La Corea

Pedro Olea es un director que siempre ha ido por caminos difíciles o al menos extrañas. Fue uno de los directores más significativos de la transición y como prueba tenemos esta película titulado La Corea.

La Corea forma parte de la llamada por el director "trilogía de Madrid" junto a Tormento (1974) y Pim, pam, pum... ¡fuego! (1975). 

Pedro Olea se inició en el cine con ¨Días de Viejo Color¨ (1967) y "El Bosque del Lobo" (1970). Posteriormente, durante seis años, Pedro Olea se dedicó a la publicidad y documentales como "Guernica", "Río de Bilbao" y a series de televisión como "Cuentos y Leyendas" y otras de temática vasca. Pedro Olea vuelve a rodar, gracias a una subvención del gobierno vasco la película "Un hombre llamado Flor de Otoño" con José Sacristán.

Posteriormente, realizó la trilogía sobre Madrid integrada por "Tormento", "Pim Pam Pum Fuego" y "La Corea". Sus mayores éxitos de público fueron "Un hombre llamado Flor de Otoño"  y " El maestro de esgrima" con Assumpta Serna. En los ochenta realizó también dos películas sobre la brujería: "La Leyenda del Cura de Bargota" (1989) y "Akelarre" (1984).

También dirigió "Bandera Negra" sobre el contrabando de armas y un thriller militar: "Morirás en Chafarinas". 

La Corea es Charo, interpretada por Queta Claver, una Madama que lo toma bajo su mando a un chico Tony, interpretado por Ángel Pardo, y la pone en relación con Vicky, una bellísima Cristina Galbo. Supuso el debut cinematográfico de Imanol Arias que aparece como un irreconocible chico de la pensión, en un papel fugaz. Junto a ellos nos encontramos con la actriz Encarna Paso que aparece como Encarna, la acompañando y fiel asistente de Charo.

Tony ha llegado a través de Paco, el actor Gonzalo Castro que se va a convertir en la persona que lo introduce en este segundo de del sexo de Madrid cuando todo habían los norteamericanos tenían su base en Torrejón.

La historia de la Corea, una mujer madura que se dedica a facilitar chicos a los soldados estadounidenses de la base de Torrejón de Ardoz, es también la historia de un chico de pueblo, Toni,  que llega a Madrid atraído por las aventuras que le ha contado su paisano y amigo Paco cuando este regresaba al pueblo.

Cuando llega a Madrid este chico huérfano que vivía con sus tíos, un joven de provincias en busca de trabajo, Tony es recibido por Paco (Gonzalo Castro) que le lleva a vivir a una pensión regentada por una señora mayor. Esta señora mayor está a las órdenes de Charo, la Corea, una madama de unos 50 años que, formalmente, es la propietaria de un bazar de antigüedades en el Rastro que encubre un negocio de prostitución, tanto femenina como masculina, que recibe en nombre de La Corea por las buenas relaciones que tiene con los miembros de la base estadounidense de Torrejón de Ardoz. Es conocida por sus actividades amorosas como intermedia o alcahueta , especialmente, con los norteamericanos de la  base de Torrejón de Ardoz desde la década de los años cincuenta.

La Corea es a su vez la cabecilla de una organización que utiliza a chicos u chicas jóvenes que operan en la capital y que se dedica a suministrar "carne joven"  a persona mayores y americanos, aunque Tony se convierte en su querido desde el momento en que llega.Charo se enamora de un ingenuo Toni que únicamente pretende “trabajar y vivir”, según manifiesta a Charo, eso sí, desatando la ira de Sebas, antiguo gigoló de "Corea". Charo le introducirá en el mundo de la prostitución de lujo. Tony se mueve en un mundo de bajos fondos, que ni entiende, ni conoce por lo que corre un serio peligro frente a la chusma que le rodea con chaperos, carteristas y delincuentes. Tras el choque y la reacción violenta del Sebas (José Luis Alexandre), el antiguo amante de la mujer, la única salida que le queda a Toni es colocarse como camarero en la base, pero La Corea lo descubre y le hace volver junto a ella. Es entonces cuando Paco vuelve a la carga y le propone un encuentro con Fred (Dean Seilmer), el militar que le consiguió el trabajo en la base. La trágica muerte de Paco, que se preecipita desde un piso alto de un hotel y luego la Toni a manos de Sebas, posiblemente por encargo de La Corea o Encarna se precipita la situación.

En el papel de la Corea está Queta Claver una prestigiosa actriz española ya veterana para esa fecha,  con una enorme trayectoria teatral pero que asumió el reto de ser el papel protagonista conjuntamente con Encarna Paso en esta película. 

Inicialmente comenta Pedro Olea en Historia del cine español comentó que para el papel de La Corea él pensó en Ava Gardner, pero ella que en ese momento residía en Londres, rechazó el papel pues la historia la consideraba muy sórdida, la que relacionaba a una mujer mayor con un chico,  y cuando ésta lo rechazó, el director pensó en Rita Hayworth, pero el periodista José María Íñigo que la había traído a España para entrevistarla, le comentó que estaba ya con un principio del Alzheimer. Así que José Frade el productor de la película finalmente se contentó con Queta Claver, en uno de sus principales papeles cinematográficos.

La película fue emitida este pasado verano coincidiendo con el Día del orgullo Gay ya que aquí es presentada la película como una auténtica película que se impone y se adelanta a su tiempo.

Pedro Olea hizo esta película entre otras dos importantes producciones , Pim pam pum ... fuego,  del año 1975 con Concha Velasco y Fernando Fernán Gómez, y Una flor llamada flor de otoño en la que el protagonista es José Sacristán. 

Pedro Olea era el gran director de aquellos años, y por entonces se especializó en desarrollar dramas humanos y sociales, ya sean de clase social alta (Tormento, 1974), el mundo del espectáculo (Pim, pam, pum.. ¡Fuego!, 1975), como de bajos fondos como es “La Corea”.

De la película se destaca  el retrato de Madrid de los setenta, por como se trata la homosexualidad en aquellos años de tránsito al la transición política. A destacar el autohomenaje, de Olea a su anterior película, "Tormento", una buena adaptación de Galdós. está incorporado con destreza.

  

La Corea como película  es más sugerente que explícita,  y eso que la película se distribuye en un momento donde el destape se había hecho fuerte en el cine español y con ella la representación del deseo de una forma bastante evidente. Pedro Olea reconoce que quiso contar esta historia porque era una especie de desafío. Después del éxito de Tormento y de Pim pam pum ... fuego se quiso lanzar a contar otro tipo de historias ya no vinculadas con historia del pasado del siglo XIX como Tormento o de la posguerra como Pim pam pum ... fuego. 

De hecho la primera escena de la película forma parte del rodaje de Tormento en el que vemos a Concha Velasco, junto a Rafael Alonso, decir o repetir varias veces el término p***. El director supo enlazar perfectamente el inicio de la película en el que el protagonista llegaba en un tren con la salida del tren de de la película Tormento. 

Pedro Olea entendía que había que hacer una película sobre el Madrid actual el del momento, el de los 70. Él quería retratar el mundo de la base norteamericana de Torrejón y la Corea de hecho es una persona que tiene mucha relación con aquella base. 

La relación entre Encarna Paso y Queta Claver es presentada con bastante elegancia siendo una de las primeras veces que esta historia se presentaba en el cine español.

El guión de la película fue escrito por Alfonso Jiménez Romero, Juan Antonio Porto - fallecido en 2021-y Pedro Olea siendo este el responsable del argumento. Como ya he señalado la película fue una producción de José frade. Fue rodada en Madrid. 

La banda sonora fue una composición de Carmelo Bernaola e incluye algunos bailes con El Porompompero: letra de José Antonio Ochaíta (como Ochaita) y Xandro Valerio (como Valerio) música de Juan Solano (como J. Solano), así como ¨Chattanooga Choo Choo¨ escrita por Mack Gordon y Harry Warren interpretada por Judy Stephen. En el montaje fue de José Antonio Rojo mientras que el responsable de decorados y de ambientación fue Antonio Cortés. El director de producción fue Enrique Bellot y el director de fotografía Fernando Arribas. 

Fausto Fernández escribió sobre ella en X - antes Twitter- que "Levantó ampollas en su día esta excepcional muestra de cómo se ha aproximado siempre Pedro Olea al melodrama, con epidérmica furia y pasión. Ovación para la hoy injustamente olvidada Queta Claver en su papel más logrado y más memorable. "

La película muestra el proceso de degradación moral, cada vez más sórdido  de unos jóvenes cegados  por el dinero fácil, el lujo y la sexualidad fácil y promiscua combinada con una historia de "amor" imposible, descompensada, desesperada, terminal, con dolor y sin esperanza, con desajustes entre lo que debe cumplir con su protectora y lo que anhela, a una de sus pupilas, Vicky, que con total frialdad propia de una profesional lo trata bien, aunque lo ignora y que aboca tanto a Toni como a Paco a la perdición y la derrota definitiva especialmente a su amigo. Las escenas de amor están rodadas con cierto pudor y la escena final, en las escaleras mecánicas del metro tiene mucho de carga moralizante. Frente a esto el papel de la Madame con una persona entregada, luminosa, bella, con sus ojos verdes y hermosos y esa voz rota de la Queta. 

The Way West

No confundamos de The Way West con Camino de Oregón. Desconozco el título que pudo tener en castellano, aunque he leído que - no sé si erróneamente o no- la presentan como Camino de Oregón. Tienen en común, aunque difieren en sus décadas de realización- que son dos western, que son dos películas que se dirigen hacia el mismo estado que mira al Pacífico, que recorren todo el país, que los protagonistas son colonos y que la dirección la llevan hombres importantes, pero Camino de Oregón - en versión original The Oregon Trail- de Gene Fowler Jr. e interpretada por Fred McMurray como periodista y John Carradine, mientras que la que da título a esta entrada cuenta con todo un elenco de actores y actrices de peso así como con un reparto encabezado por Kirk Douglas, Richard Widmark,  Robert Mitchum a los que se suman Jack Elan o una jovencísima Sally Fields, Lola Albright, Stubby Kaye y Sam Elliott hizo igualmente su debut cinematográfico como un ciudadano de Missouri aunque no acreditado es The Way West. 

Esta última película fue producida para la United Artist por Harold Hecht por la Harold Hecht Productions y dirigida por Andrew V. McLaglen, el hijo del mítico actor que formaba parte de la trope de John Ford, y que se especializó en los años sesenta con una buena cantidad de películas del Oeste.

Esta es una película del año 1967. Aparentemente basada en la novela homónima, ganadora del Premio Pulitzer del mismo nombre de A. B. Guthrie, Jr., la película es un drama sobre un grupo de colonos que viajan en una caravana cubierta a Oregón en 1843. Incluye cinematografía en exteriores de William H. Clothier. La misma fue transformada en guion por Ben Maddow y Mitch Lindemann. Contó con el montaje de Otho Lovering y la banda sonora de corte épico con toques irlandeses de Bronislau Kaper. La película nos cuentan la historia de cómo el senador William Tadlock sueña con establecer un asentamiento en las tierras que se encuentran al otro lado de las Montañas Rocosas. 

A diferencia de Camino de Oregón donde hay un posicionamiento político en un territorio que está en disputa entre Gran Bretaña y Estados Unidos, aquí el posicionamiento es plantearnos la dificultades de esta primera expedición colonial que tiene como punto de destino Oregón.

La historia se desarrolla en 1843, cuando da comienzo un viaje épico que parte desde Missouri en dirección Oregón, a través de una tierra hostil. Durante la expedición la misma tendrá que enfrentarse a los peligros de una naturaleza salvaje así como a los nativos americanos, a sus propias dificultades generadas por la falta de confianza en el proyecto, las contradicciones y los problemas que surgen en el interior de la expedición así como el carácter despótico del senador. En la misma solo los fuertes y los afortunados llegarán a Oregón con vida. 

La historia comienza con un gran desplazamiento de población que llega a Missouri procedente del este del país con un destino incierto localizado en el área oeste del país. Allí vamos a conocer fugazmente a algunos de los futuros protagonistas.

Prácticamente conocemos en paralelo al senador estadounidense William Tadlock (Kirk Douglas) que ha decidido abandonar su casa en Missouri con la intención de dirigirse hacia el oeste y con destino a un despoblado territorio de Oregón. Para ello ha organizado una expedición a la que lleva a su hijo y su esclavo ya que su mujer acaba de fallecer. Va en busca de Dick Summers (Robert Mitchum) un guía considerado el mejor conocedor de los territorios al oeste del gran río. Cuando habla con él éste manifiesta su desinterés en participar en la caravana, ya que al igual que el senador ha perdido a su mujer, una nativa americana. Con todo, Tadlock lo convence y finalmente Dick es contratado.

A ellos se unen a la expedición un granjero asentado en Missouri como Lije Evans (Richard Widmark), un aguerrido labrador - y bebedor- , su esposa Rebecca (Lola Albright) y su hijo Brownie (Michael McGreevey), de 16 años. Ellos han vivido en el Este, pero la problema del suelo lo llevó a Missouri, pero él sigue insatisfecho a diferencia de su mujer Rebecca que no quiere desplazarse otra vez, pues ella desea una estabilidad vital. 

También están los recién casados Johnnie (Michael Witney) y Amanda Mack (Katherine Justice), además de las familias Fairman con Sam (Stubby Kaye ) a la cabeza,  y los McBee (Connie Sawyer y Harry Carey, Jr.) que van acompañados de su joven hija Mercy ( Sally Fields).

La expedición comienza su andadura  y con ella comienzan las dificultades para las carretas y para las personas. Por ejemplo vemos la dificultad de una de las parejas como la joven y tímida esposa Amanda no satisface las necesidades de su marido Johnnie o como la joven Mercy tontea con los hombres así como con Brownie, un chico de su edad. 

Vemos que el señor Tadlock lleva las riendas de la expedición con dureza y lo comprobamos cuando se dispone a cruzar un río en competencia con lo que aparenta ser otra expedición, aunque después resulta ser un grupo de cowboys que llevan ganado. Durante la travesía por un lado aparece un polizón (Jack Elam) , que resulta ser un predicador. También cruzando el río uno de los colonos, un italiano de apellido Grimaldi se ahoga pues iba con un cinto lleno de monedas. Todo eso es juzgado con dureza por parte del viejo senador. 

Mientras tanto en una de las paradas la expedición tiene un encuentro con los pieles rojas que lo único que desean es alcohol. 

La joven y tímida esposa Amanda no satisface sus necesidades, por lo que Johnnie los más de los días se emborracha y la noche en la quelos indios están en el campamento de caravanas bebiendo ve a la joven Mercy McBee (Sally Field) insunuarse y se va con ella. Tras hacer el amor, él se siente culpable despidiendo con su rifle a Mercy y mientras se marcha dispara a lo que, borracho, cree que es un lobo y termina matando al más joven hijo de un jefe sioux. 

Tadlock sabe que ninguna otra forma de justicia servirá para los indios si la caravana es perseguida, como filnamente ocurre por ellos como venganza, por lo que tras decidir sacrificar a uno de los que tienen rifle, a Brownie, lógicamente se opone su padre Lije, pero al final ahorca a Johnnie que reconoce el asesinato, por la seguridad del grupo de viaje, pero para su indignación. El jefe indio le dice al cuerpo de su hijo que se ha hecho justicia, luego llama a las colinas circundantes, donde ahora aparecen cientos de guerreros, y los colonos ven que se ha evitado una masacre. 

De nuevo en el camino, se adentran or un área desértica sin agua. Tras cruzar el desierto nos enteramos que Mercy ahora también está embarazada y Brownie le propone matrimonio. Ella le dice que no está enamorada, pero el insistirá.

Tras dar con un manantial se iniia una loca carrera hacia el mismo y el hijo de Tadlock muere en una estampida, lo que hace que el senador se quede tan angustiado que se vuelve un ser duro, despótico y capaz de mentir a los integrantes del grupo cuando estos alcanzan un fuerte. Allí son acogidos con agrado y mientras algunos de los que allí están son convencidos para desviarsehacia California con la promesa de que encontrarán oro y buenas tierras; otros quieren quedarse varias semanas para descansar del largo camino. Mientras se produce el matrimonio entre Brownie y Mercy, y Amanda descubre públicamente que la chica está embarazada, pero la ceremonia sigue adelante. 

Durante la fiesta de celebración y como uno de los carros lleva a una enferma , Tadlock transmite la idea de que se debe a una epidemia de viruela por lo que todo el grupo es expulsado. 

Ahora el grupo penosamente y dividido se dirige a las Rocosas. En sus inclinadas pendientes se han de ir quitando todos los lastres de peso, desde los melocotones de uno hasta baules,...La gota que colma el vaso llega cuando Tadlock destruye el reloj antiguo de Rebecca Evans, su única pertenencia, después de que Lije Evans se niega a abandonarlo. Se produce una pelea entre Tadlock y Evans, por lo que Tadlock toma represalias intentando dispararle a Evans, pero Summers lo deteniene. 

Los demás desean  un linchamiento e intentan colgar a Tadlock, pero Evans los disuade y ahora se hace cargo del viaje. 

Casi al final, la caravana llega a un barranco empinado, que ofrece el único atajo hacia su destino. Rebecca Evans muestra a los demás el gran plan de Tadlock, montar una ciudad desde la nada y que sea su ciudad. Evans cede el mando a Tadlock. 

Deciden cruzar el enorme cañón. Los colonos bajan sus posesiones, ganado y entre sí por la empinada escarpa para llegar al camino de carretas hacia el valle de Willamette. El primer intento es un desastre, pero , poco a poco, el grupo y los bienes van descendiendo. Uno de los últimos en bajar es Tadlock , pero en eso aparece Amanda Mack, emocionalmente ida por la pérdida de Johnnie, corta la cuerda por la que desciende Tadlock, lo que hace que el senador se precipite hacia su muerte. 

Amanda huye hacia el desierto, pero los demás, después de reconocer los esfuerzos de Tadlock, continúan hacia Oregón. Summers se queda atrás y parte hacia lugares desconocidos soñando con asentarse nuevamente con una india pies negros, acabando así la película.

El rodaje tuvo lugar en Tucson, Arizona y varios lugares de Oregón, incluidos Bend, Christmas Valley, en Nebraska en donde identificamos Chimney Rock, - que con sus 87m de altura, de arcilla intercalada con ceniza volcánica y arenisca en la cima, sirvió históricamente de punto de referencia a lo largo del Camino de Oregón, el Camino de California y el Camino Mormón a mediados del siglo XIX - y las dunas de arena y el bosque perdido en Crooked River Gorge.

Andrew McLaglen, director británico nacido en 1920, pero con nacionalidad estadounidense que trabajo tanto en cine como en televisión en western como El Gran McLintock, El Valle de la Violencia, La Brigada del Diablo o Chisum . recordó que, aunque United Artists estaba satisfecha con la película, querían recortar 22 minutos al comienzo de la película para reducir el tiempo de ejecución. La película se destaca por ser el primer western de gran presupuesto desde el espectáculo de pantalla ancha de John Wayne de 1930, The Big Trail, que muestra a los pioneros bajando una caravana por un acantilado con cuerdas. 

Esta fue la tercera vez que Mitchum y Douglas aparecieron juntos en una película, después de Out of the Past (1947) y The List of Adrian Messenger (1963). Las relaciones entre ambos , según César Baldes, fueron malas, llegando a decir Mitchum de Douglas que era un idiota. Douglas había filmado previamente otro película basada en una novela de Guthrie, El gran cielo. 

 Aunque destacó por su elenco excepcional y su fotografía, la película tuvo críticas mixtas (a menudo frías con el trabajo del director y guionista) y comúnmente fue descrita como algo menos que el trabajo clásico del director de western contemporáneo John Ford. Se describió como carente de una trama coherente, siendo una colección de incidentes inconexos y apresurados, conectados por largas pausas y grandes paisajes. Ganó cierta notoriedad por sus temas e insinuaciones sexuales, más allá de las normas cinematográficas del año en que se estrenó, 1967. 

Mientras que el crítico Roger Ebert lo elogió levemente, otros críticos modernos de The New York Times, TV Guide, Variety y otros le dieron calificaciones de media a baja.

En España, Ernesto J. Pastor considera que se trata de un western correcto , pero al que le falta garra, mientras que el que más sabe del tema, Fausto Fernández, escribió en Twitter que "Superproducción western para el por entonces respetadísimo Andrew V. McLaglen, y uno de sus largometrajes casi de referencia. De los primeros roles en cine de Sally Field, y de los últimos del majérrimo Nick Cravat. " Personalmente me ha gustado, pues contiene todo lo que uno espera de los westerns.

Revisitando un americano en París

A lo ya escrito en 2019 en una entrada quiero sumar, ahora que la he vuelto a ver algunos detalles más de la misma. Si bien la historia, la conocida, es la misma. 

Un veterano estadounidense de la Segunda Guerra Mundial, de nombre Jerry Mulligan, y malvive en París intentando triunfar como artista en un pequeño apartamento y que cuenta con el apoyo de sus "amigos", los chicos del barrio, así como de su amigo y vecino, Adam Cook,  es un concertista de piano en apuros pues nunca ha dado un concierto y de su socio desde hace mucho tiempo del cantante francés Henri Baurel. En el bar que frecuentan sito en la planta baja de su edificio, Henri le cuenta a Adam sobre su novia, Lise Bouvier y los futuros planes con ella.

Luego, Jerry se une a ellos y después sale para Montmatre con el fin de intentar vender su arte. Allí conoce a otros y otras artistas, y aguanta con poco ánimo los comentarios artísticos de estudiantes de arte norteamericanos que repiten una salmodia sobre la perspectiva, los colores....Sin embargo, ante sus cuadros se para una chica. se trata de una solitaria heredera de nombre Milo Roberts que valora el trabajo de Jerry que exhibe en Montmartre. Compra dos cuadros y luego lleva a Jerry a su apartamento para pagarle. 

Jerry acepta una invitación a su cena para esa noche y, de camino a casa, canta "I Got Rhythm" con algunos niños de la zona. 

Por la noche, cuando llega al hotel, al descubrir que es el único invitado a cenar de Milo, Jerry, ofendido, dice que no está interesado en ser un acompañante pagado. Milo insiste en que ella sólo quiere apoyar su carrera proponiendo él ir a un garito de jazz. 

El bar lleno de gente, y Milo se ofrece a patrocinar una exposición de arte para Jerry. Los amigos de Milo aparecen y mientras todos hablan, Jerry se da cuenta de que hay una hermosa joven en la mesa de al lado. Él finge que se conocen y la invita a bailar, sin saber que es Lise, la chica que ama Henri. Cuando Jerry quiere su número de teléfono, Lise, sin interés, le da uno falso. Alguien en su mesa no entiende y dice el número correcto. 

Mientras Milo, que baila con un crítico amigo está molesta porque Jerry coqueteó con otra chica en su presencia, quiere irse y luego lo critica por ser grosero. 

Al día siguiente, Jerry llama a Lise, que trabaja en una tienda, pero ella se niega a verlo. Mientras tanto, Milo ha organizado una exhibición con un coleccionista interesado en el trabajo de Jerry. 

Antes de la reunión, Jerry va a la perfumería donde trabaja Lise. Ella acepta cenar luego,  pero quiere evitar los lugares públicos; comparten una canción romántica y un baile a orillas del río Sena. 

Luego se apresura a encontrarse con Henri después de su actuación ("Construiré una escalera al paraíso"). Henri le dice a Lise que se irá de gira por Estados Unidos y le propone matrimonio. 

Más tarde, Adam sueña despierto con humor que está interpretando el Concierto en fa para piano y orquesta de Gershwin en una sala de conciertos. A medida que avanza la escena, Adam también es el director, otros músicos e incluso un miembro del público que aplaude con entusiasmo al final. 

Tras esto vemos como Milo le alquila a Jerry un estudio de arte y le dice que está planeando una exposición de su trabajo dentro de tres meses. Jerry inicialmente rechaza el estudio, pero acepta con la condición de pagarle a Milo cuando se venda su trabajo. 

Después de un mes de cortejo, Jerry lleva a Lise a su edificio de apartamentos. Cuando Lise de repente sale corriendo en el taxi que espera, Jerry está confundido y se queja con Adam, quien sólo al final se da cuenta de que Henri y Jerry aman a la misma chica. Más tarde, Henri y Jerry hablan sobre la chica que aman ("'S Wonderful") sin darse cuenta de que es Lise. 

Esa noche, Jerry y Lise se reencuentran junto al Sena. Lise dice que ella y Henri se casarán y se irán a Estados Unidos. Lise se siente obligada hacia Henri por protegerla durante la guerra. Jerry y Lise proclaman su amor mutuo antes de separarse. 

Jerry, abatido, invita a Milo al baile de máscaras de los estudiantes de arte, donde se encuentran con Henri y Lise. Jerry le admite a Milo que ama a Lise. Cuando Henri escucha a Jerry y Lise despedirse, se da cuenta de la verdad. 

Mientras Henri y Lise se alejan, Jerry fantasea con una escena de baile diversa y extensa con Lise, por todo París, y ambientada en Un americano en París de George Gershwin. 

La bocina de un coche rompe el ensueño de Jerry; Henri le devuelve a Lise. Se abrazan y se alejan juntos mientras termina la composición de Gershwin (y la película). 

De ella han dicho maravillas entre otros los críticos más prestigiosos de su época. Bosley Crowther del The New York Times alabó el baile de cierre que calificó como "uno de los mejores jamás presentados en la pantalla", así como a la actuación de Leslie Caron, y escribió que la película "adquiere su propio brillo de magia cuando Miss Caron está en la pantalla. Cuando no está, avanza lentamente como un espectáculo de música convencional remendado". 

En Variety la película fue descrita como "una de las creaciones musicales más imaginativas por Hollywood en años... Kelly es la principal estrella de la película y califica cada centímetro de su facturación. Su baile diversificado es genial como siempre y su interpretación es sobresaliente". 

En Harrison's Reports lo consideró "un excelente entretenimiento , una delicia a la vista y al oído, presentado de una manera que dará a todo tipo de audiencias un placer extremo". 

Para Richard L. Coe de The Washington Post la calificó como "la mejor película musical que he visto en mi vida", elogiando su "espíritu de originalidad y sofisticación nítidas que rara vez se encuentran en una pantalla musical". 

John McCarten de The New Yorker la llamó "una película musical completamente agradable... Nunca demasiado limitada por su esbelta historia, Un americano en París salta del amor a la luz de la luna a bellos ballets con la mayor facilidad, y el Sr. Kelly es siempre listo, dispuesto y capaz de ejecutar un claqué". 

En el Monthly Film Bulletin lo calificó , simplemente, como " un buen musical, mucho más atractivo que la mayoría, pero considerablemente menos de lo que el material parecía prometer. Esto se debe en parte al uso poco imaginativo de los escenarios de París (una visión turística muy obvia) y a la forma bastante curiosa en la que la historia, después de generar interés en la pintura de Jerry y en su exposición individual, simplemente deja de lado todo el tema". 

Y , más recientemente, Fausto Fernández nos cuenta en Twitter que "Gene Kelly es un americano en París y tiene ritmo, música (de George Gershwin) y una chica ¿ qué más puede pedir si encima Vincente Minnelli se emborracha en los colores (el blanco y el negro también) del más grande musical MGM? Gene Kelly ama el ritmo, la música y a su chica, normal que no necesite nada más porque encima vive la felicidad bohemia George Gershwin y Vincente Minnelli (...) Hay fiesta posterior: se requiere vestuario en blanco y negro. Pues a divertirse. ​ ​

Los héroes de las Ardenas

Película del año 2009, un momento en que se puso de moda no tanto por el cine bélico sino por algún episodio concreto como el de Band of Brothers - creo que fue un episodio doble- en la batalla de las Ardenas en Bélgica. Este episodio que ya nos fue narrado en la serie tuvo como protagonista a la Compañía Easy, pero aquí Thaddeus Smith, el director, nos monta una película de serie B, producida por 80 films, con un guion escrito por Craig Smith, poco presupuesto pero bien aprovechado, con una agradable banda sonora compuesta por Chad Rehmann y adecuadamente fotografiada por Joel Stirnkorb para narrarnos la historia de una de las unidades del cuerpo de infantería estadounidense que se va a ver sobrepasado por las unidades del cuerpo de artillería y unidades de infantería y tanques de la 11.ª división Panzer "Ghost" alemana, cuando estas deciden adentrarse en el territorio de las Ardenas - en concreto en los alrededores de Nennig, ya en territorio de Alemania, que en aquel momento estaba protegido por un grupo de soldados americanos y en concreto por soldados cansados de batallas, pero cuya unidad se mantiene para defender.

Como ya digo esta historia se nos ha narrado en bastante ocasiones, pero en este caso el director intenta mostrar el lado humano de cuatro integrantes - realmente cinco- de un pequeño pelotón en esta película que lleva por nombre Everyman's war. 

Antes de narrarnos el episodio central de las Ardenas los protagonistas de esta historia se presentan en su vida civil como un jóvenes que de voluntaria o involuntariamente -en el caso de Benedetto - deciden alistarse al ejército desde sus localidades. 

Poco a poco vamos conociendo al principal protagonista - Don - al que hemos conocido de mayor al inicio de la película- . Tras el conocemos a Angelo, Karl y Robert así como a Kia Starks, el único que estaba casado esperando un hijo y qué asume el cargo de cabo nada más formarse en la cuadrilla de soldados, y que muere en acción de guerra por un bombardeo ante de iniciarse el episodio de las Ardenas. 

Posteriormente su barco los lleva desde el puerto de Nueva York hasta el norte de Irlanda y desde ahí a Escocia, donde preparan ya su primera intervención en las cercanías de la localidad francesa de Saint Nazare. Allí vemos su primer enfrentamiento con una patrulla alemana y como el grupo resiste al ataque alemán.

Posteriormente, dos meses después, el cabo del grupo fallece tras un bombardeo, con lo cual el protagonista pasa a ser un joven Don que se incorpora a la guerra en 1943 que no se ha atrevido a escribir una carta ah la chica que conoció días antes de incorporarse al ejército, y que guarda esa carta como oro en paño entre sus pertenencias. El asume el nuevo papel protagonista y el mando del grupo que más tarde será enviado a frente de las Ardenas.

En esos fríos días del diciembre de 1944, y apenas penetrado en territorio alemán, el destacamento perteneciente al escuadrón de soldados de la 94.ª División de Infantería yace atrincherado en la línea de la colina en las afueras de la citada ciudad en un momento en que nadie del alto mando creía que las fuerzas alemanas atacarían en temperaturas bajo cero y en condiciones cercanas a una tormenta de nieve. Cuando llega el ataque antes del amanecer, con las comunicaciones inactivas, la unidad es localizado en un bosque de ese territorio y tendrá que enfrentarse a la ofensiva por parte de las unidades Panzer que inician una contraofensiva y se adentran por los bosques de la zona. En la misma vemos que el grupo es diezmado, falleciendo parte de la compañía. Vemos el caos que la ofensiva alemana generó, las bajas que hubo, incluso el caos que vivirá el propio ejército alemán con algunos de sus soldados desperdigados por el bosque sin encontrar a sus unidades. De hecho, vemos como Don es hecho prisionero por un alemán, pero que está más interesado en integrarse entre los suyos que lo abandona. También descubrimos que este mismo alemán no quiso disparar a Don cuando ya huía herido en un brazo. 

Por último,  el protagonista lo encontramos en la frontera Germano-Checa, ya entre abril y mayo de 1945, con la guerra prácticamente acabada y procediendo a la detención de algunos soldados alemanes que intentan huir. En concreto, Don detiene a uno que iba a ser asesinado por un compañero estadounidense, pero que él le salva la vida y que le comenta que él en el fondo es un desgraciado puesto que va vestido como soldado nazi, a pesar de que su mujer y sus hijos eran judíos. En un momento dado el soldado alemán le muestra una fotografía y una carta que al igual que él dice llevar durante toda la guerra. En un descuido encuentra un arma y se suicida.

Una vez acabada la guerra el soldado regresa a casa. En su regreso se encuentra con un alemán que huyó de Berlín antes del inicio de la guerra y que le lee la carta que el soldado lleva y que estaba en poder del alemán. Descubre que es una carta triste, que habla de las penurias de una familia alemana , una familia normal como la suya,  y, en concreto,  de los lazos familiares lo que le invita a pensar que él no tiene por qué ser tan desgraciado como el alemán así que cambia el billete y decide ver a la chica que conoció días antes de alistarse.

Por último estamos ya en el presente como ocurre al inicio de la película y el protagonista le confiesa a su mujer que él es ya el único de la compañía que queda con vida. Le pregunta a su mujer si mereció la pena esperar, contestando ella que sí que ha merecido la pena. Todavía son felices. Ella, que resulta ser la misma mujer a la que la había escrito la carta en 1943, le dice que sí y ponen a bailar. La película termina cuando él - nuevamente en 1945- se reencuentra con su chica. 

Antes de que aparezcan los títulos de crédito la película nos habla de la vida real de los protagonistas de la misma que resultan ser los siguientes:

Karl Henrick, al que conocimos o trabajando en una gasolinera de Boston, siendo menospreciado por norteamericanos que le echan en cara su notable acento alemán, que se suma a la brigada una vez fallecido Starks, fue herido en la ofensiva de las Ardenas y estuvo dos días sobre el campo de batalla hasta que los alemanes lo recogen y , finalmente, lo devolvieron. No regresó a la guerra y acabó la guerra en Inglaterra. Regresó a Boston y llegó a ser ministro. Murió en un accidente de tráfico en 1970.

Angelo Banedetto, sí al que conocimos y como un ladrón y que no deja de seguir con su actividad delictiva incluso durante su incorporación al ejército, donde lo oímos intercambiando tabaco y chocolate por un barril de brandy poco antes de iniciarse un ataque alemán en Saint Nazare, murió en la batalla de las ardenas. Se notificó su fallecimiento al orfanato de Saint John en Brooklyn lugar donde creció. Allí se leyó una nota en honor.

Robert Fuller fue hecho prisionero el día de su cumpleaños. Fue seriamente herido y pasó el resto de la Guerra en la granja familiar en Kansas. Se casó y tuvo seis hijos. Murió en dos mil seis.

El el protagonista de la historia Don Smith tras la guerra se casó con Dorine Foelker. Don regresó para estudiar. Fue encargado de plantas de molino. Dorine siguió cantando profesionalmente en programas de radio. Tuvieron cinco hijos y en el momento en el que se rodó la película seguían felizmente casados más de sesenta años. 

La división noventa y cuatro de infantería entró en acción en septiembre de 1944. Desde sus inicios estuvieron presentes en la guerra y únicamente no tuvieron contacto con el enemigo cinco días durante todo ese periodo hasta el final de la guerra. Esta división nunca se rindió ante una misión y era conocida como la Patton's Holden nugget (y la pepita de oro de Patton) . Esta película va dedicada a ellos. 

En la película que fue premiada como la 'Mejor Película Narrativa" en el Festival de Cine GI de 2009 y consiguió un premio a la "Excelencia Cinematográfica" por la dirección otorgado por Film Oregon Alliance, participan Cole Carson, Lauren Bair, Michael J. Prosser, Sean McGrath, Eric Martín Reid, Brian Julián, Lee Selmyhr, Todd Robinson, Nico Izambard, Cecilia Overman, Rick Magistrale, Chris Sharp y el mismo director, Thad Smith. Así es la Guerra de todos. 

De ella Fausto Fernández ha publicado en Twitter, cuando Twitter era Twitter y no X- que a España llegó en DVD y que destacó por ser premiada en circuitos festivaleros "se subía al éxito y el estilo (estético y dramático) de la miniserie televisiva Hermanos de sangre. " 

Por mi parte decir que es una película que se puede ver. Es bastante buenista. No molesta y entretiene. Poquito más.

Maribel y su extraña familia

Lo que en su momento fue "Historia de nuestro cine" no se muy bien lo que es en la actualidad, pero hay que reconocer el acierto de recuperar clásicos del cine español que si bien no son obras maestra, su que son grandes obras cinematográficas que cualquier amante del cine debe conocer , al menos, en lo referente al cine patrio. 

Una de estas películas no ha de caer en el olvido es Maribel y su extraña familia , película basada en una obra teatral de Miguel Mihura escrita en el año 1959 y que en el año 1960 José María Forqué la transformó en película. Mihura fue un dramaturgo, periodista y autor de guiones cinematográficos, considerado el más importante creador del teatro del absurdo, y principal humorista en lengua castellana del siglo XX. 

Mihura fue, además, guionista de más de veinticinco películas, entre ellas Bienvenido Mr. Marshall, dirigida por Luis García Berlanga en 1952. La película contó con el guion de Miguel Mihura, José María Forqué, Luis Marquina y Vicente Coello así como de la fotografía de José Fernández Aguayo 

Cuenta como principales actores con Adolfo Marsillach en el papel de Marcelino y con la mexicana Silvia Pinal como Maribel.  Junto a ellas aparecen Julia Caba Alba como Tía Paula , Guadalupe Muñoz San Pedro como Doña Matilde, Gracita Morales como Nini, Trini Alonso como Rufi,  Carmen Lozano como Pili, y José Orjas como Fermín y como el contable Don José o Pepe, Erasmo Pascual.

Película que llamó la atención de Luis Buñuel en parte por la participación de la final en la película con la que contaría poco después para hacer Viridiana en parte por lo escrito por Miguel miura que tanto se acercaba a el surrealismo y lo absurdo sobre todo a Buñuel lo que le interesó fue la primera parte de la película.

La historia nos presenta a Marcelino, un chico tímico y provinciano, que tiene una fábrica de chocolate en un pueblo y que va a Madrid con su madre doña Matilde para presentarle a su novia Maribel. Madre e hijo se alojan en casa de la tía Paula, hermana de la madre. Una persona curiosa, capaz de alquilar a un vecino como parte de su familia o como integrante de la visita con tal de no sentirse sola pagando por ello 50 pesetas, y amante de los discos de Elvis Presley, George Williams y Louis Armstrong. Maribel que llega al piso de la tía cree que la han llevado hasta allí con una intención muy distinta, pero intenta huir cuando Marcelino le informa que su intención es presentarle a la familia. 

Ella que viene de trabajar en una whiskería se siente descolocada. En uno de estos bares de copas ha conocido Marcelino, y él naturalmente no se ha atrevido a hablarle de matrimonio. Pero cuando la lleva a su casa y la presenta a su madre y a su tía Maribel queda desconcertada por el comportamiento extraño de ambas que se apresuran a prepararle unos Gimlets.

Su primera reacción es huir de allí avergonzada por ser quien es y por no entender absolutamente nada. Pero ni Marcelino ni las dos ancianas parecen comprender nada sobre la realidad y el pasado de Maribel. 

La joven se deja llevar por los acontecimientos, pero termina asustada por las rarezas de la familia Pasan los días en aquella casa donde se la trata como una señorita y llega a pensar efectivamente que lo es. Pero sus tres amigas, las muy entrañables Rufi y Nini, y la algo más seca, Pili, compañeras en la pensión de la muchacha y de profesión en la calle de La Ballesta, consiguen generarle dudas en su ánimo resultando todo aquello muy extraño especialmente cuando a través uno de los clientes de sus amigas- Don José o Pepe, el contable , que aparece saliendo y entrando de una misteriosa habitación pasando al lado de las amigas de la novia y del que hablando con ellas descubren un secreto del pasado, su viudez, de su prometido. 

Cuando Marcelino le propone a Maribel ir a la casa familiar y fábrica de chocolate cercana a un lago, el de las niñas malas, la historia parece haberse complicado más. 

Ya en Sanabria, Maribel, llevada al equívoco por sus amigas, pero aclarado con los trabajadores de la fábrica y personal de la casa descubre que quiere quedarse. Al fin y al cabo, ni Marcelino quiere saber nada del pasado de Maribel ni ella admite que se esté mintiendo a sí misma ni a su prometido: se abrazan, se besan, triunfa la hipocresía y todos son felices. 

En la película es una adaptación a cargo de José María Forqué de la célebre novela de Miguel Mihura. Se lanzan a montar una película tras el éxito de la obra teatral en el Teatro Infanta Beatriz de Madrid, donde se había estrenado la noche del 29 de septiembre de 1959, y con el Premio Nacional de Teatro bajo el brazo de Miguel Mihura. Maribel y la extraña familia se llevaba a la gran pantalla apenas un año más tarde. 

Su director, José María Forqué, tuvo el acierto de situar la escena inicial a orillas del lago de Sanabria (Zamora), ya que sus aguas guardan un secreto que no se nos revelará hasta el momento del desenlace. 

 Tras esto se nos narra la relación entre un joven y una chica de alterne con la que pretende contraer matrimonio. El buen reparto encabezado por la mexicana Silvia Pinal que al año siguiente gozaría de un gran papel en España al interpretar a la protagonista de Viridiana de Luis Buñuel.

Ayuda al éxito la actriz principal, la Pinal, pero también la participación coral de personas como Julia Caba Alba, que ya realizó ese papel en la obra teatral, o Guadalupe Muñoz que también trabajó en ella, están magistrales como prácticamente casi todo el reparto. 

El resultado es una comedia plena de locura y situaciones absurdas, llena de teorías conspiranoicas en torno a un hombre soltero que busca esposa y la encuentra en la ciudad. Forqué nos expone un modelo de comedia con una buena cantidad de tintes policíacos y humorísticos que casi nos invita en pensar en el Frank Capra de Arsénico por compasión con esas adorables ancianitas, y gracias a una excelente fotografía, unos diálogos brillantes y una cuidada puesta en escena, Forqué recrea maravillosamente la triste vida de unos personajes que buscan rehacer sus vidas, del tímido y noble, Marcelino (un excelente Adolfo Marsillach), un hombre laborioso y emprendedor, torpe en la conquista femenina que cae enamorado ante la sonrisa de Maribel, una chica de vida alegre que terminará redimida, por la ternura, el cariño y el respeto. 

En ABC Play se dice de la película que "La película intentó ser una fiel adaptación de la obra original, en la que se explotaba la comicidad surgida de las diferencias existentes entre el mundo del provinciano Marcelino y el de Maribel. Sin embargo, por culpa de la censura franquista, el filme perdió parte de la frescura que caracteriza la obra original. La película está protagonizada por Adolfo Marsillach y la mejicana Silvia Pinal, acompañados por Guadalupe Muñoz Sampedro y Julia Caba Alba, que repiten en los papeles que ellas mismas interpretaron en la célebre versión teatral. La intención de Mihura, perfectamente llevada al cine por Forque es mostrar la ridiculez de tantos prejuicios que nos llevan a olvidar que todos somos personas, así como de la hipocresía reinante en determinados medios provincianos dominados por los convencionalismos sociales y la falsa moral".

Para acabar quiero reflejar lo que viene como reseña en un libro sobre Maribel y su extraña familia y dice lo siguiente: "Para Mihura, el humor es una posición ante la vida y el objeto del mismo es la propia existencia, considerada como un absurdo. En Tres sombreros de copa, considerada como una de las obras maestras del teatro humorístico, la fuerza dramática radica en la oposición de dos mundos irreconciliables: el de la burguesía provinciana esclavizada por mil convenciones, y el de un grupo de automarginados de esa sociedad que buscan la libertad y rechazan la moral hipócrita. También en Maribel y la extraña familia pretende el autor mostrar la falsedad y la hipocresía de algunas costumbres sociales, centrándose, en este caso, en el tema del conflicto de la pareja. Como en toda su obra, el enredo, la mentira y las falsas apariencias producen una divertida comedia de intriga". 

Los amantes de la noche

Los amantes de la noche (They live by night) de 1948 es una película de Nicholas Ray, en su debut como director, uno de los integrantes de la generación de la violencia. Un director reconocible por su estilo invisible, sutil, retórico. En este caso ese elemento retórico aparece en la secuencia inicial rodada en un helicóptero por primera vez en la historia. Toca la gloria en los años 50 con Rebelde sin causa, aunque su prestigio en España pòr Johnny Guitar vino por vía francesa. 

La película parte de un guion de Nicholas Ray y Charles Schnee que toma como referencia la novela Thieves Like Us de Edward Anderson que se desarrolla en los años de la Gran Depresión . En la misma aparecen la música de Leigh Harline con la integración de alguna canción de corte jazzística, el montaje de Sherman Todd y la buena fotografía en blanco y negro de George E. Diskant. La película está protagonizada en los principales papeles como Cathy O'Donnell como Catherine "Keechie" Mobley y Farley Granger como Arthur "Bowie" Bowers. 

Los amantes de la noche es una película que pertenece al género del cine negro pero que en el fondo guarda una auténtica historia de amor entre dos jóvenes que no han tenido suerte en la vida. Se trata de un producción de la RKO en la que intervino John Houseman, el mismo productor que estuvo p`resente en el debut de Orson Welles con Ciudadano Kane-  Citizen Kane-  (1941), también realizado para la  RKO.

El joven Bowie (Farley Granger ) acaba de escapar de prisión con otros dos reclusos. Han secuestro a un conductor que los lleva hasta un descampado. Desde allí huyen no son antes uno de ellos agredir brutamlmente al dueño del vehículo. El más joven de los tres es Arthur "Bowie" Bowers, un joven de 23 años que cumple una sentencia de prisión por un asesinato que supuestamente ayudó a perpetrar a los 16 años. En la prisión conoció a los otros con otros dos veteranos ladrones especializados en robos de bancos, Chicamaw (Howard Da Silva) , el tuerto , y T-Dub (Jay C. Flippen ). 

Los tres se refugian con el hermano de Chicamaw, Mobley (Will Wright) , un borracho que necesita siempre dinero y que opera en una estación de servicio, y su sobrina, Catherine "Keechie" Mobley (Cathy O'Donnell ), que trabaja allí. 

Con la esperanza de liberar también a su hermano encarcelado Richard, Chicamaw elabora un plan para robar un banco y usar el dinero para contratar a un abogado con el fin de probar que fue un error judicial. . 

En la guarida donde se refugian vive Keechie, una joven que pronto se siente atraída por él. Allí preparan su nuevo golpe. El robo transcurre sin problemas. Sin embargo, poco después, Bowie choca con su auto y el brutal Chicamaw cuando es auxiliado por un policía que ha sido testigo del mismo mata al oficial de policía cuando este llega a la escena. 

Chicamaw huye y deja a Bowie herido al cuidado de Keechie y acuerda reunirse con T-Dub en otra ciudad. La tímida Keechie rápidamente se encariña con Bowie, quien también es poco dado a fiarse de otras personas. Los dos se unen por su falta de experiencia, sus dudas ante la vida y pronto se unen románticamente. 

Mientras tanto, en el coche accidentado la policía encuentra la pistola de Bowie por lo que la prensa informa mucho sobre Bowie, identificándolo erróneamente como el cabecilla del robo. Bowie y Keechie deciden huir juntos, sin rumbo fijo, y viajar en autobús por varias ciudades. 

Una noche, bien tarde, encuentran una capilla que realiza matrimonios rápidos por $ 20. Bowie aprovecha la parada para pedirle a Keechie que se case con él, a lo que ella accede. Hawkins, el juez de paz local, realiza la ceremonia y vende a la pareja un auto. 

Más tarde alquilan una cabaña en la montaña con la esperanza de poder vivir en paz. Se trata de un remoto resort de montaña donde Keechie se alojó una vez durante su infancia. Lo alquila soñando con poder vivir juntos libremente. 

En Navidad, Chicamaw llega al resort después de haber rastreado a la pareja  ha perdido su dinero en apuestas y quiere que Bowie lo ayude a él y a T-Dub a cometer otro robo. Bowie acepta a regañadientes, aunque Keechie, temiendo que Bowie no salga con vida, le entrega de antemano su regalo de Navidad: un reloj de pulsera. 

Los tres hombres cometen un nuevo robo, pero T-Dub muere durante el mismo. Bowie y Chicamaw huyen de la escena en coche. Mientras conduce, Bowie se entera por un Chicamaw borracho que está celoso de toda la atención de la prensa que Bowie y Keechie han recibido. Bowie finalmente obliga a Chicamaw a salir del auto a punta de pistola.

Cuando Bowie regresa a la cabaña, Keechie le dice que Chicamaw murió en el robo de una licorería.  De nuevo, los medios, principalmente, la radio Bowie es  descrito como el cabecilla del robo. En una conversación acalorada, Keechie revela que está embarazada. 

La pareja sale del resort y se dirige hacia el este, viajando principalmente de noche para no ser vistos. Un día deciden pasar un rato de ocio en público, visitando un parque y luego un club nocturno. 

En el club, Bowie mientras canta una chica (Marie Bryant) se produce una pelea en la que Bowie está implicado. Mientras que cura sus heridas en el baño es reconocido por un gánster que le pide que salga del local.  La pareja vuelva a huir. 

Bowie sugiere que escapen a México, a lo que Keechie accede. En el camino, Keechie enferma y la pareja busca refugio en un motel propiedad de Mattie, la cuñada de T-Dub. Mattie, está resentida con Bowie, ya que lo considera el responsable de la muerte de T-Dub, sin embargo, les permite quedarse a regañadientes. 

Bowie visita a Hawkins, el hombre que los casó y les habló de Mexico, de su vida, de los encantos de ese espacio, con la esperanza de que pueda ayudarlos, mientras ocurre esto Mattie está llegando a un trato con la policía con el fin de delatar a Bowie a cambio de la liberación de Richard. 

Cuando Hawkins le dice a Bowie que no puede ayudarlo, Bowie regresa al motel e informa a Mattie que se irá solo para garantizar la seguridad de Keechie y el hijo por nacer. Mattie anima a Bowie a despedirse por última vez de Keechie. Él acepta y escribe una carta de despedida para llevársela. 

Cuando está a punto de entrar en el vehículo, la policía aparece inesperadamente, provocando que Bowie saque su arma. La policía lo mata a tiros. Keechie, arrodillada sobre el cadáver de Bowie, lee la carta de despedida que escribió para ella acabando así la película. 

La historia de esta película comienza cuando la novela escrita por Anderson llegó a manos del productor Houseman. La novela Thieves Like Us de Edward Anderson había sido comprada por RKO en 1941 por $ 10,000. Después de que numerosos escritores intentaran hacer un guion, no se avanzó nada. hasta que dio con ella el productor John Houseman, "Encontré el libro y se lo di a Nick (Ray)  para que la leyera, y se enamoró perdidamente de ella, al igual que yo, pero Nick además estaba muy familiarizado con ese territorio de Texas. Había estado allí cuando trabajaba para el Departamento de Agricultura. Y todo ese asunto de la Depresión era terriblemente suyo. Así que se sentó y escribió la revisión. Llegaba a casa por la noche y lo repasábamos; Lo editaba un poco, eso es todo, y era muy, muy bueno".

Houseman enviaba revisiones repetidamente, defendiendo el trabajo de un novato Nicholas Ray. Houseman, que tenía una autoridad considerable como productor, estaba al tanto de la pasión de Ray por el proyecto y nunca hubo ninguna duda de que dirigiría la película. 

Para consternación de Ray y Houseman, RKO no vio ningún valor comercial en la historia, especialmente porque Ray no tenía experiencia en la dirección.

A principios de 1947, el productor Dore Schary se convirtió en jefe de producción de RKO. Su idea era la de convertir la RKO en el estudio más aventurero de Hollywood. Pero afortunadamente, Schary era conocido por sus valores liberales y por dar a los directores novatos la oportunidad de debutar. 

Schary leyó la adaptación de Ray en febrero de 1947 y Ray firmó un contrato con RKO con una nota de Schary que especificaba que "es la intención que dirija su primer proyecto Thieves Like Us ". Houseman contrató a Charles Schnee para que escribiera el guion, pero le preocupaba no alterar el adaptación Ray. Ray y Schnee trabajaron juntos sin ningún problema para convertir el texto en un verdadero guion, que se envió a RKO en mayo de 1947.

Ahora tocaba el siguiente paso, seleccionar el elenco. Ray pensaba ya en Farley Granger y aprovechó un en encuentro fortuito en casa de Saul y Ethel Chaplin durante en una fiesta. Ray allí estaba sentado, bebiendo y mirando a Granger. Granger le preguntó a Ethel Chaplin acerca del comportamiento de Ray, y ella respondió que Ray estaba en medio del casting de su primera película y que se había interesado profesionalmente en Granger. El principal obstáculo es que el actor tenía contrato en vigor  con Samuel Goldwyn. Houseman hizo arreglos para que Granger probara en RKO, y la cosa salió muy bien. Ray estaba decidido : había encontrado a su Bowie. Faltaba su partenaire. 

Ray le preguntó a Granger si había una actriz con la que se sintiera cómodo. Granger respondió que con Cathy O'Donnell, quien también estaba como él bajo contrato con Samuel Goldwyn. Ambos tenían una limitada experiencia actoral. Granger había estado en dos películas antes de ser reclutado para la Segunda Guerra Mundial, mientras que O'Donnell acababa de hacer el clásico Los mejores años de nuestras vidas (1946), pero Ray festaba plenamente convencido y luchó por ambos. 

Granger dijo más tarde que "[Ray] y John Houseman estaban entre las pocas personas que lucharon por mí carrera. Dijeron que no, que no haremos la película sin él. Cuando Nick creía en ti, era muy leal".  En su autobiografía, Granger enumera They Live by Night como una de sus dos o tres películas favoritas.

Muchos de los actores secundarios y personajes secundarios fueron interpretados por amigos de Houseman y Ray, aunque el actor contratado por RKO, Robert Mitchum, expresó interés en interpretar a Chicamaw y dijo que, al igual que Ray, sabía todo sobre el sur de la era de la depresión y que una vez había estado en una  banda. Mitchum llegó a afeitarse la cabeza y teñirla de negro para el papel (en la novela original Chicamaw es un indio), pero debido a que era una estrella en ascenso y recientemente había recibido una nominación al Oscar, el papel de un ladrón de bancos se consideró inadecuado para él. El papel de Chicamaw le fue dado a Howard Da Silva, quien había causado una gran impresión en el musical de Marc Blitzstein The Cradle Will Rock (1937), producido por Houseman. 

Otros papeles menores fueron interpretados por personas que Ray conocía de su tiempo en el teatro de Nueva York, incluida Marie Bryant de Beggar's Holiday (la cantante del club nocturno que canta Your Red Wagon), Curt Conway (el hombre del esmoquin en el club nocturno) y Will Lee (el joyero). Byron Foulger aparece como el dueño de la cabaña donde la pareja intenta esconderse. 

El rodaje comenzó en junio de 1947. La primera escena filmada fue la de apertura, un travelling de Bowie, T-Dub y Chickamaw escapando de la prisión en un auto robado. Ray decidió utilizar un helicóptero, que anteriormente se había empleado para hacer tomas de paisajes, pero nunca antes se había utilizado para filmar acción. Se requirieron cuatro tomas, con la segunda en el corte final. 

Durante el resto del día, Ray utilizó el helicóptero para otras escenas de la película. Filmando They Live by Night bajo la producción de Houseman y Schary fue probablemente la única vez en la carrera de Ray en la que tuvo un control creativo completo.

Ray experimentó con el sonido y cinematografía. El biógrafo de Ray señala que "solo Welles trató de forma similar de definir texturas acústicas e incluso verbales tanto como las visuales". El renombrado editor de cine Sherman Todd también instó a Ray a experimentar y romper reglas. 

Los exteriores se filmaron tanto en el lugar como en el rancho cinematográfico de RKO en Encino, pero Todd combinó las secuencias tan bien que el público no notó la diferencia. El rodaje terminó en octubre de 1947. 

A pesar de un excelente preestreno, el estudio no sabía cómo comercializar la película y la adquisición de RKO por parte de Howard Hughes exacerbó la situación. Hughes archivó la película durante dos años, antes de estrenarla en un solo cine en el Reino Unido con críticas entusiastas (una de ellas provino de Gavin Lambert, quien finalmente se convirtió en guionista de Ray) y finalmente se estrenó en los EE. UU. en noviembre de 1949, con el título They Live by Night, después de ser cambiado en varias ocasiones -Thieves Like Us (el nombre original de la novela), The Twisted Road, I'm a Stranger Here Myself and Your Red Wagon-. El título, elegido de una encuesta de audiencia, fue favorecido por Hughes. 

Durante esos dos años, muchas personas involucradas en la industria de Hollywood vieron la película, lo que condujo a un mayor empleo de su elenco y equipo. Alfred Hitchcock eligió a Farley Granger en Rope (1948) al ver esta película y Humphrey Bogart, muy impresionado por la dirección de Ray, lo contrató para dirigir su producción independiente Knock on Any Door (1949) en Columbia Pictures . 

John Houseman luego recordó la película con afecto: "Ahora [1973] está siendo redescubierta y llamada todo tipo de cosas hermosas, pero en ese momento tuvo una muerte horrible. . . . Tuve un gran éxito en Hollywood, pero de alguna manera siempre tienes un sentimiento especial por tus hijos enfermos, en mi caso, 'They Live by Night' y 'All Fall Down'".La película registró una pérdida de $ 445,000

Cuando se estrenó la película, el crítico de cine Bosley Crowther escribió: "Una historia pequeña y común sobre un joven convicto prófugo y su romance con una chica amable con la cual se casa, es contada con una sinceridad pictórica y empuje emocional poco común es último producto de RKO, They Live by Night. ... Este melodrama de crimen y compasión tiene las virtudes del vigor y la moderación. . . They Live by Night tiene el fallo de volverse sentimental por el crimen, pero logra generar interés con su movimiento dramático nítido y tipos claros" 

Godard sobre la película señalo que en el cine «había teatro (Griffith), poesía (Murnau), pintura (Rossellini), baile (Eisenstein), música (Renoir). De ahora en adelante hay cine y el cine es Nicholas Ray»,

Cine negro en la forma y  de corte romántico en el fondo. Sabemos desde el principio que el no saldrá vivo de esta historia. Son los personajes condenados, pero que aspiran a vivir con normalidad y, más aún, a la búsqueda de una vida llena de paz y amor. Emocionante ver a esta pareja de jóvenes predestinados al fracaso. No hay despedida del moribundo. Es un tipo de gran sensibilidad propio del "Ray touch", que expresan magníficamente los dos actores principales en estado de gracia, al igual por el manejo de la luz y de las sombras por parte del director de fotografía George E. Diskant. 

La película tiene un halo mágico que desarrolla en esos 90 minutos. Hay una violencia presente como en todos estos directores (Fuller, Aldrich, Anthony Mann,...) pionero de la sensibilidad expresiva y cierto contenido social por el extracto social de sus protagonistas , posicionándose a favor de ellos y de su fatalidad. 

Con todo responde a aspectos de "código Hays" en lo sexual o el final del protagonista ( un ladrón que debe morir).La pareja parece vivir en otro mundo, vive en una burbuja frente al mundo ( ricos o compañeros de fechorías). El tiempo está presente en todo momento , en los relojes, en la duración de todo...y el tiempo se manifiesta al final, cuando el tiempo de Bowie se ha acabado, dando lugar a uno de los finales más bellos de la historia del cine. 

Buffalo 66

Hace unos días veíamos una película que se desarrollaba en la ciudad de Los Ángeles, auque realmente se rodó en la ciudad de Buffalo, aunque ésta simulaba ser el distrito de Olímpic de la ciudad de Los Ángeles. Por contra, acabo de ver una película del año 1998 dirigida por Vincent Gallo y que tiene como protagonista a la ciudad y, en menor medida. al equipo de fútbol americano que jugó la super bowl y que nunca la supo ganar. Se trata de Buffalo 66, una película que se filmó en Buffalo, Nueva York, la ciudad natal de Gallo y sus alrededores, en invierno. de Gallo es la Historia y el guion firmado conjuntamente con Alison Bagnalli. 

En base a esta historia, la de una mala apuesta, Vincent Gallo nos presenta otra en la que el protagonista es Billy Brown, un chico que acaba de salir de la cárcel donde ha pasado cinco años con un delito que no cometió. 

Es invierno en Buffalo, Nueva York. Billy Brown acaba de salir de la cárcel después de cinco años tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está casado con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase. Así que nada más salir decide raptar a una chica, Layla, a la que le obliga a simular que es su esposa en la visita que realiza a su a la casa de sus extravagantes padres. Estos creían que su hijo estaba trabajando para el gobierno pero nada más lejos de la realidad.

Cuando se encuentran con los padres de Billy (Ben Gazzara y Anjelica Huston), Layla ve que la relación entre ellos es muy disfuncional y ve que la propia madre de Billy olvida que su hijo tiene alergia al chocolate y que su padre se comporta de manera inapropiada con ella, aparte de cantar como Sinatra.

Descubre que la madre de Billy nunca se ha perdido un partido de los Buffalo Bills, excepto en 1966, el día en que nació Billy. 

En un flashback, se revela que Billy una vez hizo una imprudente apuesta de 10.000 dólares a que los Bills ganarían el Super Bowl XXV; cuando perdieron, el corredor de apuestas (Mickey Rourke) obligó a Billy a saldar su deuda confesando un delito que no cometió, lo que le llevó a cumplir condena en prisión. 

Ahora, Billy busca vengarse de Scott Wood, el pateador que perdió el juego. Cuando salen de la casa de sus padres, Billy regaña a Layla por decirle una mentira obvia a su padre y luego decide ir a jugar a los bolos. 

Aquí, Billy muestra su experiencia en el deporte y Layla ofrece una rutina de claqué al ritmo de 'Moonchild' de King Crimson. 

Tras esto los dos usan un fotomatón para tomar fotografías "que abarcan el tiempo" que Billy tiene la intención de enviar a sus padres una vez al año, pero Billy se molesta cuando Layla hace muecas durante las fotos, en contraste con la cara seria de Billy. 

Después de jugar a los bolos, Billy y Layla visitan un restaurante, donde Billy se encuentra con la verdadera Wendy Balsam (Rosanna Arquette), una chica de la que estaba enamorado en la escuela secundaria, que ahora está felizmente en una relación con otro hombre. 

Billy deja a Layla sola con el chocolate que había pedido en el restaurante después de una breve discusión, pero lamentando su arrebato, regresa y se disculpa con ella. 

Billy y Layla se registran en un motel, donde Billy y Layla tienen una conversación profunda y finalmente admiten que se han enamorado el uno del otro y ambos se van a dormir. 

Unas horas después de la medianoche, está a punto de partir para vengarse de Wood, cuando Layla despierta. A pesar de las dudas de Layla de que él regresará y la proclamación de su amor por él, él se va, mintiéndole que regresará en unos minutos con chocolate caliente para ella. 

Poco después de dejar a Layla en el motel, Billy encuentra a Scott Wood, ahora dueño de un bar en topless. En el propio bar de Wood, se acerca a la mesa de Wood y le dispara en la cabeza, antes de pegarse un tiro. 

Luego se muestra a sus padres sentados junto a su tumba y su madre muestra más interés en un juego de Buffalo en la radio que en la muerte de su propio hijo. Sin embargo, se muestra que todo esto está dentro de la mente de Billy. 

Billy sale del bar sin matar a Wood y se da cuenta de que en Layla finalmente encontró a una persona que realmente lo ama. Después de hacer las paces con su amigo Goon (Kevin Corrigan) en un teléfono público, la película termina con Billy comprándole eufóricamente a Layla su chocolate caliente y una galleta en forma de corazón, y comprando otra para un hombre sentado cerca que le dice que tiene novia, antes de regresando con Layla en el motel. 

Película como siempre diferente, extraña y alternativa como todas aquellas en la que Vincent Gallo está como responsable de la dirección y del guion. En este caso el director es el actor principal pero aparece acompañado continuamente de una voluptuosa Christina Ricci, aunque también por Angélica Huston como Jan y por Ben Gazzara que hacen del padre Jimmy, siendo la Huston la madre de Billy. 

Por la misma desfila un personaje marginal, muy al gusto de Gallo, así como caras conocidas que hacen algún cameo como es el caso de Mickey Rourke, Rosanna Arquette como Wendy Balsam, Jan Michael Vincent como Sonny - el dueño de la bolera- .

Gallo tuvo dificultades para trabajar con su elenco y equipo y, según se informa, no se llevaba bien con Ricci en el set. Gallo llamó a Ricci  "títere" porque hizo lo que le dijeron. Ricci prometió no volver a trabajar nunca más con Gallo, especialmente cuando años después escuchó los comentarios de Gallo hizo sobre su peso.

Anjelica Huston también tuvo problemas con Gallo, y Gallo afirmó que Huston provocó que la película fuera rechazada en el Festival de Cine de Cannes.

Gallo también tuvo problemas con su equipo técnico e hizo que despidieran al director de fotografía original Dick Pope. El director Stéphane Sednaoui sugirió a Lance Acord, aunque Gallo se atribuye el mérito de diseñar la mayor parte de la cinematografía de la película, citando a Acord como un "presionador de botones" que "nunca había rodado un largometraje en su vida".  Gallo también menospreció públicamente a Acord, diciendo: "Este tipo no tenía ideas, ni ideas conceptuales, ni punto de vista estético". 

Kevin Corrigan optó por no aparecer en los créditos porque no quería estar asociado con el película en ese momento. Gallo no pudo usar logotipos reales de la NFL ni referirse al equipo como "Buffalo Bills", simplemente "Buffalo" o "los Bills", ya que NFL Properties no cooperó. 

El pateador Scott Norwood fue invitado a participar en la película pero se negó, lo que significa que Gallo tuvo que cambiar el nombre del personaje a Scott Wood. 

La película utiliza música de rock progresivo británica en su banda sonora, en particular King Crimson y Yes.

La película se hizo por poco menos de 2 millones de dólares. Fue filmado en material invertido para darle un aspecto clásico similar al de los carretes de NFL Films de la década de 1960, con alta saturación de color y contraste. 

Gallo ha declarado que, a pesar de la idea errónea popular, la película "no es autobiográfica de ninguna manera real. Sí, los padres se basan en mi madre y mi padre, pero eso es un truco conceptual. La gente a menudo disminuye la multitarea de esa película llamándola autobiográfica". Lo interesante de mí es que no me identifico con Billy Brown de ninguna manera, porque no tomo ese abuso de ninguna otra forma. 

Los críticos han valorado positivamente esta película. Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo de ella que es "Una colisión entre un montón de ideas visuales a medio cocinar y una necesidad profunda y urgente (...) no hay nada convencional en esta película (...) " 

Michael O'Sullivan en las páginas del The Washington Post comenta que la película es una "Personal y privada hasta casi el punto de la auto-absorción, definitivamente se salva del narcisismo neurótico gracias al humor del director y su honestidad sin paliativos acerca de su propia disfunción" . 

En Time Out de New York, el crítico Andrew Johnston señaló que "Ricci y Huston dan una profundidad conmovedora a personajes que podrían haber sido dibujos animados, y Gallo hace que Billy sea al mismo tiempo molesto y comprensivo con aparente facilidad. Pero el ingrediente más potente de la película es su estilo visual. Los colores descoloridos de la película y los flashbacks que explotan en la cabeza de Billy como globos de pensamiento de un cómic hacen que Buffalo parezca menos una película que un sueño al que se le ha dado forma" 

En AV Club Scott Tobias sostiene que "Incluso con aquellos con alergia a Gallo, sigue siendo una obra cinematográfica inconfundible, apasionante e idiosincrática" 

Todd McCarthy en Variety nos dice que se trata de "Una primera película impresionante y también una irritante, exuda una honesta emocionalidad y un ego arrogante en igual y continua medida" 

En la desconocida para mi SFGATE el crítico Bob Graham comenta que "Es, claramente, una película muy personal de Gallo y sinceramente, espero que no sea la única. Para mí, este es el descubrimiento cinematográfico de la temporada.

En el Reino Unido, Kim Newman del Empire nos dice que "El ego de Gallo se lleva lo mejor de su historia en este debut, pero hay destellos de genio que hacen que merezca la pena verla (...) ".

Ya en España M. Torreiro en El País afirma que "Es algo así como el resumen del cine independiente USA; con personajes sólidos, situaciones hechas para algo más que para adornar la acción, con profundos desgarros interiores que proyectan críticas a la forma de vida americana.

La película fue multipremiada , especialmente en aquellos certámenes que valoran el cine independiente como en los Premios Independent Spirit donde fue nominada a Mejor ópera prima. En Sundance también fue nominada ´así como hizo el Círculo de Críticos de Nueva York a la mejor ópera prima o en los British Independent Film Awards (BIFA). Obtuvo en el Festival de Rotterdam y en el de Gijón el Premio especial y la National Board of Review premio el trabajo de Cristina Ricci como la Mejor actriz secundaria , llevándose igualmente una mención especial-