miércoles, 3 de abril de 2024

Eugénie Grandet



Los franceses tienen un gusto exquisito a la obra de llevar a sus clásicos al cine. Lo hacen con elegancia, con un diseño de producción cuidado, quedando siempre un producto final de alta calidad. Al cine han llevado obras de Zola o de Honoré de Balzac con resultados excepcionales. Eugénie Grandet es una de ellas. 

Estamos antes un cine de época, de bella factura, austera fotografía y grandes actuaciones. Película franco belga del año 2021 basada en la novela de Honoré de Balzac, siendo realmente una adaptación libre, publicada por primera vez en el semanario L'Europe littéraire (Europa literaria) en septiembre de 1833, primer año de la revista. 

El título de esta primera edición era Eugénie Grandet, histoire de province. Pues tomando como referencia a ese clásico los productores Patrick André y Paul-Dominique Vacharasinthu amparados por las compañías franco belgas Featuristic Films y High Sea Production decidieron dar la dirección y el peso de transformar esta obra en guion a Marc Dugain.

La película cuenta con la música de Jeremy Hababou y la fotografía de Gilles Porte, así como el sonido de Lucien Balibar y el edición de Catherine Schwartz 

La obra originaria se publicó ya en forma de libro en 1834, en la casa editorial de Madame Charles-Béchet; más tarde, en 1839, en la editorial de Gervais Charpentier, con una dedicatoria a la que había sido amante de Balzac: Maria du Fresnay. En la edición Furne, de 1843, la novela formaba parte de la serie La comedia humana, en el primer volumen de Scènes de la vie de province; y, dentro de él, se situaba entre las novelas Ursule Mirouët y Pierrette. 

La novela y queda perfectamente reflejada en la película presenta la mentalidad de la época de la restauración en este caso teniendo a la familia Grandet de Saumur como gran protagonista y, evidentemente, esto también se refleja en la película, con un mayor toque si cabe por lo que ahora se considera el heteropatriarcado . 

El protagonista inicial es Félix Grandet (Olivier Gourmet ), un tonelero retirado y otrora alcalde de Saumur, y que ahora con la llegada de Luis XVIII, está en una posición distinta. Sabemos por un conversación inicial con un comprador de piedra que prosperó especialmente durante la revolución francesa al unirse a la misma, aunque sin convicción para ello, pero sí por interés y valiéndose de un sentido para los negocios acompañado de una enorme avaricia y aprovechándose de la inestabilidad de la época que le ha tocado vivir en sus años de trabajo, además de haber recibido la herencia de sus padres y suegros. Félix hace creer a su mujer ( Valérie Bonneton) , y sobre todo a su joven bella y devota hija, Eugénie ( Joséphine Japy) que son atendidas por una fiel sirviente como Nanon, que no son una familia de posición desahogada, sino menesterosa y que viven todos en una casa cochambrosa cuya reforma evita él; mientras, se dedica a acrecentar su fortuna. 



Muchos varones del lugar, que intuyen la fortuna del señor Grandet, ven en su hija el mejor partido, y dos notables pretenden emparentar con la familia por medio de la muchacha: uno es el señor Des Grassins, banquero de Félix, que quiere casarla con su hijo Adolphe; el otro es el señor Cruchot, abogado de Félix, que quiere casarla con su sobrino Cruchot des Bonfons. 

La familia del banquero y la del abogado visitan  a los Grandet, y Félix las enfrenta para sacar provecho de ello. Eugénie permanece ajena a todos estos tejemanejes. 

En paralelo y como un pequeño detalle externo nos enteramos que tiene un hermano, Guillaume, que vive en París y que está siendo devorado por las deudas. 

Un día de 1819, se presenta al atardecer en casa de los Grandet, el hijo de Guillaume, hermano de Félix. El joven Charles Grandet (César Domboy), que ha sido enviado a casa de Félix por un padre el aparente rico negociante de París , aunque en realidad en bancarrota, que planea suicidarse. 

Charles entrega a su tío una carta confidencial. En ella, Guillaume pone al corriente de su situación a su hermano Félix. Charles es un joven que mantiene una relación sentimental con una mujer casada, y lo manda a casa de su tío, aunque mandando por el padre, pensando en abrirse camino. 

Al poco de su llegada, el padre tiene conocimiento de la intención de suicidio del padre y, poco después, se publica en los periódicos la noticia de la bancarrota y del suicidio del padre. Félix considera que el apellido Grandet ha quedado mancillado por ello, y que además , Charles es una carga, y tiene la intención de enviarlo a ultramar. 

Por su parte, Charles encuentra consuelo en el trato delicado que le presta su prima Eugénie, y se enamora de ella al igual que ella de él. 

Félix le cuenta a su sobrino que mientras tanto su padre se ha suicidado. Por tanto, Carlos está arruinado y no se trata de casarse con Eugenia. Félix acompaña a su sobrino a tomar el barco rumbo a Nantes para dirigirse a África a buscar fortuna. 

La muchacha da parte de su dinero - monedas de oro- al primo para que le sirva de ayuda. Charles, a cambio del dinero, le entrega la foto de su difunta madre, su bien más preciado y valioso.

Félix intentará sacar provecho de la desgracia de su hermano, y le dice al banquero Cruchot des Bonfons que liquidará ese negocio para salvar la bancarrota y el honor de la familia. No obstante el encargado de gesrionar todo esto en París es Grassins. Pero éste al llegar a París atiende la compra de vino y el alquiler de unos pisos , pero abandona a su familia y se instala en la ciudad. Las nuevas gestiones serán llevadas por Cruchot des Bonfons . 



A su regreso a Saumur, el padre Grandet se da cuenta cuando ve la fotografía de la madre  de Charles de que Eugenia le ha dado a Carlos las monedas de oro que él le regalaba cada año para reforzar sus ahorros. 



También juró esperar a que Charles se uniera a él de por vida. Grandet se enfurece y encierra a su hija en su habitación con pan seco y agua. Nanon, la criada, le trae algo de comer en secreto. 

La mujer del padre Grandet se abandona y se deja morir y pide a su marido que se reconcilie con su hija antes de que ella muera. 

Félix Grandet sólo lo hizo sin haber consultado a su notario Cruchot, quien le informó que su hija heredaría la casa tras la muerte de la señora Grandet , porque la había traído como dote. Se reconcilia con Eugénie delante del lecho de la moribunda. 

Tras la muerte de su madre, Eugenia acepta firmar ante Cruchot el acta según la cual su padre se hace cargo de la herencia. 

A partir de entonces, entre el avaro y su hija que odiaba a su padre, se producen diálogos llenos de reproches mordaces y odios reprimidos. 

Pasan cinco años y no hay noticias de Charles. Félix convence a su hija de que ciertamente está muerto. Grandet muere entonces odiado por todos. 

Eugénie se entera por Cruchot de que hereda una inmensa fortuna, pero también de que Charles está en París y que se casará con la hija de un conde. Sin embargo, este último sólo consiente en el matrimonio si Charles paga otros dos millones de deudas que tenía su padre. 

Eugénie va a París y va a la casa de Charles en la mansión privada del conde. Él le confiesa que no la ha olvidado, pero que está obligado a casarse para adquirir una posición social aunque sea una joven de familia aristocrática venida a menos

Fríamente, Eugénie le dice que ya ha pagado su deuda y se marcha sin decir palabra aunque le devuelve la foto de la madre.



Vuelve a Saumur y le dice a la sirviente Nanon que ella es la única que la quiere, y vive en la misma penuria que la acompañó toda la vida, aunque sin la obsesión que tenía su padre por el vil metal. Le dice que le pasará de por vida una elevada pensión y que pude vivir con su compañero. Eugénie se dedicará a las obras de caridad,

No es la primera vez que este libro inspira al cine: los franceses lo han llevado a la pantalla (Émile Chautard y Victorin Jasset en 1910), pero también directores americanos como Rex Ingram con el título The Conquering Power en 1921, directores italianos (Mario Soldati en 1946) y el mexicano (Emilio Gómez Muriel en 1953).

Esta sexta versión comenzó su rodaje en enero de 2020 en París. Continuó en Le Mans (catedral) en febrero 2020 y en Saumurois, en la zona de Loira, una región angevina natural e histórica del valle del Loira, en el sureste del departamento de Maine-et-Loire, en el oeste de Francia . Su capital es la localidad de Saumur. 

Marc Dugain recuerda lo que supuso para él la escritura de Eugénie Grandet: “Me centré en las escenas del libro que quería conservar y en las que quería dejar de lado. Dibujé un mosaico, luego comencé a escribir de forma fluida y casi automática, guiado por la importancia que le daba a tal o cual pasaje y con total libertad. Tuve que adaptar el lenguaje de Balzac a una audiencia moderna para que no pareciera ralentizar el tiempo 

Para Marc Dugain, era importante hacer sentir al espectador el paso del tiempo porque el personaje de Eugénie está profundamente aburrido: “Su padre no la deja leer por la noche; durante el día, cose delante de una ventana... Esta forma de ejercer el poder de Grandet, que impone el aburrimiento a su hija, está en el centro de la película. "

A destacar en la mismas aspectos técnicos como la decoración labor que asumió Séverine Baehrel, asistida por Devi Tirouvanziam ; el vestuario de época, sencillo en el caso de los provincianos que fue labor de Isabelle Boiton 

La crítica dijo de la película que  en Cineuropa en la columna de Fabien Lemercier que era "Una película que demuestra, una vez más, el despiadado poder evocador que ejerce Balzac, y que denuncia el destino reservado para las mujeres, de cualquier época, cuando están obligadas a sufrir el dominio masculino" Fabien Lemercier: Cineuropa 



Beatriz Martínez en  El Periódico que era " (...) un relato conciso, elegante y crepuscular (...) Dugain, que destila sobriedad y austeridad en la puesta en escena, recoge aquellos elementos que le interesan de la novela de Balzac (...) " 

Javier Ocaña el columnista de El País escribió que "Duigan se obstina en poner la cámara en contrapicado cuando no siempre hay una explicación para ello, pero, a cambio, propone un atractivo concepto de la luz, cada vez más lúgubre (...) "

Esta sexta adaptación al cine de la novela de Honore de Balzac, es una tremenda sátira del patriarcado de aquella época. En la que destaca la atmosfera opresiva oscura , asfixiante de este drama social y sentimental, con un padre interpretado por Olivier Gourmet está fantástico como el avaro exalcalde, tonelero y padre como Felix Grandet, una mujer Valérie Bonneton que encarna a su sumisa esposa, y Joséphine Japy como una Eugénie romántica frente a los límites de la avaricia humana 

Se trata de una magistral película con una fantástica puesta en esta escena que aborda temas como la avaricia, el proceso del capitalismo en los años 30 del siglo XIX,  lo que ahora se llama el heteropatriarcado o el papel de la mujer durante la época del restauración borbónica en Francia.



Control



Joy Division era un garito - realmente un burdel- berlinés al que iban las tropas aliadas cuando la ciudad fue tomada y ocupada a partir de 1945. Fue eso, pero hoy es un mito en el mundo de la música. Llegaron  y arrasaron a una velocidad de vértigo y desaparecieron de manera súbita, con la misma velocidad. La clave de toda esta historia están en la desaparición del enigmático Ian Curtis el líder,  de la banda que en mayo de 1980 se suicidó y convirtió un grupo de éxito en una banda marcada por la tragedia.

Al líder de Joe Division se le considera un poeta maldito de la historia del rock por su misteriosa vida y su trágica muerte. Su forma de bailar y de interpretar sus propias composiciones dándole el tono adecuado pero siempre cercanas a la depresión y el suicidio eran plena seña de identidad del grupo.

Tras su muerte numerosos músicos han intentado imitar su estilo musical pero aún intentado evitar su trágico final. 

La película que narra está historia la historia del grupo y su líder se llama Control. Se trata de una película del año 2007 y habla de esta triste historia pero fue también una película ganadora de tres premios en en el Festival de Cine de Cannes y que además ganó un BAFTA y cinco premios del cine independiente británico. 

Su director Anton Corbijn dio en la clave a la hora de retratar a este personaje torturado y marcado por la mala suerte. Fue el primer largometraje dirigido por Anton Corbijn , que había trabajado con Joy Division como fotógrafo. El director de esta película que previamente había sido fotógrafo le da un tono marcadamente fotográfica de ahí ese gusto por el blanco y negro que llena la pantalla. 

El director se dio a conocer precisamente por sus excelentes fotografías casi siempre en blanco y negro y posteriormente inició su carrera también como director de vídeos musicales para grupos tan reconocidos como U2, Metálica, Nirvana o Depeche Mode.

Entre sus películas se encuentran además de control el americano en este caso protagonizada por George Clooney.

Para interpretar a este héroe contemporáneo de la música y Curtis el director contó con Sam Ripley, un actor un joven encargado de interpretar a Curtis durante los últimos años de su vida en los que se combinaron factores que acabarán conduciendo a suicidio como son su relación entre las dos mujeres a las que amo, los cada vez más fuertes ataques de epilepsia y su inconmensurable talento.

El título de la película proviene de la canción de Joy Division " She's Lost Control ", y alude a que gran parte de la trama trata sobre la noción de que Curtis intentó mantener el control de su propia vida, y sin embargo no tenía control sobre su epilepsia y sus medicamentos. 

El guion que fue escrito por Matt Greenhalgh se basó en la biografía Touching from a Distance de la viuda de Curtis, Deborah, quien se desempeñó como coproductora de la película. Tony Wilson , quien lanzó los discos de Joy Division a través de su sello Factory Records , también se desempeñó como coproductor. 



Los compañeros de banda de Curtis , Bernard Sumner , Peter Hook y Stephen Morris, proporcionaron música incidental para la banda sonora a través de su encarnación posterior a Joy Division, New Order . 

Control se filmó parcialmente en locaciones de Nottingham , Manchester y Macclesfield , incluidas las áreas donde vivía Curtis, y se filmó en color y luego se imprimió en blanco y negro . 

Samantha Morton y Sam Riley interpretan a Deborah e Ian Curtis, y la película retrata los acontecimientos de la vida de la pareja entre 1973 y 1980, centrándose en su matrimonio, la formación y carrera de Joy Division, la lucha de Ian contra la epilepsia, su relación extramarital con una chica belga, Annik Honoré , y culmina con el suicidio de Ian en mayo de 1980. 

Alexandra Maria Lara interpreta a Honoré, mientras que James Anthony Pearson , Joe Anderson y Harry Treadaway interpretan a Sumner, Hook y Morris, respectivamente.  La película también presenta a Toby Kebbell como el director de la banda Rob Gretton y Craig Parkinson como Tony Wilson. 

La historia comienza con la llegada a casa de Ian Curtis. Vive con sus padres y una hermana en Macclesfield en las cercanías de Manchester. Es un enamorado de la música y parece estar encantado con lo que hace David Bowie. Es lector de Walt Whitman y le gusta quitarle ropa a su hermana y pintarse los ojos. 

Tiene un amigo que un día lleva a casa a una chica , Debbie Woodruff. En el centro de estudios se ve que en ocasiones se pierde en sus pensamientos. Y junto a su amigo visita a algunas personas mayores que le invitan a merendar y él se hace , de vez en cuando, con algunas pastillas.

A pesar de que Debbie esta enrollado con su amigo, un día mientras escuchan música descubren  que se siente atraidos. A pesar de ser muy jóvenes en 1975, Ian Curtis y Debbie Woodruff se casan en su ciudad natal de Macclesfield , al sur de Manchester. Tienen 19 y 18 años respectivamente. 

Ian se ponen a trabajar en un centro de empleo y mientras está en casa aprovecha para escribir poesía en soledad. 

El 4 de junio de 1976 asisten a un concierto de Sex Pistols con Bernard Sumner , Peter Hook y Terry Mason, que están formando una banda. Hipnotizado por el concierto, Ian se ofrece como voluntario para ser su vocalista. Se llaman a sí mismos Varsovia y Terry asume un rol directivo con la incorporación del baterista Stephen Morris . 

La banda debuta el 19 de mayo de 1977 y pronto se rebautizan como Joy Division.  A finales de año, Ian y Debbie financian con 400 libras el primer EP del grupo , An Ideal for Living . 

Durante su trabajo como agente de empleo , Ian es testigo de cómo su cliente Corinne Lewis sufre un ataque epiléptico . 

Insatisfecho con la breve mención que recibe Joy Division del presentador de televisión Tony Wilson , Ian exige que ponga a la banda en su programa. 

En abril de 1978, Joy Division toca una batalla de bandas , impresionando a Tony y Rob Gretton , quien se convierte en su nuevo manager. Realizan " Transmission " en el programa de Tony y firman con su sello Factory Records ; Tony firma el contrato usando su sangre como había prometido. 

En diciembre de 1978, después de un concierto en un tugurio de Londres donde no paran de sudar, un Ian helado sufre un ataque cuando regresaba de ese primer concierto de la banda en Londres . Le diagnostican epilepsia y le recetan medicamentos que lo dejan somnoliento y de mal humor. 

Al enterarse de que Corinne ha muerto a causa de un ataque, escribe " Ella ha perdido el control " sobre ella. Esa noche tras el concierto se persona Debbie al backstage y encuentra a Ian tonteando con una groupie. 

Comienza a descuidar a Debbie, quien da a luz a su hija Natalie en abril de 1979. Ian deja su trabajo para irse de gira, dejando a Debbie trabajando y cuidando al bebé. 

Ian confiesa ante la periodista belga Annik Honoré que se siente miserable en casa y considera que su matrimonio es un error. Los dos comienzan a tener una aventura durante la gira europea de Joy Division en enero de 1980. 



Al regresar a casa después de una fiesta de una amiga de ella en la que inaugura su piso de alquiler, Ian le dice a Debbie que no está seguro de si todavía la ama. 

Durante el ensayo de " Love Will Tear Us Apart ", Rob informa a la banda que partirán el 19 de mayo para una gira por los Estados Unidos. Debbie encuentra evidencia de la infidelidad de Ian y lo confronta. Promete que la aventura ha terminado pero sigue viendo a Annik durante la grabación de Closer en Islington . 

Ian sufre un ataque a mitad de la actuación y Annik lo consuela, quien admite que se está enamorando de él. Intenta suicidarse con una sobredosis de fenobarbital pero los médicos le salvan la vida.


 

Continúa actuando pero está agotado por la tensión y abrumado por las expectativas del público. En una actuación en el Derby Hall de Bury , el estrés resulta excesivo y sólo puede subir al escenario brevemente. El público se rebela cuando Alan Hempstall de Crispy Ambulance -lo hace a cambio de 20 libras inicialmente y para la segunda canción pide 50- interviene para cubrir a Ian y el concierto acaba con una escandalera de aúpa. 

Ian le dice a Tony que cree que todos lo odian y que todo es culpa suya. Cuando Debbie se entera de que Ian todavía sale con Annik, exige el divorcio. Bernard intenta utilizar hipnoterapia con Ian, quien luego se va a vivir con sus padres. Le escribe a Annik admitiendo su temor de que su epilepsia eventualmente lo mate y le confiesa que la ama. 

El 17 de mayo de 1980, dos noches antes de que Joy Division parta hacia Estados Unidos, Ian regresa a casa y le ruega a Debbie que no se divorcie de él. Cuando ella se niega, él, enojado, le ordena que salga de la casa. 

Después de beber solo y escribirle una carta a Debbie, sufre otro ataque. Al recuperar el conocimiento a la mañana siguiente, se ahorca de Sheila Maid en la cocina. Debbie descubre su cuerpo y sale tambaleándose a la calle, pidiendo ayuda a gritos. 

La noticia de la muerte de Ian deja atónitos a los miembros restantes de Joy Division, mientras Tony consuela a Annik. El grupo se reúne en un café con Gillian Gilbert , presagiando el futuro de la banda . El cuerpo de Ian es incinerado como deducimos tras ver el humo de enorme chimenea, acabando así la película.

Corbijn había sido un devoto fan de Joy Division desde los primeros días de la banda a finales de los años 1970. Después de mudarse a Inglaterra, se hizo amigo de la banda y tomó varias fotografías para NME , lo que impulsó su carrera como fotógrafo. Algunas de sus fotografías tomadas aparecen en la película. 

También dirigió el vídeo musical de la reedición de 1988 de "Atmosphere". Dijo que la película se superponía con su propia vida de alguna manera. "Me mudé a Inglaterra para estar cerca de esa música en ese momento, y estaba muy interesado en Joy Division. Trabajé con ellos, tomé fotografías de ellos que se convirtieron en sinónimo de su música, y estuve vinculado para siempre. Luego, ocho años después Después de la muerte de [Ian Curtis], hice el vídeo de "Atmosphere". Así que, a los ojos de otras personas, siempre estuve conectado con ellos".

Control fue su debut  como director de cine y la mitad del presupuesto de 4,5 millones de euros lo pagó de su propio bolsillo, aunque productores también aparecen Todd Eckert, Orian Williams, Iain Canning, Peter Heslop, Tony Wilson y la ex Deborah Curtis. 

La película se rodó en color y se imprimió en blanco y negro para "reflejar la atmósfera de Joy Division y el estado de ánimo de la época".  Todd Eckert y Orian Williams son los productores. Deborah Curtis , la viuda de Ian Curtis, es coproductora junto con el magnate de la música Tony Wilson, quien murió meses antes del estreno de la película. Fue Wilson quien le dio a Joy Division su oportunidad televisiva en el programa de revista local Granada Reports , y también fundó Factory Records, que publicó la mayor parte del trabajo de Joy Division. 

EM Media, la Agencia Regional de Cine de East Midlands, invirtió 250.000 libras esterlinas de los Fondos Europeos de Desarrollo Regional en la producción de Control y Apoyó la película durante todo el rodaje. 

Una vez terminado el guion de la película en mayo de 2005, la película se rodó en los antiguos estudios Carlton en Nottingham y en locaciones de Nottingham, Manchester y Macclesfield, Inglaterra , así como en otros lugares europeos . 



El rodaje comenzó en julio de 2006 y duró siete semanas. El rodaje de Macclesfield en Barton Street y sus alrededores (donde vivió y murió Curtis) tuvo lugar los días 11 y 12 de julio de 2006. 

La hija de Ian Curtis, Natalie, estuvo entre la multitud como extra para el concierto en el Derby Hall. 

La escena final de la película está filmada en la posición exacta donde se encuentra la piedra conmemorativa de Ian Curtis en Macclesfield con la cámara encuadrada para revelar el crematorio que se puede ver directamente desde su monumento.

Control se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 2007, donde ganó varios premios, entre ellos la Quincena de Realizadores , el premio CICAE Art & Essai a la mejor película, el premio Regards Jeunes a la mejor primera o segunda película dirigida y el premio Europa Cinemas. También recibió una mención especial a la Cámara de Oro a la mejor ópera prima. 



Ganó cinco premios de cine independiente británico, incluidos Mejor Película, Mejor Director para Corbijn, Actor Revelación Más Prometedor para Riley y Mejor Actor de Reparto para Kebbell.  

Fue nombrada Mejor Película en los Evening Standard British Film Awards de 2007 , y Greenhalgh recibió el premio Carl Foreman por logros sobresalientes en su primer largometraje en la 61ª edición de los British Academy Film Awards.

En cuanto a la respuesta de los críticos destacar la de Peter Brandshaw, crítico  de The Guardian , quien la describió como "la mejor película del año: una película biográfica tierna, sombríamente divertida y magníficamente interpretada de Curtis".

Damon Wise de Empire dijo de ella que era "Una película sobre el agotamiento creativo y emocional que dice más sobre la fragilidad del alma, de lo que cualquier montaje de ventas de entradas o carteles de 'vendido' podrían generar (...) 




En los Estados Unidos, Roger Ebert escribió que "El logro extraordinario de Control es que funciona simultáneamente como una película biográfica musical y la historia de una vida"; y en su web en la que participaba otro columnista de Chicago, Richard Roeper, Ebert & Roeper se dice que la pelícual "Capta a la perfección la esencial de la legendaria e influyente banda de culto Joy Division y su trágico cantante, Ian Curtis" 

Ray Bennett de The Hollywood Reporter  describió Control como una "decepción" y dijo que la película "presenta mucha música de esa época y tiene actuaciones decentes, pero no defiende a su estrella caída". 

Russell Edwards de Variety dijo de ella que era "Sombría, triste y absorbente (...) un fascinante -y visualmente arrebatador- retrato de un alma atormentada." Peter Travers de la revista Rolling Stone señaló que "Es Corbijn, rodando con ojo de poeta y un impresionante blanco y negro, el que disecciona el alma de la vida y la música de Ian. No es que veas esta película, es que la estás viviendo" 

A. O. Scott de The New York Times defendió que "Lo que podría haber sido literal y sentimental es, en su lugar, enigmático y conmovedor, muy en la línea de las mejores canciones de Joy Division" 

Todd Gilchrist de IGN puso negro sobre blanco que "Corbijn ha realizado una de las mejores películas de este tipo en años, elevando la historia de Ian Curtis a una reflexión sobre el paisaje emocional de las personas creativas". 




Ya en España Diego A. Manrique en El País escribió "Corbijn ha evitado la tentación esteticista de muchos magos del videoclip (¡y de la publicidad!) que saltan al largometraje. Control tiene una ascética belleza, aunque no eclipsa a unos prodigiosos actores."




En cuanto a los otros miembros de la banda Peter Hook y Stephen Morris, dos de los miembros fundadores de Joy Division, elogiaron en general la película. Morris cuestionó su exactitud, diciendo que " nada es realmente cierta", pero reconoció la necesidad de tergiversar los hechos porque "la verdad es demasiado aburrida". Hook criticó la reacción del público del avance y dijo que al final de la película "duele mucho y todo el mundo empezó a aplaudir. Hubiera sido bueno tener un silencio digno". 

Hook también comentó que " Control" es muchísimo más preciso que 24 Hour Party People" . Se nota que Anton nos conocía, nos conocía bien y tomó el guion original, que era muy inglés y bastante sutil. lo hizo más profundo y tuvo un atractivo más amplio para que no sólo tuviera sentido para una audiencia inglesa sino también para una audiencia internacional". 



Después de ver la película en Cannes, Hook dijo que "sabía que era una gran película y que sería muy bien recibida porque, aunque dura dos horas, sólo dos personas fueron al baño en todo el tiempo. De hecho , uno de ellos era [Sumner]. La otra era una mujer de 70 años". 


Desde mi punto de vista un buen biopic, con una música fantástica y una excelente fotografía a la que se suma una actuación prodigiosa de Sam Riley que muestra ese alma atormentada que transmitía en cada una de las canciones de este grupo único que mostró la enorme vitalidad de la música británica del momento en el momento en que el punk comenzaba a languidecer. 



martes, 2 de abril de 2024

Los profesionales



Magnífica película del año 1966, fantásticamente dirigido por Richards Brooks y que demuestra que el western en los años sesenta seguía más vivo que nunca o al menos con los mejores profesionales de este género. 



El guion fue adaptado de la novela de 1964 Una mula para la marquesa de Frank O'Rourke .El reparto lo encabezan los profesionales, nunca mejor dicho, interpretados por Burt Lancaster, Lee Marvin, Woody Strode y Robert Ryan al que se suma Jack Palance y también la bellísima eh Claudia Cardinale. El resultado fue un western, digamos crepuscular, que te quita el hipo. 



La película que desarrolla en gran medida en el desierto fue fotografiada en precioso Tecnicolor, de forma más que competente por otro profesional como Conrad L. Hall. El montaje fue editado por Peter Zinner; mientras que el apartado de la música quedó bajo responsabilidad de Mauricio Jarre



La película fue producida - en este caso para la Columbia Pictures- escrita y dirigida por Richard Brooks. La historia trata de un rico banquero de Texas de nombre JW Grant (Ralph Bellamy) , quien decide contratar un grupo de mercenarios para que rescaten a su esposa Claudia Cardinale, secuestrado por un revolucionario mexicano de nombre capitán Jesús Raza ( Jack Palance). 



El elenco está igualmente formado por Ralph Bellamy como Joe Grant, así como los integrantes revolucionarios como Joe De Santis como Ortega, Rafael Bertrand como Fierro y María Gómez como Chiquita. 

La presentación de los personajes que se desarrollan los primeros minutos sigue un esquema básico primero conocemos su situación actual su grado de capacitación y posteriormente vemos cómo se integra el grupo con el objetivo de recuperar a la bella señorita. 

Los profesionales son Bill Dollworth (Lancaster) un hombre experto en explosivos amante de la vida del dinero y de las mujeres que al inicio de la película se encuentra encarcelado y han de pagar dinero por su salida. Junto a Bill se encuentra Henry Fardang (Lee Marvin), un hombre que ahora mismo vive como instructor el ejército norteamericano experto en armas y especialmente en el manejo del revólver. 

Junto a estos dos amigos que estuvieron en su momento en la Revolución mexicana y posteriormente se hicieron en territorio mexicano igualmente buscadores de oro aparece Hans Ehrengard ( Robert Ryan) , un especialista en el manejo de los caballos y, por último, Jacke Sharpe ( Woody Strode) , un magnífico rastreador y virtuoso del manejo del arco.

La historia se desarrolla a inicios del siglo XX durante los últimos años de la Revolución Mexicana. Todo surge cuando el ranchero estadounidense JW Grant contrata a cuatro hombres, todos expertos en sus respectivos campos, para rescatar a su esposa secuestrada, María, de Jesús Raza, un ex líder revolucionario convertido en bandido. 

Como ya he señalado Henry "Rico" Fardan es un especialista en armas, Bill Dolworth es un experto en explosivos, Hans Ehrengard es el cuidador de caballos y Jake Sharp es un explorador apache tradicional , experto con el arco y las flechas. 

Fardan y Dolworth, habiendo luchado ambos bajo el mando de Pancho Villa , tienen un gran respeto por Raza como soldado. Pero como profesionales cínicos, no tienen reparos , aparentemente, en dar con él y matarlo. Después de gestionar la salida de Bill de la cárcel los "profesionales" ingresan en México. 



Poco después son testigos de la violencia que vive el territorio al presenciar la masacre de soldados federales en un tren gubernamental por parte del pequeño ejército de Raza. Siguen el tren capturado hasta el final de la línea. 

Después de que los bandidos se van, toman el tren antes de trasladarse a su campamento, y, posteriormente, desde las alturas donde observan a Raza y sus seguidores, incluida una mujer soldado, Chiquita (que alguna vez había tenido una relación con Dolworth). 



Al caer la noche, Fardan , junto con Bill se infiltran en el campamento, pero Bill le impide matar a Raza en sus habitaciones.

Después de ver a la bella María, la esposa secuestrada de Grant, a punto de hacer el amor voluntariamente con Raza, Dolworth se ve obligado a concluir: "Nos han engañado". Después de llevar a María de regreso al tren, comienza un tiroteo porque los bandidos han iniciado su búsqueda. Durante el mismo Hans Ehrengard en herido en el hombro. 



De cualquier manera, salen victoriosos y huyen en el tren. Perseguidos por Raza y sus hombres, los profesionales se ven obligados a refugiarse en tierras cercanas al cañón. 



Esa noche, María revela que no han rescatado a la "esposa secuestrada" de Grant, sino a la amante de Raza, que Grant la había comprado en un matrimonio arreglado, del cual ella escapó en la primera oportunidad para regresar con su verdadero amor en México. 



Al día siguiente, María se sube a un caballo y cabalga a través de los estrechos cañones para reunirse con Raza, pero Dolworth activa los explosivos que había colocado en las paredes del cañón, que colapsan y cierran el cañón, impidiéndole escapar. 

Mientras Raza y sus hombres restantes se acercan, Dolworth se ofrece como voluntario para quedarse atrás y permitir que los otros profesionales escapen con María. En la pelea que siguió, Raza es herido y capturado, y Dolworth casi muere a manos de Chiquita moribunda, cuya pistola se ha quedado sin balas. Grant y sus hombres se encuentran con los profesionales (con Raza y María) en la frontera de Estados Unidos. 

El rico ranchero le dice a Fardan que su contrato se ha celebrado satisfactoriamente. Luego ordena a uno de sus hombres que mate al herido Raza. Pero antes de que pueda disparar, Dolworth dispara las armas que tiene en la mano. Los otros profesionales intervienen para proteger a María y Raza. Son conocedores de que Grant no iba a cumplir su parte del trato entregando 100.000 dólares. 



Tras eso recogen al herido Raza, lo colocan en la parte trasera de un carro tirado por caballos con María a las riendas y envían a ambos de regreso a México. Grant, enojado, se vuelve hacia Fardan y le dice: "¡Bastardo!", a lo que Fardan responde: "Sí, señor, en mi caso un accidente de nacimiento. Pero usted, señor, es un hombre hecho a sí mismo". 

Luego, los profesionales se marchan siguiendo el carro a través de la frontera hacia México, acabando así la película. 



La película fue adaptada a la pantalla por su director Richard Brooks, quien basó el guión en la novela Una mula para la marquesa de Frank O'Rourke . La película, que se rodó en Technicolor La película fue rodada entre California y Nevada. 

Los restos de la hacienda mexicana ambientada en la película, en el Parque Estatal Valle del Fuego. Se rodó en el Death Valley o Valle de la Muerte y el Valle de Coachella en California, así como en el Parque Estatal Valle del Fuego en Nevada. Las escenas ferroviarias se filmaron en Eagle Mountain Railroad de Kaiser Steel . La locomotora de vapor que se ve en la película reside actualmente en el ferrocarril Heber Valley . 

Durante el rodaje, el elenco y el equipo se quedaron alojados en Las Vegas . El actor Woody Strode escribió en sus memorias que él y Marvin hicieron muchas bromas, en una ocasión dispararon una flecha a Vegas Vic , el famoso letrero de neón del vaquero sonriente afuera de The Pioneer Club . 

En 1976, se estimó que la película había ganado 8,8 millones de dólares en alquileres en América del Norte y fue la novena película más vista en la taquilla francesa en 1966, después de La grande Vadrouille , Doctor Zhivago , ¿Arde París? , Un puñado de dólares , Mando perdido , Un hombre y una mujer , Por unos dólares más y El gran restaurante . 

César Baldés nos cuenta que "El director y guionista Richard Brooks planeó realizar "Los profesionales (The professionals)" como una película pequeña, sin demasiado presupuesto después del fiasco que había supuesto para él el estreno de "Lord Jim". No estaba muy seguro de la recepción que se iba a dar a la película pero resultó ser un enorme éxito de crítica y público. 

Los productores de Pax Enterprises estaban tan encantados que urgieron a Richard Brooks para hacer una secuela con una única condición y era que la rodara con los cuatro protagonistas. No queremos que ocurra como en "Los siete magníficos" -le dijeron-, que fueron colocando a otros actores en los papeles de los protagonistas y en la primera secuela aún contaban con Yul Brynner, pero en las siguientes su papel fue asumido por George Kennedy y por Lee Van Cleef y perdieron todo el dinero que habían ganado con la primera. Richard Brooks aceptó el encargo y llegó a escribir el guión. 

Los actores, Lee Marvin, Burt Lancaster, Woody Strode y Robert Ryan, no tenían la agenda despejada a la vez hasta cuatro años después y cuando llegó el momento, todo se canceló porque Robert Ryan comunicó que estaba enfermo de cáncer. 

Nunca se pudo hacer. En otro orden de cosas, Woody Strode relataba sus continuas borracheras con Lee Marvin en Las Vegas, ya que la película se estaba rodando en el desierto de Nevada y afirmó que " Creo que nos aburríamos mucho y por eso nos emborrachábamos tanto. 

Una noche, Lee bebió más de lo que era habitual y en la habitación del hotel estaban mis arcos y mis flechas. Abrió la ventana y, con un pulso increíble, apuntó al neón que estaba al otro lado de la calle. Es un neón de un vaquero muy famoso en Las Vegas. De un sólo flechazo se cargó el neón. Se armó una buena. La policía fue al hotel a interrogar a los que estábamos en las plantas más altas. Escondimos el arco y las flechas y pusimos la mejor cara de inocencia. Lee hizo una actuación maravillosa. Estaba totalmente ebrio, pero no se le notaba lo más mínimo. De acuerdo con Richard Brooks, la única escena que Marvin rodó bebido es aquella del principio de la película en la que enseña el manejo de una ametralladora." 



La película tuvo, en general, una entusiasta recepción de la crítica. En cuanto a la crítica la revista Variety dijo de ella que "The Professionals es una película de acción bien hecha, ambientada en 1917 en la frontera entre México y Estados Unidos, en la que unos soldados de fortuna rescatan a la esposa presuntamente secuestrada de un empresario estadounidense. Emocionantes secuencias explosivas, buen ritmo general y las interpretaciones compensan un guion que a veces resulta flojo" Tranquilo y decidido, Marvin se desempeña muy bien como líder de la tropa de rescate. 

Por su parte, Michael Wilmington del Chicago Tribune escribió que era un "Emocionante western político de los 60, con una bella fotografía" 

Pauline Kael sobre la película en The New Yorker comentó que "Hay algo que decir sobre esta clase de profesionalidad: los realizadores saben cómo ofrecer emoción y nos dan una paliza". En otro diario neoyorkino Bosley Crowther en el The New York Times aseveró que "Los paisajes que ofrece son claramente más profundos que el guion y la sensación de magnitud del entorno es más fascinante de lo que resulta en la trama" 

Hal Hinson en The Washington Post describía que la película había sido "Escrita y dirigida por Richard Brooks, es más estilo que contenido, pero ¡qué estilo!" 

Ya en España Carlos Boyero, por entonces, en El Mundo escribió que "Nos quedamos porque nos enamoramos. Nos vamos porque nos desencantamos. Regresamos porque nos sentimos solos. Morimos porque es inevitable. Son ustedes unos hijos de puta. Sí, señor, pero lo nuestro es de nacimiento y, sin embargo, usted se ha hecho a sí mismo"... ¿Necesito aclarar que estoy enamorado de 'Los profesionales'?" 

Fausto Fernández en X o Twitter escribió "Todos en pie porque Burt Lancaster, Lee Marvin, Woody Strode y otros dioses del Olimpo del cine van al ¿rescate? de Claudia Cardinale (con el permiso de Jack Palance) en una obra maestra incontestable de Richard Brooks y del western, del cine: Los profesionales. En fin, que ya sabéis lo del hijo de puta que nace y el que se hace, cosas de los diálogos y sentencias salidas de la máquina de escribir de Richard Brooks, asimismo director de Los Profesionales, un pedazo de western y de película mayúscula y de pura perfección. Reparto de genuflexión" señalando igualmente que responde a "lo que la Columbia respetó, dejando en toda su sobresaliente integridad un western fronterizo cojonudo de Richard Brooks 

En cuanto a los Premios y nominaciones la película 24ª Globos de Oro (1967) fue igualmente nominada a la Mejor película y a la Nueva promesa femenina (Marie Gómez).



Mientras que el Sindicato de Guionistas (WGA) 1967 la nominó al Mejor guion drama (Richard Brooks) y el de Directores de la Directors Guild of America (DGA) a la, obviamente, Mejor dirección / película (Richard Brooks). 

Finalmente destacar que estamos ante una película que hace un magnífico equilibrio entre la acción y la crítica social y que está llena de diálogos tan explosivos como los muchos petardazos que hay en la película. A destacar en esta, uno de los mejores westerns de los sesenta, entre sus diálogos mordaces como los siguientes:

Este entre el señor Grant y el personaje que interpreta Lee Marvin , justo cuando la película llega a siu fin “ ¡Es usted un bastardo! «Sí, es cierto, pero en mi caso es un accidente de nacimiento. En cambio usted… Usted se ha hecho a sí mismo» 

O esta reflexión que plantea María al personaje de Burt Lancaster: "que hacían dos americanos en la revolución “ -“tal vez solo haya una revolución , la de los buenos contra los malos . La cuestión es saber cuáles son los buenos “ o esta reflexión entre Bill y Henry , los dos protagonistas que están estelares durante toda la película "Nos quedamos porque tenemos fe. Nos marchamos porque nos desengañamos. Volvemos porque nos sentimos perdidos. Morimos porque es inevitable" o “Sin una causa no somos nada”; o esta pregunta que le hace Henry a Bill "¿Piensas en algo que no sean mujeres, whisky y oro? - Amigo, acabas de escribir mi epitafio". Por último, también otra que plantea a Hans a Bill, cuando éste se siento dolido por matar a uno de los caballos mientras cruza Death Valley, cuando el primero ve sonreir al segundo y le pregunta  ¿Dónde está la gracia? , contestándole Bill "En las personas. Hemos matado a 10 hombres y nadie ha pestañeado, y por uno de los animales más estúpidos de la creación". En fin, una película más que necesaria si te gusta el western, el gran western.  



lunes, 1 de abril de 2024

Seis caballos negros revisada



Yo sé que siempre hay un largo camino hacia Montana, el destino final de la prota de la pareja protagonista de esta película; y que hay que cumplir las últimas voluntades. En esta película uno de sus protagonistas, Jesse, deja bien claro desde el principio como quiere que se le entierren, con un coche fúnebre tirado por seis caballos negros.

Se trata de un buen western que ya vimos hace un tiempo como aparecen esta entrada,  realizado para la Universal. Es del año mil novecientos sesenta y dos y lo dirige Harry Keller, dentro de los western que se hicieron para la gloria de Audi Murphy, el héroe de la Segunda Guerra Mundial, aquí acompañado de Dan Duyrea, Joan O'Brien, Bob Steele, Charlita y Roy Barcroft. 



Los protagonistas de la película son ven Lane y Frank Jesse. El fortuito encuentro entre uno y otro se debe a que Frank salva la vida de Ben cuando este iba a ser ahorcado por un mal entendido al domesticar un caballo que él pensaba que no tenía dueño y que necesitaba para cruzar el desierto. 

Cuando ambos llegan a la ciudad y tras una noche de diversión en una cantina mexicana son víctimas de un ataque por parte de dos pistoleros. Ven y Frank acaban con ellos. Como no saben la causa del por qué le han disparado ellos deciden pagar el entierro. El coste se eleva a cuarenta dólares pero ni ven ni Frank tienen ese dinero. 

Apenas alcanzan a los quince dólares cuando de repente una chica decide aportar la parte restante. Cuando van a ver la al hotel para darle las gracias esta misteriosa mujer les ofrece un contrato para llevarlo a una localidad llamada del cobre que se encuentra al sur pero para alcanzar esa ciudad han de cruzar el territorio indio que ahora mismo está revuelto por los apaches coyoteros.

Su objetivo aparente es dar con su marido que sigue viviendo en la ciudad aunque durante el peligroso viaje ella dejará claro que su verdadera intención es contar con un cómplice para asesinar al asesino de su esposo y repartirse con este su fortuna. 

Película dirigida por Harry Keller que intenta trasladar los ingredientes de la más tradicional se viene negra al marco del western.

Su guionista fue Burt Kennedy responsable entre otras de Cazador blanco corazón negro, un hombre especializado en filmes del Oeste.

Entre el elenco de actores se encuentra el héroe militar de la Segunda Guerra Mundial convertido en un actor principalmente de western al Audi Murphy y no habitual del cine negro y de los western casi siempre en papeles de malvado como fue Dan Duyrera.  

A destacar el espacio en el que fue rodada esta película que conjuga lealtad, amistad, venganza, traición, amor, deseos ante la muerte que no es otro que Utah, que nos ofrece sus espectaculares espacios. Al final tenemos un western de los considerados menores pero que no impide que descubramos una buena película.  



domingo, 31 de marzo de 2024

El gran Vázquez



Película española del año 2010, que se mueve entre la comedia y el biopic, firmada por el barcelonés Óscar Aibar, que además de director , es guionista de historieta, realizador de televisión y escritor, y que cuenta con un trabajo fantástico por parte de Santiago Segura.

La película la produce Tornasol Films y Distinto Films respaldada por Miriam Porté y Gerardo Herrero, así como Javier López Blanco que contó con un presupuesto de 4.300.000 euros. Contó Aibar con el hijo de Gran Vázquez, Manolito Vázquez, como ayudante de dirección , Irene Montcada como directora artística. Al proyecto se sumaron en la música Mastretta, en el maquillaje con Pepe Quetglas, en la fotografía Mario Montero, en el montaje Fernando Pardo. Junto a estos en las escenografía Fede Cambero, en el vestuario María Gil y en los efectos especiales Apunto Lapospo .  

La película se centra en uno de los grandes ilustradores del cómic español que trabajó para la Editorial Bruguera cuando ésta lo era todo en la historia de la Ilustración española. Referencias hay también a Ibáñez, Escobar -el creador de Carpanta y Zipi y Zape-, a Rovira o Tran creador de la La familia Repanocha, y a otros que trabajaron para la mítica editorial Barcelonesa de los años 70, y que nos dio a los niños - y no tan niños- españoles tantas alegrías.

La película comienza en una primavera en la Ciudad Condal. Por sus Ramblas pasea y se mueve Manuel Vázquez el creador de míticos personajes como las hermanas Gilda, Anacleto, agente secreto o la familia Cebolleta. 

Allí trabaja el mejor dibujante de tebeos de España disfrutando de la vida haciendo lo que le viene en gana hace lo que quiere cuando quiere no paga nada viven de los demás esquiva con un genio a sus servidores burla y más su jefe y se casa alegremente coleccionando una familia tras otra.

Estamos en 1964, y el historietista Manuel Vázquez Gallego (Santiago Segura) disfruta de su peculiar modo de vida esquivando a sus numerosos acreedores. 



En su lugar de trabajo, la Editorial Bruguera, tampoco es ejemplar, suele entregar los encargos a destiempo. En la editorial las cosas van cambiando con la llegada de Peláez (Alex Angulo) , el nuevo contable, un hombre estricto que viene dispuesto a ahorrar hasta el último centavo a la empresa, aunque sea a costa de los trabajadores. 

Vázquez, que tiene un carácter despreocupado, al que le conocemos con su mujer y algunos hijos, comienza un día romance con Rosa (Mercè Llorens ), a la que encuentra recién llegada del pueblo a Barcelona que, al principio se enamora de él, por su carácter aventurero, que le permite hacerse con una habitación en un gran hotel del centro de la ciudad o comiendo langosta o caviar del Volga, pero pronto su relación empieza a hacer aguas cuando esta, ya embarazada, empieza a cansarse de tener que esconderse de todos los que le persiguen para cobrarle las deudas. 

La relación empeora cuando Paz (Itziar Aizpuru) la anciana casera de ambos (a la que Vázquez pone constantemente excusas para no pagar) enferma gravemente. 

En la Editorial Bruguera, Peláez comienza a pedir cambios: el primero de ellos es la cesión de la autoría de los personajes por parte de los dibujantes en favor de la editorial. Todo va sobre ruedas hasta que un gris contable disuelto leal decide que debe pasar por el lado como todo hijo de vecino y no sabe la tarea fácil para que genial dibujante ese plantean la vida como una fiesta en la que hay que colarse si no te han invitado.

Vázquez recurre a todo tipo de triquiñuelas para cobrar por adelantado, como inventarse la muerte de su padre (Jesús Guzmán ) que inicialmente vive en un asilo, pero por momentos vive en casa del dibujante , en dos ocasiones, o entregar una serie de páginas, de las cuales solo está dibujada la primera escena de la esquina, mientras que el resto de hojas solo tiene pintada la esquina, etc. 



Vázquez se va saliendo con la suya en parte gracias a la protección del director de la empresa Rafael González Martínez (Enrique Villén ) , quien es un gran admirador de su trabajo, un hombre que tenía fama de duro, pero que, en realidad, era un hombre bueno que quería ser malo y adorador de Vázquez. 



Sin embargo, se pasa de la raya al falsificar la firma del encargado de los cheques de la editorial por lo que Peláez lo denuncia a la policía por haber falsificado cuatro cheques por valor de 120.000 pesetas.

En la cárcel descubre que los personajes que ha creado están siendo dibujados por otros autores. Vázquez se enfada y llama a González pidiendo que le paguen la fianza. La editorial paga, pero a su vuelta las cosas no son como antes, sus obras ya no son las más reconocidas (ahora tienen más éxito Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o Carpanta), por lo que Peláez le dice que no podrá volver a dibujarlos hasta que vuelva a ganarse su confianza. 

Además, Rosa le deja por estar con otras mujeres. Vázquez decide cambiar su vida y comportarse de forma "responsable" durante un tiempo. 

Pero el propósito de enmienda le dura poco. En el entierro (esta vez auténtico) de su padre, Vázquez le vende a Peláez un SEAT 600. Cuando Peláez intenta abrirlo, aparece el verdadero dueño del coche y, creyéndole un ladrón, empieza a golpearle. 

Vázquez se aleja con el dinero que ha estafado a su superior, demostrando que sigue siendo el mismo de siempre. 

Treinta años más tarde, un ya anciano Vázquez acompañado de una chica vistosa por La Rambla de Barcelona, va a una firma de libros de Ibáñez, que es el historietista más reconocido en España del momento. Los niños allí presentes solo se interesan por Vázquez cuando Ibáñez cuenta que se basó en él para crear al moroso de 13, Rue del Percebe. 

En ese momento los niños le piden un autógrafo, pero Vázquez solo firma a su compañero Ibáñez. Los rótulos finales dicen lo siguiente: 

Vázquez siguió viviendo a su manera hasta el final de su vida. Durante 20 años no pudo dibujar los personajes que él mismo había creado y le habían hecho famoso en la Editorial Bruguera. Estuvo encarcelado dos veces más, una por bigamia y otra por problemas con Hacienda. Mantuvo relaciones estables con siete mujeres que le dieron 11 hijos. Murió a los 65 años víctima de una crisis diabética. Unos días antes, fingiendo un suicidio, consiguió un adelanto (otro más), de su último editor, a cuenta de sus ventas...¡¡después de muerto!!, algo que hasta el momento sólo han logrado el propio Vázquez y Fiodor Dostoievsky..

Curiosamente al final de la película se hace referencia a los personajes de las nuevas historietas para varias editoriales y revistas como Totem, Cimoc, Zona 84, El Víbora o Makoki precisamente donde Aibar trabajó.

El proyecto nació cuando el director, también guionista de historietas, conoció determinadas anécdotas de labios del propio dibujante, con quien trabajó en la revista Makoki. A partir de entonces comenzó un proceso de investigación de dos años entrevistando a familiares, amigos y algunas víctimas de los sablazos de Vázquez. El guion, fruto de esta labor, muestra el día a día de los trabajadores de la Editorial Bruguera y rinde homenaje a la comedia española de los años sesenta. 

La película narra los momentos del historietista Manuel Vázquez Gallego mientras vivió en Barcelona, en donde se desarrolla su época de esplendor y caos mientras trabaja para la Editorial Bruguera. 



Su vida fue tan amplia que, de hecho, le sirvió para realizar una serie autobiográfica titulada Los cuentos del tío Vázquez, en donde mostraba sus propias técnicas como maestro del "sablazo" (pedir dinero prestado a cualquiera) y superviviente de los cientos de cobradores que le acosaban. 

Óscar Aibar redactó el guion conforme a las historias que vivió con él durante los años que estuvieron trabajando juntos en Makoki junto con la recopilación de las narraciones de sus famosos timos, engaños y aventuras, y las entrevistas que realizó durante dos años a familiares, compañeros y víctimas que le sobrevivieron.

El director de la película dice sobre Vázquez: «Es el genio indiscutible de la historieta española. Diseñó un estilo gráfico que influiría a varias generaciones de dibujantes y creó toda una galería de personajes que han pasado a formar parte de la iconografía popular: Anacleto, Los cuentos del tío Vázquez, Las hermanas Gilda, la familia Cebolleta, Angelito… Pero sorprendentemente, su vida ha superado su obra en la mítica de los cómics. Ese «tío Vázquez» siempre acosado por sus acreedores, o el moroso incorregible del ático de la 13, Rue del Percebe (que él también creó pero que desarrolló Ibáñez) estaban inspirados en sus peripecias y ayudarían a perpetuar su leyenda». 



También se explica cómo era el trabajo en la Editorial Bruguera, donde las historietas tienen como temas la ridiculización de la autoridad, la familia como entidad caótica y desestructurada, y la chapuza institucionalizada, que Aibar denomina Bruguera Way of Life. 

También se reivindica a la comedia española de la época con directores como Marco Ferreri o José María Forqué. Tras terminar la redacción del guion, Aibar decidió enseñárselo a sus familiares para que dieran el visto bueno, además de saber si las anécdotas que le habían contado eran ciertas. 

El propio director explicó que todo narrado en la película es cierto, pero existen errores o licencias narrativas. El director de la película, Óscar Aibar, veía como se adaptaban numerosas obras, pero nunca sobre los creadores de las mismas, y quería explicar cómo vivían los dibujantes y gestaban y producían sus historietas. Se decidió por Vázquez por ser para el director quien tuvo la vida más interesante.  Aibar coincidió con el dibujante en la revista Makoki, y al escuchar durante tantos años sus «numerosas anécdotas» intuyó «el enorme potencial de su historia» y comenzó a «recopilar las narraciones de sus famosos timos, engaños y aventuras, para algún día compartirlas con el mundo».

También es conocida la participación de Manolito Vázquez, hijo del dibujante, quien trabaja como rotulista en Ediciones Glénat, como ayudante de dirección. 

Santiago Segura explicó que el motivo de su participación es la aceptación de la familia hacia la película. El director decidió elegir a Santiago Segura, Segura se esforzó en hacer que su papel como Vázquez tuviera su personalidad propia. Para el actor le pareció una satisfacción al ser fan suyo desde pequeño. el actor ya había trabajado con el director en la película La máquina de bailar.

El malvado contable es encarnado por Álex Angulo, que fue una tarea pendiente del director y quiso darle un papel importante. El resto del reparto fue elegido por Pep Armengol. 

La película se rodó a lo largo de siete semanas en diferentes localizaciones de Barcelona y Alicante, además de en los estudios Ciudad de la Luz, donde se realizó durante cuatro de las siete y supuso unos beneficios directos en la Comunidad Valenciana de 3,4 millones de euros, además de provocar que fueran contratadas 57 personas, entre técnicos y artistas, y la participación de un total de 21 empresas. 

 En los estudios Ciudad de la Luz se realizó el trabajo de ambientación para que pareciese la Barcelona de los años 60. Para ello se colocaron objetos característicos del momento, como coches, al igual que la vestimenta que se utilizó. El director de la película quería que tuviera una estética similar a la de las historietas que realizó en los años sesenta en donde no se supiera diferenciar entre la realidad y la historieta. ​ Para la recreación de la editorial se basaron en las fotografías que aún se mantienen de la misma. 

El encargado de realizar la banda sonora fue Nacho Mastretta con una música épica que acompaña al pícaro en sus aventuras, que enfatiza con las realizadas en la época que narra la historia. Mastretta explicó que su intención ha sido reforzar con la música la expresividad de la historia y las imágenes que contiene la película.

Los trabajos de animación fueron realizados por la empresa Espresso Animation y dirigidos por Phillip Vallentin, en donde se adaptaron algunos personajes de Vázquez como son Gilda, Anacleto La familia Cebolleta. 



El estreno en España fue el 24 de septiembre de 2010.Compitió por la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, sin obtener el premio,3​ y cosechó una nominación al Goya al mejor actor secundario para Álex Angulo. 

En los Premios Gaudí (2011) obtuvo diversas nominaciones entre potras a la Mejor película en lengua no catalana, Mejor vestuario (María Gil, Sonia Segura), Mejor maquillaje y peluquería (Blanca Sánchez, Pepe Quetglas) y Mejores efectos visuales (Josep Maria Aragonés).

La película obtuvo críticas mayoritariamente positivas y, en un mal año para la taquilla, fue una de las cintas españolas con más éxito de la temporada, aunque su recaudación quedó por debajo de lo invertido. 

El director respondió a los halagos y discrepancias que había suscitado la elección de Segura para encarnar a Vázquez diciendo: «Nadie puede decir que Santiago Segura hace un trabajo que se parezca a cualquier cosa de las que ha realizado antes» 

En cuanto a los críticos profesionales propiamente dicho destacamos las siguientes. Luis Martínez en El Mundo sostuvo que la película era "Irregular e imprecisa (...) una propuesta tan arriesgada como, dígase ya, disparatada. (...) Santiago Segura (...) en un trabajo sencillamente memorable."  

Carlos Boyero en El País fue muy generoso y dijo que era un "Complejo retrato de un buscavidas con arte. (...) gags hilarantes en medio de la tragicomedia, (...) Segura está muy bien, tan contenido como eficaz." 



Oti Rodríguez Marchante en su crónica del ABC lo describe como "Un retrato divertido, cínico, melancólico y surrealista (...) unas interpretaciones clavadas en línea y estilo al espíritu de los tebeos (...)  " 

 Lluís Bonet Mojica del barcelonés La Vanguardia sostuvo que "La película tal vez podría haber ido más lejos, pero es una notable tragicomedia" 

Sergi Sánchez en Fotogramas escribió sobre ella que era "El fiel retrato del ambiente de trabajo del mundo del tebeo en el franquismo y la espectacular interpretación de Santiago Segura hacen de la película una sorpresa agradable" 

Y, por último, pero no menos importante Carlos Marañón en la revista Cinemanía escribiría que "La duda que asoma viendo esta versión lopezvazquiana de 'Atrápame si puedes' es si no habría funcionado una película más sórdida, con más drama que comedia (...)"

Por mi parte señalar que la película, un biopic con las dosis gustas de comedia, tragedia, e ironía me ha gustado, como comedia, es entretenida, como retrato es perfecto de un momento en un estudio de trabajo. A destacar igualmente el cariño con el que describe al personaje, pero incluso el que viene a ser su enemigo, tampoco es maltratado. A destacar igualmente el trabajo de éste último, Alex Angulo. 

El resto está a gran altura, desde Enrique Villén , un jefe duro y tierno a la vez, el gran Ibáñez interpretado como siempre sabe él, a la perfección, por Manolo Solo, que aparece en escena con su traje de botones ¿Sacarino? , así como los demás que, a pesar de los embustes, nunca son maltratados ni humillados. Era el tono buscado y el tono conseguido.

En muchos aspectos yo he encontrado esta película como coral, muy del gusto, y creo que era la intención del cine español de los setenta. La recreación de la España del momento, sinceramente, fantástica. 

No quiero acabar sin hacer memoria de los muchos que participaron y ya no están como Javier López Blanco, productor y co-fundador junto a Gerardo Herrero de Tornasol Films, Violeta La Burra (Pedro Moreno)- que aparece en la trena junto a Vázquez, Alex Ángulo - fallecido 4 años después de rodar la película, o los fallecidos el pasado año Jesús Guzmán - que hace de padre del artista- y el auténtico Ibáñez , el Gran Ibáñez, el hombre que decía que no se merecía hacer iuna película de un hombre que se tira 60 años sentado ante unos papeles, creando viñetas, fallecido sin el merecido reconocimiento que si que se merecía en vida, el hombre que más ha ayudado a la lectura en este país, sin lugar a dudas. Película muy recomendable.  




Comenzó en el trópico



Swing High, Swing Low es una película dramática de comedia romántica estadounidense de 1937 dirigida por Mitchell Leisen , un productor, diseñador de vestuario que también, como en este caso fue director de cine, y protagonizada por Carole Lombard y Fred MacMurray. 

Fue la segunda de tres adaptaciones cinematográficas de la popular obra de Broadway de 1927 que se presentó con el título de Burlesque de George Manker Watters y Arthur Hopkins , después de The Dance of Life (1929) de John Cromwell con Hal Skelly y Nancy Carroll y antes de When My Baby Smiles at Me (1948) de Walter Lang (1948). 

Mitchell Lesen fue - como hemos ya señalado- diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de los años 1920 asimismo trabajó para Raoul Walsh - esta semana lo vimos a uno y a otro en El ladrón de Bagdad- , Allan Dwan o Ernst Lubitsch. Todo le proporcionó una gran experiencia —el dibujante de figurines pasó a dibujar escenas concretas—, asistente de dirección de Cecil B. De Mille en El signo de la cruz, así que todo esto hizo de trampolín para saltar a la dirección. 

Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta el 1933 —en la Paramount Pictures—, con Canción de cuna, un drama protagonizado por Dorothea Wieck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con las grandes melodramas, las comedias románticas. 

En 1934 hizo la adaptación de la obra de Alberto Casella, La muerte de vacaciones con Fredric March y Evelyn Venable y al año siguiente rodó el brillante Compás de espera un año después. Luego, su film de humor desatado Una chica afortunada (1937), protagonizada por Jean Arthur y con guion de Preston Sturges fue otro gran éxito del director. Por aquí pasó por su filme, Arise, my love




Ese mismo año volvió al melodrama con Comenzó en el trópico, en este caso la película está dirigida por Mitchell Leisen siguiendo el guion escrito por Virginia Van Upp y Oscar Hammerstein inspirándose en la obra Burlesca de 1927 de Arthur Hopkins y George Manker Watters 

La película fue producido por Arthur Hornblow, hijo para la Paramount . La fotografía fue obra de Ted Tetzlaff , el montaje de Eda Warren y la música compuesta por Victor Boutelje . 


En otras campos intervienen  grandes técnicos tanto en la dirección musical, - la película tiene mucho de musical- como en otros aspectos como Al Siegel en la supervisión vocal,  Farciot Edouart en los efectos fotográficos especiales , Earl Haman y Don Johnson en la grabación de sonido , Travis Banton en el diseño de vestuario , AE Freudeman en la decoración de interiores y  Ernst Fegté comop director de arte.


 

La película está protagonizada Carole Lombard como Maggie King , Fred MacMurray como Skid Johnson , Charles Butterworth como Harry, Jean Dixon como Ella , Dorothy Lamour como Anita Álvarez , Harvey Stephens como Harvey Howell , Cecil Cunningham como Murphy,   Charles Arnt como Georgie , Franklin Pangborn como Henri , un jovencísimo Anthony Quinn como el joven de la cantina panameña,   Charles Judels como Tony.

La película comienza en mitad del canal de Panamá. Allí se encuentra en un barco trabajando como peluquera a bordo de un transatlántico que viaja a través de la Zona del Canal de Panamá , Maggie King (Carole Lombard) que ignora los comentarios de un joven y atrevido soldado, "Skid" Johnson (Fred MacMurray) , en su último día en el ejército. 

Sin embargo, él es persistente, y al día siguiente ella y su amiga Ella  (Jean Dixon ) salen de pasea para conocer el Panamá antigua y mientras negocian un taxi para la visita se persona Skid Johnson que con un sombrero irreconocible le ofrece una visita guiada, un free-tour por 1 dólar. Cuando descubre Maggie que es Skid no tiene ya remedio y este gestiona ante ella de mala gana, una cita doble con él y su amigo pianista Harry (Harvey Stephens ) en Balboa . 

En un club nocturno, ella expresa su disgusto por la música de trompeta, tras lo cual él la impresiona con su asombrosa destreza con el instrumento. Mientras está tocando Maggie se pone a hablar con un chico que le habla  (Anthony Quinn) , que intenta ligar con ella en el bar, él y Skid terminan peleando, lo que lleva a Skid y Maggie a la cárcel. 

Como resultado, Maggie pierde su barco de regreso a Estados Unidos. Sin dinero después de ayudar a pagar la multa, se ve obligada a mudarse con Skid y Harry, buscándose la vida trabajando en lo que ella sabe hacer, cantar, como peluquera al inicio de la película es un desastre.




Ella convence a un escéptica Señora Murphy (la veterana Cecil Cunningham), la dueña del "Murphy's Café y Bar", para que contrate al poco ambicioso Skid y a ella como trompetista y corista, respectivamente, en el "Murphy's Café y Bar" diciéndole a Murphy que están casados. Allí la pareja tiene un éxito tremendo.



Allí ella choca con su compañera corista Anita Álvarez (Dorothy Lamour ), la ex novia de Skid, pero Anita pronto se marcha en busca de un trabajo mejor. 

Maggie , que hace un amago de marchar a los Estados Unidos, y Skid finalmente se enamoran y se casan. 

Tras esto, Maggie incita a Skid a ir a la ciudad de Nueva York a tocar en un club nocturno importante, El Greco dejándola atrás. Poco después descubre que Anita trabaja allí. Ambos tienen un gran éxito.

La fama y la fortuna se le suben a ambos la cabeza. Con la fama llega la diversión y el alcohol y sus excesos y estragos. Como nunca tiene dinero Skid se lo juega en los casinos y en las máquinas siempre o casi siempre sin suerte, así que nunca tiene dinero para pagar a Maggie el billete para que se reúna con él en Nueva York. Además él no responde a sus cartas. 

Finalmente, Maggie le pide prestado el dinero a Murphy para comprar un billete a los Estados Unidos. Anita intercepta su telegrama a Skid, diciéndole dónde encontrar su barco. Después de esperar en el muelle durante mucho tiempo, así que marcha al hotel en el que se hospeda e intenta contactar con él, pero no hay ocasión , ya que , como todas las noches, tras la actuación la antigua pareja de Panamá salen y , sobre todo él, bebe. 

Maggie adivina por una corazonada, que Skip puede estar con Anita y llama a su habitación del hotel y , efectivamente, es Skid el que responde borracho. Tras eso Maggie le anuncia su intención de divorciarse de él. Tras hablar con su antiguo novio, un  rico ranchero californiano Harvey Howell para rehacer su vida. Mary planea navegar a Francia para divorciarse y casarse con Harvey. 

Skid está tan devastado y se sienta tan culpable que multiplica su bebida exponencialmente y a perderse presentaciones, lo que le cuesta su trabajo y su carrera. 

Finalmente, intenta volver a alistarse, pero no pasa el examen físico. Luego, a la salida del centro de reclutamiento se encuentra con Harry, que ha estado buscándolo. Harry ha reunido una banda para una presentación de radio en vivo para trabajar en la orquesta para un patrocinador importante y (para ayudar a su viejo amigo) y quiere que Skid toque con ellos.

Georgie,  el antiguo agente de Skid, intenta que Maggie, que acaba de regresar de Francia, ponga a Skid en forma. Ella se apresura y hace lo mejor que puede. 

Durante la transmisión, Skid está terrible al principio con la trompeta, pero después una vez que Maggie le dice que se quedará con él "hasta que la muerte nos separe", recupera su antigua brillantez, acabando abrazados hasta el final.




Comentar que la película tiene sus virtudes. Me ha parecido muy interesante el inicio mostrando y combinando escenas documentales del Canal de Panamá, conjuntamente con la inclusión del modelo de esclusa en la primera conversación que tienen Maggie y Skip este como soldado, mientras la cámara su coloca en distintas posiciones para mostrar como sube y baja el barco.  

La película ser presentó en marzo de 1937 y Frank Nugent , crítico de The New York Times , escribió sobre ella que " Swing High, Swing Low , como la mayoría de las norias, no va a ninguna parte, al menos a ninguna parte donde tú no hayas estado. Sus protagonistas realmente merecen un mejor trato".




Se trata de una película melodramática, con toques musicales y la creación de una pareja romántica que naufraga en su relación más bien tormentosa. A destacar la siempre elegante y en este caso poco mostrada comediante, aquí frenada por la historia de ruptura y el alcoholismo del protagonista, y el papel de galán y músico de Frad MacMurray, tan distinto al duro hombre de negocios de Perdición vista y revisada hace unos días. 


El descubrimiento ha sido encontrar a un jovencísimo galán latino como Anthony Quinn, los equivocos que en la versión original tienen los protagonistas con el español, o la presencia de la bella cantante, exótica que muchas veces interpretó papeles de latina y "femme fatale" , cómica eterna, integrante permanente de los "Road to..." ,  junto, entre otros, Bob Hope o Bing Crosby y actriz de mítico nombre como Dorothy Lamour, No es Penélope, pero ¡qué nombre más sugerente!