 

Cuando llegan Whitmore y la Sra. Upjohn, Flo no está por ningún lado, ya que ha sido metida apresuradamente debajo de los cojines del sofá. 

Al día siguiente, justo cuando Hackenbush ha convencido a la señora Upjohn de firmar un acuerdo para ayudar a Judy, Whitmore trae al eminente Dr. Leopold X. Steinberg de Viena, de quien espera que revele a Hackenbush como un fraude. 

Después de que la señora Upjohn acepta que Steinberg la examine, Hackenbush quiere huir por miedo a quedar expuesto; Gil, Tony y Stuffy le recuerdan que Judy todavía necesita su ayuda y lo convencen para que se quede. 

Después de arruinar el examen de la Sra. Upjohn, Hackenbush, Tony, Stuffy y Gil se esconden en el establo de Hi-Hat, donde Judy pronto se une a ellos. Está molesta por la luz negativa de la situación; Gil intenta levantarle el ánimo. 

Cerca del establo, Stuffy comienza a simpatizar con una comunidad de negros pobres que creen que él es el Arcángel Gabriel. A medida que avanza el número, llegan Morgan, Whitmore y el Sheriff y Hackenbush, Tony y Stuffy intentan disfrazarse pintándose la cara con grasa y cara negra. El intento falla, todos salen corriendo y Whitmore finalmente expone a Hackenbush como veterinario con una carta que recibió de la Junta Médica de Florida. Pero Chistera o Hi-Hat escucha la voz de Morgan y sale disparado, saltando fácilmente varios obstáculos en el camino. Judy le sugiere a Gil que Hi-Hat es un saltador y Gil lo inscribe en la próxima carrera de obstáculos. 

Morgan, que fue testigo de la destreza de salto de Hi-Hat la noche anterior, intenta evitar que participe en la carrera, pero falla. Sabiendo que Hi-Hat le tiene miedo a Morgan, todos trabajan para que Hi-Hat se dé cuenta de su presencia antes de llegar a la valla. 

En la última vuelta, el caballo de Hi-Hat y Morgan caen en un obstáculo, la ría, y salen embarrados y  cuando llegan a la meta, parece que el caballo de Morgan ha ganado. 

Stuffy se da cuenta de que los caballos cubiertos de barro fueron intercambiados después del accidente, y el jinete de Morgan estaba montando Hi-Hat al final, lo que convirtió a Hi-Hat en el ganador. 

Los negros, que han apostado todos en Hi-Hat, llegan y comienzan a caminar con Gil, Judy, Hackenbush, Tony y Stuffy por la pista de carreras, todos cantando el número final.

Humor anárquico y disparado con los malvados de turno encabezados por el gestor Witmore (Leonard Ceeley),  Morgan (Douglas Dumbrille), el Doctor Steinherg (Sig Rumann) y sobre todo el malvado sheriff ( Robert Middlenass) o la despampanante Esther Muir , aquí "Flo". 

De la producción señalar que la película pasó por numerosos bocetos, tratamientos, borradores, revisiones y un total de dieciocho guiones diferentes antes de llegar a su versión final. Una parte importante del guion final fue escrita por Al Boasberg, quien también contribuyó a Una noche en la ópera, pero debido a un desacuerdo con MGM, decidió no recibir ningún crédito por su trabajo. Como lo habían hecho con Una noche en la ópera, los hermanos perfeccionaron el material cómico durante una gira de vodevil de preproducción. A esto se le suma su idea de ir improvisando para la desesperación de los guionistas. 

El personaje de Groucho originalmente se llamaba "Quackenbush", fue cambiado a "Hackenbush" debido a las amenazas de demandas por parte de varios médicos reales llamados Quackenbush. En Mi vida con Groucho: la visión de un hijo, Arthur Marx relata que en sus últimos años , Groucho se refería cada vez más a sí mismo con el nombre de Hackenbush.

Durante la producción, Irving Thalberg, que había llevado a los hermanos Marx a la MGM en 1934, murió repentinamente en septiembre de 1936 de neumonía a la edad de 37 años. La muerte de Thalberg antes del estreno de este filme, dejó a los Marx sin un defensor en la MGM, y el estudio nunca dio el mismo nivel. de cariño y atención al equipo que habían recibido bajo la dirección de Thalberg. Como resultado, las tres últimas películas de MGM de los hermanos Marx generalmente se consideran muy inferiores a las dos primeras producidas por Thalberg. 

El lanzamiento original de Un día en las carreras presentaba la secuencia del carnaval acuático en sepia marrón claro y la escena del ballet con un tinte azul. 

El parque Santa Anita en Arcadia, California, se utilizó como lugar de rodaje de algunas de las escenas del hipódromo. en uno de los filmes imprescindibles de la comedia cinematográfica norteamericana.

Importante, como en todas las películas de los Hermanos Marx, son los números musicales que aquí son "Tomorrow Is Another Day", "Cosi Cosa", "All God's Chillun Got Rhythm", "Nobody Knows the Trouble I've Seen", "A Message from the Man in the Moon" y en los que en algunos de ellos, interviene la cantante Ivie Anderson. Junto a ella, el cantante Allan Jones vuelve a hacer acto de presencia con su espectacular y lírica voz, añadiendo la nota romántica a la historia al lado de una bella Maureen O´ Sullivan, por aquel entonces en el cénit de su carrera. 

En la 10 Edición de los Oscar (1938) para las películas estrenadas en 1937 fue nominada a la Mejor dirección de baile (coreografía) y en concreto por la secuencia de la canción "All God's Chillun Got Rhythm". Es de destacar que en ella aparecen Whitey's Lindy Hoopers, considerados los más brillantes bailarines de música jazz de la historia. Bailaban cada noche en el Savoy Ballroom, uno de los locales más célebres de Harlem durante los años 30 y 40. Era el único local donde, no sólo se permitía la entrada tanto a blancos como a negros, sino que era visto como normal el baile entre gente con distinto color de piel.  

La crítica de la época fue muy favorable. John T. McManus en The New York Times dijo de ella que "ualquier película de los hermanos Marx es una mejora con respecto a casi cualquier otra payasada sostenida en pantalla". 

Variety publicó sobre la misma que la "Película infaliblemente divertida y a la paridad habitual de los locos Marx". 

Harrison's Reports escribió: "¡Muy bien! Los hermanos Marx están en su mejor momento y son más divertidos aquí".

John Mosher de The El New Yorker también se mostró positivo y publicó que "Groucho, Harpo y Chico están a todo trapo otra vez" y que la película "alcanza un punto álgido incluso más allá de los registros anteriores". con chistes únicos, situaciones que provocan risas, acción rápida... El final hace que el público se vaya sonriendo y feliz". 

Escribiendo para la revista Night and Day de Londres, Graham Greene le dio a la película una crítica positiva, resumiéndola como "fácilmente la mejor película que se puede ver en Londres", pero criticó algunos elementos de la interpretación de la película. Greene observó que la película le provocó "una nostalgia por los viejos decorados desvencijados y baratos" en lugar de los decorados realistas, y aunque elogió la actuación de Harpo por "brillar más", se quejó de que el fuerte realismo en la actuación de O'Sullivan. Estableció una fuerte yuxtaposición contra las "tonterías" de las payasadas de los hermanos Marx.

Ya en España, para Alberto Abuín en Blog de Cine la película " supone prácticamente una repetición der la fórmula de la previa ‘Una noche en la ópera’ (‘A Night at the Opera’, Sam Wood, 1935, aprovechando prácticamente el mismo equipo técnico y artístico, tirando del mismo director, Sam Wood, que en los años 30 y parte de los 40 fue uno de los reyes del drama, tal y como lo demuestran joyas como ‘Adiós Mr. Chips’ (‘Good Bye, Mr. Chips, 1939) o ‘El orgullo de los yanquees’ (‘The Pride of the Yanquees’, 1942)", tras la etapa inglesa del director norteamericano. Y añade que en esta película se llega al " culmen de lo absurdo llega en instantes tan fabulosamente orquestados como el del reconocimiento de la Sra. Upjohn —eterna Margaret Dumont—, o el delirante diálogo entre Groucho y Chico con los libros de apuestas, mientras vende helados de "tutti frutti",  heredado sin duda del no menos mítico de los contratos en ‘Una noche en la ópera’. A ello sumamos los omnipresentes números musicales en los que Chico y Harpo demuestran sus impresionante habilidades para el piano y el harpa".