sábado, 9 de diciembre de 2023

Capitanes intrepidos



Pocas películas consiguen revivir una y otra vez las mismas sensaciones que cuando la viste por primera vez. Pero digo mientras me seco las lágrimas de mis ojos tal y como ocurrió la primera vez que pude ver capitanes intrépidos la película de Víctor Fleming y Michael Anderson que siempre tendré en mi corazón como una de las grandes historias y aventuras del cine.



Se trata de una producción de la MGM que contó con Louis D. Lighton del año 1937 que las que llega al corazón sí o sí y que tiene como protagonistas a Freddy Bartholomew como Harvey Cheyne, Spencer Tracy como Manuel Fidello, Lionel Barrymore como Capitán Disko Troop, Melvyn Douglas como Frank Burton Cheyne, Mickey Rooney como Dan Troop, John Carradine como Long Jack, Sam McDaniel como Doc, entre otros.

En el apartado técnico destaca el papel de la música compuesta por Franz Waxman, la fotografía de Harold Rosson y el montaje de Elmo Veron. 

La película nos cuenta la historia de Harvey Chayne  (Freddy Bartholomew) un niño rico y malcriado acostumbrado a tener todo lo que desea. Huérfano de madre, es Criado en un internado con el dinero de su padre, pero sin su cariño. Su manera de ser no gusta en el colegio y terminan ordenando su expulsión. Y que tras ser expulsado de su centro de estudios precisamente por manifestar esos malos valores . Es entonces cuando el padre se da cuenta de sus carencias y, para enmendar su continuada ausencia. Mientras acompaña a su padre a Europa se cae por la borda mientras realiza el viaje con su padre, siendo rescatado por un barco pesquero que faena en los Grand Banks de Terranova ( Newfoundlanden) el que trabaja Manuel Fidello su salvador. 

Este lo lleva a la goleta de pesca We're Here, capitaneada por el viejo lobo de mar Disko Troop. Se ve entonces obligado a pasar los tres siguientes meses a bordo de la We're Here, un barco de Gloucester, Massachusetts, hasta que el pesquero regrese a puerto. Inicialmente el niño quiere convencer al Capitán con promesas de dinero del padre, pero no logra persuadir al capitán para que lo lleve de regreso a Nueva York ni puede convencerlo de su riqueza; pero el Capitán Troop le ofrece a Harvey incorporarse a la tripulación hasta que regrese al puerto. 

Harvey se muestra reacio a realizar un trabajo real, pero finalmente acepta. Se hace amigo del hijo del Capitán Troop, Dan (Mickey Rooney), y se acostumbra al exigente estilo de vida de la pesca. De entre todos los marineros establece un hilo de amistad con su salvador, Manuel. Entre ellos se establece una relación que primero es difícil, por el carácter del niño, pero después, gracias a las lecciones de vida de Manuel, se transforma en una relación de amor y respeto. Manuel ve en Harvey al niño que nunca ha tenido y el pequeño encuentra en el pescador la figura paterna que no tuvo presente durante años. 



En el barco vivirá todo tipo de experiencias y aventuras, y aprenderá a luchar por la superación, aprenderá a esforzarse y a ser valiente frente a las amargas experiencias que le esperan.



En la fase final de la película, una vez llenado el barco de bacalao llega el momento culminante: la carrera de regreso al puerto de Gloucester, Massachusetts, contra una goleta rival, la Jennie Cushman, 

En un momento de tormenta, Manuel sube a la cima del mástil para enrollar la vela. Sin embargo, el mástil se agrieta y él queda enganchado al correaje y sumergido en el mar helado, enredado en las jarcias que lo cortarán por la mitad. Manuel le habla al Doc en portugués y el cocinero le dice al Capitán: Ya no tiene la mitad inferior y no quiere que el niño lo vea. Le dice al capitán que lo libere del barco, sabiendo que esto lo matará. Harvey se arrastra sobre los escombros, llorando y angustiado, mientras el capitán asesta golpe tras golpe con el hacha hasta que el aparejo finalmente se parte. Manuel besa la cruz que lleva al cuello y se hunde bajo el agua. 

La goleta regresa a puerto y Harvey se reencuentra con su padre, quien queda impresionado por la madurez de su hijo. Harvey llora por Manuel, aleja a su padre y quiere quedarse en We're Here, pero Disko tranquiliza a Cheyne diciéndole que hay espacio en el corazón de Harvey para ambos hombres y que una vez allí "encontrará a Manuel una compañía muy satisfactoria". 

En la iglesia, Harvey enciende dos velas, una de la dedicada por Manuel a su padre, y otra de él a Manuel. Su padre escucha a Harvey rezar para volver a estar con Manuel algún día y sigue al niño hasta el bote de Manuel, que flota cerca del barco. Harvey está inconsolable y le ruega a Cheyne que lo deje en paz. 

Al día siguiente, frente al Fisherman's Memorial, él y su padre se unen a la comunidad de Gloucester para arrojar ramos y coronas de flores sobre la marea en homenaje a los hombres y niños perdidos en el mar durante esta temporada de pesca. 

La última toma muestra el auto de Cheyne, acelerando por la carretera con el bote de Manuel en un remolque detrás. A través de la ventana lateral, vemos que Harvey se ríe y gesticula, obsequiando a su padre con historias de sus aventuras. Se disuelve en un primer plano de un Manuel sonriente y luego la imagen de la estatua en el Memorial del Pescador.



La película es una adaptación cinematográfica de la novela homónima - Captains Courageous- , del escritor y poeta británico Rudyard Kipling, premium Nobel de literatura en 1907.

La historia del niño rico que acaba encontrando en un humilde pescador al padre y siempre quiso tener ya fue llevada a la gran pantalla y convertida en todo un clásico en el año 1937 de la mano del cine hasta Víctor Fleming quien años después consolidaría su éxito con las oscarizadas Lo que el viento se llevó y El mago de Oz.

En esta ocasión sin embargo, fue Michael Anderson que tuvo una nominación al Óscar por la dirección de La vuelta al mundo en ochenta días y fue quien cogió las riendas de la dirección ofreciendo una película homenaje los hombres del mar y supo crear una obra perfecta en todos sus aspectos para que esta rebosara emotividad y ternura. 

La película fue rodada en exteriores, y se actualizó la historia enmarcándola a mediados de la década de 1920. Se rodó en Port aux Basques, Terranova y Shelburne, Nueva Escocia en Canadá, y Gloucester, Massachusetts en los Estados Unidos.

El filme fue galardonado con el Premio Oscar 1938 al mejor actor principal (Spencer Tracy), y fue candidata a los premios al mejor montaje, a la mejor película y al mejor guion. Obtuvo también el Premio Photoplay- Medalla de Honor 1937 (Louis D. Lighton: productor).

La ejemplar narración consigue retratar magníficamente a los sinceros personajes protagonizados destacando un Spencer Tracy insuperable y guía vital y espiritual del chico Freddy Bartholomew que le dice: "I want to be with you, Manuel" -Yo quiero estar contigo, Manuel- en esta película de aventuras, pero es mucho más ya que habla del valor de la amistad y el trabajo por encima de la posición social y el dinero.



De ella se ha escrito mucho y muy bien. De entre ellos destaca lo publicado por Frank S. Nugent en el The New York Times cuando dice que "otro de esos grandes trabajos cinematográficos que esperamos del estudio más pródigo de Hollywood. Con su rica producción, magnífica fotografía marina, admirable dirección y actuaciones, la película trae a la vida cada página de la novela de Kipling e incluso añade un par de capítulos de su cosecha." 

En Variety se informa que "Al relato de Kipling (...) se le ha dado una espléndida producción, interpretación, fotografía y composición dramática." 

Jesse Hassenger en AV Club nos comenta "La destreza en la elaboración y una actuación merecedora de un Oscar ponen viento en las velas de 'Captains Courageous' (...) Gran parte de su encanto reside en lo no fantásticas que son sus circunstancias." 

En Harrison´s report se publicó que la película era "¡Excelente! Es el tipo de entretenimiento que el público no olvidará pronto, ya que su belleza espiritual deja una profunda impresión en uno". 

Para John Mosher de The New Yorker la película la calificó como "una película ... rica como imágenes magníficas como un boceto de la tormenta y la lucha en el océano" 



En la revista australiana Urbancinefile, Andrew L. Urban describe la película como "El logro de la película es trasladar de la página a la pantalla la manera en la que la relación se desarrolla, manteniendo la sensación de aventura a la par que el desarrollo de personajes." 

En el Reino Unido Geoff Andrew en las páginas de Time Out afirma que "Difícilmente es buen arte, pero sirve como pasatiempo." Para Philip French en The Guardian la película "Trajo una gran sensibilidad al mundo de los niños" 

Ya en España, Joaquín de Luna en El País sostiene que "Spencer Tracy enseña de manera entusiasta que la vida hay que agarrarla por los cuatro costados. Imperecedera." 

Y en Fotogramas nos dice que se trata de "Un clásico del cine de aventuras (...) Es uno de estos films que consiguen cautivar sin causa aparente, con el simple atractivo de la obra bien hecha y de la más simple emotividad." 

Para Fausto Fernández en X - antes Twitter- sentencia y siempre atina escribiendo ""Ay mi pescadito..." Si has empezado ya a llorar acordándote de Manuel es que sabes que Capitanes Intrépidos es una obra maestra sin ninguna pretensión de serlo. La gran aventura de hacerse hombre, de aceptar a la vida y a la muerte. " Como sigo llorando casi 11 horas después dejo ya la entrada.  



martes, 5 de diciembre de 2023

Mientras la ciudad duerme



Crown Vic es en una película estadounidense policiaca que contiene elementos de suspense y crímenes del año 2019 escrita y dirigida por Joel Souza, y que presenta a Alec Baldwin como uno de los productores en los que intervienen las productoras Brittany House Pictures, Wudi Pictures Limited, El Dorado Pictures, BondIt Media Capital y Crown Vic Productions estando respaldada por Gregg Bello - que también tiene un pequeño papel-, Anjul Nigam, Peter Toumbekis, Maxx Tsai y Jim Valdez. 

Esta protagonizada por Thomas Jane, Luke Kleintank, Gregg Bello, David Krumholtz, Bridget Moynahan, Scottie Thompson y Josh Hopkins. 



La película es de muy largo metraje. Desde el primer momento de la noche se van a ir sucediendo arrestos, persecuciones y brutalidad policial angelina en esta cinta sobre dos agentes, Ray Mandel y su aprendiz Nick Holland, que cubren un turno nocturno muy agitado.

La película que aborda la relación entre un poli duro y curtido en la jungla de la ciudad y otros recién llegado está escrita y dirigida por Joel Sousa y en la misma igualmente aparecen Luke Kleintank Gregg Bello, mientras que en la misma los responsable de fotografía son Thomas Scott Stanton, el montaje de David Andalman y la música de Jeffery Alan Jones... 

La película comienza a las 21:57 estamos en la ciudad de Los Ángeles y en el barrio o punto conocido como estación Olimpic. Dos agentes de policía: Uno el veterano que responda el nombre de Ray y otro un novato que responde al nombre de Holland se van a ver envueltos en una noche repleta de peligros. Nick Holland (Luke Kleintank) es un oficial recién nombrado del Departamento de Policía de Los Ángeles. En su primer turno de noche, le asignan patrullar la ciudad con el experimentado policía Ray Mandel (Thomas Jane ). Ray y Nick tienen personalidades completamente diferentes. 




Mientras que Nick, es un joven idealista , hijo de un oficial emérito de la policía y de enorme prestigio, que pretende desde su asignación - y tras pasar dos años como policía municipal- mejorar la ciudad , su colega lo pide que ponga los pies en el suelo. Se trata de Ray, un policía veterano, un hombre pesimista, divorciado con tendencia a saltarse las normas y recurrir, si es necesario, a la violencia. 



En su turno, van a vivir todo tipo de incidentes, desde el lanzamiento al coche patrulla de un ladrillo, hasta descubrir un coche ardiendo con una persona dentro, hasta actuar para evitar un robo, o intervenir en problemas doméstico con una mujer ida u otros incidentes. 



También rescatan a un sospechoso que casi muere a manos de un imprudente oficial desatado vestido de civil. 

En un momento dado Ray se para a recoger a una viuda drogadicta del un  compañero que era su pareja en el coche patrulla. Para poder hablar con ella y tratar de ayudarla, mientras que después humilla al vendedor de droga con el que iba y entregarlo a otro oficial que se lo lleva a su novio abusivo. 

Posteriormente, sale de servicio y del área asignada para rescatar a la hija de su ex pareja que fue abandonada por su madre que no pudo con ella. Ray admite ser el padre biológico de la niña. La policía también encuentra el coche abandonado conducido por ladrones enmascarados que mataron a varias personas `tras un asalto a un banco al inicio de la película. En una parada de tráfico, Nick es tomado por uno de los ladrones y asesinos como rehén y casi lo matan. 

El título de la película en su versión original deriva del Ford Crown Victoria, un coche muy utilizado por la policía estadounidense y que también utilizan los personajes principales.Alec Baldwin - que participa en ella como productor- y Scott Eastwood estaban originalmente programados para los papeles principales. Posteriormente, Thomas Jane y Luke Kleintank asumieron esos roles. A pesar de estar ambientada en Los Ángeles, la película se filmó en Buffalo, Nueva York.

Se estrenó el 26 de abril de 2019 en el Festival de Cine de Tribeca y se estrenó en cines y bajo demanda el 8 de noviembre de 2019 en los Estados Unidos, siendo un sonoro fracaso ya que no se recuperaron los 3, 6 millones de dólares invertidos. 

La película - por cierto que no hay que confundir con la homónima sueca de 1950 dirigida por Lars-Eric Kjellgren con Sven-Eric Gamble, Inga Landgré- recibió críticas mixtas de los críticos, que notaron similitudes con la película Training Day de 2001. Des la crítica más elogiosa de las encontradas , la de John Fink que The Film Stage sostuvo que era "Una película apasionante que se apoya en los diálogos y la violencia (...) Un estudio limitado pero efectivo del trabajo de calle de la policía" hasta la que apareció en la prensa británica firmada por Cath Clarke en The Guardian que nos dejó por escrito que se trataba de "Un drama sin ingenio de machitos que es bastante tedioso, pero que además nos pide simpatizar con unos justicieros de gatillo fácil (...)" . 

Entre medias, las demás, como la de Glenn Kenny de RogerEbert.com comentó sobre ella que "Aparte de una actuación sólida como una roca de Thomas Jane como el policía canoso, Crown Vic, que lleva el nombre del modelo de automóvil Ford que es el predeterminado de la LAPD en blanco y negro, tiene muy poco que ofrecer al cinéfilo exigente". melodrama de turnos construido alrededor de un giro muy enrollado de Thomas Jane... Crown Vic no es una mala película. Simplemente es demasiado común para destacarse." En esa misma web Brian tallerico sosytevo que "Algunos diálogos son demasiado evidentes y esa dinámica de veterano-novato ya la hemos visto cientos de veces antes, pero Jane hace que la película tenga fuerza".

Frank Scheck del The Hollywood Reporter comentó que "Aunque tiene elementos convencionales, 'Crown Vic' está bien elaborada e interpretada (...) A uno le gustaría que la película (...) no se pareciese a todas las series y películas de policías anteriores".

En el The New York Times Devika Girish escribió que "Presenta un giro melodramático y algunos discursos grandiosos que responden de forma defensiva y simplista a los debates actuales sobre la brutalidad policial." 

Noel Murray en Los Angeles Times dijo de ella que "Sus pequeños momentos humanos son más memorables que sus predecibles, efectistas y exageradas confrontaciones".

Yo , dándole la razón a los que ven su enorme parentesco con Trainnig Day, sostengo de que, al menos, es cierto que se trata de un filme oscura, previsible, dura, contundente, como un puñetazo en la nariz, hecho de forma directa y en la que las enseñanzas de uno son, a veces, incompatibles con la personalidad y el sentido profesional y ético del otro. 



Tres



Curioso filme español, que en inglés llevó por título 'Out of Sync' (fuera de sincronía) dirigido por Juanjo Giménez Peña que vuelve al largometraje después de algunos años. Su primera película de más de 90 minutos, 'Nos hacemos falta', pasó sin hacerse notar más que lo justo en 2001, sus muchos cortos sí han alzado la voz. 'Timecode', en 2016, se hizo con la Palma de Oro en Cannes. 

Estrenado en noviembre de 2021 cuenta con Marta Nieto, Miki Esparbé, Francisco Reyes, Luisa Merelas, Cris Iglesias y Fran Lareu.

Destaca en la película realmente una Coproducción entre España-Francia-Lituania en el que participan Frida Films, Manny Films, M-Filmsel guion de Juanjo Giménez, Pere Altimira y la fotografía de Javi Arrontes y la mmúsica de Domas Strupinskas.  




C. (Marta Nieto) es diseñadora de sonido. Disfruta con su trabajo. Pasa muchas horas sola, grabando efectos sala, wild-tracks, editando, mezclando. El estudio es su último refugio: un lugar donde postergar las averiadas relaciones que mantiene con su expareja, que ha iniciado una nueva vida con otra chica, que le exige la vivienda en la que vive y cuya novia ha quedado embarazada, con su madre , una mujer de mala salud con la que no mantiene una estrecha relación, y con sus compañeros de trabajo, aunque con uno, Iván ( Miki Esparbé) tiene una especial sintonía. 




Un día sus jefes le dicen que su trabajo está, desde hace días, todo desincronizado. La imagen y el sonido van por separado. Unas pequeñas décimas de segundo, pero no cuadran. A partir de entonces se dará cuenta que ese retraso se empieza a hacer cada vez más largo. Aunque ella aún no lo sabe, C. está comenzando a percibir que entre lo que ve y escucha hay un ligero retardo o 'delay' o simple retraso. Comienza a desincronizarse. 

Como si fuera una película mal sonorizada, su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes. 

De repente está curada, pero ya no es la misma. Su odisea sensorial la ha hecho madurar. Ahora dispone de una segunda oportunidad. Está en sus manos no dejarla escapar. 

El director de la misma declaró en alguna entrevista que "Cuando pasas mucho tiempo trabajando en un estudio de sonido, al salir a la calle te asalta la duda sobre si la gente tiene debidamente sincronizados los labios con cada una de sus palabras". Y añade que "Damos por un hecho natural que la imagen y el sonido van juntas y, en cambio, estimulan aspectos diferentes" y concluye con un "Cuando la voz va con retardo hay un instante en que todo queda detenido. Y quizá ese momento sea mucho más bonito que lo que va antes y después". 

El propio director al periodista de El Español cuando la película se estenó en Venecia que se basaron en un caso real de un piloto coreano que vive unos segundos desincronizados. Desde ahí se documentaron para trazar esta historia que le ha costado cinco años levantar. “Cuesta mucho levantar un largo. Yo he hecho otro corto por el camino, he seguido trabajando en otros proyectos, pero este ha sido a fuego lento, cuesta financiarlo. Una película independiente necesita apoyo público, televisiones, y un recorrido que tiene su tiempo”. 

En esa entrevista el director hizo una reflexión, “algo que nos toca a todos, vivimos nuestro tiempo”. Algo que ya estaba en Timecode, esa “sensación de comunicarnos en diferido, me gusta esa sensación de disociar imagen y sonido, el concepto de delay que ahora nos ha invadido y es parte de nuestro día a día”. Era un juego de forma y fondo, esta vez vino la idea de la forma: “Me gusta mucho la posproducción, el sonido. He trabajado en ello en cortos y en algún largo y pasas 10 y 12 horas en estudios y cuando sales a la calle tienes la sensación de que todo es una banda sonora. Te hablan tus colegas y dudas si estás en sincronía o no, y he hablado con diseñadores de sonido y me dicen que es algo común, y de esa semilla llegó todo lo demás, pero no queríamos que fuera algo en lo que solo estuviera lo formal, sino que estuviera dentro de la narración, porque nuestro cerebro no acepta la sincronía, hace el esfuerzo de unir siempre imagen y sonido”. Y siguió explicando que “quienes alguna vez hayan pirateado películas y ha intentado sincronizar la imagen y sonido y, por ejemplo, haya metido una banda sonora a 24 fotogramas y la peli a 25, esa sensación de que la imagen y sonido cada vez cuadra menos, pues hemos llevado todo eso hasta el extremo, pero era algo gratificante, aunque no para Marta y su personaje que fue un sufrimiento, porque los actores están acostumbrados a las pantallas verdes, pero no a viajar en el tiempo adelante y atrás”. 

El mismo director destacó de su película que tiene mucho de viaje en el tiempo con una de las escenas de sexo más originales que se hayan visto en mucho tiempo, una en la que lo que los sonidos del acto llegan casi dos minutos después de sus imágenes: “Lo hemos visto en todas las comedias románticas, que después de una secuencia, la pareja tiene sexo. Y en nuestro cerebro está asumido de forma natural que va a llegar esa escena, pues darle una vuelta me parecía una gozada, y un divertimento”. 

Esta película se estrenó en una sección paralea del Festival de Cine de Venecia dentro de la Sección Giornate Degli Autori. Desde aquí pasó por otros festivales de renombre como el Festival de Cine de Toronto, La Seminci de Valladolid y el Festival de Cine de Sitges; ganando en este último el premio a Méliès d'Argent a la Mejor Película. La película consiguió el Goya al mejor sonido, el mismo premio concedido en el XIV Premios Gaudí (2022) (Dani Fontrodona, Oriol Tarragó, Marc Bech, Marc Orts) siendo nominada al mejor guion. Fue nominada en múltiples premios más como los Feroz (mejor guion, mejor actriz y mejor película), lo mismo en este último caso fue nominada en los 54 Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2021, en los Gaudí y en el Forque, al trabajo de Marta Nieto.  

Ricardo Rosado en Fotogramas nos dice que estamos ante una " interesantísima trama de descubrimiento personal mientras el realizador, Juanjo Giménez, aprovecha su juguete al máximo, apoyándose siempre en la impecable interpretación de Marta Nieto, una de esas actrices que logra parecer la única posibilidad de encarnar a cada uno de sus personajes. Como acreditarán los acólitos de los festivales de género, sus programaciones están repletas de títulos que incluyen una tímida premisa fantástica que se diluye en un melodrama de autor al uso. Por suerte para todos, lo que Giménez y su coguionista –Pere Altimira Terol– orquestan alrededor de su fabuloso Macguffin es toda una película dedicada no solo a explorar el impacto de este evento en su protagonista, sino a deleitar al espectador con las propiedades del suceso con el que juega en forma y fondo" o en Cinemanía en cuya revista Carlos Marañón sostiene que sde trata de "Un tuya-mía tan eficaz como desasosegante, que nos devuelve a la sencillez del cine puro (...) Marta Nieto, atrapada en un eficaz mapa de sonidos “fuera de sincro”. (…) " 

Unánimemente elogiada dentro y fuera del país como lo prueba la críticas favorable de Javier Ocaña en El País cuando escribe sobre ella que "¿Director singular? Sin duda. ¿Obra singular? Aún más (...) Trabajo experimental, pero al mismo tiempo nada difícil para el público (...) en el que se funden lo físico, lo neurológico (...) formidable interpretación de Marta Nieto" o Tommaso Koch en ese mismo diario donde escribe que "Es capaz de enganchar durante largo rato al espectador. (...) cuando el público se acostumbra a la idea, pierde algo de fuerza. Pero entonces, la interpretación de Marta Nieto y la evolución de la trama acuden a sostener el filme hasta el final" 

O la que aparece en El Mundo escrita por Luis Martínez que defiende qie se trata de "Un excitante y preciso melodrama fantástico. Lo que en principio se antoja película fantástica poco a poco se desliza hacia el melodrama del mismo modo que de deshace en mil pequeñas intrigas. Se diría que el gran logro de la película consiste en controlar y modular cada una de las metáforas y bifurcaciones que propone hasta dar con el tamaño exacto de la mayor de todas las dudas. Provocadora, inteligente y sagaz, 'Tres' conmueve con la misma claridad que asombra (...)." 




Sergi Sánchez en La Razón dice que en ella "Se despliega, a la vez que un discurso sobre el cine como cámara de ecos, un precioso estudio de personaje (…) " ; mientras que Federico Marín Bellón en la páginas de ABC destaca que se trata de una "Originalísima película, en la que no es fácil entrar pero merece la pena quedarse (…) " 

Para terminar destaco la de Javier Zurro en El Español donde defiende que es una obra "Original y sorprendente película (...) Giménez vuelve a experimentar con la forma cinematográfica para jugar con el espectador." o Manu Yáñez en Fotogramas con el que coincido plenamente. Se trata de una "Formidable película (...) invita al espectador a contemplar, desde una perspectiva casi fetichista, las interioridades del artificio fílmico."



El campo de la muerte



Película que me ha recordado a Cube, a Escape Room, El corredor del laberinto o la española la Habitación de Fermat o incluso series como Lost , y otras muchas en las que no sé un por qué pero , de repente, un grupo de desconocidos han de vivir una situación límite y no sabe muy bien la razón. 

En este caso esta película titulada en inglés Escape the field,  del año 2022 nos cuenta la historia de como seis extraños despiertan en un campo de maíz remoto e interminable. Despojados de sus pertenencias, cada uno de ellos tiene un objeto.

Mientras suenan sirenas en la distancia y las trampas aparecen a cada paso, se dan cuenta de que forman parte de un juego del gato y del ratón con un mal invisible que trata de cazarlos. Su supervivencia depende de resolver un rompecabezas diabólico y mortal. Entienden que tienen que sobrevivir en este ambiente que resulta hostil, resolviendo acertijos con sus respectivas habilidades y algunos objetos que les han entregado (fósforos, una brújula, una cantimplora, una pistola de una sola bala, una linterna y un cuchillo).

Se van moviendo por el maizal, que descubren está mecanizado, deseando salir. Están sin agua ni comida, de sus vidas previas conocemos pinceladas y van discutiendo e intentando buscar explicación.

El campo está lleno de trampas y la lista inicial de seis componentes va reduciéndose debido a las trampas existentes, algunas de ellas mortales, y tóxicas como las que provoca el envenenamiento y locura en Ryan, aunque también se producen asesinatos no deseados por apuñalamiento.

El maizal con todo al igual que está lleno de trampas también lo está de pistas, incluso de delimitaciones, pues en gran medida el campo está automatizado. Desconcierta la presencia de esa criatura, se supone afectada por los elementos tóxicos.  

La explicación va llegando al final cuando Sam, que va deduciendo con gran sensatez, considera que está ante un experimento por parte de una corporación, en la que participan científicos, hombres con máscaras, militares, incluso una criatura. 

La película la dirige Emerson Moore que en 2019 estrenó It lives below y que contó para esta película de terror y suspense que elegí, dentro del catálogo de Prime, por haber visto alguna otra de ese tipo y en el que aparece él mismo de guionista junto con Joshua Dobkin y Sean Wathen y que está interpretada por Jordan Claire Robbins como Sam - una médico con la que se inicia la película- , Theo Rossi como Tyler, Shane West como Ryan - un militar- , Thairah Sharit como Cameron, Julian Ferder como Ethan, Elena Juatco como Denise, Emmerson Moore como el hombre de negocios y Jeff Kressen como la Criatura. Anacapa Pictures, junto a CR8IV DNA, Double Dutch International, Glanzrock Productions, Stormchaser Films son las productoras encargadas de la película en la que están implicados Andrew Davies Gans, Michael Philip y Jason Moring. 

La película cuenta con la fotografía de Stephen Whitehead, con el montaje Mitchell Martin y la música Will Musser. La película que la distribuyó Lionsgate aunque fuese un producto de serie B se rodó en Toronto en un cercano campo de maíz. 

Filmado en septiembre de 2020. Varios de los actores que fueron elegidos originalmente antes de la pandemia terminaron abandonándose, por lo que los productores tuvieron que reeleccionarlos. 

La actriz Elena Juatco dijo que esta fue una de las primeras producciones que pudo levantarse después de la pandemia porque se filmó al aire libre y solo había seis actores 

De ella han escrito poco. De entre lo escrito rescato lo dicho por Matthew Monagle en The Playlist al destacar que "No cambiará el mundo, pero es un sólido escaparate para todos los involucrados y se esfuerza por mantener al público entretenido (...)" 

Por su parte, Nick Allen de rogerebert.com considera que "Con una dirección dramática encorsetada y un monótono diseño visual que nunca genera terror más allá de unos planos de campos de maíz, no podría ser más aburrida. (...)" 

En mi caso la considero un producto básico y alimenticio destinado a las plataformas en streming , aunque llama la atención la fuerte distribuida que hay detrás. Se trata de un producto destinado al entretenimiento y , sin ser nada del otro mundo, medianamente lo consigue, especialmente, si estás trabajando con la elíptica. Tiene la ventaja de durar poco y de su falta de pretensiones. Es lo que es.   

lunes, 4 de diciembre de 2023

Divorcio a la italiana



Siempre he defendido que el cine italiano desde que acabó la Segunda Guerra Mundial hasta los años ochenta fue un puntal en la Historia del Cine. No sólo por sus aportaciones neorrealistas, fundamentales para el séptimo arte, sino por la calidad de sus textos en forma de guion la pericia de sus directores y técnicos, la infraestructura que supuso Cinecittá o el propio marco urbano del país, y por la calidad de sus actores y actrices que llevaron al cine italiano a una auténtica edad de oro. 

Buen ejemplo de ello está reflejado en una comedia tan especial como es Divorcio a la italiana realizada en un momento en que en Italia el divorcio no era legal y dónde las directrices y doctrina católica se imponía. Reflejo de todo ello es esta magnífica comedia de corte tan satírico como costumbrista del año 1961 dirigido por Pietro Germi y que cuenta con un inmenso Marcelo Mastroianni que aparece acompañado por una bellísima Estefanía Sandrelli, por Daniela Rocca, Leopoldo Trieste y Eduardo Spadaro. 



La película no se desarrolla sino en la atmósfera asfixiante de una Sicilia arcaica. De hecho la película se desarrolla en la ficticia ciudad de Agramonte, en la isla de Sicilia. El rodaje se llevó a cabo principalmente en el municipio de Ispica, en la Provincia de Ragusa, al sureste de la isla. Otras partes se rodaron en la ciudad de Ragusa (interior de la iglesia, en la catedral de San Giorgio) y en Catania (puerto de Ognina y escenas del cine en el teatro Bellini). 

La historia y el guion de esta película, Divorzio All'Italiana, fue escrita por Ennio De Concini, Pietro Germi, Alfredo Giannetti y Agenore Incrocci un momento en que el divorcio matrimonial estaba prohibido por las leyes italianas como ocurrió hasta que se aprobó en 1970. Antes sólo aprobaban la nulidad del matrimonio en caso de vicios al momento de realizarse. 

La historia que se nos cuenta a través de un largo "flashback" en el que , tras dieciocho meses de ausencia, Ferdinando Cefalú (Marcelo Mastroianni) vuelve a casa. Durante el viaje en tren Ferdinando recuerda a su mujer Rosalía ( Daniella Rocca) y a su joven prima Ángela ( Stephanie Sandrelli) , con la que había así vivido un apasionado romance sin esperanzas. Ahora está próximo a volver a su ciudad,  Agramonte, y así vamos conociendo la historia de Ferdinando "Fefè" Cefalù (Marcello Mastroianni), un noble siciliano empobrecido, casado con Rosalía (Daniela Rocca), una mujer poco atractiva pero esposa devota, que viven junto a su padres y hermana en un palacete de Agramonte, espacio que comparten con ese espacio con unos parientes, la familia de Don Gaetano (Odoardo Spadaro) que tienen una hija, su prima Angela (Stefania Sandrelli), una mujer mucho más joven y atractiva de quien Fefe está locamente enamorado y a quien sólo ve en los veranos, porque su familia la envía a la ciudad donde estudia en un internado. 



Además de con su esposa, Ferdinando comparte, como ya he señalado, su vida con sus padres, Calogero  y su hermana solterona y el novio de esta que tiene una funeraria. La familia comparte su destartalado palacio con sus tíos con los que la convivencia no es nada fácil dado los broncas habituales entre ambas familias. 



Tras la sospechas del padre de Ángela de que ella ha tenido una aventura con un hombre es enviada a un instituto de la ciudad y Ferdinando se tiene que quedar en la casa continuando con su vida anodina junto a Rosalía. 



La única evasión que tiene es la de imaginarse como podía llegar a ser libre de su mujer. Ferdinando desde que siente ese amor apasionado por su joven prima, pasa parte de su tiempo pensando en cómo puede deshacerse de su esposa, como arrojarla a un caldero hirviendo para convertirla en jabón. 



Después de ver a Angela en la Iglesia el sospecha que ella comparte sus sentimientos. Con esto, él resuelve llevar al cabo su plan y se inspira en una noticia presentada en la prensa local de una mujer que ha matado a su marido en un ataque de celos, para hacer que su esposa tenga una aventura y atraparla "in flagrante delicto", asesinarla, y recibir una condena leve por cometer un crimen pasional, estudiando con mucho cuidado el Código Penal de Italia. Se trata de un tipo de delito coherente con la psicología del sur de Italia que no deshonra a quien lo comete sino que más bien le confiere un cierto prestigio como es el crimen pasión pasional su idea es cometerlo con el fin de librarse de su mujer. Es una fácil solución aceptada por la sociedad machista del momento ya la que ha de recorrer por la inexistencia de una ley de divorcio en la Italia de la época así como por la existencia de un código civil que se mostraba benévolo con los esposos traicionados.

Ferdinando empieza a realizar su plan, buscando a un hombre que pueda ser el "amante" para su esposa. Al fin halla al "candidato". Se trata de un pintor , que había luchado durante la Segunda Guerra Mundial en África, y el hombre de que Rosalía se había enamorado de joven. Se trata del ahijado del sacerdote local (Antonio Acqua), Carmelo Patanè (Leonardo Trieste), para él ha de ser el pretendiente de Rosalía - ya que ella presumía que había muerto en África durante la Segunda Guerra Mundial, pues en el pueblo se le daba por desaparecido. 

La fase final de su plan es lograr la constante presencia de Carmelo en su casa, lo cual logra por el deseo de Ferdinando de restaurar unos frescos de su palacio. El plan tarda en dar resultados, porque Carmelo es muy reservado y Rosalía exhibe una fidelidad conyugal a toda prueba. 

Ferdinando controla el desarrollo de su plan grabando todas las conversaciones de aquellos y evitando el enamoramiento de la jovencísima criada, Sisina (Margherita Girelli) que día a día se aproxima con más interés a Carmelo. 

Durante sus grabaciones, Ferdinando descubre que Sisina - que también recibe ataques por parte del patriarca de los Cefalú- se ha enterado en una confesión con el sacerdote local que Carmelo está casado y tiene tres hijos.

Carmelo todavía ama a Rosalía y esta que es una incurable romántica no sabe resistirse al hombre al que había amado antes de casarse.  Sin embargo, el plan resulta mejor de lo esperado, pues Rosalía y Carmelo finalmente ceden a sus pasiones, pero mientras Ferdinando escucha, la cinta se termina justo en el momento en que los adúlteros organizan su siguiente encuentro; todo lo que Ferdinando sabe es que dicho encuentro sucederá durante la noche siguiente. Rosalía finge tener un terrible dolor de cabeza para no ir al cine y ver la película que está siendo una sensación en Italia, la Dolce Vita de Federico Fellini, y se queda en casa, mientras que el resto de la familia sale al cine para ver la "première" de un film tan escandaloso que nadie quiere perdérselo. 

Ferdinando sale a escondidas del teatro y vuelve al palacio donde llega a tiempo de ver a Rosalía huir hacia la estación; él la persigue, pero tiene que volver a casa para recoger el revólver para matar a los amantes. Pero los amantes huyen en el tren. Ferdinando vuelve a leer el Código Penal, que exige que un crimen pasional debe ocurrir en el momento o en defensa del honor propio. Esto significa cambiar el plan original y hacerse pasar por un cornudo. 

Mientras tanto, Angela ha estado escribiendo a Ferdinando para asegurarle su amor incondicional, pero una de sus cartas es entregada por error a su padre, don Gaetano, quien muere de un ataque al leerla. 

Durante el funeral, la Sra. de Patanè enfrenta a Ferdinando para exigirle que haga algo en venganza a su situación, pero como él no hace aún nada, ella le escupe en la cara frente a todo el pueblo, que le termina por dar la "afrenta pública" al honor familiar por la huida de su esposa. 



El mafioso local ofrece localizar a los amantes en menos de 24 horas, lo que sucede; mientras Ferdinando va al escondite de los amantes, se cruza con la Sra. de Patanè, quien le avisa que acaba de matar a su esposo, lo que deja a Ferdinando en una peor posición de la que ya tenía. Sin otra opción, Ferdinando sigue los pasos de la Sra. Patanè y finalmente asesina a su esposa. 

Durante el juicio, Ferdinando es defendido por el abogado, quien culpa al padre de Ferdinando por su falta de amor mientras lo criaba. Ferdinando recibe una sentencia menor de tres años en prisión y finalmente regresa a casa para encontrar a una amorosa Angela que lo espera. 



En el epílogo de la película, Ferdinando y Angela contraen matrimonio y son felices, mientras se besan él piensa que "Verdaderamente, la vida comienza a los 40", mientras la cámara se centra en los pies de Angela, lo cual hace dudar de la felicidad de la pareja pues ella besa a Ferdinando pero a la vez acaricia con su pie desnudo la pierna del joven piloto del barco donde ambos viajan. 

Producida cuando en Italia aún estaba prohibido el divorcio es una comedia divertida y chispeante que consiguió un Oscar que en buena medida se debe a su historia pero que también es tributario de uno de los mejores trabajos de Marcello Mastroianni como actor en una clave irónica y perfecta que se extiende a la película con un es inesperado giro final capaz de acercarla a la perfección. La película fue premiada en los 20ª Globos de Oro (1963) ganando el premio al mejor actor -algo que también ocurrió en los BAFTA 1964- y mejor película extranjera; en los BAFTA fue nominada a la mejor actriz y mejor película ; y en los Oscar fue nominada al Mejor director, Mejor actor, Mejor argumento y guion escritos directamente para la pantalla (Ennio de Concini, Alfredo Giannetti y Pietro Germi), por lo que fueron premiados en este excelente ejemplo de la mehjor comedia italiana .



De ella, Variety escribió que estaba "Hábilmente escrita, con una visión penetrante, casi brutal, de Sicilia y su anticuado modo de vida, la dirige Pietro Germi con ritmo incansable y consistente mordacidad".

Más cercanas en el tiempo fueron las críticas que aparecieron en El País de Fernando Morales y Luis Martínez aque escribieron , respectivamente, que eran "Un lujo del cine italiano (...) Rebosante de ingenio" y una "Desternillante galimatías con parada y fonda en la más abrasiva de las irreverencias. Todo tan cómico, tan real".



Como siempre me quedo con la descripción de Fausto Fernández que escribió en X -antes Twitter - que " Posiblemente el film más popular (Oscar mediante) del extraordinario Pietro Germi, una comedia ácida, negra, con Mastroianni y señoras (sicilianas) no depiladas". ¿Qué voy a decir yo de esta comedia ácida, satírica, reivindicativa, política, divertida, ingeniosa y memorable, primorosa en el trabajo de los actores, tan auténticamente italiana?. Es una genialidad, sólo eso.  



Vulcano, figlio di Giove



Llevaba muchísimo tiempo sin ver un Peplum, pero éste ha merecido la pena. ¿por qué? Pues las razones son múltiples. Por lo pronto, por haberse rodado en Irán, cosa que me parece alucinante en una película de los años 60 con capital europeo. Pero, además, porque la desnudez tanto de hombres como de mujeres es llamativa para ser una película del año 1961 cuando el cine italiano se centraba en los peplum. 

La película aporta poco al cine puro entretenimiento pero fue todo un cine popular y fue todo un éxito en su época. la película estuvo dirigida por Emimmo Salvi que inició su carrera en el mundo del cine primero como inspector de producción y luego como jefe de producción en numerosas películas como Francesco, bufón de Dios (1950) y Viaje a Italia (1954) de Roberto Rossellini , El bígamo (1955) de Luciano Emmer , Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini. 

Posteriormente pasó a dirigir películas del llamado género , especialmente spaghetti westerns y peplums . En 1981 comenzó a filmar una película peplum, Zeus , que no completó ya que se quitó la vida al descubrir que tenía diabetes El guion de la misma, complejo como pocos, a pesar de ser una historia simple, fue realizado por Benito Ilforte , Ambrogio Molteni , Emimmo Salvi, Gino Stafford. Se trataba de una película que mostraba la lucha entre colosos, entre los verdaderos gigantes de la violencia y de la maldad. 

En este caso la historia poco tiene que ver con el ´titulo pues que Vulcano sea hijo de Júpiter pinta poco. Es mucho más relevante el protagonismo de Maciste, este semidios o héroe que nace en una película de 1914 en Cabiria , el primer peplum espectacular por antonomasia dirigida por Giovanni Pastrone.

Se centra en el deseo de Júpiter de buscar un marido para frenar los devaneos de su hija Venus que tontea con todo el mundo y a la que quiere castigar. 


Le busca incluso entre dos candidatos: Maciste, un héroe que trabaja en la fragua de Vulcano como herrero, y Marte, el dios de la guerra. 



Después de que Marte secuestre a Venus - realmente , se escapa- y Maciste sea expulsado del Olimpo por medio de un treta  en la que está implicado Plutón aliado de Marte. 




Entre medias aparecen otros dioses como el mismo Júpiter asesorado siempre por Mercurio, diosas como la de la discordia, Eris, que lleva la confrontación a los seres humanos y, por supuesto, una voluptuosa Afrodita que encandila a todos humanos y no humanos. La historia se puede resumir en que el dios Marte se pelea con Júpiter y, junto con la diosa de la belleza Venus , va a la Tierra para planear un ataque al Olimpo.

Júpiter lo descubre y envía a su hijo Vulcano para detener al traidor que mientras tanto se ha aliado con el pueblo de Tracia. Lo cierto es que tras una disputa entre Júpiter y Marte, este último baja a la Tierra acompañada de Venus. Marte le enseña a los tracios cómo construir un castillo que se supone será más hermoso que el Monte Olimpo. 

Júpiter asigna a Vulcano y a Etna la búsqueda de Marte. Finalmente, los tracios dirigidos por el malvado y salvaje Milos (Ugo Sabetta) capturan a Etna y la torturan. Vulcano le salva la vida e incita a los esclavos de los tracios a un levantamiento. Marte y Venus regresan al Olimpo, pero Júpiter envía a Vulcano de regreso a la Tierra para estar con el Etna. 

Normalmente los peplum los dioses acostumbran a ser personajes de fondo que influyen en los destinos de los héroes de la época. Sin embargo en esta ocasión se trata de todo lo contrario una historia sobre la batalla entre los más poderosos del universo.

La película es una superproducción italiana que narra las aventuras de Plutón, el coloso aquí interpretado por Gordon Michel que emigró Italia para seguir los pasos de su compatriota Steve Reeves. Junto al norteamericano nos encontramos con la atractiva Annie Gorsani como Venus, así como el poderoso iraní Iloosh Khoshabe , que interpretó varias películas en peplum como Hércules, Sansón y Maciste pero que actuaba siempre bajo el nombre de Rod Flash y que este caso asume el papel de Vulcano. 

Bella Cortez interpreta el papel de Etna, Roger Brown como Marte, Furio Meniconi como el irascible Júpiter, Isarco Ravaioli como Mercurio, Salvatore Furnari como el enano Geo y las ninfas que son interpretadas por Liliana Zagra, Edda Ferronao e Yvonne Sire.

Todos ellos se pusieron bajo las órdenes de Emimmo Salvi, responsable que fue de otra película clásica de la época David y Goliat. El director planteó esta película que llevó como título en español Titán frente a Vulcano, un año después de escribir y producir el Gigante de Metrópolis. Esta fue su ópera prima como director. Como productores aparecen Espartaco Antonucci y como Productor ejecutivo, Decio Salvi. La película fue presentada por Spazial Films y está producida por Junio ( Roma). Otros responsables técnicos son Mario Parapetti encargado de la fotografía, quedando su hermano Roberto como responsable de los efectos especiales, en el montaje Otello Colangeli, en la música Marcello Giombini, en el vestuario -o más bien- en los disfraces, está Augusta Morelli y en la escenografía Angelo De Amicis. 

Comentar igualmente que la película fue un éxito de público y de taquilla. Obtuvo veintitres millones de dólares en taquilla y fue vista por diecisiete millones de espectadores en todo el mundo.

Fue rodada en Irán el dios Vulcano está interpretado por el citado Iloosh Khoshabe, actor y culturista de esa nacionalidad. La cubana Bella Cortés es la ninfa siciliana Etna y Gordon Mitchell tiene un pequeño papel como Plutón. 



Fausto Fernández califica a esta película como "muy freak" , dijo sobre ella que era una película llena de "Celos y líos amorosos entre dioses (romanos) para que al final Venus se lo monte con Maciste " y escribió en Twitter sobre ella que era "Trotona y deliciosamente absurda"

Una película para pasar un rato, y entendiendo su contexto, sorprenderse, sin mucha más trascendencia. 


domingo, 3 de diciembre de 2023

Declaración de emergencia



Si hace unos días hablábamos de que había visto una película coreana como Mogadiscio o Huía de Mogadiscio - que estaba basada en hechos reales - hoy he vuelto a ver otra coreana del mismo año dos mil veintiuno y que no está basada en hechos reales pero sí nos quiere presentar el carácter solidario y valiente del pueblo surcoreano.

Se trata de un thriller de acción y sobre todo de catástrofes que fue estrenado en el Festival de Cannes de 2021 y que tiene como punto de partida un ataque bioterrorista en el interior de un avión en marcha con destino a Honolulu en Hawaii y la apariión de un virus mortal. Curiosamente, la realización de Emergency Declaration comenzó inmediatamente antes del estallido de la pandemia de COVID-19, aunque la idea de la película venía de muchos años atrás. Lo cierto es que en agosto de 2019, Showbox confirmó que Song Kang-ho y Lee Byung-hun acordaron aparecer en la próxima película Emergency Declaration del director Han Jae-rim. La filmación se reinició en septiembre de 2020 y concluyó el 24 de octubre de 2020. Esta parada de dos semanas obligó a aumentar el presupuesto de la película en diez millones de dólares.

El director de la película es Han Jae Rim y es la misma participan actores reconocibles del nuevo cine coreano entre ellos el personaje que hace de detective que es el que inicia la investigación tras un aviso de que un hombre amenaza con efectuar un ataque terrorista contra un avión seguida de la muerte extraña de un hombre en circunstancias no muy claras y una posible catástrofe bioquímica que acaba de ponerse en marcha.  

La película comienza con el deseo de justificar su título que no es otro que la expresión que da título a la película, Emergency Declaration o Declaración de emergencia, es la que declara el capitán de una aeronave cuando esta corre el riesgo inminente de sufrir un desastre. 

Tras esta información pasamos al aeropuerto de Incheon, y en él nos encontramos la tripulación de un avión que se dirige a su aeronave, cuando uno de los pilotos se fija en un hombre que luego nos enteraremos que es Jae-hyuk (Lee Byung-un), un padre que, a pesar del miedo a volar que padece tras una experiencia traumática, decide embarcarse hacia Hawai en el vuelo KI501 con su hija, una chica acomplejada por tener un ezcema en un brazo, donde la pequeña podrá recibir mejores cuidados médicos. 

Mientras tanto, en el arepuerto deambula un joven, Jin-seok (Im Si-wan), que pregunta de forma inapropiada a una chica de una aerolínea sobre cuál es el avión con más pasajeros y que se comporta de forma inapropiada con ella cuando le informa que no puede darle respuesta - insultándola al llamarle puta por sonreir, o incluso amenazadora con otros viajeros como ocurre tanto con la hija y el propio Jae-hyuk . 

En paralelo, por la ciudad, In-ho (Song Kang-ho) conocemos a este detective de policía, que se ha visto obligado a renunciar a unas vacaciones familiares por motivos laborales. En su Departamento se recibe una llamada de que puede haber un incidente aéreo pues un científico ha llamado para informar que todo un avión morirá. 



Al conocer la llamada se preocupa pues su mujer , que le ha preparado un caldero de sopa de buey, sale ese mismo día rumbo a Honolulu. El teme que la amenaza se refiera a ese vuelo que acaba de abordar su esposa. Precisamente ese es el vuelo en el que un pasajero tiene un extraño comportamiento. 

Tras eso, el policía comienza a indagar a la llamada recibidaque le lleva a un barrio caro de la ciudad y, en concreto, a un vecino que tuvo un incidente con un señor mayor. Los niños a los que pregunta le enfocan el piso del señor mayor y , horrotizados, en su interior los policías descubren un cadáver del anciano. 

Una primera investigación concluye la policía que el individuo ha sido intoxicado por un virus de laboratorio, por lo que estallan todas las alarmas al confirmarse la presencia de un posible científico saboteador que ya supone una verdadera amenaza terrorista. 

Durante el vuelo, el chico de comportamiento extraño deja en el servicio un polvo que es el propagador del virus mortal. Al poco tiempo un pasajero muere en circunstancias misteriosas. 



El terror de los muchos inocentes a bordo y una escalada de hechos llevan al piloto Hyun-soo (Kim Nam-gil) del KI501 a solicitar un aterrizaje de emergencia. Mientras tanto, en tierra, frente a la dramática noticia, el pánico se extiende entre las familias de los pasajeros del vuelo. 

La ministra de Transportes Sook-hee (Jeon Do-yeon), informada del incidente, organiza un equipo antiterrorista para ir al rescate de la aeronave. Pero tanto los Gobierno de Estados Unidos como el de Japón se niegan a dar permiso a la aeronave para su aterrizaje de emergencia ante la posibilidad de introducir en sus países el virus. 



Las autoridades coreanas intentan contrarrelos encontrar un antídoto pero la esperanza se viene abajo, únicamente la intervención del agente In-ho que se inocula una alta dosis del virus y que pide que un fármaco experimental pueda tratarlo evita que el avión se pierda en el océano ya que los pasajeros deciden que por el bien de sus familias que es mejor desaparecer en el mar que aterrizar y extender el virus. 



Un giro final con el antódoto y la decisión del expiloto Jae-hyukde hacerse con los mandos de la nave permiten que se salve parte de los viajeros. En las escenas finales vemos como al cabo del tiempo los supervivientes vuelven a reunirse en una barbacoa, siendo el peor parado de todos el oficial In-ho que se ha quedado con un gran afectación en las vías respiratorias, acabando así la película. 

Declaración de emergencia cuenta con escenas muy realistas, Tomas giratorias espeluznantes y precisos efectos de cámara así como gusta de escenarios a gran escala y un sonido que insana ha de ser absorbente para hacernos palpar en todo momento la tensión y el riesgo al que están expuestos surs personajes.

La película, Bisang seaseon, es una cinta coral dividida en tres actos; inicio, el proceso político y científico y la resolución final que cuenta con intérpretes como Song Kang Ho , presente en parásitos o en broker, así como Lee Byu g-hum, que aparece en el juego del calamar. La persona más implcada en el proyecto producida por Wooju Film Co., Ltd. y Showbox Co., Ltd. fue su director que está en calidad también de guionista y de responsable del montaje. La música, dominantemente dramática, recayó en Lee Byung-woo y la fotografía en Lee Mo-gae. 

El director, al concluir, declaró: «Como productor y director, estoy muy satisfecho con el hecho de que todos terminaron de filmar bien». En posproducción, el director Han Jae-rim afirmó que las películas sobre desastres hechas en Corea del Sur se habían centrado en el proceso de superación del desastre, pero que él «quería salir del trauma para ver cuántas personas se movían con sinceridad y rescataban a las personas cuando ocurría un desastre». Y sobre la filmación y la actuación añadió: «creo que la parte a la que hay que prestar atención en la escena del avión es la fiesta de las excelentes interpretaciones de los actores. De lo que realmente quiero presumir es de esto».  



Emergency Declaration fue invitada a la sección fuera de competición del 74.º Festival de Cine de Cannes, que tuvo lugar en julio de 2021.En España fue invitada en la sección Órbita del 55.º Festival de Sitges en octubre de 2022, donde recibió una nominación a la mejor película. 

La valoración por parte de la crítica es diversa. Oscila entre el elogía y la feroz visión de la misma.De ella ha dicho la crítica especializada un poco de todo. Peter Debruge de Variety señala que "Desde la perspectiva narrativa, ver lo que Han puede hacer con el interior de un avión (...) es francamente inspirador". Según Robert Daniels de la web de rogerebert.com "'Emergency Statement', un thriller penetrante, consigue ofrecer emoción y melodrama a partir de una historia ridícula". En Playlist Christian Gallichio se pregunta "¿Es buena 'Declaración de emergencia'? En realidad no. Es seria, demasiado sentimental, complicada y dura cerca de dos horas y media impías (...) Pero, incluso con estos problemas, es un infierno un paseo"; aunque - entre nosotros-, en esta misma web Simon Abrams escribió que era "Una oda pesada y desesperada a nuestra humanidad común que también intenta asustar y emocionar a los espectadores hasta la sumisión (...) Una tragedia para sentirse bien sobre una crisis realista (...) .



El británico Lee Marshall, por su parte, en Screen Daily critica la falta de versosimilitud en algunos aspectos esenciales del desarrollo de la trama, y señala que la película cumple con los requisitos del género sin agregar muchas novedades. Marshall escribe que se puede ver a los pasajeros del avión son una muestra de un micocosmos de a sociedad en general , y «que se ven obligados a tomar sus propias decisiones sobre si o no aislar a los pasajeros infectados [...] y si hacer colectivamente el máximo sacrificio para salvar muchas más vidas que las 121 personas en el vuelo 501. Esta idea podría haber sido llevada a algún lugar intrigante, pero la película permanece como una serie de bocetos que son casi borrados por el final trillado y poco auténtico». 

Para el francés Thomas Bécard en Télérama, Emergency Declaration es «un eficaz thriller que clásicamente juega con la tensión entre el horror de la situación en el avión y la gestión de la crisis en tierra», aunque se pregunta también si presentar una historia de virus en la actualidad puede calificarse como un acto valiente, inconsciente o sádico. 

Miguel Muñoz Garnica (EAM Cinema) encuentra que «las partes del interior del avión terminan resultando ramplonas, sin demasiada inventiva para rodar la acción más allá de la recurrencia a escenas de cámara lenta y música solemne. Peor aún, resultan de una blandura insólita en el thriller coreano», y concluye escribiendo que la película «deviene agotadora en sus múltiples giros complacientes y en su falta de garra para obtener algún plano memorable»



También recibió algún premio. En los Premios del Cine Coreano conocidos como el Dragón Azul 2022 consiguió ser premiada como el Mejor actor para Lee Byung-hun , siendo nominada al mejor director ( Han Jae-rim ), mejor actor de reparto ( Byun Yo-han y Yim Si-wan ) y mejor actriz de reparto para Kim So-Jin , nada comparable con Mogadiscio. 

Para concluir decir que la película si eres fan del cine de catástrofes, en los que se mezcla el espectáculo y el drama personal de los protagonistas o, simplemente, de los dilemas morales, del bien colectivo o del personal, o fan del cine coreano, de sus actores y actrices, esta es tu película.