La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.  

Revisión de Pánico en el Transiberiano

Acabo de voler a ver una película que me impactó cuando vi un resumen de la misma, siendo un niño,  sobre lo que era Pánico en Transiberiano, una película que representa uno de los puntos álgidos de la edad de oro del cine de género fantástico producido en España, adelantándose a muchos conceptos modernos de terror psicológico y sci-fi. 

Uno se puede hacer la siguiente pregunta ¿Por qué merece la pena ver Pánico en el Transiberiano? La respuesta está en que esta película que internacionalmente se conoció como Horror Express, 1972 es una joya única del cine fantástico y de terror, hecho por un español, pero que cuenta con un sólido grupo de actores nacionales, como la bellísima Silvia Tortosa, así como británicos de la talla de Peter Cushing y de Christopher Lee, dos de los grandes del cine de terror europeo, vinculados con la Hammer , pero es que además su suma Telly Savallas. A todo esto se une que la película combina con maestría el suspense clásico, la serie B y la ciencia ficción. 

Obviamente tiene un reparto mítico al contar precisamente con dos de las mayores leyendas del cine de terror de todos los tiempos, Christopher Lee y Peter Cushing, cuya química en pantalla es excepcional. Cuenta con una premisa original y absorbente con esa entidad alienígena llegada casi al inicio de la aparición de los seres humanos y que tiene la capacidad para absorber los recuerdos y habilidades de sus víctimas con la mirada; pero es que además, el director Eugenio Martín- fallecido en 2023 y autor entre otras de "El precio de un hombre" (1966), "Una vela para el diablo" (1973) - supo mantener el ritmo y la tensión en suspense de forma constante en un espacio claustrofóbico, evitando que la historia decaiga en ningún momento. 

Además sorprendió a propios y a extraños al tener un sorprendente diseño de producción y eso que contó con un presupuesto muy ajustado para la época, luce una ambientación muy cuidada a principios del siglo XX, con un uso excelente del color, la fotografía y maquetas ingeniosas.

La historia nos cuenta que en 1906, Alexander Saxton (Christopher Lee), antropólogo y geólogo inglés, al frente de una desafortunada expedición de la Sociedad Británica de Geología, encuentra en China un fósil de características muy especiales, un extraño ser humanoide, apresado en un glaciar. Para transportarlo desde Shanghai hasta Moscú, donde espera enlazar a Londres, viaja en el Transiberiano. 

Durante el viaje comienzan a sucederse una serie de muertes extrañas. Un médico, el doctor Wells (Peter Cushing) realiza la autopsia de los cadáveres y descubre que los bancos de memoria de todos los muertos han desaparecido. 

Todas las víctimas son personas que poseen determinados conocimientos científicos. El ser prehistórico, autor de las muertes, carece de personalidad propia. Y es que hace dos millones de años, unos seres de otra galaxia visitaron la Tierra. Su constitución les exigía la estructura biológica de un animal terreno para existir sobre este planeta, y por esto se hicieron con algunos humanoides.

Fausto Fernández nos duce "¡Qué jodidamente buena sigue siendo PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO! ¡Y qué rematadamente bien que funciona su mezcla de relato de aventuras Julio Verne ("Miguel Strogoff"), western de Anthony Mann, un Sherlock Holmes de Terence Fisher, un Hammer RASPUTÍN y EL ENIGMA DE OTRO MUNDO!". Y sentencia con "Una de las obras maestras del terror nacional (más internacional), muy Hammer y muy creativa ella".

Revisión de Río Lobo

Películas magníficas que se olvidan, o al menos, gran patrte del argumento, y eso que en la misma aparece un gigante como John Wayne y está dirigido por otro Howard Hawks. Pero nada. Lo cierto que esa guitarra española y esa composición me permitieron reconocerla, - de hecho ya está aquí comentada-  pero no así el argumento. 

Howard Hawks fue uno de los grandes maestros del western , aportando al género una visión centrada en la profesionalidad,la camaradería y la dignidad humana por encima de los grandes conflictos épicos no exento de un tono de comedia aquí visible en el confortable John Wayne o en el montaraz Jack Elam. Sus historias giran en torno a pequeños grupos de personas leales que defienden un valor o una causa (como un sheriff, un borracho y un cojo resistiendo en una cárcel en Río Bravo ). 

Sus protagonistas son muy humanos y no son superhéroes invencibles, sino profesionales que dudan, envejecen o están cansados, pero que cumplen con su deber con elegancia y estoicismo. 

El director prefiere la tensión psicológica y dramática de un espacio reducido (un pueblo, una oficina del sheriff) donde se va a producir un asedio como ese pequeño taberna de Río Lobo del enfrentamenito final frente a la inmensidad abierta típica de otros directores como John Ford. Al igual que el director de Maine, aunque irlandés de corazón, va a introducir momentos de comedia ligera e ironía entre los personajes, con diálogos magníficos, rompiendo la solemnidad sin perder la tensión dramática donde el hunor y la violencia están absolutamente equilibrados. 

La puesta en escena es transparente con un estilo de dirección directo, sin artificios ni flashbacks innecesarios; prioriza que la historia fluya de manera natural a través de las acciones y miradas de los actores. Y casi todo está presente en sus ríos, todas ellas, obras esenciales del género desde la magnífica Río Rojo (1948), ese drama sobre la obsesión, el liderazgo y el conflicto generacional en una gran ruta de ganado con John Wayne y Montgomery Clift, pasando por la imprescindible Río Bravo (1959), su obra maestra absoluta, donde un grupo variopinto defiende una comisaría frente a una banda de forajidos pasando por su continuación no reconocida como El Dorado (1966), una maravillosa revisión de los temas de Río Bravo , centrada en la amistad madura y la lealtad y que termina con la película que he visto Río Lobo (1970), su última película y el cierre de su mítica colaboración con John Wayne. 

A destacar el papel de los personajes femeninos en los westerns de Howard Hawks que rompen por completo con el estereotipo tradicional del género y que está muy presente en Río Lobo. La protagonistas, Jennifer O'Neill, pero también las otras dos chicas de este filme, entre ellas Susana Dosamante y la chica que llegará a presidir la Paramount, Sherry Lansing, son independientes y toienen una gran fortaleza mental, responde inteligentemente y participan del ingenio a través del diálogos ágiles. Además se integran rápidamente en el "grupo profesional".

En definitiva, una película muy de Hawks, con su tipología femenina, con un inicio enérgico y espectacular y con la camaradería como elemento central . Un western memorable con un John Wayne, por supuesto, confortable. 

He Man y los Masters del Universo

Aunque en la película Masters of the Universe (2026), suena una canción de Queen, con un sonido algo duro, cercano al hard rock y al heavy metal,  no deja de ser un piñazo. POero eso sí, me ha llamado la atención escuchar una canción que no es otra que "Príncipes del Universo", una canción escrita por Freddie Mercury e incluido originalmente en el álbum A Kind of Magic (1986) y que , realmente, fue compuesta para otra película, The Highlanders (1986).

Su inclusión en el universo de He-Man cobra aún más sentido gracias a la participación directa del guitarrista de la banda, Brian May, quien colaboró en la banda sonora de la película y en la composición de la nueva entrega cinematográfica. Y aunque la música original fue compuesta por Daniel Pemberton , pero el  guitarrista de Queen Brian May se unió al proyecto para aportar su inconfundible estilo rockero .

Brian May colaboró ​​directamente en una potente pieza instrumental titulada "Eternia" , la cual funciona como uno de los temas centrales de la película. Para May , este proyecto supuso un emocionante regreso al cine de fantasía y ciencia ficción, pues como recordaréis todo comenzó grabando su célebre trabajo completo en la banda sonora de Flash Gordon en 1980. 46 años no es nada.

Decía Fausto Fernández en agosto de 2015 que que urgía " una puesta a punto en GreySkull y el desempolvar a He-Man en pro de disfrutar como se merece Masters del Universo, que contaba con un Dolph Lundgren nacido para ser He-Man, y Frank Langella para soltarse la melena como Skeletor...el bombazo de la Cannon. Mítica ¡Por la gloria de Greyskull!". Este mismo verano se fue su guionista David Odell que también lo fue de Supergirl, Cristal oscuro, Los piratas de las islas salvajes, Cry Uncle o autor de algún que episodio de El Show de los Teleñecos. Si sé lo que piensa el "friki, coleccionista, lector, ser humano" - así se define- autor de obras como Masters del universo: El poder de los 80, Movies de los 80, Movies en 8_BIT o Proyecto: retorno 80, y que responde al nombre de Kromic Bruck de la película y es que se siente orgulloso. En agosto de este año publicaba que "Masters of the Universe lleva más de tres semanas siendo la película más vista de Prime Video a nivel global. Es la mas vista en agosto y fue la segunda más vista en julio pese a estrenarse a finales de mes".

Valor de Ley revisada

El clásico de Henry Hathaway del año 1969que supuso el reconocimiento a su trayectoria y por su buen trabajo al mítico John Wayne. Hace años, en concreto, en febrero de 2013 escribí una entrada con el nombre de True Grit: Original y Copia y en ella decía lo siguiente:

Hace un par de años pude ver una película de los hermanos Coen de título Valor de Ley. Le película era un western socarrón, entretenido, con personajes magníficamente definidos. En ese momento se enteré que estaba basado en una película anterior y que tenía a John Wayne como protagonista. El tiempo pasó y un día vi parte de ella en Paramount Channel. Era cuestión de tiempo que la viese. Y ayer llegó el momento. 

Y es que True Grit (Valor de ley en España) es un western del año 1969, dirigida por un clásico Henry Hathaway (1898-1985) y que está basada adaptación de la novela escrita por Charles Portis, aunque el guión fue obra de Marguerite Roberts. Como dije anteriormente fue llevada al cine por los hermanos Coen por segunda vez en 2010. La producción de Hal B. Wallis y la distribución estuvo en manos de la Paramount Pictures.

Dos grandes participan en la música Elmer Bernstein y en la fotografía Lucien Ballard. El montaje fue labor de Warren Low. El elenco está protagonizada por John Wayne (Rooster Cogburn), Glen Campbell (La Boeuf), Kim Darby (Mattie Ross), Jeremy Slate (Emmett Quincy), Robert Duvall (Ned Pepper), Dennis Hopper (Moon) , Strother Martin (Col. G. Stonehill) y Jeff Corey (Tom Chaney) en los papeles principales.

Al comienzo de la película escuchamos una canción de Elmer Berstein que nos encamina a una granja en la que su dueño se está despidiendo de su hija, Mattie Ross, (Kim Darby) , de 16 años, que es la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. ‘Paga lo menos que puedas’, le recuerda la protagonista a su padre. Éste sale para una ciudad, Ford Smith, con el fin de comprar ganado, unos caballos mustang. Va acompañado de un colaborador en el rancho, Tom Chaney (Jeff Corey). Éste, prácticamente un desconocido que fue recogido por el señor Ross hace unos meses, en la ciudad se entrega al juego y a la bebida. Una cosa y la otra le llevan al asesinato de su jefe. 

Días más tarde, al ir a recoger el cuerpo de su padre, Mattie consulta al sheriff local sobre si puede detener a Chaney. Unos minutos antes hemos visto - además del asesinato a sangre fría de Ross-, tres ejecuciones (con venta de cacahuetes inclusive) y , poco tiempo después, un juicio con declaración sobre un ajustamiento y torturas… Ante la pasividad de las autoridades para detener a Chaney, decide organizar la captura del asesino. Se nos presenta Mattie como una chica decidida, inteligente, luchadora, desenvuelta, frágil y, a veces, ingenua. 

Al saber que Chaney ha huido al territorio indio donde el sheriff no tiene autoridad y que se ha unido a la banda de Ned Pepper, indaga sobre la contratación de un alguacil que sea valiente. 

El sheriff le recomienda tres, y Mattie piensa en contratar a Reuben J. Rooster Cogburn (John Wayne) de quien el sheriff había dicho que era el "más malo" , pero eficaz en su trabajo, y que lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura. y que se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Tras observar en un juicio presidido por el juez Parker se decide sin duda por el taciturno, bebedor y tuerto Cogburn inicialmente rechaza la oferta, al no creer que ella tenga dinero para contratarlo. Sin embargo, ella consigue el dinero regateando con un tratante de caballos quien hizo negocios con su padre. 

Mientras, en la pensión en la que ella se aloja, se integra un Ranger de Texas de apellido Tom LaBoeuf (Glen Campbell) , que también busca al fugitivo Chaney y llega tras la pista de Chaney tras el asesinato de un senador estatal Bibbs de Texas y su perro…. 

LaBoeuf , un hombre honesto, rígido, con espuelas, servidor del deber, testarudo y codicioso propone hacer un equipo con Cogburn, quien conoce el terreno Choctaw donde la banda de Pepper y de Chaney se esconde y se integrado en una banda dirigido por un forajido de nombre Pepper, pero Mattie rechaza su oferta, porque ella desea a Chaney ahorcado en Arkansas por el asesinato de su padre, no en Texas por matar a un senador. 

Mattie también insiste en viajar con Cogburn para buscar a Chaney. Pero Cogburn más tarde se va sin ella, después de haber ido con LaBoeuf para aprehender a Chaney. Después de ser rechazado en su pasaje en el ferry que transporta a Cogburn y LaBoeuf, Mattie cruza el río a caballo. 

Se inicia así la aventura para encontrar a Chaney. En su búsqueda llegan a un refugio. Allí encuentran a dos forajidos, Quincey y Moon. Cogburn hiere a Moon, quien le pide ayuda a Cogburn. Éste empieza a interrogarlo. Moon será fatalmente apuñalado por Quincey, a quien Cogburn le dispara y le provoca la muerte. Antes de morir, Moon le dice que Pepper y sus secuaces regresarán más tarde esta noche.

Justo después de que la cuadrilla Pepper llegara, y mientras preparan una emboscada, la chica mientras obtiene agua de un arroyo cercano es descubierta por Mattie, quien intenta tomarla como rehén, sin embargo, hiere a Mattie. Cogburn, oculto en la colina con Mattie intenta liberarla. Ella le dispara, pero él sobrevive. 

Una vez solo, Chaney intenta matar a Mattie. LaBoeuf aparece y golpea a Chaney. Entrre el texano y Cogburn idean un plan. La chica y el ranger observan desde un acantilado como Cogburn se enfrenta con los restantes miembros de la cuadrilla de Ned. En el duelo a muerte , mata a tres de sus secuaces e hiriendo a Ned, antes de que su caballo se golpee y cae, atrapando la pierna de Cogburn. Antes de que Pepper pueda matar a Cogburn, LaBoeuf dispara desde su acantilado y mata a Pepper a unos 400 metros de distancia. 

Por su parte, Chaney ataca traicioneramente a LaBoeuf, dejandoló inconsciente. Mattie se apodera del rifle de LaBoeuf y le dispara a Chaney quien muere tras darle un tiro en el pecho. En el retroceso, sin embargo, se cae al fondo de un pozo que contiene serpientes de cascabel. Mattie es mordida antes de que alguien le auxilie en un momento LaBoeuf le ayuda con sus últimas fuerzas. Tras esto LaBoeuf muere. Tras esto llega Cogburn quien practica los primeros auxilios. Este toma el mustang de la chica e intenta llegar a una ciudad para salvarla. Mattie llega finalmente al doctor, después de que su caballo se derrumbara por agotamiento, por último hace su camino a un puesto comercial. 

Tras salvarla Cogburn se despide de ella quien vuelve a su rancho. Allí, tiempo más tarde, recibe a Cogburn. Le enseña el cementerio familiar donde está enterrado su padre. Le comenta su proyecto, al lado de su padre, su madre. Ella a un lado, pero le dice a Cogburn que quiere que él, al morir, sea enterrado junto a ella. Cogburn recibe la noticia con alegría y se marcha a toda prisa con su caballo. 

"Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante". Esta fueran las declaraciones escritas de Fernando Morales en el Diario El País. 

A John Wayne le valió el oscar en 1969 a mejor actor principal, y en la ceremonia soltó una frase para la historia del cine "Si lo hubiese sabido me habría puesto el parche 35 años antes". Fue ganadora igualmente de un Globo de Oro en 1979, al mejor actor (John Wayne) y ganadora del premio Golden Laurel de 1970 al mejor actor (John Wayne). 

Los secundarios son bastante conocidos, sobretodo aquellos dos que por entonces no eran muy populares, Robert Duvall y Dennis Hopper, también Glen Campbell un cantante de country bastante reconocido, luego están los siempre presentes en el género como es el caso de Jeff Corey, Strother Martin y la breve aparición del omnipresente Hank Worden. 

La acción dramática se inicia en la ciudad de Fort Smith (Arkansas) y se desarrolla durante el invierno de 1880 en los territorios indios hoy integrados en el estado de Oklahoma. El relato da comienzo tras la puesta de sol del 5-X-1880. Se rodó en escenarios naturales de Colorado, California y en Durango (Méjico), entre septiembre y diciembre de 1968. Producido por Hal B. Wallis para Paramount, se estrenó el 11-VI-1969 (EEUU). 

El título de la obra responde al hecho que Mattie busca para la captura del asesino a un hombre de valor. Las diferencias de edad de los viajeros, la disparidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado permanente de desencuentros, fricciones y discusiones, que mantienen vivo el clima de la expedición. Los diálogos, tomados en gran parte de la novela, son precisos, concisos, contundentes y brillantes. Conviene hacer constar que Charles Portis escribió la novela pensando en su adaptación al cine y en la identificiación de “Rooster” con John Wayne. 

La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del público. Como es habitual en él, integra en el drama el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución. Es un western entretenido y grato, con elementos valiosos de intriga, tensión y drama. 

La banda sonora, de Elmer Bernstein ("La gran evasion", Sturges, 1963), ejecuta una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en instrumentos de viento, que dejan la melodía a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación en la acción y de recursos épicos o líricos (solo de flauta en la intimidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los créditos de entrada la canción original de Bernstein “True Grit”, que canta Glen Campbell. 

La fotografía, de Lucien Ballard ("Grupo salvaje", de Sam Peckinpah, 1969), crea composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico del film. Por si fuera poco, y digno de su director, el film está nutrido de una fotografía extraordinaria, de pura y enorme belleza, con una colorimetría abismal y de lo más variable, haciendo que su atractivo gane enteros. 

Destaca destalles de interés como la luz de carburo, el colt Dragón, el vendedor de cacahuetes, etc. Su cartel lo deja claro y reza: ‘El más extraño trio para coger a un asesino: Un valiente, tuerto U.S. marshall que nunca ha conocido un día sobrio, un ranger de Texas sediento de generoso dinero y una chica todavía en pañales a la que no le importaba lo que hubieran hecho o quiénes eran, siempre y cuando tuvieran Valor de Ley.’ 

Aparece otro punto de vista sobre el ‘ajuste de cuentas’; la protagonista, recordemos, que quiere a Tom Chaney para que sea ejecutado con todas las de la ‘ley’, pero no quiere que lo sea en otro estado por otro de los crímenes que ha cometido, como el asesinato de un Senador, sino que quiere reivindicar a su padre como víctima principal. 

John Wayne arrebató el Oscar a Dustin Hoffman por 'Cowboy de medianoche'. El entonces ya veterano actor, con parche en el ojo, se inventa un personaje memorable. Hathaway también se vale de unos grandes secundarios, con unos principiantes Robert Duvall y Dennis Hopper, lo cual aumenta aún más el aliciente por “Valor de Ley”. 

La historia es sencilla, relativamente previsible y cautivadora. No es habitual la presencia determinante en el grupo protagonista de una jovencita de espíritu independiente, gran imaginación, descarada y de rigurosas convicciones presbiterianas. Choca con las laxas concepciones morales de “Rooster” (el gallo) y las estrictas creencias episcopalianas de Le Boeuf.

Esta joya de la Paramount Pictures como ya dijimos fue premiada en la 42 Edición de los Oscar (1970) con el premio al Mejor actor principal (John Wayne), quien al subir al escenario, emocionado y con lágrimas en los ojos, pronunció un discurso breve y humilde que muchos consideraron el galardón un homenaje a sus más de 40 años en la industria. También fue nominada a la Mejor canción compuesta por Elmer Bernstein, Don Black (True Grit) 

Igualmente en la 27ª edición de los Globos de Oro (1970) fue ganadora al Mejor actor principal (John Wayne) siendo nominada a la Nueva promesa masculina (Glen Campbell) y a la Mejor canción original ("True Grit" (Elmer Bernstein, Don Black). Y en los británicos BAFTA, o sea, los Premios de la academia de cine británica como en los Globos de Oro la atención recayó no en Glen Campbell sono en Kim Darby que fue nomianada al Premio Rising Star (Estrella emergente). 

Por su parte, el Sindicato de Guionistas (WGA) nominó al Mejor guion adaptado drama a Marguerite Roberts ; mientras que la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) incluyó a True Grit entre las diez mejores películas de 1969. 

A lo ya dicho añado yo lo que pensaron los críticos de la época y actuales. El conocido crítico que publiaca en la prensa de Illinois, Roger Ebert, que escribía en las páginas del Chicago Sun-Times se trata de "Una de sus glorias es que reconoce la presencia especial de Wayne (...) Este es la clase de filme que llamas 'película,' en lugar de la clase de película que llamas 'filme'".

Tom Milne de Time Out comenzó que parecía "Perezosamente dirigida por Hathaway, es bastante agradable, aunque demasiado autoconsciente y pacata" 

Por su parte, el mítico Vincent Canby, habitual de las páginas del The New York Times afirmaba que era "Una fábula fronteriza maravillosamente incoherente y repleta de incidentes extraordinarios, encuentros asombrosos, personajes nobles y recompensas virtuosas." 

En Variety es presentada como "Casi todo el rato es Wayne. Él lo sobrepasa a todo: a los actores, al guion, incluso a las magníficas montañas de Colorado" 

Para Kevin Thomas de Los Angeles Times la película es "Irresistible western del 69 que le dio a John Wayne un Oscar largamente merecido" 

Para la prensa británica la película es "Una encantadora mezcla de comedia, acción y sentimiento"como señala Paul Howlett en The Guardian ; o como dice William Thomas en Empire "Aunque hace más comedia que una verdadera interpretación, Wayne es una delicia, especialmente cuando hace de John Wayne" 

Ya en España Fernando Morales en El País dejó por escrito que "Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante".

Y el magnífico Fausto Fernández en X- antes Twitter- publica que "Olé por la versión de los Coen con Jeff Bridges, que es más fiel a la novela original, pero no puedo evitar querer un poco más a la de Henry Hathaway con un oscarizado John Wayne " Y añade reincidiendo que fue " El único Oscar de John Wayne llegaría por su tuerto, borrachín y cazaforajidos Rooster Cogburn en un reverenciable western legendario, tanto como Henry Hathaway dirigiéndolo, Robert Duvall siendo el villano y una inolvidable Kim Darby deslumbrando como la joven protagonista". 

Por mi parte decir que la película es una muestra de la presencia arroladora en la pantalla de otro de los personajes de John Wayne, aquí como Rooster Cogburn. Además destacar de la misma la química absoluta entre los personajes de Rooster y Mattie.Frente al cinismo de Cogburn se encuentra Mattie Ross, interpretada con una frescura y tenacidad arrolladoras por Kim Darby. La dinámica entre la joven decidida a vengar a su padre y el viejo agente de la ley (a la que se suma a un correcto Glen Campbell como el Ranger de Texas, La Boeuf) huye de los sentimentalismos baratos. El guion de Marguerite Roberts, basado en la novela de Charles Portis, construye una relación de respeto mutuo maravillosa: dos personajes tercos de generaciones opuestas que se necesitan para sobrevivir. 

A destacar del mismo igualmente la dirección de Henry Hathaway y uno de sus aspectos técnicos y formales como fue la fotografía que sacó los imponentes paisajes de Colorado (que simulan ser Arkansas), pues la película fue rodada en el condado de Ouray y Ridgway, en el paso de Owl Creek y en la Pradera de Deb, en Last Dollar Road y lucen espectaculares gracias a la luminosa fotografía en Technicolor de Lucien Ballard. Tmabién la banda sonora compuesta por uno de los grandes, Elmer Bernstein, que envuelve todo el metraje con una partitura épica, enérgica y profundamente optimista que eleva el sentido de la aventura en cada plano. Y en definitiva un western emocionante, emotivo, divertido y con un alma enorme llena de optimismo.  

Para terminar sabemos que John Wayne continuó en los años setenta hasta que falleció en 1979. En esta década siguió año tras año en la lista de los diez actores más rentables de Hollywood. Durante estos años protagonizó películas notables del género como Rio Lobo (1970) , The Cowboys (1972) y la secuela Rooster Cogburn (1975) aquí llamada El rifle y la Biblia , esta última coprotagonizada junto a otra gran leyenda de la época, Katharine Hepburn. En 1976 protagonizó la que se convertiría en su última película, The Shootist ( El último pistolero ) . En ella encarnó a JB Books, un anciano y legendario pistolero del Oeste diagnosticado con un cáncer terminal que busca pasar sus últimos días en paz. El actor fallecía tres años más tarde, en 1979 y , efectivamente, de un cáncer de estómago. Su última aparición pública ocurrió el 9 de abril de 1979 en la 51.ª edición de los Premios Óscar. Al salir al escenario, visiblemente delgado y demacrado pero manteniendo intacta su imponente postura, Hollywood entero se puso en pie regalándole una ovación atronadora de varios minutos. Wayne bromeó diciendo: "El Óscar y yo tenemos algo en común: los dos llegamos a Hollywood en 1928, estamos bastante desgastados por el tiempo, pero planeamos seguir estando por aquí mucho tiempo más" . Tenía 72 años. 

Por su parte, el cantante Glen Campbell que destacó como un virtuoso de la guitarra y fue cantante de éxitos mundiales como Rhinestone Cowboy, falleció en en Nashville, Tennessee 2017 a los 81 años tras una larga lucha contra el Alzheimer, enfermedad que anunció en 2011 mientras publicaba un conmovedor disco y canción de despedida I'm Not Gonna Miss You;  mientras que Kim Darby que hizo la película con 21 años y que después participó en proyectos como la serie Hombre Rico, Hombre pobre - Rich Man, Poor Man - o la película de culto Better Off Dead sigue viva a los 79 años y trabaja como profesora de interpretación y dirección.

L.A. Confidencial

Cada vez que veo esta película me parece mejor. Recuerda haber ido al cine en 1.998 para ver esta película de Curtis Hanson que se desarrolla en Los Ángeles, allá por el año 1953 y que mientras el cine de Hollywood vende una imagen y esplendorosa de la ciudad la misma vive llena de tráfico de drogas, inicio de la mafia y agentes corruptos que están al orden del día. 

Así se desarrolla este clásico contemporáneo que ya comenté en su tiempo con el título Secretitos y que hoy he vuelto a revisar y a disfrutar que llegó a ganar dos oscars, una a la mejor actriz secundaria en la persona de Kim Basinger y otro al mejor guión adaptado para Brian Helgeland y Curtis Hanson.

Basada en la novela homónima de James Ellroy la película mezcla verso generals como el cine negro, el thriller, la acción, y el drama mientras se nos narra un intrincada trama de asesinatos envueltas en corrupción, sobornos, secretitos, ambiciones desmedidas, sueños rotos todo ello envuelto en Ash ash. 

Dirigida por el ya desaparecido director estuvo nominada a otros siete Óscar entre ellos la mejor película y dirección aunque ganó el globo de Oro a lo mejor actriz de reparten. 

En la película Guy Pierce, Kevin Spacey y Russell Crowe dan vida a los tres detectives principales de la trama; Ed Exley (Guy Pearce) un hombre ambicioso, íntegro y dispuesto a seguir las regla; Bud White (Russell Crowe), un ser violento, impulsivo y con debilidad por las mujeres maltratadas; y Jack Vincennes (Kevin Spacey), un detective elegante y más interesado en la fama y los jugosos sobornos de la farándula que en la justicia pura; mientras que la Basinger asume el papel de una prostituta que tendrá un papel fundamental en el desarrollo de la historia. Por su parte James Cromwell será el jefe de la policía y Danny DeVito un redactor de una revista o amarillent que será el primero en llegar siempre a la escena del crimen. 

La crítica la considera una obra maestra moderna del género. Destaca por un guion complejo y lleno de giros que entrelazan con precisión múltiples tramas, unas actuaciones memorables de su reparto principal y una atmósfera recreada en los cincuenta y realista que revitalizó el cine negro clásico. En definitiva, cine negro en estado puro . Crímenes, corrupción, turbios negocios... y, sobre todo, violencia, mucha violencia. Sin concesiones.

Karate kid: Legends

El Señor Miyagi, Nariyoshi Miyagi, no solo es uno de los personajes más icónicos de la historia del cine, sino el corazón moral y la columna vertebral de toda la saga de The Karate Kid . A través de su sabiduría, paciencia y aparente sencillez, encarna la figura del mentor perfecto, transformando la vida de Daniel LaRusso y, por extensión, la de millones de espectadores que encontraron en sus enseñanzas una verdadera filosofía de vida. 

En primer lugar, Miyagi redefine el concepto de la fuerza. En un entorno cinematográfico y social a menudo obsesionado con la brutalidad y la dominación física —ejemplificado a la perfección por la doctrina despiadada de "golpear primero" del dojo Cobra Kai—, él introduce una alternativa revolucionaria: el karate como herramienta de defensa personal y crecimiento interior. 

Para Miyagi, la verdadera victoria no radica en vencer a un oponente, sino en conquistar los propios miedos y mantener la paz. Su famosa frase, "el karate se busca aquí", señalando al corazón, resume una ética donde las artes marciales son un camino hacia la compasión, nunca hacia la violencia. Asimismo, su método pedagógico es una genialidad de la psicología y la constancia. Tareas aparentemente mundanas y tediosas como "encerar, pulir", pintar la valla o lijar el suelo no eran meras formas de explotación laboral, sino un entrenamiento brillante de la memoria muscular y la disciplina. 

Miyagi enseñaba que el aprendizaje requiere paciencia y que los cimientos de cualquier habilidad importante se construyen lejos de los focos, en el esfuerzo diario y silencioso. Esta lección trasciende el tatami: nos recuerda que en la vida no existen los atajos y que el dominio de uno mismo se forja en los detalles más pequeños.

Más allá de sus habilidades marciales, el papel de Miyagi destaca por su profunda dimensión humana. Detrás de su sentido del humor afable y sus ingeniosas respuestas, se esconde un hombre marcado por la tragedia: un veterano de la Segunda Guerra Mundial que sirvió con honor en el Ejército de los Estados Unidos mientras su esposa y su hijo por nacer morían en un campo de internamiento para japoneses-estadounidenses. A pesar de este dolor inimaginable, Miyagi no permite que el resentimiento guíe sus acciones. En lugar de cerrarse al mundo, adopta un rol paterno con Daniel, llenando el vacío de un joven sin padre y ofreciéndole un refugio seguro frente al acoso y la hostilidad.

El Señor Miyagi es mucho más que un maestro de karate; es un faro de integridad, equilibrio y resiliencia. Su legado nos enseña que el verdadero poder no se mide por la capacidad de infligir daño, sino por la capacidad de proteger, sanar y mantener el equilibrio emocional en medio de la tormenta. Alabar su figura es celebrar la empatía, la dedicación y la eterna sabiduría de que, tanto en el karate como en la vida, el equilibrio lo es absolutamente todo.

Pues bien, en el año 2025 el director Jonathan Entwistle tuvo la oportunidad de reunir a Jackie Chan, a Ralph Macchio, y retrotraernos a la ochentera Okinawa para volvernos a mostrar al maestro Miyagi, persona que enseñó a Daniel Larruso y al gran Jackie Chan, el sensei del reboot de 2010, y ambos se reúnen en esta historia, digna heredera de la mítica saga de películas de artes marciales, en las que un nuevo aprendiz encontrará el camino para alcanzar todos sus potencial en la lucha y en la vida. No hay duda de que si buscamos a un personaje legendario ese es el Profesor Miyagi.

Tan fundamental en Karate Kid es el Profesor Miyagi que esta película comienza en el año 1985 en Okinawa. Allí un joven Daniel LaRusso escucha atentamente al señor Miyagi mientras este le explica cómo hace generaciones muchas qsee los millares y los Han están unidos por la amistad y las artes marciales. La historia comienza en el verano de 1985, el Sr. Miyagi - un Pat Morita aparece como el Sr. Miyagi en imágenes de archivo de Karate Kid II - le cuenta al entonces adolescente Daniel LaRusso ( un joven Ralph Macchio ) sobre los orígenes del karate de la familia Miyagi y la relación entre las familias Miyagi y Han. El antepasado del Sr. Miyagi del siglo XVII, Shimpo Miyagi, terminó en China mientras pescaba frente a la costa de Japón. La familia Han lo acogió y le enseñó kung fu, que utilizó para desarrollar el karate de la familia Miyagi a su regreso a Okinawa . 

En 2023, el Sr. Han (Jackie Chan) es el venerado shifu , maestro de una escuela de wuguan , kung fu en Pekín. Entre sus alumnos se encuentra su sobrino nieto, Li Fong (Ben Wang ) . La madre de Li es médica, la Dra. Fong, ( Ming-Na Wen) y sobrina del Sr. Han , y llega para comunicarles a Li y al Sr. Han que ha aceptado un trabajo en Nueva York. Le hace prometer a Li que dejará de practicar artes marciales después de que su hermano, Bo Fong ( Oscar Ge) , fuera apuñalado mortalmente por un oponente derrotado y vengativo tras un torneo el año anterior. 

En la actualidad en Pekín otro joven intenta aprender el arte milenario con su tío abuelo, el señor Han, en contra de los deseos de su madre como que coma decidida alejarlo de la lucha tras haber perdido a uno de sus hijos en una agresión realizada por luchadores y que ha decidido trasladarse a Nueva York con su hijo.

En Nueva York, Li tiene dificultades para adaptarse a la escuela y conoce a Mia Lipani ( Sadie Stanley) , hija del excampeón local de boxeo, Victor Lipani ( Joshua Jackson) , dueño de una pizzería y que tiene problemas con un prestamista. 

A medida que su amistad se fortalece, se enfrentan al agresivo exnovio de Mia, un campeón local de kárate llamado Conor Day (Aramis Knight ) . 

Después de que Conor golpea a Li en la cara, su madre contrata a un tutor, Alan, quien se convierte en su mejor amigo. Más tarde, Li se enfrenta a Conor en la escuela, pero se da cuenta de que Conor es un luchador más poderoso. Li intenta una patada giratoria con salto llamada "patada del dragón", aprendida de Bo, pero Conor la contrarresta y lo derrota. 

Una noche, Li presencia cómo Victor es atacado por matones enviados por su acreedor, O'Shea (Tim Rozon ), un usuarero y prestamista del padre de Mia y , además, dueño del dojo de kárate donde entrena Conor. 

Obligado a intervenir, Li derrota a los atacantes. Victor decide volver al boxeo para pagar su deuda y salvar su pizzería, y le pide a Li que lo entrene. 

Durante el combate de regreso de Victor, el oponente, siguiendo órdenes de O'Shea, lo noquea con golpes ilegales, enviándolo al hospital. Li, paralizado por los recuerdos de la muerte de Bo, no acude a ayudar en el hospital, lo que decepciona a Mia. 

Entre tanto, el Sr. Han llega a Nueva York para enfrentarse a Li. Al enterarse de la verdad, lo anima a retomar las artes marciales para participar en el próximo Torneo de los Cinco Distritos. 

Han viaja a Los Ángeles para pedirle ayuda a Daniel Larruso que tiene allí un centro de enseñanza. A pesar de su negativa inicial, Daniel se une a ellos en Nueva York. 

Mientras tanto, Victor se recupera de sus heridas, y Mia y Li recomponen su relación, que se había convertido en un romance. Li entrena kung fu con el Sr. Han y karate Miyagi-Do con Daniel. Alan le presta su jardín en la azotea como campo de entrenamiento improvisado. 

El Sr. Han y Daniel desarrollan una nueva variante de la patada del dragón para atraer al oponente a un contraataque, que Li puede esquivar y contraatacar. 

Li comienza a competir en el Torneo de los Cinco Distritos y llega a la final contra Conor. O'Shea envía matones para atacarlo, pero el Sr. Han y Daniel lo defienden. Li y Conor se enfrentan en un combate a ocho puntos. Conor domina al principio, pero Li le da la vuelta a la situación y empata con él. En la ronda final, Li ejecuta su patada de dragón adaptada. Conor contraataca con un ataque sorpresa, pero Li lo derrota y le muestra clemencia, ganándose así el respeto de Conor. 

Más tarde, descubrimos que Victor abre una segunda pizzería y el Sr. Han regresa a China. Mientras en  Los Ángeles, Daniel recibe una pizza congelada de Li con una nota y una foto como agradecimiento. En la foto, él y Johnny Lawrence debaten si la pizza de Nueva York es mejor que la de California. Johnny propone una nueva idea de negocio: una pizzería con temática de dojo llamada Miyagi-Dough, para gran vergüenza de Daniel. Con aceituna, sin aceituina, acaba barruntando. 

Karate Kid: Legends es una película estadounidense con una temática que se centra en el drama familiar y en las artes marciales del ya citado  2025.

La película está protagonizada por Jackie Chan y Ralph Macchio , y que presenta a Ben Wang como el protagonista principal. 

Es la sexta película de la franquicia Karate Kid , y sirve como continuación de Karate Kid (2010) y la serie de televisión Cobra Kai (2018-2025), con la aparición de William Zabka que retoma su papel de Johnny Lawrence tal y como descubrimos al final de esta película, que aparece junty¡to a Macchio , quien retomó su papel en la serie y que sirvió como secuela de las películas originales. un final apropiado que encaja a la perfección en el Universo KK. 

Tanto Chan como Macchio retoman sus papeles de la franquicia. La historia sigue a Li (Wang), un prodigio del kung fu que, tras mudarse a Nueva York y enfrentarse a un campeón local de karate, recibe ayuda de su antiguo maestro, el Sr. Han (Chan), y del sensei de karate Daniel LaRusso (Macchio). 

Es la primera película de la serie que no fue producida por Jerry Weintraub , quien falleció en 2015. Esta historia escrita por Rob Lieber que, evidentemente bebe de Karate Kid de Robert Mark Kamen en esta caso esta producida por Karen Rosenfelt para la Columbia Pictures y Sony, encargada de la distribución. La película contó con un presupuesto de 45 millones de dólares, que se recuperó dada la buena aceptación en salas obteniendo en taquilla unos $117 millones. 

Poco después del estreno de la película de 2010, se anunció una secuela con Jaden Smith , Taraji P. Henson y Chan retomando sus papeles. Breck Eisner fue elegido para dirigirla en abril de 2014. Para entonces, el dúo de guionistas Ethan Reiff y Cyrus Voris, junto con Zak Penn , habían escrito dos borradores del guion . Eisner abandonó el proyecto tres meses después y se encargó un nuevo guion a Jeremiah Friedman y Nick Palmer. 

En abril de 2017, Eisner regresó al proyecto pero en octubre, Chan expresó su descontento con el guion de la película. En septiembre de 2022, se confirmó que una nueva película estaba en desarrollo, descrita como "el regreso de la franquicia original de Karate Kid ". 

En noviembre de 2023, se informó que Jonathan Entwistle dirigiría la película, con un guion escrito por Rob Lieber y Karen Rosenfelt como productora. 

Karate Kid: Legends presenta una historia ambientada tres años después de los eventos de Cobra Kai . En agosto de 2023, se informó que Chan retomaría su papel en la película. 

A finales de noviembre de 2023, Chan y Macchio fueron confirmados oficialmente. Además, Chan y Macchio anunciaron una convocatoria de casting abierta a nivel mundial para un actor que interpretara la versión del personaje principal de la película, descrito como un adolescente chino que se muda a la Costa Este y comienza a estudiar artes marciales. 

El rodaje comenzó en Montreal en abril de 2024 y finalizó en de junio. La película se filmó bajo el título provisional Victory Boulevard . 

Tras su buen debut en el cine llegaba el momento de los críticos. Las críticas han sido mixtas. Matt Zoller Seitz rogerebert.com escribió de ella que era "Impresionante y exasperante en su determinación de exprimir cada iteración previa de esta saga (...) Sí, hay un movimiento final increíblemente difícil. Todas las películas de Karate Kid tienen uno. Cuando Li decidió que había llegado el momento de usar el suyo, vitoreé como todo el mundo. Hay una razón por la que esta historia se sigue contando: es infalible. (...) 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter defendió que"Jackie Chan y Ralph Macchio regresan para una adición desordenada y poco inspirada a la franquicia (...) la trama es simplemente horrible" 

Owen Gleiberman columnista de Variety comentó que "Se trata de una película básica y sana que, con sus 94 minutos de duración, resulta refrescante y sencilla" 

En las páginas de IndieWire Wilson Chapman defendía qque  "En el panteón de las innecesarias secuelas heredadas, es difícil encontrar una película que saque menos partido de sus conexiones con la obra a la que está ligada que 'Karate Kid: Legends'" 

En esta líena crítica Eric Goldman de IGN afirma que fue "Un intento erróneo de mantener una energía implacablemente alta de principio a fin que acaba por hacer que se sienta emocionalmente vacía porque casi nunca se toma tiempo para frenar y respirar. (...)" 

Por último, Johnny Oleksinski en el New York Post considera que "Es la última de una larga lista de terribles películas de 'Karate Kid'. Un pase de la antorcha, tal como es, a la siguiente estafa inferior. (...) 

Desde Gran Bretaña Andrew Lawrence en las páginas del The Guardian escribe sobre ella afirmando que la película "Es cálida, es fresca - es una explosión de diversión familiar veraniega que seguramente inspirará largas miradas a las viejas películas y episodios de 'Cobra Kai' (...) 

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo sostuvo que "La saga sigue feliz en su eterna repetición de lo mismo tan respetuosa con el original como alérgica a cualquier amago de innovación, sorpresa o nueva idea (...) " 

Desde Barcelona Jordi Batlle Caminal en las páginas de La Vanguardia habla de que "Es un producto confeccionado exclusivamente para los fans del 'Karate kid' realizado en 1984. (...) Simple, previsible de cabo a rabo y razonablemente eficaz (...) " 

Y en Cinemanía Rubén Romerodice que "Tiene la nueva entrega (...) una gran virtud estética. El esquema y los valores de la franquicia permanecen inamovibles (...) deja un regusto final de lo más agradable (...)"

Menos amable es Alberto Abuín que en X comenta que "es una especie de reboot tan previsible como aburrido a pesar de las buenas intenciones. Lo mejor, el (esperable) cameo final a cargo del mejor personaje de Cobra Kai. "

Yo estoy más en la línea de lo que escribieron los críticos españoles. Me parece magnífico que la película une por primera vez a los universos y personajes de las distintas épocas de la franquicia, juntando al Sr. Han (Jackie Chan) y a Daniel LaRusso (Ralph Macchio) como mentores. Como era de esperar la película contiene buenas coreografías, lo propio de una película de artes marciales en sus escenas de lucha y los despliegues físicos cuentan con un buen nivel técnico, destacando la habilidad marcial del protagonista Ben Wang. 

Finalmente decir que la película funciona como un producto de entretenimiento ligero que apela a los recuerdos de los seguidores veteranos de la saga original y ofrece una propuesta accesible para audiencias jóvenes que gustan ver esta "lucha de gallos del kung fu" por las calles de Nueva York.

Mi postre favorito

Es a la hora del postre donde ella descubre lo ocurrido. De la exaltación al fin, en esta historia de amores tardíos, de vidas incompletas, que no permite hacer nada sin que estépresente en gran medida la religión. El jardín que había sido el espacio de la alegría y sobre todo de la esperanza, se convierte en el último refugio de Faramarz. 

Maryam Moghadam y Behtash Saneeha, ganadores de la Seminci a la mejor dirección Nobel en el año 2021, dirigen esta tierna historia de amor y rebeldía que se lanzó en el año 2024. Protagonizada magistraalmente por Lily Farhadpour como Mahin y Esmail Mehrabi como Faramarz. La película cuenta la historia de una mujer que decide vivir sus deseos en un país donde los derechos de las mujeres están muy restringidos. 

Mi postre favorito es una historia sobre mujeres con más soledad, envejecimiento y la absurda de la vida en Irán marcada por la fifici antepresión ejerce el régimen iraní sobre la sociedad. Los protagonistas son Mayin, una viuda de 70 años que vive sola enteran desde que murió su marido y se marchó su hija a Europa. 

Una tarde mientras toma un té con sus amigas y tras una conversación sobre la mira y las miradas y acciones del pasado, le lleva a romper uno su solitaria rutina y a revitalizar su vida amorosa. Mahin reclama para sí y para todo lo que le rodea el raro privilegio de la independencia. Pero cuando ella abre se abre a un romance el día en Mahin se cruce con un taxista, un ex teniente del ejército y que ahora se gana la vida como taxista que responde al nombre de Faramarz. Y éste último acceda a probar el que es su postre favorito de siempre lo que comienza con un encuentro inesperado se convierte en una velada imprevisible e inolvidable especialmente por el final. 

A pesar de todo la película es un cuento lúdico sobre la esperanza y la alegría de la vida así como el absurdo de la muerte explican sus directores. 

La coproducción internacional entre Irán, Francia, Suecia y Alemania tuvo su estreno mundial el 16 de febrero de 2024 en la sección oficial del Oso de Oro del 74.º Festival Internacional de Cine de Berlín . El gobierno iraní impuso a los cineastas prohibiciones de viaje durante la posproducción y les impidió asistir al estreno en Berlín . La historia está escrita por María Moghaddam y Behtash Sanaeeha contó con el apoyo en la producción de Étienne de Ricaud, Peter Krupenin, Gholamreza Moosavi, Behtash Sanaeeha y Christopher Zitterbart representantes de la productora iraní Filmsazane Javan, la francesa de Caractères Productions, la sueca Hobab y la alemana Watchmen Productions, así como con el apoyo del Instituto Sueco de Cine , Sveriges Television , New Dawn, ZDF/ARTE, Medienboard Berlin-Brandenburg, el Fondo Mundial del Cine, Aide aux cinemas du monde del CNC, el Institut Français, la región de Île-de-France, Eurimages y el Mercado de Coproducción de la Berlinale. También fue apoyada por el Fondo Mundial del Cine en este coproducción de Irán-Francia-Suecia-Alemania. La película cuenta con la fotografía de Mohammad Haddadi, el montaje de Ata Mehrad, Behtash Sanaeeha y Ricardo Saraiva así como de la música de Henrik Nagy. 

La película estuvo entre las primeras seis películas seleccionadas para la primera ronda del programa New Dawn por el que nueve fondos públicos europeos financian algunas películas después de su lanzamiento en 2022. 

En septiembre de 2023, cuando Moghaddam y Sanaeeha quisieron viajar a París para la posproducción de la película, les confiscaron los pasaportes y los amenazaron con cargos penales. Esto ocurrió tras una redada en la casa del editor de la película por parte de las fuerzas de seguridad iraníes, durante la cual confiscaron material grabado y otros elementos relacionados con la producción. Los medios de comunicación vieron una conexión entre estas acciones y su aclamada película de 2020, Balada de una vaca blanca , que provocó la ira del estricto gobierno islámico de Irán. 

En diciembre de 2023, aproximadamente 30 organizaciones cinematográficas, festivales y cineastas, así como organizaciones no gubernamentales para la libertad de expresión, escribieron una carta abierta pidiendo a las autoridades iraníes que retiraran de inmediato todos los cargos contra el dúo y levantaran la prohibición de viajar. Entre los firmantes se encontraban la Berlinale , la Coalición Internacional para Cineastas en Riesgo (ICFR) y PEN America . 

Como señala en El Mundo Luis Martínez " Mi postre favorito, de hecho, estuvo en el festival de Berlín de 2024 después de un largo y tortusoso periplo de copias pasadas de contrabando. El régimen de los ayatolás cumplió su ya cíclica amenaza de prohibir toda producción en la que las mujeres aparecen con la cabeza descubierta sin el hiyab. Todos los ordenadores y discos de almacenamiento fueron confiscados. Solo se salvó del furor cancelador una copia fuera de Irán y, así, la más pulcra e inocente historia de amor se convirtió en todo un gesto si no revolucionario, casi". 

En enero de 2024, tras su nominación para competir en la 74.ª Berlinale, el festival volvió a pedir libertad de viaje y libertad de expresión para el dúo de directores. Es bien conocida la foto que se puede encontrar en wikipedia en la que Esmail Mehrabi y Lily Farhadpour los actores de la película portan una foto de Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha , a quienes no se les permitió salir del país para asistir a la Berlinale 2024. Ante la prohibición dell Gobierno iraní que no permitió que los directores asistieran, se leyó un comunicado que la actriz Lily Farhadpour hizo de portavoz y que leyó en la proyección, incluyendo estas palabras: 

"Hemos llegado a creer que ya no es posible contar la historia de una mujer iraní respetando leyes tan estrictas como el hiyab obligatorio. Mujeres para quienes las líneas rojas impiden la representación de sus vidas reales, como seres humanos plenos. Esta vez, decidimos cruzar todas esas líneas rojas restrictivas y aceptar las consecuencias de nuestra decisión de mostrar una imagen real de las mujeres iraníes, imágenes que han estado prohibidas en el cine iraní desde la Revolución Islámica. 

Mi Pastel Favorito es una película que celebra la vida. Narra la realidad cotidiana de las mujeres de clase media en Irán, ofreciendo una mirada íntima a la soledad femenina al entrar en la tercera edad. Una visión de la realidad de la vida de las mujeres que rara vez se ha contado. Es una historia que contradice la imagen común de las mujeres iraníes y que, al igual que las historias de muchas personas solitarias en el mundo, trata sobre saborear los breves y dulces momentos de la vida. 

Damas y caballeros, nos enorgullece dedicar nuestro primer pase a las honorables y valientes mujeres de nuestro país que se han puesto en la primera línea de la lucha por el cambio social, que intentan derribar los muros de creencias obsoletas y fosilizadas, y que sacrifican sus vidas para lograr la libertad. " 

En diciembre de 2024, los directores, a quienes se les prohibía hacer películas, trabajar y viajar, fueron juzgados en Irán, recluidos en la prisión de Evin , por propaganda contra el régimen, por infringir las normas islámicas al realizar una película vulgar y por difundir la prostitución y el libertinaje. 

Tras este revuelo la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine Lichter de Frankfurt , en la sección Horizontes del 58.º Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary en la república Checa, en Canadá, en el Festival Internacional de Cine Cinéfest Sudbury 2024 sito en Ontario o en el Festival Internacional de Cine de Vancouver 2024. 

En España se proyectó a finales de octubre en competición en el 69.º Festival Internacional de Cine de Valladolid por el Golden Spike, y ese mismo mes en el Festival de Cine de Adelaida en Australia. Luego en el Festival Internacional de Cine de Chicago , donde ganó el Hugo de Plata a los mejores nuevos directores y en el 37.º Festival Internacional de Cine de Tokio en la sección "Empoderamiento de la mujer". 

La empresa de ventas y producción Totem Films, con sede en París, adquirió los derechos de venta internacionales de la película antes de su estreno mundial en la Berlinale. 

En cuanto a la crítica internacional, Serena Seghedoni, en su reseña en la Berlinale en Loud And Clear Reviews, escribió: " My Favourite Cake es una historia que absolutamente necesita ser contada: el relato conmovedor, hilarante, dulce, devastador y trágico de una mujer que un día se atreve a ser libre." 

Peter Bradshaw, crítico de The Guardian, destacó la controversia actual sobre la imposibilidad de Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha, los directores de la película, de viajar a Berlín para asistir a su propio estreno; escribió: «Además de todo lo demás, esta película maravillosamente dulce y divertida contribuirá al debate sobre si los regímenes represivos son la cuna de la grandeza artística». Bradshaw elogió la actuación de la pareja protagonista y concluyó la crítica calificando la película de encantadora y escribió: «Hay algo silenciosamente magnífico en ella, ya que momentos como estos en la vida son conmovedoramente breves, pero muchos nunca los experimentan». En este mismo diario británico Wendy Ide señaló que "A su manera, se trata de una película cargada de delicadeza (...) Una joya poco común (...) 

Jessica Kiang, en Variety , señaló que "Lo que le falta en audacia, la película ciertamente lo compensa con la calidad de sus actuaciones..." 

Leslie Felperin, al reseñar la película para The Hollywood Reporter, la calificó como "Una deliciosa porción de vida ..." y opinó: " Moghaddam y Sanaeeha y los actores convierten esta escena en un torbellino de seducción anciana, ejecutada con una sincronización cómica impecable, una coreografía precisa tanto para la cámara como para los propios personajes, y uno de los mejores cortes de todos los tiempos." 

Robert Daniels, de RogerEbert.com , comparó al personaje de Mahin con la protagonista del drama georgiano Blackbird Blackbird Blackberry , escribiendo: "Cada mujer busca una especie de relación otoñal, desafiando su entorno opresivo antes de que sea demasiado tarde". 

Ya en España Luis Martínez en El Mundo la describe como " Un pequeño milagro iraní encantador, profundo y triste" Y acaba escribiendo que " Mi postre favorito termina por ser un drama tintado de comedia tan encantador como profundo. Y triste. Todo un derroche de cine personal y ferozmente político". 

Por su parte, Nando Salvá en El Periódico sostuvo que "No está claro que (...) sea realmente adecuado estructurar (...) la película a la manera de una comedia romántica cálida y levemente absurda centrada en dos adorables septuagenarios. (...)" 

Y Carlota Moseguí en Cinemanía la describe como "Un desesperanzado alegato feminista contra la sociedad iraní (...)

Una vez vista señalar que por mi parte, esta película de hora y media que responde al título Mi pastel favorito o en su versión original Keyk-e mahbub-e man , conocida en el mercado internacional como My Favourite Cake es una conmovedora, valiente y luminosa obra maestra del cine iraní que cuenta con dos actores gloriosos pero espècialmente destaca el papel de Mahin interpretada magistralmente por Lili Farhadpour y brillantemente por Esmaeel Mehrabi en el papel de Faramarz que transmiten una química espectacular emn este película de tono romántico crepuscular. 

Los protagonistas transmiten la ilusión de la juventud en cuerpos marcados por el paso del tiempo. La dirección equilibra con elegancia la comedia romántica con un fondo agridulce y melancólico. 

Pero lo que más brilla es que igualmente funciona como un acto de resistencia pacífica contra las estrictas leyes morales del régimen iraní como vemos en la crítica a la vecina chismosa, como relata Faramarz en su pasado con lo estricta que era su mujer , por ejemplo, con el vino y su exceso de religiosidad. La película muestra con naturalidad y humor detalles cotidianos prohibidos o censurados que la hacen una pequeña joya.