Robin y Marian revisada

"Te amo más que a todo, más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana o que a la paz (...). Te amo más que al amor o a la alegría o a la vida entera. Te amo más que a Dios...” 

Con esta declaración de amor de Marian "Hepburn" a Robin "Connery"  todo queda dicho en esta revisión de un clásico del cine de aventuras, del cine romántico y crepuscular del paso inexorable del tiempo en el amor y en la amistad inquebrantable de un Little John leal hasta la médula y el final pues ha de cumplir la última petición de su amigo Robin «Donde caiga la flecha, John, colócanos juntos y déjanos allí.» . 

Una maravillosa película de Richard Lester el mítico director de las películas de los Beatles decidió realizar en mil novecientos setenta y seis una película que aquí se llamó como nos recuerda el sabio Fausto Fernández La gran aventura de Robin Y Marian fuese el canto que crepuscular al cine de aventuras envuelto en un melancólico romanticismo entre dos personajes míticos de este tipo de cine como eran Robin Hood y una Lady Marian ya otoñales pero que conservan el vigor y los idealismos de su juventud en un mundo donde la corrupción los engaños y las traiciones no han desaparecido.

Para ser la película el director y su equipo se vinieron a España así que no es de extrañar que aparezcan personas como Victoria Abril en un pequeñísimo papel como querida del Rey Juan sin Tierra. 

Una Audrey Hepburn otoñal, con 47 años, que llevaba retirada en el cine una década volvió a reanudar su carrera como actriz con esta película, junto con estrellas consagradas como un Sean Connery que falleció en 2020. en plena madurez, con 45 años tras haber rodado un par de películas de aventuras como El hombre que pudo reinar de John Huston y El viento y el león de John Milius como hombre del desierto, que da vida a un Robin de los bosques mucho más que reflexivo.

La película se rodó , como ya señalé en la entrada original, en gran parte de localizaciones españolas como Artajona, Quinto Real o Kintoa y Orgi, que conocía bien Richard Lester puesto que había rodado aquí una película con John Lennon concretamente en Almería. 

Junto a estas dos estrellas de Hollywood aparecen Robert Shaw, Richard Harris,  Bill Maynar, Denholm Elliot, Ian Holm y John Barrett.

La historia nos presenta a un Robin Hood que tras haber luchado en la guerra z y la guerra santa en Tierra Santa y no haber conseguido éxito alguno tras veinte años retorna de solucionado junto a su fiel Jon little Jung acompañando en su regreso a Ricardo corazón de León. Cuando se encuentran en Francia el rey le ordena tomar un castillo pero Robin Hood desiste cuando ve que el castillo no está guarecido sino que en su interior hay un viejo al que le falta un ojo y un grupo de mujeres y niños pues los hombres han huido.

Con la desilusión que le embarga después de dieciocho años guerreando se niega a tomar el castillo por lo que el rey lo detiene e inicia la conquista del mismo y la brutal represión de los supuestos defensores. Antes de la toma del castillo ricardo es herido por una flecha en el cuello y poco antes de justiciar a Little John y fallece. Ante eso los dos deciden regresar a Inglaterra ya su bosque de Sherwood, encontrándose con que las cosas han cambiado mucho.

Lady Marion aburrida de esperar a Robin ha ingresado en un convento y ahora es la madre abadesa expertas en pócimas que alivian el dolor. Juan sin Tierra ya tiene un reino pero sigue siendo injusto. El padre de little John ha muerto, y los viejos amigos de antaño apenas se reconocen cuando se tropiezan por casualidad con Will Scarlett y el hermano Tuck. 

Ahora son un grupo de desplazados en un tiempo que ya no es el suyo. Así los años de la aventura parecen haber acabado para Robin pero cuando el Señor de Nottingham vuelve a amenazar Sherwood se dan cuenta de que todo puede volver a ser como antes por lo que reúne otra vez a sus fieles amigos para que luchen junto a él con la bravura de antaño. 

De ella o de su maravillosa banda sonora de John Barry han dicho algunos tuiteros lo siguiente: Cinepático escribe que "'Robin y Marian', nos propone un reencuentro desencantado, donde un Robin decadente que afirma en un momento de la película que "Para dominar la naturaleza primero se debe aprender a obedecerla". y una Marian resignada, intentan reverdecer los amores pasados. La química de Connery y Hepburn es el motor de la película, que funciona muy bien también como cine de aventuras. Maravilla. " 

Por su parte, Rick Deckard en términos similares señala que "Maravilloso cuento de caballeros populares y valerosos que se enfrentan a la tiranía con una sonrisa en la cara. Un film entrañable que narra las últimas andanzas de un Robin Hood melancólico. Espléndidos Connery y Hepburn. Romántica y divertida. Deliciosa"; o como señala la cuenta de juatmanmenorca1 al decir - tras descubrir la película- que "No se que tiene la música de John Barry que todo resulta más bonito de lo que ya es. Bueno si lo sé, que sus partituras no pueden ser más preciosas, como todas las escenas de Sean Connery junto a Audrey Hepburn en Robin y Marian" . 

O, para terminar, como señaló el señor del cine español, el sabio Fausto Fernández sobre la película "Allá donde llegue la flecha de un viejo, cansado y enamorado (de Audrey Hepburn, hermosura otoñal) Sean Connery en su espléndido ocaso seguirá viviendo esta maravilla de Richard Lester " y nos recordaba en octubre del 2022 que "Se irá un día de estos Richard Lester, como se fueron Audrey Hepburn y Sean Connery, maravillosos aquí, en Robin y Marian , y no le habremos agradecido lo suficiente todo el cine que nos ha regalado. ". Pocas veces una flecha lanzada al aire  tiene más bello recorrido. Esencial.

¡Qué noche la que aquel día!

¡¡¡Qué grandes son The Beatles!!!  Ya lo dije cuando presenté la última película que vi de Danny Boyle que llevaba por título Yesterday. Y es que lo que hizo el cuarteto de Liverpool y los que nos aportó a nuestra memoria musical y casi personal es único. Lo cierto es que John - al conocimos con bastante detalle en el documental Imagine-.  Ringo, Paul y George convierten esta película- A Hard Day's Night-, la primera de las cinco películas que tuvieron como protagonistas a The Beatles, en una delicia. ¡Qué buena tarde he pasado viendo la noche de aquel día!

La película fue hecha con el grupo que se encaminaba al cénit de su carrera , siguiendo un estilo de falso documental, que describe un día - pueden ser dos- en la vida del grupo cuando estaba en la cresta de la ola. Por eso es magnífico escuchar esas canciones compuestas mayoritariamente por John Lennon y Paul McCartney como son «A Hard Day's Night», «I Should Have Known Better», «I Wanna Be Your Man» , «Don't Bother Me» , «All My Loving» , «If I Fell», «Can't Buy Me Love», «And I Love Her», «I'm Happy Just to Dance with You», «Tell Me Why» y «She Loves You». 

Como todo lo que rodea a The Beatles está entre dudas y tinieblas, pues los cuatro, más bien tres, ya que George Harrison parece estar siempre al margen de las polemicas, responsabilizan a Ringo Starr como el promotor del título de una película que en principio tenía como título provisional "The Beatles", pasando luego a "Beatlemanía", hasta que Sir Ringo Starr, que estaba exhausto después de un largo día, acuñó la frase con ese contradictorio título de la película. 

Casi todos se lo atribuyen a Ringo Starr, ya sea como mérito o como demérito. Se originó, al parecer, a partir de una afirmación del "modquero" - ni mod ni Rockero, como afirma en la película- Ringo Starr, quien lo describió de esta manera de vivir en una entrevista con el disc jockey Dave Hull en 1964: «Fuimos a hacer un trabajo, habíamos trabajado todo el día y resultó que terminamos trabajando también toda la noche. Por algún motivo pensé que era de día, supongo, y dije: 'Ha sido un duro día... (It's been a hard day...)' y miré a mi alrededor y vi que estaba oscuro y dije: '... ¡de noche!' (...'s night!). Así llegamos a A Hard Day's Night.»

Por su parte, John Lennon dijo durante una entrevista de 1980 a la revista Playboy: «Iba a casa en el coche y Dick Lester sugirió el título, 'Hard Day's Night' de algo que Ringo había dicho. Yo lo había usado en In His Own Write, pero fue un comentario improvisado de Ringo. Tú sabes, uno de esos malapropismos. Un Ringo-ismo, que no dijo para ser gracioso [...] simplemente le salió así. Así que Dick Lester dijo: 'Vamos a utilizar ese título.'» 

Sin embargo, en una entrevista para The Beatles Anthology en 1994, McCartney afirmó algo diferente a lo que había dicho Lennon. Recordó que el título fue idea de The Beatles, y no de Lester: «El título fue de Ringo. Casi habíamos terminado de hacer la película, y surgió una situación poco divertida, que fue poner nombre a la película. Así que estábamos sentados en los estudios Twickenham haciendo un poco de lluvia de ideas [...] y dijimos, ‘Bueno, está lo que Ringo dijo el otro día. Ringo hacía esos pequeños malapropismos, él decía cosas con pequeños errores, a la gente le gustaba, siempre eran maravillosas, muy líricas [...] tenían como una especie de magia a pesar de que solo las decía por equivocación. Y él dijo después de un concierto, '¡Uf, ha sido la noche de un duro día.' ('Phew, it's been a hard day's night')». 

Otra versión de los hechos apareció en 1996 cuando el productor Walter Shenson dijo que Lennon le había descrito algunas de las meteduras de pata más divertidas de Starr, como «la noche de un duro día» ('A Hard Day's Night'), con lo cual Shenson inmediatamente decidió que esa iba a ser el título de la película. 

La película sigue el guion escrito por Alun Owen, quien fue el elegido. Parece ser que The Beatles estaban familiarizados con una de sus obras No Trams to Lime Street y por su buen manejo de la jerga de Liverpool. 

McCartney comentó, «Alun pasaba tiempo con nosotros y hacía esfuerzos por componer nuestros diálogos a partir de palabras y expresiones que nos había oído usar, así que pensé que tenía un guion muy bueno.» 

Lo cierto es que Owen pasó varios días con el grupo. Fue él quien les dijo que sus vidas eran básicamente «un tren y una habitación y un coche y una habitación y una habitación y una habitación» y algo parecido es lo que escuchamos en el personaje que hace del abuelo de Paul, quien lo llama cariñosamente Pauly, y que es otro de los grandes protagonistas de la película. 

El escritor Alun Owen armó la trama de la película mientras seguía a los Beatles en su gira por Francia antes de irse a Estados Unidos. Al observarlos, creó sus "estereotipos": John Lennon es un sabelotodo, Sir Paul McCartney es el "encantador" y sensato, George Harrison es callado y tímido, y Sir Ringo Starr es alocado y triste. 

Owen escribió el guion desde la óptica de unos The Beatles que se estaban convirtiendo en prisioneros de su propia fama, de forma que su calendario lleno de actuaciones y el trabajo de estudio se había convertido en un castigo. 

El mismo guionista afirmó que el único Beatle que improvisó fue John Lennon. Sin embargo, los cuatro miembros de The Beatles despertaron la imaginación de los demás e improvisaron muchos elementos de la película. 

La base del guion fue una idea: «Acosados por su mánager y el abuelo de Paul, The Beatles se marchan de Liverpool por tren para un programa de TV en Londres.» 

Así que la historia comienza con una alocada carrera en la que escapan de un grupo de fans. De hecho l carrera lleva al suelo a Ringo y a George Harrison así como alguna de sus enfervorecidas perseguidoras.

Cuando llegan a un vagón en un tren intentan relajarse , pero el abuelo de Paul lo embrolla todo, de tal manera que terminan por encerrarlo en un vagón del tren para conseguir algo de paz y tranquilidad. A su llegada a Londres, The Beatles son conducidos a un hotel donde se sienten encerrados. 

Después de una noche en la que el abuelo de Paul vuelve a meterse en líos que lo llevan a un casino, el grupo se dirige un espacio en el que van a dar una actuación que va a ser filmada. Los preparativos son largos así que incialmente todos escapan a un campo de deportes cercano, pero que como es de propiedad privada los vuelven a los camerinos. 

En un momento dado Ringo decide pasar un tiempo solo leyendo un libro. El abuelo de Paul, que cada vez se muestra como un hombre muy fullero en todo momento- por ejemplo cuando falsifica los autógrafos de los Beatles, con el fin de ganarse un dinero extra- , sin embargo, lo convence de que debería estar fuera disfrutando la vida en vez de leer libros, así que Ringo se marcha. 

Trata de tomar una copa en un pub, después decide ir a caminar por un canal y comienza a pasear en una bicicleta a lo largo de un andén de la estación de tren. 

Mientras tanto, el resto de la banda está buscando a Ringo frenéticamente (y sin éxito). Finalmente, encuentran a Ringo en una comisaría de policía y donde ha sido detenido por la policía al igual que al abuelo de Paul. Y es que el abuelo de Paul ha metido la pata en múltiples ocasiones. Le ha dicho, por ejemplo, a un policía que es "un soldado de la República" y muestra sus s vínculos como irlandes tanto con la inmigración irlandesa a Liverpool como con la emigración al otro lado del Atlántico, a Boston como comenta en un momento o cuando cita "A Nation Once Again", la canción escrita en el siglo XIX por Thomas Osborne Davis (1814-1845), uno de los fundadores del movimiento independentista irlandés. Finalmente, cuando consiguen volver al escenario llegan justo para comenzar el concierto. 

Vemos a ellos en el escenario y con los fans arrebatados con ellos y con su música. La último escena nos lleva al fin del concierto con el productor informándoles que esa misma noche tienen un concierto en Wolverhampton así que toman un helicóptero para ir en aquella dirección. 

El director elegido, y que contó con el apoyo en la producción de Walter Shenson responsable de la Walter Shenson Films y con el apoyo de la Proscenium Films para contar esta historia de la incipiente beatlemania para la United Artists (UA), fue un norteamericano natural de Filadelfia, hoy casi nonagenario. Hablamos de Richard Lester.

Éste se había iniciado muy joven en la Televisión tanto estodounidense como la británica llegando al mundo del cine con un corto que llevaba por título The Running, Jumping and Standing Still Film (1960) con Spike Milligan y Peter Sellers, rodando años después un musical de bajo presupuesto, It's Trad, Dad! (1962) y tras este The Mouse on the Moon (Un ratón en la luna, 1963). 

El mismo "niño prodigio" fue el elegido para rodar esta A Hard Day's Night (1964), y lo fue porque la película Running Jumping & Standing Still fue una de las favoritas de los Beatles , en particular de John Lennon . 

Cuando los miembros de la banda fueron contratados para hacer un largometraje, eligieron a Lester de una lista de posibles directores al igual que lo hará en otro de los filmes de los Beatles al año siguiente, Help (1965).

Pero Lester fue mucho más que el director de The Beatles. Fue el director The Knack... and How To Get It (1965), Golfus de Roma (1966), la película en la que John Lennon rodó en Almeria y puso las bases de su Sargent Pepper - How I Won the War llamada en España Cómo gané la guerra (1967)-, pero también de Los tres mosqueteros (1973), Juggernaut (El enigma se llama Juggernaut, 1974), Los cuatro mosqueteros (1974), Robin y Marian (1976), Superman II (1980), Superman III (1983) y El regreso de los mosqueteros (1989) entre otras. 

La película fue rodada por United Artists usando un estilo de cinéma vérité en blanco y negro y fue producida durante un período de dieciséis semanas. Contó con un presupuesto bajo para su tiempo de 200.000 libras esterlinas (unos 500.000 dólares estadounidenses) y el rodaje fue terminado entre seis y siete semanas. El resto del tiempo fue para la posproducción. 

Lo cierto es que para United Artist la película tenía una consideración secundaria pues el interés principal de la Compañía era poder lanzar el álbum de la banda sonora en los Estados Unidos antes de que Capitol Records se dispusiera a publicar su material. En palabras de Bud Ornstein, director europeo de producción de United Artists: "Nuestra división discográfica quería que el álbum de la banda sonora se distribuyese en Estados Unidos, y lo que perdiesemos con la película lo recuperasemos con este disco". 

En definitiva fue una operación comercial, sin más interés. A diferencia de la mayoría de las producciones, casi todas las escenas fueron filmadas en orden consecutivo inmediato, según lo declaró Lennon en 1964. 

Se rodó principalmente del 2 de marzo al 24 de abril de 1964 en ciudades como Londres en Paddington Station , en Marylebone Station, en Les Ambassadeurs Club y su Garrison Room de Hamilton Place, en la escuela de Secundaria de St Johnen Clarendon Road y en Notting Hill Gate sitas en Notting Hill, en Hammersmith Odeon, en el Scala Theatre de Charlotte Street en la céntrica Fitzrovia, en Putney Towpath en The Embankment cerca del Támesis, en los londinenses Twickenham Studios, en Scala Street, en West Ealing y en South Bank en la londinense Lambeth. Se rodó igualmente en Somerset en lugares como Crowcombe y su Crowcombe Heathfield station de la West Somerset Railway y Taunton Railway Station, en Minehead, también en Middlesex en espacios como Thornbury Playing Fields en Isleworth, en el Pub Turk's Head que está en Winchester Road en Twickenham que es el espacio de Thames footpath , en Devon en el Newton Abbot.

La grabación comenzó en la londinense estación Paddington. En esa secuencia que acaba en la estación londinense con el grupo corriendo, George Harrison tropezó y cayó, y Ringo cayó sobre él a su vez. Esto no fue intencionado y George se rasgó el traje que estaba usando, pero rápidamente se recuperó, se rió y siguió corriendo. Se decidió mantener la toma en la película. 

El 2 de marzo de 1964, The Beatles se reunieron en la sede del sindicato de actores británico, Equity, esa mañana. Cuando comenzó el rodaje, los Beatles aún no se habían unido a Equity,  pero  fueron admitidos apresuradamente en el set con Wilfrid Brambell proponiendo su incorporación y con Norman Rossington secundando la moción. La primera semana de rodaje fue en un tren que viajaba entre Londres y Minehead. 

El 10 de marzo, se grabaron las escenas de Ringo en el pub Turk's Head en Twickenham, y durante la siguiente semana se grabaron varias escenas en los Twickenham Studios. 

Del 23 al 30 de marzo, el rodaje se trasladó al Teatro Scala, y el 31 de marzo, todo el concierto fue filmado allí, aunque el grupo hizo playback en los distintos temas. Después de filmar el día 1 de abril de 1964, John Lennon contactó con su su padre, Alfred Lennon, por primera vez en diecisiete años. Las relaciones entre padre e hijo así como con su madre fueron siempre traumáticas para el músico como comenta en el documental Imagine. 

En la mañana, Alfred Lennon había ido a NEMS Enterprises, donde trabajaba el manager de The Beatles, Brian Epstein, acompañado por un periodista. Después de explicarle a la recepcionista que era el padre de John, esta informó a Epstein, que inmediatamente envió a buscar un automóvil para recoger a John y al resto de The Beatles, con la excepción de Paul McCartney,y los llevó a NEMS. Sin embargo, la reunión no tuvo éxito; las primeras palabras que John a su padre fueron: "¿Qué quieres?" La reunión no duró más de veinte minutos y terminó con un John furioso ordenando a Alf que saliera del local. 

La canción principal fue escrita en su totalidad por John Lennon la noche del 13 de abril de 1964, que también fue el mismo día en que filmó la icónica escena de la bañera. Después de que Ringo Starr acuñara la frase que sería el título de la película, John y Paul McCartney se pusieron a componer para ver a quién se le ocurría primero una canción para la frase ajustada al título que llevaría la película. Tras la composición The Beatles, la tocaron a la mañana siguiente para el productor Walter Shenson en su camerino. 

Ringo Starr fue elogiado por su escena en solitario en la orilla del río como un alma desamparada. Sin embargo, su expresión en esa escena fue en realidad el resultado de tener una resaca tras beber en exceso la noche anterior.  

El segmento de «Can't Buy Me Love», que contó con un trabajo creativo de cámara y la banda corriendo y saltando alrededor de un campo, se grabó el 23 de abril de 1964 en un campo de deportes de Isleworth, Middlesex. 

La última escena que se grabó fue al día siguiente en el londinense West Ealing, donde vemos a Ringo amablemente deja caer su gabardina sobre los charcos para que pueda pasar una dama, y descubre que el último charco es en realidad un gran agujero en el camino. Tras terminar en rodaje en abril la postproducción llegó hasta inicios del mes de julio de 1964. 

Se informó en recortes de prensa contemporáneos que quince minutos más tarde fueron eliminados de la película, incluidas escenas que involucran un autobús de dos pisos de Londres que The Beatles pintaban en su techo. 

Antes de que A Hard Day’s Night fuera lanzada en América, un ejecutivo de United Artists le sugirió a Lester doblar las voces del grupo con acentos americanos. McCartney respondió enojado: «Mira, si nosotros podemos entender a un maldito vaquero hablando tejano, ellos pueden entendernos hablando liverpuliano.» 

Uno de los personajes que más sorprenden en la película lo asume Wilfrid Brambell, que hizo el personaje de John McCartney, el abuelo ficticio de Paul McCartney. Se trataba de un actor irlandés de fuerte acento que era bien conocido por el público británico como coprotagonista de la sitcom británica, Steptoe and Son. 

Los otros actores fueron Norman Rossington interpretó el papel de mánager de los Beatles y John Junkin fue «Shake», su road mánager. Norm y Shake se basan libremente en los gerentes de la gira de la vida real de The Beatles, Neil Aspinall y Mal Evans, respectivamente. 

Brian Epstein, su mánager real, tuvo una breve aparición no acreditada. Kenneth Haigh, que tiene el breve pero el importante papel de Simon Marshall, el ejecutivo de televisión neurótico que intenta que George Harrison promocione las camisetas de su patrocinador, era un distinguido actor de teatro.Actuó en la película debido a su amistad con el guionista Alun Owen, pero rechazó el crédito de la pantalla, temiendo que su reputación como actor se viera afectada por su asociación con una película de "ídolos adolescentes". 

El reparto incluye la colaboración de Richard Vernon como el 'agente de seguridad' en el tren, Lionel Blair como un bailarín destacado y Victor Spinetti como el director de televisión.  En los cameos se incluyen David Langton, John Bluthal como un ladrón de coches y un no acreditado Derek Nimmo como el mago Leslie Jackson. David Janson colaboró como el niño que conoce a Ringo en su «paseo». 

Aparecen igualmente Charlotte Rampling y Phil Collins como una bailarina y un niño en el concierto, respectivamente. El bateria de Génesis fue uno de los 350 espectadores que disfrutan del concierto. Tenía tan solo 13 años de edad.  

George Harrison conoció a su futura esposa, Pattie Boyd, en la escena donde ella hace una breve aparición (no acreditada) como una de las chicas del tren. Es la chica que se sienta junto a Paul y le sonríe cuando canta "I Should Have Known Better". 

Las primeras proposiciones de George hacia Boyd fueron rechazadas porque ella tenía novio en aquel entonces pero él insistió y se casaron 18 meses después. La chica que está junto a Boyd en la escena del vagón restaurante es Prudence Bury. 

La película se estrenó en el Pavilion Theatre en Londres el 6 de julio de 1964 —un día antes del cumpleaños de Ringo Starr— y la banda sonora homónima fue lanzada cuatro días después. 

Esta sería la primera banda sonora que The Beatles lanzarían durante su trayectoria musical. Aunque como ya hemos señalado, el historiador de cine Stephen Glynn, A Hard Day's Night, señaló que la película fue concebida como "una película de explotación de bajo presupuesto para aprovechar la última locura musical breve por todo lo que valía". 

La película obtuvo algunos Premios. Por lo pronto dos nominaciones al Oscar al Mejor guión original para Alun Owen yy a la mejor banda sonora (adaptada) para su productor George Martin. Y en los Premios BAFTA fue nominada a Mejor promesa (Lennon, McCartney, Ringo & Harrison).

Fue exitosa tanto financieramente como en la crítica. En 1999, el British Film Institute la clasificó como la 88ª película británica más importante del siglo XX . La película está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editada por Steven Schneider. 

La revista Time la consideró en 2005 como una de las 100 mejores películas de todos los tiempos. Y en su momento dijo de ella que era «Una de las más suaves, frescas y más divertidas películas que jamás se han hecho con fines de explotación.»

En 2004, la revista Total Film nombró a A Hard Day's Night como la 42ª mejor película británica de todos los tiempos. Es más Richard Lester recibió un premio de MTV como "Padre del video musical", con eso está dicho todo. 

No olvidemos que el rodaje de clips musicales ha sido campo de experimentación para muchos directores antes de llegar al cine, mientras que otros han vivido por momentos del rodaje de los videos musicales. 

El crítico británico Leslie Halliwell la describió como una «fantasía cómica con música; un enorme éxito comercial con el director probando cada mordaza cinematográfica en el talonario» El crítico británico señaló que " los elementos visuales y el argumento fueron la inspiración de la serie de televisión The Monkees. El estilo del segmento de «Can't Buy Me Love» fue copiado de la anterior película de Richard Lester, The Running Jumping & Standing Still Film, mediante la innovadora técnica de cortar las imágenes al ritmo de la música, que ha sido citado como un precursor de los videos musicales modernos". 

Peter Bradshaw en The Guardian señaló que se trata de "Una fantasía traviesa y evocadora (...) Captura el espíritu de la época y la banda es tan poco consciente de sí misma a la hora de actuar que acaba teniendo valor documental (...)" 

Otro británico, Robbie Collin, en Telegraph sostuvo que "Su visión del país y de la fama es tan peculiar y vívida como lo fue hace medio siglo y todo se mantiene extremadamente divertido (...)" 

Geoffrey Macnab en The Independent comentó la película "Ofrece una visión perfecta de los Beatles y un retrato interesante de la cambiante sociedad británica de los años 60" 

David Parkinson en Empire dijo de ella que "Cambió la presentación visual del pop para siempre (...)" 

En la revista estadounidense Village Voice Andrew Sarris escribió sobre ella que A Hard Day’s Night era «la Citizen Kane de los jukebox musicales.» 

Roger Ebert del Chicago Sun Times describió a la película como «Uno de los grandes hitos confirmados en la historia del cine» y otorgándole a Lester una influencia más importante, incluso de construir una «nueva gramática cinematográfica: «[Lester] influyó en muchas otras películas. Hoy, cuando miramos la televisión y vemos el corte rápido, cámaras de mano, fragmentos de diálogos intercalados rápidamente, música acompañando a un documental y todas las demás cosas modernas, estamos mirando a los chicos de A Hard Day's Night.» Y añadió "Es inteligente, irreverente, no se toma a sí misma demasiado en serio y además está grabada y editada por Richard Lester en un blanco y negro electrizante (...)" 

El mítico crítico de cine Bosley Crowther del New York Times señaló que la película era una sátira sutil sobre la imagen del rock and roll (y The Beatles, en particular) como fuente de rebelión juvenil y el desafío de la autoridad. The Beatles se presentan como unos simpáticos muchachos que están constantemente asombrados por la atención que reciben y que no quieren nada más que un poco de paz y tranquilidad, sin embargo, tienen que hacer frente a las multitudes gritando, a los periodistas que hacen preguntas sin sentido, y a figuras de autoridad que constantemente los miran con desprecio. En realidad su mayor problema es el viejo, pero limpio abuelo de McCartney, interpretado por Wilfrid Brambell" 

Y en The New Yorker otro mítico crítico neoyorquino Brendan Gill escribió: "Aunque no pretendo entender qué es lo que hace que estos cuatro chicos de aspecto extraño sean tan fascinantes para tantos millones de personas, admito que siento una cierta alegría sin sentido invadiéndome mientras se distraen al pronunciar sonidos. " .

En el Excélsior de México Lucero Solórzano afirmó que "'A Hard Day’s Night' marcó todo un parteaguas y fue muy bien recibida por el público y la crítica." 

Por mi parte decir que la película es entusiasta, tuvo que ser rompedora en su momento, especialmente en lo narrativo pues juega con las cámaras y los distintos puntos de vista para ver una canción desde posiciones distintas como en una escena panorámica de 360 grados de la cámara alrededor de Sir Paul McCartney durante su interpretación de "And I Love Her" que se logró colgando la cámara de cuerdas al estilo de una marioneta y moviéndola en un círculo alrededor de McCartney. 

La película es un retrato de un grupo magníficamente fotografiado por Gilbert Taylor y fantásticamente editado por John Jympson, y un relato alocado, fresca, vivo, juvenil, divertida, en el que es cierto que hay elementos propios del momento del estreno- el papel del desatado abuelo de Pauli, un viejo verde, o limpio o sucio, según se vea- . Es además el nacimiento del videoclip, una revolución para acercar la música a la imagen de un grupo, una herramienta de marketing eficaz. 

Es un falso documental de un momento esencial para la historia de la música pop. Un relato de un momento que se completa tanto con la citada Yesterday o con ese docuemtal sobre John Lennon, que nos aleja y nos acerca al grupo, Imagine. Una película para alegrarte la vida y para pasar una buena tarde, o una buena noche o , incluso, un buen día. ¡Qué quieres más!

Robin y Marian

Juegos de amor a una edad tardía, manzanas maduras, miradas al pasado recordando una historia de amor y amistad. Y hacerlo de manera sutil, elegante, con dosis de comedia que tiene un punto de amargura , pero sobre todo de melancolía es de agradecer, y mucho. La escena final que nos guarda esta joya del cine que se mueve entre la aventura, la comedia, la épica y , al final, la tragedia es todo un monumento al buen hacer del director nacido en Philadelphia (Pennsylvania, EE.UU.) en 1932 Richard Lester que optó por que una historia de amor acabara en una historia de muerte. 

El hecho de que Marian , una eterna Audrey Hepburn proporcione a su amado Robin , otro eterno Sean Connery- una buena muerte menos dolorosa que la sufrida por el rey Ricardo al inicio de la película y ambos esperen juntos y resignados su inminente destino , la intención de este Robin que peina canas en la barba, ya casi sin pelo, tense por última vez su arco y la idea de pedirle a su viejo e inseparable amigo Little John que entierre a ambos donde caiga la flecha nos hace mirar a todos como espectadores ese vuelo final y eterno de una flecha a la que nos quedamos mirando mientras suena la impresionante música de John Barry . Para acabar el director acaba con una imagen muda de unas manzanas ya maduras y apagadas y no verdes en un mismo plano que ya reconocimos al inicio de la película. Una auténtica obra de arte por esto y por todo lo demás. 

Lo cierto es que Robin y Marian o Robin and Marian es una película tan pequeña como gigante una de las más bellas del director estadounidense , pero asentado en Gran Bretaña, Richard Lester que se había hecho famoso en los sesenta al llevar al cine como director las dos primeras películas que protagonizaron los Beatles: ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y Help! (1965). 

Ambas le hicieron enormemente popular en virtud de su experimental puesta en escena —excesivamente entroncada con la estética del spot publicitario. Aquel mismo 1965 fue el año en que hizo una adaptación cinematográfica de la obra teatral de Ann Jellicoe El Knack y cómo conseguirlo se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1965.

A esta siguió A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, aquí conocida como Golfus de Roma (1966),inspiradas en los textos escritos por el comediógrafo latino Plauto , alguna comedia más como Petulia (1968) que contaba ya con la música de John Barry , alguna película de catástrofes como una que ya pasó por aquí El enigma se llama Juggernaut, u otras de aventuras como Los tres mosqueteros y Los cuatro mosqueteros (1973 y 1974).

A estas siguieron Royal Flash (El cobarde heroico, 1975) o The Ritz (El Ritz, 1976). Y ese mismo año estrenó Robin y Marian. A estas siguieron otras como Cuba (1979), Buth and Sundance: The Early Days (Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid, 1979), Superman II (1980), Superman III (1983), quedando como últimas obras la comedia Finders Keepers (1984), El regreso de los mosqueteros (1989), el documental Get Back (1991) y retirándose definitivamente de la dirección en 2008.

En este caso la película contó con la producción de Denis O'Dell y Richard Shepherd amparados por la Productora Rastar y la Columbia Pictures en la distribución contando con un presupuesto de $ 5,000,000.

La película parte de un magnífico guión escrito por el estadounidense James Goldman, hermano del novelista William Goldman, autor de guiones como The Lion in Winter ( 1968), Nicolás y Alexandra (1971) o Noches blancas (1985).

En el apartado técnico destaca la fotografía de David Watkin rodada en Panavision y Technicolor , la música John Barry, el montaje de John Victor-Smith y la escenografía de ese gigante que era Gil Parrondo.

El elenco lo encabezan Sean Connery como Robin Hood, Audrey Hepburn como Lady Marian, Robert Shaw como el sheriff de Nottingham, Richard Harris como Ricardo Corazón de León y Nicol Williamson como Little John.

Junto a ellos aparecen Denholm Elliott como Will Scarlett, Kenneth Haigh como Sir Ranulf de Pudsey, Ronnie Barker como el fraile Tuck, Ian Holm como Juan I de Inglaterra, Bill Maynard como el Mercader, Esmond Knight como el viejo tuerto del castillo, Veronica Quilligan como la hermana Mary, Peter Butterworth como el cirujano, John Barrett como Jack, Kenneth Cranham como el aprendiz de Jack, así como un grupo de actrices españolas encabezadas por Victoria Abril como Isabel de Angulema, y las monjas Montserrat Julio , Victoria Hernández Sanguino y Margarita Minguillon .

Desilusionados por los años que perdieron luchando como cruzados en Tierra Santa, Robin Hood y su amigo regresan a Inglaterra y se dan cuenta de que todo ha vuelto a ser como antes. ( Robin Hood (Sean Connery) vuelve de las Mientras tanto, Lady Marian (Audrey Hepburn) ha ingresado en un convento. El reencuentro es inevitable, pero nada es como antes.

Una manzanas verdes, junto a alguna algo madura, dan inicio a la historia que nos presenta a un envejecido Robin Hood que retorna a Gran Bretaña junto a su viejo amigo Little John  (Nicol Williamson ). Ambos han estado en las cruzadas  luchando junto a Ricardo Corazón de León (Richard Harris) , pero la guerra los ha devastado en lo físico y sobre todo en lo moral. Están cansado de la violencia, de la lucha sin sentido, de la barbarie y del fin de las ilusiones y los grandes y sublimes objetivos.

Robin y Little John se encuentran en ese momento en Francia . Ahora Robin Hood, capitán de confianza del Rey Ricardo Corazón de León en Francia ,  no quiere cumplir con lo que le ha ordenado el rey Ricardo: tomar un castillo en el que se rumorea que hay  oro.

Tras lanzar una enorme piedra con una caapulta, descubren que el castillo es defendido por un anciano solitario y tuerto (Esmond Knight) que alberga a mujeres y niños. El anciano le dice que lo único  que hay de valor  es una estatua que no tiene valor pues es de piedra. Ante esto y negándose a cometer una tropelía más,  Robin y Little John, se niegan a atacar.

El rey Ricardo o Richard enojado por su insubordinación, ordena la ejecución de la pareja y el castillo es atacado, pero antes del ataque el anciano lo hiere mortalmente con una flecha que le da en el cuello.

Richard masacra a los indefensos salvo al anciano, porque a Richard le gustan sus ojos. El rey se ofrece a dejar libre a Robin siempre que ruega por su vida. Cuando Robin , que ha intentado escapar por una ventana previamente, se niega, Richard saca su espada, pero al haber sido herido y desangrarse, le falta fuerza para golpearlo y cae al suelo. Robin ayuda al rey moribundo y, movido por su lealtad, Richard libera a Robin y Little John.

Robin y Little John regresan a Inglaterra y van a sus antiguos predios, al bosque Sherwood. Al llegar buscan espacios reconocibles en los robles del lugar . Escuchan un ruido procedente del bosque. Piensan que es un ciervo, sin embargo son dos cazadores furtivos que resultan ser sus viejos amigos Will Scarlet  (Denholm Elliott ) y el Fraile Tuck  (Ronnie Barker  ) que como pobres que son siguen viviendo al margen de la ley en el Sherwood Forest .

Tras abrazarse estos les cuentas las hazañas de Tierra Santa que han escuchado y que  se han vuelto legendarias. Robin y Little John las humanizan. Cuando Robin le pregunta casualmente por Lady Marian, le dicen que todavía está viva y dónde vive. Robin decide en ese momento ir a verla.

Cuando él va  a la granja  en la que ella se encuentra , ahora transformada en una pobre abadía, la  encuentra tan viva como siempre . Lady Marian (Audrey Hepburn) sigue siendo tan bella y tal altiva como antaño. Sorprendida de ver a su antiguo amigo hay un reencuentro , pero ella le echa en cara el silencio durante todos estos años y las dificultades pasadas. Ahora ella es la abadesa del lugar y sabe que nada ha cambiado. Se entera de que su antiguo enemigo, el Sheriff de Nottingham (Robert Shaw), le ha ordenado su arresto en respuesta a la orden del nuevo Rey , Juan sin Tierra (Ian Holm) de expulsar a las autoridades  de la Iglesia Católica Romana de Inglaterra.

Descubrimos que el sheriff de Nottingham sigue poniendo "orden" en el territorio y entrenando a sus hombres. Ahora el Sheriff  ordena el arresto de Marian,

Marian no quiere problemas, pero Robin la rescata contra su voluntad, golpeando a Sir Ranulf  (Kenneth Haigh ) , el enviado del Sheriff, en el proceso. Tras eso se entera que las compañeras de Lady Marian están presas en Nothingham, así que Robin y Little John tras robar un carro se dirigen al castillo.

Nada más llegar, aunque se hacen pasar por comerciantes son descubiertos por el mismo Sheriff que les prepara una trampa- Sin embargo, Robin y Little John logran rescatar a las monjas, que han sido encerradas en el castillo del Sheriff.

Tras una lucha a muerte con algunos de los guardas del castillo logran escapar "in extremis" saltando desde las murallas a un carro de heno.

Marian y las monjas van en un carro que se hunde en un arroyo , pero son auxiliados por Robin y los suyos, produciéndose un acercamiento físico y espiritual entre la ex pareja.

Ignorando las advertencias del Sheriff, Sir Ranulf ordena la persecución de Robin en el bosque, pero allí son emboscados por Robin, Little John, Scarlet y Tuck que acaban con varios de los que se persiguen muertos por sus flechas. No obstante, Sir Ranulf queda ileso solo porque Robin le ordena que sea liberado con un mensaje: que no entren los hombres del Sheriff en el bosque, espacio libre para aquellos que huyen.

Cuando la noticia del regreso de Robin se extiende,  algunos viejos camaradas y nuevos reclutas se reúnen una vez más junto a él.

Por su parte, Sir Ranulf le pide al rey John (Ian Holm) que están guerreando ¿en Francia? junto a su joven esposa Isabelle ( Victoria Abril) 200 soldados para tratar de detener a Robin.

Cuando Sir Ranulf llega a Nottingham su Sheriff le dice el dirige la tropa de 200 soldados para derrotar a Robin y los suyos.

Sin embargo, la estrategia del Sheriff de Nottingham es esperar en los campos limítrofes del Bosque, sabiendo que Robin no podrá resistir indefinidamente la tentación de atacar, a pesar de que el terreno abierto,  es desfavorable para sus  hombres no entrenados en guerra abierta y superados en número en comparación con los soldados entrenados del Rey.

Cuando Robin , tras algunas escaramuzas, lo hace y se encara con el enemigo ,  él propone que él y el Sheriff luchen en un combate individual , a pesar de las protestas de Sir Ranulf.

Aunque Robin parece ser el más fuerte al comienzo de la pelea, queda claro que el Sheriff es más que un rival para él. Finalmente, el Sheriff , aunque inicialmente es herido, va agotando al envejecido Robin al que también hiere y exige su rendición. Negándose, Robin, herido de muerte,  logra matar al Sheriff con sus últimas fuerzas.

Tras eso los 200 hombres dirigidos por Sir Ranulf  atacan y dispersan a los hombres de Robin, muchos de los cuales son capturados o asesinados. Will Scarlet y Friar Tuck son capturados pero Little John logra matar a Sir Ranulf. John y Marian llevan a Robin a su abadía , donde ella guarda su propia medicina.

Ella prepara una pócima, pero a la que agrega veneno, tomándola ella y entregando el vaso a Robin , quien cree que se recuperará para ganar futuras batallas.

Mientras Little  John hace guardia afuera mientras Marian atiende las heridas de Robin. Marian  tras beber se la entrega a Robin quien bebe y nota que el dolor se ha ido , pero  que sus piernas se han adormecido. Al darse cuenta de que ella los ha envenenado a ambos, él llama a voces a Little John. Sin embargo, llega a comprender que Marian ha actuado por amor porque nunca volvería a ser el mismo hombre. Ella le dice: "  te quiero. Más que todo lo que sabes. Te amo más que a los niños. Más que a los campos que he plantado con mis manos. Te quiero más que las oraciones de la mañana o la paz o la comida para comer. Te amo más que la luz del sol, más que la carne o la alegría, o un día más. Te amo mas que a Dios".

Robin y Marian intentan tocarse las manos mientras entra Little John que rompe  la puerta y llora junto a la cama de Robin. Robin le pide  a Little John  su arco y dispara una flecha desde su lecho de muerte a través de la ventana abierta, y le dice que los entierre a ambos donde aterriza.

La flecha se eleva fuera de la ventana en la distancia mientras las manzanas maduras , ya en descomposición están en el alféizar de la ventana mientras suena , como durante toda la película, la música de John Barry.

La película de Lester originalmente se titulada The Death of Robin Hood, pero fue modificado por Columbia Pictures para que tuviese un título más comercial.

Los productores originalmente querían que Albert Finney interpretara a Robin, y Sir Sean Connery que interpretara a Little John. La viuda de Denholm Elliott , que aquí interpreta a Will Scarlett detalló  que  durante la producción mientras que Sir Sean Connery y Audrey Hepburn eran perfectamente manejables, no fue así por la actitud de Robert Shaw, Nicol Williamson y Richard Harris que generaron tensiones durante el mismo, según su libro sobre su difunto esposo.

La película fue rodada entre mayo y julio de 1975 en distintos puntos de España como en Zamora, en concreto en el Castillo de Villalonso así como en las localidades de la actual Comunidad Foral de Navarra como en los recintos medievales de Artajona,  Quinto Real y Orgi así como en paisajes de la Sierra de Urbasa todos en Navarra.

La película supuso el regreso a la actuación cinematográfica de la actriz Audrey Hepburn ,desde Sola en la oscuridad (1967), tras ocho años de ausencia. Se dice que la rodó por la insistencia de sus hijos que al enterarse se enteraron de que Sir Sean Connery había sido elegido como Robin Hood, le rogaron a su madre que hicera el papel, para que ella pudiera actuar con "James Bond".

Richard Harris aceptó interpretar el papel de rey Ricardo Corazón de León como un favor a Sir Sean Connery , de quien se había hecho amigo mientras filmaba Odio en las entrañas (1970). Curiosamente Connery hizo un cameo como Rey Ricardo Corazón de León en Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991).

El actor Esmond Knight que aquí vemos sin ojo de cristal perdió su ojo en el servicio activo en el mar durante la batalla del estrecho de Dinamarca en 1941. Por su papel en las escenas iniciales, se quitó el ojo de cristal.

Estamos en una comedia que combina la amargura y el romanticismo. El mismo director Richard Lester declaró que " Robin y Marian es una cinta romántica, pero también desmitificadora"

A destacar sobremanera la banda sonora de John Barry, el que fuera el músico más popular de Inglaterra y que ya había colaborado con con Lester en The Knack ... and How to Get It Knack. Desde 1968 había debutado en Hollywood en la película de Lester , Petunia y llega a culminar su obra en 1976, iniciando tras eso su ligera crisis de la que se recuperó como demostró en 1985 en Out of Africa como señala Valls Gorina y Joan Padrol en su obra Música y Cine. Sorprendentemente el director Richard Lester estaba molesto con Barry por la composición en esta película.

La película que se estrenó en los Estados Unidos en marzo de 1976 fue un éxito alcanzando una taquilla que superó los 8 millones de dólares.

En 2002 Robin and Marian fue nominada por la American Film Institute a la categoría AFI's 100 años... 100 pasiones.

En cuanto a las críticas destacan la de Roger Ebert que valoró y mucho el trabajo de Connery y Hepburn como Robin y Marian. Para Ebert, "lo que impide que la película se pierda realmente en su camino, son las actuaciones de Sean Connery y Audrey Hepburn en los papeles del título. No importa lo que piensen el director y el escritor, parece que Connery y Hepburn han llegado. una comprensión tácita entre ellos acerca de sus personajes. Ellos brillan. Realmente parecen enamorados. Y se proyectan como personas maravillosamente complejas, cariñosas y tiernas; el paso de 20 años les ha dado gracia y sabiduría ".

El crítico de Illinois destaca igualmente la fotografía  y dijo que  Lester fotografía la película "con más moderación de las que podría haber usado hace 10 años. Su cámara activa se reemplaza aquí por un ritmo visual más adecuado para la nostalgia agridulce. "Él fotografía Sherwood Forest y sus personajes con un bonito realismo que es mejor que la solemnidad pretenciosa que a veces obtenemos en imágenes históricas".

Ya en España Fernando Morales en El País señala que "Robin Hood vuelve a Sherwood, pero el bosque ya no es lo que era. Deliciosa cinta de aventuras capitaneada por unos sobresalientes Connery y Hepburn. Sin duda, el mejor filme de Lester"

Destaca Pablo González Taboada en Cinemanía que "Es lo más cerca que ha estado nunca la aventura de ser no sólo física, sino también emocional. Un film bellísimo, con uno de los finales más perfectos que recuerdo."

Como se señalaba en Televisión Española cuando en 2013 apostó por presentarla un Ciclo de Cine clásico - ya dice mucho eso- hablaban de la película como película entrañable , en este reencuentro 20 años después y la recuperación de un amor profundo.

Pablo Kurt en FilmAffinity  dice que es un " Hermosísimo y crepuscular filme de Richard Lester. La leyenda de Robin Hood, narrada en otras épocas con briosos aires de aventuras indoloras, se vuelve aquí melancólica, violenta y real. La insólita propuesta es abordar al legendario personaje, en su etapa madura, mecido por maravillosas historias de amor y amistad (estupendos los personajes de Nicol Williamson-Little John y Robert Shaw-Sheriff). Además, de regalo, cuenta con una de las declaraciones de amor (la de Audrey Hepburn a Sean Connery) más conmovedoras de la historia del cine".

Por último Alberto Abuín en Espinof  nos dice que " ‘Robin y Marian’ es el sencillo y sentido título de una película que se adentra en el mito de Robin Hood desde una perspectiva totalmente desmitificadora y en un tono de elegía elucubra sobre las vidas de todos los personajes cuando éstos son ya mayores y no tienen el cuerpo para tantas batallas. Una historia otoñal, una canción triste de acentuados tintes crepusculares en la que Lester —director que efectuó una maniobra similar sobre otras figuras míticas, los mosqueteros de Dumas— se acerca sorprendentemente a un terreno en el que hubiera campado a sus anchas el mismísimo Sam Peckinpah."

A destacar sus grandes e inteligentes diálogos en esta historia nostálgica , desmitificadora y agridulce película con una banda sonora impresionante y conmovedora que hay que ver, al menos, dos veces en la vida por lo menos para emocionarte.

Juggernaut, el enigma

Hasta hace poco no había oído hablar nunca del término Juggernaut. Lo usaban mis hijos cuando jugaban con un juego de la Play 3. En concreto cuando jugaban a los videojuegos Call of Duty Modern Warfare 2 y 3, y en las operaciones especiales aparecen soldados Juggernaut equipados con armas pesadas y blindaje extremo. 

Sin embargo, era una palabra que procede de la anglificación del término sánscrito Yaganatha uno de los nombres por los que se conoce al dios Krisna (avatar del dios Visnú) en la religión hinduista y significa ‘fuerza irrefrenable y despiadada que en su avance aplasta o destruye todo lo que se interponga en su camino’ .Según los relatos de los británicos en el período en que dominaron la India, los adoradores del dios Yaganath se lanzaban bajo las ruedas de un enorme carro de dieciséis ruedas sobre el cual el ídolo de Krisna era transportado durante la procesión anual en el festival Ragha Iatra en Puri, una ciudad en el este de la India a orillas del golfo de Bengala, en la creencia de que así alcanzarían la felicidad eterna. Era por lo tanto una forma de suicidio religioso. 

El sociólogo Anthony Giddens relata el rito del Juggernaut como una procesión en la que la figura adorada era transportada mientras realizaban una trayectoria difícilmente predecible, lo que propiciaba accidentes mortales y la posibilidad de que se saliera completamente del camino. 

No sé si esta es la finalidad pero el caso es que Juggernaut es el título de una película británica del año 1974 que se mueve entre el suspense y la película de catrástrofes en la que un hombre, Richard Harris, lidera un equipo de expertos en destrucción de bombas navales enviados para desarmar varias bombas que han sido colocadas a bordo de un crucero que cruza el Atlántico Norte con destino a un puerto de la costa atlántica de los Estados Unidos. 

Evidentemente, las bombas y los estallidos parciales de las mismas provocan que el barco, por momentos, cambie de trayectoria, más o menos, lo que querían el misterioso bombardero que se autodeclara "Juggernaut". 

La película que fue dirigida por Richard Lester y rodada en el TS Hamburgo en el Mar del Norte fue inspirada por los acontecimientos reales a bordo del QE2 en mayo de 1972 cuando los infantes del servicio especial de la marina británica se lanzaron en paracaídas sobre a la nave debido a una broma en la que se indicaba que en el barco había una bomba. 

Richard Lester es un afamado director norteamericano - todavía sigue vive- y un eficaz director , autor de película de vanguardia en los sesenta como las míticas películas de los Beatles - ¡qué noche la de aquel año! o Help!- , pero también de Golfus de Roma, Los tres mosqueteros , Robin y Marian, Sperman II y Superman III , entre otras que tras 48 años en la profesión decidió retirase en 2008. En este caso para el año 1974 dirigió El enigma se llama Juggernaut, película producida por Richard Alan Simmons y Richard DeKoker para las productoras David V. Picker presents y Two Roads Productions. 

La película se basa en el guión Richard DeKoker y Alan Plater basado en la obra de Richard Alan Simmons. La película fue distribuida por United Artists. La música es de Ken Thorne, mientras que la fotografía lo fue de Gerry Fisher y el montaje de Antony Gibbs 

El reparto estaba integrado por Richard Harris como Teniente Comandante Anthony Fallon, Omar Sharif como capitán Alex Brunel, David Hemmings como Charlie Braddock, Anthony Hopkins como Superintendente de policía John McLeod, Shirley Knight como Barbara Bannister, Ian Holm como Nicholas Porter, Clifton James como Corrigan, Roy Kinnear como director social del buque Britannic, Caroline Mortimer como Susan McLeod. 

Junto a ellos que son los principales aparecen Mark Burns como Hollingsworth, John Stride como Hughes, Freddie Jones como Sidney Buckland / Juggernaut, Julian Glover como Comandante Marder, Cyril Cusack como O'Neil , Michael Hordern como Baker , Jack Watson como el ingeniero jefe Mallicent, Roshan Seth como Azad, Kenneth Colley como Detective Brown, Kenneth Cope como Bridgeman, John Bindon como Driscoll, Ben Aris como El Caminante, Tom Chadbon como contacto de Juggernaut, Gareth Thomas como Liverpool Joiner, Simon MacCorkindale como el timonel , Andrew Bradford como Jim Hardy, tercer oficial, Paul Antrim como Digby, Adán Bridge como David McCleod, Rebecca Bridge como Nancy McCleod, Michael Egan como el Sr. Fowlers, Freddie Fletcher como segundo oficial de radio, Terence Hillyer como Menzies, Barnaby Holme como Christopher Porter, Kristine Howarth como señora Buckland, Victor Lucas como detective, Paul Luty como empleado, David Purcell como primer detective, Eric Mason como segundo detective, Michael Melia como navegador, Doris Nolan como señora Corrigan y Colin Thatcher como Henning. 

Al inicio de la película vemos un trasatlántico, el Britannic , con 1.200 pasajeros a bordo que inicia su salida con destino a un puerto de los Estados Unidos. Sobre el "Pier" hay una ceremonia de despedida que nos permite conocer a un grupo importante de los protagonistas. Vemos que entre los que están en tierra destaca la figura del superintendente John McLeod (Anthony Hopkins) que está allí para despedir a su familia, ya que la hermana su mujer , Susan (Caroline Mortimer) viven en los Estados Unidos. Por contra en el barco,  identificamos al capitán Alex Brunel ( Omar Sharif),  a Barbara Bannister (Shirley Knight) - su amante- , a  una pareja de norteamericanos , los Corrigan (Clifton James), al director social o de animación del buque (Roy Kinnear) y a otros.

Una vez el barco está en la mar, nos enteramos que va a sufrir un temporal, y además el gerente de la compañía que lo ha fletado Nicholas Porter (Ian Holm)  recibe la llamada de un chantajista, persona no identificada con un acento irlandés que se hace llamar Juggernaut, y que le informa que ha puesto siete bombas en un trasatlántico y que exige un rescate o detonará los explosivos por control remoto.

Nada más recibir la llamada conocemos a Anthony Fallon (Richard Harris) y a Charlie Braddock (David Hemmings), dos expertos artificieros, que , coordinados por la policía y el ejército, son trasladados en helicóptero al barco y tienen que rastrear y desactivar las bombas antes de que se acabe el tiempo.

Mientras tanto, en tierra, el superintendente John McLeod (Anthony Hopkins) intenta dar con el chantajista.

Nos enteramos que , efectivamente hay cargas explosivas. De hecho una detona, generando algunos heridas. Conocida la amenaza, un equipo de expertos en explosivos es lanzado desde un avión en paracaídas al barco para intentar encontrar los artefactos antes de que sea demasiado tarde.  Mientras el capitán duda sobre sí avisar a los pasajeros sobre el peligro o silenciarlo. En su fuero interno espera, al igual que el superintendente McLeod, que la compañía pague el rescate exigido de 500.000 libras.

Sin embargo, el propietario de la línea naviera Nicholas Porter ( Ian Holm ) en Londres recibe a gente del cuerpo diplomático y agentes estatales y le imponen la idea de no pagar.

Mientras la policía busca al maniático desconocido que está amenazando a una compañía de navegación para volar una de sus transatlánticas de lujo. Lo cierto es que el "Britannic", ahora en alta mar con 1200 pasajeros, sufre los efectos del temporal cuando llegan el escuadrón especializado  en la detonación de explosivos.

Lo cierto es que aunque todas las bombas - siete tambores de amatol (alto explosivo) - están localizadas, un nivel de habilidad muy alto será necesario para desmantelarlas además de no contar con mucho tiempo , pues está previsto que exploten y hundan el barco al amanecer al día siguiente.

Lo cierto es que la llegada de los paracaidistas encabezados por Anthony Fallon (Richard Harris) y a Charlie Braddock (David Hemmings) no es todo lo satisfactoria , ya que uno de los integrantes del comando cae del barco y queda perdido en el mar.

Tras analizar los tambores Fallon advierte que los tambores están atrapados de diversas maneras y que cualquier intento de moverlos resultará una  detonación que hundiría el barco. Al ver la naturaleza de las mismas comprenden que son producto de un especialista y que las instrucciones técnicas para desactivarlas son muy complejas. Casi prefiere que paguen las 500.000 libras esterlinas .

Además tras saber que ya ha realizado una demostración con una serie de pequeñas bombas en el puente del barco, que hieren  a un tripulante.

El capitán incapaz de ordenar una evacuación de los pasajeros del buque a través de botes salvavidas debido a la fuerte marejada que lo acosa, insiste a la dirección de la línea naviera que es partidario de ceder a la demanda de rescate, sin embargo, la posición de los funcionarios del gobierno británico es absolutamente divergente e informan a la empresa que si lo hace retirará la subvención de funcionamiento ala empresa en consonancia con la política gubernamental de no apaciguamiento del terrorismo .

En cambio, el oficial de la Marina Real , el teniente Anthony Fallon ( Richard Harris ), que lidera una unidad de eliminación de bombas, es consciente de la dificultad en desactivar las bombas antes de la hora límite.

Mientras tanto en Londres, el superintendente McCleod ( Anthony Hopkins ), cuya esposa y sus dos hijos pasan las vacaciones a bordo del buque, conduce la investigación de Scotland Yard contrarreloj para capturar al maestro criminal.

Ante la negativa,  Fallon decide dividir a su equipo y cada hombre trabajará simultáneamente en cada uno de los dispositivos restantes en diferentes puntos alrededor de la nave,

El capitán, ante las múltiples  evidencias de que algo anómalo ocurre, decide informar a los 1.200 tripulantes.  El encargado de llevar la normalidad al barco es el director social y de animación del buque (Roy Kinnea) que organiza un baile de disfraces que , inicialmente, es un fracaso, pero  gracias a la ayuda de la señora Bannister acaba por animarse.

Fallon inicia el procedimiento de la operación de desactivación e informa a sus hombres de cada movimiento de lo que hace por radio enlace, con el objetivo de que si falla y su bomba explota, sus hombres sabrán lo que salió mal y continuar el proceso en adelante, con su segundo al mando y hombre de confianza Charlie Braddock (David Hemmings)

Un error hundiría el barco. Si dos bombas  estallan el barco se hundirá. Ante lo peligrosos de la situción, Fallon procede a desarmar la bomba y avanza aparentemente con éxito, con sus hombres que imitan  cada paso.

Sin embargo, Fallon no advierte que la bomba contiene un mecanismo secundario oculto y uno de sus hombres, su amigo Charlie Braddock ( David Hemmings ), lo activa accidentalmente resultando de ello la explosión y , con ella, la muerte de su amigo, causando además un importante daño en la nave.

Fallon abandona la operación y aconseja al capitán del buque, Alex Brunel ( Omar Sharif ), que envíe la radio a la línea naviera para que pague el rescate y así evitar una mayor carnicería. Fallon busca refugio en el alcohol que guarda el capitán en su camarote. Pero cuando las negociaciones con Juggernaut se rompen en el último minuto, Fallon es ordenado por el Capitán para que continue desarmando las bombas restantes.

Mientras tanto, una extensa investigación policial en Londres intentando identificar al terrorista conocido  como Juggernaut, pero no hay resultados. Sin embargo, un detalle hace que Fallen relacione al terrorista con un ex oficial militar británico especialista en destrucción de bombas, Sidney Buckland ( Freddie Jones ), que además fue instructor de Fallen.

Tras ser detenido es escoltado a la sala de la policía. Después del interrogatorio, él acepta decirle a Fallon - a quien conoce personalmente, habiéndolo entrenado como oficial subalterno - mediante radioenlace para auxiliarle en desarmar las bombas que restan, mientras el tiempo se agota y la detonación del amanecer se acerca rápidamente.

Sin embargo, viendo que apenas quedan tres minutos Fallon le  pide su clemencia sobre la base de su antigua camaradería, Buckland le dice que todo se debe a la miserable pensión que recibe y Fallon le dice que tiene una opción para la redención. Este le dice que corte el clave azul. Pero Fallon, sintiendo que está siendo engañado, hace lo opuesto a lo que le dicen, haciendo así que el dispositivo se pare en el último momento. El resto de la unidad de eliminación de bombas sigue rápidamente su ejemplo, la nave y sus pasajeros se salvan, acabando así la película.

El guión de Richard Alan Simmons se inspiró en una amenaza de bomba de la vida real contra la Reina Isabel II en 1972, que resultó en que las fuerzas de SAS fueron lanzadas en paracaídas al Atlántico para abordar y buscar el trazador de líneas, como se dramatizó en la película.

La película fue la segunda producida por David V. Picker después de que dejó United Artists y originalmente Bryan Forbes iba a dirigir, con Simmons produciendo y Richard Harris a la estrella, con la película que va a comenzar en enero de 1974.

Bryan Forbes dejó el proyecto, sin embargo, al igual que su reemplazo, Don Medford . Picker se volvió entonces a Richard Lester, con quien había realizado varias películas en United Artists. Al asumir la película, Lester reescribió completamente el guión con el escritor Alan Plater .

El escritor / productor de la película, Richard Alan Simmons , estaba tan descontento con el guión reformulado que él mismo había acreditado como Richard DeKoker en la película final.

La producción fue rodada en los Pinewood Studios, sitos en Iver Heath en  Buckinghamshire, así como en el Buque TS Maxim Gorki en el Océano Atlántico que hace de  buque "Britannia" y en los Estudios de cine de Twickenham, St Margarets y en St. Thomas 'Hospital, en Lambeth, en la apital de Inglaterra.

La película fue filmada principalmente a bordo del crucero real TS Hamburg . Recientemente, el buque alemán había sido vendido a la Compañía soviética de transporte marítimo del Mar Negro y renombrado TS Maxim Gorkiy . Antes de que los soviéticos comenzaran a operar la nave para pagar pasajeros, la compañía de producción británica fletó la nave.  Los anuncios se publicaban en periódicos británicos, solicitando extras que tomarían un crucero largo en el Mar del Norte de forma gratuita, pero con el conocimiento de que la nave realmente buscaría el peor clima posible, ya que la historia exigía mares demasiado ásperos para los botes salvavidas

Como resultado, los soviéticos, que pagaron los costos de operación del buque durante la filmación, terminaron perdiendo dinero por el trato.

Algunos rodajes interiores se completaron en los escenarios de Pinewood Studios. El tiroteo de la localización también fue hecho en y alrededor de Londres. Una habitación en el Hospital St. Thomas ' en Lambeth con vistas al río Támesis se duplicó como la oficina del Director Gerente de la línea naviera.

La película fue estrenada el  25 de septiembre de 1974 con el nombre de‘Juggernaut’ aunque en España se presentó como ‘El enigma se llama Juggernaut’ .

Algunos críticos como Carlos Aguilar la consideran como la obra maestra del cine catastrofista. . Se trata un thriller perfecto, lleno de tensión con un guion milimétrico que funciona, en manos de un director tan eficaz como Richard Lester, sustituyendo al inicialmente previsto Bryan Forbes.

Se trata de una buena narración, que sabe llevar un ritmo y a la que ayudan unas interpretaciones adecuadas y ajustadas al suspense  en esa lucha contra el tiempo, unas 16 horas, antes de que el terror y la muerte se adueñen del trasatlántico.

Destaca  la labor del montador Antony Gibbs , y que sorprende por su alternancia de sonido e imagen, logrando una síntesis que además de apoyar lo breve, directo y conciso.

Lester irá intercalando las  acciones en el trasatlántico y en tierra, mientras presenta un dibujo de personajes en el que no está exento la crítica hacia el estatalismo visible en la conversación entre un representante del gobierno y el dueño del barco: -¿Y usted quiere negociar con este tipo de personas? (representante del gobierno) -Ustedes han creado este tipo de personas (Ian Holm , el dueño del barco).

La película presenta  elementos del cine catastrofista tan de moda en la época y de thrillers de los 70 , una época dorada de dicho género como ya hemos visto por aquí El coloso en llamas, La aventura del Poseidón, y a la espera de los múltiples aeropuertos. Para pasar el rato, no está mal.