El hidalgo Hornblower

Aventuras clásicas, de las de siempre , y en el mar con barcos del siglo XVIII para batallas eternas con uno de los directores más longevos y fecundos de la historia del cine, pero también mejor dotados para el cine de aventura. Me imagino que Raoul Walsh era ante todo un magnífico narrador , que posiblemente fuese tan ágil con la pluma como con la cámara pues hay pocos directores en la historia del cine que hayan mostrado tanta capacidad para la narración. Una narración que nunca  decae, que siempre es activa, y en la que introduce magistralmente con un cuentagotas una historia de amor con ese bellezón que era Virginia Mayo y con un tipo serie, pero con porte , como era Gregory Peck. 

Grande, grandísima esta historia de un hidalgo de los mares. Hidalgo en el sentido noble del término más que en sentido nobiliario. Un hombre formal , decente y coherente que da su palabra y que sabe cumplir cuando las órdenes son vagas, imprecisas o , simplemente, no existen. 

El hidalgo de los mares se llamó aquí , pero su tñitulo original era Captain Horatio Hornblower R.N., en el que la sigla «R.N.» corresponde a Royal Navy (Armada Británica).  Se trata de una película de aventuras estadounidense de 1951 dirigida por Raoul Walsh, que la dirige, a sus sesenta y cuatro años, con una energía sencillamente apabullante, y con un sentido casi juvenil del drama. En la producción aparece Gerry Mitchell y el mismo Raoul Walsh respaldados en la productora y distribuidora Warner Bros..

La historia fue escrita por Ivan Goff, Ben Roberts y Æneas MacKenzie aunque se basa en los contenidos de tres novelas del escritor británico Cecil Scott Forester: The Happy Return, A Ship of the Line y Flying Colours. Estas novelas hacen parte de la saga que Scott Forester había dedicado a las aventuras de su personaje ficticio Horacio Hornblower, un capitán de navío de la Armada Británica que combate en los mares al Primer Imperio francés durante las Guerras Napoleónicas. Scott Forester, autor de las novelas, participó en la realización de esta adaptación cinematográfica, lo que no sólo la hace fiel a la literatura original en la que se basa sino que además le da en ocasiones cierto tono introspectivo, inhabitual en este estilo de películas de los años 1950. 

Raoul Walsh, uno de los tuertos de Hollywood, un neoyorkino, hijo de padre irlandés y de madre española y que era conocido por "no haber dejado jamás que la realidad estropeara una buena historia" o como describiera uno de sus biágrafos, Leonard Maltin , un hombre cuya vida era una «ficción divertida con eventualmente algunas concesiones a la verdad» y que comenzó trabajando en la Biograph Company, donde debutó allá por 1912 como actor a las órdenes de David W. Griffith. Trabajó a sus órdenes en El nacimiento de una nación (1915). 

En 1916 es contratado por la Fox Film Company (futura 20th Century Fox), para escribir los guiones de sus películas, y a menudo actuaba también en ellas como protagonista. Por esos años sirvió como oficial en el ejército de Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial. 

No hace mucho pude ver en un documental sobre la historia del cine como en 1924 impresiona en la industria cinematográfica con una obra maestra indiscutible, la innovadora y espectacular El ladrón de Bagdad (1924), interpretada por Douglas Fairbanks y Anna May Wong, que alcanzó un enorme éxito . Toda una película de aventuras en la que aparece una desbordante fantasía y su imaginativa escenografía, cercana a veces al expresionismo del cine alemán. La película, además, experimentaba con el color tintando algunas de sus escenas. 

Walsh fue uno de los 36 profesionales de la pantalla que en 1927 fundaron la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood junto con colegas como Cecil B. DeMille, actores como Harold Lloyd y Mary Pickford y productores como Jack Warner e Irving Thalberg. Su primer film sonoro fue El mundo al revés, comedia musical con Victor McLaglen. 

En los primeros días del sonoro dirigió para la Fox el primer western hablado, En el viejo Arizona (In Old Arizona, 1929). Fue durante la búsqueda de localizaciones para ese rodaje cuando tuvo un accidente de tráfico y perdió un ojo por lo que el film tuvo que terminarlo Irving Cummings. Esto suponía el fin de su carrera de actor pero se entrega a la dirección y el guion. Poco después dirigió, en el espectacular western histórico La gran jornada (The Big Trail, 1930), a un entonces desconocido Marion Morrison, a quien Walsh cambió su nombre por el de John Wayne. 

Continuó trabajando para la Fox hasta 1935, y pasó luego un corto período en la Paramount, hasta 1939, año en que fue contratado por Warner Brothers, productora en la que permanecería hasta 1953 y con la que rodaría muchas de sus obras más recordadas como esta centrada en una aventura marina al igual que El mundo en sus manos (The World in His Arms, 1952) con el mismo protagonista masculino. 

En este caso Walsh se guió por el guión elaborado por Ivan Goff , Ben Roberts y Æneas MacKenzie  aunque siempre bajo la inspiración - y supervisión del escritor británico, aunque nacido en El Cairo, especializado en novela naval Cecil Scott Forester y creador del navegante ficticio Horatio Hornblower, cuyas aventuras desarrollará en 1937 y 1957. A destacar que este género tendrá continuación con las novelas de Patrick O'Brian.

En el apartado musical Walsh contó con la música de Robert Farnon , pero también con la fotografía en Technicolor de Guy Green . En el montaje participa Jack Harris Fy otros técnicos a destacar son  Sheila Graham y Thomas N. Morahan encargados del vestuario.

Reparto Gregory Peck, Virginia Mayo, Robert Beatty, James Robertson Justice, Terence Morgan, Moultrie Kelsall, Stanley Baker, Richard Johnson

En cuanto al reparto lo encabeza Gregory Peck como el Capitán Horatio Hornblower , RN , Virginia Mayo como Lady Barbara Wellesley , Robert Beatty como primer teniente William Bush . A estos se suman Terence Morgan como el teniente Gerard , Moultrie Kelsall como Tercer Teniente Cristal,  James Kenney como el guardiamarina Longley , James Robertson Justice como el marinero Quist , Denis O'Dea como el Contraalmirante Sir Rodney Leighton , Richard Hearne como Polwheal , Michael J. Dolan como el cirujano Gundarson , Stanley Baker como el Sr. Harrison,  Alec Mango como El Supremo / Don Julian Alvarado .

Igualmente a destacar el actor Christopher Lee como el capitán español o Jack Watson (actor) como el Capitán Sylvester .

En el marco de las Guerras Napoleónicas que implicaban el bloqueo continental al comercio británico descubrimos que en 1807 el capitán Horacio Hornblower (Gregory Peck), que está al mando de la fragata de 36 cañones HMS Lydia, de la Armada Británica, y tiene ha de llevar a cabo una misión a un lugar desconocido en el Pacífico.

Es  el Capitán Horatio Hornblower  la única persona que conoce el destino final. Los marineros sólo saben que ya han cruzado el Atlántico y el Cabo de Hornos  y que están en un área sin vientos de Pacífico y que no han tocado tierra desde su salida varios meses atrás.

El hambre, la sed y el escorbuto están haciendo estragos en una tripulación cada vez más mermada  y afectada por las dificultades. Sin embargo, Horatio se muestra firme en sus convicciones y en el cumplimiento de unas órdenes que , poco después nos enteramos que consiste en entregar un cargamento de armas a Don Julián de Alvarado (Alec Mango), autoproclamado El Supremo de Nicaragua y alzado en rebeldía contra España, para distraer fuerzas de los españoles, que se han aliado con Francia, país con el que Gran Bretaña está en guerra.

La intención de "su graciosa majestad" es que Don Julián se convierta en un foco de rebeldía y obligue a la marina española a atender el flanco del Pacífico con prioridad antes que atender sus obligaciones internacionales con los franceses.

Nada más llegar a su destino en Centroamérica  el Capitán Horatio Hornblower  descubre que el aliado que tiene no es de fiar. Está loco esté déspota que considera que “Una ciudad en llamas es una vista maravillosa” y se hace llamar  El Supremo . Como Hornblower indica al primer teniente Bush ( Robert Beatty ), "La guerra engendra aliados extraños".

A su llegada a la fortaleza de El Supremo, le informan a Hornblower que se ha avistado un barco de guerra español mucho más grande y mucho más poderoso que el suyo, el Natividad, un barco  de 60 cañones.

Una vez cumplida su misión, entregar las armas al Supremo, y llenar sus bodegas de alimentos y decide permanecer anclado al otro lado de la bahía , pero cerca. Por la noche Hornblower y su tripulación abordan el barco lo capturan en un sorpresivo ataque nocturno. La captura del navío español La Natividad es todo un éxito, pues se hace sin bajas y sin afectar a este navío de dos puentes y 50 cañones, comandado por un valiente hidalgo (Christopher Lee).

Tras esto cumple , aunque  a regañadientes, a la entrega del barco a Alvarado para apaciguarlo, y se van por caminos separados. Como vemos cumple con lo acordado por él  y se lo deja al Supremo para que invada Panamá, El Salvador y Costa Rica.

Sin embargo, poco después encuentra un pequeño barco español que tras subir en el Lidia le informa su capitán que Inglaterra y España ahora se han convertido en naciones aliadas tras el 2 de mayo de 1808. Las circunstancias ahora se complican cuando el capitán español retenido en el barco le informa que El Natividad ha sido entregado al Supremo con lo que ahora Horatio debe destruir el Natividad y detener al Supremo.

A esto se suma un inconveniente. En el barco español va una ciudadana británica que huye de Panamá ya que en la ciudad ha estallado una pandemia de fiebre amarilla. El problema viene dado por que se ve obligado a recoger y llevar más tarde a Inglaterra a la hermana del Duque de Wellington, Lady Bárbara Wellesley (Virginia Mayo), que los españoles tenían prisionera en la ciudad panameña y su doncella .

Como Lady Barbara es la hermana (ficticia) del Duque de Wellington (un anacronismo , ya que el título fue creado en 1814 y habría sido Sir Arthur Wellesley en este momento), Hornblower no está en posición de rechazar su solicitud de paso a Inglaterra.

Gracias a su pericia hunde el Natividad tras un feroz combate. Derivado del mismo descubre que Lady Bárbara se ha prestado a ayudar a los heridos tras la muerte del médico.

Sin embargo, poco después la noble británica se ve afectada por la fiebre amarilla, y tiene el mismo Capitán que atenderla tras la muerte del médico en la batalla.

Entre Horatio y Bárbara comienzan a surgir fuertes sentimientos en este viaje de retorno, que sin embargo son imposibles, ya que Hornblower está casado y a la espera de un hijo y ella prometida con el almirante Sir Rodney Leighton.

Al regresar a su casa Hornblower se entera de que María, su esposa, ha muerto al dar a luz, dejándole un hijo y una carta de despedida que escuchamos en off.

A pesar de este hecho, no puede casarse con Bárbara, puesto que ésta ya se ha casado con Leighton en Irlanda.

De cualquier manera Horacio Hornblower recibe el mando del Sutherland, un navío de dos puentes y 74 cañones, capturado por los franceses, y con su barco ha de ponerse a las órdenes del Contraalmirante Leighton ( Denis O'Dea ),el marido de Bárbara, que manda una flotilla cuya misión es mantener el bloqueo de la flota francesa para que no pueda avituallar ni socorrer al ejército napoleónico de España.

Tras discutir la acción y Horatio plantear alguna reservas a un Leighton, muy celoso por su relación previa con Bárbara, ya que Hornblower sugiere que quieren apoyar la campaña de Napoleón en la Península Ibérica . Leighton decide cubrir ambas posibilidades separando un barco para patrullar la costa francesa. se cambia el diseño de la acción de guerra, que iba a centrarse e el Mediterráneo; aunque a propuesta de Hornblower se realiza frente a las costas de Francia , ya que sospecha que allí han ido a parrar los barcos huídos. Cuando se entera de que Sutherland de Hornblower es el más adecuado para esta tarea, teniendo el borrador más superficial, sospecha que Hornblower busca la gloria y el premio en metálico .

Por lo tanto, Leighton prohíbe expresamente a Hornblower emprender cualquier acción independiente si mira a los franceses.

El barco de Hornblower construido en Francia es confundido posteriormente con un barco amigo por un pequeño bergantín francés, que vuela la señal de reconocimiento del enemigo para el día.

Después de capturar el barco, Hornblower descubre al interrogar a su capitán que estaba transportando suministros del ejército a los cuatro buques de guerra para su uso en España.

En lugar de regresar al escuadrón, Hornblower envía el bergantín con noticias y decide entrar en el puerto enemigo, donde los barcos franceses están anclados y custodiados por un fuerte bien armado.

Al volar una bandera francesa y la señal de reconocimiento y aprovechando la apariencia del diseño francés de su barco, Hornblower engaña a la guarnición para que crea que Sutherland es amigable. Sus equipos de armas disocian a las cuatro naves enemigas antes de que los cañones franceses obliguen a los británicos a abandonar Sutherland . Hornblower motea su barco en el canal, embotellando los barcos franceses. Efectivamente tras localizarlos en una rada atlántica el Capitán hunde los cuatro barcos franceses, que habían eludido dicho bloqueo, a costa de perder el suyo. Aunque el resto del escuadrón británico llega para completar el trabajo,

Pero con todo son capturados Hornblower y Bush, acompañados por el marinero Quist ( James Robertson Justice ), un marinero que se enroló en la anterior expedición para redimir sus penas con la justicia,  y llevados en carruaje a París para ser juzgados por piratería .

Pero con la ayuda de su primer oficial, el Tte. Bush, y de Quist, logra evadirse y conquistar La Bruja de Endor, un navío inglés capturado por los holandeses, aliados de Napoleón.

Tras deshacerse de los capitanes holandeses y hacerse pasar con capitanes franceses liberan a una tripulación británica prisionera, por lo que a su regreso a Inglaterra es aclamado como un héroe nacional. Su felicidad es completa cuando, poco después de ser elevado a Comandante,  pide permiso para ver a su hijo y allí coincide con Lady Bárbara se ha quedado viuda.  Allí los dos se abrazan y acaba la película.

El film se rodó en estudios dentro del Reino Unido, en Mermaid Street en Rye,  en East Sussex , en el HMS Victory y en Francia. Para ahorrar costes se utilizaron decorados de de la Hispaniola perteneciente a La isla del tesoro (película de 1950) como la fragata HMS Lydia y la fragata italiana Marcel B. Surdo representó a La bruja de Endor (The Witch of Endor) en las escenas de exteriores. La Marcel B. Surdo aparecería también en otras películas de aventuras en la mar como The Crimson Pirate, The Master of Ballantrae, y John Paul Jones. Los efectos especiales y explosiones fueron supervisados por Cliff Richardson.

Fue la Warner Bros. la que adquirió los derechos cinematográficos de las tres primeras novelas de Hornblower , Beat to Quarters , A Ship of the Line y Flying Colours ,   tres de las historias de C.S. Forester que sirvieron como base para este filme de Raoul Walsh, todo un maestro del cine de aventuras en las que juega un papel esencial su protagonista, Gregory Peck,  un actor versátil, capturando la esencia del personaje y la atmósfera de la época. Curiosamente, el no fue la primera opción de la productora. Y es que "El hidalgo de los mares" fue concebida como vehículo de lucimiento de Errol Flynn. Sin embargo, el fracaso financiero en 1948 de "El burlador de Castilla o Adventures of Don Juan" y las dificultades que puso el actor, hicieron que fuera apartado del proyecto. Después se pensó en Burt Lancaster, pues la Warner quería convertirle en su nueva estrella de capa y espada, pero no creyeron que fuera idóneo para encarnar a un capitán inglés.

Finalmente, el productor David O. Selznick ("Lo que el viento se llevó") ofreció a Peck a cambio de salir en los créditos.

Fue complicado elegir a su compañera. Al final  fue a parar a Virginia Mayo ("Los mejores años de nuestra vida"), después de que muchas actrices británicas de primer nivel rechazaran el papel de Margaret Leighton .

La película  tuvo su estreno mundial en presencia de la Princesa Margaret en el Warner Theatre, Leicester Square de Londres, el 12 de abril de 1951. El estreno fue en ayuda del Fondo para Marineros de King George y el llamado "Foudroyant" (la actual fragata restaurada rebautizada HMS Trincomalee de Hartlepool.)  Fue la novena película más popular en la taquilla británica ese año y consiguió en taquilla unos $ 2.75 millones y Raoul Walsh un nuevo éxito en una de sus películas de aventuras. Uno más.

La crítica considera en palabras de Augusto M. Torres en el dccionario Espasa  "Una de las películas de aventuras más sólidas de la Warner"

En Fotogramas se dice de ella que es un "Excelente film de aventuras, basado en una novela de C.S. Forester, que se beneficia de una construcción muy sólida y de un envidiable sentido del ritmo narrativo. Pertenece a una concepción del espectáculo ya superada, pero que sigue manteniendo un gran vigor. Su reparto cuenta con un gran número de secundarios de campanillas (Christopher Lee, Richard Johnson, Stanley Baker...)

Para Adrián Massenet, editor  en Espinoff, nos  habla de "aventura marina, con alto componente bélico, pero también cómico y romántico". Se trata de " una de las películas en las que la épica aventurera de grandes navíos, combates navales, romanticismo exacerbado, sensación de que la pantalla se adueña casi del mundo entero (desde las costas de América Central, hasta las calles de la Europa de principios del siglo XIX)". Y continúa diciendo que "es una sensacional película de aventuras, una de las más ejemplares que se han filmado nunca en cuanto a combates navales, reconstrucción histórica, guión, técnica, y por ello goza de un merecido prestigio, pues es de referencia ineludible para todos los que después han intentado narrar aventuras marinas, de capitanes intrépidos, ambientes exóticos y pura estirpe marinera inglesa.(...) Sin duda, una aventura inolvidable, superlativa, que nos devuelve a la infancia y a la sensación de que el mundo es nuestro"

Con este película Walsh, volvía a mostrar su grandísimo talento como narrador de historias que eran acompañadas por una magnífica y brillante fotografía de Guy Green, unos coloridos trajes y por una banda sonora que no deja de acompañar y que nunca sobra. Así como de la escenografía cuidada y acertada de Tom Morahan que dan un fondo magnífico a las grandes batallas entre barcos.

Buen trabajo el de  Gregory Peck  que trasmite solidad profesional y humana  y una bellísima Virginia Mayo, en pleno esplendor de su carrera. A destacar la presencia de un actor joven llamado Christopher Lee como capitán español.

Todo en ella es como la buena lengua: breve o corte en el número de planos y secuencias , clara en la historia y concisa. Para que más si es ya todo un placer.

Thomas Crown, pura geometría

Todo cuadra, o mejor dicho todo se encuadra. Esa es la virtud y el defecto de Thomas Crown, una película que hoy viene a ser un clásico del dinero de robos dado el virtuosismo visual que despliega, pero que , supongo, no deja de ser hoy tan frío como ayer. La película tiene sus virtudes, visuales y sonoros, muchas, pero es el guión tan encopetado lo que le pierde.

Había visto la nueva versión, la del año 1999 con Pierce Brossnan como protagonista, junto a René Russo como el investigador de seguros y Denis Leary como el detective y con John McTiernan en la dirección, pero me transmitió más o menos la misma impresión de buen espectáculo, pero con la misma poca chispa.

En este caso la película la dirige la produce el canadiense Norman Jewison realizador de grandes películas entre los 60 y 70 como la irónica ¡Que vienen los rusos!, El violinista en el tejado, Jesucristo Superstar o En el calor de la noche. Durante los 80 hasta hoy Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos como Agnes de Dios con Jane Fonda y Anne Bancroft, Hechizo de luna (Moonstruck, 1987), que supuso el Oscar para Cher, o Huracán Carter (The Hurricane, 1999) con telefilms. En 1998, fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda una carrera y en 2004, Norman Jewison publicó su autobiografía, titulada This Terrible Business Has Been Good to Me (que significa en español, «Esta terrible profesión ha sido buena conmigo»). Hoy cuenta con 91 años.

Para aquel momento contó con el apoyo de la productora de Waler Mirisch , la Mirisch Company o Corporation, junto a Simkoe y Solar Productions y la distribución de la United Artists. la inversión llegó a los $4,3 millones. ​ 

La película partió de un guión de Alan R. Trustman. Para la misma contó con la fotografía de Haskell Wexler, el montaje de Hal Ashby, Ralph E. Winters y Byron Brandt así como la banda sonora compuesta por Michel Legrand. Uno de los temas de la película, "The Windmills of Your Mind" cantada por el actor Noel Harrison , hijo de Rex Harrison , que escuchamos en un par de ocasiones en la película tuvo su premio. 

El reparto lo integra Steve McQueen como Thomas Crown, Faye Dunaway como Vicki Anderson y Paul Burke como el detective Eddie Malone. A ellos se suman Jack Weston como Erwin Weaver, Gordon Pinsent como Jamie McDonald, Biff McGuire como Sandy, Yaphet Kotto como Carl, Addison Powell como Abe y Astrid Heeren como Gwen. 

La historia comienza respondiendo a un los cánones de la geometría en ella vemos como recorre en un encuadre perfecto un pasillo que se abre desde un fondo negro en el que poco a poco va apareciendo un hombre Erwin Weaver (Jack Weston) que entra en una habitación en la que queda deslumbrado por un foco. Cegado por el mismo no ve a su interlocutor un hombre que lo contrata para realizar un trabajo. Lo único que se le exige es que cumpla lo pactado y se le pagará un dinero. 

Poco después conocemos a un hombre de negocios que está cerrando la venta de una de sus empresas una inmobiliaria a un grupo inversor. Se trata de Thomas Crown (Steve McQueen), un millonario hombre de negocios y deportista, de Boston, un hombre que se ha hecho a sí mismo, que vive en una casa de tres pisos , solo pues se ha divorciado de su mujer y esta se ha quedado con sus hijos, pero que se aburre de la vida que lleva. 

Para huir de la rutina, prepara un golpe perfecto: robar un banco y meter el dinero en un banco suizo. Para ello reúne a un grupo de delincuentes, integrado entre otros por el citado Erwin Weaver que hará del conductor del vehículo que se ha comprado , un Ford, cumpliendo las órdenes de Crown. 

A esto se suman un impaciente Carl (Yaphet Kotto) así como otros tres delincuentes que roban de manera coordinada el banco, aunque entre ellos no se conocen y han sido coordinados telefónicamente por Crown. 

Tras cometer el crimen perfecto haciendo que cinco hombres roben 2.660.527,62 dólares de un banco de Boston y tiren el dinero en un cubo de basura en un cementerio siendo depositado allí junto a la matrícula falsa un nervioso Erwin y recogido con cautela por Thomas Crown. 

Tras dejar unos días , para que investiguen los miembros del FBI e interroguen a los muchos testigos, sin fruto alguno el millonario deposita esos casi tres millones de dólares anónimamente en un banco de Ginebra sin dejar pistas entre otros cosas porque nadie lo puede relacionar ya que nunca se ha visto cara a cara con ninguno de los cinco, ni antes ni después del crimen, y ellos no se conocen entre sí. Thomas Crown hará varios viajes, nunca depositando el dinero de una sola vez para no atraer una atención indebida a sus acciones. 

El consorcio del seguro está tan crispado que dada la ineficacia de la policía da la orden de que de esclarecer el caso se ocupará una investigadora de una compañía de seguros de nombre Vicki Anderson (Faye Dunaway), una investigadora independiente de una aseguradora. 

Ella nada más llegar a Boston recibe la tarea de investigar el atraco y recibirá un porcentaje del dinero robado si lo recupera ( 10 %). 

Una vez contactado con el jefe de policía el detective Eddie Malone (Paul Burke). Al principio no hay pista alguna pero ella deduce que el crimen perfecto ha sido organizado por alguien muy inteligente que ya tiene dinero y que conocía la entidad y el edificio. Llegan a la conclusión de que el hombre que reúne todos los requisitos para el mismo es Thomas Crown que atrae su atención como posible sospechoso, ella le reconoce por intuición como el cerebro de la operación. 

Lo cierto es que Thomas no necesita el dinero, pero sí algo de diversión. Juega al polo y al golf, pilota un planeador y conduce un buggy, triunfa en los negocios, pero se aburre desesperadamente. 

Desde el primer momento en que entran en contacto, un partido de polo, y seguidamente una subasta benéfica, Vicki le deja claro que sabe que el ladrón es él y pretende demostrarlo. Así comienzan un juego en el que hay una evidente atracción entre ambos, y su relación pasa pronto a ser amorosa, lo que complica el juramento de Vicki de encontrar el dinero y ayudar al investigador de policía, el detective Eddie Malone (Paul Burke) a llevar a los culpables ante la justicia. 

Una oferta de recompensa ideada por Vicki anima a la mujer del conductor del grupo de ladrones, Erwin Weaver (Jack Weston) a delatarle. Para ello secuestra a su hijo y , luego, dadas las evidencias - tiene un dinero escondido en una caja de seguridad y se ha comprado un coche que no puede pagar- Vicki descubre que este hombre nunca vio le contrató. Intenta poner a Erwin en la misma habitación que Thomas, pero no hay signos de reconocerse por parte de ninguno de los dos. 

Sin embargo, Vicki está convencida de la responsabilidad de Thomas. Este juega con ella. La lleva a cenar o la playa y la pasea con su buggy, tontea con otra mujer para desesperación de ella e incluso invade la casa con una justificación absurda, un cambio de alfombras, pero la intensidad de su relación va a más y a la cama. 

Una noche un aburrido Thomas, sabedor que tiene a la policía delante de su casa día y noche, se escapa de su apartamento y se acerca sigilosamente al detective que lo observa desde la acera, Thomas lo golpea, lo arrastra hacia un automóvil, lo derrama sobre él, lo desarma y lo deja rodar en un árbol, pero después golpea el árbol, el choque rompe el radiador. Para él todo es un juego. 

Sin embargo, mientras que Vicki claramente se está acercando a Thomas, utilizando el Servicio de Rentas Internas (IRS) como palanca contra sus activos líquidos, la obliga a darse cuenta de que también se está viendo acorralada por sus emociones. Cuando ella aparentemente lo convence de que negocie un acuerdo final con la policía, pero el detective Malone se niega. 

Ante esto Thomas organiza otro robo exactamente idéntico al primero y le dice a Vicki dónde dejará el dinero, porque necesita estar seguro de que ella está de su parte. 

El robo tiene éxito, pero se producen disparos y se sobreentiende ante el espectador que puede haber habido muertos, no quedando clara la decisión de Vicki y elevando el riesgo de su decisión. 

Vicki va con los policías al cementerio donde ven a uno de los ladrones dejar el botín y esperan a que Thomas haga acto de presencia para arrestarle, pero cuando llega su Rolls Royce, en lugar de Thomas como conductor hay un mensajero con un telegrama para ella pidiéndole que le traiga el dinero y se reúna con él, o que si no se quede el Rolls Royce como regalo. Ella rompe el telegrama en pedazos y los lanza al viento, mirando al cielo con lágrimas en los ojos, mientras Crown se marcha volando en un jet. 

La película parte de un guión escrito por el escritor Alan Trustman, que tuvo la idea de esta película cuando estaba trabajando en un banco y pasó sus momentos más ociosos imaginando cómo robarlo. Alan Trustman escribió el tratamiento después de dejar el banco y convertirse en abogado. Según los informes, el documentalista Frederick Wiseman escribió una versión, o contribuyó al guión de esta película, aunque no tiene ningún crédito en la pantalla. 

Norman Jewison y Walter Mirisch originalmente querían que Richard Burton interpretara a Thomas Crown. También se dice que Jean-Paul Belmondo y Rock Hudson fueron considerados estrellas de Thomas Crown. Sin embargo, el duo quedó reducido a Sean Connery y Steve McQueen. 

Norman Jewison quería que Henry Mancini marcara la banda sonora de la película, pero no estaba disponible y recomendó a Michael LeGrand . Esta fue la primera película estadounidense del compositor Michael LeGrand . Durante el proceso de edición, "Strawberry Fields Forever" de The Beatles se usó como una canción original temporal para la escena del planeador. Cuando le pidieron a Michael LeGrand que redactara una canción para ocupar su lugar, siguió el consejo de Quincy Jones de trabajar con los Bergman para componer "The Windmills of Your Mind" y una segunda canción, "His Eyes, Her Eyes". 

Según Norman Jewison , el robo bancario inicial se filmó en la sucursal del centro del National Shawmut Bank, y aunque los guardias y los funcionarios del banco sabían lo que estaba sucediendo, los clientes no lo sabían porque los cineastas usaban una cámara oculta. 

Aunque aparentemente pensaban que se estaba cometiendo un robo real, ninguno de los clientes o peatones interfirió de ninguna manera. Los productores solicitaron cooperación al FBI para filmar la película y buscaron filmar la sede del FBI en Boston, pero la agencia se negó, alegando que el guión les hacía parecer unos incompetentes. La diseñadora de vestuario Theadora Van Runkle, que había trabajado para la película de Bonnie & Clyde el año anterior también diseñó los trajes de Faye Dunaway para esta película. Faye Dunaway usa 29 cambios de vestuario en la película. 

Norman Jewison contrató a Pablo Ferro para hacer el trabajo de pantalla múltiple después de que Ferro diseñó los créditos para su película ¡Que vienen los rusos! (1966). 

El uso de separación de pantallas para mostrar varias acciones simultáneas se inspiró en las películas rompedoras de la Expo 67 In the Labyrinth y A Place to Stand, que después fueron pioneras en el uso de la técnica de imagen multi-dinámica de Christopher Chapman, imágenes desplazándose en paneles móviles. Steve McQueen estaba disponible para asistir a un preestreno de A Place to Stand en Hollywood, y le dijo personalmente a Chapman que estaba muy impresionado; al año siguiente, Norman Jewison había incorporado la técnica en la película, insertando las escenas en el producto una vez ya terminado. Es muy visible esta pantalla múltiple en la secuencia de apertura. Si bien algunos afirman que este es un ejemplo de estilo sobre el contenido, la verdadera razón por la que se adoptó la pantalla dividida fue porque el editor Hal Ashby recibió la tarea de reducir el tiempo de ejecución de la apertura. 

Todo en la misma está geométricamente planificado . Por ejemplo, en la escena de ajedrez , con McQueen y Dunaway jugando un juego de ajedrez, coqueteando silenciosamente el uno con el otro. El juego representado se basa en un juego jugado en Viena en 1898 entre Gustav Zeissl y Walter von Walthoffen. 

La fotografía tuvo que trabajar duro en la pantalla partida en las escenas deportivas de McQueen , que hizo sus propias escenas jugando polo y conduciendo un buggy a toda velocidad en la playa de Massachusetts,​ de forma similar a cuando protagonizó la película Bullitt unos meses más tarde, y donde condujo un Ford Mustang por San Francisco a más de 160 km/h. En una entrevista, McQueen diría que esta era su película favorita. 

El coche que conduce Dunaway, referido como "una de esas cosas rojas italianas", es el primero de los únicos diez Ferrari 275 GTB/4 NART Spyders que se fabricaron. A día de hoy, este modelo es uno de los Ferraris más valiosos de todos los tiempos. A McQueen le encantó el coche, y logró finalmente hacerse con uno para él. El buggy de las dunas era un Meyers Manx , construido en California con un motor Chevrolet Corvair . McQueen tenía uno, y el Manx, el buggy de dunas original, a menudo se copiaba. Rolls Royce de Crown llevó la etiqueta de vanidad de Massachusetts "TC 100" para la película. 

El rodaje se hizo principalmente en exteriores en Boston y zonas alrededor de Massachusetts y New Hampshire. Entre las mismas destaca la casa de Harrison Gray Otis en el 85 Mt. Vernon St. en Beacon Hill , diseñado por el arquitecto de la casa del estado de Massachusetts Charles Bulfinch en 1800 para el congresista Harrison Gray Otis , fue la residencia de Thomas Crown. La casa utilizada para la residencia de Thomas Crown en 85 Mt. Vernon St., Beacon Hill, Boston, es el mismo que se usa para el hogar de Thomas Banacek en la serie 'Banacek'. 

El robo ocurrió en lo que entonces era el Beverly National Bank (ficticiamente rebautizado Boston Mercantile Bank para la película), en el North Beverly Plaza, Beverly Ma. y 55 Congress St. , Boston. La ubicación actual se observa como 44 Water Street, las oficinas de la firma de inversión privada Brown Brothers. Los interiores fueron renovados y parcialmente restaurados en 1999 por la firma GHK, Malcolm Higbee-Glace, gerente de proyectos. 

La escena del robo fue filmada en el centro de Beverly frente al Ayuntamiento. El cementerio era el Cambridge Cemetery, Coolidge Ave., Cambridge . Las secuencias de polo fueron filmadas en el Myopia Hunt Club , 435 Bay Road, South Hamilton y las de golf fueron filmadas en el Belmont Country Club, 181 Winter St., Belmont . 

La subasta se llevó a cabo en el St. James Ballroom en el Eben Jordan Mansion, 46 Beacon St., Beacon Hill . Y Thomas Crown manejó su buggy de dunas en Crane Beach en Ipswich, Massachusetts . 

El planeador Schweizer SGS 1-23H fue volado en Salem, New Hampshire aunque en este caso el piloto era Roy McMaster y no no Steve McQueen. También se rodó en las calles de Blackstone y North en el North End de Boston, así como en Copp's Hill Cemetery, en el North End de Boston o en Acorn Street en Beacon Hill , la calle adoquinado conocida como "la calle más fotografiada de América". 

Otros lugares incluidos las casetas de peaje de Allston-Brighton (demolidas en 2016) en Massachusetts Turnpike ; el restaurante Anthony's Pier 4 en 140 Northern Ave. en el distrito Seaport de South Boston ; el Boston Common ; la antigua sede central de la policía de Boston en Berkeley Street (desde que se renovó como el Loews Boston Hotel); Cambridge Street y Linden Avenue, Allston ; la Copp's Hill Terrace en el North End de Boston; el North End Greenmarket; South Station , 700 Atlantic Ave., Tobin Bridge, una parte del Prudential Tunnel de Massachusetts Turnpike bajo Huntington Avenue (entonces-futuro Massachusetts Route 9 ), el Dewey Square Tunnel ( Interestatal 93 ) , el comedor de la azotea del restaurante Marliave , Bosworth Street , en Boston , la ribera del río Charles, entre Weeks Footbridge y Anderson Bridge. McQueen parece ser que fue la segunda opción del director canadiense. 

Sean Connery había sido la elección original para el papel principal, pero lo rechazó agotado por la filmación Sólo se vive dos veces (1967), una decisión que luego lamentó. En la nueva versión de 1999, el papel protagonista fue interpretado por otro actor que había interpretado a James Bond , Pierce Brosnan . De todas las películas que Steve McQueen hizo en su carrera, se informó que este fue su favorito. Steve McQueen llevó a cabo sus propias acrobacias, que incluyen jugar al polo y conducir un buggy a gran velocidad a lo largo de la costa de Massachusetts. El buggy de dunas en la película fue diseñado y personalizado por Steve McQueen y Pete Condos, "un constructor de vehículos todoterreno".El planeador (N9860E) que Steve McQueen vuela temprano en la película es un Schweizer SGS 1-23H-15. Fue utilizado en Nueva York durante muchos años, pero finalmente se estrelló y fue destruido en Georgia (EE. UU.) En junio de 2013. 

En cuanto al papel femenino se habló de Jane Fonda y Anouk Aimée, Sharon Tate , Raquel Welch , Candice Bergen , Suzanne Pleshette y Eva Marie Saint que, según la leyenda, rechazaron; aunque el director Norman Jewison declara que Faye Dunaway fue su primera y única elección para la protagonista femenina, desacreditando así los informes de otras actrices que rechazaron el papel. Faye Dunaway citó esto como una de sus experiencias favoritas de hacer películas. 

La película tuvo un éxito moderado de taquilla, con unos ingresos de 14 millones de dólares sobre un presupuesto de 4,3 millones. Las críticas fueron mixtas. Se alabó la química entre McQueen y Dunaway y la estilizada dirección de Jewison, pero se consideró el argumento y el guion bastante frágiles. Rogert Ebertla calificó como "posiblemente la película con menos argumento y guion y con más exceso de fotografía del año. Lo que no significa que no esté bien. Lo está". A pesar de esta reacción tibia, se ha convertido con el tiempo en una película de culto, y ha inspirado un remake protagonizado por Pierce Brosnan y Rene Russo. 

La película ganó el óscar a la mejor canción original por The Windmills of Your Mind, con música de Michel Legrand y letra de Marilyn Bergman y Alan Bergman. También fue nominada a la mejor banda sonora original, obra también de Michel Legrand, también fue nominado para Original Music Score . En los Globos de Oro obtuvo igualmente la de mejor canción y fue nominada a la mejor banda sonora original como ocurrirá en los Premios BAFTA.

Desde luego si la geometría es aquella parte de las matemáticas que estudia la extensión, la forma de medirla, las relaciones, las propiedades de las figuras en el plano o el espacio, entre puntos, líneas, ángulos, planos y figuras, y la manera cómo se miden y como las mismas se ejecutan desde el punto de vista visual en una película esta es tu película.

El demonio bajo la piel

Sexo, violencia y locura absoluta con aires de música de los cincuenta es lo que marca esta sorprendente película del año titulada "El demonio bajo la piel" basada en la obra homónima del escritor Jim Thompson y titulada en su versión original como The Killer Inside Me. Se trata de una película que ya fue llevada al cine en 1976 dirigida por Burt Kennedy y protagonizada por Stacy Keach como Lou Ford y Susan Tyrrell como Joyce Lakeland. 

En este caso la dirección estuvo en manos de Michael Winterbottom, un director británico nacido en 1961 formado en Oxford y en la Escuela de Cine de la Universidad de Bristol y procedente del mundo de la televisión y que cuenta en su haber con un buen número de películas. Para esta película contó con la producción de Bradford L. Schlei y el apoyo de tres productoras como Revolution Films, Hero Entertainment, Muse Productions e Indion Entertainment Group que lo avalaron con un presupuesto de $13 millones y la distribución de Icon Productions El libro de Thompson fue adaptado al cine por John Curran . 

La película contó con la cuidada selección músical de Melissa Parmenter y Joel Cadbury; así como la luminosa fotografía de Marcel Zyskind - salvo en la descuida y muy mejorable escena final- y el montaje de Mags Arnold. 

El reparto lo encabeza Casey Affleck como Lou Ford, a los que se suman Kate Hudson como Amy Stanton y Jessica Alba como Joyce Lakeland. Junto a ellos un veterano como Ned Beatty en el papel de Chester Conway. Junto a ellos aparecen Tom Bower como Sheriff Bob Maples, Elias Koteas7 como Joe Rothman, Simon Baker como Howard Hendricks. En breves apariciones están Bill Pullman como Billy Boy Walker, Brent Briscoe como el viejo, extraño Bum , así como Matthew Maher como el ayudante de policía Jeff Plummer, Liam Aiken como Johnnie Papas, Jay R. Ferguson como Elmer Conway y Caitlin Turner como Helene. 

La película se desarrolla en los años 50, en una pequeña población petrolera situada en Central City (Oklahoma). Allí trabaja Lou Ford (Casey Affleck), el ayudante del sheriff, un hombre afable y sencillo, hijo del médico local, que comienza a sufrir los mismos ataques de una enfermedad mental que le hizo cometer un crimen en su juventud. 

En el presente Lou Ford ( Casey Affleck ) es un pilar de la comunidad. Se muestra tranquilo, paciente, confiable y apreciado. Sin embargo, en su fuero interno es un sociópata con gustos sexuales violentos como comprobados poco después de que el sheriff local Bob Maples ( Tom Bower ), ordene a Lou visita a Joyce Lakeland ( Jessica Alba ), una prostituta que tiene una aventura con el hijo del magnate local Chester Conway, Elmer ( Jay R. Ferguson ). 

Cuando Joyce se opone al trato de Lou con ella, y que es básicamente que abandone la comunidad, y ella le insulta y agrede , él la golpea violentamente y la azota con su correa hasta que sus nalgas quedan magulladas. Sin embargo, y para sorpresa de Lou - y de los espectadores- Joyce disfruta del dolor , y ella y Lou comienzan una apasionada historia de amor. 

Desde ese momento se inicia una historia que va trufándose de flashback que nos dejan un poco fuera de juego. Descubrimos con ellos que cuando era adolescente, Lou fue atrapado violando a una niña de cinco años por su hermano adoptivo Mike, dos años mayor que él, y quien se declaró culpable del crimen y estuvo en la prisión para proteger a Lou.

Después de ser liberado, Mike fue contratado por la empresa de construcción de Chester Conway ( Ned Beatty ). Mike murió en el trabajo después de resbalar y caerse de una andamio. Lou está convencido de que Chester (Ned Beatty) fue el responsable de su muerte y cree que Conway organizó el "accidente". 

Por otro lado, descubrimos que Lou tiene una historia con otra chica Amy( Kate Hudson ), con la que mantiene un tórrido romance antes de su futuro matrimonio.

Un día , tras un encuentro sexual, Joyce le sugiere que Lou nunca saldrá de la ciudad con ella, algo que parece evidente dada la mentalidad de Lou, pero ambos idean un plan para extorsionar $ 10,000 de los Conway. 

El sheriff Maples y Chester Conway le piden a Lou que supervise el pago. Pero Lou tiene otros planes: golpea brutalmente en la cara y el estómago a Joyce hasta el punto en que cree que está muerta, y cuando llega Elmer a casa de Joyce, afirmando entre otras cosas que es su futura esposa, encuentra el cuerpo de Joyce y , en ese momento, Lou le dispara y lo mata.

 A continuación, coloca el arma con la que le ha disparado a Joyce, con la esperanza de que la escena parezca que los dos se han matado entre sí, sin embargo, Joyce sobrevive. 

Esa misma noche , Lou y Elmer se encuentran cerca de la casa, esperando el desenlace de la extorsión, pero al llegar Conway comprueba que ella no está muerta y pide a Lou que llame a una ambulancia pues tiene la intención de ver su ejecución por matar a Elmer. 

Desde ese momento la reputación de Lou comienza a tambalearse: su novia y prometida Amy ( Kate Hudson ) sospecha de su infidelidad , y , tras el caso, el fiscal del condado Howard Hendricks ( Simon Baker ), que llega a la ciudad para investigar los asesinatos, sospecha que Lou podría ser el asesino dado su historial en relación a su hermano y su enfermedad, así como la falta de convicción a la hora de explicar su presencia y el pinchazo de su vehículo en la zona.

Lou acompaña al sheriff Maples y a Conway para llevar a Joyce al hospital en Fort Worth (Texas) en un avión privado ; Conway la quiere viva para que puedan interrogarla. Lou espera en la habitación de un hotel, mientras la operan. Maples le dice que Joyce murió en la mesa de operaciones. Lou y Maples regresan al oeste de Texas. 

De vuelta en su casa, Lou , un hombre sensible al que vemos como toca en su piano en repetidas ocasiones la variación número 25 de las Variaciones Goldberg de JS Bach, descubre fotografías explícitas de una mujer dentro de una Biblia. La mujer era Helene, ama de casa y niñera de su juventud que tiene un parecido con Joyce. Lou recuerda que Helene le enseñó lo que era el sadomasoquismo , instándolo a golpearla. Lou quema las fotos.

Hendricks ordena el arresto de Johnnie Pappas ( Liam Aiken ), un joven local que es sospechoso de los asesinatos de Elmer y Joyce. Johnnnie fue encontrado con una de las billetes de $ 20 que se suponía que Elmer debía darle a Joyce en concepto de pago; Conway tenía los billetes marcadas para chantajear a Joyce si no se iba de la ciudad. 

Como Lou es cercano a Johnnie, Hendricks le pide a Lou que confiese, pero como fue Lou quien le dio a Johnnie ese billete de $ 20 marcado como propina no lo hará. 

En la celda de la prisión, Lou confiesa a Johnnie que él fue el responsable. Cuando están solos en su celda, Lou cuelga a Johnnie para que parezca que se suicidó por ser culpable. La muerte de Johnnie hace que la ciudad sospeche más de Lou. 

El periodista y sindicalista Joe Rothman ( Elias Koteas ), que había sugerido previamente que Conway había matado al hermano adoptivo de Lou, Mike, comenta que sabe que Lou mató a Elmer y a Joyce. 

Por su parte, Lou persuade a Amy para que se fugue con él. Ella acepta, pero debe aceptar igualmente los violentas gustos de Lou. Ella acepta ser azotada. Mientras tanto un pobre hombre alcohólico , Bum (Brent Briscoe), que a poco de comenzar la película vimos como Lou había quemado previamente con un cigarro, y que ha estado siguiendo a Lou y sabe que fue el responsable de los asesinatos de Elmer y Joyce le exige $ 5,000 para guardar silencio. Lou acepta el acuerdo. 

El día en que Lou y Amy habían planeado para fugarse, Lou golpea a Amy hasta la muerte, y cuando llega el vagabundo y ve su cuerpo en el cuarto corre en busca de ayuda. Lou persigue al vagabundo, gritando que ha asesinado a Amy, así que otro ayudante de policía, Jeff Plummer ( Matthew Maher ) abre fuego contra el vagabundo y lo mata de un tiro. 

A la mañana siguiente, Plummer le informa a Lou sobre el suicidio del alguacil Maples, convencido de la culpa de Lou y desconsolado por sus crímenes. Hendricks y Plummer intentan obtener una confesión de Lou, pero Lou es arrestado y luego, tras una semana en prisión es enviada a un manicomio . 

Mientras está allí, sufre alucinaciones con Amy y Helene. Después de algunas semanas, un hábil abogado llamado Billy Boy Walker ( Bill Pullman ) lo libera y lo lleva a su casa. Walker ha sido contratado por Joe Rothman para proteger al hombre del sindicato. Lou le cuenta a Walker toda su historia y concluye que no quiere que muera ninguna otra persona. 

Al llegar a casa y perdido en sus fantasías violentas, Lou empapa sus habitaciones de gasolina y alcohol, se arma con un cuchillo y se sienta en su salón a la espera de la llegada de la policía. Cuando llegan vehículos policiales y policías armados, Lou ve a un automóvil detenerse . 

Del mismo bajan Hendricks, Conway, Plummer y la aún viva Joyce. Cuando Joyce le dice a Lou que se negó a cooperar con las autoridades y que le quiere, Lou le dice que la ama y , tras acercarse, la apuñala en el estómago. Plummer abre fuego sobre Joyce y Lou y con la balas encienden la gasolina desparramada en la casa. 

En el exterior, los policías que se acercan a una casa envuelta en una enorme bola de fuego. Lou parece haber conseguido culminar su venganza con todos los intervinientes en el caso, acabando así la película. 

Como ya he señalado la película es una adaptación de un clásico de la novela negra escrito en 1952 , "The Killer Inside Me" (1952), de Jim Thompson, que ya había sido adaptado por Burt Kennedy en los setenta. La novela desde que se publicó tuvo interés por parte de muchos cineastas para adaptar la novela de Thompson al cine. 

La 20th Century Fox originalmente optó por un proyecto como posible vehículo de Marilyn Monroe para una película de 1956, con Monroe interpretando a Joyce Lakeland. Se planteó que Marlon Brando sería Lou Ford. Elizabeth Taylor fue considerada el papel de Amy Stanton. Después de la muerte inesperada de Monroe el 5 de agosto de 1962, el proyecto fue abandonado. 

Tras la versión de Kennedy , a mediados de la década de 1980, hubo otro intento de adaptar el libro a una película, con Tom Cruise como Lou Ford, Brooke Shields como Amy Stanton y Demi Moore como Joyce Lakeland. El proyecto fue archivado. 

A mediados de la década de 1990, después del éxito de Pulp Fiction , Quentin Tarantino se unió para dirigir el proyecto. en el que Uma Thurman iba a ser Amy Stanton. Juliette Lewis fue considerada para el papel de Joyce Lakeland y Brad Pitt como Lou Ford. Este proyecto fracasó después de los ataques del 11 de septiembre porque el guión de la película era demasiado violento. Tarantino desechó todo y comenzó desde cero. 

En 2003, Andrew Dominik escribió un guión muy estilizado y estuvo en un punto para dirigirlo. Esperaba que la película fuera protagonizada por Leonardo DiCaprio o Tom Cruise como Lou Ford, Charlize Theron como Amy Stanton y Drew Barrymore como Joyce Lakeland. Sin embargo, en 2004 Dominik perdió interés en hacer esta adaptación cinematográfica de una novela de los años cincuenta y al caerse del proyecto ese actor de peso que quería para Lou, y en su lugar eligió filmar la novela de Ron Hansen El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford que realizaría en el 2007. 

Tras este nuevo abandono Marc Rocco intervino para hacerla y eligió finalmente a Casey Affleck como Lou Ford, Reese Witherspoon como Amy Stanton - aunque más tarde también fueron consideradas Katherine Heigl , Michelle Williams , Natalie Portman y Sienna Miller- y Maggie Gyllenhaal como Joyce Lakeland como también lo fueron Emily Blunt , Anne Hathaway y Amanda Seyfried . Del proyecto inicial , sólo quedó Affleck que será integrado por el británico de Blackburn. 

En este proyecto del año 2009 el guión de John Curran se centra en los hechos de mayor relevancia psicológica, a la vez que renuncia a muchos flashbacks oníricos que se excedían en explicaciones sobre los traumas de la violenta infancia del protagonista, aunque , algunos aparecen. 

La película se rodó en mayo de 2009 principalmente entre los Estados de Oklahoma y Nuevo México. En el estado vecino a Kansas se rodó en las localidades de Cordell, Guthrie, Enid, Tulsa, y Oklahoma City y en concreto en esta ciudad en el Skirvin Hilton Hotel y en el Cattlemen's Steakhouse. En el estado fronterizo con México se rodó en Santa Fe. 

La película se estrenó el 24 de enero de 2010 en el Festival de Cine de Sundance. Durante su estreno en el Festival Winterbottom, que asistió al estreno mundial de la película tuvo que escuchar como un espectador le increpase antes de que los créditos terminaran diciendo "¡No entiendo cómo Sundance podría reservar esta película! ¿Cómo te atreves? ¿Cómo se atreve Sundance?" . Para esa fecha IFC Films compró los derechos de distribución de la película por $1,5 millones. 

La película fue presentada igualmente en la sesenta edición del Festival de Cine de Berlín y en el neoyorkino Festival de Cine de Tribeca. La película tuvo un lanzamiento limitado comenzando desde el 18 de junio de 2010.

Los resultados de explotación no fueron buenos, llegando su recaudación a unos 4 millones de dólares. Prueba de su pésimo recorrido es que en los Premios Razzie de las películas estrenadas en 2010 se consideró a Jessica Alba como la peor actriz. Para la crítica se trata de una película que se mueve entre el amor y el odio. 

Desde su lanzamiento ha sido criticada por la muestra gráfica y explícita de la violencia dirigida hacia las mujeres. La violencia ha influido en la mayoría de los comentarios críticos de la película desde entonces. 

La película recibió críticas generalmente mixtas. Rachel Cooke de The Observer , después de describir la escena "terriblemente prolongada" en la que Joyce es golpeada por Lou, dijo: "Estaba tan mareada que tuve que irme y quedarme afuera. Pensé que en realidad podría desmayar". Cooke destacó que varias de las escenas de violencia son "tan largas y tan horriblemente gráficas" y le molestó especialmente que " la violencia que se le hace a las mujeres, en cambio, un personaje masculino muere fuera de la cámara". Para ella esto arruinó su propia película, alejando la atención de los espectadores , del "exquisito humor negro , y de la fascinante actuación de Affleck. La violencia es una mancha sangrienta en un lienzo por lo demás hermoso ". 

Stephen Dalton, al revisar la película para The Times después de ser presentada en el Festival de Cine de Berlín , reconoció la controversia sobre la descripción de la violencia diciendo que " Aunque las víctimas de Ford incluyen hombres y mujeres, son sus agresiones salvajes y sostenidas contra los personajes femeninos lo que ha convertido a The Killer Inside Me en un tema controvertido. Winterbottom muestra estos ataques con detalle inquebrantable, una opción que algunos consideran innecesaria y explotadora. Para ser justos, la violencia se usa con moderación, lo que hace que sea más estresante. (...) Los críticos de la película, sospecho, han cometido el error clásico de confundir el contenido con la intención. A esto añadió Dalton, que se trata de un "thriller reflexivo que aburrirá a algunos espectadores con su ritmo discreto, mientras repele a otros con sus destellos de brutalidad repugnante. Pero para los menos aprensivos entre nosotros, The Killer Inside Me es una versión inteligente y apasionante de los ingredientes clásicos del cine negro ". 

Para Peter Travers en Rolling Stone destacó que se trata de un "Deslumbrante y depravado cine negro. (...) Affleck ofrece una fascinante y poderosa interpretación (...) " 

Según  Owen Gleiberman de Entertainment Weekly   "'The Killer Inside Me' podría ser el noir más oscuro que jamás se ha hecho. (...) No te arrastra al interior de un vórtice - te deja en el exterior, echando un vistazo y un poco estupefacto" Para una mujer como Betsy Sharkey en Los Angeles Times "No es mucho más que un torture porn disfrazado con las galas de cine de autor" 

Ya en España Sergi Sánchez en La Razón destaca "Dos secuencias de violencia brutal insisten en ser el epicentro (...) En esas dos escenas y en la interpretación de Casey Affleck reside el único atractivo del primer filme tedioso de Winterbottom" 

Carlos Boyero en El País señala que "Sobra la machacona insistencia sobre los traumas infantiles de esta gélida bestia, sobra una larga y provocadora secuencia (...) una agresión innecesaria a la paciencia del asqueado espectador. (...) posee atmósfera enfermiza y causticidad." En este mismo diario, Jordi Costa afirma que "Tiene en la elección de Casey Affleck su mejor golpe de efecto. (...) una inocua excursión a lo oscuro, con salidas de emergencia debidamente señalizadas." 

Luis Martínez en El Mundo afirma que "Las buenas ideas del director se pierden entre la confusión y el simple delirio (...) La película termina por resultar redundante, imprecisa, barroca y demente. Más sencillo: no funciona, no emociona, no engancha". 

Para el crítico de ABC Oti Rodríguez Marchante "Winterbottom traduce la iracunda literatura de Thompson con espectacular eficacia (...) El clima de la narración es magnífico, sudoroso, enfermizo, puro plomo (...) " 

Para Fausto Fernández en Fotogramas se trata de "Un notabilísimo film que transpira destellos de (enfermizo) genio. (...). 

Beatriz Maldivia , editora en Espinoff, esta historia de sexo y violencia de género que es ‘El diablo bajo la piel’, destaca que el director "consigue sostener una peripecia que no aburre, salvo en su floja traca final, cuando la crisis de su protagonista no logra sostener la película". Y añade que "el cineasta se confirma como un director de «baja intensidad», que no sólo no pone el énfasis adecuado en ciertos aspectos de la narración sino que, además, no sabe crear una adecuada transición hacia las escenas de violencia extrema". Y concluye con dos ideas. La primera que "No considero esta violencia extrema hacia las mujeres un ejercicio de pornografía o de misoginia por parte de Winterbottom, como se ha dicho. Sencillamente, se trata de una esforzada adaptación de una novela compleja que no ha logrado todos sus objetivos". Y la segunda: "Nos encontramos con un film realizado con cierto esmero estético, no demasiado aburrido y con algunos buenos giros que proceden de Thompson. Sin embargo, en general, ‘El demonio bajo la piel’ resulta demasiado plana, a pesar de sus ciertos arrebatos violentos". 

Para terminar señalaré algunos detalles de la película. Lo primero que la he visto algo cansado así que no he disfrutado para nada con ella. Creo que debo hacer una relectura de la misma. Señalar que, al menos, cuando he estado más fresco me ha gustado el hecho de que nos vaya dando pequeños retazos de una historia compleja que, al final, cobre sentido , pero que en gran parte de la película te deja en fuera de juego y resultado casi incomprensible. 

Destacar igualmente que los estallidos de violencia no me han agradado. Si hay que ser violento, prefiero que duren lo justo, pero ha sido en una par de ocasiones, las agresiones a Amy y a Joyce un exceso. El tema de la locura en el cine está bien llevado. Lo curioso aquí es que la narración comienza con una voz en off que como señala Beatriz Maldivia es un recurso clásico en el cine negro, especialmente cuando se trataba de una adaptación de una novela. Sin embargo en este caso la voz en off ¿a qué momento corresponde? Yo diría que siempre al presente, aunque con la bipolaridad manifiesta queda oculta. 

Por mi parte señalar que la película es sonoramente y visualmente elegante lo que contrasta con la brutal y la violenta de los estallidos. Un buen trabajo el realizado por Affleck y su disociación , con sus sudores incluidos. Buen trabajo el de casting al elegir a dos actrices muy parejas en lo físico como Jessica Alba y Kate Hudson . Y aunque Jessica Alba, recibió un Premio Golden Raspberry por la peor actriz de reparto por su actuación en esta película estoy convencido que se pasaron tres pueblos con ella. Lo dicho, creo que la película se merece, al menos, por mi parte un mejor trato y un mejor estado mental a la hora de verla.

Green Room

Gran y agradable sorpresa la de esta película intensa, sin freno, sin concesiones, que apuesta por el realismo y en la que todo lo que ocurre va a peor y en la que cuando culmina la historia te vuelve a dar un bofetón. No, no confundir con una mítica película pornográfica, aquí lo único pornográfico es la violencia que no se oculta en ningún momento. Se trata de Green Room, una película de terror estadounidense del año 2015 escrita y dirigida por Jeremy Saulnier , y producida por Neil Kopp , Victor Moyers y Anish Savjani para la productora Broad Green Pictures y Film Science , que contó con un presupuesto de $ 5 millones y que está protagonizada por una banda punk que se ve atacada por cabezas rapadas neonazis tras presenciar un asesinato en un club remoto en Oregón, al noroeste del Pacífico .

Para Jeremy Saulnier era su tercer largometraje, tras una comedia de terror "Murder Party" (2007), y la premiada "Blue Ruin" (2013). Para el director "Green Room" es "una impactante historia destinada a ser una experiencia visceral, directa al estómago. El choque ...es simplemente el punto de partida. A medida que la trama va desarrollándose y las situaciones se van descontrolando, la ideología y las filiaciones que asentaron las bases del conflicto que asentaron las bases del conflicto quedan completamente despojadas. No me interesaba que la película versara sobre ideas o posturas lo que no me interesaba es que fuera impetuosa, potente".  

La música , importante en la película, fue compuesta por Brooke y Will Blair; mientras que la fotografía de Sean Porter y el montaje de Julia Bloch.

El elenco está integrado por una banda, The Is not Rights, formada por Anton Yelchin como Pat, el bajista , Alia Shawkat como Sam, la guitarrista , Joe Cole como Reece, el bateria, Callum Turner como Tiger, el cantante. Ellos vivirán un intensa y desagradable historia con una skinhead Imogen Poots como Amber, amiga y testigo del asesinato de Emily interpretada por Taylor Tunes otra skinhead que es asesinada por Werm interpretado por Brent Werzner un miembro de Cowcatcher. 

Junto a ellos aparecen el anciano Patrick Stewart como Darcy Banker, el líder de los skinheads, Macon Blair como Gabe, un empleado del club, Mark Webber como Daniel, otro skinhead y primo de Tad que tiene una relación con Emily. Junto a ellos está como Tad, un punki presentador de radio y promotor interpretado por David W. Thompson. El resto de la banda de skinhead y criminales son Kai Lennox como Clark, entrenador de perros de ataque, Eric Edelstein como Big Justin, Samuel Summer como Jonathan, Mason Knight como Kyle, Colton Ruscheinsky como Alan y Jacob Kasch como el camarero. 

La película comienza en un maizal. Allí, en el interior de una furgoneta, aparecen los integrantes de una de una banda de música punk tras quedarse dormido el conductor uno de ellos al volante. Se trata de una banda de la costa este que ha recorrido el país de este a oeste con el fin de ser entrevistados y hacer una gira. 

La banda está compuesta por el bajo Pat (Anton Yelchin), la guitarrista Sam (Alia Shawkat), el bateria Reece (Joe Cole) y el cantante de pelo verde Tiger (Callum Turner). 

La banda de punk, Is Is Rights, está viajando por el noroeste del Pacífico. Van sin "blanca" así que roban gasolina de otros vehículos y tras llegar a su destino en una pequeña ciudad de la costa oeste se encuentran con la persona que había contactado y que les había llevado hasta allí Tad (David W. Thompson), un punki que es presentador de una pequeña radio municipal y que va de promotor . 

Tras hacerse una entrevista tipo les dice las limitaciones para la emisión de la entrevista así como la imposibilidad de dar un gran concierto. Después de que se le cancele su concierto, y de dar una breve actuación en un local de comida en la que obtienen una recaudación ridícula, Tad les organiza un espectáculo a través de su primo, Daniel (Mark Webber) en un bar de skinhead neonazi en el bosque a las afueras de Portland . 

Allí ven que la gente ante la que actúan, gente bronca, neonazis y supremacistas blancos que escuchan el concierto sin mucho interés . 

Tras la actuación , una entre varias bandas, el grupo se dispone a marcharse después del espectáculo, cuando Sam se da cuenta de que se ha dejado el móvil y el cargador , así que Pat regresa a la sala verde en la que estuvieron antes de tocar para recuperar el teléfono de Sam y al entrar ve el cuerpo de una chica que ha estado en el concierto, Emily (Taylor Tunes) que ha sido asesinada a puñaladas por un neonazi, Werm (Brent Werzner) un miembro de Cowcatcher. Éste le ha clavado una navaja en la cabeza mientras estaba acompañada de su amiga Amber (Imogen Poots) y que ahora está retenida en la sala verde. 

Pat se da cuenta que Amber , que ha presenciando la muerte de su mejor amiga Emily a manos de los neonazis, y en un momento llama a la policía. Sin embargo, los empleados del bar reducen a Pat. 

Mientras Pat es reducido por Gabe (Macon Blair) el que parecía el responsable del garito y un gigante llamado Big Justin (Eric Edelstein) que confiscan los teléfonos de la banda y los mantienen como rehenes en la sala verde. 

Entre los integrantes de la banda y los skinheads se inicia una conversación, en virtud de la que Gabe le dice que no se preocupen que la policía va en unos minutos ante la información de que ha habido en el local un apuñalamiento. 

Para justificar el incidente Gabe paga a un skinhead para que apuñale a otro y dar una coartada ante la policía que ha respondido a la llamada. 

Mientras tanto llama al dueño del bar y líder del skinhead Darcy Banker (Patrick Stewart) que decide matar a la banda para eliminar a todos los testigos que están ya encerrados en una habitación del local por los autores del homicidio. Lo cierto es que el dueño del bar (Patrick Stewart), un hombre mayor, que no quiere dejar testigos de lo sucedido. 

Dada la poca habilidad del grupo de raptores , la banda que estaba al cuidado de un único skin Big Justin se enfrenta a él y le arrebata la pistola. Tras tirar y limitar la movilidad de Big Justin y lo mantienen como rehén. Al obligarle a sacar todo lo que lleva en el bolsillo saca entre sus pertenencia un cutter , además de su arma. Ellos negocian a través de la puerta con Darcy, quien les pide que entreguen el arma. 

Tras ciertas dudas, Pat, que se presenta como el negociador del grupo está de acuerdo, pero cuando abre la puerta, Amber , por una rejilla en la puerta, se da cuenta de que es una trampa y grita. Darcy y sus hombres golpean el brazo de Pat con machetes hasta que suelta el arma, pero entre todos logran cerrar la puerta, eso sí, dejando a Pat con brutales heridas. Big Justin , aprovechando la situación ataca a la banda, pero Reece lo ahoga hasta dejarlo inconsciente. 

Cuando Big Justin se recupera y sorprende a Reece al despertarse nuevamente, Reece estrangula a Big Justin y Amber lo remata con un cútex abriéndolo en canal. 

Buscando una salida, la banda descubre un laboratorio subterráneo de drogas, razón última del por qué quiere alegar a la banda del espacio del crimen, pero la única salida está cerrada desde el exterior. Armados con armas improvisadas como el cútex, fluorescentes, critales y demás salen de la habitación verde y descubren que el club está vacío, - ya que Darcy ha provocado intencionadamente un apagón con el fin de sacar a los clientes ajenos a lo que ha ocurrido- , pero, de repente, son atacados por un perro, que mata a Tiger al morderle en el cuello. Amber y Pat alejan al perro gracias al acople con el micrófono y un bable y el sonido resultante del mismo. 

Por su parte, Reece, que intenta huir a través de una ventana, es detenido por un skinhead y lo mata a palos. Los supervivientes, Pat, Amber y Sam se retiran nuevamente a la sala verde. Darcy envía al primo de Tad, Daniel al club para matar a la banda. El viejo le dice que fueron ellos los que habían asesinado a Emily. 

Daniel entra acompañado de otro skin. Los tres usan el polvo del extintor para protegerse. En ese momento, Amber revela a Daniel que fue realmente Werm quien la asesinó después de descubrir que él y su novia Emily planeaban dejar a los skinheads. 

Al conocer la verdad, Daniel une fuerzas con Pat, Amber y Sam y acepta ayudarlos a escapar y sacar a los supervivientes del club.

Mientras tanto, Darcy ha descubierto que el plan de Daniel era huir así que ordena que maten a Daniel. 

Cuando avanzan por el local, sale de repente, el barman que dispara sobre Daniel a cabando con su vida. El grupo mata al camarero con el machete y toma su escopeta. 

Desafortunadamente, Sam es atacada por el perro, y los hombres de Darcy hieren en la pierna a Amber, quien regresa a la habitación verde con Pat. Darcy envía a otros dos skinheads, Jonathan y Kyle tras Pat y Amber. Mientras el grupo de los skin se marcha para deshacerse de los cuerpos del resto de asesinados, en la habitación los dos supervivientes se plantean como frenar el nuevo envite y salir de allí. 

Pat atrae a Jonathan al laboratorio de drogas mientras Kyle permanece en la sala verde. Kyle es atacado y asesinado por Amber. Mientras Pat lucha contra Jonathan, Amber se acerca sigilosamente y le dispara. Gabe , que está limpiando el loical. entra a la sala verde para encontrar a sus compañeros muertos y se rinde a Pat y Amber ya que van armados. 

Sosteniendo a Gabe a punta de pistola, caminan por el bosque. Cuando Pat oye a Darcy y sus hombres escenificar la escena del crimen, él y Amber van tras ellos siendo sorprendidos. Antes de eso, Pat le ordena a Gabe ir a una granja y llamar a la policía. Gabe no tiene más remedio que llamar a la policía en una granja cercana. 

Pat y Amber logran matar a los skinheads al antrenador de los perros Clark (Kai Lennox) y Alan. Por su parte, Darcy intenta sacar un revólver de su chaqueta, pero es ejecutado por Pat y Amber. Sin munición y cansados Pat y Amber se sientan al borde de la carretera y esperan a la policía . Pat intenta decir el disco que se llevarían a una isla desierta, pero Amber , muy desabrida, le dice que a ella no le interesa nada de los suyo y así acaba la película. 

La película surgió del deseo de Saulnier de crear un thriller en una sala o habitación verde, llamando a la idea "una obsesión". Para Saulnier cuando le preguntaron si estaba haciendo una trilogía sobre colores dado el títula de la que le atntecedió, Blue Ruin, señaló irónicamente que "Green Room fue parte de su "trilogía de protagonistas ineptos" en la que los protagonistas están sobre sus cabezas y tratan de sobrevivir usando habilidades que realmente no tienen. Este tema está presente en Blue Ruin (2013) y Murder Party (2007)". Es posible que Jeremy Saulnier , el director, se inspirara en parte en la película Perros de paja de Sam Pepickpah(1971). 

Saulnier había realizado hace años un cortometraje como parte de un desafío cinematográfico de 48 horas en 2007. Aunque en la historia había elementos de "lo sobrenatural" y, según Saulnier, el quería algo "realmente divertido " soñaba como en replantear esta historia para que saliera algo "de la manera correcta". 

Aunque la película presenta una gran cantidad de violencia y lo que Saulnier llama "gore frontal completo", el director declaró que no es así " y que huye de lo "sádico ", ya que cada acto de violencia aparte del incidente inicial se hace con una razón. Como tal, Saulnier se aseguró de que no hubiera" primeros planos gratuitos "de personajes recientemente fallecidos.

El director declaró que nunca pensó en combinar deliberadamente géneros "porque de hecho, me niego a reconocer los límites que lo separan. Tiendo a hallar el humor en los lugares oscuros y me aferro a ese instinto fundamentalmente durante la fase de escritura. Cuando estoy solo con mi portátil   puedo regodearme en detalles y en tangentes y extraños instantes que, teóricamente, se deben abandonar en la sala de montaje . Pero por el hecho de ser verdaderos e inesperados pueden funcionar realmente bien en la pantalla. En muchos casos actúan como válvula de escape para público". 

El 22 de mayo de 2014, se anunció que Broad Green Pictures financiaría y produciría la película dirigida y escrita por el mismo Jeremy Saulnier, con la producción también de Film Science. Anish Savjani, Neil Kopp y Victor Moyers producirían la película. 

El 16 de octubre, Anton Yelchin e Imogen Poots se unieron al elenco principal de la película, junto con Alia Shawkat , Callum Turner , Joe Cole , Macon Blair - siendo esta la tercera colaboración con el director- y Mark Webber . De hecho fue el último largometraje de Anton Yelchin presentado antes de su muerte, el 19 de junio de 2016. 

El 21 de octubre, Patrick Stewart fue agregado al elenco para interpretar a Darcy Banker, el líder de un grupo violento de supremacía blanca, además de otros actores que incluyen a Kai Lennox, Eric Edelstein y Taylor Tunes. La incorporación de Stewart, muy al final del proyecto, fue todo un aliciente para el director. Éste declaró que "Estábamos ya muy cerca del inicio del rodaje y todavía no teníamos a nuestro Darcy. Y entonces, por casualidad, alguien de mi empresa de gestión comentó que Patrick se había unido a ellos. Al principio fruncí el ceño ante la idea porque Patrick es un actor digno y querido por todo el mundo y un hombre encantador, mientras que Darcy es un auténtico hijo de puta. Pero entonces se me ocurrió y exacto, por eso mismo es perfecto para ese papel!". A esto añadió el director que "fue increíble, y puedo asegurarte que no habrás visto nunca a Pâtrick Steward  tal y como aparece en esta película".

Por su parte el actor británico dijo en una entrevista que " que cuando terminó de leer el guión en su casa de campo en Inglaterra, estaba tan aterrado que cerró su casa, encendió el sistema de seguridad y se sirvió un whisky escocés. Luego supo que quería interpretar el papel de Darcy Banker porque un personaje tan horrible sería un desafío increíble y una película atractiva." 

El rodaje comenzó en octubre de 2014 en Portland, Oregon . La ubicación de la casa de Tad fue en Astoria, igualmente en Oregon , en la costa de Oregón, y las escenas del bosque fueron filmadas en el Bosque Nacional Mount Hood en ese estado occidental de Oregon . 

Green Room se proyectó en la "Quincena de Directores" en el Festival de Cine de Cannes 2015 . En el Festival Internacional de Cine de Toronto 2015 se proyectó en la noche de apertura , la película terminó en tercer lugar en la votación para el Premio Grolsch People's Choice Midnight Madness. 

La película tuvo un lanzamiento limitado en los Estados Unidos el 15 de abril de 2016, antes de ser lanzada extensamente el 13 de mayo con el apoyo en la distribución de A24 . El 29 de octubre de 2014, WestEnd Films adquirió los derechos internacionales de la película. 

La película alcanzó en taquilla unos $ 3.8 millones algo menos de lo invertido, 5 millones. La recepción crítica ha sido, en general favorable. Richard Roeper del Chicago Sun-Times elogió las actuaciones de Patrick Stewart, Imogen Poots, Alia Shawkat y Macon Blair y calificó la película como "una joya de horror horrorosa, espantosa y desgarbada" que tiene una cinematografía de "primera categoría", establecer el diseño, la banda sonora y la edición. 

Barry Hertz de The Globe and Mail escribió sobre ella que "Jeremy Saulnier (Murder Party, Blue Ruin) continúa una de las mejores rachas en el horror independiente con este aterrador e inventivo thriller". 

Lenika Cruz de The Atlantic dijo que era "un festival de gore tenso, uno tan sucio y claustrofóbico como la sala de título. Pero quítate la porquería y verás que la Sala Verde está llena de arte visual, humor negro, inteligente escritura y destellos de humanidad ". 

Jeffrey Bloomer de Slate comparó favorablemente la "madurez de género" de la película, "supervivencia amoral y sentido maleable del bien y el mal", "eficiencia brutal" y "humor cansado" y elogió al elenco, escribiendo " Si el mundo conoce algo de justicia [...] entonces Screen Actors Guild recordará este elenco cuando otorgue sus premios el próximo año ". 

James Berardinelli concluye que la película es "para cualquiera que disfrute de estar sentado en 90 minutos y sentir la adrenalina concomitante. Es como una película de terror bien construida" que es "Tan íntima como desconcertante". 

Guy Lodge de Variety dijo de ella que era "un thriller de terror de backwoods técnicamente afilado que carece de un elemento humano" y, completa su valoración diciendo, es "Un horror rústico técnicamente brillante que carece del factor humano (...) 'Green Room' tiene una sensibilidad ochentera que pone el gore funcional y los sustos a fuego lento por encima del espectáculo digital" 

Leslie Felperin de The Hollywood Reporter escribió que es entretenido pero "menos disciplinado, menos original y menos memorable que Blue Ruin ". 

Para Tim Grierson en Screendaily "'Green Room' carece de la poesía melancólica y la profundidad temática de 'Blue Ruin', la anterior película de Jeremy Saulnier, pero este desgradable thriller de serie B cumple con lo suyo: sangre, recuento de cadáveres y humor negro" 

Oliver Lyttelton en Indiewire afirma que es "Una película de género emocionante, sangrienta y divertida" Leslie Felperin del The Hollywood Reporter afirma que "Si te gustan las películas con música punk y pitbulls desgarrando gargantas, ésta es la tuya (...) Aunque es correcta, no tiene mucho que los fans del género no hayan visto cien veces antes" 

A. O. Scott en The New York Times sostiene que "El Sr. Saulnier sin duda podría haber hecho más, pero sale perfectamente airoso teniendo en cuenta los términos limitados que ha establecido para sí mismo." 

Por último, Peter Travers en Rolling Stone afirma que "'Green Room' es mucho más que explotación del mal gusto. Es una película de serie B con una base de arte y ensayo. (...) " 

En el Reino Unido en The Guardian se destaca que "El director de 'Blue Ruin' regresa a los bosques con un filme de horror para el público de masas con algo de sorprendente gore (...) " 

En España Javier Ocaña desde las páginas de El País nos decía que en ella "Hay energía, gusto, rabia, misterio. Hay un director que provoca sensaciones. (...) 'Green Room' no alcanza a mantener el listón arriba toda la película (...) sin respiro no hay clímax; y aquí todo es clímax".

Nando Salvá en El Periódico escribía que "'Green Room' es el ejercicio más eficaz de creación de suspense -punteado con estallidos de brutalidad y humor negro- urdido en mucho tiempo. Dejará usted los brazos de la butaca hechos trizas. (...) " 

Rubén Romero en Cinemanía destaca que en ella "Todo está pensado y planificado al milímetro (...) Ejercicio de virtuosismo que convierte la película en toda una sinfonía de la narración cinematográfica. (...)" En esta misma revista de cine Pablo González Taboada afirma que es "Un tenso thriller de supervivencia que remite al John Carpenter de Asalto a la comisaría del distrito 13. Factura potente, buen reparto y un sentido del ritmo perfectamente medido." 

Desirée de Fez en Fotogramas señala que "El valor de esta pesadilla a puerta cerrada no está en su contenido, sino en la maquinaria desplegada para hacerla rugir. (...)" 

En Argentina Diego Batlle en La Nación sostiene que es "Un festival de imágenes gore y espíritu de cine clase B que remite a John Carpenter, Walter Hill y el primer Peter Jackson." 

Apareció en muchas listas de críticos como una de las mejores películas de 2016 y recibió una nominación al Premio Empire 2017 por la mejor película de Terror , pero , como ya he señalado, su rendimiento estuvo por debajo de lo esperado en la taquilla, recaudando $ 3.8 millones contra un presupuesto de $ 5 millones. 

Como reconocimientos obtuvo el  reconocimiento de la National Board of Review (NBR) que la incluyó como una de las mejores películas independientes del año. 

En los Premios de los críticos de cine de Seattle se le concedió una nominación al mejor villano (Patrick Stewart). 

En una encuesta de críticos publicada por IndieWire fue bien valorada colocándola en tercer lugar ; y en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Neuchâtel consiguió el Premio HR Giger «Narcisse» también ganó el Premio del público , el Premio de la Juventud Denis-de-Rougemont. En el Festival de cine de Deauville fue nominado al Gran Premio. 

Ya hemos dicho que en el Festival Internacional de Cine de Toronto quedó en tercer lugar para conseguir el Premio Grolsch People's Choice Midnight Madness. En los Premios de Cine Fantástico de Austin ganó el Premio del público y en el Festival du nouveau cinéma ganó el Premio Temps Ø People Choice. 

En los Premios Fright Meter fue nominado a la mejor película de terror Cuarto verde Nominado , pero también al mejor actor en un papel principal Anton Yelchin, mejor actriz de soporte apoyo para Imogen Poots , mejor actor de reparto en la persona de Patrick Stewart . 

Fue nominado en los Premios Fangoria Chainsaw , al igual que al mejor actor Anton Yelchin, mejor actor de reparto (Patrick Stewart), mejor maquillaje y SFX para Wayne Eaton - resultando ganador-. Destacar que fue una de la últimas películas de Anton Yelchin.

He visto que en Movistar + se le califica de tensa, cruel, sangrienta, aterradora y divertida. Todo ello mediante una mezcla de "thriller", acción, terror y humor oscuro, muy oscuro.