Revisión de Gran Torino

Por enésima vez he visto Gran Torino, Como señalé en Twitter en un tweet dirigido a Fausto Fernández Gran Torino es LA PELÍCULA con mayúsculas.Con ella con ella mis hijos descubrieron a Clint Eastwood. Es una película que va mucho más allá de esos magnífico puntos del trato de Tao "atontao" o estos chistes con sus amigotes del bar o su peluquero italiano. Nos habla de historias desconocidas para nosotros como la de la comunidad hmong, nos muestra la decadencia de la industria automovilística del área de los Grandes Lagos, nos habla de la decadencia de muchas ciudades industriales, del cambio de comunidades y de las dificultades de convivencia. Y la hace a través de un hombre mayor, que ha perdido todo lo que quería, que sabe más de la muerte que de la vida, que sabe que está cerca de su muerte, pero que acaba luchando por una causa justa y con ella redime en gran medida sus actuaciones del pasado. Dar la cara por su vecino hmong es su redención. Así es esta joya. 

La magnífica película de Clint Eastwood que realizó cuando contaba 78 años y que cuando la presentó se rumoreó que no volverá a ponerse frente a la cámara y que se limitaría a estar detrás de las cámaras. Lo anunciaron tanto el diario británico Daily Telegraph como el tabloide Daily Express. Ninguno de los dos diarios decía cuándo ni dónde el actor realizó las declaraciones que se le atribuyen y en las que supuestamente afirmaba que tras el estreno de Gran Torino y que se estrenaba en enero de 2009, no actuará más: "Yo creo que será la última vez en lo referente a actuar. Siempre quieres dejarlo cuando estás en lo más alto. No quieres ser un luchador que permanece demasiado tiempo en el ring y que sigue luchando cuando ya no puede hacerlo bien". 

Sin embargo, mientras que presentaba en Nueva York su película El intercambio o Changeling (protagonizada por Angelina Jolie), una película que decidió rodar la misma mañana que leyó el guión, hablaba de su futuro. Eastwood contestó durante una rueda de prensa a sus intenciones respecto a su carrera como actor: "Hace años empecé a decir: 'no voy a actuar más y sólo voy a trabajar desde detrás de las cámaras'. Pero apareció la película Million dollar baby (que dirigió y protagonizó) me gustó el papel y dije: 'Lo voy a hacer porque soy apropiado para el papel'. Y después hice Gran Torino...". Eastwood declaró que "Es ridículo que los actores no interpretemos la edad que tenemos", pero también dejo claro que por mucho que lo intente, si un papel le llama no dirá que no. Prueba de ello fue Mula, la últimas de sus película que fui a ver al cine. 

Con Gran Torino culminaba una carrera de 50 años, durante los cuales rodó 66 películas. Con una interpretación magnífica lo extraño es que Eastwood nunca ha conseguido el Oscar como actor. En Gran Torino llevaba cuatro años sin salir ante la cámara, desde la gran Million dollar baby (2004). Incomprensible, pero es lógico ante un hombre que afirma que no le importan mucho los premios. Cuando le preguntan para quién hace películas, el cineasta responde: "Lo tienes delante". 

Presentó El intercambio en mayo de 2008 en Cannes, cuando acababa de comprar el guión de Gran Torino, y luego rodó este libreto durante el verano . En 32 días. Esta velocidad, explica Eastwood, le ayudó con los miembros del reparto, ya que la mayoría nunca había actuado y muchos de ellos ni hablaban inglés. "Les iba dando algunas pistas, el abc del actor", añadió. "Y yo iba a una velocidad que no les dejaba mucho tiempo para pensar". 

Antes de rematar Gran Torino, paró a promocionar el estreno en EE UU de El intercambio y tras eso retornó a Carmel, su refugio junto a su mujer, Dina Ruiz. Estuvo una semana trabajando con sus dos montadores en una casa de labranza de 1862 que hay dentro de su propiedad de Mission. 

Entre sesión y sesión se sentaba al piano y elegía una partitura e incluso compuso y cantó una de sus propias melodías en los títulos de crédito de Gran Torino, con su voz reducida a la mínima expresión. Eastwood en Gran Torino vuelve a buscar un personaje que es cualquier cosa menos correcto. 

Como reconoció en una entrevista la película es todo, menos correcta. Como declaró "Mucha gente está cansada de todo lo políticamente correcto" y "En Gran Torino estás mostrando a un tío de otra generación. Muestra la forma que tiene de hablar. Este país ha llegado muy lejos en materia de relaciones raciales, pero el péndulo va igual de lejos en la otra dirección. Todo el mundo quiere ser muy...sensible". Pero lo que destaca es que en Gran Torino la presencia física de Eastwood resulta creíble . Interpreta su edad real. A los 78 años puede que esté más delgado que antes, pero con un aspecto vigoroso que revela fuerza y, al mismo tiempo, la aplaca. Y añade que "Alguien me preguntó qué iba a hacer después y le contesté que no sabía cuántos papeles hay para tíos de 78 años. No tiene nada de malo hacer de mayordomo, pero a menos que haya algún obstáculo que sortear, preferiría quedarme detrás de la cámara". Para Eastwood ser capaz de encarnar a alguien de 78 años es una ventaja más de una larga trayectoria. "Es ridículo que los actores no interpretemos la edad que tenemos", afirma. "¿Sabes cuando eres joven y ves una obra en el instituto, y los chicos tienen el pelo pintado de gris y están intentando ser viejos y no tienen ni idea de lo que es? Pues es igual de estúpido al revés". 

Otra ventaja es que, tras una buena trayectoria cinematográfica, puedes crear otra. "Después de El bueno, el feo y el malo iba por la calle y todo el mundo silbaba..." y aquí canta la famosa canción de la película. "Luego pasó a ser 'Alégrame el día'. Pero ha ido progresando. Aunque no sé si se ha producido por mis esfuerzos". 

Walt el personaje del Gran Torino que interpreta dice en un momento dado hacia el final: "Termino mis cosas". Y lo hace fenomenal.

Dijo Carlos Boyero en El País cuando vio la película " Todo fluye y palpita en esta película magistral, concebida con los medios justos, con enorme talento, con sentido moral. Es normal que la emoción explote con un desenlace tan imprevisible como épico. No se muera nunca, señor Eastwood". Amen

Megalodón

Es un espectáculo que he optado por verlo con tranquilidad pues la aparición de un Megalodón es una vuelta de tuerca en lo que son las múltiples  películas de tiburones que he visto a  lo largo de mi vida, incluyendo las demenciales películas de Sharknado.

Pero lo cierto es que Megalodón o en inglés The Meg es una película de acción, terror y ciencia ficción de 2018 basada en el libro de 1997 Meg: A Novel of Deep Terror escrito por Steve Alten. 

La persona que tuvo el atrevimiento de lanzarse a ello en la dirección fue Jon Turteltaub, un neoyorkino, director, productor y guionista estadounidense, que ha trabajado tanto en cine como en televisión, siendo responsable de series de televisión como Jericho (2006 - 2008) y Harper's Island (2009), en las que ejerció como productor ejecutivo en trece y veinticinco episodios respectivamente. 

Ha dirigido igualmente películas como Mientras dormías (1995),protagonizada por Sandra Bullock y Bill Pullman, o Phenomenon (1996) cinta fantástica que protagonizó John Travolta, o las dos entregas de National Treasure (2004 y 2007). Se ve que lo de la aventura le va. 

La película que parte de la novela del 97 The Meg, antes citada, contó con el guion de Belle Avery, Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber, James Vanderbilt , muchas manos y muchas cabezas para poner en orden un historia que nos debería de haber impactado. 

Se trata de una coproducción chinoestadounidense que contó con la complicidad de la Warner Bros..en la distribución y en las que se involucraron Apelles Entertainment, Gravity Pictures, Maeday Productions y Flagship Entertainment Group. 

Una película épica como la que se quería montar implicaba una banda sonora de corte épico que buscará momentos de gran intensidad y esa labor le fue asignada a  Harry Gregson-Williams; mientras que llevar a imágenes una narración en la que lo submarino se conjugaara con lo terrestre y los estudios fue asumada por la fotografía de Tom Stern. 

En cuanto al reparto se involucraron Jason Statham como Jonas Taylor, la bellísima Li Bingbing como Suyin Zhang. Junto a ellos están Rainn Wilson como Jack Morris, Ruby Rose como la inteligente y vistosa Jaxx Herd, Winston Chao como el poderoso e inteligente Dr. Minway Zhang, Cliff Curtis como James "Mac" Mackreides y Page Kennedy como DJ. Junto a ellos igualmente están Jessica McNamee como Lori. Olafur Darri Olafsson como The Wall. Robert Taylor como Dr. Heller Shuya Sophia Cai como Meiying, Masi Oka como Toshi, Rob Kipa-Williams como D'Angelo y Tawanda Manyimo como Marks. 

Jonas Taylor (Jason Statham ) , - tenía obviamente que llamarse Jonás- es un buzo de rescate de la Armada estadounidense, que se encuentra en medio de una operación de rescate de los tripulantes de un submarino nuclear. Mientras llevan a cabo el rescate, descubre que el casco del submarino está siendo embestido por una criatura de gran tamaño. Al ver peligrar la misión y pensando en la seguridad tanto de él como de los marineros rescatados, decide irse dejando atrapadas a 8 personas en el submarino dañado. Al separarse e iniciar la huida el submarino explota. 

Posteriormente, en una investigación, el Dr. Heller (Robert Taylor  ) desestima la versión de Taylor de que una criatura marina gigante destruyó el submarino, achacándolo a una alucinación del propio Taylor debido a la presión del agua. 

Cinco años después, el multimillonario Jack Morris (  Rainn Wilson) se encuentra con el Dr. Mindway Zhang (Winston Chao  ) en una estación de investigación submarina llamada Mana One, que Morris financia. 

Zhang y su hija, Suyin ( Li Bingbing) , están supervisando una operación de exploración de lo que podría ser una zona más profunda de la Fosa de las Marianas, oculta por una nube de termoclina de sulfuro de hidrógeno. 

Al mando de la misión está Lori, la exmujer de Taylor, junto con Toshi (Masi Oka  )  y The Wall (Olafur Darri Olafsson  ) en un sumergible. La misión parece ir bien incluso cuando cruzan la termoclima, esa zona intermedia que separa el mundo conocido de la desconocido. 

Todo va bien hasta que una criatura gigante golpea al sumergible, haciendo que pierda el contacto con Mana One. Ante la interrupción en las comunicaciones James "Mac" MacKreides (Cliff Curtis ) , otro miembro del equipo, propone enviar a Taylor a intentar un rescate argumentando que es el mejor y el único capaz de hacerlo. 

A pesar de las objeciones del doctor Heller, el peso de la operación y lo mucho ya invertido lleva a Zhang y Mac a viajar a Tailandia para reclutar a Taylor. Jonas se dedica en estos momentos a las inmersiones para turistas y a la bebida, pero ante la oferta decide sumarse. 

Mientras tanto, Suyin, que no apoyó la idea de Mac, intenta un rescate con un sumergible, pero un calamar gigante la atrapa y comienza a aplastar al sumergible, hasta que un gigantesco tiburón se aparece y lo mata. 

Taylor, quien se había aventurado en otro sumergible, llega hasta el submarino atrapado y logra salvar a Wall y Lori. Sin embargo, Toshi se sacrifica cerrando la escotilla y separando el submarino de rescate y encendiendo las luces para atraer al tiburón permitiendo que Taylor, Lori y Wall escapen. 

De vuelta en Mana One, el equipo descubre que el tiburón es un megalodón, una raza de tiburón conocida como la más grande del mundo marino, la cual se creía extinta desde hace millones de años. 

Pero para su desgracia serán conocedores de primera mano de la presencia del Megalodón en las capas conocidas ya que ataca incluso a una estancia de Mana One en la que está como testigo la hija de Suyin. 

También descubren que ha logrado escapar de las profundidades de la fosa a través de un agujero en la capa de termoclina creada por la explosión de un respiradero hidrotermal, elevando la temperatura el tiempo justo para dejarlo pasar. 

El grupo decide rastrear y envenenar al megalodón antes de que este ataque. Suyin se sumerge en una jaula de inmersión segura y aunque es golpeada en repetidas ocasiones por el animal, finalmente, logra disparar un arpón con etorfina. Y aunque tiene éxito el traqueteo ha supuesto la rotura de su máscara de oxígeno. Ante esto Jonás sale en su ayuda demostrando valor , capacidad e interés por ella. Jonas logra salvarla aunque entre todos logran subirla a la superficie, donde Taylor consigue reanimarla. 

Más tarde, suben al megalodón muerto al barco, pero al examinarlo, Taylor descubre que los dientes no coinciden con los del ataque inicial. 

Entonces, un segundo megalodón de mayor tamaño emerge del agua matando a Wall y devorando al megalodón más pequeño y haciendo que el barco vuelque y se hunda.

Minutos después Jaxx y el Doctor Heller están en medio del océano y Heller se sacrifica para que Jaxx pueda ser salvada, mientras que éste muere devorado por el megalodón. El desastre es absoluto y la desolación ya que igualmente han tenido que rescatar al profesor Zhang, que poco después muere debido a una hemorragia interna provocada por un golpe que recibió por una barra de metal después del ataque del segundo megalodón más grande. 

Mientras los supervivientes intentan regresar a Mana One en dos botes salvavidas, inmediatamente son perseguidos nuevamente por el megalodón hasta que un helicóptero se aparece y le colocan un rastreador en la aleta dorsal del megalodón y posteriormente comienzan a dispararle con una ametralladora, hasta que el mismo megalodón se detiene y desaparece en las profundidades. 

Al llegar al Mana One, Morris anuncia que ha informado a los gobiernos locales y las fuerzas navales, pero que lo que suceda no está en sus manos. 

Durante la noche, Morris pone en marcha su plan para matar al monstruoso tiburón mediante cargas de profundidad. Cuando uno de los helicópteros ve sobresalir el cuerpo sin vida de un animal de gran tamaño, Morris supone que ha logrado destruir al megalodón, pero al acercarse a examinar el cadáver descubre que se trata de una ballena. 

Al ver acercarse al verdadero megalodón, el barco acelera haciendo que Morris caiga por la borda y sea devorado. 

Entre tanto, el equipo de Mana One ha descubierto los planes de Morris, solo para darse cuenta de que el animal se dirige hacia una playa abarrotada de bañistas en la Bahía de Sanya, en China.

 

El megalodón mata a varios bañistas antes de que el equipo de Mana One reproduzca el audio del canto de una ballena para desviar la atención del tiburón. 

Taylor y Suyin intentan destruir al megalodón disparándole torpedos modificados, sin éxito, dañándose el sumergible de Taylor en el proceso. Finalmente, Taylor logra acabar con el tiburón diseccionándolo con la aleta de su sumergible y disparándole un arpón en el ojo, matándolo. 

Debido a la sangre, numerosos tiburones más pequeños devoran al megalodón. Taylor logra ponerse a salvo en un barco donde una pareja china celebraba su boda, reencontrándose con Suyin, con quien considera tomarse unas vacaciones acabando así la película. 

Sobre la producción comentar que , inicialmente los derechos del libro fueron adquiridos por Disney en 1997 aunque luego éstos fueron comprados por Warner Brothers en 2015.

En junio del 2018 se reportó que Eli Roth estaba en negociaciones para dirigir la película, aunque finalmente Jon Turteltaub terminó dirigiéndola.

El rodaje comenzó en octubre de 2016 en Auckland Occidental, Nueva Zelanda y terminó  en enero de 2017.

The Meg fue estrenada en salas en agosto de 2018 tanto en 3D e IMAX. 

La película obtuvo críticas mixtas. Por un lado, Owen Gleiberman de Variety le da caá al decir que "Quiere ser 'Jaws' con esteroides. El problema es que no es lo suficientemente buena, ni lo suficientemente mala (...) Parece una copia de una copia" 

En esta línea criticona Jeannette Catsoulis del The New York Times escribe que "Elaborada aparentemente creyendo que el cociente intelectual de los espectadores baja en verano (...) Parece que 'The Meg' no sabe lo tonta que es" 

Para Chris Nashawaty del Entertainment Weekly "'The Meg' no es una película tan buena como la había imaginado en mi cabeza. Los efectos son mediocres (...) Pero es entretenida de manera ridícula y cursi." 

Todd McCarthy del The Hollywood Reporter la película le es bastante indiferente ya que "No se ha prestado suficiente atención a aspectos mundanos como la trama y el reparto (...) La película parece que está hecha mecánicamente." 

Niles Schwartz de Slant considera que "Es sobre todo un escaparate para una estrella [Statham] y en ese sentido funciona (…) " 

Considera el crítico de la CNN Brian Lowry que la película "Evoca los mismos encantos sencillos que las películas de monstruos de los años 50 (...) Tropieza ocasionalmente en su esfuerzo por ser adorable" 

Eric Kohn de IndieWire entiende que "Turteltaub no tiene suficiente confianza en el material para dejar que sea más disparatado (...) Los tiburones merecen algo mejor que esto." 

Scott Weinberg de Bloody Disgusting considera que la película es "Simple, predecible y con frecuencia convencional, pero oye: es divertida (…) Puede que incluso me apuntase a una secuela (...) " 

En el Reino Unido Mike McCahill en las páginas del The Guardian afirma que "No es excelente, pero es raro ver un blockbuster del siglo XXI divirtiéndose tanto (...) con su premisa (...) "  

 

Por su parte,  Robbie Collin del Telegraph consideró que "La película de Jon Turteltaub es bastante mejor que las insulsas coproducciones recientes EE. UU.-China (...) Como cine cutre, es demasiado benévola (...) " 

Demetrios Matheou de Screendaily destaca que "Los efectos especiales son irregulares y tiene poco suspense (...) Al mismo tiempo, es una película entretenida" 

Ya en España Jordi Costa en El País escribe sobre ella y llega a la conclusión de que "Turteltaub propone aquí un ejercicio de terror submarino que, en el fondo, da lo prometido (...) un conjunto que apuesta por la artillería pesada. Lo importante es que el público no se queda con hambre." 

Para Francisco Marinero de El Mundo la película "Ofrece gran espectáculo de acción (...) con imágenes sorprendentes en todos los ámbitos (...) no logra disimular la pobreza de un guion cuyos personajes y situaciones se inspiran demasiado en la magistral 'Tiburón'" 

Nando Salvá en las páginas de El Periódico dice  que "'Megalodón' es suficientemente estúpida como para ser molesta pero no lo suficiente –o no de la forma adecuada— para ser hilarante. (...) " 

Para Ricardo Rosado de Fotogramas "El director y su equipo parecen olvidarse por momentos de que lo que necesitamos es otra fila de dientes, una aleta dorsal más grande y que el océano se tiña de rojo. (...) a 'Megalodón' le cuesta decidirse y termina lanzándose al agua con manguitos." 

Por mi parte considero que si el objetivo y fin último de la película es el entretenimiento, conmigo no lo han conseguido. Cosas buenas tiene, indudablemente: la acción, los imágenes submarinas, la recreación del monstruo marino; pero , ocurre lo peor que le puede ocurrir a una película de acción, que me ha aburrido. Como escribió el crítico mexicano Jesús Chavarría en La Razón es un “úsese y olvídese".

Es una cinta, como señalé al principio a la  de Jason Statham, que tiene aquí una historia de amor tediosa y casi bochornosa con la bella Li Bingbing , pero  que es intercambiable el actor por un Nicolas Cage y ella por cualquier chica mona. Menos química, cualquier cosa. A destacar el intento del cine chino de occidentalizarse algo cada vez más frecuente. Poco más, salvo reiterar la buena fotografía submarina y las cenitales, pues poco me ha aportado. Me imagino que tendré que darle otra oportunidad en otro momento. 

Recuerdos de un 23F

Ahora que el tiempo lo devora todo, destruyéndolo, como Júpiter a sus hijos, uno de los protagonistas estelares del 23 F ha terminado , por el momento, en Abu Dabi la capital de los los Emiratos Árabes Unidos, parece necesario - más que nunca- realizar un análisis del papel que tuvo, frente a la crítica fácil, facilísima, del presentismo marcada por la vinculación del rey emérito con la negligente gestión de una estructura 'offshore' que supuestamente le habría permitido al que fuera rey de España ocultar 64,8 millones de euros de Arabia Saudí. Esto que marcará letalmente el final de su imagen, impoluta durante años, en parte por la connivencia entre la prensa y el poder político no tiene que hacernos olvidas su inolvidable papel en aquel 23 de febrero de 1981. 

Antes de nada debo aclarar algo que me parece justo. Me defino, siempre lo he hecho, como una persona de convicciones republicanas. Considero que la jefatura del estado debe salir de la decisión de los ciudadanos de un país, antes que de una herencia. Dicho lo cual, eso no significa que esté de acuerdo con muchos republicanos de boquilla que ni tienen nada claro que modelo presidencial prefieren - el de carácter presidencialista o el modelo de elección indirecta existente en Italia o en Alemania, modelo que por otro lado me gusta más, ni con la idea de que la convicción republicana sea algo exclusivamente de la izquierda, por supuesto, o que yo tenga que aceptar una determinada bandera o un himno, el de Riego, con el que no me identifico. Tampoco el actual me emociona nada. 

Dicho lo cual reconozco que la figura del emérito, Juan Carlos I , es hoy un auténtico "pim, pam, pum" de feria. En gran parte, por responsabilidad suya, tanto por sus devaneos - que son cosa suya, y que evidentemente no me interesan- como por la mordida y su evidente ocultación a la Hacienda española, al fin y al cabo es una mordida. Eso es lo imperdonable desde mi punto de vista. No obstante, no he perdido el norte ni como individuo que recuerda o conoce algo de la historia, cada día menos, ni con otorgar el mérito o el demérito a alguien en relación o un momento. Y , al menos, a Juan Carlos I habrá que reconocerle dos grandes logros. La primera, participar activamente en el desmontaje del franquismo que lo nombró su sucesor y, en segundo lugar, su apuesta decidida por el proyecto democrático español nacido de la Constitución de 1978. Tanto lo primero como lo segundo queda reflejado en 23F: la película, película que ya comenté hace años. 

Una película que nació con la intención de ser un thriller de base histórica y con el deseo de dejar una fuente didáctica a un momento concreto que vivió el país en aquel día y que todos los españoles ya de cierta edad recordamos con una frescura y un detalle indeleble. Se trata de una película que ya comenté en su momento bien dirigida por Chema de la Peña y que contó entre su elenco con Paco Tous en el papel de Tejero y Ginés García Millán en el de Adolfo Suárez.

Los tres participaron en el coloquio hace años en "Sesión española" y de la misma extraigo algunos detalles o afirmaciones surgidas de estos tres protagonistas. 

En aquel programa emitido en 2016 Chema de la Peña comentó sobre la intencionalidad del mismo y el rodaje en el Congreso de los Diputados que "El planteamiento de la película desde el principio con Ignacio Salazar, el productor, hablamos de intentar recrear de la forma más natural posible y eso incluía rodar en los escenarios naturales donde acaecieron todos los hechos. Y en el Congreso de los diputados tuvimos bastantes problemas, porque es difícil. Hacía tiempo que nadie rodaba, y no autorizaban ningún rodaje. Al final lo conseguimos, pero fue una especie de regalo envenenado, porque nosotros teníamos un plan de rodaje de dos semanas y al final nos dieron dos días y medio. Era en agosto, era el único mes donde el congreso esta cerrado. Luego tuvimos que montar un decorado en un plató y todos los planos cortos, los planos detalle de todas las secuencias se hicieron aparte tres semanas después". 

El director además señaló que " Cuando planteé la película, digamos que hay protagonistas corales, pero sí que hay protagonista claro, que es Antonio Tejero. ¿Cómo puedo hacer un personaje que te parece odioso, deleznable, que no querrías encontrarte en la calle el protagonista de la película? Tengo que buscar una mirada, un algo, que haga, no que la gente le quiera, pero que le siga o que encuentre su motivación última. 

García Millán, quien interpretaría a Suárez, comentó, por su parte, sobre el Congreso que " la energía que sentíamos y también decir que teníamos la suerte de estar ahí y de recrear esto que es una parte muy importante de nuestra historia. Y para nosotros también es un juego". 

Paco Tous, por su parte, sobre su interpretación señaló "yo tenía un poquito esa libertad... Fueron diez minutos del asalto. Un hombre muy nervioso, fue todo muy rápido. Y yo creí que tenía más suerte porque podía hacerlo desde mi punto de vista, acercarme a otros motivos, a los motivos que tenía Tejero. 

Para el que interpretó a Tejero, Tous " Yo recuerdo que informándome, metiéndote, como hacemos todos, en Internet, o eran todos detractores o todos defensores. Pero encontré la carta del hijo, Ramón Tejero, que es cura, además tiene más o menos mi edad, escribiéndole al padre. Y decía que no quería hablar del 23-F solamente de cómo era su padre. Un hombre de honor, un hombre tranquilo, buen marido, buen padre, nada violento, relajado... Esta es la persona que quiero interpretar."

Chema de la Peña sobre el relato comentó que "Hasta donde hemos podido, hemos incluido cosas reales. Evidentemente, hay situaciones en las que intuimos lo que ha pasado. Y luego hay situaciones donde las fuentes eran varias. Hemos hecho una especie de caleidoscopio, como, por ejemplo, la conversación que tuvieron Armada y Tejero en ese despacho, en ese momento que fue el momento culmen de la noche, cuando Tejero decide que Armada no entra. Gracias a Dios hay mucha documentación. Hay como 20 o 30 libros escritos. Entonces, de todo ese proceso, fuimos depurando, y sacando un poco lo que más nos interesaba y lo que más pensábamos que podía ser la realidad de la situación. -Muchas cosas, anécdotas de los personajes, tramas... no pudieron entrar en la película por una cuestión de metraje. Pero es superatractiva toda la trama del CESID, toda la trama civil que estaba implicada detrás. Y añade " El trabajo que hicimos en el guion, la idea era no hacerlo documental. De hecho, en la película habréis visto que aparecen bastantes imágenes documentales de lo que se emitió aquella noche. Pero sí, lo más cercano a la realidad. Había esta obsesión. De hecho, hay momentos que los diálogos son tal y como sucedieron. Las conversaciones entre Tejero y García Carrés que estaba pinchada por el CESID la línea de García Carrés, las puede encontrar cualquier persona en Internet. Son tal y como sucedieron. Es lo mismo. Había este punto obsesivo casi de utilizar frases que sabíamos que se habían dicho. Utilizarlas tal y como fueron". 

Con respecto a Juan Carlos, rey de España en ese momento, el director comentó que " Por un lado, la casa real sí que nos facilitó información a nivel de dirección artística, puesto que nos dio fotos y bastante recreación de cómo era el despacho y el palacio de la Zarzuela en el año 81. Y luego lo otro, la composición del personaje, y toda esta mirada que tiene el rey en esa noche es un poco lo que te contaba antes. Es decir, que hay testimonios desde Sabino Fernández Campos, teníamos bastantes entrevistas, desde todo el testimonio de Erquicia cuando fueron ahí a grabar... 

El director dijo en el programa que " Entonces, respecto al personaje del rey, sí que hay una determinación clara de que el golpe se para en Zarzuela. Eso es evidente y cualquier persona que se acerque o que tenga información... El propio rey declaró que "Las Fuerzas Armadas obedecieron a su jefe, porque yo les ordené que se mantuvieran tranquilos. Que una pequeña parte quiso realmente echar por tierra todas nuestras ilusiones, nuestros trabajos, nuestra democracia o incipiente democracia todavía, pues eso es otra cosa. 

El director afirmó que "Otra cosa es luego la composición del personaje con cómo actúa con el resto. -Muy interesante, por ejemplo, había otra película, la relación que tiene con el general Armada. Porque ahí se medio apunta en la película, pero en la realidad es que cuando el rey vino desde Estoril con 15 años su preceptor fue el general Armada. Era como su padre. Y luego fue el primer jefe de la casa real antes que Sabino. Entonces tenía mucha ascendencia sobre el rey, tenía mucho poder. Entonces esa noche es como que el rey mató su padre, a este padre ficticio, porque de repente se dio cuenta de que este hombre le había estado engañando y le estaba poniendo contra la pared. Sabino Fernández Campos afirma que "Estaba el rey hablando con Armada. Y Armada seguía ofreciéndose a subir a explicar las cosas. Y yo le dije por señas al rey que insistiera en que no, porque parecía que alguna cosa, alguna significación tenía la presencia de Armada en Zarzuela". 

El director señaló que hay " una anécdota muy buena que nos contó Iñaki Gabilondo, que lo entrevistamos. Ante la posibilidad de que quién salía allí, se estaba jugando el pescuezo, quién iba a contar eso, ellos decidieron que los que estuvieran en narración en aquel momento, como Rosa María Mateo, el propio Iñaki, Victoria Prego, decidieron dar la noticia todos en plano aunque la diera uno. -Y mientras la expectación nacional... El plano sólo me cogía a mí. Pero a mi derecha y a mi izquierda se sentaron compañeros. No salían en el plano, pero estaban en cierto sentido diciendo que si eso tenía algún riesgo, lo compartían. 

Por último, el director afirma que "Siempre hablábamos con el productor del peso de hacer la responsabilidad, no de hacer esta película. Y también un poco la trascendencia más allá del hecho cinematográfico que el tiempo nos está dando razón en ese sentido, que pensamos que fuera casi un material didáctico que cada cierto tiempo se pusiera, que en el colegio cuando estudien este episodio digan que se puede ver la película. Sí que hay un peso de la película de conocer quiénes somos para la gente que no ha podido vivir esa época".

Para terminar y sumar a lo ya escrito hace cuatro años sobre la película y vinculándolo con lo que he dicho al principio sobre su papel visto con ojos de presente , creo que lo justo es no olvidar las palabras del rey en aquella noche del 23 F: 

"La corona, símbolo de la permanencia y unidad de la patria, no puede tolerar en forma alguna acciones o actitudes de personas que pretenden interrumpir por la fuerza el proceso democrático que la constitución votada por el pueblo español determinó en su día a través de referéndum".

Así que queda dicho, al César lo que es del César y a Dios, lo que es de Dios.  Punto y final.

Sierra Prohibida

Esta pasada semana falleció John Saxon. El dijo que esta, dentro de sus películas, era su favorita . Este es mi pequeño homenaje a este actor multifacético que tuvo mucho más peso específico en la historia del cine como secundario, tal y como ha comentado en alguna ocasión Fausto Fernández ya sea en su faceta como actor de cine siendo además una cara reconocible en la serie televisivas. 

The Appaloosa o Sierra prohibida es un western estadounidense estrenado en 1966 dirigido por el canadiense Sidney J. Furie director de American Soldiers , The Ipcress File con Michael Caine y Superman IV , entre otras, que fue rodado en el otoño de 1965 en Technicolor. 

La película está basada en una novela de Robert McLeod (The Appaloosa, 1963) e interpretada en sus principales papeles por Marlon Brando, Anjanette Comer y John Saxon. Este último fue nominado en 1967 en los Premios Globo de Oro como mejor actor de reparto. 

La película es la historia de una venganza obsesiva con la que el canadiense Sidney J. Furie contó con el apoyo de un ayudante de dirección como Douglas Green y de Alexander Golitzen y Alfred Sweeney en la dirección artística. 

La película fue una producción de Alan Miller para la Universal Pictures y que contó con el guion de James Bridges (responsable que fue de “Cazador blanco, corazón negro”) y Roland Kibbee (“El temible burlón”). Está basada en The Appaloosa novela de Robert MacLeod.

La película cuenta con el "score" en la música de Frank Skinner, el sonido de Waldon O. Watson y Lyle Cain, el maquillaje de Bud Westmore y la enorme fotografía de Russell Metty en Technicolor del de fue responsable de la imagen en "Espartaco". 

En cuanto al montaje correspondió a Ted J. Kent siendo la escenografía de John McCarthy Jr. y Oliver Emert. Para el vestuario los responsables fueron tanto Helen Colvig para los hombres como Rosemary Odell en las mujeres. Por último en los efectos especiales está Ben McMahan. 

En cuanto los protagonistas de la película destacan Marlon Brando como Matt "Mateo" Fletcher, Anjanette Comer como Trini, John Saxon como Chuy Medina. Aparecen acompañados de Emilio Fernández como Lázaro, Alex Montoya como el tuerto, Míriam Colón como Ana, Rafael Campos como Paco, Frank Silvera como el pastor Ramos, Larry D. Mann como el sacerdote y Argentina Brunetti como mujer yaqui.

Estamos en el año 1870 y vemos como un jinete llega tras cruzar una amplia zona desértica a Ojo Prieto en Texas, una pequeña ciudad estadounidense fronteriza con México, después de estar ausente muchos años de esas tierras. El que ha llegado es Matt Fletcher (Marlon Brando), más conocido como Mateo, un solitario cazador de búfalos que llega andrajoso, sucio, con greñas y largas barbas, vistiendo un ajado uniforme confederado y que regresa a lo que fue su pueblo, en la frontera de Río Grande, montado con un semental appaloosa. Llega con la intención de dejar su vida nómada, asentarse y dedicarse a la cría de caballos. 

Ante la llegada, como su fuese premonitorio, un perro acosa sin tregua al caballo aunque para ante su mirada. Pero la llegada a Ojo Prieto coincide con la desgraciada presencia de un mexicano, Chuy Medina (John Saxon), que admira especialmente su ejemplar de appaloosa, el caballo que piensa usar como semental en el rancho que quiere montar con Paco, su amigo desde la infancia, y así cumplir un viejo sueño. 

Cuando entra en la iglesia para confesar sus pecados ante el sacerdote escuchamos que se siente responsable de algunas muertes en defensa propia y de estar con mujeres buscando ante el sacerdote (Larry D. Mann) arrepentimiento, penitencia y perdón. Tras entrar se cruza en la nave con Trini (Anjanette Comer), novia a la fuerza de Chuy Medina, que descubrimos que es jefe de una banda de malhechores, a quien fue vendida por sus padres cuando ella tenía quince años, y que está permanentemente vigilada por Lázaro (Emilio "Indio" Fernández). 

Al salir Trini del templo ve el caballo de Mateo y se apropia de él para intentar huir de su posesivo prometido, pero es descubierta por los hombres de éste. Para salvar la apariencia de hombre abandonado ante sus secuaces, y fingiendo que la chica está probando el animal, Chuy intenta comprarle el caballo a Mateo, pero éste se niega a vendérselo. El bandido, entonces, le avisa de que tiene intención de quedarse con el appaloosa. 

Sin embargo, Mateo hace caso omiso y se marcha a las tierras que trabajan Ana ( Míriam Colón) y Paco (Rafael Campos). Éste último un agricultor que trabaja las tierras de su padre cercanas al río. Sin embargo, Mateo tiene la intención de que él junto a Paco y a Ana , así como la prole de hijos que tienen, se dediquen a la cría de caballos. 

Tras celebrar la llegada de Mateo, éste y Paco beben hasta el hartazgo. Mientras esto ocurre Chuy y Lázaro han identificado el espacio y robado el animal a Mateo. Cuando éste lo adivina intenta acabar con su vida, pero ambos están tan borrachos que no dan con los hombres. 

Además Chuy decide humillar a Mateo propinándole una paliza aprovechándolo que está muy borracho arrastrándolo por la tierra y colgándolo de la cintura. 

Tras esto marcha con toda su banda a su guarida en Cocatlan situado en el área montañosa de Sonora (Méjico). 

Matt, sabedor de que el caballo es el futuro suyo y el de la familia de Paco, a la que debe todo, hace todo lo posible para intentar recuperarlo. Tras identificar el lugar en el que vive Chuy, a un par de días, allí cabalga tras pasar por una pulquería y tras hablar con un pastor con el fin de recuperar su semental, a pesar de los intentos de Paco y de Ana, la mujer de este, por disuadirlo de su intención, desoyendo todos los consejos como que "Chuy no es un hombre solo, es casi un ejército".

Matt comienza a cazar al bandido pero encuentra las cosas más complicadas de lo esperado dado el alto número de hombres que trabajan para Chuy como le avisa un pastor de cabras (Frank Silvera). 

Nada más llegar a la hacienda de los Medina, Fletcher es detenido aunque avisa: "Me marcharé de aquí con ese caballo, o no me marcharé". 

Como Chuy es un hombre al que le gustan los retos propone a Matt un duelo de brazos ante la presencia de dos alacranes de Durango cuyas picaduras pueden acabar con el perdedor. Fletcher pierde y es picado en el brazo por el escorpión. El cuerpo de Mateo es abandonado para morir en la abandonada iglesia sin sacerdote. 

Sin embargo, Fletcher es rescatado por Trini, que desprecia a su "amante", Chuy, y prefiere la compañía de Fletcher. Ella le consigue la ayuda del anciano pastor que les da cobijo. Mateo parece mortalmente herido, sin embargo, el rápido raspado que hizo sobre la picadura con una botella rota y los brebajes del pastor que lo oculta obran el milagro de su curación. Eso sí, después de una copiosa sudoración, pues la medicina clásica consideraba que a través del sudor se expulsaban los humores perniciosos. 

Con todo, los hombres de Chuy Medina van tras ellos y , finalmente, aunque los oculta estos acaban con la vida al anciano. Mateo no se deja amedrentar y tras vengar a los asesinos del viejo al que entierra,  vuelve a la hacienda, roba el caballo y huye junto a la chica con el objeto de retornar al pueblo. 

Tras conseguirlo ambos huyen por la montaña. Poco a poco van cayendo los hombres de Chuy. Al final en la montaña cae Lázaro y por último se ha de enfrentar a Chuy que los controla desde una zona elevada. 

Para salvarse en un momento dado, Fletcher se ve obligado a elegir entre Trini y su Appaloosa. Matt, al darse cuenta de que Trini significa más para él que el caballo, envía el Appaloosa para atraer el fuego de Chuy y mientras el bandido se prepara para apuntar al caballo, la luz del sol brilla en el cañón de su arma, revelando su posición. Matt dispara y lo mata cayendo por la ladera de la montaña nevada. 

Por ultimo, Matt y Trini luego cruzan la frontera con Appaloosa para comenzar una nueva vida junto a Ana y Paco que los reciben con alegría. 

El título de trabajo del film fue inicialmente Southwest to Sonora. El rodaje se realizó en Lancaster, en las Montañas de San Bernardino, cerca de Wrightwood en California, aunque también en Antelope Valley y Lake Los Ángeles. También se rodó en St. George , en Hurricane y en Virgin River en Utah así como en los Vermilion Cliffs, National Monument, Paiute Wilderness Area, Cane Beds, Moccasin Mountains, Wolf Hole y Colorado City en Arizona en cuanto a los exteriores y en los platós de Universal Studios durante el otoño de 1965. 

Una vez elegido el elenco en que estuvo a punto de participar Claudia Cardinale fue originalmente buscada para el papel de Anjanette Comer, lo más significativo del rodaje fueron las malas relaciones entre director y la gran estrella. 

Sidney Furie, el director, tuvo muchos problemas en el set debido a su forma de ser, a su método de filmación, a los ángulos extraños que le pidió al operador de cámara, un veterano en el negocio del cine desde Lo que el viento se llevó. Tanto es así que Marlon Brando le dijo , en alguna ocasión, a Furie que era un director pésimo. 

Según el coprotagonista John Saxon, la relación de Marlon Brando con el director Sidney J. Furie fue horrorosa. Llegó al punto de que llegaron a un enfrentamiento físico entre ambos. La mala relación con Furie,se manifestaba en el hecho de que Brando, cuando se preparaba para rodar un primer plano siempre se encontraba leyendo un libro. Solo dejaba el libro cuando Furie gritaba "Acción". Cuando gritaba "Corta", Brando levantaba el libro de nuevo. 

Según el libro de Peter Manso sobre Marlon Brando, señala como tras el rodaje y con el tiempo Brando y Furie llegaron a apreciarse. Brando llegó a decir que : "Pensé que eras un tramposo inútil, y no sabía si podía confiar en ti, pero vi la película y tienes el gran sentido de los mejores directores visuales. hacer otra película juntos ". Furie, según el libro, respondió: "¡Nunca!" . 

Según la biografía de Bob Thomas de 1973 "Marlon: Portrait of the Artist as a Rebel", el productor Alan Miller, consternado por la falta de interés de su estrella en la película y su actuación mediocre, escribió un poema sobre Marlon Brando, en la película "Mateo" que decía algo así como "Mateo, su corazón / Sangra por la misa, / Pero la gente con la que trabaja / la patea en el culo". 

La película fue estrenada en Nueva York el 15 de septiembre de 1966. Aunque no tuvo el acompañamiento del público, a pesar de tener a Marlon Brando como estrella de cartel. Consiguió únicamente un millón de dólares de recaudación. La película fracasó estrepitosamente en las salas de proyección y en su posterior distribución para la televisión «su impacto se vio reducido por la pérdida de nitidez en el único aspecto en el que la película destacaba: su fotografía paisajística». 

La película obtuvo algún premio. En los Globos de Oro el actor John Saxon estuvo nominado a Mejor Actor de Reparto. 

En cuanto a las críticas española decir que Augusto M. Torres en El País dijo de ella que "El canadiense Furie llega a Hollywood después de debutar en su país y trabajar en el Reino Unido para hacer este interesante western" 

En ABC Play se añade que " Basado en una novela de Robert Mac Leod, el título original del film, “The Appaloosa”, hace referencia al nombre y a la raza del caballo desencadenante del conflicto. Dirigida por Sidney J. Furie, un especialista en el cine de acción, fue protagonizada por un Marlon Brando ya en evidente deterioro físico y un John Saxon (“El último Samurai”) que fue nominado para un Globo de Oro por su interpretación en el filme.". 

Sin embargo, tenemos que destacar que la película da mucho más de sí de lo que parece. Junto a la actuación de Saxon destaca la presencia de Brando que , independientemente, de su relación con el director se muestra como un actor magnífico. Hay momentos que la película que parece avisar de lo que viene después como Vito Corleone, como viudo en el Prís del último tango o como el Coronel Kurtz. Un actor que reflexiona y que Furie saca de él lo mejor. De frente o de perfil lo que hace que estemos ante un western atípico que combina la acción, aventura, la road movie y que se dedica a explorar los sentimientos profundos que un ser humano que tiene sueños y ambiciones, por los que es capaz de luchar y arriesgar su vida. La película habla de la codicia, del poder, de la fidelidad a la palabra dada, del agradecimiento, del amor, del resentimiento, de la venganza, de la condición humana en suma. 

Algunos hablan de que Furie parece inspirarse de lo que llega de Europa, de Sergio Leone, pero también de John Ford y Howard Hawks. De hecho hay que reconocer en este western elementos propios del espaguetti. esa lucha de alacranes por ejemplo, o el gusto por la violencia y el reflejo de la maldad de los malvados, siempre sonriendo - enorme en ese sentido Don Emilio "Indio" Fernández- como los aporte clásicos en la narración especialmente en dar cuerpo y personalidad a los personajes. 

El resultado es una western diferente, singular, curioso casi poético con todos los elementos propios del género pero llevado a un ritmo pausado y casi manierista en los que están presente el paisajes agreste tan seco por momentos como intensamente nevado en otros, todo ellos con una fotografía de Russell Metty que impresiona con muchos claroscuros, contraluces, con primeros planos y encuadres desde múltiples posiciones que intentan captar los sentimientos de los personajes y todo ello aderezado de la música de Frank Skinner responsable entre otras de "Horizontes lejanos" de Anthony Mann, que habla de la codicia, de los sueños, de la ambición, la venganza o la redención o el perdón. Con perdón.

Jesucristo Superstar

Hace poco menos de un año moría Camilo Blanes, más conocido como Camilo Sesto. Reconozco públicamente que cuando él triunfaba no soportaba su estilo musical. Claro que yo tenía entre 8 y 15 años y ya era marcadamente rockero. Así que no podía reconocer que lo que hacía ese cantante alicantino me gustaba. 

Pero el tiempo nos coloca a todos en su sitio y hoy, con la mediada cincuentena diré la verdad. Y la verdad es que no hay éxito suyo que no conozca y no sepa. Tatareo casi todas sus canciones pues me las se de memoria. Son casi todas ellas impresionantes. 

Reconocido esto, diré que durante esos años en los que él triunfaba fue , entre otros, el impulsor de una ópera rock que tuvo un enorme éxito en España, a pesar de ser atacada por los ultracatólicos , pero aprobada por la instituciones del Vaticano. Esa obra no era otra que «Jesucristo Superstar» , una ópera rock que contaba con la música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice, que primero surgió como álbum conceptual en 1970 y un año después dio el salto a los escenarios de Broadway. 

Se trata de una ópera «rock» singular por su temática ya que en la misma se intenta narrar, a su modo, los seis últimos días de la vida de Cristo. Pero no sólo eso sino que lo hace desde un planteamiento "hippie" siguiendo el estilo provocación e inconformismo musical que había nacido con «Hair». 

Lo cierto es que los británicos Tim Rice, que contaba con 23 años en aquel momento, y Andrew Lloyd Webber de 26, concibieron la creación de una ópera «rock» sobre la vida de Jesucristo pensando tan sólo en la versión discográfica. 

Tras el disco se planteó la posibilidad de montarla sobre los escenarios de Broadway como ya se había hecho con «Hair». Tenía que respirar lo mismo: la espiritualidad de una juventud que empezaba a cansarse de la filosófica californiana del movimiento «hippy» que en los setenta miraba ya hacia oriente llegando hasta el misticismo hindú. 

Rice y Weber vieron claramente que la música "rock" y "pop" podía ayudar a contar una historia ya trillada sobre el cristianismo, pero sin deseos de incluir doctrinas religiosas ni atraer a los jóvenes. El instinto de ambos era más comercial y musical. Así es como Rice y Weber completaron su obra y entraron en un estudio de grabación para plasmarla en forma de disco. Se necesitaron trescientas personas y quinientos días para dar forma definitiva a la obra. En la misma se seleccionaron a grandes profesionales, para dar sus voces. Por ejemplo, el papel de Jesucristo fue para Ian Gilian, vocalista del grupo Deep Purple. Judas Iscariote fue encarnado por Murray Head y María Magdalena por Yvonne Elllman, que estará no sólo en el disco sino la que protagonizó también la versión neoyorquina de la obra y encarnó a la Magdalena en la película de Norman Jewison. Para otras voces se eligieron cantantes como Mike D'Abo. que había sido vocalista del Manfred Mann Group, e incluso colaboraron, en los coros, los propios autores de libreto y partitura. 

La banda sonora de esta Ópera Rock vendió millones de discos por todo el mundo. Los discos originalmente fueron presentados en vinilo y eran de larga duración (LP); la fotografía de la portada ilustraba una crucifixión. Una vez completado el disco en 1970 se buscó llevarla a Broadway. 

En octubre de 1971, y debido a que el álbum conceptual había funcionado mejor en Estados Unidos que en Reino Unido, se estrenaba en el teatro Mark Hellinger, de Nueva York, teniendo en la producción a Robert Stigwood (el que fue productor de «Tommy», de la versión "Sargent Peppers" de los Bee Gees y una larga serie de artistas «pop») en asociación con la MCA, y la dirección de Tom O'Horgam, el hombre que convirtió a «Hair» en un éxito de Broadway, que sustituyó al que estaba previsto Frank Corsaro tras sufrir un accidente de coche que lo apartó del proyecto. A ellos se sumaron Jeff Fenholt, Ben Vereen e Ivonne Ellíman como Cristo, Judas y la Magdalena, respectivamente, en la obra y lograron un triunfo que durante meses llenó el teatro. Barry Dennen, en el álbum habían prestado su voz a Pilatos también está presente junto a Bob Bingham como Caifás, Phil Jethro como Anás, Michael Jason como Pedro, Dennis Buckley como Simón Zelote, Paul Ainsley como Herodes y Ted Neeley, quien en 1973 protagonizaría la adaptación cinematográfica, como suplente de Jesús. 

La historia teatral así como la cinematográfica es una mezcla de intrigas, celos y pasiones violentas, que demuestran muy bien que la historia humana está manchada de sangre y maquiavélicas jugadas que terminan por aniquilar a los débiles. Los personajes asumidos por los actores se muestran como hippies. 

El protagonista absoluto de esta pasión de Cristo será un Judas Iscariote psicodélico, frustrado y existencialista, que nos presenta a un Jesús dominado por sus propios miedos alejado de los Evangelios. 

El equipo creativo también contó con diseño de escenografía de Robin Wagner, diseño de iluminación de Jules Fisher y diseño de vestuario de Randy Barcelo, mientras que las orquestaciones fueron realizadas por el propio Andrew Lloyd Webber y la dirección musical corrió a cargo de Marc Pressel. Jesucristo y Judas, presentan posiciones musicales diferentes, el primero es romántico y lírico, con una partitura llena de melodía sin excesos rítmicos, mientras que el segundo es el «rock» apasionado. 

Una nueva canción titulada "Could We Start Again, Please?" e interpretada por los personajes de María Magdalena y Pedro fue escrita expresamente para el estreno en Broadway. El espectáculo resultó un éxito y se mantuvo en cartel hasta el 1 de julio de 1973, realizando 711 funciones regulares y 13 previas. 

El trabajo de Andrew Lloyd Webber como autor de la partitura fue recompensado con un Drama Desk Award al mejor compositor promesa. Dado el éxito tocaba ahora llevarlo al cine. 

Esta labor correspondió a Norman Jewison como responsable de la dirección , y que ya pasó por aquí como responsable de Huracán Carter así como por El caso Thomas Crown , aunque de la que vi años hace otro musical, El violinista en el tejado, y mientras que de la parte artística fue labor de John Clark. La película contaba con la producción de Robert Stigwood y Norman Jewison quedando el diseño de producción en Richard MacDonald para la Universal Pictures con la distribución de Mokép. 

La película sigue el guion escrito por Norman Jewison, Melvyn Bragg y está basada en Jesus Christ Superstar. Contaba con la música de Andrew Lloyd Webber, la luminosa y casi cegadora fotografía de Douglas Slocombe, el montaje de Anthony Gibbs y el vestuario de Yvonne Blake. 

Los protagonistas del elenco cinematográfico eran Ted Neeley como Jesús, Carl Anderson como Judas Iscariote, Yvonne Elliman como María Magdalena. Junto a ellos aparecen Bob Bingham como Caifás, Josh Mostel como Herodes y Kurt Yaghjian como Anás. Igualmente aparecen Philip Toubus como Pedro y en los papeles de Poncio Pilato el actor Barry Dennen y como Simón el Zelote, Larry T. Marshall. 

La película comienza la visión de yacimiento arqueológico sito en un desierto por el que se desplaza un autobús. Con la llegada de todos los actores en un autobús rotulado en hebreo, que transporta a los actores y la utillería del film mientras los actores y actrices y bailarines van descendiendo . 

La obertura está dedicada a ir presentando sus preparativos y cómo asumen sus roles a medida que visten la indumentaria propia de su personaje y finaliza con la identificación entre ellos de Jesucristo Superstar, quien emerge en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal. 

En la escena siguiente, Judas, verdadero protagonista de la película, se dispone a presentar en una canción sobre cómo se ha ido cambiando el discurso entre el grupo de seguidores de Jesús que ha pasado de ser una simple familia de seguidores a ver en Jesús y en el hecho de su triunfo un cambio en la actitud de la gente hacia Jesús y la forma en que su imagen se idealiza, alejándola de lo que él considera son los valores primarios que deberían defenderse, como la justicia social y la resistencia a los romanos. Judas acusa a los seguidores de Jesús de colocar más cerca el "Cielo en sus mentes" y teme que sean perseguidos por el gobierno de Roma, al verse amenazados por las afirmaciones de que Jesús es el "Hijo de Dios" y "Rey de los Judíos". Ahora Jesús está siendo aclamado como el Hijo de Dios, pero Judas siente que es solo un hombre que está comenzando a creer su propio mensaje y teme las consecuencias de su creciente movimiento ("Heaven on They Minds"). 

A continuación, escuchamos la canción "Jesús Morirá", donde los sumos sacerdotes del Templo de Jerusalén, Caifás y Anás, muestran su preocupación por el fenómeno que ellos nombran "jesusmanía", debido al fanatismo del pueblo israelí por el presunto Mesías y las catastróficas consecuencias que ese fanatismo podría conllevar para el credo judaico de aquellos tiempos. Es por eso que deciden buscar la forma de librarse del hombre de Nazaret, puesto que para ellos, representa un problema a eliminar. 

Los otros discípulos le piden a Jesús información sobre sus planes para el futuro, pero Jesús no les dará ninguno. Tras escuchar como María Magdalena se siente enamorado de él, pero también la crítica de Judas de que Jesús no debe asociarse con María Magdalena amortigua el estado de ánimo. Luego acusa a todos los apóstoles de no preocuparse por él.

Mientras Jesús y sus apóstoles se acomodan para pasar la noche, María lo calma con un ungüento costoso, pero Judas dice que el dinero gastado debería haberse dado a los pobres. Jesús lo reprende nuevamente, diciéndole que los pobres siempre estarán allí pero que Jesús no.

La llegada gloriosa del Domingo de Ramos de Jesús y sus seguidores que llegan con alegría a Jerusalén, Caifás le ordena a Jesús que disuelva a la multitud por temor a un motín. Jesús se niega y habla a la multitud en su lugar ("Hosanna").

Tras esto Simón el zelote muestra su admiración. Mientras Pilato, el gobernador romano de Judea, revela que ha soñado con un hombre galileano (Jesús) y que será culpado por la muerte de este hombre ("El sueño de Pilato").

Jesús y sus seguidores llegan al templo, que ha sido tomado por cambistas y prostitutas ("El Templo"). Jesucristo expulsará a los mercaderes del Templo lo que supone una injerencia con las autoridades y especialmente ante el Gran Rabino, Caifás. 

En "La Última Cena", muestran la confesión de Jesucristo a sus apóstoles acerca de que uno de ellos , Pedro, renegará de él, mientras que otro le traicionará esa noche, sabiendo ya que Judas es aquel que le traicionará ante los rabinos de Jerusalén, éste, molesto, abandona la velada para meditar sobre sus decisiones más recientes. 

Durante su andadura, llega al Templo de Jerusalén y es avocado por los sacerdotes Caifás y Anás a traicionar a su mentor, cosa que finalmente hace, diciendo que el jueves por la noche podrán hallarle orando en el monte de los olivos de Getsemaní. 

Finalmente es detenido y juzgado por los rabinos y entregado a Poncio Pilatos que , evidentemente, se lava las manos. 

Por último, es crucificado como pide el pueblo sediento de sangre. Cuando termina la película, los artistas, ahora sin disfraz, suben a su autobús.Un pastor y su rebaño cruzan la ladera debajo de la cruz vacía . 

La película fue filmada en agosto de 1972 , principalmente en Israel. En concreto se rodó en las Cuevas " Bell Caves" en el Parque Nacional Beit Guvrin, en Bet Shean, en el Mar Muerto , en Pratzim, en las ruinas romanas de Avdat y en la Fortaleza de Herodes, la Herodium Fortress, del desierto de Judea, así como en los Olympic Studios, de Church Road en Barnes (Londres). 

Dada la temporada estival con temperaturas superiores a los 40 grados los actores debían "hidratarse" cada 20 minutos mientras se encontraban en el desierto. Todas las tomas con viento fueron naturales. 

Lo cierto es que Jewison llegó a la película por casualidad. Durante el rodaje de Fiddler on the Roof , Barry Dennen , quien interpretó a Pilato en el álbum conceptual, le sugirió a Norman Jewison que dirigiera a Jesucristo Superstar como una película. Después de escuchar el álbum, Jewison estuvo de acuerdo. 

Originalmente, Jewison quería a Ian Gillan, quien interpretó a Jesús en el álbum conceptual, para volver a interpretar el papel de la película, pero Gillan rechazó la oferta, decidiendo que complacería más a los fan haciendo una gira con Deep Purple . 

Los productores también consideraron a Micky Dolenz (de The Monkees ) y David Cassidy para interpretar a Jesús antes de decidir ir con Neeley. "Con la excepción de Barry Dennen, quien interpretó a Poncio Pilato y Josh Mostel, quien interpretó al Rey Herodes , para todos los demás, fue su primera vez en cámara y su primera película importante. Fue un proceso de aprendizaje en todo momento". 

La canción No sé cómo amarle (I Don't Know How to Love Him) cantada por el personaje de María Magdalena interpretada por Yvonne Elliman fue todo un éxito. 

Neeley había interpretado a un reportero y un leproso en la versión de Broadway, y no había estudiado el papel de Jesús. Del mismo modo, Anderson no estudió a Judas, pero asumió el papel en Broadway y Los Ángeles cuando Ben Vereen cayó enfermo. Ted Neeley prácticamente hizo una carrera interpretando a Jesús en producciones teatrales de "Jesus Christ Superstar". A principios de 2018, lo había estado interpretando durante casi 50 años. Para Ted Neeley supuso algo más, conoció a su esposa en el set. Ella es una de las bailarinas en la escena "Simon Zealotes". 

John Travolta, de diecisiete años, hizo una audición para el papel de Jesús. No obtuvo el papel, pero el productor Robert Stigwood lo tuvo en cuenta para futuras producciones. Tres años después, Stigwood eligió a Travolta en Fiebre del sábado noche (1977). 

Ted Neeley hizo su debut como operador de cámara durante el rodaje de una de las escenas más memorables: aquella en la que cinco tanques persiguen a "Judas Iscariote" por una duna de arena. (La escena, por cierto, pretende ilustrar la desesperación y el conflicto personal que llevó a Judas a consultar a los sacerdotes acerca de traicionar a Jesús). 

La producción recibió críticas mixtas y, al igual que otras versiones posteriores, fue condenada por algunos grupos religiosos que organizaron protestas en la puerta del teatro. 

Tim Rice declaró que el musical no mostraba a Cristo como un dios, sino como un simple hombre que estuvo en el lugar adecuado en el momento oportuno, y algunos cristianos tomaron sus palabras como una blasfemia. La postura de Judas y sus críticas hacia Jesús tampoco gustaron y fueron consideradas ofensivas. 

Al mismo tiempo, la comunidad judía denunció que el musical trasmitía un mensaje antisemita al culpabilizar al pueblo hebreo de la muerte de Jesús y presentar a tres personajes judíos (Caifás, Anás y Herodes) como villanos principales de la función. Con todo tanto Andrew Lloyd Weber como Tim Rice fueron nombrados Caballeros en la corte británica. 

Según Ted Neeley y Norman Jewison en el comentario del DVD, el pastor que cruzó el cuadro en la última toma de la película nunca tuvo la intención de estar allí, y solo sucedió en la toma mientras filmaban. Debido a la importancia de un pastor en las enseñanzas de Cristo, Jewison y su equipo quedaron profundamente impresionados por el momento en que este pastor cruzó el campo y mantuvieron el tiro. Obtuvieron una puesta de sol perfecta, así como una sutil. 

Jewison pudo mostrarle la película al Papa Pablo VI ", quien abiertamente amó lo que vio. Él dijo: 'Sr. Jewison, no solo aprecio su hermosa película de ópera rock, creo que atraerá a más personas en todo el mundo a El cristianismo, como nunca antes lo ha hecho. " 

Jesus Christ Superstar recaudó $ 24.5 millones en la taquilla y fue el musical de mayor recaudación en los Estados Unidos y Canadá para el año. 

La película consiguió estar nominada a la Mejor canción original de la BSO en los Oscar. En los Globos de Oro obtuvo seis nominaciones, incluyendo Mejor película comedia/musical, así como Neeley, Anderson y Elliman fueron nominados por sus representaciones de Jesús, Judas y María Magdalena , respectivamente. . En los Premios BAFTA fue premiada como la Mejor banda sonora dentro de sus tres nominaciones. En los Premios David di Donatello consiguió el premio al mejor Mejor film extranjero de aquel glorioso año, 1973. 

Frente a esto, el libro de 1980 The Golden Turkey Awards de los críticos de cine Michael Medved y Harry Medved, señalaban que Ted Neeley recibió el premio por "La peor actuación de un actor como Jesucristo".

Rogert Ebert dijo que era una mejora en el programa de Broadway y añadió que era "un recuento brillante ya veces impresionante de la ópera rock del mismo nombre. Es, de hecho, un triunfo sobre ese trabajo; usando la mayoría de las mismas palabras y música, logra ser liviano en vez de ser turbio, mirar hacia afuera en lugar de narcisista. Jewison, un director de gran talento, ha tomado un pedazo de shlock comercial y lo ha convertido en una película bíblica con dignidad ". 

Por el contrario, Howard Thompson de The New York Times escribió: "Broadway e Israel se encuentran de frente y de manera desastrosa en la versión cinematográfica de la ópera rock 'Jesus Christ Superstar', producida en el lugar bíblico. El brillo mod-pop, el frenesí musical y el tubo de neón de este escenario súper caliente La bonanza que encierra la historia más grande ahora está dolorosamente magnificada, descubierta y finalmente remendada bajo el azul y majestuoso cielo israelí, como si fuera un juicio natural ". 

Arthur D. Murphy, de Variety, escribió que la película "de una manera paradójica es muy buena y muy decepcionante al mismo tiempo. El concepto abstracto de la película ... pasa de la elegancia simple a través de la metáfora forzada a la síntesis absoluta en un impacto dramático " 

Gene Siskel del Chicago Tribune  calificó la música de "más que bien", pero descubrió que el personaje de Jesús "estaba tan confundido y sin forma que la película no puede tener éxito de ninguna manera significativa". Siskel también estuvo de acuerdo con las acusaciones de que la película es antisemita.

Charles Champlin de Los Angeles Times escribió: "Las fallas son relativas, los costos de una búsqueda admirable de excelencia y las muchas escenas fuertes, visual y dramáticamente, en 'Superstar' tienen un impacto notable: el caos del templo , los leprosos, las rúbricas de la crucifixión misma "

Gary Arnold de The Washington Post criticó la película como "un trabajo de kitsch" .

Pero volvamos a España. Manifestaciones, rosarios de desagravio ante la puerta, beatas ante los cines anatemizando a quienes osaban entrar a ver la obra y algún que otro exaltado jalonaron las primeras sesiones madrileñas. Más aún cuando se decidió hacer el estreno teatral de la obra con Camilo Sesto y Teddy Bautista en los principales papeles, Jesús y Judas. En el papel femenino de María Magdalena triunfó Ángela Carrasco. 

Lo cierto es que la censura española permitió a pocos meses de su estreno mundial la proyección en España de la película , que durante seis meses pudo ser vista en España, pero necesitó casi casi cuatro años para autorizar la puesta en escena teatral. 

En España, al contrario que en otros países, se buscó a un cantante popular para representar a Jesucristo. Durante mucho tiempo, Artime y Azpilicueta, adaptadores de la obra a nuestro idioma, estuvieron tras Raphael para que la estrenara. El cantante no encontró fechas o no quiso correr el riesgo que podía representar una obra de tal envergadura y con tantos precedentes triunfales. Fue Camilo Sesto. arriesgando su propio dinero (dice que de doce a quince millones de pesetas supuso el montaje, que en Nueva York costó cuarenta), quien se decidió a dar el paso. Era el año 1975. 

Seis millones de pesetas en luces, con un equipo dotado de memoria y 120 canales de control, más de cuarenta personas en escena y una veintena de técnicos, más una serie de cifras mareantes, se ponen en juego sobre el escenario. 

Con todo , y a pesar de los anatemas y de las críticas religiosas que iban en dirección contraria a lo dicho en el Vaticano, la película y el musical en España fueron un éxito y las canciones siguen en la memoria de algunos que ya no peinamos canas pues no damos ni opción a ello. Había que ver la película con sus 29 canciones, y la he visto. 

Revisión de Atómica

Esta entrada es una revisión de la película que pude ver el pasado abril de 2019 , y que se presentó con el titulo de La rubia atómica, un año sin pandemia , pero ya de un aspecto que dije que hablaría la próxima vez que pudiera ver la película. Hablamos de la banda  sonora.

Como ya sabemos la película dirigida por David Leitch cuenta con uno de las bandas sonoras más interesantes dado que contextualizan la película con la banda sonora real que sonaba en aquellos momentos. 

El propio Leitch pensó que había que usar las canciones correctas para el proyecto era crucial. Parte de esto fue intentar responder a la pregunta "¿cómo reinventas esta película de espías cargada de Guerra Fría?" La banda sonora de la misma utiliza una combinación de canciones de los años 1980, así como versiones de algunas de ellas. Estos últimos se utilizaron para añadir "un sentimiento contemporáneo de los años 80".

Los productores de la película se preocuparon inicialmente de que no podrían conseguir los derechos de todas las canciones que Leitch quería utilizar, pero el propio Leitch estimó que alrededor del 75% de sus selecciones llegaron al producto final.

La lista de canciones que suena es la siguiente "Cat People (Putting Out Fire)" de David Bowie , "Major Tom (Völlig Losgelöst)" de Peter Schilling , "Blue Monday" de Heatlh que hace una  versión del original de New Order.

Junto a ella aparece "C*cks*cker" de Tyler Bates; la inmensa "99 Luftballons" de Propaganda aquí aquí presentada en forma de balada por Nena . Igualmente están "Father Figure" de George Michael , "Der Kommissar" de After the Fire , "Cities in Dust" de Siouxsie and the Banshees , la tremenda y discotequera "The Politics of Dancing" de Re-Flex , "Stigmata" de Marilyn Manson y Tyler Bates (versión del original de Ministry) , "Demonstration" de Tyler Bates , "I Ran (So Far Away)" de A Flock of Seagulls , "99 Luftballons" de Kaleida (reversión) , "Voices Carry" de 'Til Tuesday . SE escucha igualmente la "London Calling" de The Clash , "Finding the UHF Device" de Tyler Bates,  "Under Pressure" de Queen y David Bowie y "Behind the Wheel" de Depeche Mode . Ahí queda eso, una banda sonora impresionante. 

Sobre la película Sergio López Aguirre en la mexicana Cine Premiere escribió que "El trabajo de Leitch en las secuencias de acción (...) hace que la cinta fluya (...) Mención aparte para el plano secuencia en el que Theron sube y baja pisos de un edificio mientras se enfrenta a los enemigos. (...) "

Para  Lucero Solórzano del Excélsior  la película se presenta "Con una buena edición, ritmo y mucha acción, Atómica es un entretenimiento garantizado." En este mismo diario  Adrián Ruiz Villanueva escribe que "Lo que arrojaba para convertirse en un estandarte del poder femenino, en el que una antiheroína enamoraba con sus hazañas, termina por convertirse en un producto bastante mediano, se aleja totalmente de ser una bomba atómica de acción y adrenalina." 

Jesús Chavarría de la mexicana La Razón se trata de "Una película un tanto artificiosa y muy efectista. Sin embargo, 'Atómica' no engaña a nadie, su búsqueda no es la del discurso, sino la de ofrecer un estilizado y entretenido ejercicio fílmico, y en ese sentido cumple." Y en este mismo diario Naief Yehya escribe que "'Atómica' es un objeto melancólico, fastuoso y fatuo, (...) así como es un filme lúdico, vertiginoso e irónico también es una obra que muestra esa “nostalgia del lodo” decimonónica, esa fascinación perversa con la vulgaridad de otra época." 

Maximiliano Torres de la edición mexicana de Milenio "La razón de ser de 'Atómica' es Charlize Theron. A falta de una historia mejor expuesta, lo que Leitch pone a disposición de la actriz es una pasarela por la que ella desfila, somete y aniquila a oponentes (...) por lo que el espectador no sentirá un vacío o deuda cuando lleguen los créditos finales." 

José Felipe Coria de El Universal "Leitch hace un filme de ritmo trepidante (...), aprovecha cada elemento formal para magnificar la acción física: el espectacular realismo perdido en estas cintas." 

En Argentina Gaspar Zimerman en Clarín sostiene que "'Atómica' es una de esas películas que se aprecian si no se las toma en serio: (...) Es cuestión de sentarse durante dos horas a disfrutar de las logradas coreografías de combate, de la música de los ’80, de la belleza gélida de Charlize Theron" 

Para Juan Pablo Cinelli de Página 12 "La película logra una precisa reconstrucción visual y sonora de la época, para contar una buena historia de acción y de espías." 

Javier Porta Fouz en La Nación destaca que  "'Atómica' logra ser apenas una película vistosa y seductora de a ratos se debe a que prácticamente carece de méritos narrativos: el relato no fluye, se entrecorta, se hace arenoso." 

Leonardo D’Espósito de la revista Noticias "Theron con su cuerpo y su rostro es un festival, una exhibición virtuosa de cómo una intérprete puede hacer del cine de acción un arte totalmente abstracto y preciso que justifica enfrentarse a la pantalla gigante. " 

Alexis Puig en Infobae se trata de "Un deleite de acción, tiros y explosiones. (...) Sin dudas estamos ante una verdadera "Bomba Atómica fílmica"" 

En Chile Ernesto Garrat en El Mercurio destaca que es "Cliché en estado libre y natural, 'Atómica' es maravillosa, una paliza de exquisito buen gusto. Ojo con el plano secuencia donde Charlize parte traseros en una escalera." 

En  El Espectador  de Colombia Felipe González firma una crónica en la que defiende que "Estamos viendo una misma historia repetida en lo que es básicamente un solo estilo. 'Atómica' no es su mejor versión, en todo caso. Es una versión ocasionalmente divertida y en esencia olvidable de una historia demasiado conocida." 

Samuel Castro en  El Colombiano señala que "Llegará el día en que nos cansaremos de ver a Charlize Theron dando puños y poniéndose furiosa. Por ahora, cuando ese momento todavía parece lejano, sigamos disfrutando de su acto, aunque esta canción no sea más que un sampleo estilizado." 

En mayo de 2018, Theron confirmó que se estaba desarrollando una secuela que podía poner en contacto dos película en forma de crossover entre Atómica y la franquicia de John Wick . Leitch dirigió el primero, luego de co-dirigir previamente a John Wick . El cineasta declaró que todas las personas involucradas han discutido la posibilidad y que lo harían una vez que se hubiera resuelto una historia lo suficientemente buena. En abril de 2020n en plena pandemia se confirmó la posibilidad de vuelta de Atómica era más que posible y que estaba en sus primeras fases de desarrollo en Netflix. Kelly McCormick y Beth Kono repetirán como productoras, así como la compañía Denver and Delilah Productions estarían detrás de una película , pero sólo con ella.

Lo cierto es que Atómica es una película que sorprende y casi deslumbra, pues es efectiva en sus escenas de combate y peleas bien coreografiadas, su estilizada estética y en su tuercas y retuercas tramas de espionaje. Puede ser excesiva, pero cumple con las expectativas. Así es la historia de esta rubia Atómica   llena de espías, con música ochetera con la banda Propaganda entre ellas y sus "99 red ballons" o el Der Kommisar o esa The politicians are dancing  con una impresionante , ágil y lesbiana Theron integrada en el MI6, jornadas previas y presentes con la caída del Muro de Berlín, mientras Percival  declara lo mismo que yo: le fascina esa ciudad que es el resumen del sigo XX, Berlín.