Aquella casa al lado del cementerio

Quella villa accanto al cimitero es un clásico del cine italiano dirigido por uno de los directores más míticos del género de terror como Lucio Fulci en el año 1981. Fue una de las últimas películas de Fulci con su equipo habitual de colaboradores: el guionista Dardano Sachetti, el maquillador Gianetto de Rossi y la actriz Catriona MacColl.

Se trata de la tercera y última parte de la llamada " Trilogía de la Muerte ", filmada por Fulci entre 1980 y 1981 y protagonizada por Catriona MacColl . Las otras dos películas son Miedo en la ciudad de los muertos vivientes y ... ¡Y vivirás en el terror! - El más allá . 

La película nos cuenta la historia del Doctor Norman Boyle, un académico y padre de familia que reside en Nueva York y es asignado para investigar el extraño suicidio de un científico compañero llamado el Doctor Peterson. Desde la ciudad de Nueva York, Bob Boyle y sus padres, Norman y Lucy Boyle, se mudan a la misma casa. 

Lo único que Norman sabe es que Peterson se trasladó a un viejo caserón de Nueva Inglaterra junto a su mujer e hijo para investigar a su antiguo dueño un tal doctor Freudstein y que al final Peterson mató a su amante y acabó ahorcándose. 

Sin embargo, la película comienza con una mujer que se encuentra en una casa abandonada buscando a su novio. Después de descubrir su cuerpo apuñalado con unas tijeras, la apuñalan en la cabeza con un gran cuchillo. Posteriormente, el desconocido arrastra su cuerpo al sótano. 

Al llegar el matrimonio Boyle, junto a su hijo, Bob, se instalan en una casa victoriana situada a las afueras de un cementerio. 

Pronto comenzarán a oír extraños ruidos como los lloros de un niño aparecerán extraños personajes como Ana una chica que es mandada a cuidar de él hijo de la pareja y ocurrirán una serie de trágicos asesinatos. 

Al poco comienzan a experimentar extraños sucesos, como visiones aterradoras y presencias malignas, que parecen estar relacionadas con los horrores que ocurrieron en el pasado de la casa.

El ex colega de Norman, el Dr. Peterson, que asesinó a su amante antes de suicidarse, era el propietario anterior. Los Boyle se quedarán allí mientras Norman investiga casas antiguas. Mientras su madre hace las maletas, Bob mira la fotografía de una casa y ve a una niña en ella. 

En New Whitby, Boston, Bob espera en el coche de sus padres mientras recogen las llaves de la casa. La chica de la fotografía aparece al otro lado de la calle. La niña, Mae Freudstein, a quien sólo Bob puede ver, le advierte que se mantenga alejado. 

En la oficina de bienes raíces, vamos, la de alquiler, la señora Laura Gittleson se enoja cuando su colega le entrega a la pareja "las llaves de Freudstein". Ella insiste en que se llama "Mansion Oak" y promete encontrarles una niñera a los Boyle. De cualquier manera, la familia asume que la Mansion Oak se encuentra en mal estado. La puerta del sótano está cerrada con llave y clavada. 

Poco después a la casa llega una mujer y se presenta como Ann, la niñera. Esa noche, Norman escucha ruidos y encuentra a Ann desbloqueando la puerta del sótano. 

Al día siguiente, Norman va a la biblioteca para examinar los materiales de Peterson. El bibliotecario Wheatley, parece reconocerlo, pero Norman afirma que está equivocado. El bibliotecario asistente, Daniel Douglas, le informa a Norman que Peterson realizó una investigación privada en la casa. Estudió registros de desapariciones de la zona y otros datos demográficos. 

Mae le muestra a Bob una lápida en el terreno marcada como "Mary Freudstein" y le dice que en realidad no está enterrada allí. En el interior de la casa, Lucy encuentra la lápida de "Jacob Tess Freudstein" mientras barre el pasillo. 

Cuando Norman regresa, le asegura que algunas casas más antiguas tienen tumbas interiores debido al duro suelo invernal. Norman abre la puerta del sótano y baja las escaleras, sólo para ser atacado por un murciélago, que no lo suelta hasta que lo apuñala repetidamente. 

Asustada, la familia conduce hasta la oficina de bienes raíces y exige que la realojen, pero les dicen que pasarán unos días más antes de que puedan mudarse. 

Mientras los Boyle están en el hospital para tratar las heridas de Norman causadas por el murciélago, la Sra. Gittleson llega a la casa para informarles de una nueva propiedad. Al entrar, se para junto a la lápida de Freudstein, que se resquebraja y le inmoviliza el tobillo. Una figura emerge, la mata a puñaladas con un atizador y la arrastra al sótano. 

Lucy encuentra a Ann limpiando una mancha de sangre en el piso de la cocina a la mañana siguiente. Ann elude las preguntas de Lucy sobre la mancha. 

Mientras toman un café, Norman le dice a Lucy que ha descubierto que Freudstein era un cirujano victoriano que realizaba experimentos ilegales. 

Ahora Norman debe viajar a Nueva York para investigar a Freudstein. En el camino, Norman visita la biblioteca y encuentra un casete de audio de Peterson, que documenta su creciente locura y revela lo que descubrió sobre Freudstein. Norman destruye el casete dejándolo caer en el tubo de una caldera. 

Ann va al sótano buscando a Bob en la casa y escucha sollozos infantiles. Freudstein la asfixia después la degolla. Bob ve la cabeza de Ann y sale gritando. Lucy regresa y encuentra a Bob llorando en su habitación, pero se niega a creer el relato de Bob sobre Ann. 

Esa noche, Bob regresa al sótano buscando a Ann, pero se queda encerrado. Lucy escucha los gritos de Bob e intenta abrir la puerta del sótano. Norman regresa y corta la puerta con una hacha cuando no puede abrirla. La mano derecha podrida del Dr. Freudstein aparece y sujeta a Bob contra la puerta mientras el hacha la atraviesa. 

Uno de los golpes del hacha atraviesa la puerta, corta la mano izquierda aparentemente normal del Dr. Freudstein y baja las escaleras tambaleándose. 

Norman y Lucy finalmente entran al sótano, que contiene varios cuerpos mutilados (incluidos Ann, la señora Gittleson y la pareja del principio). Freudstein es un cadáver viviente con carne podrida. Norman le dice a Lucy que Freudstein, de 150 años, vive utilizando las partes de sus víctimas para regenerar células sanguíneas. 

Norman ataca a Freudstein, pero el demonio gira el hacha. Norman toma un cuchillo de una mesa y apuñala a Freudstein, lo que hace que salga carne podrida y gusanos de su vieja bata de laboratorio. Freudstein agarra a Norman y le abre la garganta. Lucy y Bob suben por una escalera que conduce a la parte inferior de la lápida agrietada. Lucy se esfuerza por mover la piedra, pero Freudstein la agarra y la arrastra hacia abajo, matándola al golpear su cabeza contra el piso. 

Mientras Freudstein sube la escalera, Bob se esfuerza por escapar. Cuando Freudstein agarra la pierna de Bob, de repente Mae lo empuja hacia arriba. Mae está con su madre, Mary Freudstein, quien les dice que es hora de irse. La Sra. Freudstein lleva a Mae y Bob por el bosque invernal hacia un aparente mundo fantasma acabando así esta historia que tiene una atmósfera inquietante y una serie de elementos macabros y sobrenaturales, como la aparición de un misterioso psiquiatra que tiene vínculos con la casa y las muertes que ocurren a su alrededor. 

Es una de las obras más conocidas y controvertidas del director, que a menudo es asociado con el subgénero del terror gore y la violencia explícita, aunque su estilo también abarca elementos de horror psicológico y lo sobrenatural.

La trama de Aquella casa al lado del cementerio es bastante compleja y no sigue una estructura narrativa convencional. El relato está lleno de giros inesperados, escenas de violencia explícita así como gore y surrealista, lo que es característico del estilo de Fulci. La atmósfera de la película, creada por su dirección, es sombría y opresiva, con una sensación constante de amenaza, sin importar cuán irracionales sean las situaciones. hay un fuerte componente de horror psicológico. Una evidencia está en el desarrollo de los créditos iniciales de la película cuando el techo del sótano de Freudstein es creado por el escenógrafo Massimo Lentini, concretamente muy bajo, para dar una sensación de claustrofobia. 

Las escenas de suspense y la sensación de paranoia, en las que los personajes no pueden discernir entre la realidad y lo sobrenatural, se mantienen a lo largo de toda la película. Hay una constante sensación de que está presente algo maligno y siempre presentado con casi una estética de terror gótico. 

La película responde al cine italiano de los años 70 y principios de los 80, conocido como la "época dorada" del cine de terror giallo y el horror sobrenatural. Junto con otras películas de Fulci, como Zombi 2 (1979) y La casa del terror (1983), esta película consolidó su reputación como un director audaz que no temía explorar los límites del horror gráfico. 

Aunque no fue un éxito de crítica en su estreno, con el paso del tiempo se ha convertido en una obra de culto, admirada por su atmósfera inquietante y sus escenas de terror extremas. Los seguidores de Fulci valoran su estilo visual y la forma en que maneja la tensión y el horror, incluso si la trama puede parecer incoherente o algo confusa en ocasiones. 

Fue una producción en la que estuvo Fabrizio De Angelis. Siguió un guión inspirado en una obra de H. P. Lovecraft , pero transformado en guion por Elisa Briganti, Lucio Fulci, Giorgio Mariuzzo, Dardano Sacchetti. La música fue labor de Walter Rizzati y la fotografía de Sergio Salvati. En el complejo montaje participa Vincenzo Tomassi y en el vestuario Massimo Lentini. Como efectos especiales destacan los Gino De Rossi. 

En cuando al elenco participan Catriona MacColl, Paolo Malco, Ania Pieroni, Giovanni Frezza, Silvia Collatina y Dagmar Lassander.

Durante la postproducción de ... ¡y vivirás aterrorizado! - El más allá , Lucio Fulci ya estaba preparando una nueva película. El tema llevaba el título La notte dell'inferno y estaba firmado por Elisa Briganti . El guion fue escrito por Fulci, Giorgio Mariuzzo y Dardano Sacchetti , ya guionistas de la película anterior . El título del guión se cambió a Aquella casa al lado del cementerio , en alusión a Ese motel cerca del pantano , título italiano de Eaten Alive , dirigida en 1977 por Tobe Hooper . 

Como siempre en sus películas de terror, Fulci incluyó citas literarias. La principal inspiración fue la novela Otra vuelta de tuerca , escrita por Henry James en 1898 , pero también hay referencias a las obras de Antonin Artaud , Edgar Allan Poe y Howard Phillips Lovecraft . Fulci declaró: «Después de The Afterlife y Black Cat , quería hacer una película que pudiera contener todos los delirios del escritor de Providencia, sin necesariamente estar basada en una de sus historias. » 

Dardano Sacchetti incluyó en el guion algunos episodios claustrofóbicos de su infancia . En cambio, Fulci llamó a Giorgio Mariuzzo para arreglar el guion. 

La película está protagonizada por actores ya presentes en otras obras de Fulci, principalmente Catriona MacColl, ex protagonista de L'aldilà y Miedo en la ciudad de los muertos vivientes . El protagonista masculino es interpretado por Paolo Malco, aquí en su primera colaboración con Fulci. El director romano aparece, como de costumbre, en un breve cameo , en el papel del profesor Müller. El papel de Laura Glitterson fue interpretado por Dagmar Lassander, actriz presente en muchas historias de detectives italianas de los años setenta . Para el papel de Ann fue elegida Ania Pieroni, que el año anterior había desempeñado el papel de Mater Lacrimarum en Inferno de Dario Argento . 

La fotografía fue dirigida por Sergio Salvati , colaborador histórico de Lucio Fulci. Dado que la película se desarrolla principalmente en interiores oscuros y claustrofóbicos, filmó cada toma tratando de incomodar al público. Para ello utilizó luces oscuras, con mayoría de colores grises . Para las tomas al aire libre Salvati utilizó luz natural y muchos ángulos amplios , para crear mayor ansiedad , mientras que en las secuencias ambientadas en el sótano exageró los cortes de luz y los contraluces. Para iluminar al Dr. Freudstein, Salvati aumentó y disminuyó la iluminación, siguiendo los movimientos de la cámara . 

Los efectos especiales de la película fueron creados por Gino De Rossi , quien ya había colaborado con Fulci en El miedo en la ciudad de los muertos vivientes . En cuanto a los efectos especiales de maquillaje de la película, aunque en los créditos iniciales se menciona tanto a Maurizio Trani como a Giannetto De Rossi , Trani fue el único responsable del maquillaje, ya que De Rossi no reconocía haber trabajado en esta película. 

El truco del Dr. Freudstein fue probado durante varios días. Fulci nunca estuvo del todo satisfecha con el trabajo y Trani tuvo que remaquillarse diez veces. Después de varias pruebas, Fulci finalmente aprobó la versión del monstruo que aparece en la película. 

El rodaje de la película comenzó en marzo de 1981, tres meses después de que terminara el rodaje de The Afterlife , y finalizó en mayo. El título provisional era Esa casa al lado del cementerio . La película se rodó en locaciones de Concord , un pueblo ubicado cerca de Boston . La villa Boyle era en realidad una escuela para niños discapacitados. Los exteriores también se rodaron en Nueva York, mientras que los interiores se realizaron en Roma, en los estudios De Paolis . 

Como anécdota señalar que durante la secuencia en la que Freudstein arrastra a Lucy por las escaleras del sótano, Katherina MacColl en realidad fue arrastrada, golpeándose repetidamente la cara con los escalones. La película se estrenó en los cines italianos en agosto de 1981 superando las ganancias de las tres películas de terror anteriores dirigidas por Fulci. 

En cuanto a la crítica señalar que a pesar de su gran éxito de público, la película fue recibida negativamente por la crítica cinematográfica italiana de la época. Muchos consideraron que la película era débil y menos exitosa que otras películas de terror dirigidas por Fulci. Algunos la criticaron, acusándola de ser una imitación distorsionada de El resplandor , dirigida por Stanley Kubrick en 1980. Sólo en los últimos años la película ha sido reevaluada, hasta el punto de ser considerada una de las mejores películas de terror de Fulci y la más impactante. 

La revista Nocturno escribió : « Esa villa junto al cementerio es la película más inquietante y aterradora de la "Trilogía de la Muerte", debido a la convergencia de miedos viles, viscerales y ctónicos. » 

Para Antonio Bruschini: «Aunque, tal vez, no sea la obra maestra de la trilogía protagonizada por MacColl, esta es sin duda la película en la que Fulci logra más un conmovedor lirismo macabro-romántico que rezuma de cada imagen. 

Meagan Navarro en Bloody Disgusting señala que "Incluso pese a emplear algunos nociones que ya hemos visto en otras películas, el estilo de Fulci y el gore hacen que todo parezca muy original."

Coincidiendo con el fin del canal de terror que durante una semanas ha estado activo en Movistar + en relación al fin de semana Halloween la han emitido. Había que verla la película de Fulci, ya que únicamente había visto otra, un spaguetti western titulado Los cuatro jinetes del Apocalipsis, y se ha visto. 

Y la importancia de llamarse oscar Wilde

En la historia de un sueño, un sueño hecho realidad que llevo a un hombre llamado Óscar a una pesadilla. Lo que acabo de ver es un buen biopic sobre Oscar Wilde. No es solo la historia de Wilde sino que también en la historia de sus amantes y de los hombres que vivieron admirando al escritor y a la persona. Entre ellos su editor, Robbie y su amante de los últimos años, Bosie, responsable casi de su desgracia. 

Robbie pagó las deudas de Óscar y dedicó el resto de su vida a reivindicar la obra y la reputación de su amigo. Robbie murió en mil novecientos dieciocho y sus cenizas están enterradas junto a Oscar Wilde.

 

Por su parte Bosie murió pobre y solo, en mil novecientos cuarenta y cinco. Lo cierto es que Óscar fue absuelto en 2017 junto con otros 75.000 hombres condenados por homosexualidad. 

The Happy Prince es una película del año 2018 que nos muestra los últimos tres años de vida del escritor británico Oscar Wilde (1854-1900), durante su exilio en Francia, rodeado de amigos y sus fantasías. 

El actor inglés Rupert Everett dirige escribe y protagoniza este biopic que da vida a Oscar Wilde en sus años finales, entre la alegría del carpe diem, el cuidado de sus incondicionales y el tormento de la culpa y la pasión. 

Le acompaña Colín Firth en el papel de su amigo Reggie Turner, Emily Watson  en el papel de su esposa Constance Wilde y Colín Morgan y el de su amante Sur Alfred "Bosie" Douglas. El desarrollo de la película es el siguiente.

1897. Dos años antes, un 27 de mayo de 1895, Oscar Wilde es condenado a 2 años de trabajos forzados en la cárcel de Reading por ser homosexual. Fue acusado por el padre de su amante, lord Alfred Douglas. Bosie, como Wilde le llamaba, lo inspiró a escribir una carta de amor desgarradora: De Profundis. Oscar Wilde acaba de salir de la cárcel tras cumplir su condena por un grave delito de indecencia. Separado de su mujer y de sus hijos, llega a Dieppe, donde le esperan sus viejos amigos Reggie Turner y Robert Ross. 

Wilde asume el alias de Sebastian Melmoth e intenta rehacer su vida: escribe en vano a su mujer Constance Lloyd para intentar hacer las paces con ella. Unos jóvenes ingleses lo reconocen, se burlan de él y lo persiguen hasta una iglesia; él se defiende con violencia y recibe duras advertencias de la policía. 

Oscar se reúne entonces con su antiguo amante Bosie Douglas, lo que enfada a Robbie, cuyo amor secreto por él nunca ha sido correspondido. 

Oscar y Bosie huyen juntos a Nápoles, donde viven durante algún tiempo en una casa de Posillipo, llevando una vida libertina. Pronto la madre de Bosie deja de enviarle a su hijo su asignación: está dispuesta a reanudar los pagos y a dar una recompensa de 200 libras a Oscar si los dos amantes se separan. A pesar de la ira de Oscar, ceden y se separan. 

Poco después, Constance, que había prohibido a Oscar todo contacto con Bosie, muere por complicaciones posteriores a una operación, y a Oscar se le niega todo contacto con sus dos hijos. 

Incapaz de escribir, Oscar se refugia en París, donde vive de su ingenio y de la caridad de sus antiguos partidarios. Se reencuentra con Reggie y Robbie y poco después encuentra a Bosie, que recientemente recibió una gran herencia por la muerte de su padre; Bosie se niega furioso a ayudarlo. 

Mientras tanto, el escritor comienza a mostrar síntomas extraños que atribuye a una intoxicación por mejillones, sospechando sin embargo que puede ser sífilis. 

Conoce a dos hermanos pobres con los que comparte la miseria: el mayor se convierte en su favorito, mientras que el menor quiere escuchar el cuento de hadas El príncipe feliz, que el escritor siempre contaba a sus hijos. 

La enfermedad de Oscar empeora y recibe una dolorosa operación quirúrgica para tratar un absceso en el oído. Su precario estado físico le provoca infecciones postoperatorias. 

Con sus últimas fuerzas, Oscar pide una unción católica extrema, pero muere rodeado de los pocos amigos que le quedan. 

En el funeral, Robbie se queja ante Bosie de que es un hipócrita porque llora la muerte del hombre que siempre lo había amado y al que abandonó sin mostrarle gratitud. Bosie le responde que esas palabras están dictadas por los celos y que solo él será recordado junto a Oscar Wilde, mientras que Robbie será olvidado. 

Los titulares finales de la película afirman que Bosie murió solo y sin dinero en 1945, mientras que Robbie, que murió en 1918, fue enterrado en la propia tumba de Oscar. Oscar fue indultado en 2017 junto con otras personas condenadas por delitos homosexuales.  

Ambientado en los últimos siete decadentes del siglo XIX., Oscar Wilde se encuentra cumpliendo destierro en Francia, consciente de su estado y de su cercano final. Allí en un ambiente bohemio pero precario, recibe a los amigos y rememora pasajes de su vida como el viaje a Nápoles con el joven Bosie Douglas.

La película empieza con una cartela que señala que en el año mil ochocientos noventa y cinco oscar Wilde era el hombre más famoso de Londres. Para aquel entonces su amante era Bosie Douglas, hijo del notorio marqués de Queensberry. Enfurecido por su romance, QueensBerry dejó una tarjeta en el club al que se dirigía a nombre de "Óscar Wilde, que se comporta como un sodomita". Wilde lo denunció por difamación, solo para terminar en el banquillo coma acusado de "grave indecencia". Fue condenado dos años de trabajoso forzados. Es a partir de este momento, centrado en los últimos tres años del poeta Oscar Wilde (1897–1900), cuando conocemos su triste devenir. Al final de la película aparecen el recientemente fallecido Tom Wilkinson y Edwin Thomas. 

A lo largo de la película vemos como se trufan en ella los sueños tanto con amantes como con su mujer Constance o con sus pequeños hijos. Incluso la reina Victoria que está presente en sueños puso fallecimiento. 

La película contó con el guion de Rupert Everett, la música de Gabriel Yared, la fotografía de John Conroy, el montaje de Nicolas Gaster y el vestuario de Maurizio Millenotti. Se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2018, y fue mostrada en el BFI Flare, el Festival de Cine LGBT de Londres de 2018. Se estrenó en el Reino Unido en junio de 2018 y fue estrenada en Estados Unidos en octubre de 2018. 

El título del filme hace referencia a la historia para niños de Oscar Wilde, The Happy Prince. El rodaje comenzó a mediados de septiembre de 2016 en Baviera, pasando luego a Francia, Bélgica e Italia.BBC Films produce la película junto a Maze Pictures, Entre chiens et loups y Palomar contando como productores con Sébastien Delloye, Philipp Kreuzer y Jörg Schulze.

La película fue multipremiada y recibió críticas bastante favorables. Entre los que recibió destaca la nominación a los Premios del Cine Europeo del año 2018 al mejor actor (Rupert Everett); en los Satellite Awards (International Press Academy) donde ganó el premio a la Mejor ópera prima (Rupert Everett): En los Premios del cine Alemán (Lola 2018) fue nominado al Mejor vestuario (Maurizio Millenotti, Gianni Cas) y en los British Independent Film Awards (2018) que nominó al director como Mejor actor (Rupert Everett) 

En cuanto a la crítica destacan las recibidas en el Reino Unido . En The Guardian Peter Bradshaw escribió sobre ella que "Esta conmovedora dramatización de los últimos años de Wilde en el exilio es una parábola poderosa de pasión y redención (…) " 

Fionnuala Halligan del Screendaily destacó el papel que jugó en la misma "Everett es un Oscar Wilde excepcional (...) Es su propio guion tierno y una combinación pulcra de empatía y realismo lo que hacen que la película (...) sea una obra cinematográfica sólida" 

Tim Robey desde el Telegraph tambiín elogió la labor de Rupert Everett ya que "aporta fuerza y empatía a la época mala de Oscar Wilde (...) " 

En The Independent, Geoffrey Macnab, sostuvo que era un "Un biopic emotivo y sorprendente sobre Oscar Wilde (...) Uno de los aspectos más admirables de 'The Happy Prince' es que Everett se niega a ofrecer una versión divinizada de su sujeto" 

Trevor Johnston desde Radio Times comentó que era "Una representación defectuosa, pero digna y sincera de un artista al final de sus días (...) " 

Guy Lodge de Variety, desde el otro lado del Atlántico, consideró que "Como escaparate final, permanente, para un papel que Everett ha nacido para hacer, 'The Happy Prince' funciona (...) El guion es más literal que literario" .

Eric Kohn de IndieWire destacó "La sensible actuación de Everett salva a esta representación floja de un hombre solitario al final de su vida (...) 'The Happy Prince' presenta una iluminación desacertada y transiciones peculiares" 

El clásico de la revista Rolling Stone, Peter Travers, defendió que "Al final, el punto fuerte de la obra se encuentra en la reverencia que Everett hace como actor y director a un autor que parece haber nacido para ser representado por él mismo (…) " 

David Rooney en las páginas del The Hollywood Reporter consideró que "A pesar de la buena actuación de Everett en el papel principal y de un guion bastante ingenioso, 'The Happy Prince' es poco emotiva y su fuerza dramática es inestable" 

Ya en España el habitual Javier Ocaña en El País dijo que era "Una rotunda y artística película de Rupert Everett, que la ha escrito, producido y dirigido casi como un proyecto de vida (...) sobre todo, ha logrado una película sobre la humillación" 

Oti Rodríguez Marchante del ABC destaca la figura de "Everett echa por la borda refinamiento e ironía, las bazas que habrían hecho este retrato más atractivo… (…) " 

Sergi Sánchez en La Razón, igualmente, elogió a su director , "A Rupert Everett le pierde la ciega fascinación que siente por el personaje, y, sobre todo, por la posibilidad de, prótesis mediante, convertirse en él, columpiándose en sus declamatorios excesos." 

Desde Barcelona y en las páginas de El Periódico, Nando Salvá más crítico sostuvo que la película "Ignora no solo los triunfos literarios del escritor sino los dos años que pasó entre rejas acusado de sodomía (...) " 

Irene Crespo de Cinemanía alabó la película al decir que era "Un Oscar Wilde pocas veces visto, y muy necesario de ver hoy. (…) "; mientras que en Fotogramas María Caballero dijo que la película era un "Acercamiento, tan fantasmagórico como nada complaciente, a la figura del escritor Oscar Wilde (...) Feísta y oscura (…)". Merecido acercamiento a la vida de Oscar Wilde, bien realizada, no intenta ser morbosa y se agradece. Por último, decir que Oscar Wilde, quien había sido el arquetipo del dandy hedonista y libertino, murió en París triste, arruinado y católico.  

La descarriada

En España existió un tipo de cine digamos que "castizo" y que despectivamente se le llamó a esas películas, "españoladas". Vistas con el tiempo, las españoladas, son auténticos documentos sociológicos de cómo era el país en los años sesenta y,  sobre todo, en los 70. Nos hablaban de nuestras grandes virtudes, pero sobre todo de nuestros mayores defectos. La envidia, la hipocresía, los matrimonios de conveniencia, la situación de la familia en una España cambiante, la del desarrollismo, el papel de la Iglesia... Todo se reflejaba en ellas. 

Algunos lo hacían desde un plano más serio, pero en muchas ocasiones el género que encauzaba este análisis sociológico del país era a través de la comedia. En la misma participaban lo mejor que hemos tenido en el cine español sin lugar a dudas. En estas españoladas aparecían desde José Sacristán, hasta López Vázquez, pasando por actores como Antonio Ferrandis, Alfredo Landa, Martínez Soria o José Bódalo. Ellos eran los hombres de negocios, agentes de seguros, o  anticuarios, en definitiva, personas con o sin fortuna que aspiraban a mejorar sus condiciones de vida. También aumentar sus relaciones  sexuales. Lo que sea. El objetivo era medrar en un país que parecía progresar en lo económico, en los social y ¿En lo político? Eso es otra historia.

Ellas , las actrices, lo mejor de cada casa. Profesionales como la copa de un pino como lo eran Rafaela Aparicio, Florinda Chico Laly Soldevilla, hasta la Bardem o Lina Morgan que era toda una estrella que arrasaba en las pantallas. Ellas aspiraban igualmente a vivir mejor, más cómodas, tener electrodomésticos, una chacha, las señoras con posibles, pero sobre todo a tener alguien que les quisiera. 

A todo esto se sumaban director que, en ocasiones, buscaban y conseguían con astucia sortear las limitaciones de los censores. Para los años 70, las limitaciones eran menos. Podíamos ver mujeres en bragas y sujetadores, faldas cortas, "bikininis", se veía más carne que en una carnicería como dirían los castizos. Directores y guionistas sabían encontrar el punto cómico a situaciones paradójicas, y en ocasiones hasta ridículas. 

Pues bien en la película que acabo de ver junto a mi padre en Cine de barrio es una buena muestra de esta española desarrollista. La película que lleva por título La descarriada - creo que el título lo dice todo- estuvo dirigida por Mariano Ozores en el año 1972 y nos muestra una visión casi paternalista, la que algunos tenían- de la prostitución como modo de salir de la indigencia para sacar a una familia, en este caso, a una retahila de hermanos y hermanas.  

En una película como La descarriada la prostitución es el tema menor, pues el tema mayor es las relaciones de alcoba, el desentendimiento de una pareja, la atención a los hijos o hermanos, el papel de la familia en una sociedad todavía muy mojigata. En el fondo es una historia de perdedores 

Para eso Mariano Ozores contó además de con su hermano, compañeros inseparables de aventuras cinematográficas, con el mejor actor posiblemente de la historia del cine español y posiblemente mundial según he escuchado en alguna ocasión. Hablamos de José Luis López Vázquez, que aquí hace de chulo p****, pero sobre todo de hombre enamorado que se desvive por una de sus chicas, Nati.  

Evidentemente, "La descarriada" - producida por José Antonio Cascales y Rafael Vázquez Fajardo para Producciones Internacionales Cinematográficas Asociadas (PICASA) -  es Lina Morgan que está acompañada en su desgracia por un encantadora y olvidadiza Laly Soldevilla, por una impresionante Florinda Chico, incluso, una esplendorosa y una bella Bardem.  Junto a las citadas está Rafaela Aparicio, Antonio Ferrandis, Rogelio Madrid, María Álvarez o Luis Barbero, 

El guion de esta historia fue de Mariano Ozores. La banda sonora, setentera, como cabía de esperar fue de Fernando García Morcillo y el sonido de José María San Mateo. La responsable del maquillaje fue   Carmen Martín y el de la fotografía, Vicente Minaya. Para el montaje la película contó con Antonio Ramírez de Loaysa y el vestuario fue labor de Humberto Cornejo y Juana Ramírez .

Lina Morgan interpreta a Nati, una inocente prostituta, huérfana con cargas familiares, que ejerciendo su profesión busca sacar adelante a sus tres hermanos pequeños. Nati no lo consigue, resulta ser muy torpe para su trabajo que ejerce junto a sus compañeras Angustias (Florinda Chico) , Lucila ( Pilar Bardem) y Marga (Laly Soldevilla) . Para colmo, le debe dinero - no sólo ella, sino todas- a su protector, Florencio (José Luis López Vázquez), un hombre que lleva una doble vida como vendedor de antigüedades y que vive junto a sus hermanas , entre ellas Rosaura (Rafael a Aparicio) y María (María Álvarez ) , que se ha metido a proxeneta por el cariño que siente  hacia las chicas y especialmente a Nati, que a pesar de ejercer el oficio todavía es virgen, ya que siempre que encuentra a alguien le cuenta su desgraciada vida desde que sus padres murieron en un accidente de tráfico aplastados por un tren.

Florencio cuenta con un bien amigo Nicolás ( Antonio Ozores), un buscavidas que intenta llevarse un porcentaje de todo, que le asesora y lo estima al igual que a las chicas. 

Un día ve cómo su suerte tiene la oportunidad de cambiar con la entrada en su vida de un hombre rico Vicente Aguirre ( Rogelio Madrid) y guapo con problemas matrimoniales ya que lleva tres años casado con Ángela  (María Ángeles Olazábal) y todavía no la ha visto desnuda.

Entonces, Nati como mujer decente, sólo quiere un empleo decente y salir de esa mala vida decide abandonar la prostitución y buscar un trabajo decente. Pero también es torpe para otros trabajos que sus amigos, especialmente, Nicolás, le intentan dar (vendedora de seguros, policía municipal,...) 

Sin embargo, el encuentro entre Nati y Javier tiene consecuencias emocionales y familiares. Por un lado, Nati queda impactada con el perfil de Vicente, no apreciando que el hombre que se desvive por ella es  Florencio, que de "motu proprio" y por medio de sus hermanas Rosaura y Maura, siendo asistidos por la amistad de Nicolás, le hacen ver que Nati desde ser la mujer de su vida.  

Pero antes de que incluso ella llegue a la afección con su "proxeneta" ha de solucionar un tema que le pide Don Javier (Antonio Ferrandis) el padre de Ángela , esa chica de la clase alta, casada con Vicente, cuyo padre asume que ha errado en su educación como señorita idiota de clase alta al no enseñarle a comprender a su esposo, quien prefiere ahora ahogar sus deseos en el bar .

Don Javier sabe que Nati es la única persona decente, sensata y comprensiva y le pide a ella que tenga un encuentro con su hija para intentar salvar su desgraciado matrimonio, el de Vicente y el de Ángela, asumiendo que le ha dado una buena formación en formas, pero nula en lo afectivo. Y aunque Nati puede que no sea virtuosa si es capaz de enseñar a los demás modélicamente dado su sencillez y sentido común. 

Y frente al modelo aristocrático en el que ha sido educada Ángela , rodeada de criadas, que no trabaja, se levanta a las once de la mañana, que ha aprendido lenguas, piano o equitación, ha tenido una buena educación y sobre todo mucha mojigatería, lo que le ha dado una altivez, una soberbia y un orgullo que le impide acercarse sexualmente a su marido, Nati le da una auténtica lección de humanidad, sensualidad y trato a Ángela en presencia de un Florencio que ha ido precisamente a declarar su amor a Nati. Con la lección que insinúa que la mujer ha de ser esclava de su marido por amor acaba la película. 

En el mundo se dice de la película que "dirigida por Mariano Ozores, especialista en comedias de este tipo, la película toca un tema tan delicado como el de la prostitución, pero, como era de esperar por el tono de la época, lo hace sin sutileza ni delicadeza. Se trata de un producto pseudoerótico y heredero del machismo, algo que resultaba muy comercial en la época. De hecho, más de un millón de espectadores acudieron a disfrutar de esta cinta, cuyo guion festivo también está elaborado por Ozores".

Para Fausto Fernández es un clásico de Ozores y fue " Lo más cerca que la gran Lina Morgan estuvo de la Giuletta Masina de Las Noches de Cabiria (o la Shirley MacLaine de su remake musical, Noches de ciudad) fue como la pilingui de corazón de oro y decentísima que habla de dónde está el amor en esta ozoresiada contrastada".

Reconozco que ha habido en la película momentos divertidos, otros que pudieran parecer ridículos, pero hoy vistos son igualmente divertidos pues hay cosas que pueden acercarse a dar esa sensación pero si lo entendemos como lo que es , producto propio del momento histórico y sociológico en el que se rodó la película, se sobreentiende y se transforma, pero, aparte del elenco - que es para aplaudir de principio a fin- , por encima de todo, lo que más me ha gustado ha sido ver la película junto a mi padre y ver que, en momentos puntuales de la película, los dos nos hemos reído. Ese también es uno de los fines del cine, aunque sea, el de barrio. 

Tuno negro

Película sin valor ninguno aunque hoy para algunos en una película de culto, cuyo único elemento a resaltar son los paseos por la ciudad de Salamanca aunque ese final con la catedral Nueva que finalmente es incendiada algo que no es lo más gratificante..

Se trata de una película del año 2001 coincidente creo que con memoria de un ángel caído que tuvo un mejor crítica y evidentemente mejor porque Tuno negro es un bodrio sin sentido, así de simple, aunque entretenido. 

Se trata de la historia que se inicia en la universidad de Alcalá de Henares de un asesino psicópata que se autodeclara como el Tuno negro se infiltra en una tuna universitaria y elige a sus víctimas a través de Internet. El tuno negro es una leyenda urbana que indica la existencia de un tuno que comete asesinatos en serie y que ataca a estudiantes universitarios. 

El primer asesinato que vemos lo comete en un Colegio mayor de chicas de Alcalá de Henares, acabando con una estudiante, Arantxa de Derecho ( Maribel Verdú) que pasa de los estudios pero que está enganchada al contacto a través de una novedad del momento: Internet. Ella contacta con el tuno negro y esa misma noche es asesinada en la capilla del Colegio Mayor, precisamente cuando los tunos están tocando. 

Tras eso la historia se traslada a Salamanca, ciudad estudiantil por antonomasia. En una noche previa al principio del curso llega una joven de nombre Alex (Silke) a un Colegio Mayor donde será recibida por un grupo de chicos todos ellos pertenecientes a la tuna, una agrupación universitaria que sobrevive desde el siglo XIII. 

De entre ellos, coincidente conque será su compañero de clase destaca Edu ( Jorge Sanz) con el que inicia una relación. Poco después se produce la primera muerte, la de una chica en su día de bodas en los servicios. A Edu se le responsabiliza del mismo pues mantenía cierta relación con ella, pero también con otras. 

Con la entrada en escena de la policía aparece Victor (Fele Martínez) que empieza a interesarse por Alex no sabemos si psu interés es físico o para sacarle información. Gracias al profesor de arte y deán la Catedral Don Justo ( Eusebio Poncela) nos enteramos que la premisa del asesino es la misma que aparece en una capilla de los estudiantes en la Catedral: la ignorancia mata. 

Siendo Don Justo quien de alguna claves al comentar que es una leyenda urbana que cuenta que hace siglos los estudiantes más pobres entraban en la tuna para poder pagar la Universidad, pero los ricos vieron el chollo y se metieron a tunos sólo por las risas y para ligar, así que los pobres se quedaron fuera, por lo que decidieron vengarse crearon una especia de vengadores bajo la máscara y el traje del Tuno Negro. 

Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice el turno negro comete sus límites crímenes con una pauta simple morirán aquellos alumnos o alumnas que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso ni tendrá la opción de repetir. 

Con Tuno negro se estrenaba en la dirección del largometraje Pedro L. Barbero, y lo hizo en compañía de Vicente J. Martín quien ya había estrenado El escarabajo de oro. Contaron ambos con el apoyo de Javier Petit como ayudante de dirección. 

Con este proyecto el productor Andrés Vicente Gómez que invirtió en ella unos 400 millones de pesetas se acercó al género de terror juvenil y universitario que tantos éxitos de taquilla había logrado en el cine de otras nacionalidades. De hecho hay momentos que parecen referencias directas a Scream, el slasher de Wes Craven, una película que cinco años antes había arrasado en carteleras. Esas carreras por pasillos, esas mascaras, esas chicas absolutamente voluptuosas, jóvenes universitarios, teenaggers, descerebrados, faltos de bromuro, gusto por el sexo - obvio- , las drogas, - no tan obvio, aunque algunas eran para estudiar-  y las grabaciones propias de mirones... 

Destaca la presencia en la película como responsable de la banda sonora de Roque Baños junto a Álex Martínez, en la que se trufan canciones del momento como el Hoy del Hombre Gancho ,  con tradicionales de la Tuna. En otros apartados técnicos destaca la fotografía de Carlos Suárez, el montaje de Juan Carlos Arroyo y el vestuario de Macareno Soto.  

Para garantizar el atractivo de esta historia de crímenes y misterios se cuenta con un reparto lleno de nombres conocidos como Silke, Félix Martínez, Jorge Sanz, Maribel Verdú que se convertirá en la primera víctima y el único que hace un trabajo medianamente digno como Eusebio Poncela. 

También intervienen Sergio Pazos, Paca Gabaldón, Patxi Freyles, Enrique villén, Javier veiga, Alexis Valdés, Carla Hidalgo y Marian Aguilera. 

El guion de la película fue escrito por los mismos directores pero esto no significa que tenga sentido puesto que la película salvo el mar con el que se desarrolla que es el casco viejo de Salamanca no vale un duro. 

Parece ser que ahora mismo es una película de culto, puede que por eso se afecta especiales un tanto cómicos que aparecen en algunos momentos de la película 

Fue filmada en Salamanca, Madrid y Alcalá de Henares. Las críticas en general fueron bastante malas. Augusto M. Torres escribió en El País que había "Irregularidades en el desarrollo de la historia" y que "el malvado es quien menos podía imaginarse y carece de cualquier tipo de razón, moral o psicológica, para ser un asesino en serie" aunque también indica que tiene un " eficaz y fino humor". 

Carlos Aguilar en su Guía del cine español califica el producto de "incoherente y forzado" pero mejor que otros slasher españoles de la época como El arte de morir o School Killer. 

Para Fausto Fernández en X , antes Twitter, es adecuada para "Noche de difuntos y cine de género, y español, cosa tan rara como de agradecer, con el slasher cañí clavelitos Tuno Negro, ideal para ver en compañía y ganas de juerga".  

En Cinemanía se incluyó como uno de los grandes "blufs" del cine español. Según la Real Academia, un bluf es un "Montaje propagandístico que, una vez organizado, resulta falso" o una "Persona o cosa revestida de un prestigio que se revela falto de fundamento". Y fue un bluf, según Yago García, "porque... Para empezar, Jorge Sanz, Silke y Fele Martínez estaban ya bastante mayorcitos para hacer de universitarios. Para seguir, el guion no sabía encontrar el punto entre la comedia asesina y el thriller puro y duro. Ninguno de los dos firmantes de la película (Pedro L. Barbero y Vicente J. Martín) han vuelto a dirigir un largo tras su estreno". 

Para Javier Zurro en El Español" sí que se ha convertido en una película de culto que, echando la vista atrás resulta una divertida aproximación y homenaje al slasher americano en clave cañí... Realmente lo que hizo Tuno Negro (Vicente J. Martín y Pedro Barbero) no es más que adaptar los códigos marcados por Scream del nuevo terror adolescente a la idiosincrasia universitaria española. Allí tienen un imaginario propio en torno al instituto y a la universidad. El fútbol americano, las fiestas en las casas, las hermandades estudiantiles, su sistema de castas… Aquí tenemos la Universidad de Salamanca o de Alcalá de Henares, con sus edificios de piedra. Ciudades que son señoriales de día y por la noche esconden un ambiente de jóvenes estudiantes que se desmadran. No hay fiestas en chaletes con piscina, y sí normas que establecen los colegios mayores -de monjas en algunos casos-" 

Y añade Zurro que "La primera escena de Tuno Negro es toda una declaración de intenciones, pero también una muestra de que realmente lo que se intenta es sólo jugar, ser disfrutones y hasta autoparódicos. Sólo así se entiende colocar a Maribel Verdú, estrella española, con sus más de 30 años por aquella época, como estudiante de derecho". 

"En Tuno Negro ya está internet, los chats, el ligueteo por la red… Eso sí, nadie entonces tenía esa capacidad de tener cámara, chat en directo… La primera muerte de Tuno Negro es una maravilla. En una capilla, sangrienta, (...) (la víctima, Arantxa) es " colgadas y exhibidas", "pero aquí con un toque de humor. Los gritos que vienen de la iglesia son de su compañera de habitación que tiene sexo con un tuno en el mismo sitio donde habían matado a su amiga. " 

Prosigue Javier Zurro con la siguiente conclusión: " No hay lógica alguna en esta película. (...) "Su agujero tiene tantos agujeros en pos de sorprender que sólo queda rendirse, no buscarle los tres pies al gato y aplaudir ante las ocurrencias del guion. Empezando porque el asesino es imposible que sea ESA persona, ya que ha interactuado con el Tuno Negro en otras ocasiones. No pasa nada. No podemos pedir lógica a un filme con Silke como nuestra reina del grito patrio y con Jorge Sanz como universitario (otro salto de fe) ligón y tuno follarín de noche. Porque aquí el quarterback es el que canta clavelitos con una pandereta". 

Concluyendo Zurro con la siguiente afirmación " La ignorancia mata, es la frase favorita del Tuno Negro que se repite mil veces en el filme y que se convierte en el alegato más salvaje y peligroso en defensa de la meritocracia".  Por mi parte decir primero, como hemos envejecido desde su estreno, y segundo que de mala que es, te mantiene despierto. Si quieres disfrutar, disfrútala. 

Nadie

Sorprendido estoy tras ver esta película que recibe el nombre de Nobody en inglés nadie en castellano que es del año 2021 y que la dirigió Ilya Naischuller.

Posiblemente la grabé para ver porque el actor principal era Bob Oderkirk, y que en este caso se mete en la piel de un peligroso Don nadie en esta violenta y a pesar de todo divertida película de acción escrita por Derek Kolstad, guionista de la saga John Wick con la que comparte ciertas similitudes. Si John Wick es el asesinato de su perro el que desencadena a toda una espiral de violencia, en nadie es el asalto en la casa del personaje de Oderkirk. 

De hecho, Odenkirk y David Leitch se encuentran entre los productores de la película - los otros son Kelly McCormick, Braden Aftergood y Marc Provissiero- por medio de distuntas productoras como 87North Productions, Eighty Two Films y Odenkirk Provissiero Entertainment, aunque el producto que recinbio una inversión de 16 millones de dólares fue distribuido por la Universal Pictures que la estrenó en cines en los Estados Unidos en marzo de 2021 y en el Reino Unido poco después. 

La película recaudó 57 millones de dólares en todo el mundo y recibió críticas generalmente positivas que elogiaron las secuencias de acción y la actuación de Odenkirk. Una secuela, Nobody 2, está programada para estrenarse en agosto de 2025.

El protagonista de Better call Saúl da vida a Hutch Mansell, un hombre que llevaba una vida anodina pacífica y bastante gris en su vida profesional y personal hasta el punto de que cuando su casa familiar es asaltada por unos ladrones intenta evitar cualquier tipo de enfrentamiento, algo que abochorna a su hijo y en parte también a su mujer 

Sin embargo cuando vecinos familia y amigos comienzan a echarle en cara su pasividad algo estálle en su interior algo muy violento. 

Junto al actor de Breaking Bad aparece Aleksay Serebryskov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, como padre del protagonista, un casi irreconocible Michael Ironside, Gage Munroe y RZA. 

Y en el apartado técnico aparecen Pawel Pogorzelski como responsable de la fotografía, del montaje William Yeh y Evan Schiff y de la música, que es francamente buena, con temas introdcidos de la música popular y del jazz fue labor de David Buckley. 

Nada más comenzar conocemos a Hutch Mansell (Bob Oderkirk) se sienta dentro de una sala de interrogatorios. Esta magullado y herido. Dos agentes del FBI lo interrogan sobre su identidad, antes de que Hutch que es capaz de zafarse de las esposas y dar de comer a un pequeño gato que esconde en su camisa o chaqueta responda que simplemente no es nadie. 

En un flashback, vemos que Hutch lleva una vida normal y mundana como oficinista en la empresa de metales de su suegro. Su vida es rutinaria de lunes a viernes durante muchos de lunes a viernes. Siempre pierde el camión de la basura, entra al trabajo, llega a casa y le ignora su mujer e hijos. Vive junto a su bella esposa, Becca (Connie Nielsen ) , de la que está emocionalmente separada, su hijo adolescente Blake (Gage Munroe ) , apenas lo respeta, y su hija pequeña, Abby ( Paisley Cadorath) parece quererle. Hasta su vecino le vacila con su nuevo coche, un clásico de los setenta. 

Su propio padre , David (Christopher Lloyd ) ,que vive en una residencia no le da importancia a lo ocurrido. Su único interés es dormir ante el televisor mientras emiten películas. 

Pero una noche, dos ladrones de origen hispano irrumpen en su casa con una pistola. Hutch es encañonado a punta de pistola, exigiendo dinero, pero éste sólo les da su reloj, pero cuando intentan irse Blake salta sobre uno de ellos y Hutch , que con gran tranquilidad toma un palo de golf pero no hace el swing sobre la cabeza como cabía esperar o al menos como esperaba su hijo. 

Los ladrones se van sin causar daño no llevándose prácticamente nada. Todos piensan que Hutch es un cobarde. El incidente hace que Blake se aleje aún más de su padre, y todos en la vida de Hutch, desde su vecino hasta su cuñado en el trabajo, le preguntan por qué no trató de detener a los ladrones. y un fracasado por no pelear, pero él le revela a su hermano Harry ( al que tardaremos de ver en la película, un hombre de color , RZA) a través de una radio que estaba oculta en su oficina y explica que se contuvo porque los ladrones estaban usando un arma descargada. 

Cuando llega a la fábrica su cuñado Charlie Williams (Billy MacLellan ) , un bocazas y graciosillo que lo desprecia, le ofrece a Hutch un arma para protegerse y sobre todo para que defienda a su hermana, pero él la rechaza. 

Entre tanto, Hutch se ofrece a comprar el negocio de su suegro Eddie Williams (Michael Ironside) , pero Eddie lo considera una pobre oferta. 

La noche siguiente, la pequeña Abby se da cuenta de que falta su brazalete de gatitos, por lo que Hutch se propone encontrarlo. Sospechando que uno de los ladrones se lo llevó, recuerda haber visto un tatuaje en uno de ellos. 

Sin decir una palabra, va a ver a su anciano padre, David, y toma prestada su vieja placa del FBI y su pistola para localizar a los ladrones por el tatuaje que lo rastrea por distintos espacios donde se tatúan , pero no consigue localizarlos hasta un salón de tatuajes. Hutch localiza a los ladrones y exige que les devuelvan el brazalete, pero se marcha frustrado al darse cuenta de que no lo tienen y que probablemente estaban robando para pagar las facturas médicas de su bebé. 

Mientras viaja en un autobús de regreso a casa, un grupo de matones ebrios abordan el autobús y comienzan a acosar a una joven; Hutch sonríe y saca su frustración golpeándolos salvajemente a todos . Los rechaza en diferentes acometidas brutalmente. Sin que él lo sepa, el líder del grupo, Teddy (Aleksandr Pal ) , es hermano de Yulian Kuznetsov, un señor del crimen ruso que salvaguarda el dinero Obshchak de la mafia (un tesoro común utilizado - una especie de seguro de pensiones, para resolver disputas en la mafia rusa). Hutch le rompe la tráquea a Teddy aunque antes de irse le realiza una tosca cricotiroidotomía con una pajita para permitirle respirar, aunque cae en coma y luego muere a causa de sus heridas. 

Hutch regresa a casa y Becca lo venda. Parece conocer su pasado. Él le expresa sus frustraciones por vivir una vida mundana, antes de reafirmar su amor mutuo. Harry luego lo envía a ver a un hombre al que se hace referencia solo como "El Barbero» (Colin Salmon), quien le proporciona a Hutch información sobre una de sus víctimas: es el hermano menor de Yulian Kuznetsov 

Mientras tanto, Yulian (Aleksei Serebryakov)- comienza aquí la segunda mitad de la película- que vive como un bon vivant, con un club en el que es temido y respetado a la par, logra identificar y localizar a Hutch usando su tarjeta de metro caída, por lo que envía un equipo a su casa para capturarlo mientras chantajea a un funcionario del Departamento de Defensa de los Estados Unidos para descubrir el pasado de Hutch. 

Harry (el hermano de Hutch) llama a Hutch y le advierte sobre la conexión de Teddy con Yulian. Sugiere que consulte con The Barber o El barbero, el antiguo encargado del gobierno de Hutch. Cuando llega el equipo de captura, mientras la familia cena y habla de irse ese verano a Italia, Hutch al sentir lo que ocurre, esconde a su familia en un sótano / refugio aislado totalmente , y mata a la mayoría de los atacantes. Sin embargo, es inmovilizado por una táser eléctrica y se lo lleva el equipo ruso. Mientras lo transportan en la parte trasera de un automóvil, Hutch logra librarse de sus ataduras , busca y encuentra y luego vacía un extintor de incendios en el automóvil. El conductor choca, mata a todos los ocupantes y libera a Hutch. 

Hutch regresa a casa y revela que es un ex "auditor", un asesino empleado por la Comunidad de Inteligencia de los Estados Unidos. Mientras trabajaba como tal, Hutch cuando tenía que disparar a un objetivo en Italia por haber robado, le perdonó la vida al hombre que luego se reformó y vivió feliz en Boise (Idaho) con una nueva familia. 

Queriendo una vida similar, Hutch se retiró y se estableció. Hutch envía a su familia a un lugar seguro y recupera el oro y el dinero en efectivo que tenía escondidos. También encuentra el brazalete de Abby debajo del sofá, lo que había generado su reacción y luego quema su casa para deshacerse de los atacantes muertos en el sótano. 

Tras salir de la casa decide robar el Dodge Challenger de su vecino. Mientras tanto, dos asesinos intentan matar al padre de Hutch, David, en su casa de retiro, pero él es un agente retirado y los mata. Hutch usa su oro para comprar la fábrica de metales de su suegro y coloca trampas explosivas en todo el lugar. 

Luego Hutch quema la colección de arte de Yulian - llevándose una de Van Gogh-  y tras eso quema el dinero Obshchak de Yulian. Hutch visita a Yulian y se ofrece a poner fin a la pelea. Yulian también quiere salir porque no puede refinanciar todo Obshchak. 

Conociendo los planes de Yulian de retirarse, Hutch sugiere retirarse en una de las islas caribeñas menos conocidas, lejos de la mafia rusa, mientras Hutch recupera su vida. Sin embargo, Yulian y sus hombres persiguen a Hutch hasta la fábrica y, aun así, lo rodean. 

De repente, Harry y David llegan para ayudarlo y el trío mata a Yulian y a los mafiosos rusos usando una variedad de armas y trampas mortales que Hutch había instalado. 

Tras esto llega la policía- ante a David y a su "hermano" le ha dado tiempo de huir, y volvemos así a la escena inicial, pero de repente es liberado sin cargos tras una misteriosa llamada telefónica. 

Tres meses después, Hutch y su familia han vuelto a la vida normal y están comprando una casa nueva, cuando Hutch recibe una llamada insinuando que pueden haber más problemas en camino. En una escena posterior al crédito, se muestra a David y Harry portando armas en su caravana familiar, presumiblemente al otro lado de la frontera. 

La mayor parte del rodaje tuvo lugar en Los Angeles en septiembre de 2019.Luga la producción se traslado a la ciudad canadiense de Winnipeg, en Manitoba . La filmación duró 34 días. 

En cuanto a la crítica que, en general, fue positiva es digna de mención la de John DeFore, del The Hollywood Reporter, que elogió la "violencia agradablemente absurda" de la película y escribió: "Tomándose a sí misma mucho menos en serio que la serie Taken y sus predecesoras, es un juego de cumplimiento de deseos tan ridículo como cualquiera de ellos, pero más divertido que la mayoría. " 

Peter Travers de ABC News comenta que "[Odenkirk] es un actor tan sagaz y cautivador, que incluso cuando la trama se vuelve tonta, estás dispuesto a seguirle a cualquier parte". 

Owen Gleiberman de Variety sepregunta si "¿Es una buena película? No exactamente. Pero sus 90 minutos pasan volando y es un buen escaparate para Odenkirk (...) La trama es ridícula, pero la convicción de Odenkirk hace que funcione" 

Para Richard Roeper del Chicago Sun-Times lo que destaca es que "Lo más impresionante de todo es Odenkirk, que no parece ni suena en nada como una estrella de acción hasta que llega el momento de que Hutch se convierta en una estrella de acción. , y creemos totalmente que este tipo físicamente poco impresionante y normalmente de modales apacibles es un caldero de rabia hirviendo que podría tomar esa tetera y matarte con ella. 

Eric Kohn de IndieWire escribe que "Aunque es poco memorable, ofrece mucho entretenimiento en pequeñas dosis (...) No habría tanta fluidez entre sus frenéticas escenas de acción si este Odenkirk desaliñado no estuviera tan bien" 

Alonso Duralde de The Wrap señala que es "Una película de acción maravillosamente ágil, consistente e inteligente que sube el listón de un género que está dominado por clones de Liam Neeson." 

En la prensa británica Tim Grierson de Screendaily afirma que "Está tan bien ejecutada que sus elementos menos inspirados no molestan (...) Odenkirk demuestra que es una presencia interesante, manejando el humor con moderación" . 

Chris Hewitt de Empire sostiene que "Hay una cualidad caricaturesca, e incluso un toque de ligereza, en la violencia (...) Una de las películas de acción más puramente entretenidas de los últimos tiempos (…). 

Ya en España, Javier Ocaña en El País nos dice que es una "Violentísima película de acción (...) pequeña obra de cámara, escueta de tiempo y modesta en sus escenarios, que no obstante se eleva sobre su (aparente) sencillez como un placentero pasatiempo de salvaje creatividad." 

Quim Casas en las páginas de El Periódico señala que "Odenkirk sostiene la película y algunas de sus escenas de peleas (...) resultan muy vistosas. (...) es más comedia que 'thriller', más divertimento que densa película de acción. (…) " 

En Cinemanía, Irene Crespo, considera que "Odenkirk es muy creíble como ese don nadie (...) Los secundarios y hasta los malos también aportan diversión para que nos tomemos en serio a este nuevo don nadie con ganas de marcha. (…) " 

Y Pablo Vázquez en Fotogramas considera que es "Un oasis para aquellos que no creemos que la ficción pueda ayudarnos a ser mejores y mucho menos tenga la obligación de hacerlo. Cóctel adrenalítico aderezado con el mejor vitriolo (…)

El exorcista versión extendida

Hoy tocaba revisitar y ver este clásico que ya comenté por aquí y que me remite a la primavera del año 1983 con un grupo de amigos fuimos a ver nuestro primer vídeo en Betamax y no se le ocurrió otra cosa que ver esta película que nos dio un pánico atroz. 

Vista con el tiempo esta película del año 1973 , en una entrada que titulé El miedo en Beta, remozada por el director en el año bajo el título The Exorcist; The Versión you haven'i seen yet . La razón se debe a que William Friedkin eliminó varias escenas del montaje inicial para reducir el metraje de la película a petición del estudio (y a espaldas de William Peter Blatty, escritor de la novela original y productor del filme), son 132 minutos de duración, frente a los 122 de las salas en su estreno y que es lo único que difiere de la original es un enorme prólogo del padre y arqueólogo en el norte de Irak coma así como algunos fragmentos intercalados, se suman al nuevo montaje supervisado Friedkin la famosa secuencia del llamado 'spider-walk' por las escaleras , pero además incluyó las primeras visitas de la niña al hospital, otra en la que los sacerdotes Karras y Merrin conversan en la escalera de la casa de la familia MacNeill, y una última que cambia el final con una especie de epílogo en el que el teniente de policía Kinderman conversa con el padre Dyer sobre la dualidad del bien y del mal. 

Pero la película no deja de ser la misma aquella que comienza en un yacimiento arqueológico del norte de Irak en concreto el niño donde un arqueólogo y jesuita descubre un yacimiento restos arqueológicos que se remiten a la eterna lucha del bien contra el mal, y que posteriormente el director nos lleva a un barrio tranquilo de Washington, donde vive unan actriz  (Ellen Burstyn) que están rodando bajo de la dirección de un director y amigo, pero que detesta como en su casa con todas las comodidades modernas, su joven hija de doce años, una inocente muchacha, comienza a sentirse mal y ni su madre ni los médicos pueden ayudarle. 

Desesperada, tras los infructuosos intentos de investigación por parte de todo un equipo médico, finalmente se decanta por el Consejo que un médico le da para que le ayude un sacerdote. Aunque ni ella ni sun hija son practicantes la madre temiendo que el mal rebase lo físico y le afecte a lo espiritual decide ponerse manos de un sacerdote de una parroquia cercana, que acaba de perder a su madre, el sacerdote Karras, que es además psiquiatra y profesor de universidad. 

Él, en principio, se niega a intervenir pero viendo de que el mal haya entrado en el cuerpo de la niña y que cuanto más duda él más poderoso se vuelve el mal en la niña, decide contar el caso a sus superiores pues considera que la niña está poseída por un demonio arcaico que trae el terror hasta su hogar familiar. 

En esta lucha será asistido por el sacerdote que conocimos al inicio de la película y que ambos intentarán realizar sobre su persona todas las directrices que estipula el código de exorcismos de la iglesia católica para expulsar al ente de su cuerpo. 

El cerebro de Frankenstein

Maravilloso producto de la Hammer, que llevaba por título Frankenstein Must Be Destroyed, de su década más gloriosa- los sesenta- brilla con luz propia porque lo tiene todo, todos los ingredientes y características propias del sello de Hammer, desde el sentido gótico hasta el rojo sangre, la firma de  Terence Fisher que vuelve a la saga tras “Frankenstein creó a la mujer” (1967) , la presencia de Peter Cushing, aquí acompañado de Freddie Jones, la modelo y actriz Veronica Carlson -fallecida en 2022- y Simon Ward, la morbosidad del tema ligado a uno de los clásicos, el Doctor Frankenstein, supongo, hasta las bellas y voluptuosas señoritas ceñidas en trajes y corpiños victorianos, el trabajo en los Estudios Elstree , el vestuario, la dirección artísticas, todo, en definitiva, un buen título buena lección para celebrar una noche de Halloween y un tipo de cine que ta no existe pero que es maravilloso. 

En este caso la Hammer Productions contó con el productor Anthony Nelson Keys que a su vez contó con un guionista como Bert Batt que partía de una historia del mismo Anthony Nelson Keys y del mismo Bert Batt basada a su vez en la obra de Victor Frankenstein de Mary Shelley. En el apartado técnico aparece Arthur Grant como responsable de la fotografía, Gordon Hales como editor y James Bernard como responsable de la banda sonora que contó con la dirección musical de Philips Martell. A destacar el papel del supervisor de Arte, Bernard Robinson.

La historia nos lleva a una lúgubre calle británica donde un médico es decapitado por un hombre enmascarado. Mientras esto ocurre un ladrón irrumpe en un laboratorio subterráneo precisamente donde el hombre enmascarado entra al laboratorio con la cabeza cortada . 

Al descubrir al ladrón se inicia una lucha entre el recién llegado y el ladrón, quien escapa horrorizado al ver la cabeza seccionada. Impetusamente el hombre se desenmascara y nos encontramos que se trata del barón Victor Frankenstein (Peter Cushing). 

El ladrón que huye ensangrentado es detenido mientras corría por la calle por un bobby es llevado a la comisaría para informar al inspector Frisch (Thorley Walters ) sobre el lugar en el que luchó al ver la cabeza cortada. Al personarse la policía en el lugar del robo únicamente ve que aquello puede ser obra de un doctor por el instrumental quirúrgico. 

Mientras todo esto ocurre Víctor, bajo el alias de Sr. Fenner, alquila una habitación en una pensión dirigida por una bella casera, Anna Spengler (Veronica Carlson ) . Poco antes hemos conocido al prometido de Anna, Karl Holst (Simon Ward ) , un joven médico que trabaja en un hospital psiquiátrico donde el ex asistente de Víctor y su principal colaborador, el Dr. Frederick Brandt (George Pravda) , está internado después de volverse loco. Junto a él hay otros muchos enfermos con delirios como una chica que no para de gritar (Colette O'Neil ) , así como personal de ayuda y otros asistentes. 

Victor no cae bien entre los cuatro residentes permanentes de Anna que comentan horrorizados la aparición de la cabeza en un laboratorio y critican la experimentación sin ética de algunos médicos. Victor , cuando escucha esto, les replica y les dice "Perdonen, no sabía que eran ustedes médicos". Respondiendo los cuatro "Es que no lo somos", sentenciando Victor con un "Perdonen de nuevo. Pensaba que sabían de lo que estaban hablando". para luego comentarles que no pueden ir contra los avances médicos. Los desprecia, simplemente, por su falta de progresismo. 

Poco después al llegar a casa, descubre que el novio de Anna , Karl, ha estado robando narcóticos para ayudar a la madre enferma de Anna. Ejerciendo su maldad sin fin , Victor revela su verdadera identidad y chantajea a Karl para que lo ayude a secuestrar a Brandt para poder obtener la fórmula secreta de su experimento. 

Mientras roban equipo de un almacén para el nuevo laboratorio de Víctor, el guardia atrapa a Karl y al barón. Karl entra en pánico y lo apuñala. Víctor, ahora tiene un control absoluto sobre Karl, así que lo usa a él y a Anna para secuestrar a Brandt. Por cierto, el trato hacia Anna por parte de Victor es cortés en las formas pero en el fondo vejatorio y humillante. 

Entre tanto vemos que el Doctor Brandt recibe puntualmente las visitas de su esposa, Ella Brandt (Maxine Audley) , aunque el profesor Richter le dice que ya no la reconoce puesto que se ha degradado en exceso. De cualquier manera, Ella afirma que volverá a visitarlo. 

Brandt, una vez secuestrado, es llevado a la casa de Anna y construyen un laboratorio en el sótano. Karl le confía a Anna que ha matado al guardia y le ruega que se vaya, temiendo que pueda ir a prisión por ser cómplice de un asesino, pero ella se niega. 

Mientras tanto, Brandt sufre un ataque cardíaco, lo que lleva a Victor y Karl a secuestrar al administrador del asilo, el profesor Richter (Freddie Jones) , para trasplantar el cerebro de Brandt a su cuerpo. Esa noche, mientras Anna se prepara para ir a dormir, Víctor entra a su habitación y la viola. 

El secuestro producido , así como el robo de ciertas herramientas para el laboratorio, lleva a la policía dirigida por el Inspector Frisch y asesorado siempre por el Doctor de la policía ( Geoffrey Bayldon) ha marcar un área en donde pueden realizar sus acciones los sospechosos. Éste acerca a la policía a la casa de Anna. Cuando los policías se personan en su casa con la llegada de un sargento (Windsor Davies) y dos números ( uno de ellos Allan Surtees ) no descubren nada en una casa patas arriba desde el momento que a Anna le ha dado tiempo en idear que está redecorando la casa y que en la misma no existe sótano, el espacio que sí usa el Doctor Frankenstein como laboratorio. 

Al día siguiente, Victor y Karl logran trasplantar el cerebro de Brandt al cuerpo de Richter y entierran el cuerpo de Brandt en el jardín. 

Mientras Anna calla, el Doctor Frankenstein sale a pasear y se compra un manojo de flores para la solapa. En eso es visto y casi reconocido por Ella, la esposa de Brandt, que poco después, ya en casa, reconoce es Víctor Frankenstein el que ha visto en la calle y le pregunta por el secuestro de su marido, antiguo socio. Víctor le asegura que ha curado la enfermedad mental de su marido pero aunque ve sus reacciones con la mano no la deja verlo pues tiene la cabeza tapada. 

Ella inicialmente lo cree , pero de inmediato Anna , Karl y Victor han levantado el laboratorio y su criatura y se han marchado a una casa en el campo. Ella con dudas va al día siguiente y descubre la casa vacía y el laboratorio desmantelado . 

Poco después acude a Frisch. Mientras la criatura se recupera, Víctor junto a Anna y Frank se han instalado en una casa solariega desierta, cuando la policía comienza a acercarse. En el laboratorio, la criatura se despierta y queda horrorizada por su apariencia. Asusta a Anna, quien lo apuñala y provoca su huida. 

Víctor regresa y descubre que la criatura se ha ido. Enfurecido, apuñala mortalmente a Anna y va tras la criatura. La criatura logra llegar a su antiguo hogar, pero su esposa se niega a aceptarlo como su marido. Queriendo vengarse de Víctor y sabiendo que el barón eventualmente lo rastreará hasta allí, deja que su esposa quede libre y vierte parafina por toda la casa. 

Víctor llega pronto, seguido por Karl. Dentro de la casa, la criatura hace fuego en todas las salidas de la casa para atraparlo. Víctor encuentra los documentos del descubrimiento y huye, pero Karl le tiende una emboscada y luchan. 

La criatura emerge, noquea a Karl y lleva a Víctor gritando a la casa en llamas, donde presumiblemente ambos mueren acabando así con las detrás de impresión de la película, mientras el incendio quema la mansión . 

El cerebro de Frankenstein fue la quinta de una serie de películas en la que la Hammer se centra en el barón Frankenstein, quien, en esta película, aterroriza a quienes lo rodean en un intento por descubrir los secretos de un antiguo socio confinado en un manicomio. 

Marcó la última película de la Warner Bros.-Seven Arts que se estrenará bajo Warner Bros. cuando la empresa fue adquirida por Kinney National Company. 

La escena en la que Frankenstein viola a Anna fue filmada a pesar de las objeciones de Peter Cushing y Veronica Carlson, y del director Terence Fisher, quien la detuvo cuando sintió que ya era suficiente. No estaba en el guion original, pero la escena se añadió ante la insistencia del ejecutivo de Hammer, James Carreras, quien estaba bajo presión para mantener contentos a los distribuidores estadounidenses. No olvidemos que nos movemos en los años finales de los sesenta. 

Las escenas que presentan a Thorley Walters como el inspector Frisch también fueron adiciones tardías al guion original; han sido descritos como innecesarios, agregando un elemento de comedia no deseado a la historia de suspenso y también haciendo que la película sea demasiado larga. 

En cuanto a la crítica en general la película fue valorada positivamente. Alan Jones de Radio Times consideró que la película "está adornada por una actuación incisiva de Peter Cushing, hasta sus viejos trucos como el barón realizando trasplantes de cerebro. Freddie Jones es asombroso como la víctima angustiada del trasplante, cuya esposa no lo reconoce y lo rechaza, lo que provoca un plan de venganza. La sangre gótica es dirigida una vez más con enérgica habilidad y economía por Terence Fisher (el cuarto en la serie)". 

En la revista Variety se señala que es " muestra bastante buena en su estilo modesto, con un trabajo artístico bastante mejor de lo habitual (telones de fondo menos obvios, etc.), un mínimo de diálogos sin arte, buenas lentes de Arthur Grant y un sólido reparto". 

Josh Vasquez de Slant consideró que es "Una de las mejores de las siete entregas del ciclo Frankenstein de Hammer". "un buen ejemplo de su tipo discreto, con ilustraciones bastante mejores de lo habitual (fondos menos obvios, etc.), un mínimo de diálogo sencillo, buena lente de Arthur Grant y un elenco sólido en todos los aspectos" 

Y en Time Out se destaca la labor del director al dexcir que "Fisher explota aquí una rica veta de romanticismo, convirtiéndola en el punto culminante de una serie que después degeneró en la descuidada autoparodia 'The Horror of Frankenstein', de Jimmy Sangster". 

El crítico Leslie Halliwell consideró que era "Una adición animada pero decididamente desagradable al ciclo, acentuada aún más por una nota genuina de patetismo". 

Y , finalmente, en el Monthly Film Bulletin calificóla película como "el horror más enérgico de Hammer en algún tiempo. Las crudezas aún persisten, por supuesto, pero las conversaciones sobre trasplantes y drogas parecen haber inyectado nueva vida a la historia del barón Frankenstein". 

Ya en España, Fausto Fernández en Twitter cuando X era Twitter señaló que " El radical ("progresista", que diría el barón) ciclo que la Hammer dedicó al doctor Frankenstein (Peter Cushing como nunca) no ha sido jamás superado. Y dentro de él se halla esta pieza cumbre". Palabra de faustianovich, un sabio.