Muerte de un ciclista

Pocas veces un premio es tan justamente merecido. Fue en Cannes en el año 1955 cuando tras ser presentada la película de Juan Antonio Bardem esta se llevó el Premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI). Pocas veces he visto algo más justo y adecuado. Una obra monumental del cine español.  

La película es mucho más que un thriller. La película habla del egoísmo, de una sociedad rota e hipócrita, de los efectos de una guerra, de un contexto internacional...Pero además es un compendio magistral de lo que es el cine. La manera de introducir la historia, la entrada de los personajes, los cuadros de cada una de las escenas. 

Esta coproducción hispanoitaliana encabezada por Manuel Goyanes en la que participan Suavia Films, Trionfalcine, Guión Producciones Cinematográficas y que parte de un Guion escrito por Juan Antonio Bardem y Luis Fernando de Igoa .

En cuanto a la música será compuesta por Isidro B. Maiztegui contando con la fotografía de Alfredo Fraile , el montaje de Margarita Ochoa y la escenografía de Enrique Alarcón.

En cuanto al reparto lo encabeza Lucia Bosè como María José de Castro , Alberto Closas como Juan Fernandez Soler,  Otello Toso como Miguel Castro, Bruna Corra como Matilde Luque,  Carlos Casaravilla como Rafael "Rafa" Sandoval , Manuel Alexandre como ciclista , Fernando Sancho como sargento de policía de tráfico  y Matilde Muñoz Sampedro como vecina del ciclista muerto . Junto a ellos aparecen Alicia Romay, Julia Delgado Caro,  Mercedes Albert, José Sepúlveda, José Prada, Fernando Sancho,  Jacinto San Emeterio, Manuel Arbó, Emilio Alonso, Margarita Espinosa, Rufino Inglés, Antonio Casas, Manuel Guitián, Elisa Méndez, José María Rodríguez, Carmen Castellanos, José María Gavilán, José Navarro, Gracita Montes.

María José (Lucía Bosé), una joven dama de la burguesía madrileña, esposa de un rico industrial, mantiene una relación adúltera con quien fuera su antiguo novio, y ahora amante Juan (Alberto Closas) , un profesor universitario,  ex combatiente con Franco, que trabaja en la Universidad gracias a las influencias de su cuñado, un alto cargo del régimen. 

Un día, mientras vuelven de uno de sus encuentros clandestinos atropellan accidentalmente con su automóvil a un ciclista. Se detienen para comprobar su estado. Juan se acerca al moribundo, se agacha y dice: "está vivo", pero, apremiado por ella -que se mantiene de pie con dureza-, ambos vuelven al coche, y huyen al  no socorrer al ciclista dejándolo morir sobre el asfalto por temor a que se haga pública su relación. 

Tras el accidente la pareja de amantes viven atormentados por el remordimiento y el miedo, que les perseguirá a cada momento hasta que descubren que nadie sabe nada de lo sucedido. Pero la actitud de ambos es muy diferente. En Juan predominará el dolor y en ella el miedo.

Ella, intentará llevar una vida de aparente tranquilidad con su marido, Miguel (Otello Toso ). En una de las fiestas a las que asiste , sin embargo, comienza a sentirse asediada por uno de los invitados, un  crítico de arte de nombre Rafa (Carlos Casaravilla ) que busca chantajearles pues insinúa que conoce la verdad, sin que quede claro si se refiere tan sólo a que son amantes o también a la muerte del ciclista. 

María José, dominada por la suspicacia ante las molestas insinuaciones de Rafa, que parece insinuar, a su juicio, conocer lo ocurrido, teme por la integridad de su reputación social. 

Por su parte Juan, se siente abrumado, no llegando a cumplir con su trabajo con eficacia ya que como confiesa a su madre no quiere aspirar a ser Catedrático , En un acto de negligencia profesional especialmente tras saber de la muerte del ciclista que abandonaron le aboca a un descrédito aún mayor del que siente por si mismo ya que es público su acceso a la Universidad gracias a su cuñado, un hombre del régimen. 

Durante una de sus clases y mientras el se entera de la muerte del ciclista, una alumna, Matilde ( Bruna Corra), sale a la pizarra para someterse a un examen. Durante el transcurso de la exposición, la voz de la alumna se le antoja a Juan asfixiante, y le estrangula el pensamiento, de tal modo, que acaba prorrumpiendo un grito, conminándola a marcharse a su sitio. 

Al poco tiempo, Juan le suspende el examen, y como consecuencia de ello, debe asumir las decisiones de sus superiores y afrontar las protestas de los alumnos. 

Juan, por su parte, ofuscado por un sentimiento de culpa, no ceja en su esfuerzo por conservar la calma, y asumir sus quehaceres con una aparente normalidad. Sin embargo, este incidente despierta en él una  conciencia dormida que lo lleva a visitar a la familia del ciclista y se da cuenta de la miseria en la que vive esa familia.

Juan  descubre así un mundo pobre y amargo. Esta visita, junto a la actitud solidaria y valiente que reconoce en los estudiantes al apoyar a su compañera en la protesta, así como la intervención de un Rafa borracho que le cuenta a Miguel sus sospechas no sus conocimientos y con el que acaba pegándose, le motivan a contar toda la verdad a la policía.

Sin embargo, María José no está dispuesta a sacrificarse y a perder su status social, así que decide salir de España junto a su marido. No obstante tiene lugar un encuentro por última vez en la que él le pide ir a declarar ante la policía. 

Los dos van al lugar en el que mataron al ciclista, un lugar cercano al sitio en el que su amante lucho durante la guerra civil, una guerra que siente que no ha servido para nada. 

Allí el reflexiona sobre la necesidad de declarar, pero ella renuncia, sin embargo, a sacrificar su posición social y, para evitarlo, atropella deliberadamente a Juan, en la misma carretera donde fuera atropellado el ciclista. A ella, sin saberlo, le aguarda la misma fatalidad que a éste. 

Mientras regresa a su casa, se le atraviesa un segundo ciclista, y por evitarlo, da un giro brusco, se precipita por un puente, y muere. El ciclista mira hacia las luces de un lugar a media distancia, no se sabe si por pedir ayuda. El caso es que toma su bicicleta y se marcha del lugar, sin quedar claro si va a declarar lo sucedido, aunque lo más lógico es que denuncie lo ocurrido. 

En España Fernando Morales de El País destaca que "Dos excelentes actores, Alberto Closas y Lucía Bose, protagonizan este interesantísimo trabajo que contribuyó a la expansión del cine español fuera de nuestras fronteras. Un clásico." En este mismo diario Miguel Ángel Palomo destaca que es una  "Obra maestra, aún hoy una de las obras capitales del cine español, una película comprometida y combativa, que arremete contra la burguesía de la época y ofrece un desolador retrato de la España franquista" 

En Fotogramas se escribe que "Francamente inusitado teniendo en cuenta el momento de su rodaje. (...) Un film generoso en sus planteamientos aunque algo envarado en su resolución formal, lo que no impide que se trate de un título histórico. (…)" 

En ABC Play se señala que es una "Una historia centrada en el tema del egoísmo existencial y que da pie a un filme dotado de una estética y narración impecables, con un empleo magnífico del montaje y unas interpretaciones soberbias. La tensión interna que acumulan progresivamente los dos personajes principales sirve a Bardem para establecer una crónica sobre los intereses e hipócritas comportamientos que definen el ambiente en que se mueven los protagonistas, así como para establecer una diferenciación entre los diferentes anhelos de clases y generaciones".

En cuanto a la crítica internacional señalar que si en España es unánime que estábamos ante una obra de arte , algún prestigioso crítico norteamericano le horrorizó. Para Jonathan Rosenbaum de Chicago Reader la película "[Traslada] lo desagradable de las relaciones de poder en una sociedad represiva a las esferas del sexo y los cotilleos" 

Por contra  Bosley Crowther del The New York Times "[Bardem] salta de una escena a otra sin avisar o sin fundidos a negro. Tienes que estar muy atento para saber dónde estás. Y, francamente, el contenido no lo merece." 

Para Scott Tobias de AV Club "Bardem combina la elegancia visual y el suspense de Alfred Hitchcock con la conciencia de clase del neorrealismo, y la nueva ecuación le permite incluir algunas ideas subversivas." 

Para  Mick LaSalle del San Francisco Chronicle lo más destacable son "Sus composiciones son rigurosas y evocadoras (...) Su pasión y su observación sensible están por encima de sus ideas políticas." 

Fernando F. Croce de Slant escribe que "Explícitamente diseñada para impactar al sistema, 'Death of a Cyclist' se preocupa demasiado por la subversión académica (…) " 

En el  Reino Unido David Parkinson de Radio Times señala que "Este thriller atmosférico intentó con audacia desplegar una crítica social en una época de mucha censura (...) No es sofisticada, pero es históricamente significativa (…) " 

Un interesante desarrollo sobre la película viene en la biblioteca de Cervantes Virtual . Allí se señala que " el film marca un punto de inflexión en su carrera en la medida en que reveló sus inclinaciones políticas, las cuales no habían aflorado de modo patente hasta ese momento. Mientras que sus films anteriores, desde Esa pareja feliz (1951) a Felices pascuas (1954) servían de vehículo a unas propuestas ideológicas que, mal que bien, podían ser asumidas por el régimen (de hecho, no sufrieron serios obstáculos censores), Muerte de un ciclista puede decirse que es la primera película realizada durante el franquismo que miraba la Guerra Civil desde una perspectiva distinta a la del bando vencedor". 

Lo curioso es que la lectura sociopolítica del guion prácticamente pasó desapercibida para la censura española, no así para las autoridades italianas que advirtieron con claridad la carga de profundidad del texto y de la trama. Y mientras que la censura española prácticamente sólo opuso reparos morales al guion, el gobierno italiano señaló una serie de cortes que relacionaban la narración con la Guerra Civil y sus implicaciones sociales. Estas recomendaciones fueron plenamente asumidas por la administración española de tal modo que la intervención transalpina supuso una limitación. 

La película empezó a gestarse en el Festival de Cannes de 1954, donde se presentó Cómicos (1953). Fue allí donde entablaron conversaciones Bardem y Manuel J. Goyanes para rodarla en otoño. El director que ya había trabajado con Goyanes, en 1953. Fue unos meses antes de rodar Felices pascuas, cuando el productor le encargó al director los diálogos de la versión española de la película El torero, una coproducción con Francia. 

Para ese momento Bardem había oído hablar de un argumento llamado Muerte de un ciclista que, basado en una noticia de prensa, que había sido escrito por Luis Fernando de Igoa, haciéndose eco de las informaciones sobre un obrero atropellado mientras se dirigía en bicicleta a su trabajo. 

El argumento era propiedad de Atenea Films, que no se decidía a rodarlo así que Bardem se ofreció a la productora para dirigirlo siempre y cuando pudiera hacerlo a su manera: Luis Fernando de Igoa se negó. 

Cuando Goyanes le propuso trabajar para él, el realizador le sugirió hacer Muerte de un ciclista, advirtiéndole que habría que comprar los derechos de la obra. Bardem sólo aprovecharía del argumento de Igoa la idea inicial ya que para la concepción de su película tuvo más presente Crónica de un amor (Cronaca di un amore; 1950) de Antonioni, protagonizada por Lucía Bosé, la cual había tenido ocasión de ver en la Semana de Cine Italiano de 1953. 

El proyecto que se presentó inicialmente para la obtención del permiso de rodaje el 19 de octubre de 1954 figura como una producción enteramente española en la que estaba Guión P. C. con participación de Suevia Films, mediante la fórmula de un anticipo sobre la distribución). Tenía como protagonista a la actriz mexicana Gloria Marín, siendo el resto del reparto  nacional y planteaba un presupuesto de 5.803.808 pesetas. 

A pesar de que estos datos fueron remitidos a la Dirección General de Cinematografía, no corresponden a la realidad (salvo que Goyanes quería que Gloria Marín fuese la protagonista), pues siempre había existido la intención de realizar la película en régimen de coproducción. Se trató, pues, de una argucia para ir ganando tiempo con los trámites burocráticos, ya que el proceso para obtener el permiso de rodaje era mucho más rápido en el caso de un proyecto exclusivamente nacional. Lo cierto es que Bardem quería como actriz principal a Lucía Bosé a la que conoció en el Festival de Venecia de 1954, donde fue proyectada la citada Felices pascuas gracias a la invitación del Circolo Romano del Cinema, que presidía Zavattini, quien había visto la cinta en un pase privado ofrecido por la revista Objetivo el 28 de julio de 1954. 

Bardem se desplazó para la ocasión y tuvo oportunidad de conocer a la actriz, a quien le explicó el proyecto de Muerte de un ciclista y le propuso protagonizarlo, aun cuando todavía no había escrito su guion que planteaba un trágico final en el que morían los dos amantes 

Bardem  declaró alguna vez que «[la película] estuvo prohibida durante un tiempo y luego tuve que cambiar el final. Pero los problemas eran de orden moral, no de orden político. Me cortaron parte de la manifestación estudiantil y me hicieron cambiar el final, cosa muy curiosa, porque en el fondo demostraba que los censores no creían ni en la Justicia ni en la Misericordia Divina, ya que obligaban a que todo señor que hiciese un acto reprobable cayese fulminado inmediatamente». Lo cierto es que la muerte de los dos amantes le había sido sugerida por una amiga justamente como un modo de evitar complicaciones con la censura. 

En el guion presentado a la Junta de Censura, junto a la solicitud del permiso de rodaje fechada el 19 de octubre de 1954 como un resumen argumental se podía leer: «Ella no quiere perder por nada ese mundo tan fácil y agradable en que vive. El único obstáculo es ahora Juan. Por eso ella lo elimina y al hacerlo encuentra también la muerte». Este final coincide con lo que rodó para la película. 

El guion fue supervisado por cinco censores y el informe final indicaba hasta diez modificaciones, de notable importancia, pero casi todas ellas de carácter exclusivamente moral. Los informes de la rama de censura de la Junta llegan a causar la sonrisa por su énfasis en la falta de arrepentimiento por el adulterio en los protagonistas y la exigencia de que quede claro en la película que aquél es un acto tan delictivo como el asesinato. Mientras tanto, el carácter acusatorio de la cinta como descripción de una realidad social injusta provocada por la Guerra Civil, pasó prácticamente inadvertido. 

Sin embargo, es notorio que no se trataba simplemente de una película sobre un adulterio con un crimen accidental de por medio. Esta anécdota argumental era utilizada por Bardem como un pie forzado para describir una situación social que consideraba manifiestamente injusta. Para el realizador, sus protagonistas representaban a los beneficiarios de una guerra con raíces sociales que había traído como consecuencia un régimen político que no hacía sino acentuar las desigualdades. 

Las autoridades italianas verían más claro el fondo del guion e introducirán restricciones más importantes de cara a su significación histórica y política. 

Cuando se estaba tramitando el permiso de rodaje (que es concedido con fecha de 29 de octubre de 1955), Manuel Goyanes presenta la solicitud para que se apruebe el proyecto en régimen de coproducción, acogiéndose al convenio suscrito el 2 de septiembre de 1953 entre las autoridades hispano-italianas. Como ya apuntábamos antes, la impresión que da este aparente y precipitado cambio de planes es que, en realidad, la primera solicitud no correspondía al proyecto real, sino que se trataba de un modo de ganar tiempo para iniciar el rodaje. 

La producción se plantea como película gemela; es decir, con la intención de realizar dos proyectos con aportaciones del 70 y del 35 por ciento de manera inversa: el primero sería Muerte de un ciclista con participación mayoritariamente española, y la segunda, Sciacalli umani, donde la parte italiana sería la preponderante. 

El productor justifica esta iniciativa en la necesidad de contar con una actriz importante para que protagonice el film junto a Alberto Closas. La casa italiana con la que se establece el contrato es Araldo Film. A partir de entonces se inicia un largo y embarullado proceso burocrático, que se prolonga durante tres meses, para que la coproducción sea autorizada. 

Esto no impidió el desarrollo del rodaje, que se inició el 29 de noviembre de 1954. Poco antes, Guión P. C. cambió de socio por dificultades surgidas con la empresa citada. Entraba en escena Trionfalcine y se contrataba a Lucía Bosé y Otello Toso para los papeles de María José y Miguel, con lo que se cumplía el deseo de Bardem de contar con la actriz italiana y el objetivo de la productora de que el reparto tuviese carácter internacional. En este caso hay cierta confusión sobre cuál es la película gemela que se propone, puesto que en algunos documentos se habla de La scugnizza y en otros de Marcia Nuziale (y, según parece, acabó por no realizarse ninguna). 

La concesión del permiso se irá retrasando, primero por la tardanza del Sindicato Nacional del Espectáculo y del Servicio de Ordenación Económica de la Cinematografía en remitir los informes pertinentes y, más tarde, por las reticencias de las autoridades italianas. Los informes de los organismos españoles, que serán favorables sin matiz alguno, se refieren exclusivamente a los aspectos laborales y económicos del proyecto como era propio de sus competencias. 

Por parte italiana, se piden garantías de que, si autorizan la primera coproducción, luego no haya problemas con la película cuyo capital mayoritario corresponde a Trionfalcine. En todo este proceso no hay obstáculos censores y se dan por buenas las objeciones planteadas al guion para el inicial permiso de rodaje. 

La película, antes de participar en Cannes, permaneció prohibida al entender las autoridades que no se habían atendido las correcciones propuestas sobre el guion. A este proceso no debió de ser ajeno el hecho de que la tramitación burocrática de la película, tan prolongada, no tuvo nada que ver con la realización real de la película. El permiso de rodaje de la coproducción fue remitido a Guión P. C. el 7 de marzo de 1955, mientras que la filmación había finalizado en febrero. De este modo, las objeciones italianas sobre el guion no se tuvieron en cuenta, obviamente, durante el rodaje y habrían de efectuarse, en todo caso, sobre el montaje final de la cinta, con las dificultades que ello entrañaba (se llegó a eliminar una segunda alusión de Juan a sus hermanos caídos en la guerra y poco más). 

Por otro lado, la aprobación de la película había de resolverse con rapidez, pues se pretendía que participase en Cannes a principios de mayo. 

La película fue prohibida el 30 de marzo y el 11 de abril hubo una nueva petición de aprobación. Especialmente delicadas fueron las negociaciones sobre el final de la cinta (hubo que alterar los diálogos sensiblemente), aspecto que ha dado lugar, junto a las declaraciones de Bardem, a equívocos como el ya señalado. 

Aquí se produjo un tedioso tira y afloja entre la productora y los censores hasta llegar a la versión definitiva. Se amputó parte de la escena en la que los amantes se reunían por última vez en la venta, mientras que en sus diálogos se acentuó el carácter moralizante en perjuicio de la intensidad amorosa inicialmente prevista. Es decir, si lo que Bardem planteaba inicialmente era que, una vez pagada la culpa por el asesinato, los amantes podían empezar de nuevo, lo que reclamaba la censura era que quedase claro que Juan rechazaba sus relaciones adúlteras con María José. La dificultad del empeño radicaba en que había que alterar los diálogos sobre una secuencia ya filmada en la que hubo también que eliminar un buen número de planos. También se cortó sensiblemente la secuencia de la protesta estudiantil, donde la acción represiva policial quedó reducida a la mínima expreswión, lanzamiento de piedra incluida. Igualmente se eliminó la imagen de un niño pobre comprando pipas que contrastaba vivamente con la fiesta nupcial burguesa, secuencia con la que se la había ligado intencionadamente en el montaje. 

La aprobación definitiva llegó el 20 de abril, autorizándola para mayores de 16 años (mientras que la iglesia la calificó con un 4; esto es, como «gravemente peligrosa»). 

En definitiva, la censura española se dio por satisfecha con las reservas morales impuestas desde el principio manteniendo un llamativo contraste con el criterio de la parte italiana. Luego vino la participación de la película en Cannes, el Premio de la Crítica Internacional y los comentarios suscitados en torno a ella que señalaron de manera nítida cuál era la posición ideológica de Bardem. 

Todo ello contribuyó a un incremento progresivo de sus dificultades para hacer cine. De hecho, mientras se encontraba rodando Calle Mayor en Palencia fue detenido por la policía al ser relacionado con las protestas universitarias en las que cayó herido de un disparo de bala un joven falangista. Y aquí reapareció Muerte de un ciclista: Goyanes había solicitado en junio del año anterior que la película fuese revisada por la Junta de Clasificación para que de 1.ªA pasase a de Interés Nacional. 

El 22 de febrero de 1956, con Bardem en la cárcel, remitió otro escrito a la Dirección General de Cinematografía en el que rogaba que se retirase dicha solicitud. No parecía muy oportuno reclamar dicha distinción para una película cuyo autor se encontraba privado de libertad por motivos políticos.

¿Quién puede matar un niño?

Narciso "Chicho" Ibáñez Serrador tuvo una larga carrera en televisión, pero nos dejó dos películas que muestran su buen tono en la dirección cinematográfica. La mítica La residencia, una película del año 1969, cuyo contenido era más transgresor de lo que parece y este clásico del terror nacional de los 70, ¿Quién puede matar a un niño?,- también conocida como Los niños o como Who Can Kill a Child? en la que demuestra la valía para este género del creador del más popular programa de televisión española de toda su historia, - 1, 2 , 3 - que fue recompensaba con premios en el Festival de cine de Avoriaz y que, con pocos elementos, incluso con aportaciones documentales, especialmente al principio, desarrolla una historia de horror en el mediterráneo español de los setenta. 

Al igual que su casi coetánea Tiburón huye del marco en el que se desarrollan las historia de terror. En este caso un espacio abierto, un pueblo aparentemente mediterráneo - realmente de Toledo-, encalado de paredes cegadoras, en un lugar siniestro.  

De la corta carrera cinematográfica de Narciso Ibáñez Serrador, gran conocedor y amante del cine de terror y del cine de tensión se lamentó el director nacido en Montevideo y admirador de Hickcock - al que homenajea con un cameo al inicio de la película- declaró en el programa versión española en una entrega del año 2016 que la clave estaba en los documentales de inicio de la película, ya que ellos son las víctimas de todo conflicto ( Corea, Vietnam, Biafra, Bangla Desh,...) además se quejaba del error del doblaje así como de la polémica que hubo ya que en su presentación en Italia un crítico publicó su crónica cinematográfica señalando que era la película un himno al fascismo franquista, mientras que otro afirmaba que la película hacía referencias al maoísmo. Cuando los críticos italianos le cuestionaron su trabajo el director dijo que su intención era hacer una historia de terror desde la ciencia ficción y nada más, pero alguno siguió pensando que era un reflejo político. 

Lo cierto es que el guion de Narciso Ibáñez Serrador firmado con el seudónimo de Luis Peñafiel,se inspiró en la novela del asturiano Juan José Plans y contó con el apoyo de Manuel Salvador de la Productora Penta Films , una productora que logró que en su distribución en Italia consiguiera más dinero que el Tiburón de Spielberg

Además supo rodearse el director del malogrado Waldo de los Ríos en la música, de la luminosa casi cegadora fotografía de José Luis Alcaine, que huyó para el rodaje de la noche y de las tinieblas para apostar por la luz del mediterráneo y especialmente del director de Arte Ramiro Gómez que realizó un impresionante trabajo adaptado el pueblo manchego hasta convertido en una localidad marinera con puertas pintadas en azul. También contó con el maquillaje de Fernando Florido, el vestuario de Carmen de la Casa y el montaje de Antonio Ramírez de Loaysa y Juan Serra y en los efectos especiales de Juan Antonio Balandín.

La película cuenta en su reparto con Lewis Fiander como Tom y Prunella Ransome como Evelyn. Junto a ellos aparecen en pequeños papeles Antonio Iranzo como un habitante de la isla, Miguel Narros, María Luisa Arias, Marisa Porcel, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Luis Ciges como un pescador. 

La historia comienza con los efectos de las guerras y de las hambrumas en la población más débil y vulnerable: los niños. Esta documental sobre su incidencia entre este grupo de población está siendo seguido por televisión por Tom y Evelyn, una pareja de turistas anglosajones que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Ya tienen dos hijos y ahora Evelyn está embarazada de su tercer hijo. 

La pareja llegan a la localidad española de Benavis en la costa mediterránea, con el fin de navegar, al día siguiente, hasta la isla de Almanzora para pasar unos días de vacaciones. Evelyn se encuentra embarazada de siete meses de su tercer hijo y vienen dispuestos a relajarse al máximo en la isla, en la que Tom pasó una temporada cuando era pequeño. Sin embargo, en Banavis, que celebra sus fiestas, se decepcionan, el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. 

Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. De todas maneras , al estar al margen de todo, no se enteran que las noticias informan que habían llegado a la costa varios cadáveres que iban llegando al continente arrastrados por el agua.

Sin embargo, nada más llegar a Almanzora, ven que en el muelle únicamente hay chicos pescando y saltando al agua, chico que no parece tener interés ninguno en los extranjeros. Tom empieza a notar que todo es muy raro en el lugar: todo parece abandonado, solamente se ven niños y no hay ni rastro de los adultos. 

La pareja descansa de su viaje a la isla en un bar, donde encuentran todo como si la gente se hubiera marchado a toda prisa, dejando incluso los pollos dentro del horno, ya carbonizados. 

Mientras Tom va en busca de comida, una niña entra y acaricia el vientre a Evelyn, sonriéndole sin decir una palabra, y marchándose después. 

Mientras tanto, Tom ha estado investigando por las casas al creer oír ruidos en una de ellas. Al no encontrar a nadie, se dirige a la tienda, también vacía, aprovisionándose de comida. Nuevamente en el bar, Evelyn y Tom reciben una llamada telefónica de una muchacha que habla en alemán y con un tono de voz angustiado, cortándose la comunicación poco después. 

Tras comer, los esposos van en busca de la pensión, donde tampoco hay ninguna persona mayor de edad, aunque descubren que hay turistas alemanes registrados.

Evelyn, asomada a la puerta del hotel, ve por fin a un viejo que parece que juega al escondite con una niña pero, aterrada, verá cómo la niña le quitará el bastón y le golpeará con él en la cabeza hasta matarlo. Tom va en su ayuda , pero es demasiado tarde. El hombre ha muerto. Tom lleva su cuerpo a una casa en la que la chica se ha escondido. Más tarde, descubre con horror que los niños han salido y juegan a la cucaña con el cuerpo sin vida que aparece colgado de las piernas usando una hoz como garrote.

Horrorizado Tom vuelve con su mujer y poco después tras escuchar ruidos sube a las habitaciones en busca de la familia alemana, encuentra los cadáveres del matrimonio, pero ni rastro de la chica. 

En el hotel, finalmente encuentran a un habitante adulto del pueblo: un pescador (Antonio Iranzo) que se encuentra en estado de shock y les cuenta que, unos días antes, todos los niños han contraído una especie de locura colectiva y se han dedicado a asesinar a todos los adultos del pueblo, mientras estos fueron incapaces de hacer nada, ya que como bien dice el pescador: "¿quién puede matar a un niño? 

Se da a entender que a la larga lista de atrocidades y horrores provocados por los combates y la apatía de los adultos ha provocado que los niños de la isla tomen el asunto en sus propias manos. Además, se muestra que los niños normales cambian como el resto de la isla simplemente haciendo contacto visual con ellos. 

Desde ese momento el atosigamiento de la pareja es continuo. El pescador tendrá un encuentro con su hija, pero que lo lleva a la muerte.

Tras la muerte del pescador el acoso a la pareja que pretende huir va a más. Además Tom sale y va en busca de la alemana. Su cuerpo aparece en una iglesia en la que los niños se han hecho con todo. 

Deciden huir al interior de la isla y encuentran una casa con adultos que parecen al margen de lo que ocurre. A pesar de tener tres hijos, auxilian a la pareja ya que Evelyn no se encuentra bien. Sin embargo, el grupo de chicos prosigue su avance y llega a la casa. Antes de que los chicos ocupan la vivienda huyen al pueblo nuevamente en el jeep

Mientras intentan huir por la calles del pueblo, Evelyn se manifiesta agotada. Buscan refugio en una habitación protegida por fuertes muros. Los chicos intentan asaltar la vivienda. Un pequeño intenta entrar por la ventana, pero Tom le dispara a regañadientes con un arma cuando están acorralados en una habitación.

Atrapada en la habitación, Evelyn muere ya que la chica que le tocó la barriga lo ha matado y le ataca desde dentro. 

A la mañana siguiente, un cansado Tom está completamente solo. Tom finalmente dispara con una ametralladora a un grupo de niños mientras trata de escapar de la isla, pero los niños lo siguen hasta el muelle y atacan en masa mientras intenta desarmar un bote. 

Mientras trata de luchar contra los niños, llega un bote patrullero. El equipo cree que Tom está matando a los niños a sangre fría, y un oficial le apunta con su arma y le ordena que se quede quieto. 

Cuando no lo hace, el oficial le dispara, matándolo en el acto. Los oficiales del barcos patrulla saltan al muelle y comienzan a atender a los niños heridos. Mientras que el oficial que disparó a Tom se pregunta en voz alta, "¿qué tipo de hombre ...?"  y al preguntarles  dónde están sus padres, los niños apuntan hacia la ciudad y los tres oficiales comienzan a irse, dejando su bote y sus armas sin asegurar. 

El oficial es frenado por un niño que grita "¡Adiós!" Se vuelve para ver a los niños que han abordado el bote patrullero y están descargando las armas. Uno de los niños mata a los tres oficiales con un rifle. 

La película termina con un pequeño grupo de niños que se preparan para dirigirse a la península en una lancha a motor. Cuando una niña pregunta: "¿Crees que los otros niños comenzarán a jugar como nosotros?" el chico a cargo del bote sonríe y dice: "Oh, sí ... hay muchos niños en el mundo. Muchos de ellos". 

La película, aunque muestra un ambiente marinero, fue rodada no en un pueblo de la costa mediterránea sino que en parte se rodo en La Mancha más concretamente en la localidad de Ciruelo (Toledo) , aunque también se rodó en otros espacios como Almuñécar (Granada), Menorca (Islas Baleares) y Sitges (Barcelona). En esas escenas en particular, el sonido de las gaviotas y del mar lejano fue añadido en postproducción. 

Parece ser que Narciso Ibáñez Serrador, padre del también director Alejandro Ibáñez, director de Urubú,  quería a Anthony Hopkins para el papel de Tom pero, por compromisos adquiridos con anterioridad, Hopkins tuvo que rechazar la oferta, por lo que el papel terminó en manos del actor australiano Lewis Fiander. Posteriormente, el director declaró sentirse no del todo satisfecho con la actuación de Fiander, aunque sí quedó muy satisfecho con el trabajo de Prunella Randsome, la actriz que interpreta a Evelyn, la esposa de Tom. Según la idea original de Ibáñez Serrador los diálogos entre la pareja protagonista debían ser rodados en inglés ya que Evelyn —al no entender las explicaciones de nadie en español— no se enteraba de lo que estaba pasando, para dar más realismo a la situación y es que ella sospechaba que algo extraño está ocurriendo en la isla, pero no le explicaban nada para acentuar la atmósfera de incomunicación y de angustia en una isla desconocida sin saber lo que ocurre, sin entender nada y sin que su marido le quiera contar nada. Sin embargo cuando la película estaba en proceso de postproducción para su estreno, los productores decidieron a última hora que se doblaran las voces de Prunella Randsome y Lewis Fiander al español pues consideraban incómodo para el espectador el tener que "leer" una buena parte de la película, dando al traste con dicha idea. Por ello, el director siempre ha manifestado su disconformidad con esta decisión.  

Debido al contenido sangriento de la película fue en parte mutilada. En algunos países fue estrenada con cortes (como por ejemplo Argentina, Australia, Francia, Suecia y Estados Unidos) cuando no fue prohibida (como sucedió en Islandia y Finlandia aunque, en el país escandinavo, la película finalmente se estrenó en 2006, como parte del Night Visions Film Festival de ese año). 

En cuanto a las críticas destaca la de Fernando Morales en  El País quien dijo que "Curiosa entrega de terror basado en la obra homónima de Juan José Plans, Una cinta llena de sobresaltos y que alcanzó gran éxito en su estreno. (...) terrorífica banda sonora (...) Interesante" 

En el Mundo " En una época en la que el terror era casi desconocido en España, Chicho Ibáñez Serrador demostró su afición por este género en su primer largometraje, ''La residencia'', que se convirtió en un gran éxito comercial, y en la serie de televisión ''Historias para no dormir'', una colección de relatos de horror. ''¿Quién puede matar a un niño?'' fue su segunda película y triunfó sobre todo en Italia. En Estados Unidos, en cambio, fue tachada de ser demasiado fuerte y en España sufrió algunos cortes impuestos por la censura, aunque ya en democracia se pudo ver una copia restaurada por el mismo director. La película, que es una adaptación de la novela ''El juego de los niños'' (escrita por el asturiano Juan José Plans), recuerda otros filmes de niños malvados como ''El pueblo de los malditos'' o ''Los chicos del maíz''. ". 

Afortunadamente esta no es la opinión de Chris Coffel de Bloody Disgusting - allí fue distribuida por American International Pictures- quien defiende que se trata de "Una película fascinante en muchos aspectos y que puede impactarte de forma diferente dependiendo del momento de tu vida en el que la veas (...) Siempre la he disfrutado, pero con cada revisionado me convenzo de que es una verdadera joya cinematográfica." 

Una película atípica dentro del cine español que no envejece aunque en la actualidad esta película hoy no es políticamente correcta. Comentar que se ha convertido en un clásico del cine de terror español, un título que reflejaba la capacidad creativa de Ibánñez Serrador del que para un director con cierto éxito en el género, Eli Roth, director de Hostel, la película es uno de sus referentes llegando a afirmar en alguna ocasión que para él ¿Quién puede matar a un niño? supone su segunda película favorita, por detrás de Mil gritos tiene la noche. Una enorme película

Un hombre impone la ley

Western desmitificador, en cable de comedia, por lo tanto muy ligero, con curioso título original Good Guys and the bad boys,  y dirigido con maestría  y solvencia por un buen realizador como Burt Kennedy, que dirige a otro Kennedy, George, y con la figura imponente aunque desapegada, como casi siempre de Robert Michum. 

Junto a estos dos aparecen Tina Louise, Martin Balsam así como ocurre en muchas ocasiones con los Carradine, padre e hijo, o sea, John y David. 

Western que nos avisa de que el género había roto el formato clásico y que buscaba nuevas vías para la supervivencia como género. La puesta en escena es magnífica, el reparto en buen medida coral, y los ingredientes los esenciales: sheriff con prestigio, pero visto como un reliquia, por lo tanto en decadencia, ambiciones políticas desmesuradas del alcalde, malos que no lo son tanto y que aprecian la vieja amistad, frente a otros que no dejan de ser chicos malos y matones, las nuevas hornadas de forajidos. Todo muy ruidoso y muy bullanguero. Película que vi hace un año y que ya comenté con muchos más detalle. 

Únicamente quiero incluir la opinión sabia de gran sabio con conocimiento enciclopédico que es Fausto Fernández quien escribió sobre la película en twitter señalándo que se trataba de "un western setentero puntero" "distraído" con "diálogos sobre lo viejuno que está uno, sobre los jovenzuelos que vienen a acabar con los viejos tiempos de sheriffs y bandidos...

Loro

En un par de días he visto dos películas de Paolo Sorrentono. La primera, Il Divo, una peculiar visión satírica de Giulio Andreotti, uno de los hombres claves para entender la política italiana desde los años 70 hasta el cambio del milenio. Cuando la República Italiana se desprendió de los políticos y de los partidos que ja habían traído (La Democracia Cristiana, el Partido Socialista Italio de Craxi, el mítico Partido Comunista Italiano que tuvo a Berlinguer de líder y a tantos otros) llegó una nueva hornada de políticos. De todos ellos a quien mejor le fue en las urnas fue a Don Silvio, sí, a Berlusconi. 

Con él , con Il Cavaliere, llegó un nuevo concepto de hacer política, basada en lo de siempre, la corrupción, la compra de voluntades, a veces, de oscuros intereses, del populismo puro y duro, pero sobre todo de los excesos, del sexo, del "tutto vale", de los hortera, del mito de la persona, pero especialmente de lo que vale, el dinero, del dinero y por el dinero. Berlusconi no deja de ser el residuo que deja el complejo alambique de la política italiana. Eso es lo que nos cuenta Sorrentino en la segunda suya que he visto en unos días, que llevaba por título Berlusconi y los otros, o simplemente Loro. 

Que a Paolo Sorrentino, el director, un nuevo Fellini, le gustan los excesos no lo puede discutir nadie. Si en la primera película mencionada en tono es satírico e inteligente, en esta de Loro domina lo sardónico, como esa sonrisa estúpida y permanente que tiene el empresario y político italiano interpretado aque, como casi siempre en Sorrentino, Toni Servillo. 

La película es una Coproducción Italia-Francia en la que participan Indigo Film, Pathé, France 2 Cinema y los productores /as Carlotta Calori , Francesca Cima, Nicola Giuliano y Viola Prestieri. El presupuesto de la película fue de 18 millones de euros.

La película parte de un guion escrito por el director napolitano Paolo Sorrentino y Umberto Contarello partiendo de una historia del director. La música como en toda película de Sorrentino juega un papel excepcional siendo en este caso responsabilidad de Lele Marchitelli quedando en la edición Cristiano Travaglioli y en la gran fotografía marca de la casa de Luca Bigazzi. 

En cuanto al reparto lo encabeza Toni Servillo como Il Cavaliere Silvio Berlusconi, Elena Sofia Ricci como Veronica Lario, Riccardo Scamarcio como Sergio Morra y Kasia Smutniak como Kira. Junto a ellas aparecen Euridice Axén como Tamara, Fabrizio Bentivoglio como Santino Recchia, Roberto De Francesco como Fabrizio Sala, Dario Cantarelli como Paolo Spagnolo, Anna Bonaiuto como Cupa Caiafa, Giovanni Esposito como Mariano Apicella. Junto a ellos aparecen Ugo Pagliai, Ricky Memphis, Duccio Camerini, Yann Gael, Alice Pagani, Caroline Tillette, Iaia Forte, Michela Cescon, Roberto Herlitzka. 

La película arranca con una frase “Todo es verdadero, todo es falso. Cualquier similitud con personajes reales es pura coincidencia (…) Inspirado en hechos verídicos para mezclar personajes reales e imaginarios. Todo documentado, todo arbitrario”. 

Casi de inmediato y tras una escena surrealista marca de la casa, nos vamos al sur , a Puglia para conocer a 'los otros', que son todas aquellas sanguijuelas ambiciosas y sin escrúpulos que buscan medrar socialmente por la vía rápida y entrar en la cadena de secretos y favores de la política y de los negocios. En la cúspide de esta pirámide aparece el todopoderoso y omnipresente Silvio Berlusconi: Él. 

El protagonista de esta primera parte de la historia es un Tarentino, Sergio Morra (Riccardo Scamarcio), un empresario jeta que pretende medrar socialmente y en los negocios usando a mujeres y si es necesario la extorsión para concesiones en comedores escolares. Sergio es hijo de una persona recta y honesta que nunca ha pago el "pizzo" a nadie. 

Pero Sergio es hijo de su tiempo y de la sociedad italiana del nuevo milenio en la que se consigue mucho con el sexo y las drogas como hace el con Cándida una chica. Ella es una de las jóvenes "escorts" que utiliza para sobornar a políticos locales y obtener licencias fuera de los procedimientos habituales. 

Su mujer o compañera es Tamara (Euridice Axén ) una joven madre irresponsable y sin escrúpulos partícipe de esa vida de excesos, especialmente, con la droga como le echa en cara el padre de Sergio. Pero a él Tarento le va quedando pequeña y sus ambiciones no pueden limitarse al ámbito provinciano, así que tanto él como su mujer deciden ir a Roma. El objetivo de Sergio Morra es entrar en contacto con Il Cavaliere. 

Para aproximarse a Don Silvio se hace con una ejércitos de prostitutas a las que premia siempre con droga. El gana mucho dinero, pero todo puede quedar en nada si no se acerca al hombre que representa Italia. Un día escucha una conversación telefónica por parte de una chica espectacular Kira (Kasia Smutniak ), una prostituta de origen albanés que si forma parte del círculo llamésmole 'bunga bunga'. 

Mientras tanto, y siguiendo un plan estudiado por Sergio, Tamara conoce al exministro Santino Recchia  (Fabrizio Bentivoglio ) . Coquetea con el político para ayudar a Sergio a contactar con Berlusconi. Recchia quiere reemplazar a Berlusconi como líder de la coalición de centro derecha y le pide a la diputada Cupa Caiafa si lo va a apoyar en el desafío de la secretaría del partido. 

Morra tiene trazado un plan tras hacerse con los servicios de Kira: pretende alquilar una mansión en Cerdeña frente al palacete vacacional del político y tentándole con una 'bunga bunga', una de aquellas fiestas con chicas jóvenes gran parte prostitutas, así como otras que quieren promocionarse para el cine y la televisión, o simplemente hacerse un hueco en la vida. 

Hasta que llegan a la Villa la película es una sucesión de fiestas , sexo y polvos blancos entre lo que se esnifa vemos culos y tetas, magreos y contoneos. 

Tras concretar la casa sarda, Sergio alquila la villa frente a la del empresario en Cerdeña y organiza una macro fiesta con mucha coca, MDMA, velinas, alcohol y sexo. Sergio Morra sabe lo que le va a pedir a Silvio, el hombre más poderoso de Italia: aparecer como candidato en el Parlamento Europeo como integrante de Forza Italia!, el partido d ´Il Cavaliere. 

Desde las cercanías, sentado en su enorme jardín descubrimos a un Silvio Berlusconi (Toni Servillo) patético, vestido de mujer musulmana ante su mujer que se lo echa en cara. Don Silvio se encuentra en el momento más complicado de su carrera política, recién salido del gobierno y con las acusaciones de corrupción y de sus conexiones con la mafia a punto de llegar a los juzgados. 

En este mal momento Berlusconi está empeñado en revivir su relación con la ex actriz de teatro Veronica Lario (Elena Sofia Ricci), una mujer elegante, cultivada, profunda y resignada a convivir con un hombre que, a pesar de sus infinitos deslices extramaritales, parece seguir enamorado de su mujer. 

Sin embargo, Silvio , además de su infinita ambición, tiene un enorme problema: no quiere sentirse viejo, no quiere aceptar su decadencia. Berlusconi, un hombre sin amigos, pero sí con personas a su cargo como Paolo Spagnolo, (Dario Cantarelli) acude a interminables sesiones de maquillaje y peluquería. Pero su mujer no está por él. De hecho ella le echa en cara el, “¿Por qué no has hecho nunca un programa de cultura en tus televisiones?” . 

El político quiere pensar, lo malo es que lo dice, que el italiano medio lleva dentro a un alumno de Secundaria. Por lo que prevalece en él lo primario: el sexo, el dinero, la juventud, el sentido de la inmortalidad. Sin embargo, Don Silvio se quiere ver como un amante de la belleza, de la música, del disfrute, que sospecha que está rodeado de traidores, los corruptos, los mafiosos. Los Loro ( Ellos ) 

Ni diamantes, ni bromas o una canción de Mariano Apicella son suficientes para activar su relación con Verónica, que reclama su dignidad. Mientras sus negocios familiares están controlados por sus hijos. Su compañero de partido Recchia, que le quiere hacer la cama, le llega a Berlusconi pidiendo ayuda, ya que Tamara con la que ha tenido una relación lo chantajea pidiendo dinero e incluso le echa en cara que puede haberse quedado embarazada. El cree que ella revelará que Recchia está traicionando a su esposa. Berlusconi al principio se muestra dispuesto, pero luego revela con furia que ha sabido que Recchia quiere reemplazarlo. 

Por su parte, Berlusconi intenta que seis senadores se pasen a su partido para derrocar al gobierno de centroizquierda. 

Mientras tanto, Veronica decide dejar Berlusconi por un tiempo, anunciando que quiere viajar a Camboya . Berlusconi logra persuadir a varios senadores para que se sumen a su lado dándoles dinero o ayudándoles dando un lugar a sus novias en películas o producciones televisivas. El gobierno cae y Berlusconi gana las nuevas elecciones .  

En el momento en que se queda solo en su villa sarda Berlusconi accede a que Sergio Morra le organice una fiesta en su villa trayendo tantas chicas como sea posible. El ejército de chicas de Morra al principio se alegra de que Berlusconi se fije en él, pero luego choca con una realidad aburrida y decepcionante. Kira intenta llamar la atención de Berlusconi, pero no puede competir una de las que ha traído Sergio y Tamara, la más joven.

Después de la fiesta, Berlusconi solo muestra interés por una joven, Stella, e intenta seducirla, pero ella lo rechaza y se marcha con la cabeza baja al decir que no entiende como puede vestir así y que su aliento huele al aliento de un viejo. 

Por su parte, Kira cae en desgracia ante Berlusconi pues es ya no es la más joven y Sergio y Tamara entienden que haber llegado a Berlusconi no les ha llevado a nada. 

El guión fue coescrito por Paolo Sorrentino y Umberto Contarello. El título Loro significa "ellos" en italiano, pero también es un juego de palabras con l'oro , que significa "el oro". 

El rodaje tuvo lugar en Roma y Toscana. 

La película está producida a través de Indigo Film y coproducida por la francesa Pathé . Un problema fue que el habitual cofinanciador italiano de Sorrentino, Medusa Film, controlada por Berlusconi, no estaba dispuesto a participar en esta producción. 

El director Paolo Sorrentino al presentar la película en Polonia señaló que “Esta es una película sobre la ostentación. Sobre la vulgaridad que dominaba nuestra vida cotidiana y pública. Pero también sobre por qué es tan atractivo”“En tiempos difíciles, los cineastas son nuevamente necesarios para exponer la arrogancia del poder”.

En cuanto al actor Toni Servillo que ha intervenido en seis de los nueve largometrajes del director afirmo en Amsterdam durante la promoción que "No tiene sentido hacer una caricatura de Berlusconi. Silvio Berlusconi se ha calificado desde el principio como el gran seductor. Lo que agregó a esa imagen de sexo y poder es la lógica del priapismo, alguien en un estado permanente de excitación sexual, como un símbolo de masculinidad. Como si le debiera su autoridad política a elementos de la esfera erótica”. 

La versión original estrenada en cines en Italia consta de dos películas: 'Loro 1' y 'Loro 2'La primera salió el 24 de abril de 2018, mientras que la segundo entrega, Loro 2 , salió el 10 de mayo de 2018. Para su distribución en el resto del mundo se ha hecho una sola película de 150 minutos de duración (54 minutos menos que la suma de las dos partes) que se lanzó el 13 de septiembre de 2018. 

Este nuevo corte internacional se realizó con el fin de permitir que la película se postulara para los 91.os premios de la Academia . Se presentó igualmente en el Festival Internacional de Cine de Toronto . 

Hablando de Premios en los David di Donatello del año 2019 la película consiguió dos premios y muchas nominaciones. Entre los David di Donatello se llevó el de mejor actriz para Elena Sofia Ricci y al Mejor Diseño de Peinado para Aldo Signoretti. En cuanto nominaciones obtuvieron ese grado a Mejor Actor para Toni Servillo, Mejor Actor de Reparto para Fabrizio Bentivoglio, Mejor Actriz de Reparto para Kasia Smutniak, a los mejores decorados y decorados para Stefania Cella, al mejor vestuario para Carlo Poggioli, al Mejor Maquillaje para Maurizio Silvi, a los mejores efectos digitales para Simone Coco, al mejor sonido, a la mejor banda sonora para Lele Marchitelli y a la Mejor Canción Original para Lele Marchitelli y Peppe Servillo (' Na Gelosia ).

En cuanto a los Premios Nastro d'Argento o Cinta de plata consiguió cuatro, además del Premio Guglielmo Biraghi que fue a parar a Euridice Axen, siendo los Nastro d'Argento a la mejor actriz para Elena Sofia Ricci, al Mejor Actor de Reparto para Riccardo Scamarcio, a la Mejor Actriz de Reparto para Kasia Smutniak y al Mejor Guión para Paolo Sorrentino y Umberto Contarello. Las nominaciones fueron a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Productor de Indigo Film, Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlotta Calori y Viola Prestieri. También fueron nominados al Nastro d'Argento a Mejor Actor para Toni Servillo, a la mejor fotografía para Luca Bigazzi, al mejor vestuario para Carlo Poggioli, a Mejor Montaje para Cristiano Travaglioli y mejor puntuación musical para Lele Marchitelli.

En los Premios a la mejor película rodada en Italia consiguió el de Mejor Actriz en un Papel Protagonista para Elena Sofia Ricci y el mejor actriz revelación del año para Euridice Axen.

En cuanto a las crñiticas señalar que fueron mixtas. En Estados Unidos, Deborah Young en The Hollywood Reporter dijo de ella que era "Un banquete original y feroz de sátira y vulgaridad (...) Hay que decir que esta nueva versión tiene lo mejor y lo peor de la película original [dividida en dos partes]"  

Para Warren Cantrell de  The Playlist la película estaba "Mal estructurada, poco desarrollada y fallida (...) Es el peor tipo de película, no porque sea mala, sino porque desperdicia un gran potencial" Brian Tallerico de la web cinematográfica rogerebert.com escribió que "Estoy ansioso por ver las versiones separadas porque algo se ha perdido en la mezcla (...) Tiene secuencias fantásticas y otra gran interpretación de Servillo".

Bilge Ebiri en Vulture señaló que "'Loro' me hizo sentir sucio...y no puedo esperar a volver a verla" . Por otro lado, en The Wrap,  Sam Fragoso escribió que "'Loro' es la película definitiva de Paolo Sorrentino hasta la fecha. Es atrevida, elegante y tonta. Oscila entre lo cachondo y lo humano, lo profundo y lo equivocado. Es un caos maravilloso." 

Jared Mobarak de The Film Stage defendía que "Es un viaje salvaje con muchos altibajos (...) 'Loro' tiene mucho estilo y actuaciones eficaces (...) Pasamos tanto tiempo riéndonos de él que los momentos que buscan que sintamos pena resultan falsos" 

Ya en España Jordi Costa en El País defendía que "Es una película que grita bien alto su intención de burlarse de Berlusconi al tiempo que se rinde una y otra vez a la seducción de su obsceno imaginario. (...) Toni Servillo rara vez logra trascender la máscara." 

Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC considera que "Es imposible encontrarle a esta elaboradísima pintura la grandeza de su anterior obra maestra, «La gran belleza», pero es cierto que Toni Servillo alcanza de nuevo la cumbre de su personaje (...) " 

Alberto Luchini en El Mundo deja claro que "La película es Sorrentino en estado puro, un monumental ejercicio de incontinencia, tanto argumental como estilística, que bebe directamente de esas fuentes fellinianas que tanto frecuenta el cineasta (...) " 

Irene Crespo en Cinemanía entiende que "'Loro' es un retrato emocional del hombre detrás de la máscara del poder. (...) Una película 100% Sorrentino que, además, deja al espectador el análisis (...) Servillo, cómo no, está inmenso" En esta misma revista Yago García afirma que es "Oropel berlusconiano en edición abreviada (y sin mamachicho) (…) " 

Quim Casas en El Periódico afirma que "Berlusconi tarda en aparecer y la interpretación de Servillo lo ridiculiza en exceso (...) Carece de esos momentos tan desbordantes y desbordados que han encumbrado [al director] (...)" 

Y ese sabio que es Fausto Fernández en Fotogramas escribe que la película es "Para culpables y contradictorios voyeurs de la decadencia de Europa. (...) Pantagruélico, excesivo, el director se pone del lado de su villano de opereta: reniega de lo correcto para abrazar la falibilidad. (...) " 

Marta Medina en El Confidencial afirma que la película es " irregular y desequilibrada" y añade que este director barroco hace un " retrato deshilachado y vacuo,sobre el ocaso y la decadencia del magnate Silvio Berlusconi" Destaca igualmente que la trama de Sergio Morra "y su mujer tienen cero interés". 

En Italia, Gianmaria Tammaro de La Stampa elogió la película, mostrando un especial aprecio por la interpretación de Toni Servillo : «es perfecta: es una máscara, es arcilla en manos de un artesano; su rostro se transforma, se dobla, tira ». Como allí se vio en dos entregas afirma que « Loro 1 es un interior y exterior continuo entre géneros y tonos, es una obra increíble, omnipresente, artísticamente inédita en el panorama italiano. Porque solo Sorrentino, y algunos otros, pueden permitirse tal cosa. Sea lento cuando necesite ser rápido. Acelere cuando, en cambio, debería parar ». 

Giorgio Viaro de Best Movie la definió como que estaba «a medio camino entre La Grande Bellezza y Casa Vianello» porque « durante casi una hora se parece mucho a la película ganadora del Oscar. Entonces, cuando el presidente entra en escena, se convierte en una comedia tranquilizadora pero irresistible ». 

Davide Turrini en il Fatto Quotidiano , consideraba que "la mirada de Sorrentino sobre Berlusconi todavía tiene algo de cortesía indulgente" y, en consecuencia, algunos "(...) quedarán decepcionados". 

Más crítico se mostraba Paolo Mereghetti en las páginas del Corriere della Sera al decir que: «Sorrentino en el pasado se había mostrado capaz de encontrar la manera de sorprender al espectador a través de una serie de" metáforas "visuales o recitadas. Esas imágenes, esos destellos no están en Loro 1 , demasiado apretujados entre una descripción bastante complacida de la maleza de enanos y bailarines que viven al borde del poder y el deseo de contárselo a Silvio Berlusconi (que aparece en la película por primera vez después de una tiempo exacto) de forma poco convencional, entre farsa y "ternura" » 

En esta misma línea Francesco Specchia de Libero consideró que «Los berlusconianos ... podrán encender su ira preventiva por esta película. Tal vez lo hagan, atraídos, desde el segundo episodio. En todo caso, desde el punto de vista de la narrativa política, podemos preguntarnos si después de años de cobertura mediática, reportajes, juicios, documentales, sigue siendo necesario volver a una historia destripada a lo imposible ». 

Mariarosa Mancuso escribió en Il Foglio : «Estéticamente, Loro es bastante pobre, la transferencia de las villas en Cerdeña a los prados ingleses no es beneficiosa. Mejor la piscina con tabletas de colores: ahora el director despedido por Sorrentino es Martin Scorsese , ya no Federico Fellini ». 

Más crítico fue Giovanni Robertini para la edición italiana de Rolling Stone al decir que "Una vez fuera del salón se queda pegado - sudoroso y pegajoso como el sexo de YouPorn -" un Berlusconi enfatizado, más grande que la vida ,(...) donde la espera del segundo episodio se desvanece al cuarto de hora del primero » 

Al hilo de la segunda entrega Francesco Alò de Badtaste.it afirmó que «Sorrentino vuelve a imitar al lobo de Wall Street , haciendo una mala copia de Dallas ». 

Mientras, y para acabar,  que Filiberto Molossi en la Gazzetta di Parma , en cambio , elogió el guión, los destellos surrealistas y la interpretación de Elena Sofia Ricci . 

Por mi parte decir que la película sin duda presenta el marchamo, la marca de la casa Sorrentino : como son esas fiestas salvajes a cámara lenta; ese toque surrealista expresado al inicio de la película con la oveja y el aire acondicionado, o la secuencia de Berlusconi con la única joven que parece no interesarse en él y le dice que su aliento le recuerda al de su abuelo. 

Considero que esta película tiene altibajos. En el sentido narrativo la presencia de los Morra no aporta nada, salvo el toque de la ambición existente en la sociedad, la inmoralidad rampante y el exceso, pero poca cosa más ofrece. 

A destacar el trabajo de Servillo, como siempre, el análisis del momento histórico de ese vale tutto, y el ser una película coherente con el director al trata los excesos, la abundancia, el tema del paso del tiempo que esa sí que es una constante, desde que lo descubrí en La Gran belleza y que lo confirmé con La juventud, el sentido rítmico que gusta de avanzar y quebrarse. 

Reconozco es la película más floja de las cuatro que he visto del napolitano, aunque eso no implica que sea carente de interés. A nivel de estudio del tiempo, de lo que se esfuma en nuestras manos, como es la juventud,  y del poder del bunga bunga, magistral.

Il Divo

Durante los años en la Universidad cursé una materia que se llamaba Instituciones políticas del Mundo Contemporáneo, o algo así. En la misma teníamos que analizar un modelo político distinto al español. Nos lo repartamos y a mi me tocó el modelo italiano. 

La fundamentación de la materia era analizar los ragos institucionales del país que a cada uno le había tocado. Como elemento introductorio y contextualizador lo primero que había que hacer era una reseña histórica de cómo el país había llegado a conseguir sus instituciones actuales.

El modelo italiano, nacido tras la Segunda Guerra Mundial, y que implicó el cambio en el modelo del Estado tras el plebiscito que instauró la República frente a la Monarquía de los Saboya se fundamentaba en un modelo constitucional que , hasta ese momento, no había variado. La constitución de la República Italiana o Costituzione della Repubblica Italiana era y es aprobada el 22 de diciembre de 1947, publicada el 27 de diciembre del mismo año y que entró en vigor el día 1 de enero de 1948, la ley suprema de la República de Italia que declaraba Italia como una República democrática defendía la igualdad ante la ley, el derecho al libre ejercicio del trabajo, la autonomía local y la defensa de las minorías lingüísticas, la separación entre la Iglesia y el Estado y la libertad de culto, la protección del patrimonio natural y cultural, promoción del desarrollo cultural y científico. La Constitución presentaba 139 artículos. Los 42 siguientes artículos (13-54) tratan sobre los derechos y deberes de los ciudadanos y los 84 artículos restantes (55-139) tratan sobre la organización de la república así como una serie de disposiciones transitorias y finales ( que trabajan de la problemática del tránsito de ser un estado monárquico a una república, la prohibición de reorganización del partido fascista y el exilio de la familia real y de cualquier descendiente que pudiese reclamar el derecho a suceder a Humberto II. Este era el modelo que yo estudié. Aunque ese modelo ya estaba en crisis.

Recuerdo aquel año, que fue tránsito entre 1987 y 1988, como un momento en que Italia vivía una crisis de poder absoluta. Los gobiernos se sucedían. Creo que empezó el curso con el gobierno del pentapartido (estaba la DC en constante ajuste de equilibrios en el interior y al reparto de papeles entre esta y sus aliados menores integrado por tres pequeños partidos laicos (Liberal, Socialdemócrata y Republicano), al que se sumó finalmente, el Partido Socialista de Bettino Craxi que como su líder logró presidir el Gobierno, aunque aquel corto periodo pasaron como presidentes del Consejo de Ministros igualmente el democristiano Amintore Fanfani, el fugaz en la política igualmente democristiano Giovanni Goria y la vuelta a los democristianos de la facción de Ciriaco De Mita. Aquellas crisis de Gobierno que permitían el paso del Gobierno un democristiano a otro dejaban claro que la Democracia Cristiana era un partido de facciones. 

La DC fue fundado por Alcide De Gasperi en 1943 y que se convertirá en el partido político italiano que gobernó durante la mayor parte de la segunda mitad del siglo XX. Era un partido que se definía como de Centro pero con facciones que iban del centroizquierda a la centroderecha. Y asi fue hasta el escándalo de corrupción del Tangentopoli.

La DC se partió en varios trozos en 1992-93, ante la indiferencia de Juan Pablo II, más interesado en la Europa del Este que en las conspiraciones romanas. De ese nido de grillos nacieron facciones irreconciliables en los que los protagonistas era el de siempre Giulio Andreotti, que se enfrentaba a Francesco Cossiga, a Oscar Luigi Scalfaro a Giuliano Amato, a Carlo Azeglio Ciampi. Pero eso fue en ese momento, ante el "divino" Andreotti compitió con Aldo Moro, , con Amintore Fanfani, con Giovanni Leone, con Emilio Colombo, con Arnaldo Forlani, con Giovanni Spadolini, con quien fuese en su partido. Era presencia eterna y permanente de un hombre que permanecía durante décadas en el poder llevó a Paolo Sorrentino a dedicarle una película. Il divo. 

Este romano fue Presidente del Consejo de Ministros de Italia hasta en siete ocasiones. Estuvo presente desde 1946 en el Parlamento "provisional" que tenía la tarea de redactar la nueva constitución italiana y desde 1991 será senador vitalicio. 

Comenzó su carrera detentando poder como subsecretario del Presidente del Consejo de Ministros en el cuarto gabinete de Alcide De Gasperi, cargo que ocupó hasta enero de 1954. En 1954 se convirtió en Ministro del Interior. Más tarde fue ministro de Finanzas y estuvo involucrado en el llamado Giuffrè Scandalo (un fraude bancario) de 1958. Eso, salir involucrado en un escándolo y salir de rositas será un hecho que define a Andreotti. La Cámara de Diputados rechazó todas las acusaciones en su contra en diciembre del año siguiente. En 1962 fue censurado oficialmente por la Cámara por irregularidades en la construcción de Roma Aeropuerto de Fiumicino. 

Poco después Andreotti derrocó junto a sus adeptos a Amintore Fanfani, que era primer ministro de Italia y Secretario Nacional de la DC. En 1958 es ministro de Hacienda y en 1960 Andreotti fue designado Ministro de Defensa por Antonio Segni. 

Bajo su ministerio vivirá un extraño suceso con un golpe de estado planeado por el neo-fascista el general Giovanni De Lorenzo. A Andreotti se le encomendó la destrucción de los expedientes No se sabe cómo, pero antes de ser destruidos, fueron copiados y entregados a Licio Gelli, líder de la logia masónica secreta, Propadanda 2 (P2). 

En 1968 Andreotti fue nombrado representante del grupo parlamentario de la Democracia Cristiana, cargo que ocupó hasta 1972 momento en el que inició su mandato como primer ministro de Italia. Ocupó el cargo en dos períodos consecutivos de centro-derecha (1972-1973). Abandonó el cargo en 1973 para volver en 1976 después de las elecciones generales. 

Aldo Moro, entonces presidente de la Democracia Cristiana, ayudó a buscar una fórmula para llegar a un gobierno de concertación, llamado por él de solidaridad nacional que le permitió mantenerse a Andreotti en el cargo tres años más, hasta 1979, sostenido su gobierno por el Partido Comunista Italiano, sin que hubiera ministros comunistas, gracias al llamado Compromesso storico. 

Durante ese momento , en marzo de 1978, se produce el Secuestro y asesinato de Aldo Moro. Los secuestradores pretendían intercambiar a Moro por la liberación de varios compañeros encarcelados y el reconocimiento político de la organización. Moro escribió bastantes cartas a los principales líderes de la Democracia Cristiana y al papa Pablo VI. En estas cartas Moro abogaba porque el objetivo fundamental del Estado debía ser salvar vidas humanas, razón por la cual el gobierno debería acceder a las demandas de las Brigadas Rojas. La mayoría de los líderes cristiano-demócratas argumentaron que estas cartas no mostraban más que la voluntad secuestrada de Moro, y rechazaron iniciar cualquier negociación, a pesar de las peticiones de la familia. Favorables a la negociación eran los socialistas (como Bettino Craxi) y los radicales (como Marco Pannella), los demás partidos políticos estaban en contra, especialmente los comunistas (como Enrico Berlinguer) y los republicanos (como Ugo La Malfa) . 

El cuerpo de Moro fue abandona en el maletero de un coche en la Vía Caetani, un lugar entre las oficinas de la Democracia Cristiana y el Partido Comunista Italiano. Algunos investigadores sugieren que el asesinato de Moro podría haber sido orquestado por la logia masónica renegada P2. Una organización que en palabras de Andreotti dijo que "Yo afirmo que el jefe de los servicios secretos descartó varias veces de forma explícita la existencia de una organización secreta de cualquier naturaleza o envergadura". 

Adreotti no volvería a ocupar el puesto de presidente del Consejo de Ministros hasta 1989, con la coalición del Pentapartito. Sus tres años como primer ministro coincidieron con el destape de los casos de corrupción que acabarían con el sistema político. Ese el momento que Paolo Sorrentino llevó a la gran pantalla. 

La película de Paolo Sorrentino que lleva por título completo Il divo - La vida espectacular de Giulio Andreotti , deriva del apodo que el periodista Mino Pecorelli le dio a Andreotti , inspirado en el título de Cayo Julio César . 

La película fue producido por Francesca Cima, Fabio Conversi, Maurizio Coppolecchia, Nicola Giuliano y Andrea Occhipinti interviniendo en ellas Indigo Film, Lucky Red, Parco Film y en coproducción Babe Film , StudioCanal, Arte France Cinéma, Sky Cinema, Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC) , Fonds Eurimages du Conseil de l'Europe , Film Commission Torino-Piemonte , Regione Campania , Film Commission Regione Campania y Centre National du Cinéma et de l'Image Animée manejando un presupuesto de $ 6,7 millones.

La película parte de un guión de Paolo Sorrentino y cuenta con música de Teho Teardo,la fotografía de Luca Bigazzi y la edición de Christiano Travagliolo. 

En cuanto al reparto destaca sobremanera  Toni Servillo como Giulio Andreotti , Anna Bonaiuto como Livia Danese, esposa de Giulio Andreotti , Flavio Bucci como Franco Evangelisti , Carlo Buccirosso como Paolo Cirino Pomicino , Piera Degli Esposti como la Sra. Enea, la secretaria de Giulio Andreotti Junto a ellos aparecen Alberto Cracco como Don Mario, Giorgio Colangeli como Salvo Lima , Massimo Popolizio como Vittorio Sbardella , Aldo Ralli como Giuseppe Ciarrapico,  Giulio Bosetti como Eugenio Scalfari , Gianfelice Imparato como Vincenzo Scotti,  Paolo Graziosi como Aldo Moro,  Lorenzo Gioielli como Mino Pecorelli , Giovanni Vettorazzo como el Magistrado Scarpinato , Cristina Serafini como Caterina Stagno , Achille Brugnini como Fiorenzo Angelini , Pietro Biondi como Francesco Cossiga y Fanny Ardant como esposa del embajador francés .

La película narra las presuntas relaciones de Andreotti con la mafia siciliana, los delitos por los que fue procesado en los años 90 y absuelto por falta de pruebas de delitos como supuestos vínculos con la mafia . 

Al comienzo de la película, Giulio Andreotti ofrece un monólogo interior observando cómo ha logrado sobrevivir a su tumultuosa carrera política mientras sus diversos detractores han muerto. Un montaje muestra los asesinatos de varias personas relacionadas con Andreotti, incluido el periodista Mino Pecorelli , el general de los Carabinieri Carlo Alberto Dalla Chiesa , los banqueros Michele Sindona y Roberto Calvi , y el ex primer ministro Aldo Moro .

La narración cubre la séptima elección de Andreotti en 1992, su fallida candidatura a la presidencia de la República Italiana , el escándalo del soborno de Tangentopoli y su juicio en 1995 por connivencia con la Mafia siciliana. 

La película comienza con una larga serie de muertes de personalidades destacadas ( Moro , Dalla Chiesa , Pecorelli , Falcone , Calvi , Sindona , Ambrosoli ), todas las cuales conciernen directa o indirectamente al propio Andreotti. Le sigue a esto las palabras de las cartas de Moro que desde su encarcelamiento a manos de las Brigadas Rojas se dirigió precisamente a Andreotti, destacando su falta de humanidad y rogándole que inicie negociaciones con los terroristas para su liberación. 

La historia principal comienza el día de la presentación del último gobierno andreotiano, el 12 de abril de 1991. Ha ganado la Democracia Cristiana, pero en concreto la corriente Andreotti, sobre las demás. 

Los "líderes" de su corriente en la Democracia Cristiana son Paolo Cirino Pomicino , Giuseppe Ciarrapico , Salvo Lima , Franco Evangelisti , Vittorio "Lo Squaloo El Tiburón" Sbardella y el cardenal Fiorenzo Angelini conocido como "Su santidad" se reúnen en las oficinas de Andreotti . 

La cuestión política del día pasa por la cercana y futura elección del presidente de la República que ha de suceder al actual, Francesco Cossiga. En principio a Andreotti le gustaría culminar su carrera con la Jefatira del Estado. El problema es Sbardella que cambia de facción lo que rompe la balanza; aunque de cualquier forma Andreotti, solicita ser confirmado su candidatura. Lógicamente, acepta. 

Pero en la carrera por el Quirinal , Andreotti choca con la candidatura contraria del secretario demócrata cristiano Arnaldo Forlani propiciada por su rival, Cirino Pomicino. Ambos alrededor de una mesa de compromiso excluyen una retirada a favor del otro.

En el momento de la primera convocatoria del Parlamento en sesión conjunta para las elecciones, estalla una violenta "reyerta": gritos, lanzamientos de objetos y tintineo de esposas, por toda la cabeza del impasible Andreotti, mientras el presidente de la Cámara Oscar Luigi Scalfaro intenta en vano mantener la calma a los parlamentarios. 

Aunque luego se repiten las votaciones, ningún candidato obtiene la mayoría. Durante un descanso, los diversos partidarios de los candidatos intentan obtener el apoyo de diputados adicionales. Cirino Pomicino intenta un compromiso entre las distintas corrientes. Se sabe que hay cierta oposición al Divo. La razón, el asesinato de Falcone que sacude su imagen, y vincula su corriente política a la mafia , problema que ya había surgido con el asesinato de su colega de partido Salvo Lima , que tuvo lugar para vengar la traición de una clase política que había utilizado los votos de la Cosa Nostra sin respetar los acuerdos alcanzados. Andreotti había tratado previamente de evitar Lima declarara en público sus contactos criminales, pero fue en vano. 

Al final de la elección, sale Scalfaro como presidente de la República. Andreotti, ni se inmuta. La segunda parte de la película se centra en las supuestas relaciones de Andreotti con la mafia, hasta las audiencias del maxi juicio. 

Poco después de la elección de Scalfaro, estalló el caso de Tangentopoli , que marcó la caída de los principales líderes políticos acusados de corrupción , entre ellos Cirino Pomicino, Evangelisti (que murió poco después) y Bettino Craxi , aliado-rival de Andreotti. 

El detonante es la caída de la Cosa Nostra entre 1993 - 1994, causado por numerosos arrepentimientos, arrestos y leyes especiales. En conversaciones con varios arrepentidos , el fiscal de Palermo Giancarlo Caselli y sus colaboradores escuchan la versión de los arrepentidos sobre las relaciones entre Andreotti y la Cosa Nostra o sobre los asuntos y asesinatos vinculados con Licio Gelli y Pippo Calò (como los de Calvi y Sindona, respectivamente culpables de haberse apropiado del dinero de Gelli y saber demasiado), el asesinato de Dalla Chiesa por la mafia con la aprobación silenciosa de Roma y el asesinato del periodista Pecorelli al inicio de la película, asesinato encargado por Ignazio y Nino Salvo , para congraciarse con Andreotti. 

Durante estas conversaciones entre Caselli y los renegados de la mafia están representados vistos a travñes de flashbacks se presentan las supuestas conversaciones entre Andreotti y los jefes de la mafia, incluida  un encuentro con Toto Riina , el famoso beso, y el supuesto ritual de afiliación, que sería hecho " hombre de honor ". 

Por su parte, Andreotti decide librar hasta el final esta última batalla por la justicia, movilizando sus recursos personales y económicos, con el pleno apoyo de su familia, en especial de su esposa Livia. El senador rechaza categóricamente las acusaciones de connovencia con la mafia, negándolo a sí mismo e incluso a su confesor, y oponiendo su vida como "guardia especial" por la escolta a la mafia arrepentida, con movimientos constantemente controlados. Finalmente asistimos al inicio del primer proceso. 

Antes de los créditos finales, un escrito informa que el primer juicio por asociación mafiosa terminará con la constatación del delito, extinguido por prescripción, por los hechos anteriores a la primavera de 1980 y la absolución de los hechos posteriores a esa fecha, mientras que el segundo El juicio por el asesinato de Pecorelli terminará con la absolución total. 

La película fue rodada en diversos espacios romanos como la Via del Corso, el Palacio de la Sapienza en Corso del Rinascimento,en Villa di Fiorano, en el área de la Via Appia Antica, en Montecitorio, en distintos puntos de Nápoles (Campania) y áreaa como el Teatro Mediterraneo de Piazzale Colombo, y el Laghetto di Fasilides de la Via John Fitzgerald Kennedy, en el Palazzo Saluzzo Paesana sito en la Via della Consolata de Turin, Piedmont,en el área del Valle d'Aosta como en Stobene cercana a Gressoney-Saint-Jean, en Palermo. 

Fue presentada en un corte inicial de 145 minutos y consiguió en taquilla $ 11,260,366 

La victoria de Andreotti como primer ministro revela el tema de la  partitocrazia o gobierno que coloca por encima los intereses de los partidos" en la política italiana, que el interés general.

En la película, se  argumenta que él y muchos  políticos de la Italia optaron por el denominado "populismo suave", que utiliza medios como los medios para atraer a las masas populares. 

Sin embargo, en la película, Andreotti no parece enfatizar ninguna política específica ni siquiera una campaña salvo la del fármaco que le exige algún compañero de partido,  y deja en el aire la tesis de si Andreotti estaba o no vinculado con los asesinatos de la mafia o el de Aldo Moro. 

La película fue presentada en Cannes y se proyectó igualemnte en el Festival Internacional de Cine de Toronto . En Cannes donde al acabar recibió casi diez minutos de aplausos , fue premiada con el Premio del Jurado al mejor director  ( Paolo Sorrentino ) y el Prix Vulcain ( Luca Bigazzi y Angelo Raguseo ), un premio técnico 

En cuanto a los Premios fue nominada a los Oscar al mejor maquillaje para Aldo Signoretti y Vittorio Sodano 

En los British Independent Film Awards (BIFA) fue nominada a la mejor película internacional  independiente 

En los Premios David di Donatello consiguió 7 premios, incluyendo el Mejor actor de un total de  16 nominaciones 

En los Premios del cine europeo obtuvo el premio al  mejor actor europeo (Toni Servillo) y 5 nominaciones.

La película fue nominada al Gran Premio del Sindicato Belga de Críticos de Cine . Igualmente en los Sannio FilmFest obtuvo el Premio "Capitello d'Oro" al Migliore Attore ( Carlo Buccirosso ).

También obtuvo el Premio "Sonora", a la  Musica per il Cinema Premio Migliore Colonna Sonora ( Teho Teardo ) 

En el Festival de cine de Venecia fue el Premio "SIAE" alla Creatività 2008 para Paolo Sorrentino. 

En el Festival du Cinéma Italien d'Ajaccio el Premio al Meilleur Acteur fue para Toni Servillo también obtuvo otros premios como el Premio Martini a Premiere Menzione Speciale per la Locandina como Premio "La película más innovadora".

Obtuvo el Premio Internazionale de Cinearti "La Chioma di Berenice" y el Premio Migliore Arredamento ( Alessandra Mura ) 

En los Premios de Cine Europeo se llevó el de Mejor actor europeo (Toni Servillo) y en el Festival de Cine de Sevilla consiguió el Eurimages.

En el Festival de Cine de las Noches Negras de Tallin fue premiado a uno de los mejores directores de fotografía (Luca Bigazzi).

En el Festival Internacional de Cine Jameson de Dublín consiguió el Premio Volta (Paolo Sorrentino) y , por último, fue Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de San Diego a la Mejor película en lengua extranjera (Paolo Sorrentino) 

Tras su estreno el propio Andreotti, que falleció en 2013,  tras ver la película dijo que era "demasiado" y que, al final, sería juzgado "según su historial". 

Massimo Franco, biógrafo de Andreotti, relata que al ver la película "se enojó, llamándola difamatoria". Dijo en la proyección previa al estreno que lo presentaban como un ser « muy malo, es un bribón, diría yo. Trate de cambiar la realidad dejándome hablar con personas que nunca he conocido " 

Pero unos días después, escribió Franco, Andreotti bromeaba cínicamente diciendo: "Estoy feliz con el productor. Y sería aún más feliz si tuviera una parte de las ganancias". 

Por su parte, Sorrentino comentó al respecto: «Andreotti reaccionó con rabia y este es un buen resultado porque suele estar impasible ante cada evento. La reacción me reconforta y confirma la fuerza del cine frente a otras herramientas críticas de la realidad ” y declaró que "Si uno está en política parece que ser ignorado es peor que ser criticado, entonces ..."

En la reseña de Peter Brunette para The Hollywood Reporter , se elogia la película, destacando la capacidad de entretenimiento, la brillante actuación y la calidad de la banda sonora. Adelanta  que la película probablemente no tendrá un gran éxito fuera de Italia. Sin embargo, obtuvo una recaudación de más de 11 millones de dólares. 

Roger Ebert al revisar la película lo hizo de manera muy positiva, afirmando: "Después de ver Il Divo , debería haberme sentido indignado. Debería haberme sentido así incluso después de ver El padrino . Pero estas películas cuentan con personajes tan fascinantes que me encuentro admirándolos, incrédulo. " 

Para Jay Weissberg de Variety "la película como una obra maestra que se convertirá en una piedra de comparación en los años venideros. En el New York Times , tras señalar que "la mayoría de los personajes reales son desconocidos fuera de Italia", se expresaba la admiración por una película "sensacional" que enfrenta al espectador con un " tour de force de imágenes". indeleblemente deslumbrante "recordando el imaginario de Fellini " 

Se equivocaba en muchos sitios la valoraron positivamente frente a otros que la valoraron mal ya en ese momento. En Cahiers du Cinéma  confirmaba la opinión negativa sobre el cine de Paolo Sorrentino que lo define como "incapaz de salir de un miserabilismo repugnante" . El rival histórico de los Cahiers , Positif , elogió la película como una de las mejores en competición en Cannes . 

La película también fue recibida positivamente en Alemania. Se hizo especial hincapié en su originalidad formal, a la que se atribuyó el hecho de que una película, "de la que nadie fuera de Italia puede comprender las alusiones, tramas o incluso declaraciones" .

En cuanto a las críticas en España destaca ña de Carlos Boyero en El País que dice de la película que "Aunque juegue con la desmesura y el histrionismo, juegue con la conjetura (...) resulta enfermizamente realista, de una veracidad y una complejidad alarmantes. (...) Perturba duraderamente".

Para Luis Martínez en El Mundo "'Il divo' es, sin duda, una de las películas más interesantes que ha visto este festival [de Cannes] en mucho tiempo." 

En ABC Oti Rodríguez Marchante defiende que  "Sorrentino ha construido un 'anti biopic', con materiales tan hiperrealistas como surreales, y sin disimular un cierto toque reverencial y admirativo (...)" 

Francisco Marinero en El Mundo comenta que es el "El retrato de este cínico piadoso y la crónica de su via crucis ganan interés pese a lo caleidoscópico del relato. (...) Lo mejor: la antología de frases cínicas (...) Lo peor: busca el impacto con un efectismo elemental (...) ". Por último desde Italia tenemos estas criticas Paolo Mereghetti afirmó que "junto a Garrone y Munzi, se certifica la existencia de un cine italiano finalmente adulto, autoritario, valiente". En cambio, Pino Farinotti escribió: « Il divo es una película excelente. […] Sorrentino ha encontrado soluciones, contenidos y personajes que se desprenden, hacia arriba, de la masa gris, homologada, triste y desfasada, del cine italiano ”. Por contra , Valerio Caprara en Il Mattino y Mariarosa Mancuso sobre Il Foglio , acusan a la película tanto de exageración estilística como de las acusaciones contra Andreotti y afirman que la recepción en Cannes (donde la película ganó el premio del jurado) sería en realidad fue "tibio".