Olvida el Álamo

Olvida el Álamo!!! Así acaba una magnífica película llamada Lone Star del año 1995 una gran y sorprendente película. Todo un descubrimiento que , como es de esperar, se desarrolla o está ambientada en un pequeño pueblo de Texas, el Estado de la Estrella solitaria, o Lone Star State.

La película, un thriller estadounidense del año 1996 escrito, editado y dirigido por el neoyorkino John Sayles. Este comenzó su carrera trabajando con Roger Corman y sacando el máximo rendimiento a unos presupuestos limitados y ha financiado la mayoría de sus películas escribiendo guiones de películas muchas de ellas del género de terror o escribiendo para otros directores y proyectos. Cuando ya consiguió cierta solvencia se lanzó a escribir y dirigir sus propias películas, como Lone Star , Passion Fish , Eight Men Out , The Secret of Roan Inish y Matewan, películas de cine independiente . Casi desde el principio desde 1983 Maggie Renzi , su compañera, ha producido la mayoría de sus películas y se conocieron como estudiantes en el Williams College.

Sayles trabaja con un repertorio regular de actores integrado por actores tales como Chris Cooper , Joe Morton o Kris Kristofferson como ocurre en esta película , pero también cuenta con otros como David Strathairn y Gordon Clapp , cada uno de los cuales ha aparecido en, al menos, cuatro de sus películas.

Como ocurre con otros cineastas independientes, John Sayles tiende a trabajar con los mismos actores y técnicos una y otra vez. Sus películas se caracterizan por mostrar las tensiones dentro de comunidades mostradas con todo lujo de detalles, como ocurre en este caso con las tensiones entre la comunidad anglosajona y latina en Lone Star, que en esta película presenta un nuevo vértice , el de la comunidad negra, descendiente de los Seminolas de color de Florida, y los puntos de vista divergentes así como introducir elementos y temas políticos en sus películas. No es de extrañar en ese sentido que fue uno de los intelectuales que participaron en la Campaña Not In Our Name (junto con Noam Chomsky , Steve Earle , Brian Eno , Jesse Jackson , Viggo Mortensen , Bonnie Raitt , Oliver Stone , Marisa Tomei , Susan Sarandon y otros) y que se opusieron la invasión de Iraq .

En Lone Star John Sayles , que está en calidad de director, guionista y montador, contó en la producción con R. Paul Miller y Maggie Renzi y el amparo en la Producción de Castle Rock Entertainment, Río Dulce  y la Columbia Pictures en la distribución, manejandoeso sí, un presupuesto de $ 3 millones de dólares.

En el apartado musical contó con las composiciones de  Mason Daring a la que se suman gran parte , como música de ambiente, de canciones populares mexicanas y la fotografía de Stuart Dryburgh .

El elenco presenta a Kris Kristofferson como Charlie Wade , Matthew McConaughey como Buddy Deeds, Chris Cooper como Sam Deeds , Elizabeth Peña como Pilar Cruz , Míriam Colón como Mercedes Cruz , Clifton James como Hollis Pogue , Ron Canadá como Otis "O" Payne . Junto a ellos aparecen Gabriel Casseus como el joven Otis Payne , Joe Morton como Delmore Payne que interpreta al hijo de Ron Canadá, a pesar de tener más de 18 meses más que él, Eddie Robinson como Chet Payne , Frances McDormand como Bunny , Stephen Mendillo como el sargento Cliff , LaTanya Richardson como la Sargento Priscilla , Worth Jesse Borrego como Danny Padilla,  Tony Plana como Ray Oni , Faida Lampley como Celie,  Eleese Lester como Molly , Tony Frank como Fenton , Gordon Tootoosis como Wesley Birdsong , Beatrice Winde como Minnie Bledsoe,  Chandra Wilson como Athena Johnson

En el desierto de Texas, en un pueblo fronterizo con numerosos inmigrantes mexicanos, aparece en un área , antiguamente militarizada, un esqueleto de un ser humano. Los descubridores son dos militares de la base militar cercana a Frontera, un ciudad que cercana a México y que van buscado balas para esculturas. Los restos del esqueleto humano en el viejo campo de tiro aparecen junto a un anillo masónico, una insignia del sheriff del Condado de Río y , más tarde, aparece una bala que no usa el ejército.

La primera impresión es que es un asesinato antiguo, de hace unos cuarenta años atrás, y al aparecer una estrella de sheriff  todo apunta que pudiera ser el cuerpo de Charlie Wade ( Kris Kristofferson) , el antiguo sheriff local, un hombre violento y corrupto, que desapareció sin dejar rastro hace cuatro décadas.

El sheriff Sam Deeds descubre que este predecesor, Charlie Wade era un hombre racista y un esbirro del entonces juez, que , en ese momento, era dueño de todo en el área. El crimen en sí mismo no le molestaba a ninguno de los dos, pero lo que sí les molestaba mucho eran no tener parte de las ganancias. Al que no le pagaban,  Wade le disparaba.

El encargado de la investigación es actual sheriff  de Frontera , Sam Deeds, (Chris Cooper, )un hombre que nació y se crió en Frontera, y regresó hace dos años para ser sheriff. Es hijo del anterior sheriff Buddy Deeds (Matthew McConaughey) , un ser  legendario a quien se le recuerda como un hombre honesto, justo e íntegro.

Un policía que no tuvo problema alguno en enfrentarse a autoritarismo de Charlie Wade, el sheriff que, en una ocasión, supuestamente, la última vez que lo vieron vivo, amenazó de muerte a su padre, al no aceptar sobornos ni amenazas del jefe de policía. Buddy Deeds, el padre de Sam, se opuso abiertamente a su superior y , poco después, Wade desapareció, y Buddy se convirtió en su sucesor.

En estas investigaciones, las imágenes saltan del presente a en la década de 1950 , años en los que ue tuvo lugar la opresión de las diversas minorías de afroamericanos , mexicanos , latinos e indios en todos los niveles.

Ahora a Bud se le va a levantar un monumento. Por lo tanto, no conviene a los dignatarios de la ciudad que Sam sospeche   de su padre, con quien tuvo una relación difícil, como implicado en el asesinato del anterior sheriff.

Sam tuvo problemas con su padre y peleaban desde la adolescencia. Descubrimos a lo largo de la historia que la razón fue la oposición de su padre con una chica de origen mexicano. Cuando era adolescente, Sam que había estado enamorado de la hija de Mercedes Cruz, Pilar, pero tanto Buddy y Mercedes se opusieron fuertemente al noviazgo.

La situación ahora en Frontera es de esfervescencia política ya que se avecinan elecciones a nuevo alcalde y los intereses políticos están muy presentes. Sam, además, desaprueba particularmente los esfuerzos de la líder empresarial Mercedes Cruz y del ex compañero de Buddy, el alcalde Hollis Pogue, por ampliar y cambiar el nombre del juzgado local en honor de Buddy; lo considera un desperdicio innecesario del dinero de los contribuyentes.

Tras la detención del hijo menor de Pilar, hijo que ha tuvo con su marido Fernando, hay un encuentro casual entre Sam y Pilar, ahora viuda, con  dos hijos adolescentes.  y profesora en un instituto local en el que se discute con vehemencia como han de explicarse las clases de historia sobre todo desde la independencia de España hasta la integración de Texas en los Estados Unidos.

El encuentro fortuito hace que reanuden lentamente su relación, pero se adivina mucha tensión entre un Sam que comenta que ha regresado tras divorciarse de su mujer y salir de la empresa de su suegro y Pilar que sigue notando la oposición de su madre, Mercedes, una importante empresaria de la restauración,  a comenzar una nueva relación

Cuarenta años después, los diversos grupos étnicos discuten sobre el tipo correcto de educación y permanecen esencialmente divididos por barrios. Todavía hay un pub solo para gente negra y las relaciones de raza mixta no son bienvenidas.

Por su parte, también acaba de aparecer en Frontera un nuevo responsable de la base militar local. El responsable es el coronel Delmore Payne llegó recientemente a la ciudad como comandante de la base local del ejército de los EE. UU.  regresa con su familia al lugar de su infancia.

Delmore es el hijo de Otis "Big O" Payne, propietario de un club nocturno local y figura destacada en la comunidad afroamericana del área. Los dos están distanciados debido a la sistemática infidelidad de Otis y el abandono de la madre de Delmore cuando éste era un niño. Pero se niega a contactar a su padre Otis, quien a menudo lo ignoraba durante su infancia debido a su trabajo, no así su nieto que quiere conocer a su abuelo a pesar de la oposición de su padre.

Ahora Delmore , repite los errores de su padre ahora incluso con su hijo. Cuando Delmore finalmente visita a su padre, lo hace por razones oficiales, ya que piensa en un tiroteo entre los soldados en el bar y prohíbe a sus soldados visitarlos. La solicitud de su padre Otis para conocer a su familia, pero él se niega.

Sam , gracias a la aportación de Texas Ranger Ben Wetzel que ayuda en el caso confirma las sospechas que tiene Sam . Al igual que los forenses identifica el esqueleto como el de Charlie Wade, el corrupto sheriff que precedió a su padre Buddy.

El sabe, así se lo cuentan en repetidas ocasiones, que Wade había desaparecido misteriosamente en 1957, tomando $ 10,000 en fondos del condado, después de lo cual Buddy se convirtió en sheriff.

Sam investiga los eventos que llevaron al asesinato de Wade. Se entera de que Wade aterrorizó a las comunidades locales formadas por afroestadounidenses y mexicanos. Sin miramientos alguno cometió numerosos asesinatos, siguiendo siempre el mismo "modus operandi" : les pide a sus víctimas inocentes que extraigan cualquier arma que puedan tener, para luego justificar dispararles por "resistirse al arresto".

Sam se entera de que Hollis y Mercedes han reclutado a su propio candidato para regir la policía  para competir contra él en las próximas elecciones. Él decide no postularse para la reelección.

Entre otros Sam se entera por el limpiador de la comisaria que Wade utilizó este método para asesinar al esposo de Mercedes Cruz, Eladio, frente al ayudante de policía Hollis. En México visita a un antiguo espalda mojada que vio fue testigo del asesinato de Eladio Cruz por parte de Wade.

Por otro lado, descubrimos que el coronel Delmore Payne es un tipo duro, pero también un hombre con corazón. Tras hablar con una soldado negra que se ha  drogado, Delmore se da cuenta de que los humanos pueden tener diferentes planes de vida y decide acercarse tanto a su hijo como a su padre. Al llegar a casa, a pesar de no encontrarse, lo recibe su nueva mujer que le enseña la vivienda, en ella aparte de información sobre los Semínolas negros que los que son descendientes, descubre para su asombro una pared llena de información sobre él que el padre ha ido acumulando a lo largo de la vida, con cada uno de los logros de su hijo. La mujer le dice que era su madre la que impedía las visitas del padre al hijo.

La madre de Pilar, Mercedes,  se niega a reconocer sus raíces mexicanas y exige que su personal hable inglés. Solo cuando uno de sus empleados , Enrique, aparece comprometido en una operación de "espaldas mojadas" desde Mexico a  los EE. UU. , presta su ayuda a los inmigrantes ilegales.

Cuando ya lo tiene claro, Sam visita a Wesley Birdsong, un nativo americano y propietario de un puesto turístico en la carretera, quien revela que Buddy fue se compañero de armas en Corea y  que tras la guerra decidió convertirse en alguacil adjunto y casarse con la madre de Sam, aunque tenía una amante, cuyo nombre Wesley dice tener olvidado.

Sam, deduce que su nombre puede aparecer en los recuerdos que conserva en San Antonio , donde visita a su ex esposa una persona inestable y enferma de nombre Bunny (Frances McDormand)  y a la que le pide las cosas de su padre, donde descubre cartas de amor de la amante de Buddy.

Sam, ya con la verdad en la mesa, va en busca del alcalde Hollis y Otis y les pregunta sobre el asesinato de Wade. Le comentan que Wade extorsionó dinero a un joven Otis por llevar a cabo una operación de apuestas ilegales en el bar, y luego estuvo a punto de usar su fórmula  de "resistencia al arresto" para matar a Otis. Pero Buddy llegó justo cuando Hollis le disparó a Wade para evitar el asesinato de Otis Payne a sangre fría.

Los tres enterraron el cadáver y se llevaron los $ 10,000 del condado y se lo dieron a Mercedes, que estaba viviendo casi como una indigente después de la reciente muerte de Eladio, para comprar su restaurante.

Hollis revela que Buddy y Mercedes comenzaron a salir poco tiempo después. Sam decide dejar el tema, diciendo que seguirá siendo un misterio sin resolver.

Hollis expresa su preocupación de que, cuando el esqueleto se revela como Wade, la gente suponga que Buddy lo asumir sus funciones, a lo que Sam afirma que la leyenda de Buddy puede manejar la situación.

Sam decide quedar con Pilar en el antiguo autocine. Sam  le dice a Pilar que Eladio murió 18 meses antes de su nacimiento, en lugar de "unas pocas semanas", antes de que ella naciera.

Sam le muestra a Pilar una foto vieja de Buddy y Mercedes, y ella deduce que Buddy es su padre por esa razón se oponía a la relación y por ello también la miraba durante los recreos. Igualmente, por eso , Mercedes decidió llevar a su hija a estudiar a un centro de monjas. Ambos están tocados por el engaño pero deciden que, dado que Pilar no puede tener más hijos, después de complicaciones durante el nacimiento de su hija continuarán su relación amorosa, a pesar de saber que son medio hermanos , pero esto hace que esta decisión sea aún más fácil. Deciden comenzar de nuevo y dejar descansar las viejas historias.  Pilar le pide a Sam que se olvide de El Álamo.

La película fue filmada entre abril y junio de 19995 en  las localidades texanas de Del Rio , Eagle Pass. Luling Unland, Coupland  y Laredo,.


La película se estrenó el  10 de mayo de 1996  en el Festival de  Cannes, pasando al mes siguiente, el  21 de junio de 1996  a su estreno en las salas de los Estados Unidos consiguiendo una taquilla de $ 13 millones.

La película recibió críticas  positivas siendo consideradas por los críticos Gene Siskel y Rogert Ebert como una de las mejores de ese año 1996. Dos años después del lanzamiento, Jack Mathews de Los Angeles Times destacaba de ella que había sido "aclamada por la crítica y que era muy comercial". .

En retrospectiva en 2004, William Arnold del Seattle Post-Intelligencer dijo que la película era "ampliamente considerada como la obra maestra de Sayles", declarando que había "capturado el espíritu de la época de los '90 tan exitosamente como lo hizo Chinatown con el de los 70 .

Janet Maslin de The New York Times dijo de la película que era " larga, sobria, de ritmo contemplativo, anotada con una amplia gama de estilos musicales y dada la claridad del sol por la cinematografía de Stuart Dryburgh, está cargada con breves , encuentros significativos ... Y presenta una gran cantidad de actuación fina y reflexiva, que siempre se puede contar en una película del Sr. Sayles ".  Y añadió además que "Todos los personajes de la película son de carne y hueso" y destacó el trabajo de Kristofferson, Canadá, James, Morton y Colón.

Dennis West y Joan M. West de Cineaste elogiaron los aspectos psicológicos de la película y escribieron: " Lone Star representa de forma sorprendente los límites psicológicos personales que enfrentan muchos ciudadanos de Frontera como resultado de vivir tan cerca del frontera".

Ann Hornaday en el Austin American-Statesman defendía que era "un trabajo de gran alcance y percepción aguda", al considerarlo "la película más lograda de la carrera de 17 años [de Sayles]".

Sin embargo, no todas las críticas contemporáneas fueron completamente positivas. Mientras que el escritor de The Washington Post, Hal Hinson lo describió como "un logro literario cuidadosamente elaborado y sin complejos", dijo que el estilo de dirección de Sayles "no ha crecido mucho más que el de un estudiante de cine de primer año", declarando que el director estaba "estancado".

En una Enciclopedia de cine internacional alemana se dice que es  "Una reflexión inteligente sobre el comportamiento humano y su libertad, que desafía los hábitos visuales propios, lo que crea un hechizo sobre la forma y cuyo realismo psicológico promueve el propio pensamiento".

Ya en España   Luis Martínez en El País dice de ella que "Historia de fronteras, mestizajes y mentiras. De otro modo: cálida, profunda, magnética".

Miguel Ángel Palomo en  El País  escribía que era un "Comprometido y agresivo drama fronterizo en el que nada es lo que parece. (...) alambicada estructura narrativa que agita al espectador con continuos saltos temporales. Los soberbios trabajos del elenco de actores, en especial de un siniestro Kris Kristofferson, redondean 'Lone Star', una película imprescindible de uno de los cineastas más atípicos del cine norteamericano."

Para Carlos Boyero  en El Mundo la calificaba con un lacónico  "Magnífica" ; y en Cinemanía , Alexis López declaraba que era "Una gran película"

La película recibió numerosas nominaciones y premios. Un total de 24 nominaciones consiguiendo hasta 11 premios. Sayles fue nominado a los Premios Oscar , BAFTA , Golden Globe y Writers Guild of America por su guión original. 

Chris Cooper recibió una nominación para el Premio Chlotrudis . El Independent Spirit Award vio a Elizabeth Peña como la "Mejor actriz de reparto", mientras permanecía en las categorías de Mejor película, Mejor actor (Cooper) y Mejor guión para una nominación.

Y nominado a los Golden Satellite Award; Mejor película - Drama, R. Paul Miller y Maggie Renzi; 1997.

Irónicamente, Lone Star fue el gran ganador en los Lone Star Film & Television Awards  al vencer en las categorias de mejor actor (Chris Cooper), mejor director (John Sayles) , mejor película ; mejor guión para Sayles ; mejor actor de apoyo (Ron Canadá) y actriz de apoyo para Frances McDormand.

Ganó el Grand Prix del Sindicato belga de Críticos de Cine. Elizabeth Peña gano el Premio a la mejor actriz secundaria en los Independent Spirit Award. También ganó la actriz Elizabeth  Peña y la película ganaron premios en el Premio Bravo de NCLR , que premia las representaciones positivas de los hispanos . Tony Plana fue nominado.

En los Satellite Award consiguió el primer premio a la mejor película y guión original y nominado a la mejor película.

La Sociedad de Críticos  de Cine de Texas dio el premio al John Sayles al mejor director, mejor guión.

La Southeastern Film Critics Association Awards concedió el SEFCA Award al mejor director en la perdona de John Sayles.

En los Oscars fue nominada a Mejor guión original, pero también en 1996 en los  Globos de Oro también recibió una nominación al mejor guión.

En los BAFTA fue nominada John Sayles al mejor guión . Fue nominada a la mejor película en los Broadcast Film Critics Association Awards , los BFCA.

En los Casting Society of America consideró a Avy Kaufman para su premio por el mejor casting. En los Independent Spirit Awards las nominaciones fueron para R. Paul Miller y Maggie Renzi , mejor actor en la persona de Chris Cooper y mejor guión para John Sayles.

Por último, la Writer Guild of America  donde fue nominada al mejor guión de ese año 1996. Lo que es cierto es que John Sayles hizo un películón , una gran uso del "flashback" que no hace olvidar la historia de El Álamo, sino que la engrandece con este nuevo western fronterizo. carente de prejuicios, lleno de humanidad.

Vhs

Interesante el documental que, nos habla no nos habla de como el Video mató a la estrella de la radio, sino de como los Videocassette fueron una de las grandes aportaciones desde su nacimiento hasta en los setenta, gracias al Betamax de Sony hasta languidecer a finales de los noventa tras la aparición de de otros formatos. Muchas personas empezaron amar el cine gracias a los videos. Yo tuve / tengo una importante colección de videos, y como todavía me funciona el reproductor, de vez en cuando cae alguno a pesar de que la calidad de imagen o su nitidez no es comparable con la de los formatos actuales. 

Sin embargo la intención de este documental titulado La revolución del VHS o Révolution VhS dirigido por Dimitri Kourtchine y producido por Talweg Production y Arte France es casi arqueológica, una estética, la del VHS que pervive a día de hoy según su director. Y para ello nada mejor que tirar de las fuentes y sobre todo de los protagonistas que eran desde los primeros usuarios pasando por los coleccionistas, los propietarios de Videoclub, o personas relacionadas con el mundo del cine, ya como productores, ya como distribuidores que nos hablan desde la perspectiva de las gentes del cine y , sobre todo, y para mi lo más importante, de sus recuerdos. 

Yo no olvido todavía como un grupo de adolescentes entre los que me encontraba nos reunimos en la primavera del año 1983 en casa de un antiguo compañero de estudios para ver El exorcista de William Friedkin. Tampoco olvido el miedo que pasamos. 

Ir a ver un video en 1987 para celebrar un cumpleaños delante de una televisión, ver Aliens: El regreso de James Cameron, comer patatas o tomar una  cerveza era una actividad de lo más social y agradable en los ochenta. 

No es el único documental sobre el tema. He descubierto mientras me informaba sobre el mismo que John Carperter produjo no hace mucho tiempo uno titulado Rewind This! que fue dirigido por Josh Johnnson y que llegó a ser presentado en el Festival de Sitges.. Su punto de partida era la famosa información que aparecía en los videoclub cuando solicitaban que la cinta se entregara rebobinada. Desgraciadamente pocas personas lo hacían y al final descubrías que lo primero que veías de la videocassette eran los títulos de crédito, por lo que te tocaba rebobinarla a ti para empezar a verla.  Aunque he visto otro que se llamaba ¡Ajusta el Tracking! que respondía a la necesidad de ajustar unas de las funciones del videocassette para poder ver la película con una mejor calidad. 

De cualquier manera en la historia de los VHS, habrá que reconocer sus difíciles comienzos, enfrentando a la multinacional japonesa que fabricó los primeros videos, la Sony, incluso con las majors y las cadenas de televisión que llegaron a llevar al Supremo a la empresa japonesa porque , según ellos, cometían un delito contra la propiedad intelectual por lo que significaba la grabación. Afortunadamente la Corte Suprema de Estados Unidos dictó sentencia favorable, eso sí 5 frente a 4,  para la Sony y para los miles de propietarios de reproductores de Beta que intentaban aumentar el catálogo de películas en ese formato grabando las películas o series que emitían las cadenas televisivas, lo que en gran medida era lo que se buscaba, romper con la dualidad de ver una cosa u otra y con ella la liberación del sometimiento de horario de la emisión gracias  al  time shifting , la capacidad de archivo o poder librarte de lo que implica la publicidad. También implicaba la libertad de poder grabar a personas cercanas hasta romper con la tiranía de los programas de televisión.  

Tras eso llegó el "boom" de los reproductores de videocassette, pero quien se benefició de ellos fue el nuevo formato, el de VHS, durante los 80 y 90. Con ellos hablan aquellos de los incipientes videoclubs que no eran otros que tiendas de comestibles que tenían unos estantes con algunas películas. Compraban el pan, el embutido , el tabaco y te llevabas a casa alquilada una pequeña casa que contenía un VHS con una película.

Se habla en el reportaje de la importancia en la expansión del negocio y con ellos de los videoclubs del cine de adultos, el porno, siempre relegada a más allá de esas puertas  abatibles diría yo. 

A partir de la aparición de los Videoclubes se produjo la democratización del cine y de la cultura audiovisual. Hasta ese momento los amantes del cine estaban en manos de las distribuidoras , ya que ellas seleccionaban las películas de estreno en los muchos o pocos cine que hubiera en las ciudades. Además suponía la capacidad  para escoger la película, verla dónde y sobre todo cuándo quisieras. Era todo un ejercicio de libertad. 

Tras la aparición de los mismos en cualquier punto de la geografía estadounidense o europea, las ataduras acabaron. De hecho en los  ochenta y en los noventa el negocio de los videoclubs y de la venta de reproductores y VHS fue uno de los más pujantes en el mundo. 

Con ellos ya incluso aparecen los vínculos de las majors con los mismos creando sus propios sellos de video ya que descubren que el negocio del cine estaba en los VHS de películas que hacía poco que se habían estrenado.

Con todo ello apareciendo los géneros y los subgéneros , algunos cinematográficos ( desde la revitalización de los clásicos a la serie B, pasando por Porno, cine de Kung fu, ninjas, acción con acción y sin cabeza tipo Chuck Norris, Gore - tipo Holocausto canibal-, películas cutres, kitsch, etc...) , cómicos, y otros productos que podemos calificar de estrafalarios, rarezas, frikadas, como las que nos comentan por medios de sus testimonios de los pioneros y testigos de la época que iban desde videos que imitaban una televisión canina, a penosos manuales de seducción, clases de aeróbicos mientras abrazan a un bebé hasta los inolvidables ejercicios de aerobic de Jane Fondo, aerobic "cristiano", ...

Durante el reportaje se habla hasta de cómo el VHS se coló en algunos parlamento europeos, como el Británico, que intentó regular, vamos, coartar  el mercado libre del videoclub  - sobre todo de cine gore- hasta su influencia en la caída del muro berlinés y del bloque soviético, desarrollando principalmente el caso polaco con una película El interrogatorio o Przesluchanie del año 1989 dirigida por Ryszard Bugajski en 1990 y con Krystyna Janda , actriz que fue premiada en Cannes, que fue vista casi por todo el país, prohibida por el régimen de Jaruzelski y que abrió las puertas del mundo occidental al este de Europa.

Los noventa ven la aparición de los Blockbuster , pero también de la decadencia de un sector ante el empuje de lo que venía a través de los CD, los Dvd y otros formatos. Sin embargo, el VHS llegó a entrar en todos los sitios y prueba de ello fue la seccción que guarda la Biblioteca de la Universidad de Yale. No nos engañemos gran cantidad de títulos en VHS no se han editado en otros soportes ya que entre un 30 y un 40 % de las cintas no se han estrenado en otros formatos. De hecho, mucho cine fue estrenado para el DVD. Como ejemplo , el que acabo de encontrar en Internet de un documental que sólo existía en VHS y titulado “The Basque Sheepherder” que ha podido conservarse y ahora divulgarse gracias a que estaba en VHS.

Este documental, Révolution VHS nos informa como las videograbadoras dejaron de producirse en 2016, pero también de que numerosos videoclips, videojuegos y películas siguen emulando a día de hoy la pasión por la estética VHS.   Eso dice, yo desde luego mantengo mis cintas y mi videoreproductor.

Sra Doubtfire

No se la razón por la qué le tengo tanto cariño a Robin Willians. Antes me irritaba, pero después de su fallecimiento siento muchísimo que alguien que se dedicó a hacernos reír o a pasarlo bien, muriese o se suicidarse. es casi un castiga que un hombre talentoso y divertido acabase afectado por una depresión que desembocara en la muerte. Una pena y toda una injusticia. Creo que no sólo me pasa a mí. 

Después de la muerte de Robin Williams, el 11 de agosto de 2014, la casa se convirtió en un improvisado memorial, donde se dejaron ramos florales y cartas de muchos de sus fans. Yo ese verano estuve en San Francisco , tres semanas antes de su muerte. No recordé que se había rodado allí, aunque es probable que pasara por la casa en la que se rodó Mrs. Doubtfire en mis largos paseos por la ciudad pegada al mar y salpicada de colinas. 

Vi esta película parcialmente mientras cuidaba a unos de mis sobrinos allá por los noventa y hoy la he visto por completo.

Se trata de una película cómica sin dejar de tener algún drama como supone un divorcio, con la consiguiente separación de los padres y posterior juicio y el efecto que tienen en una familia. Igualmente apuesta por el travestismo y por la normalización de las parejas del mismo sexo como ocurre al hermano del protagonista coherente con su vivir en San Francisco, la ciudad con la comunidad gay más influyente de los Estados Unidos ya por aquellos años. No olvidemos que la película es del año 1993 , momento en el que todavía quedaba mucho para la normalización en ese tema de parejas homosexuales. 

La película fue dirigida por Chris Columbus, nacido en 1958 en Pennsilvania , y que se dio a conocer como guionista de la película Gremlins (1984), particiàndo igualmnte en Los Goonies o El Secreto de la Pirámide, pero que triunfó poco después como director con Sólo en Casa o Home Alone, la comedia más taquillera de todos los tiempos, así como se secuela sería el encargado de llevar a la gran pantalla la novela que llevaba por nombre Alias ​​Madame Doubtfire de Anne Fine escrita en 1987 escrita pra un público joven y adolescente y protagonizada por una familia con padres divorciados.

La adaptación del libro al cine fue escrita por Randi Mayem Singer y Leslie Dixon . Si ya algunas de las películas de Columbus había sido un exitazo, poco faltaba para la eclosión definitiva  como director de Blockbusters y éxitos absolutos , cosa que ocurre a partir de 2001 cuando dirigió Harry Potter y la piedra filosofal o en 2002 Harry Potter y la cámara secreta.   

Robin Williams que participó en ella en calidad de actor principal e igualmente como coproductor,  sirvió para consolidar aún más la carrera de un muy versátil actor como el . No estaba Columbus en calidad de productor no participando en ella con su productora 1492 Pictures, la cual fundó en 1995 estando en la misma Blue Wolf Productions quedándose la 20th Century Fox con la distribución y manejando un presupuesto de $25 millones.

La película contará con la música de  Howard Shore , la fotografía de Donald McAlpine , el montaje de Raja Gosnell y sobre todo de un equipo de maquillaje formado por Greg Cannom, Ve Neill y Yolanda Toussieng.

El reparto lo integran Robin Williams como Daniel Hillard/Mrs. Euphegenia Doubtfire , Sally Field como Miranda Hillard,  Lisa Jakub como Lydia Hillard,  Matthew Lawrence como Chris Hillard y Mara Wilson como Natalie Hillard .

Junto a ellos aparece un joven Pierce Brosnan como Stuart "Stu" Dunmeyer , Harvey Fierstein como Frank Hillard , Scott Capurro como Jack Hillard , Robert Prosky como Jonathan Lundy , Polly Holliday como Gloria Cheney , Anne Haney como Sra. Sellner , Sydney Walker como el conductor de autobús,  Martin Mull como Justin Gregory,  William Newman como Sr. Sprinkles , Todd Williams como Todd el camarero , Terry McGovern como Lou el director de la ADR .

La historia comienza en un estudio de doblaje de la ciudad de San Francisco. En el mismo está Daniel Hillard (Robin Williams) doblando con múltiples voces unos dibujos animados. La labor va bien hasta que Daniel introduce cosas de su cosecha en el doblaje, ya que considera que no se puede permitir que no se eduque a través de la animación, en concreto, criticando el pepel negativo del tabaco. Tras discutir con el director del estudio de doblaje, Daniel es despedido. Esto no parece preocuparle pues eso le permite más tiempo para estar con sus hijos.

A diferencia de la madre , él  es un padre muy blando con sus tres hijos. Lydia (Lisa Jakub ), cHRIS ( Matthew Lawrence) y Natalie (Mara Wilson).Y a pesar de que su mujer  no está dispuesta a permitir que Chris tenga una fiesta de cumpleaños por todo lo alto, ya que ha llevado un boletín con dos  materias suspensas, Daniel monta una fiesta por todo lo alto, llenado la casa y la calle de animales y niños así como creando una situación complicada  con sus vecinos.

Cuando llega  su esposa Miranda Hillard (Sally Field) y ve el desaguisado así como molesta y  cansada de que se comporte como si también él fuera un niño le pide el divorcio.

Daniel Hillard  intenta evitarlo ya que todavía la quiere, pero sobre todo no quiere separarse de sus hijos  que lo consideran un padre maravilloso. Sin embargo, Miranda está convencida y solicita el divorcio.

Durante el mismo el juez le da la custodia exclusiva de los niños, con sólo un día de visita, los sábados, pero le dice a Daniel que si  encuentra un trabajo estable y una residencia adecuada desde ese momento a unos tres meses, acordará conceder la custodia compartida.

Desde ese momento Daniel trabaja para reconstruir su vida, y , no sin dificulta  consigue un trabajo de baja categoría en una estación de televisión local. De cualquier manera su casa sigue siendo una leonera en la que ocasionalmente , el día en qué toca, cenan los niños, básicamente comida chica. Cuando Miranda va a recogerlos una noche se entera Daniel que ella está buscando un ama de llaves para atender a los niños. Él altera secretamente su formulario de anuncio clasificado que tendría que llevar a un anuncio por palabras en la prensa y así mantener a otras personas interesadas alejadas, y luego usa sus habilidades de actuación vocal  para llamar a Miranda sobre el trabajo, convirtiéndolos en candidatos indeseables.

Por último, Daniel llama a Miranda como una niñera con acento britanico. Dice ser la Sra. Euphegenia Doubtfire, afirma tener grandes  credenciales. Miranda , después de las llamadas anteriores, está impresionada y la invita a una entrevista.

Ante la entrevista Daniel recibe ayuda de su hermano Frank, un artista del maquillaje y Jack, el compañero de Frank, para crear un aspecto nuevo y una personalidad a la Sra. Doubtfire, que incluye una máscara protésica para que parezca una mujer mayor.

Tras la entrevista Miranda  llama a sus tres hijos para presentarle a la persona que acaba de contratar , la Sra. Doubtfire, después de la impresionante entrevista. Desde entonces hacerse pasar por una señora mayor y un ama de casa respetable y agradable,  disfrazada de mujer .

Al regresar al apartamento, se encuentra como todos los viernes por la noche con la Sra. Sellner (Anne Haney) , la enlace judicial de Daniel, que  recibe a la Sra. Doubtfire con la esperanza de ver a Daniel y llevar a cabo su inspección del apartamento. Esto hace que Daniel se intercambie en varias ocasiones tanto de la Sra. Doubtfire como de  él mismo para cumplir con las necesidades de la Sra. Sellner. En un momento dado vuela por la ventana  la máscara de Daniel que es aplastada por un camión de basura. Él hábilmente oculta su rostro al ponerse una "máscara facial" del glaseado de pastel que hay en su frigorífico.

Los técnicos y familiares Frank y Jack rápidamente le hacen una máscara nueva y un poco más vieja pero los cambios son imperceptibles para Miranda y sus hijos.

Al principio, los niños luchan con las formas de la Sra. Doubtfire, pero pronto se adaptan y mejoran en estudios y en su relación con la misma. Por su parte, una  Miranda, abducida por el trabajo ,  aprende a acercarse más a sus hijos.

Por su parte, Daniel, como Mrs. Doubtfire, aprende varias habilidades domésticas como parte del papel, mejorando aún más a sí mismo. Sin embargo, esto ha creado otra barrera para que Daniel vea a sus hijos, ya que Miranda ha puesto más confianza en la Sra. Doubtfire que en él, y nunca podría despedirla.

Un día, en un descuido de Daniel en el servicio Chris descubre que ella , la Señora es él, ante lo que Daniel se descubre ante  Lydia y Chris y explica  el por qué de su cambio. Aunque están encantados de recuperar a su padre, acuerdan mantener su secreto y no comentarlo ni a Natalie y muchos menos a la madre. Por su parte, Miranda ha empezado una nueva relación con  Stuart "Stu" Dunmeyer (Pierce Brosnan), un poderoso hombre de negocios que admira los diseños desde hace mucho tiempo por la ex de Daniel.

Un día, mientras trabaja en la estación de televisión, Daniel critica el programa que están emitiendo por ser aburrido y por no adaptarse a los nuevos intereses de los niños. Lo hace sin saber que los hace ante el director ejecutivo de la estación, Jonathan Lundy (Robert Prosky) que también está horrorizado con el formato del programa educativo y que estaba pensando en  cancelar el programa.

Impresionado por su actuación de voz e imaginación, Lundy le pide a Daniel que se reúna con él para una cena en el restaurante Bridge's para discutir sobre la posibilidad de que él llevara  su propio show infantil.

Daniel descubre que esa misma noche y en el mismo horario quetendrá lugar  una cena de cumpleaños programada para Miranda por su nuevo novio Stu Dunmire en el mismo restaurante, al que también ha invitado a la Sra. Doubtfire.

Al no poder cambiar ninguna de las citas, Daniel decide intentar entrar y salir del equipo de Mrs. Doubtfire para asistir a ambos eventos.

A medida que avanzan las cenas, un Daniel que bebe y que  comienza a peder el control comete errores después de cambiar dentro y fuera del vestuario, del cual se recupera rápidamente.

En un momento dado Stu comienza a atragantarse con su cena, y Daniel, como la Sra. Doubtfire, le da la maniobra de Heimlich . La acción hace que la máscara protésica se despegue a medias de su rostro, revelando su identidad y horrorizando a Miranda. Esto supone el fin de la relación de Miranda con la Sra. Doubtfire.

Ha pasado un tiempo y tiene lugar una nueva audiencia judicial para el tema de la custodia. En la misma Daniel explica cómo cumplió con los requisitos del juez y  sus acciones. Sin embargo, a Miranda se le otorga la custodia total de los niños, con un régimen para Daniel limitado de visitas supervisadas todos los sábados, para gran consternación suya e incluso de Miranda.

Sin Mrs. Doubtfire, Miranda y sus hijos  son ahora conscientes de cuánto mejoró sus vidas la Sra. Doubtfire. Cundo lo comentan se sorprenden cuando en la televisión  local comienza un nuevo espectáculo para niños llamada "La casa de Euphegenia" en la que Daniel, como la Sra. Doubtfire, lo presenta.

El espectáculo se convierte en un éxito y comienza a transmitirse en todo el país. Miranda visita a Daniel un día después de una grabación y admite que fueron más felices cuando él  estuvo involucrado, y acuerda cambiar el tema de la custodia.

Poco después, Miranda puede contratar a Daniel como la nueva niñera de los niños, lo que le permite verlos todos los días después de la escuela, esencialmente lo que pudo hacer como Sra. Doubtfire.

Mientras Daniel saca a los niños, Miranda mira un episodio de la casa de Euphegenia, donde la Sra. Doubtfire responde una carta de una niña cuyos padres se han separado, diciendo que no importa qué arreglos tengan las familias, pero que el amor es lo que prevalecerá acabando así la película.

En principio la ciudad  que iba a albergar el rodaje era la de Chicago en Illinois que se presentó como la primera opción de estudio para la filmación. Sin embargo, como dos nuevos programas de televisión (ER y Chicago Hope) tenían un contrato de arrendamiento con la ciudad  por lo que se optó por cambiar la producción  a San Francisco, donde varios espacios de la ciudad se utilizaron durante el rodaje que tuvo lugar entre marzo y julio de aquel 1993 como Embarcadero Street, en el Hancock School de 940 Filbert Street, en el 520-522A de Green Street, en el 1200 Washington Street, en el Candlestick Park de 602 Jamestown Avenue o en Crissy Field, del reconocicle Presidio junto al Golden Gate National Recreation Area . Igualmente se rodó en otros espacios de la bahía como los estudios de la estación de televisión KTVU que estaban localizados en la vecina Oakland , incluso en la cercana Berkeley.

Se eligieron para el rodaje diversos puntos de la identificable ciudad californiana con sus colinas situando la casa de los Hillard  conocida como la " Painted Lady ", entre la calle Steiner, en concreto en la 2640 Steiner Street esquina con Broadway, en el Pacific Heights de San Francisco.   Este lugar se convirtió en el espacio de un improvisado homenaje a Robin Williams en los escalones de la casa usada para Mrs. Doubtfire tras su muerte en agosto de 2014.  El personaje de Williams (Daniel Hillard) vivía arriba de la Panadería Danilo en Green Street 516; sus hijos asistieron a una escuela en Filbert and Taylor.

También se rodó en otros puntos de California como la escena del restaurante que fue filmada en Bridges Restaurant & Bar en Danville, así como muchos puntos visibles de la Bahía. También se rodó en el San Mateo County History Museum en el 2200 Broadway de Redwood City,donde se situa la corte de justicia o San Ramón.

Se contrató a un gran equipo de maquillaje, que fue multipremiado entre otros con el Oscar, para dar a la señora Doubtfire un aspecto concreto. La sesión tardaba cuatro horas para en completarse. Williams más tarde relató cómo él solía caminar por la ciudad de  San Francisco con el vestuario y el aspecto de la Señora Doubtfire.

Se sabe que durante el rodaje Robin Williams improvisó mucho y muy bien y el director uso entre dos y tres cámaras para rodar a Robin Williams. Por ejemplo, Robin Williams improvisó junto a Harvey Fierstein y Scott Capurro la canción que suena en el coro de "Matchmaker" de Fiddler On The Roof (1971).

Robin Williams hizo entrevistas como Mrs. Doubtfire para promocionar la película, y algunas veces también interpretó al entrevistador.Stu fue originalmente escrito para ser un villano arrogante, pero Chris Columbus sintió que lastimó la relación con la Sra. Doubtfire, por lo que Stu fue reescrito para ser más el sustituto potencial perfecto para un padre para los niños.

El personaje de Polly Holliday , la vecina de al lado de la familia Hillard, Gloria Chaney, originalmente estaba escrito como un gran personaje secundario y tenía un papel mucho más importante en la película. Se filmaron muchas escenas en las que Daniel, como Mrs. Doubtfire, se reconcilia con Gloria.

Muchas de las niñeras potenciales son miembros del equipo, incluido el asistente de producción Erik Ross , la coordinadora del departamento de arte Kristen Ross y la coordinadora de producción Jacqueline A. Shea . El nombre final tachado de la lista es el de la productora asociado Paula DuPré Pesmen .

Decir que una niña llamada Blake Lively, que con el tiempo aparecerá en una tabla de surf en Infierno Azul,  fue considerada para el papel de Natalie Hillard, y llegó a la ronda final de audiciones entre ellas, pero fue para la pequeña Mara.

La película fue lanzada en los Estados Unidos el 24 de noviembre de 1993 obteniendo una recaudación de $441 millones. Se  convirtió con ello en la segunda película más taquillera de 1993, sólo por detrás de Jurassic Park.

La película obtuvo tanto su reconocimiento por parte de los premios como por parte de la crítica, aunque nada más estrenarse algunas de las críticas fueron negativas.

La película ganó el Premio de la Academia al Mejor Maquillaje , siendo los premiados Greg Cannom, Ve Neill, Yolanda Toussieng y dos Globo de Oro ala mejor película (Musical o Comedia) y Robin Williams recibió el Globo de Oro al Mejor Actor . Fue igualmente nominada a los BAFTA tanto al mejor maquillaje como a su  peluquería

Y , como ya he señalado, aunque la película recibió críticas mixtas durante su  estreno y en el momento de su lanzamiento, varios críticos compararon desfavorablemente a Mrs. Doubtfire con Some Like It Hot (1959) y otros  con Tootsie (1982), por la similitud del tema del travestismo. No obstante la críticas más recientes han sido mucho más positivas.

En cuanto a los críticos  David Ansen en Newsweek dijo de ella que "Pocas veces me he reído tanto con una película que me ha gustado tan poco" . Para Rita Kempley del The Washington Post concluyó que  "Te reirás hasta que te duelan las costillas (...) Williams es a la diversión lo que el conejito de Duracell a las pilas. Él dura y dura...y dura"
Brian Lowry de Variety sostuvo que "Aunque muy sensiblera por momentos y probablemente 20 minutos demasiado larga, este vehículo para el travestismo de Robin Williams, provee al cómico de un amplio margen para mostrar sus trucos" 

En España Fernando Morales en  El País dijo de ella que era una "Simpática comedia, para toda la familia (...) Muy divertida"
En 2001, se habló de hacer una secuela de la misma con el título de Mrs. Doubtfire 2 y comenzó a ser desarrollado por Bonnie Hunt, pero no fue hasta 2003 el momento en que se comenzó a escribir.

Robin Williams estaba dispuesto a volver a disfrazarse , pero debido a problemas con el guión, el proyecto se paralizó  en 2006, ya que Williams no estaba contento con la trama, siendo la secuela fue de nuevo "desechada" ese mismo año y como declaró Robin Williams "por tiempo indefinido".

El mismo Williams en agostó de 2010 reconocía que el guión había sido escrito tres veces, pero no.  En abril de 2014, se anunció que la secuela estaba en desarrollo en la 20th Century Fox. Se esperaba que Williams y Columbus en la producción, y el guionista David Berenbaum fue contratado para escribir el guion, pero ese verano , en ese agosto, la muerte del cómico nos heló el rostro.

Mi opinión es que , si bien no es la mejor película de Williams, si es una de las más representativas. En mi fuero interno pienso que fue enormemente feliz en el desarrollo y en la materialización del proyecto. Sin ser desternillante, si tiene momentos muy divertidos con excelentes diálogos y gozosos. Tiene mucho de campo a la pluralidad y a la asertividad ante la ideas de nuevas familias. Es, desde luego, una película para ver y disfrutar en familia. 

Una sombra muy marrón

Ese es el bodrio que he visto. Una cosa que dice ser muy oscura, pero que en el fondo es muy, muy marrón. Pocas veces aparece por aquí una crítica cruel hacia un producto cinematográfico, pero en esta ocasión creo que no hay que tener la mínima piedad. Lo peor es que esta majadería que he visto y que - aún no me lo explico - venía en un envoltorio de comedia. Pero que va,  este intento de parodia, entendida como excrecencia cinematográfica en tono jocoso, no es una comedia, sino una tragedia.

Tragedia es perder la hora y media que dura y más trágico aún es ver a la otrora glamurosa y muy televisiva - eso sí, siempre británica- Jane Seymour , Oficial de la Orden del Imperio Británico en el año 2000, apareciendo en un subproducto como éste y por lo que fue recompensada con una nominación a un Premio Razzie a la peor actriz secundaria (Seymour) , además de peor remake/copia , o trágico es saber que tu última película como le ocurrió a la actriz Florence Henderson que murió 10 meses después de ser presentada la película, va a ser ésta, siendo una pena que te recuerden que trabajaste aquí, en este subproducto que es tan bochornoso como penoso en el supuesto y pretendido sentido del humor.

Irritante , siempre me lo parece, es la actuación de Marlon Wayans que - y esto si me parece coherente dada la calidad del engendro es el "responsable" tanto de la producción como del supuesto guión en este intento de parodia. El resultado es como ya de dicho trágico, penoso, irritante hasta llegar a convertirse en un marrón para la distribuidora de este engendro , la Focus Features, la productora de cine independiente división de Universal Studios especializada en películas de acción/horror de bajo presupuesto que filma a través de su división Rogue Pictures.  Sin embargo, el producto obtuvo muy alto beneficios, incomprensible, pero cierto.

La cosa esta fue producida por la IM Global Octane y Wayans Bros. Entertainment ( o Wayans Alvarez Productions ) ya que Rick Alvarez y Marlon Wayans son los que firman la producción y el guión , invirtiendo - habrá que preguntarse en qué y dónde- U$S 5.000.000. Sí , sí, lo has leído bien,  en lo que Alonso Duralde crítico en  The Wrap califica como un insulto a nuestra inteligencia y al sentido del humor. No se como el tal Marlon Wayans convenció a alguien con carnet de director que dice llamarse Michael Tiddes, responsable de la segunda entrega de Paranormal Activity y de otros subproductos de los Wayans,  para hacer que se presenta como una parodia de Cincuenta sombras de Grey. 

Para ello el 3 de junio de 2015, - un año ante de dejarse el tiempo rodando en lo que parece una película- supongo que Wayans anunció que Open Road Films había adquirido los derechos de distribución en Estados Unidos con un costo de producción de $5.000.000 de dólares. 

La película se rodó entre agosto y septiembre de 2015 en Los Ángeles, Hollywood y Dallas, y se estrenó en los cines estadounidenses el 29 de enero de 2016. Aunque no tenga explicación ha conseguido recaudar más de 21 millones de dólares. 

El tal Tiddes contó bajo sus órdenes con Marlon Wayans como Christian Black y con Kali Hawk como Hannah como principales protagonistas. Se unieron al proyecto , me imagino, que tendrán que pagar facturas y demás , Jane Seymour como Claire Black, Fred Willard como Gary el marido de la anterior, un colega del guionista, un rapero y productor llamado Mike Epps como Ron, Affion Crockett - otro igual que el anterior- como Eli Black, King Bach - un chico de perfil similar a los dos anteriores- como Jesse, Kate Miner​ como Ashley y Jenny Zigrino como Kateesha, vamos, otra joya, la chica del potorro. 

He leído que trabajaron en la misma es un decir dada la calidad de este manifiesto marrón un músico llamado Jim Dooley, un señor con una cámara llamado David Ortkiese y Lawrence Jordan en lo que dicen que tiene la película , un montaje. Aunque no sea lo habitual no voy a decir de que va , porque no va de nada. También he leído que la película, no era para menos, había recibido críticas negativas por parte de la crítica y la audiencia, de la que pretendía ser una sátira y una comedia de lo absurdo y exagerado que era el libro y la película resultante. 

Dice Mikel Zorrilla en Espinoff que la película es tan ridícula y aburrida como la versión oficial y que , lo peor, es menos divertida que la original. Algo en lo que estaban de acuerdo otros críticos como Scott Tobias en Variety 

¿Que de qué película hablamos ? Ah, sí, ya lo he dicho , 50 sombras de Grey,  el libro que en la película en uno de las pocas muestras de lucidez es calificado como horrible y que se pregunta qué alumno de tercer grado lo escribió. El problema es que al parodiarlo y ridiculizarlo el resultado ha sido casi peor que el original. 

Por cierto su título en inglés se llama Fifty Shades of Black, mientras que en español se presenta , - todavía no me explico que la emitiera el canal Comedy Central dada su falta de gracia- con el título de Cincuenta sombras muy oscuras. Yo estoy convencido de que las sombras eran marrones, muy marrones.

El conejo marrón

Me encantan las "road movies". Muestran mucho tanto por fuera como por dentro. En este caso el viaje de un hombre , el protagonista, es un viaje a su propio interior para intentar explicarse un por qué; mientras llega a su destino, que en el fondo es su punto de partida, el lugar en el que todo ocurrió y del que él salió, va intentando encontrase , aunque sus encuentros con los demás, especialmente con mujeres, no son sino excusas ante la necesidad vital de un abrazo. De todas maneras es una road movie, aunque en este caso es un retorno definido con un objetivo impreciso , buscar la verdad , intentar de ser culpable y para ello ha de encontrase con un auténtico fantasma del pasado. 

The Brown Bunny ha sido para mi todo un descubrimiento por lo que cuenta y por el cómo lo cuenta. Hay en ella toda una muestra de lo que es el cine independiente realizado por un hombre independiente. 

La película es del año 2003 y fue todo un "bofetón" pues te descoloca de principio a fin. Fue escrita, producida, rodada, editada y dirigida por el actor que brilló con luz propia en El funeral de Abel Ferrara o el protagonista absoluto y único del film en Essential Killing (2010) del director polaco Jerzy Skolimowski, Vincent Gallo en lo que sería su segunda dirección cinematográfica tras su debut en Buffalo '66 (1998). En este caso Gallo apostó por una coproducción entre Estados Unidos-Japón-Francia en la que estuvieron Kinetique Vincent Gallo Productions y Wild Bunch. Fue distribuida por Wellspring Media. 

En la película  Vincent Gallo es también el actor principal y quien ha seleccionado una brillante banda sonora en la que están Ted Curson y Jackson C. Frank aunque también Jeff Alexander, Gordon Lightfoot, Accardo Quartet y John Frusciante. 

En el elenco junto a Vincent Gallo como Bud Clay, aparecen Chloë Sevigny como Daisy, Cheryl Tiegs como Lilly, Elizabeth Blake como Rose, Anna Vareschi como Violet y Mary Morasky como la Sra. Lemon.

La historia comienza con una carrera de motos en la que compite el protagonista de la película, un piloto de nombre Bud Clay 8Vicent Gallo). Una vez terminada la carrera que ha tenido lugar en un circuito de New Hampshire, en la costa este del país Bud ha de retornar con su camioneta a su casa en Los Ángeles . 

Nada más iniciar su vuelta a casa para a repostar cerca del circuito. En la estación de servicio , al ir a pagar, Bud entabla conversación con una chica joven que está encargada de la estación de nombre Violet (Anna Vareschi) y que le pregunta si ha participado en la carrera y sí ha ganado. La afirmar en el primer caso y negar en el segundo , le pregunta dónde va y Bud contesta que a California. Ir a este estado es el sueño de Violet, así que Bud le propone marchar con él. La chica duda, pero finalmente la convence el piloto así que deja un cartel a sus tíos informando que se marcha. Previamente pasan por la casa de ella para recoger algunas cosas. Bud le dice que la quiere y que le encanta su cara. Ella le dce que tardará unos minutos, pero cuando entra en la casa, Bud se larga y prosigue solitario su viaje. 

Bud parece que sólo quiere ir acompañado de la música de ambiente y la soledad en su desplazamiento por carreteras con más o menos tráfico de Ohio o por carreteras solitarias y nada iluminadas en una noche lluviosa. Descubrimos así que es un chico atormentado por los recuerdos de una historia anterior con flashes poco definidos que nos van llegando de la misma. 

La siguiente parada de Bud es en la localidad en la que él vivió y conoció a quien - hablamos en presente- es su chica, Daisy. La casa de la madre de Daisy, está cercana a la que fue de sus padres, según reconoce Bud a la madre de Daisy. La madre de Daisy no recuerda a Bud, que creció en la casa de al lado, ni recuerda haber visitado a Bud y Daisy en California. La madre de Daisy que vive junto a su madre, parece ida y concreta poco y mal sus recuerdos. Le dice que ella cuida del conejo marrón de Daisy. Bud dice que era el conejo de juegos de cuando eran niños. También habla de que Daisy estuvo embarazada , pero que perdió el bebé que llevaba en su interior. 

A continuación, Bud continua su viaje y se detiene en una tienda para mascotas, donde le pregunta a un vendedor o veterinario la esperanza de vida de los conejos (le dicen que dura alrededor de cinco o seis años). Ya pasado Missouri, pues vemos el Gateway Arc de Sant Louis, Bud para para hacer un descanso en un bar de carretera.

En el exterior del mismo se encuentra con una mujer angustiada. Sabemos que se llama Lilly (Cheryl Tiegs) por el bolso que lleva. Él la consuela y la besa, antes de comenzar a llorar y finalmente la deja en el lugar. 

Bud parece más angustiado a medida que el viaje por carretera continúa, llorando mientras conduce. Se detiene en el área de Bonneville Salt Flats cerca de Wendover, en concreto en Bonneville Speedway de Utah. 

Allí en esa superficie salina baja su motocicleta de la furgoneta y la pone en funcionamiento para acelerarla en la pista infinita. Allí la moto y el piloto parece flotar. 

Tras cruzar la árida - nunca mejor dicho- Arizona la siguiente parada será en la cara B de Las Vegas, aquella en la que , alejada del Strip, permite encontrar a prostitutas en las esquinas. Varias se aproximan a su furgoneta, aunque él la rehaza. Sin embargo, en una esquina le pide a una de ellas, Rose (Elizabeth Blake) que vaya con él a comer. Tras eso vemos como ella lleva patatas de un McDonald's y va comiendo hasta que él se detiene, le paga y deja en la calle. 

Después del largo viaje de costa a costa deja su motocicleta para una revisión en un garaje de Los Ángeles. Sorprende que Bud no vaya a su casa o la de Daisy, ya que busca alojamiento en un hotel de la ciudad. Tras ducharse sale y va a la casa de Daisy, que parece abandonada. De cualquier manera deja una nota en el marco de la puerta, después de montarse en su camioneta y recordando haber besado a Daisy en este lugar. 

Tras eso llama a la recepción del hotel y le informa que es posible que alguien llamado Daisy lo llame , incluso que lo visite. Poco después llaman a la puerta. Es Daisy (Chloë Sevigny) parece nerviosa, va al baño dos veces para fumar crack , mientras que Bud le espera sentada en su cama. 

Mientras ella propone salir a comprar algo para beber, Bud le dice que, debido a lo que sucedió la última vez que se vieron, ya no bebe. 

Después discuten porque esa última vez Bud vio Daisy besarse con otros hombres. En este punto, Bud le pide que se quite la blusa y van desnudando a Daisy . Ella por su parte va tocando el pene a Bud y , finalmente, ella le hace una felación. 

Una vez realiza Bud la insulta , llamándole puta , mientras están acostados, hablando de lo que sucedió durante su última encuentro. Bud le pregunta continuamente a Daisy por qué había estado involucrada con algunos hombres en una fiesta. Ella explica que solo estaba siendo amable y quería fumar marihuana con ellos. Bud se molesta porque Daisy estaba embarazada y el resultado es que el bebé murió debido a lo que sucedió en esta fiesta. 

A través de escenas retrospectivas, el espectador comprende que Daisy fue violada en la fiesta, en una escena presenciada por Bud, quien no intervino y que acabó por marcharse. Daisy le pregunta a Bud por qué no la ayudó, y sus sentimientos de culpa por esto son considerables. Él le dice que no sabía qué hacer, por lo que decidió abandonar la fiesta. 

Poco después regresó y vio una ambulancia frente a la casa y Daisy le explica a Bud que está muerta, que se desmayó antes de la violación y luego se ahogó con su propio vómito. Bud despierta a la mañana siguiente, solo; su encuentro con Daisy resulta haber sido un producto de su imaginación. La película termina cuando Bud conduce su camión en California. 

La película se rodó con cámaras portátiles de 16 mm en varios lugares en los Estados Unidos, incluyendo Keene en New Hampshire ,Penguin Racing School en Wichendon (Massachusetts), interestatal de entrada a Ohio , Sant Louis en Missouri , Sand Flats en Moab en Utah , Las Vegas en Nevada y Silver lake en California , Los Ángeles y Hollywood en California . 

Tras rodarse en 16 mm, luego fue transformada a 35 mm , lo que produce en la fotografía un típico "grano de la vieja escuela". Esa es la razón por la que en cierto sentido la película es un modelo, casi un homenaje al cine "primitivo" en el mejor sentido de la palabra. 

A Vincent Gallo se le acredita como director de fotografía, pero fue uno de los tres operadores de cámara junto con Toshiaki Ozawa y John Clemens. 

En gran medida el peso de la película en su mayor parte lo asume Vicent Gallo, aunque en la misma el papel de Daisy asumido por la que era su pareja en aquel momento, la actriz francesa Chloë Sevigny es extraordinariamente importante, visto lo visto. Ni Anna Vareschi ni Elizabeth Blake, ambas en la película, eran actrices profesionales y aparece la ex modelo estadounidense Cheryl Tiegs. Kirsten Dunst y Winona Ryder estuvieron vinculadas al proyecto, pero lo dejaron en parte por la intensa y fuerte escena pornográfica que hay casi al final de la película consistente en una felación real (incluida la ingestión de esperma . En una entrevista de The Guardian , Sevigny dijo sobre la escena de sexo: "Fue duro, la cosa más difícil que haya hecho alguna vez, pero Vincent estaba muy sensibilizado con mis necesidades, y muy gentil .... Y habíamos tenido una relación íntima en el pasado ". 

Lo cierto es que justo antes del estreno de la película en Cannes, la Agencia William Morris abandonó a la actriz como cliente declarando que "La escena estaba un paso por encima de la pornografía , y no muy grande. William Morris ahora siente que su carrera está contaminada y puede que nunca se recupere, especialmente después de que comenzaron a circular rumores sobre las tomas aún más gráficas". Sin embargo, un año después del lanzamiento de The Brown Bunny , Sevigny recibió un papel principal en la serie de HBO Big Love , por la que más tarde ganaría un Globo de Oro . Como declaró Savigny años más tarde "La película es trágica y hermosa, y estoy orgulloso de ella y de mi desempeño. Me entristece que la gente piense de una forma en la película, pero ¿qué puedes hacer? He hecho muchas escenas sexuales explícitas, pero no estoy tan interesado en hacer más. "

La película fue presentada el 21 de mayo de 2003 en el Festival de Cine de Cannes siendo este escaparate su estreno mundial. La película llamó la atención de los medios debido a la escena final de la felación explícita entre Gallo y la actriz Chloë Sevigny , así como a una guerra dialéctica Gallo y el crítico de cine del Chicago Sun Times, Roger Ebert , quien declaró que The Brown Bunny fue la peor película en la historia de Cannes. 

A su regreso a Estados Unidos, Gallo adoptó una posición desafiante, defendió la película y terminó una nueva edición que clarificaba y ajustaba la historia. Una guerra dialéctica estalló entre Gallo y el crítico Roger Ebert. Tras lo dicho por Ebert, Gallo replicó diciendo que Ebert era un "cerdo gordo con el físico de un traficante de esclavos ". Parafraseando una afirmación atribuida a Winston Churchill , Ebert respondió: "Es cierto que soy gordo, pero un día seré delgado, y él todavía será el director de The Brown Bunny ". Gallo luego afirmó haber puesto un maleficio en el colon de Ebert, maldiciendo al crítico con un cáncer . 

En respuesta, Ebert dijo en broma que ver un video de su colonoscopia había sido más entretenido que ver The Brown Bunny . Gallo posteriormente declaró que el maleficio había sido colocado en la próstata de Ebert y que su intención era hacer una broma aunque el periodista la sumió por error. También admitió haber encontrado que el comentario de la colonoscopia de Ebert como divertido. Como hemos dicho la versión de la película mostrada en EE. UU. se redujo en unos 25 minutos en comparación con la versión mostrada en Cannes, eliminando una gran parte de la escena inicial en la pista (unos cuatro minutos más corta), unos seis minutos de música al final de la película, y unos siete minutos de conducción antes de la escena en el Bonneville Speedway. La película se estrenó el 27 de agosto de 2004 en los Estados Unidos y el 9 de septiembre de 2003 se estrenaba en el Festival Internacional de Cine de Toronto (aunque aún conservaba la polémica escena de sexo) pasando de los 118 minutos del corte original de Cannes a los 93 minutos del corte editado. La nueva versión fue considerada mejor por algunos, incluso para Ebert. 

En 2004 Ebert & Roeper , informaba que él y Gallo habían hecho las paces. Para Ebert "Gallo regresó a la sala de edición y cortó 26 minutos de su película de 118 minutos, o casi un cuarto del tiempo de ejecución. Y en el proceso, la transformó. La forma y el propósito de la película ahora emergen del miasma del corte original, y silenciosamente, tristemente, son efectivos. Se dice que la edición es el alma del cine; en el caso de The Brown Bunny , es su salvación. " 

Para la promoción de la película, se lanzó un trailer con una pantalla dividida que representa en un lado de la pantalla el punto de vista de un conductor en un camino rural, y al otro lado varias escenas del final de la película con Chloë Sevigny. Ambos lados de la pantalla no tenían pistas de audio, aunque la canción "Milk and Honey" del cantante folk Jackson C. Frank se reprodujeron durante la duración del tráiler. 

También atrajo la atención de los medios una gran valla publicitaria erigida sobre Sunset Boulevard en West Hollywood en 2004 promocionando la película. La cartelera presentaba una imagen en blanco y negro tomada de la secuencia de la felación, recibiendo quejas de residentes y dueños de negocios. La imagen mostraba a Gallo de pie con Sevigny de rodillas, pero no mostraba ningún contenido sexual explícito. 

Tras su estreno la película hizo una taquilla de $ 402,599. Los derechos para comercializar el DVD en la película fueron comprados por Sony Pictures. 

En agosto de 2004, tras el estreno cinematográfico de la película en los Estados Unidos, la estrella Sevigny se dedicó a la defensa de la película y su controvertida escena final, afirmando: "Es una pena que la gente escriba tantas cosas cuando no las ha visto. Cuando ves la película, tiene más sentido. Es una película de arte . Debería mostrarse en los museos. Es como una película de Andy Warhol" 

Sin embargo, The Brown Bunny aún recibió críticas mixtas de otros críticos y tiene una calificación del 43% en Rotten Tomatoes sobre la base de 90 revisiones con un valoración de 5,1 sobre 10. El consenso del sitio dice "Más aburrido que hipnótico, The Brown Bunny es un aburrimiento pretencioso y autoindulgente ". Por contra Les Cahiers du Cinéma votó a The Brown Bunny como una de las diez mejores películas de 2004. Frente a esa opinión, en Italia, el crítico Paolo D'Agostini, del diario La Reppublica escribía en mayo de 2003 que "Un festival tan importante no debe ser cómplice de los que quieren morir en el cine". 

Neva Chonin del San Francisco Chronicle lo llamó "un poema sombrío de una película que seguramente frustrará a aquellos que prefieren la resolución a la ambigüedad ... como un sueño inescrutablemente malo, perdura".

La película fue alabada por otros cineastas, entre ellos Jean-Luc Godard , Sean Penn y Werner Herzog, quienes lo calificaron como "la mejor representación de la soledad particular que siente un hombre" The Daily Telegraph incluyó a The Brown Bunny como una de las 100 películas "definitorias" de la década, calificándola como la película "más vilipendiada" de la década, pero diciendo que estaba "destinada a convertirse en un clásico perdido en el futuro". 

El New York Times por medio de Manohla Dargis alabó el valor de la actriz : " (...) La Sra. Sevigny no se esconde detrás del escritorio de nadie. Dice sus líneas con sentimiento y pone su iconoclasia justo donde todos pueden verla; ella puede estar loca, pero también es inolvidable. " 

La película ganó el Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Viena por su "audaz exploración del anhelo y el dolor y por su radical alejamiento de las tendencias dominantes en la cinematografía estadounidense actual ". 

Por mi parte destacar la banda sonora de The Brown Bunny , aunque fue lanzada exclusivamente en Japón. Los primeros cinco temas provienen de los artistas Gordon Lightfoot , Jackson C. Frank , Matisse / Accardo Quartet , Jeff Alexander y Ted Curson . Las últimas cinco pistas son interpretadas por John Frusciante . Con las canciones "Come Wander with Me" (Jeff Alexander), "Tears for Dolphy" (Ted Curson), "Milk and Honey" (Jackson C. Frank), "Beautiful" (Gordon Lightfoot), "Smooth" (Matisse/Accardo Quartet) y las correspondientes a John Frusciante que son "Forever Away" , "Dying Song" (John Frusciante), "Leave All the Days Behind" , "Prostitution Song" y "Falling". Creo que el título de las canciones que aparecen son muy significativos y explicativos de lo que estás viendo y sintiendo con ella se pide y que dan coherencia a la misma al pedir qye vayas a caminar conmigo , o se habla de lagrimas, de lo hermoso, de lo suave, de lo que te queda lejos, de una canción moribunda, de dejar todos atrás, de la prostitución y de la caída. 

Para terminar decir que está silenciosa película, con un Gallo omnipresente, en la que se habla poco, pero se siente mucho me ha gustado y no poco. Es la historia de un hombre que se siente culpable, un hombre que ha perdido su alma, un ser atormentado que busca el fantasma de su compañera desaparecida y que finalmente se ve con el mismo. Es la importancia que tiene el cine que habla del ser humano. Es una película perturbadora, en la que sientes su dolor, su pena y su frustración por ese amor perdido e irremplazable. Es un grito en el silencio. Son las lágrimas que se derraman en el interior de un coche después de una pérdida en la que no existe opción para contar nada, porque nada hay que decir o, simplemente, porque nada sale de tu alma herido si no perdida. Es la historia de un tormento en la que uno regresa al tormento para intentar explicar el mismo, pero que no puede justificarse. Es posible que con su final cobre sentido, pero , a lo mejor o a lo peor, como decía Kavafis la aventura , en este caso para encontrase a sí mismo, es el viaje para llegar a su propia Ítaca (cualquiera que ésta sea), pues el viaje es mucho más delicioso que la llegada al destino final.