Ruby Sparks

Paul Dano es, desde mi punto de vista, uno de los mejores actores estadounidenses. Es joven pero con una capacidad más que sobrada en bastantes películas incluso lo recuerdo como director en Incendies. Y aquí vuelve a cumplir sobradamente con esa capacidad y esa versatilidad que lo caracteriza para ponerse en la piel especialmente de personajes un tanto desequilibrados pero también llenos de sensibilidad. 

En esta película el género romántico y del año 2012 ganó interpreta a Calvin Weir Fields (Paul Dano), un joven prodigio de la literatura, autor de una aclamada primera novela que impactó en el mercado y que lo colocó a la exposición pública para bien o para mal. Pero desde entonces se encuentran aquejado de un bloqueo creativo que le impide escribir una línea y además magnificado por una deprimente vida amorosa.

Su terapeuta, el Doctor Rosenthal ( Elliot Gould) le pide que escriba sobre alguien a quien le gusta su perro, Scotty. Después de un sueño en el que conoce a una mujer, Calvin se inspira para escribir sobre ella y admite que se está enamorando de su personaje, "Ruby Sparks". 

En un intento desesperado de lograr que su chispa creativa vuelva a surgir Calvin comienza a hacerse una imagen mental de la protagonista de su nueva novela. Calvin de pronto va descubriendo pertenencias de una mujer por toda su casa, para sorpresa de su hermano Harry (Chris Messina)  y su cuñada Susie (Toni Trucks) 

Harry critica los escritos de Calvin sobre Ruby como demasiado idealizados y poco realistas, pero Calvin escribe un pasaje sobre Ruby enamorándose de él antes de quedarse dormido frente a su máquina de escribir. 

Al día siguiente, se sorprende al encontrar a Ruby (Zoe Kazan) en su cocina, una persona viva, que cree que están saliendo. Llama a Harry, quien no le cree y le aconseja que busque a alguien para confirmar que ella no es real. 

Ruby insiste en acompañarlo cuando Calvin se encuentra con Mabel, una fanática de su libro que le dio su número. Ruby, creyendo que Calvin la está engañando, los confronta y demuestra que ella no es producto de su imaginación. 

Calvin se lanza a su relación. Él le presenta a un Harry incrédulo, demostrando que su escritura la afecta directamente, y le pide a Harry que no le cuente a nadie sobre los orígenes de Ruby, declarando que nunca volverá a escribir sobre ella. 

Meses después, Calvin lleva a Ruby a regañadientes a conocer a su madre de espíritu libre, Gertrude (Annette Bening), y a su novio Mort (Antonio Banderas). Mientras la extrovertida Ruby se divierte, el introvertido Calvin se pone celoso de su tiempo con otras personas y su felicidad se desvanece con su creciente tristeza. 

Al regresar a casa, su relación se vuelve tensa y Ruby, deprimida, explica lo sola que se siente y sugiere que pasen menos tiempo juntos. 

Temeroso del abandono de Ruby, Calvin escribe que ella se siente miserable sin él y ella regresa, ahora increíblemente pegajosa. Cansado de esto, escribe que ella está constantemente feliz, pero él se vuelve malhumorado, sabiendo que su felicidad es artificial. 

Confiando en Harry, Calvin intenta devolver a Ruby a su estado original, pero sus palabras la dejan confundida. Se pelean una vez más y él intenta animarla llevándola a una fiesta organizada por su mentor, el autor Langdon Tharp. 

Dejando a Ruby sola, Calvin se encuentra con su ex novia Lila, quien lo acusa de no estar interesado en nadie fuera de él. Langdon coquetea con Ruby y la convence de unirse a él en la piscina en ropa interior, pero Calvin, furioso, lleva a Ruby a casa. 

Se pelean y Ruby le dice a Calvin que no puede controlarla. Mientras se prepara para irse, Calvin revela que ella es producto de su imaginación y que puede obligarla a hacer cualquier cosa que él escriba. 

Efectivamente el ha hecho que Ruby Sparks sea una joven vitalista, creativa, capacitada, cariñosa, con dominio de la lengua francesa, encantadora, tímida, extrovertida, expansiva, brillante, apagada,  romántica y desapegada, es decir, tal y como él la crea. Sin embargo un día esta chica que en principio sólo vive en su mente y que no deja de ser su fantasía de mujer un día aparece en su cuarto de estar y se queda en el. 

Calvin desde ese momento empieza a tener una duda vital: ¿Es real o simple y llanamente una fantasía, una broma, el inicio de un proceso de locura o un acto de magia? 

Pero la situación se hace más alucinante cuando Calvin descubre que tiene el poder de cambiar a Ruby cada vez que se sienta ante su máquina de escribir.

Su creciente discusión lleva a Calvin a obligar a Ruby a realizar actos cada vez más frenéticos y humillantes. 

Ella se derrumba y cuando Calvin intenta acercarse a ella, ella se encierra en su habitación. Angustiado y avergonzado, Calvin escribe una página final afirmando que tan pronto como Ruby sale de la casa, ya no es su creación, ya no está sujeta a su voluntad y es libre. Deja el manuscrito afuera de su puerta con una nota que le dice que lea la última página y que la ama. A la mañana siguiente, Calvin encuentra la nota y Ruby se ha ido. 

El tiempo pasa y Harry le sugiere a Calvin que escriba un nuevo libro sobre sus experiencias con Ruby. La novela La Novia es un éxito como lo vemops en lecturas públicas en las que están presentes sus padres y otros familiares.. 

Paseando a Scotty por el parque, Calvin ve a una mujer que parece ser Ruby pero no lo recuerda, leyendo su nuevo libro. Ella dice que Calvin también le resulta familiar, lo que él desvía mostrándole la foto de su autor. Ella bromea diciendo que deberían empezar de nuevo y le insta: "No me digas cómo termina", a lo que él responde: "Lo prometo". 

Jonathan Dayton y Valerie Faris dirigen su segundo largometraje tras la preciosa y aclamada película Pequeña miss Sunshine, una comedia romántica "indie" escrita y protagonizada por la nieta de Elia Kazan, Zoe Kazán, junto a Antonio Banderas, Annette Bening, Steve Coogan, Elliot Gould y Chris Messina.

La película fue escrita por Zoe Kazan, quien interpreta al personaje del mismo nombre. La nieta del mítico director tan despreciado por los progres se inspiró inicialmente en un maniquí desechado y en el mito de Pigmalión, y rápidamente escribió veinte páginas antes de dejar el guion a un lado durante seis meses. Regresó a escribir cuando tuvo claro el concepto central de comparar la idea del amor con la realidad del mismo. 

Mientras escribía, Kazan pensó entre otras en La rosa púrpura de El Cairo  queriendo presentar una versión sesgada de nuestra propia realidad. Desde el principio del desarrollo, escribió el personaje principal de Calvin teniendo en mente a su novio Paul Dano. 

Sobre los aspectos feministas de la historia, Kazan explica que quería explorar la idea de "ser mirada pero nunca vista", donde una mujer no es comprendida adecuadamente pero de una manera que no sea cruel o alienante para los hombres. 

Kazan agradeció a Warren Beatty por alentar indirectamente a Paul Dano a desarrollar su propio material y Dano, a su vez, le sugirió que escribiera un proyecto.

Kazan con su guion llamó la atención de Albert Berger y Ron Yerxa, los productores de Little Miss Sunshine, quienes lo enviaron a la pareja de directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, quienes lo asumieron como el primer proyecto desde Little Miss Sunshine en 2006. Faris atribuyó el retraso entre películas a su propia necesidad de estar preparados para el proyecto adecuado.

Kazan habló sobre la importancia de Los Ángeles como espacio y paisaje de la película, comparándola tanto con un personaje como con un escenario. Ella ve Los Ángeles como un lugar donde es fácil sentirse solo y aislado y eso encaja con el aislamiento de Calvin en la historia. 

El rodaje se llevó a cabo principalmente en los vecindarios de Silver Lake y Los Feliz. Otros lugares incluyen el Teatro Egipcio de Grauman y el Cementerio de Hollywood. La fiesta ofrecida por Langdon Tharp se celebra en la John Sowden House, diseñada por Lloyd Wright (hijo de Frank Lloyd Wright), situada en Los Feliz. 

Tras su estreno la película fue nominada al mejor guion en los Premios Independent Spirit

De ella han dicho críticos como Todd McCarthy del The Hollywood Reporter que se trata , y con razón, de "Una cautivadora fantasía romántica"

Stephen Holden de The New York Times escribió: "Ruby Sparks no intenta fingir ser más de lo que es: una comedia romántica elegante, bellamente escrita e interpretada que se desliza hacia la tierra en un aterrizaje suave y suavemente satisfactorio". En otro diario neoyorkino Lou Lumenick en el New York Post escribió "Como Calvin, Kazan se ha escrito a sí misma en una esquina que sólo puede llevarle a abrazar los ñoños clichés románticos de los que 'Ruby Sparks' trata de burlarse (...) 

Peter Travers de la revista Rolling Stone dijo de ella "No busques algo dulce y achuchable. La película no tiene miedo de enseñar las garras. Como el enérgico trabajo en equipo de Kazan y Dano, 'Ruby Sparks' es honesta, profunda y verdadera (...) Como señala Owen Gleiberman de Entertainment Weekly se trata de "Un drama metafórico gradualmente emocionante sobre la verdadera esencia del amo"

El crítico de cine en línea Chris Pandolfi de At A Theatre Near You lo llamó "un comentario inteligente sobre el proceso creativo, la inseguridad, el comportamiento controlador, el idealismo y la fragilidad del ego masculino. Todo está combinado de manera bastante ingeniosa en una de las películas más simpáticas que he visto... He visto todo el año: una fantasía, un estudio de personajes y una advertencia, todo en uno". 

En Gran Bretaña, Cath Clarke de Time Out dice de ella que "El guion de Kazan reflexiona sobre cómo tratamos de controlar las relaciones - convirtiéndola en una película moderna e inteligente. ¿Cuán a menudo puedes decir esto de una comedia romántica (...) 

Ya en España Javier Ocaña en El País afirma que la película está llena "De excelentes diálogos e insólito tratamiento de sus secundarios, la película, además, no se queda en el terreno del mecanismo autoral, sino que abre paso a una curiosa reflexión sobre la vida en pareja que encaja a la perfección con su temática metaficcional" 

Por último, Sergi Sánchez en La Razón destaca que "Propone una tesis conocida con una frescura no exenta de acidez. Como en otra película gemela, «(500) días juntos», la disección del sentimiento romántico se ejecuta con precisión meridiana (...)

Yo, personalmente, he visto una película con mucho encanto que trata bien a todos el que en ella aparece: la familia que arropa al escritor, el propio escritor con sus dudas existenciales, la chica llena de encanto. Mexzcla bien la parte dramática con la comedia, y dentro de ser una película de corte romántico está totalmente alejada del almibar. Pues lo que rezuma en ella es encanto y respeto. Cuenta toda el proceso: enamoramiento, disfrute y ruptura, siendo tan delicado que la reactivación de la historia es sna y se agradece. Esta bien como película romántica sin ser nada empalagosa.  

La historia de A & M Records

Dos episodios dirigidos por Ryan Suffern nos cuenta la historia del sello discográfico independiente más exitoso de todos los tiempos hasta el momento como fue A&M. Con una producción de la Metro Goldwyn Mayer en los que participa A Kennedy / Marshall production, en asociación con Polygram Entertainment, Interoscope film y Universal Music Publishing Group. 

El recientemente fallecido Jerry Moos, fallecido en agosto de 2023,  y  Herb Albert fundadores de este sello decidieron en 1962 lanzar por su cuenta un single que el propio Albert había compuesto con su banda los Tijuana brass. Así con pocos medios y ubicados en un garaje en Hollywood, en una vivienda que parece ser que fue de Charles Chaplin, los Charles Chaplin Studios en el 1416 North La Brea Avenue, cerca de Sunset Boulevard, nace A y M records. Nos cuentan como la empresa empezó con un apretón de manos que acabó con un apretón de manos y un abrazo. 

Graso es a su gran conocimiento musical rápidamente consiguieron sus primeros artistas. Tenían unas ideas muy claras sabían escuchar al mercado daban al público lo que quería evolucionaban con la música y sobre todo ponían el foco en el artista ellos y su música eran lo primero. Con esta manera diferente de hacer música consiguen lo que parecía impensable convertirse en el sello discográfico independiente más exitoso de la historia que llegó a tener a los artistas más relevantes del momento desde Police a Janet Jackson,  pasando por the Carpenter o los Sexo Pistols. 

Mientras suenan la música de supertramp nos enteramos que el señor A (Herb Albert)  era músico, - trompetista que solía hacer discos para la RCA-  el señor M era empresario , el mejor publicista de música según uno de los que trabajaba para la compañía Madison, entre uno y otro montaron uno de los sellos musicales más interesantes habido en la historia de la música. Y todo lo hicieron en un garaje de Hollywood. 

Desde su primer disco como Carnival Records, los 750 dolares que consiguieron con ese primer disco lo invirtieron en The Lonely Bully, con los Tijuana Bras. Como había otro compañía con el sello Carnival record decidieron lanzar este de los Tijuana con A&M Records. Así comenzó la historia. Eso se sumó el gusto por buenas portadas como el que hizo para Tijuana bras en un monográfico de comida. 

Tras el éxito con estos discos ya que llegaron a vender millones casi 5 millones de discos y fueron llamados a todos los programas de televisión de música de la época decidieron comprar el solar de Chaplin en Hollywood. Allí se instalaron los treinta y cinco trabajadores de la empresa, con Gil Friesen como director general. 

Poco después empezaron a contratar a músicos como Sergio Mendes y su Brasil 66, con Lani Hall como una de las solistas. Se convirtieron en los teloneros de Tijuana Brass. 

Tras eso llegó Burt Bacharach, grabaron con Herbie para la canción de Casino Royale. 

Después de ir al Monterrey Pop Festival fue en ese festival en el que ellos no llevaban a ninguno de los artistas que allí participaban cuando descubrieron que no tenían el amparo de ningún grupo de rock. Tras esto llegaron a acuerdos con empresa de discográficas de Gran Bretaña como Islands u otras llegaron algunos artistas como Strawbs Mad Dogs además de abrir una sede en Gran Bretaña fue el inicio de A&M UK. Se hicieron con Joe cocker y su Marjorine. Así que en 1969 en woodstock tenían presente a Joe Cocker con su disco "Mad Dogs and Englishmen". Los problemas de adicción al alcoholde cantante británico se hicieron merma en su calidad musical. Poco después se sumó Cat Stevens / Yusuf   

Más tarde llegaron al estudio uno de sus grandes hallazgos, Carpenters, que lo petaron gracias a la calidad del duo como hermanos. En la década de 1970 comenzó a producir álbumes de Quincy Jones, Carole King y Cheech and Chong gracias a un acuerdo con Ode Records. Sin embargo, la mayor fuente de ingresos del sello vino gracias a la popularidad de The Carpenters, que vendieron cerca de 100 millones de discos en todo el mundo. Otros artistas lucrativos mantenidos por A&M Records fueron Supertramp, Peter Frampton, Styx, Nazareth, The Tubes o Squeeze. En los setenta, allá por 1977, A&M Records of Europe. 

De esos años es la llegada al sello de Peter Frampton y su famoso disco en director. En esta época, el sello comienza a interesarse por los nuevos grupos de punk británicos, y firma un consiguió un contrato con los Sex Pistols poco después de que estos fuesen rechazados por EMI, pero viendo los broncas que fueron estuvieron unas dos semanas. 

La popularidad del sello continuó en los años 1980, con la contratación de exponentes como The Police, - también siguió con ellos Sting- The Go go´s, el primer grupo de rock femenino que llegó a la cabeza del Billboard , y se fueron sumando otras chicas como Suzanne Vega y Janet Jackson, mientras que el fallecimiento de la componente femenina ponía fin al contrato con el dúo The Carpenters en 1981. 

En 1989, A&M Records fue adquirida por PolyGram por 500 millones de dólares. Alpert y Moss continuaron dirigiendo la empresa hasta 1993, aunque en 1991 cuando cesó el director de la compañía vieron que todo iba a cambiar. Dos años despues dejaron A&M al ver que PolyGram estaba ejerciendo demasiada presión sobre el sello para que esta se acogiera a la estructura corporativa de PolyGram.

Diabolik

Aburrida versión del clásico del cómic italiano dirigida en 2021 por los hermanos Manetti, Antonio y  Marco y que fue una adaptación cinematográfica del cómic noir de la década de 1960 de los hermanas Angela y Luciana Giussani. 

La película es un thriller de marcada estética retro que emula la psicodelia adaptación a la gran pantalla llevada a cabo por Mario Bava en el año 1968 y que llevaba por título Danger: Diabolik y que era una película de espionaje y aventuras , que destacó por su estilo visual distintivo, con colores brillantes y un diseño visual que captura la estética de los cómics. 

La banda sonora de "Danger: Diabolik" fue compuesta por Ennio Morricone y aunque la película no fue un gran éxito de taquilla en su lanzamiento inicial, ha ido ganando un estatus de culto. Tanto que en este milenio aparece la idea de recuperar el personaje cinematográfico. 

El protagonista es el actor italiano Luca Marinelli que está acompañado por Miriam Leone y Valerio massandrea como el inspector Ginko, Alessandro roja Selena Rossi y Roberto citran. 

En esta ocasión el escurridizo ladrón de los mil disfraces diabólicos cuya verdadera identidad nadie conoce vuelve a conducir su icónico Jaguar e type para dar un nuevo golpe maestro: hacerse con el famoso diamante rosa una pieza de incalculable valor que porta consigo la rica y enigmática heredera Eva Kant. Esta película está centrada en el primer encuentro entre el famoso ladrón y su compañera y cómplice. Este encuentro se describe en el tercer libro de la serie original, L'arresto di Diabolik.

A través de una estética retro esta nueva adaptación introduce el despertador es una más fría que tensa atmósfera que cuenta con los mejores ingredientes del cine noir tales como criminales impasibles, femmes fatales, una apuesta en escena llena de sombras y una investigación policial decidida a desenmascarar a este implacable ladrón.

La historia se desarrolla en la ciudad de Clerville, y en el año 1960. La ciudad está aterrorizada por un ladrón tan despiadado como escurridizo. Nadie sabe su identidad y su rostro, solo se conoce su apodo Diabolik y lo único cierto es que cualquiera que tenga algo que ver con él muere. 

De hecho vemos como da un golpe en una galería de Clerville, aunque las alarmas se activan y comienza una persecución por la ciudad. Algunos coches perseguidores fracasan y cuando el inspector Ginko está cerca de conseguir , se desvanece.

Descubrimos que Diabolik es capaz de usar rampas que tiene por toda la ciudad y entradas secretas que usa para sus fugas. 

Sin que nadie lo sepa, Diabolik vive bajo la identidad de Walter Dorian en una elegante villa en compañía de su novia Elisabeth Gay, totalmente inconsciente de su doble vida y quien a menudo lo cree ausente por "motivos laborales". 

Un día llega a la ciudad la bella y rica sudafricana Lady Eva Kant, trayendo consigo una preciada joya, el Diamante Rosa, en el que Diabolik pronto pone sus ojos. 

Mientras Lady Kant se hospeda en el mejor hotel de la ciudad, Diabolik decide intentar el golpe: mata y reemplaza al auxiliar que el director había puesto al servicio de la mujer y logra irrumpir en su suite, pero justo cuando abre la caja fuerte Lady Kant lo atrapa en el acto y, después de ponerle un cuchillo en el cuello, ella, nada aterrorizada, le informa que el diamante es falso. Vendió el original hace mucho tiempo, junto con muchas otras cosas, para pagar a las personas que la chantajeaban porque tenían información comprometedora sobre ella. 

Diabolik no le cree, pero Eva, en respuesta, lo desafía a que lo examine. Incrédulo e irritado Diabolik toma la joya advirtiéndole que si intentaba engañarlo volvería a matarla. Por otro lado, Eva le pide que le devuelva el diamante una vez que se descubra la falsificación, porque lo necesita para sus eventos sociales. 

De vuelta en su guarida, Diabolik examina la joya y se da cuenta de que Eva le dijo la verdad: la piedra es falsa, aunque realizada de forma excepcional. 

Al día siguiente, Diabolik regresa a la suite de Lady Kant disfrazado de camarero y le devuelve la piedra, pero Eva intuye la verdadera identidad del hombre que tiene delante y le hace entender que le gustaría volver a encontrarse con él. Diabolik, incrédulo de que la mujer no esté aterrorizada en lo más mínimo por su presencia, se quita la máscara. 

Entre los dos es amor a primera vista y se besan apasionadamente. Eva demuestra ser una cómplice digna cuando el gerente del hotel irrumpe en la habitación: Diabolik se esconde en un armario y Eva logra tapar su escape, usando su astucia y conocimiento del código Morse. 

Mientras tanto, Elisabeth, sospecha poco a poco de que algo está pasando. durante unos días después de haber visto a un hombre salir de una trampilla debajo del jardín durante la noche, encuentra acceso a un refugio secreto y llama a la policía. El inspector Ginko logra tender una trampa y finalmente arrestar a Diabolik. 

Eva también está presente en la sala del juicio y el delincuente logra comunicarse con ella nuevamente a través del código Morse (él parpadea, ella le da un golpecito con el dedo en la mejilla) y le da instrucciones para organizar una fuga. 

Eva lleva a cabo el plan: utiliza su ascendencia sobre el viceministro Giorgio Caron (su pretendiente y chantajista que la obliga a comprometerse oficialmente con él) para obtener una entrevista a puerta cerrada con el criminal, la noche anterior a la ejecución prevista tras la pena de muerte sufrida por él. 

Durante la entrevista, Caron es drogado y reemplazado por Diabolik, quien toma el lugar del viceministro después de salir de prisión. Poco antes de la ejecución, Ginko intuye la verdad pero no logra detener a tiempo al verdugo y Giorgio Caron termina guillotinado. 

Eva y Diabolik ahora son libres y están listos para comenzar una vida juntos. Deciden ir a la ciudad portuaria de Gante, donde se encuentra el banco donde Giorgio Caron había depositado el producto de su chantaje. Diabolik organiza el ataque a la caja fuerte de Caron, pero no permite que Eva participe y le dice que aún no está lista. La mujer detecta diversas complicaciones en el golpe, previstas y afrontadas por Diabolik con gran frialdad, pero cuando todo parece haber ido por el buen camino, Ginko logra alcanzarlo una vez más. 

Sólo la intervención de Eva (que contrariamente a los indicios no se había quedado en casa a esperar) salvará al criminal de la detención. 

Unos días después, los dos amantes están en un barco y Diabolik le ofrece a Eva el verdadero Diamante Rosa, que se encuentra en la caja de seguridad de Giorgio Caron (que se lo había comprado a quienes se lo habían comprado a Eva). Pero ella lo tira por la borda diciendo que le recuerda un pasado cerrado y desagradable, y que ahora su vida está con él.

En la edición 2018 de las Jornadas Profesionales de Sorrento, se anunció el rodaje de la película, producida por Mompracem y Rai Cinema en asociación con la editorial Astorina, titular de los derechos y editora de la serie de cómics Diabolik, y con el apoyo de las Film Commissions de Emilia-Romaña, Friul-Venecia Julia y Valle de Aosta.

​ La idea de traer de vuelta a Diabolik a la gran pantalla más de medio siglo después del único anterior surgió de los directores y guionistas de Manetti Bros., grandes aficionados a los cómics, y contó con el favor de Mario Gomboli, director de Astorina, quien quedó positivamente impresionado por trabajos anteriores de los Manetti como L'ispettore Coliandro y Ammore e malavita, y quien comentó sobre la génesis del proyecto: «lo que me hizo darme cuenta de que finalmente estaba tratando con las personas adecuadas fue su pasión, conocimiento del carácter y de sus peculiaridades. Dije "finalmente" no por casualidad, teniendo en cuenta varias experiencias infelices anteriores».

En marzo de 2019, en Cartoomics en Rho, se confirmó la finalización del tema, escrito en los meses anteriores por Manetti Bros., por el guionista Michelangelo La Neve y por Mario Gomboli, comisario histórico de historietas,4​ y la continuación de trabajar en el guion.

En junio de 2019 se anuncian los protagonistas: Luca Marinelli, Miriam Leone y Valerio Mastandrea, respectivamente como Diabolik, Eva Kant y el Inspector Ginko.

​ Al mes siguiente, en el escenario de Ciné en Riccione, los Manetti Bros. confirmaron la entrada en el proyecto de Serena Rossi así como la intención de conformar un elenco compuesto íntegramente por actores italianos como fueron Claudia Gerini, Alessandro Roja, Vanessa Scalera, Luca Di Giovanni, Antonino Iuorio y Stefano Pesce.

El 30 de septiembre de 2019 comenzó el rodaje de la película;​ los directores habían subrayado su carácter italiano como una peculiaridad de Diabolik frente a otros cómics del país, y por tanto la posibilidad de rodar la película en entornos italianos. Los tres primeros días de rodaje tienen lugar en Courmayeur, del 30 de septiembre al 2 de octubre de 2019; más tarde la producción se trasladó a Bolonia, donde se rodaron escenas exteriores de una persecución en vía Marconi ​ y escenas interiores en el Grand Hotel Majestic; los planos de Bolonia se alternan con los de Milán. 

Trieste se utiliza para el escenario de la ciudad marítima de Gante: en particular, la estación marítima se utiliza para los exteriores del Banco Central de Gante. En diciembre el plató se traslada a Mezzano, en la provincia de Rávena.

El presupuesto de la película rondó los 10 millones de euros. La banda sonora de la película está curada por Pivio y Aldo De Scalzi, colaboradores históricos de los hermanos Manetti, mientras que Manuel Agnelli interpreta dos temas originales:El fondo de los abismos y Pam pum pam. 

El estreno de la película en los cines italianos, inicialmente fijado para  diciembre de 2020, pero fue pospuesto debido a la pandemia de COVID-19  hasta  diciembre de 2021,

Gabriele Niola de Wired criticó la película  tanto por la actuación, el ritmo y la acción, sin embargo, elogió la habilidad de Valerio Mastandrea, quien logró poner en escena la determinación típica del personaje de Ginko, la credibilidad de Miriam Leone como Lady Kant, mientras definió a Luca. La actuación de Marinelli es exitosa pero fría. ​

Giulio Zoppello, de Esquire, criticó al reparto, por su escaso parecido con los personajes de los cómics y por la actuación, el guion demasiado desequilibrado, los diálogos superfluos y la dirección de los Manetti Bros., definida como demasiado pesada y carente de energía.

​ Andrea Peduzzi, de IGN,  encontró acertada la elección de los dos directores para llevar a la pantalla grande la primera historia protagonizada por Eva Kant, apreciando la fidelidad a los cómics en cuanto a estética, corte y lenguaje. Sin embargo, el propio Peduzzi subrayó cómo los diálogos resultan alienantes por su carácter didáctico y su repetitividad. 

Diabolik ganó en 2022 el premio David de donatello a la mejor canción original por la canción "La profonditá degli abissi" de Manuel Agnelli  (El fondo de los abismos) y estuvo nominada a once estatuillas más incluyendo día de mejor actriz principal para el pibonazo que supone Miriam leone pero también al mejor guion no original para Manetti Bros., de Michelangelo La Neve , mejor actor de reparto a Valerio Mastandrea, mejor músico a Pivio y Aldo De Scalzi, mejor escenografía a Noemi Marchica y Maria Michela De Domenico, mejor vestuario a Ginevra De Carolis , mejor maquillaje a Francesca Lodoli , mejor peinado a Luca Pompozzi así como a los mejores efectos visuales especiales a Simone Silvestri 

En las cintas de plata se llevó el premio a la Mejor canción original a Manuel Agnelli por El fondo de los abismos siendo nominada a la Mejor Actriz (Miriam Leone), mejor fotografía (Francesca Amitrano),  mejor escenografía ( Noemí Marchica), mejor vestuario (Ginevra De Carolis),  Federico Maria Maneschi  (mejor montaje) y mejor sonido en directoy a la mejor banda sonora para Pivio y Aldo De Scalzi. 

Corridas de alegría.

Road movie andaluza de Gonzalo García Pelayo con producción de Andrés Vicente Gómez amparada por Galgo Films, Zas Films e Intercine, en esa película del año 80 que cuenta con el mismo Javier García Pelayo - actor , hermano del director y mánager de grupos como Triana o Smash-, Isabel Pisano, Miguel Ángel Iglesias - que también es el guionista , junto con Romualdo Molina, y Paula Molina.

Auténticas joyas del cine andaluz que nos muestra una Sevilla singular así como un recorrido que nos lleva a Setenil de la bodega a Chipiona a Rota a Conil arcades Jerez y que termina dolorosamente Málaga con la muerte de Miguel Ángel iglesias en esta comedia que tiene mucho de él, mucho de lumpen y de película Kiki consiguiendo una auténtica joya del cine andaluz que contiene un poco de todo: canalleo, flamenco con composiciones del maestro Sánchez Pernía y el cantaor Ricardo Yunque, rock andaluz de Alameda y Medina Azahara, gente auténtica y diálogos naturales de discurso anarquista, antimilitar, liberal y antisistema. 

Miguel (Miguel Ángel Iglesias) , recién fugado de la cárcel a dos meses de cumplir su condena, sólo piensa en vengarse y en encontrar a su amada Diana. Para ello va a su ciudad, Sevilla, buscando por un lado a su chica y por otro vengarse del hombre que la tiene amenazada. Cuando deambula por la ciudad, previo a quemar un puticlub aunque, antes de quemarlo, roba bicarbonato, porque, según él, tanto comer judías pintas le ha destrozado el estómago , marcha por la Sierpes que yo recuerdo y se encuentra con Javier (Javier García Pelayo), un trilero dicharachero con un coche americano descapotable, - ante la mirada del eterno Silvio- y con el inicia un viaje por Andalucía tras la pista de la chica desaparecida. 

Por el camino, una sarta de encuentros inclasificables y personajes a cada cuál más descabellado.Todo ello al sonido de Alameda. 

Lo primero, al parar en una venta, dan con una prostituta tetona, la Volcaíta (Isabel Pisano), y entre los tres deciden dar un palo a los de otro "buga" que acaba de llegar al local y que tienen un cargamento de droga. 

Tras tomar unas birras y otra por si acaso, convencer a la prostituta y dar el palo, se lían los tres en una alcoba de la venta, mientras fuera en un tablao unos cantan y otras bailan, algunas desnudas. Tras eso sigue el viaje con destino a un casi ignoto pueblo de Cádiz en aquellos años, Setenil, aunque tendrán que cambiar de coche pues se ha parado. 

En Setenil, se mueven con el coche por las calles del sol y de la luna. Tras descansar y comer algo, vuelven a encontrase con su coche que lo lleva una familia. 

Tras detener el vehículo a punta de pistola, la familia dice que le han prestado el vehículo en la base de Rota, aunque , mientras la señora da explicaciones extrañas, el marido de ella va contando un extraño chiste sobre mariquitas, mientras sus hijos se descojonan. 

Entre tanto se persona la Guardia Civil que saca el arma, pero como no espera que nadie esté armado, Javier y Miguel lo desarman, dejando a la familia con la Guardia Civil. 

Como hace calor y hambre deciden pasarse por otra venta del camino y allí paran a comer, aunque el que mejor come es Javier que nada más llegar se liga a una pija jerezana y se lo monta con ella en los servicios , que reconoce ante sus padres que están muy limpios. 

Luego toman dirección Jerez de la Frontera buscando a Lucía en un poblado gitano. No tienen noticias de la chica. Allí se suman a la jarana, pero , cansados van a dormir. Mientras la chica con la que han viajado inicialmente se despistas y desaparece llevándose el costo. 

Tras dar un "voltio" por la ciudad toman rumbo Rota con la intención de buscar información de Lucía y, de paso, dar un palo a unos americanos. Con el palo y sin información van para Chipiona al chalet de un amigo compositor, el gran maestro ( El gran Simón). Este se alegra de verlos, más aún cuando van acompañados de un marinero de la Armada española. El amigo les da información no sobre Lucía, pero sí de una de sus amigas, una chica muy joven que trabajo en un local de alterne para una organización mafiosa vinculada con el tráfico de drogas y que es controlada por un comisario de policía. 

Pero antes deciden pasar por el último lugar en el que Lucía fue vista, un chalet cercano a una Torre vigía en la zona de Conil.

Cuando llegan no hay rastro de ella salvo un camisón sobre la cama, así que deciden marchar al local de alterne y allí entran en contacto con la chica , Amparo( Paula Molina) que deciden escapar junto a ellos a Cádiz pues una de sus amigas marcha a Las Palmas de Gran Canaria en el ferry que parte de la capital gaditana. En la ciudad de Cádiz, además de encontrase con gente muy "morá" , también se encuentran con el marinero que ha decidido desertar del ejército. 

Para hacer tiempo van al puerto deportivo pues es allí donde ha quedado con su amiga y el hijo de ella. Allí Miguel entra en contacto con Pepa (Carla Antonelli), una transexual , y lo hacen en la embarcación. Todo va sobre ruedas hasta que se persona la Guardia Civil que detiene al desertor. Luego las chicas se van y toman el barco y se despiden de sus amigos. Antes ella le ha dicho dónde pueden encontrar a una chica amiga de Lucía que está por Málaga. 

Allí se personan y dan con la vivienda de ella, aunque ella hace la calle cerca del Mercado. Allí la encuentran y se van a su piso, aunque antes ella da la información de dónde se reúne la banda , en qué local, al que asaltan, especialmente, al Comisario al que retienen y se lo llevan para dar el palo a los traficantes. El golpe tendrá lugar en el Puerto de Málaga. 

Allí por la noche tiene lugar la entrega de droga, pero cuando parece la situación medio controlada se presenta un coche de los mafiosos y comienza un tiroteo. Los mafiosos caen, pero Miguel es mortalmente herido. 

La situación es salvada para Javier por el Comisario que dice haber procedido a la resolución de la entrega y haber dado con el alijo, acabando así el día en el amanecer de otro. Punto y final. 

Para Enrique Lavigne el director de esta película "Dirigió la mejor Road Movie del cine Español Corridas de Alegría. Produjo los mejores discos del rock andaluz, Triana, Lole y Manuel…e hizo saltar con su tribu la banca en los Casinos La fallida jugada maestra de García-Pelayo, el Robin Hood de los casinos " Para el productor se trata de " El mejor road movie del Cine Ibérico con permiso de Air Bag, Corridas de Alegria de Garcia Pelayo". 

Para el historiador del cine , Ernesto J. Pastor "Nunca he conectado con el cine de este director. Un título que jugaba la baza del cine "S" y el erotismo que en aquellos años inundaban las pantallas cinematográficas. " 

Para el crítico de cine Fausto Fernández se trata de una "maravillosa" película, "irrepetible y rabiosamente personal soplo de aire fresco en nuestro cine que fuera Gonzalo García Pelayo ". Flix Olé dice de ella que es " Una road movie original, libre y con buena música ".

Vinieron de noche

Esta película termina con unos avisos el primero es que nunca habría sido posible sin los testimonios de Lucía Barrera de Cerna y José María Tojeira.

Lucía y su familia nunca pudieron volver a vivir en El Salvador y actualmente reside en el estado de California. Por su parte, el padre Tojeira fue rector de la Universidad y hoy dirige el Instituto de derechos humanos fundado por segundo montes.

El tercer y último aviso señala que los responsables de la matanza de los jesuitas siguen en libertad a excepción del ex coronel Inocente Montaño condenado en 2020 a 133 años de cárcel por la Audiencia Nacional española.

Así termina la película llegaron de noche una película coproducida entre España Colombia en el año 2022 y que lleva por título llegaron de noche siendo dirigida por Imanol Uribe.

La película se conoció originalmente como La mirada de Lucía al principio de la etapa de producción. El guionista fue Daniel Cebrián. La película ha sido producida por María Luisa Gutiérrez y Gerardo Herrero cabezas visibles del entramado que se formó en la que estaban Bowfinger International Pictures, Tornasol Media y Nunca digas nunca junto a 64A Films y ha contado con la participación de RTVE y Movistar+ y el apoyo financiero del ICAA, el programa Ibermedia y el ICO.

La película contó con la música de Vanessa Garde y la fotografía de Gonzalo F. Berridi, así como del montaje de Teresa Font. 

En la película participan Juana Acosta como Lucía, Karra Elejalde como Ignacio Ellacuría, Carmelo Gómez como el padre Tojeira,  Ben Temple como el jesuita Padre Lipton, Ángel Bonanni,  Juan Carlos Martínez , el actor peruano Christian Esquivel, Julio Pachón como el Coronel López y Ernesto Collado.

La película es un thriller político basado en hechos reales ocurridos en noviembre de 1989 que se centran en el asesinato de seis jesuitas (Ignacio Ellacuría, Ignacio Martín-Baró, Segundo Montes Mozo, Amando López Quintana y Juan Ramón Moreno Pardo, junto al salvadoreño Joaquin López López, todos ellos partidarios de un acuerdo entre el gobierno de El Salvador y la guerrilla) y dos mujeres en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas, durante la guerra civil del Salvador una de las más muchos escenarios de la lucha que desangrará en los ochenta América central y , en concreto, la masacre que tuvo lugar en la universidad centroamericana UCA que conmocionó a la opinión pública mundial. 

La limpiadora , en un interminable interrogatorio en territorio norteamericano, en Florida, en el que está presente el gobierno salvadoreño y norteamericano a través del FBI y la CIA procede a tensos interrogatorios a la pareja, con amenazas y presiones para conseguir que la testigo y su esposo, Jorge, se retractaran en sus declaraciones. Impagable la intervención en los mismos durante la película del militar salvadoreño Coronel López (Julio Pachón).

Pero ella defenderá la verdad de lo ocurrido y se negó a encubrir la responsabilidad de los militares con la falsa atribución del crimen a la guerrilla del FMLN por parte del gobierno salvadoreño, en plena Guerra civil de El Salvador. De alguna manera se cumplió lo que, al parecer, en la película le confesó Ellacuría a la chica: “si me matan de día sabrán que ha sido la guerrilla, pero si llegan de noche, serán los militares”. 

Vemos como la intervención del padre Paul Tipton (Ben Temple), presidente de la Asociación de Institutos y Universidades jesuitas de Estados Unidos, actuará de mediador. Incluso llegó a acusar al embajador norteamericano en San Salvador, William Walker, de haber declarado a los periodistas que el testimonio de Lucía carecía de valor. 

Lo cierto es que el Gobierno de Cristiani, considerando el Centro Pastoral de la UCA como un refugio de subversivos, ordenó que debían de ser eliminados. Así, la noche del 15 de noviembre de 1989, los soldados entraron por la fuerza, ordenando a los jesuitas tumbarse boca abajo en el jardín trasero de la residencia. De esa manera fueron encontrados asesinados a la mañana siguiente.

Uribe decidió contar esta historia tras la lectura de la novela noviembre escrita por Jorge Galán donde descubrió el personaje de Lucía interpretado por Juana Acosta empleada de la limpieza en la UCA y única testigo de la masacre.

La versión oficial culpaba a la guerrilla del FMLN o sea del Frente Farabundo Martí para la liberación Nacional, que en ese momento combatía violentamente a las fuerzas gubernamentales del presidente Cristiani algo que carecía de sentido común muy bien sabía Lucía.

El rodaje comenzó en noviembre de 2020 en Navarra. Luego se trasladó a Colombia, donde se filmó en escenarios naturales del Valle del Cauca entre Cali y Buga. 

La actriz Juana Acosta cuenta que para preparar su papel conoció a Lucía y a su familia y afirma que" treinta años después siguen impactados. Cerraban las persianas de la casa para que nadie nos oyera". Según la actriz de Lucía he aprendido lo que es la dignidad y la defensa de la verdad.

Llegaron de noche es una cinta con una gran fuerza narrativa que aunque teñida de violencia por su contexto habla de la honestidad de la valentía de la bondad y sobre todo de la verdad y fuerza dos aspectos necesarios en momentos duros como los vivido por los protagonistas especialmente Lucía.

La película con su director al frente, curiosamente nacido en El Salvador, de padres guipuzcoanos , y formado en los Jesuitas, presentó en marzo de 2022 en el 25.º Festival de Cine de Málaga, dentro de la sección oficial del festival. Distribuida por Karma Films, se estrenó en los cines españoles ese mismo marzo de 2022.

La película ha recibido críticas generalmente mixtas, así Sergio F. Pinilla de Cinemania destacó que «Acosta brilla en el regreso de Uribe al thriller político». 

Juan Pando de Fotogramas dijo de ella que «la inocencia de la protagonista ante el horror que le rodea», al tiempo que consideró como inconveniente que los personajes negativos no estaban suficientemente humanizados.

Oti Rodríguez Marchante en las páginas del ABC escribe que "Está bien tratada la intriga, (...) subraya la impotencia (...) Aunque el verbo subrayar no sea el más indicado, pues Uribe levanta su historia sin ese punto de apoyo de exprimir la emoción y la tensión. (…) " 

Carlos Boyero en El País señaló que "Mejor las intenciones que el estilo (...) está narrada sin fuerza expresiva (...) en ningún momento me resulta compleja ni apasionante (...) Sí me parece notable la interpretación de Juana Acosta."   

Manuel J. Lombardo del Diario de Sevilla le dio una crítica negativa , considerando la película, lastrada por varias malas decisiones, como una «obra discursiva, superficial, plomiza», «sin contexto real, mordida política ni tensión dramática». 

Ya en Estados Unidos Jonathan Holland de ScreenDaily calificó la película como «bien intencionada pero desigual», y pero señaló que algunas personas se preguntarán «cómo es posible sacar tan poca tensión de un tema como éste»

Una versión de los hechos acontecidos, que hace a este película un documento veraz y necesario para que hechos como el ocurrido no se olviden y, sobre todo, cómo algunos órdenes religiosas se juegan la vida enfrentándose a la injusticia,  y como en este caso, o como nos presentó hace años Xavier Beauvois con los padres blancos asesinados en Argelia en " De dioses y Hombres", como la barbarie en muchas ocasiones es lo que triunfa, pero no hay que permitir que se olvide.

Indiana Jones y el Reino de la calavera de Cristal

Una pena que la cuarta entrega de Indiana Jones- Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull- no sea como la quinta. La cuarta entrega fuí averla al cine y fue una gran decepción. De hecho puede ser lo más floja que haya rodado Spielberg en muchos años. Esta cuarta entrega es del año 2008 y contaba además de Harrison Ford con Cate Blanchett, Shea LaBeouf y Ray Winstone. 

La vi en su estreno aquel año y no la ha vuelto a ver, es decir, le he dado el tiempo necesario para que la película se asentara en mi mente y en la pantalla, incluso adquiriera algún rasgo nuevo distinto o diferencial al que había visto, pero no. Estos dieciseis años no han aportado nada a la película. Me ha parecido tan absurda como cuando la pude ver en el cine y , evidentemente fue una garn decepción.

La película se hizo bastantes años después - 19 años después - de la última producción protagonizada por el rey de la aventura. Con ella Indiana Jones regresaba a la pantalla tras la última cruzada que fue la tercera entrega de la franquicia de Spielberg. Se había pactado esta cuarta entrega - es más, originalmente, el acuerdo firmado por Paramount Pictures y Spielberg planteaba la adaptación de 5 películas acerca de las aventuras de Indiana Jones - pero la diferencias entre el director y el protagonista Harrison Ford no estaban de acuerdo con el elemento argumental del cráneo de cristal, y la aplazaron indefinidamente.

A inicios de 2000, el interés en la misma fue retomado con la participación de Jeb Stuart, Jeffrey Boam, M. Night Shyamalan, Frank Darabont y Jeff Nathanson en la redacción de un guion, basado en el argumento concebido por Lucas. 

En 2006, el guion de David Koepp fue aprobado por Lucas, Spielberg y Ford. Finalmente, la adaptación de Koepp terminada a finales de 2006 contaría igualmente con Frank Marshall —productor de la película— que comentó que sentía una gran relación entre el guion de la tercera película y el guion de Koepp. 

Finalmente, la idea de George Lucas fue plasmada en forma de guión por David Koepp, que ya había trabajado con él en películas como parque Jurásico o Men in Black y sigue la fórmula que tanto éxito le dio en los años 80; acción sin efectos especiales generados por ordenador.

El 18 de junio de 2007 comenzó el rodaje en Deming, Nuevo México, en donde fueron filmadas las escenas alusivas a Marruecos en la película. 

El rodaje continuó en la Universidad Yale —utilizada para representar a la Universidad Marshall, en donde Jones es profesor de arqueología—, ubicada en New Haven, Connecticut, pasando luego a Hawái, en donde fue filmada una parte considerable de las escenas de la película. En este lugar, fueron filmadas las escenas de las selvas de Perú, las cuales habían permanecido en confidencialidad durante la estancia del equipo realizador en la isla. 

Tres semanas después, el equipo regresó a Estados Unidos para rodar nuevas escenas en los estudios de grabación de Downey, Sony, Warner Bros, Paramount Pictures y Universal Studios; todos ellos ubicados en Los Ángeles, California. 

Después de filmar esas escenas, la producción fue trasladada a Fresno, California, para filmar las últimas escenas alusivas al Aeropuerto Internacional de la ciudad de México. El rodaje de esta cuarta entrega de Indiana Jones concluyó a finales de febrero de 2008. 

Con el fin de mantener la continuidad estética con las anteriores películas, Spielberg y Lucas decidieron no incluir efectos digitales generados por ordenador con tal de seguir el estilo artístico de rodaje utilizado en las antecesoras. 

La película contó con la música de John Williams que empezó la composición de la partitura en octubre del 2007. La orquestación de ésta duró diez días de sesiones en los Sony Picture Studios. 

El estreno mundial de la cinta tuvo lugar en el Festival de Cannes, la primera película dirigida por Steven Spielberg desde E.T., el extraterrestre en ser estrenada en este Festival. y se convirtió en la película más taquillera de las salas.

La película se desarrolla principalmente en 1957, y en pleno desierto de Nevada, cuando un grupo de soldados aparentemente norteamericanos van a un área reservada del Ejército. Cuando llegan a la puerta del mismo son intersectados por la Policía Militar que les impide el acceso a la zona. Sin embargo, un  militar de los recién llegados dispara y acaba con el freno, avanzando hacia el interior que no es otro espacio que el Área 51.

Mientras todo esto, vemos que el Doctor Jones está ejerciendo la docencia en la Universidad de Yale, impartiendo clase de arqueología. Mientras da clase recibe la visita del Decano de la Facultad de Arqueología, Charles Stanforth (Jim Broadbent) que está recibiendo presiones por la administración en esta locura que es la caza de brujas comunistas. Charles le informa que ha de dejar el trabajo, de la misma manera que él , como queja, ha presentado su dimisión.

La presión de los agentes soviéticos lo hace ir , junto a otro arqueólogo amigo George «Mac» McHale (Ray Winstone) en contra de su voluntad al área 51.   Allí está la doctora en parapsicología y coronel soviética Irina Spalko (Cate Blanchett)-. Ella obliga a Indiana nada más llegar a  Nevada intentar identificar dentro de un inmenso almacén del Área 51a encontrar unos restos que tienen que ser de la tumba del extraterrestre caído en Roswell. Está exactamente donde se encuentra almacenada el Arca de la Alianza (que es vista un breve momento cuando se rompe la caja que la contiene) está también la tumba que, efectivamente, contiene el cuerpo del alienígena. 

Indy intenta escapar, pero es traicionado por su antiguo amigo y compañero Mac (Ray Winstone) y debe huir en un turborreactor, que le lleva hasta un pequeño pueblo donde se están haciendo pruebas nucleares. Evidentemente la prueba nuclear tiene lugar y , sin casi tiempo, Indiana se mete en el interior de un frigorífico y logra salvar la vida. 

Tras esto, Indi descubre que lo están siguiendo , aunque escapa del acoso de los perseguidores. No obstante, recibe el apoyo de un chico que va en moto y que le pide ayuda pues está buscando a su madre, así como la persona que ha ejercido como padre y abuelo hasta el momento, un viejo amigo de Indi, el Doctor Harold Oxley, que lleva desaparecido un tiempo en Sudamérica. El chico de nombre Mutt (Shea Labeoeuf) le pide ayuda. Nos enteramos que el profesor Oxley es un veterano arqueólogo obsesionado desde hace años con la expedición de Orellana al Dorado. Mutt (Shia LaBeouf), es quien le pide ayuda para encontrar a un antiguo amigo de Indiana llamado Harold Oxley (John Hurt), desaparecido en plena búsqueda del cráneo de cristal en Nazca (Perú). 

Una vez en Sudamérica, Indiana y Mutt descubren que Oxley había estado encerrado en un manicomio un tiempo. En el suelo de la habitación que él ha ocupado, encuentran una serie de pistas que les llevan hasta la tumba del conquistador Francisco de Orellana, desaparecido en 1546 mientras buscaba El Dorado. 

Tras encontrar la tumba, encuentran también un cráneo de cristal en ella. Y ellos son encontrados por los soviéticos, quienes secuestran a Indiana y a Mutt y les llevan hasta un campamento. Allí coinciden con otros rehenes: el antiguo amor de Indiana Jones, Marion Ravenwood (Karen Allen) y madre de Mutt, y Oxley. 

Los soviéticos les explican que creen que el cráneo tiene un origen extraterrestre y que posee poderes psíquicos muy útiles para ganar la Guerra Fría. Y Marion cuenta que el padre de Mutt es Indiana. Indy, Mutt, Marion y Oxley emprenden la huida del campamento para encontrar el Templo de El Dorado y devolver el cráneo a su correspondiente sitio. 

A pesar de haber escapado de sus captores, Mac continúa siguiendo a Indy y sus acompañantes. Con el fin de evitar enfrentarse solo, confiesa ser un agente doble, que trabaja contra los soviéticos haciéndose pasar por un aliado suyo. Lo anterior le permite ganar la confianza de Indy, quien finalmente accede a unirse con él. 

Al entrar en el templo, Jones utiliza el cráneo para abrir una puerta que conduce a una habitación maya, la cual contiene trece esqueletos de cristal. Sin embargo, uno de ellos no posee su respectivo cráneo. Cuando los soviéticos llegan, Indy es acorralado por Mac (quien le confirma que le ha mentido), y la tropa soviética de Spalko. 

Tras arrebatarle el cráneo a Indy, Spalko procede a colocarlo en el esqueleto. Al hacerlo, este último comienza a hablar, a través de Oxley, utilizando un antiguo dialecto maya. Jones lo traduce en el sentido de que los extraterrestres quieren darles un gran obsequio. Emocionada al respecto, Spalko expresa su deseo de obtener todo el conocimiento de la humanidad, así que los cráneos comienzan a "disparar" el razonamiento por medio de sus ojos. 

En medio de la escena, aparece un portal a una dimensión paralela. Oxley, quien ha recuperado su cordura, explica que los extraterrestres son realmente seres inter-dimensionales que brindaron a los mayas su avanzada tecnología. Debido a lo peligrosa de la situación (sobre la base de la aparición del portal), Indy, Mutt, Marion y Oxley escapan del templo, mientras que Mac queda atrapado en el portal. 

Al final, los esqueletos forman un solo extraterrestre que traslada el conocimiento íntegro a la cabeza de Spalko, quien muere por la sobrecarga de información. Después de ello, el templo se derrumba y un OVNI emerge de los escombros desapareciendo en una explosión de luz. 

Cuando Indy pregunta si se fueron al espacio exterior, Oxley contesta que en realidad se fueron al espacio entre los espacios, , al metaespacio, afirmando que los extraterrestres, o al menos la raza con esqueletos de cristal (y en consecuencia los de Roswell), eran en realidad seres de otra dimensión. 

Al final, Jones vuelve a la Universidad Marshall, en donde recibe el nombramiento de Decano de la Facultad de Arqueología, y contrae matrimonio con Marion ante los ojos de su hijo que no es otro que Henry "Mutt Williams" Jones III  y de dos veteranos amigos, el viejo decano Charles Stanforth y Oxley definitivamente recuperado. Cuando parece que el nuevo Indi pudiera ser Mutt, descubrimos que no, que el sombrero es recuperado por nuestro veterano Indiana Jones, acabando así la película. 

La película recaudó 317 millones de dólares en USA (más de 100 millones de dólares durante su primer fin de semana), la 3ª más taquillera del 2008 tras "The Dark Knight" y "Iron Man". 

Harrison Ford con tal de prepararse para su retorno como Indiana Jones, a los 64 años de edad, Harrison Ford estuvo hasta tres horas diarias en un gimnasio y se sometió a una dieta alimenticia, basada en el consumo de un alto contenido de proteínas. Durante el rodaje, decidió realizar la mayor parte de las acrobacias del personaje. Respecto a ello, mencionó: —El principal recurso de Indiana Jones no es su juventud, sino su imaginación e ingenio. Tal vez su físico constituye parte indispensable, sobre todo por su agilidad para salir de situaciones en las que se ve involucrado. Sin embargo, los golpes y las caídas de personas desde lugares elevados no lo son todo en una película de aventuras. 

En el caso de Shea Labeouf , el productor, Frank Marshall dijo que este personaje añade el humor necesario para el desarrollo de la historia, principalmente por su arrogancia juvenil contrastante a la del viejo y sabio Indy. Al momento de ser elegido para participar en la nueva película de Indiana Jones, LaBeouf se emocionó tanto que firmó sin enterarse de cuál personaje le había sido asignado. Antes de comenzar la producción, engordó 15 kilos de peso para su personaje, y vio las películas previas de la saga.

Por su parte, la malvada coronel soviética, representada por Cate Blanchett siempre había querido interpretar al antagonista principal de alguna película, por lo que Spielberg la eligió para ser la villana de la nueva película de Indiana Jones. 

Spielberg invitó a Karen Allen, a principios de 2007, para participar con su personaje, y por último, fue el otro actor de peso, junto a John Hurt, fue  Ray Winstone que interpreta a un personaje ambivalente que mantiene una doble personalidad dentro del argumento: como aliado de Indiana, así como su rival, resultó de una combinación entre los personajes de Sallah y René Belloq —amigo y enemigo de Indiana Jones, respectivamente, en la primera película de la serie—. De acuerdo a las declaraciones de Winstone, Mac trabajó con Indy, durante la Segunda Guerra Mundial, en la AFI. Durante esa época, existía la sospecha de un posible espionaje encabezado por Rusia en el gobierno británico. 

Cuando se estrenó parte de la crítica alabó y criticó a partes iguales. Entre los que la elogiaron destaca la crónica de Roger Ebert, el crítico de Chicago Sun Times y de rogerebert.com dijo que "'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal'. Dilo en alto. Sólo el título ya te acelera el corazón (...) Si te gustaron las otras, te gustará esta (...). 

Para Claudia Puig en las páginas de USA Today escribió que "Jones tiene más canas, pero sus ingeniosas bromas siguen intactas (...) Incluso con sus extensos diálogos, es difícil no entretenerse con esta aventura (...). 

Por contra, Kirk Honeycutt en The Hollywood Reporter fue duro al decir que "La historia se empantana en un mar de acrobacias y efectos especiales que son tan incesantes como las escenas, y con tan poco encanto como la relación entre los personajes."

Para Todd McCarthy en las páginas de Variety sostuvo que "19 años después de su última aventura, el director Spielberg y la estrella Ford no tienen problemas en volver en plena forma con una historia y un estilo que se basa en mantener aquello que ha hecho la serie tan eternamente popular." 

Menos sentida fue por Manohla Dargis quien en The New York Times describió la película como algo en la que "Hay mucha energía frenética aquí, también mucho ruido y dinero, pero lo que falta es algo de redescubrimiento, lo que necesita un cineasta cuando utiliza una vieja fórmula o un patrón genérico." 

Richard Corliss, por su parte, en Time, comentó que "Tiene algunas escenas que parecen ejercicios de estiramiento de un hogar para el jubilado, tiene partes tontas e incluso el título parece demasiado largo. Pero una vez que arranca, 'Crystal Skull' ofrece un entretenimiento inteligente, sólido y para toda la familia." 

Scott Tobias en AV Club sñala que "El mayor problema de 'Crystal Skull' es el que últimamente plaga los excelentes filmes de Spielberg (...) No acaba de funcionar. Y para un entretenimiento sin mucho en su mente, eso molesta." 

Dana Stevens en Slate sostuvo que la película era "Cruda pero eficiente (...) El hábito de la película de citar venerables antigüedades de Hollywood a veces tiene el desafortunado efecto de recordar al espectador que esas películas son mejores." 

Peter Travers en la revista Rolling Stone aceptó que "La audiencia que busque relevancia emocional en 'Indy 4' está condenada al templo de la decepción. Spielberg y Lucas no están mejorando su creatividad (...) "; y en el Boston Globe, Ty Burr afirmó que era "Una divertida reunión de antiguos alumnos que es la segunda mejor entrega de la venerable serie (...) De manera inspirada y espontánea, 'Indiana Jones' mantiene el espíritu de los 80 (...) " 

En el Reino Unido, en las páginas del The Guardian, Peter Bradshaw defendió que "Parece que está hecha sin esfuerzo (...) Tiene momentos interesantes y todo muestra buenas intenciones (...) " Y en las de Empire afirmó Damon Wise que era "Una película hábil y entretenida que no ha sacrificado la acción como las tres primeras (...) 

Ya en España, Carlos Boyero en El País sostuvo que era "El lujoso experimento no ha fallado. Esta divertida película es lo que pretendía ser, alcanza su objetivo con poderío y fluidez, mantiene las esencias primitivas, entretiene, hace reír (...) el divertimento está magistralmente logrado." 

Luis Martínez en las de El Mundo concluyó que "Las escenas de acción, geniales; la historia, por debajo de las anteriores."

En ABC Oti Rodríguez Marchante afirmó con un significativo "¡Chapeau! (...) un arranque agitado, un desenlace batido, y entre uno y otro un cóctel con los ingredientes previstos y precisos."

Por su parte, Lluís Bonet Mojica, en las páginas de La Vanguardia concluyó que "Aunque su desarrollo es bastante previsible (...) la película combina hábilmente el cine de acción con la autoparodia." 

Como señala en Twitter , Fausto Fernández "Topos, monos en lianas, explosiones nucleares, aliens, una súper serpiente, comunistas, una dominatrix soviética esgrimista, el Área 51... Que no, que Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Calavera de Cristal no estaba tan mal".

Como ya he señalado de toda la saga es la que menos me ha gustado. No puedo calificarla de lastre, como he leído por ahí, pero la más floja si que es. 

Fantastic Mr. Fox

Si hace nada vimos Las brujas de Roald Dahl, hoy tocaba el turno de otra de sus obras más conocidas. No, no hablamos de la novela infantil Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate o de James y el melocotón gigante, sino de una obra menos conocida pero que el director Wes Anderson hizo con ella una película de animación en stop motion, que llegó a ser nominada al oscar a la mejor película de animación y a la mejor banda sonora o al Globo de oro a la mejor película de animación en el año 2010, hablamos de Fantástico señor Fox (Fantastic Mr. Fox, 2009). 

La película fue producida por Regency Enterprises e Indian Paintbrush, junto a 20th Century Fox y en ella se implicaron los productores Allison Abbate, Scott Rudin, Wes Anderson y Jeremy Dawson, junto con Steven Rales y Arnon Milchan como productores ejecutivos, que contaron con un presupuesto de $40.000.000. Partiendo de la obra de Dahl Wes Anderson y Noah Baumbach transformaron el libro en un precioso guion que fue enriquecido por la música de Alexandre Desplat, la fotografía de Tristan Oliver y el montaje de Andrew Weisblum.

El señor y la señora Fox llevan una vida familiar idílica sobre todo tras renunciar el señor Fox a su espíritu salvaje que a inicios de la película casi le cuesta la vida al caer en una trampa. La historia comienza con el Sr. Fox, un zorro que roba las gallinas de los agricultores. Mientras asalta la granja de Berk, donde buscaba robar unos polluelos, el Sr. Fox activa una trampa para zorros que se enjaula junto con su esposa Felicity. Felicity le revela a su esposo que está embarazada y le ruega que encuentre un trabajo más seguro si escapan, y él acepta. 

Dos años humanos (12 años zorro) después, los Zorros y su hijo Ash viven en un agujero. Fox, ahora columnista de un periódico, decide comprar una nueva casa dentro de un árbol, ignorando las advertencias de su abogado, sobre el gran endeudamiento que ello supone y , en segundo lugar, por lo peligrosa que es la zona para los zorros debido a su proximidad a las instalaciones administradas por tres temidos granjeros: Boggis (un granjero de pollos), Bunce (un granjero de patos y gansos) y Bean (un granjero de pavos y manzanas). 

Poco después de que los Fox se muden, el sobrino de Felicity, Kristofferson Silverfox, viene a vivir con ellos. La razón se debe a que su padre está convaleciente. Los Fox lo admiten como uno más de la familia. Sin embargo, Ash encuentra esta situación intolerable; su primo es superior a él en casi todo, - el más alto, más guapo, menos raro, sabe kárate, hace meditación, es un deportista nato y es encantador centrando la atención de otra zorra que trabajaba en la escuela con Ash, con la que que al final Kristofferson acaba saliendo- y todos están encantados con Kristofferson. 

Anhelando sus días como ladrón, el Sr. Fox tras doce años de apacible placidez es demasiada vida bucólica para el salvaje instinto animal del señor Fox. Pronto vuelve a su viejo y furtivo hábito de robar gallinas que al hacerlo pone en peligro no solo a su amada familia sino a toda la comunidad de animales salvajes del paraje en el que habita. Para ello cuenta con su amiga Kylie, una zarigüeya, y entre los dos, tras un minucioso plan, roban en diversas jornadas productos agrícolas y aves de corral de las tres granjas durante tres noches seguidas. 

Enfurecidos, los granjeros deciden matar al Sr. Fox. Ellos acampan cerca de su casa, y cuando el Sr. Fox emerge, abren fuego pero solo logran dispararle la cola, perdiéndola en ese momento. La familia y Kilie se protegen, pero esto no frena a los empresarios. 

Después de demoler el sitio del árbol y mientras intentaban desenterrar al Sr. Fox, descubren que los Fox han cavado un túnel de escape. Como los zorros tendrán que salir a la superficie en busca de comida y agua, los granjeros esperan en la boca del túnel. 

En la clandestinidad, Felicity está molesta porque el Sr. Fox volvió a sus  hábitos de ladrón. Ahora, están atrapados bajo tierra y han implicado negativamente al resto de animales de la zona que también buscan refugio en el interior de la tierra.

Sin suficiente comida los animales forman una banda para luchar contra los malvados granjeros Boggis, Bunce y Bean , que están determinados a la captura del audaz y fantástico señor Fox a cualquier precio. 

Más tarde, el grupo se encuentra con Badger y muchos otros animales residentes locales cuyas casas también han sido destruidas por los granjeros. A medida que los animales comienzan a temer morir de hambre, el Sr. Fox los conduce a una expedición de excavación para hacer un túnel a las tres granjas y les roba a todos. No sin descubrir a una vieja conocida un rata que trabaja vigilando la fabrica de sidra. 

Tras el éxito de la operación tan audazmente diseñada deciden darse con los otros animales un festín. Mientras esto ocurre, los dos primos,  Ash y Kristofferson, comienzan a reconciliarse después de que Kristofferson defiende a Ash de un matón.Ash tiene un plan: recuperar la cola del Sr. Fox que guarda en casa uno de los empresarios, el señor Bean.

Los primos, sin saberlo en Sr. Fox, regresan a la granja de Bean, con la intención de recuperar la cola , pero Kristofferson es capturado. 

Esto ha ocurrido una vez que los  granjeros, cada vez más harto del Sr. Fox  que nuevamente ha robado sus productos, conjuntamente con el jefe de bomberos deciden inundar la red de túneles de los animales con  sidra de Bean, atrapando a los animales en las alcantarillas. Cuando se concentran los animales descubren que falta Kristofferson explicando Ash lo ocurrido. 

Al darse cuenta de que los granjeros planean usar a Kristofferson para atraerlo a una emboscada, el Sr. Fox se dirige a la superficie para rendirse, pero regresa cuando Rat, el guardia de seguridad de Bean, se enfrenta a los animales y ataca a Ash y Felicity. Una pelea entre el Sr. Fox y Rat da como resultado que este último sea empujado a un generador, electrocutándolo. Antes de morir, Rat, que siempre estuvo enamorado de la Sra. Fox, revela la ubicación de Kristofferson. 

El Sr. Fox les pide a los granjeros una reunión en la ciudad cerca del centro de alcantarillado donde se rendiría a cambio de la libertad de Kristofferson. Los granjeros preparan una emboscada, pero los animales, anticipándose a ella, lanzan un contraataque que permite al Sr. Fox, Ash y Kylie entrar a la granja de Bean sin ser detectados, aunque cree llevar un arándano necesario para anular al sabueso. 

Ash libera a Kristofferson y desafía el fuego enemigo para liberar un perro de caza rabioso para mantener a raya a los granjeros, permitiendo que el grupo escape. 

Mientras estos escapan de la granja de Bean con una motocicleta, se detienen un momento al notar a lo lejos la presencia de un hermoso lobo que los observaba, un animal que al Sr. Fox le tiene fobia, luego de que este intentara comunicarse con el majestuoso lobo, el animal parecía no entender, por lo que el Sr. Fox accede a levantar su puño hacia el aire, y el lobo también responde con el mismo gesto, dando como una señal de amistad entre el zorro y el lobo, luego de que este se marcha, el Sr. Fox y compañía continúan su camino. 

Los animales pronto se instalan en sus nuevos hogares en las alcantarillas, invitando a otros animales a unirse a ellos. 

Poco después, Fox , que no puede evitar ser como es, allana una tienda de comestibles que pertenece a Boggis, Bunce y Bean, donde Felicity revela que está embarazada nuevamente mientras los animales bailan en el pasillo, acabando así esta genial historia.

La película es el primer film animado del director Wes Anderson, que utiliza la clásica técnica de la animación de toma fija para narrar la historia del best-seller para niños de Roald Dahl. La película incluyó al director de animación Mark Gustafson, el director de fotografía Tristan Oliver y el diseñador de producción Nelson Lowry. Completan el elenco técnico el supervisor de edición Andrew Weisblum, el supervisor de música Randall Poster, y las marionetas fabricadas por MacKinnon and Saunders. 

Una de las condiciones que puso Anderson fue que el color verde no debía aparecer en la película, por esa razón toda la paleta de colores son mostaza, amarillo, rojo y beige. En un principio, el diseño de los personajes y su moldeado se parecía más a un animal, pero Anderson quería que los personajes tuviesen una personalidad más humana, que caminasen verticalmente y que llevasen ropa adecuada. 

En cuanto a esto último, los trajes de pana de Mr. Fox estaban basados en la indumentaria de Anderson a través de una muestra de tela. 

Wes Anderson y Noah Baumbach se quedaron en Gipsy House a escribir el guion para sentir la atmósfera. Felicity Dahl, viuda del escritor Roald Dahl, los acogió en las habitaciones de la vivienda contigua y se quedaron allí durante dos semanas trabajando el guion.

La película tuvo su estreno mundial como la película de apertura de la 53ª edición del Festival de Cine de Londres en octubre de 2009. La película fue galardonada ese año en diversas premios de importancia. En los Oscars obtuvo dos nominaciones, a la mejor película de animación y banda sonora; y en los Premios Globo de Oro fue nominada al mejor film de animación.

En los Premios Annie consiguió el premio al Mejor guion siendo nominado en otros tres apartados En los Premios BAFTA obtuvo dos nominaciones a mejor película de animación y música.

En los National Board of Review consiguió el Premio logro especial; y en los Satellite Awards fue premiado al Mejor largometraje animación. 

El Círculo de críticos de San Francisco concedió el Premio al Mejor guión adaptado (Wes Anderson) y el de Los Ángeles y New York el de Mejor película de animación, entre otros reconocimientos. 

En general la crítica especializada valoró muy positivamente la película. Para A. O. Scott del The New York Times consideró que la película  "En cierto modo el film de Anderson más completo y satisfactorio. (...) Asombrosa inventiva y habilidad (...) es la película que un niño anonadado con la ficción de Roald Dahl y fascinado con los enigmas del mundo adulto hubiera soñado con hacer"  En otro diario de New York  Sara Vilkomerson en el The New York Observer comentó que  "Visualmente es una auténtica maravilla (...) se siente como algo completamente nuevo" 

En los  Boston Globe Ty Burr escribió  "Otros cineastas hacen historias para niños cuando tienen hijos propios. Anderson parece haber hecho esta película para su propio niño interior (...) un cuento de hadas para adultos" 

Roger Ebert en su web rogerebert.com señaló que era "Una película animada que no tiene nada en común con la animación tradicional (...) Los niños en particular encontrarán cosas que no entenderán y cosas que podrían asustarles. Excelente. Una buena historia para niños debe sugerir una dimensión oculta (...) " 

Si el anterior era un habitual del Chicago Sun Times, en otro de los diarios de Illinois, el  Chicago Reader J.R. Jones  comentó que era "Un clásico instantáneo. El material permite que Anderson neutralice los aspectos más irritantes de su trabajo" 

Para  Todd McCarthy de Variety la película lleva "El sello indeleble de Anderson está en cada fotograma, para bien y para mal. Todos los aspectos son de primer nivel." 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian defendió que "Me pareció totalmente seductora y consistente (...) Su anarquía alegre y su brutalidad son muy de Dahl, por lo menos en espíritu (...) "; y en las del Empire firmadas por  Ian Nathan se dice que  "Genuinamente original: una adaptación absurda, hilarante y extrañamente profunda para niños maduros (...) " 

Ya en España, llama la atención la opinión no excesivamente favorable de un Javier Ocaña en El País cuando dijo "El mundo de Anderson acaba deambulando siempre entre la genialidad y la chorrada (...) La película está alimentada por un asombroso conglomerado de fotogramas aislados que no terminan de conjuntar (...) No hay cadencia, no hay ritmo." Yo me planteo si hoy seguirá penando eso ahora que escribe libros sobre las películas que ve junto a su hijo/a

Para Jordi Costa en Fotogramas defiende que "Podría afirmarse que Anderson ha logrado su obra más luminosa, comunicativa, elocuente... y humana. (...) Una obra mayor, única" 

Javier Cortijo en ABC afirma que es "Un precioso y preciosista troquelado artesanal (...) un entramado fascinante (...) una gozada que no obliga a llevar gafas 3D (...) " 

Y  Nando Salvá desde las páginas de El Periódico destaca que "Es una veloz comedia screwball en la que hilarantes intercambios verbales y brillantes gags físicos se suceden sin reposo (...) la película más desternillante y emotiva de Wes Anderson, y la más compleja en la forma y el fondo. (...)

A mi personalmente me ha encantado. De hecho, tras verla por primera vez, la he visto una segunda, pues me daba la impresión que había perdido mucho en el primer visionado. Consideró que es una auténtica genialidad y que está a la altura de lo que escribió el cada día más apasionante Ronald Dahl. 

Por cierto, la he visto en español así que no he apreciado en nada , salvo en las personas que suplen sus voces en la película , la intervención de George Clooney, Meryl Streep, Michael Gambon, Bill Murray, Willem Dafoe, Owen Wilson , Adrien Brody o el mismo Wes Anderson, así como otros. El mérito lo dejo para el director , Wes Anderson, del que por aquí ya han pasado algunas de sus encantadoras obras como han sido Gran hotel Budapest y  La isla de los Perros, así como el equipo técnico. Muy recomendable esta encantadora película.