La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.  

Revisión de Pánico en el Transiberiano

Acabo de voler a ver una película que me impactó cuando vi un resumen de la misma, siendo un niño,  sobre lo que era Pánico en Transiberiano, una película que representa uno de los puntos álgidos de la edad de oro del cine de género fantástico producido en España, adelantándose a muchos conceptos modernos de terror psicológico y sci-fi. 

Uno se puede hacer la siguiente pregunta ¿Por qué merece la pena ver Pánico en el Transiberiano? La respuesta está en que esta película que internacionalmente se conoció como Horror Express, 1972 es una joya única del cine fantástico y de terror, hecho por un español, pero que cuenta con un sólido grupo de actores nacionales, como la bellísima Silvia Tortosa, así como británicos de la talla de Peter Cushing y de Christopher Lee, dos de los grandes del cine de terror europeo, vinculados con la Hammer , pero es que además su suma Telly Savallas. A todo esto se une que la película combina con maestría el suspense clásico, la serie B y la ciencia ficción. 

Obviamente tiene un reparto mítico al contar precisamente con dos de las mayores leyendas del cine de terror de todos los tiempos, Christopher Lee y Peter Cushing, cuya química en pantalla es excepcional. Cuenta con una premisa original y absorbente con esa entidad alienígena llegada casi al inicio de la aparición de los seres humanos y que tiene la capacidad para absorber los recuerdos y habilidades de sus víctimas con la mirada; pero es que además, el director Eugenio Martín- fallecido en 2023 y autor entre otras de "El precio de un hombre" (1966), "Una vela para el diablo" (1973) - supo mantener el ritmo y la tensión en suspense de forma constante en un espacio claustrofóbico, evitando que la historia decaiga en ningún momento. 

Además sorprendió a propios y a extraños al tener un sorprendente diseño de producción y eso que contó con un presupuesto muy ajustado para la época, luce una ambientación muy cuidada a principios del siglo XX, con un uso excelente del color, la fotografía y maquetas ingeniosas.

La historia nos cuenta que en 1906, Alexander Saxton (Christopher Lee), antropólogo y geólogo inglés, al frente de una desafortunada expedición de la Sociedad Británica de Geología, encuentra en China un fósil de características muy especiales, un extraño ser humanoide, apresado en un glaciar. Para transportarlo desde Shanghai hasta Moscú, donde espera enlazar a Londres, viaja en el Transiberiano. 

Durante el viaje comienzan a sucederse una serie de muertes extrañas. Un médico, el doctor Wells (Peter Cushing) realiza la autopsia de los cadáveres y descubre que los bancos de memoria de todos los muertos han desaparecido. 

Todas las víctimas son personas que poseen determinados conocimientos científicos. El ser prehistórico, autor de las muertes, carece de personalidad propia. Y es que hace dos millones de años, unos seres de otra galaxia visitaron la Tierra. Su constitución les exigía la estructura biológica de un animal terreno para existir sobre este planeta, y por esto se hicieron con algunos humanoides.

Fausto Fernández nos duce "¡Qué jodidamente buena sigue siendo PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO! ¡Y qué rematadamente bien que funciona su mezcla de relato de aventuras Julio Verne ("Miguel Strogoff"), western de Anthony Mann, un Sherlock Holmes de Terence Fisher, un Hammer RASPUTÍN y EL ENIGMA DE OTRO MUNDO!". Y sentencia con "Una de las obras maestras del terror nacional (más internacional), muy Hammer y muy creativa ella".

Revisión de Río Lobo

Películas magníficas que se olvidan, o al menos, gran patrte del argumento, y eso que en la misma aparece un gigante como John Wayne y está dirigido por otro Howard Hawks. Pero nada. Lo cierto que esa guitarra española y esa composición me permitieron reconocerla, - de hecho ya está aquí comentada-  pero no así el argumento. 

Howard Hawks fue uno de los grandes maestros del western , aportando al género una visión centrada en la profesionalidad,la camaradería y la dignidad humana por encima de los grandes conflictos épicos no exento de un tono de comedia aquí visible en el confortable John Wayne o en el montaraz Jack Elam. Sus historias giran en torno a pequeños grupos de personas leales que defienden un valor o una causa (como un sheriff, un borracho y un cojo resistiendo en una cárcel en Río Bravo ). 

Sus protagonistas son muy humanos y no son superhéroes invencibles, sino profesionales que dudan, envejecen o están cansados, pero que cumplen con su deber con elegancia y estoicismo. 

El director prefiere la tensión psicológica y dramática de un espacio reducido (un pueblo, una oficina del sheriff) donde se va a producir un asedio como ese pequeño taberna de Río Lobo del enfrentamenito final frente a la inmensidad abierta típica de otros directores como John Ford. Al igual que el director de Maine, aunque irlandés de corazón, va a introducir momentos de comedia ligera e ironía entre los personajes, con diálogos magníficos, rompiendo la solemnidad sin perder la tensión dramática donde el hunor y la violencia están absolutamente equilibrados. 

La puesta en escena es transparente con un estilo de dirección directo, sin artificios ni flashbacks innecesarios; prioriza que la historia fluya de manera natural a través de las acciones y miradas de los actores. Y casi todo está presente en sus ríos, todas ellas, obras esenciales del género desde la magnífica Río Rojo (1948), ese drama sobre la obsesión, el liderazgo y el conflicto generacional en una gran ruta de ganado con John Wayne y Montgomery Clift, pasando por la imprescindible Río Bravo (1959), su obra maestra absoluta, donde un grupo variopinto defiende una comisaría frente a una banda de forajidos pasando por su continuación no reconocida como El Dorado (1966), una maravillosa revisión de los temas de Río Bravo , centrada en la amistad madura y la lealtad y que termina con la película que he visto Río Lobo (1970), su última película y el cierre de su mítica colaboración con John Wayne. 

A destacar el papel de los personajes femeninos en los westerns de Howard Hawks que rompen por completo con el estereotipo tradicional del género y que está muy presente en Río Lobo. La protagonistas, Jennifer O'Neill, pero también las otras dos chicas de este filme, entre ellas Susana Dosamante y la chica que llegará a presidir la Paramount, Sherry Lansing, son independientes y toienen una gran fortaleza mental, responde inteligentemente y participan del ingenio a través del diálogos ágiles. Además se integran rápidamente en el "grupo profesional".

En definitiva, una película muy de Hawks, con su tipología femenina, con un inicio enérgico y espectacular y con la camaradería como elemento central . Un western memorable con un John Wayne, por supuesto, confortable. 

Aquel verano en París

Modesta película francesa  esta comedia dramática del año 2025 que transcurre en unos días durante los Juegos Olímpicos de París de 2025. Con un personaje protagonista encantador y que durante todo el recorrido de la película es la protagonista absoluta.

Una cinta muy nuevaolera y rohmeriana de una actriz francesa, Valentine Cadic, que debuta como directora a los 30 años, y que ha hecho una peli estupenda, muy veraniega y sobre todo concisa; sabe perfectamente lo que tiene que filmar y decir y, cuando termina de filmarlo y decirlo, se calla y se va; virtud que deberían aprender muchos, de ahí que su peli dure solo 77 magníficos minutos. 

Aquel verano en París (Les rendez-vous de l'été, 2025) es una producción de Arnaud Bruttin , Masa Sawada y Antoine Jouve para las productoras Cinq de Trèfle y Comme des Cinémas. La película parte de un guion escrito por Valentine Cadic y Mariette Désert y cuenta con la música de Arthur Bellot y con un diseño de escenografía planteado por Sarah Jane Morelli. La película cuenta con el vestuario de Lucille Betrancourt y con fotografía de Naomi Amarger. Los encargados de sonido fueron Olivier Goinard y Dimitri Kharitonnoff y el monatje de Lisa Raymond. 

La película fue distribuida por New Story. Francia, agosto de 2024.

Los Juegos Olímpicos están en pleno apogeo. Blandine, de treinta años, llega a París para asistir a las competiciones de natación, reencontrarse con una hermanastra, Julie (India Hair  )  a la que no ve desde hace diez años y conocer por primera vez a su joven sobrina, Alma (Lou Deleuze) . También va a conocer a Paul (Matthias Jacquin) , el exmarido de Julie, un hombre con convicciones sociales, contrario al gasto que supone para la ciudad la organización del evento Olímpíco. 

Blandine (Blandine Madec ) viene de Normandía, donde ejerce de profesora de pieno  y se ha acostumbrado a la paz y la soledad. Acostumbrada a la tranquilidad y la soledad, Blandine se encuentra en una ciudad vibrante y bulliciosa con costumbres desconocidas. Esta chica viaja a los Juegos Olímpicos de Verano de 2024 con el objetivo de ver una competición de natación con Beryl Gastaldello.

En París, se encuentra inmersa en el ajetreo de una ciudad en la que parecen regir otras reglas. A medida que pasan los días, ve por un lado la dificultad de conocer a su heroína deportiva y humana la nadadora Béryl Gastaldello, (interpretada por ella misma  ) pero al acercarse para ver las instalaciones conoce una noche a gente nueva como a Benjamin,  (Arcadi Radeff ) , el trabajador de una subcontrata de trabaja como guardia de seguridad en horario nocturno en las piscinas Olímpicas. Además será entrevistada por un periodista de Radio Campus , Ahmed Fattat, que le pregunta por las Olimpiadas, pero tambien se pierde, duda, es detenida, retoma viejos hilos familaires muy complejos, establece otros nuevos incluso con gente que tuvo que conocer como Paul o su sobrina y, finalmente, encuentra el camino de vuelta a sí misma, ante el marm, la mar, solo la mar. 

Blandine traza un nuevo mapa para su espíritu y su alma mientras navega por el corazón de una ciudad completamente dominada por este acontecimiento extraordinario. 

Película sutil que tiene también a París como protagonista, mostrando otro París, el que no sé visita, pero en el que vive. Igualmente el tema social y político está presente, no siendo el tema principal de la pelicula.

La película se rodó parcialmente durante los Juegos Olímpicos de París, aprovechando el escenario de este evento deportivo y sus anexos, como el Club France en La Villette , entre el 29 de julio de 2024 y concluyó el 30 de agosto de 2024, coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Verano de 2024. . Por lo tanto, el guion tuvo que reescribirse en el momento para tener en cuenta la cancelación de una de las competiciones.

Ese verano en París tuvo su estreno mundial el 15 de febrero de 2025, como parte del 75.º Festival Internacional de Cine de Berlín, en Perspectivas. Fue presentada en la 26 edición de los BAFICI - los Premios del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, dionde fue nominada al Gran Premio - a la Mejor película, pero ganó el de Mejor largometraje. 

En enero de 2026, la película también fue nominada en la categoría de Mejor Ópera Prima en la ceremonia de los Premios Lumières de la prensa internacional , que premia las películas francesas estrenadas en 2025. Finalmente, fue Nino , de Pauline Loquès , la que ganó el premio. También se presentó en la sección de Cine Mundial del 30º Festival Internacional de Cine de Busan el 18 de septiembre de 2025. Igualmente compitió en la Competencia de Nuevos Directores del Festival Internacional de Cine de São Paulo y se proyectó el 19 de octubre de 2025.  

En cuanto la crítica ha sido unánimememte positiva. Desde Francia Telerama Jérémie Couston nos cuenta que se trata de una "agridulce crónica de una mujer provinciana en la capital explora temas como la soledad voluntaria, los romances de verano y la sororidad. India Hair y Blandine Madec están magníficas". En Cineuropa, Fabien Lemercier escribió que era "Una ópera prima angelical, llena de encanto delicado y original".

Para Allan Hunter de Screendaily la película de "Cadic dota a su relato de una rica emoción y un humor seco y pícaro" 

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo comenta que es un "Ejemplo de cine hondo, meticuloso y celebratorio sobre la aventura de estar sola y rodeada de gente (...) un ofrecimiento para mirar en soledad la soledad compartida (...) Brillante. Enorme. (...)" 

Para Sergi Sánchez de La Razón "Hay mucho de aquella obra maestra ['El rayo verde'] (...) ambas películas parecen (...) inspiradas por el aura de su actriz principal, y ambas se aprovechan de un cierto margen de improvisación y un rodaje ligero (...)"  

Desde Barcelona, Quim Casas en las páginas de El Periódico comenta que "Cadic construye un peculiar relato de aprendizaje, tierno y desconcertante, con el trasfondo de los Juegos de 2024 (...)" 

Y también desde la Ciudad Condal Philipp Engel , ahora desde La Vanguardia nos dice que "El humor tenue, sutil e impregnado de humanismo y de amor por la singularidad tiene mucho de Guillaume Brac (...) la película le debe muchísimo a la entrañable antiheroina que encarna Madec (...)" 

Por último, Rubén Romero en Cinemanía comenta que es "Un paseo emocional (...) Con una mirada modernísima, en la que funde el documental y la ficción (...) Cadic consigue trazar un mapa no ya de París, sino de la soledad apabullante de la gran ciudad (...)"  

"Ese o Aquel verano en París" es un delicioso drama que huye del romanticismo pero que logra cautivar al espectador gracias a la frescura de su historia y, por encima de todo, a la construcción de una protagonista absolutamente encantadora . La película utilizando la trastienda de la Ciudad de la Luz como un catalizador de transformación personal.

El viaje emocional de Blandine está lleno de momentos complejos, casi nunca tiernos salvo esa noche bajo la estrellas junto a Benjamín, de malentendidos familiares y equivocos policiales o divertidos como la entrevista sobre las Olimpiadas. Nada en ella invita a soñar. 

La actriz principal dota al personaje de una autenticidad con la que es imposible no empatizar. Su perfil timido la mantiene en lo natural y sumamente inspiradora. Su expresividad, sus gestos torpes pero adorables y su química o su falta de química con la hermana convierten cada una de sus escenas en un absoluto deleite, consolidándola como el motor indiscutible de esta entrañable aventura parisina con final ante el mar.

He Man y los Masters del Universo

Aunque en la película Masters of the Universe (2026), suena una canción de Queen, con un sonido algo duro, cercano al hard rock y al heavy metal,  no deja de ser un piñazo. POero eso sí, me ha llamado la atención escuchar una canción que no es otra que "Príncipes del Universo", una canción escrita por Freddie Mercury e incluido originalmente en el álbum A Kind of Magic (1986) y que , realmente, fue compuesta para otra película, The Highlanders (1986).

Su inclusión en el universo de He-Man cobra aún más sentido gracias a la participación directa del guitarrista de la banda, Brian May, quien colaboró en la banda sonora de la película y en la composición de la nueva entrega cinematográfica. Y aunque la música original fue compuesta por Daniel Pemberton , pero el  guitarrista de Queen Brian May se unió al proyecto para aportar su inconfundible estilo rockero .

Brian May colaboró ​​directamente en una potente pieza instrumental titulada "Eternia" , la cual funciona como uno de los temas centrales de la película. Para May , este proyecto supuso un emocionante regreso al cine de fantasía y ciencia ficción, pues como recordaréis todo comenzó grabando su célebre trabajo completo en la banda sonora de Flash Gordon en 1980. 46 años no es nada.

Decía Fausto Fernández en agosto de 2015 que que urgía " una puesta a punto en GreySkull y el desempolvar a He-Man en pro de disfrutar como se merece Masters del Universo, que contaba con un Dolph Lundgren nacido para ser He-Man, y Frank Langella para soltarse la melena como Skeletor...el bombazo de la Cannon. Mítica ¡Por la gloria de Greyskull!". Este mismo verano se fue su guionista David Odell que también lo fue de Supergirl, Cristal oscuro, Los piratas de las islas salvajes, Cry Uncle o autor de algún que episodio de El Show de los Teleñecos. Si sé lo que piensa el "friki, coleccionista, lector, ser humano" - así se define- autor de obras como Masters del universo: El poder de los 80, Movies de los 80, Movies en 8_BIT o Proyecto: retorno 80, y que responde al nombre de Kromic Bruck de la película y es que se siente orgulloso. En agosto de este año publicaba que "Masters of the Universe lleva más de tres semanas siendo la película más vista de Prime Video a nivel global. Es la mas vista en agosto y fue la segunda más vista en julio pese a estrenarse a finales de mes".

La maldición de la bestia

Desde hace algo más de un un año Movistar + optó por poner un par de canales de FlixOlé, la que se presenta como la mayor plataforma del cine español online y poseedora del mayor catálogo de cine español de todos los tiempos. Posiblemente sea cierto, pues yo no lo dudo pero lo que sí le reconozco es que ha tenido a bien remasterizar películas que son un clásico de nuestro cine, así como plantear obras maestras recientes y películas premiadas en festivales, o incluso películas de autoría extranjera en la que intervienen algunos productores españoles. Su catálogo con respecto al cine de los años cuarenta y cincienta es amplia y entre ellos han emitido películas de cine histórico como ya hemos comnentado en algún caso, pero últimamente voy descubriendo clásicos de cine de terror en los que España fue entre los años 60 y 70 una de las países en los que este género fluyó más como lo demuestra nuestro increíble Jacinto Molina, más conocido internacionalmente como Paul Naschy. Una de estas películas fue La Maldición de la bestia.

The Curse of the Beast fue una película que se desarrolla en Nepal , pero que, en realidad, fue rodada en un sistema de color propio, yo nunca lo había escuchado, el Gevacolor-689,  y , en concreto,  en los espacios de Montseny, y localidades catalanas de Papiol, Bañolas, Barcelona, San Quintín de Mediona y en el valle de Arán allá por el año 1975 y que cuenta con Paul Nascy en la dirección producción y en el guión aunque aquí firma con su auténtico nombre Jacinto Molina.

La maldición de la bestia es una película española de terror estrenada en 1975, dirigida por Miquel Iglesias Bonns y protagonizada en el papel principal por Paul Naschy. Por su papel en la película, Paul Naschy fue premiado como mejor actor en la edición del año 1975 del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Fue la octava entrega de una larga serie sobre el hombre lobo que asume el Conde Waldemar Daninsky, interpretado por Paul Naschy . 

La película también ha sido conocida como El hombre lobo y el yeti , La noche de la bestia aullante y El salón del rey de la montaña .  

Lo curioso es que esta película ignora los eventos de las películas anteriores de Hombre Lobo y proporcionó un origen completamente nuevo para la licantropía de Waldemar, donde la maldición se transmite a Waldemar por las mordeduras de dos mujeres lobo. Pero lo curioso es que todo parte por la búsqueda del yeti por una expedición como ya ocurriese en la película La furia del hombre lobo, pero en esta película el yeti no es la causa directa de la licantropía de Waldemar. 

Naschy continuó con esta película en 1980 con una secuela llamada El Retorno del Hombre Lobo/Return of the Wolf Man . La película como ya he señalado fue dirigida por Naschy , pero tendrá como ayudante de dirección a Francisco G. Siurana. se trata de una Producción J.A. Pérez Giner y Modesto Pérez Redondo para Profilmes , la que vino a ser la Hammer española, que nos anunia que este actor trabaja en exclusiva con esta productora . El filme recaudço unos 103.597,64 € al cambio actual. 

El guion fue de Paul Naschy y tendrá la fotografía de Tomás Pladevall y el montaje de Carmen Fábregas y con un papel técnico estelar en la que Fernando Florido y Adolfo Ponte se encargaron de los efectos especiales a lo largo de la película y con uno de los mejores maquillajes de hombre lobo clásicos que se pueden encontrar. 

En la misma participan Paul Naschy como Waldemar Daninsky, Mercedes Molina como Sylvia Lacombe , Silvia Solar como Wandesa,  Gil Vidal como Larry Talbot , Luis Induni como Sekkar Khan , Josep Castillo Escalona como Profesor Lacombe, Ventura Oller como Ralph , Verónica Miriel como Melody, Juan Velilla como Norman , Ana María Mauri como Princesa Ulka , Gaspar 'Indio' González como Tigre , José Luis Chinchilla como Temugin,  Fernando Ulloa como Lama , Víctor Israel como Joel (Guía) y señalan como integrante del elenco Carmen Cervera.  

La historia nos lleva al Himalaya cuando una expedición integrada por algunos cientíticos que busca al Yeti se ve atacada por el abominable hombre de las nieves.

Ya en Occidente vemos que un  profesor investigador como el el Doctor Lacombe (Josep Castillo Escalona )  invita al antropólogo Waldemar Daninsky (Waldemar Daninsky ) a participar en una expedición científica al Himalaya con el fin de descubrir que ha pasado con aquellos que buscaban al Yeti. 

Los problemas comienzan cuando Waldemar y su guía Joel (Victor Israel) por el mal tiempo que se adelanta y por confiar en este guía experto pero alcohólico provoque que el protagonista se pierda y acabe refugiado no se sabe muy bien, posiblemente al intentar localizar un paso en la montaña, Waldemar accede a un templo subterráneo donde habitan dos bellas hermanas antropófagas, adoradoras del dios Moloch y ansiosas de saciar otros apetitos con un macho como él. 

Antes de que pueda acabar con ellas, una le muerde y lo convierte en licántropo, un hombre lobo Waldemar durante la luna llena dando inicio a toda una serie de aventuras propias de un novela "pulp" en las que aparecen chicas guapas con túnica y sin ropa interior, torturas, mazmorras, un jefe mongol (Luis Induni), junto con algunos de sus guerreros que portan cimitarras, una sádica bruja (Silvia Solar), una chica ingenua , la hija del Profesor Lacombe (Grace Mills), un guía borracho (Víctor Israel) y  un sabio (Gil Vidal), entre cámaras de torturas, trampas ocultas, castillos orientales, flores sanadoras, y Yeti que, finalmente, aparece. 

En busca de Waldemar va una expedición liderada por Lacombe (Gil Vidal), acompañada por su hija Sylvia (Grace Mills) al Himalaya. Llegan a Katmandú y, posteriormente, el grupo se dirige al Karakórum. 

Una vez transformado en hombre lobo queda vagando por la montaña, donde Waldemar desata una ola de asesinatos cada vez que hay luna llena. Más tarde, Waldemar conoce a un monje budista que vive en un monasterio y que le ayuda a combatir su maldición. 

Entretanto, la expedición es capturada por un bandido sádico llamado Temuljin. Los prisioneros son entregados a un jefe mongol llamado Sherkan-Kan (Luis Induni), en cuyo palacio vive la perversa nigromante Wandesa (Silvia Solar). Antes de acabar con ella ha de luchar contra los bandidos y la nigromante.

Como ser licantrópico da saltos prodigiosos en sus ataques, que en el clímax de la película, Waldemar (en su forma de hombre lobo) se enfrenta no solo a Sekkar Khan, el líder de los bandidos, sino también a un auténtico yeti en un sangriento combate cuerpo a cuerpo. 

Waldemar mata al yeti arrancándole la garganta de un mordisco, pero resulta gravemente herido. La hija del profesor, Sylvia, enamorada de Waldemar, logra curarlo de su licantropía frotándole una pequeña flor tibetana, la flor del acónito, mezclada con su sangre. Al final, Waldemar se convierte en un hombre y se marcha hacia el atardecer con Sylvia, lo que convierte a esta en la única película de Waldemar Daninsky que tiene un final feliz. 

La habitual mezcla de mitos de las películas fantaterroríficas españolas de los 70 lleva, en este caso, a un enfrentamiento entre un yeti y un hombre-lobo, casi nada. El final es un final  felizal curar a Waldemar Daninsky gracias a una flor que crece en el Tibet. 

Se trata de un atípico Daninsky, en la que retoma el papel de El Hombre Lobo por enésima vez para luchar contra nuevos enemigos. Para escribir el guión, el gran Jacinto Molina se inspiró en las películas de Fu-Manchú, dando ese giro de mezclar yetis y hombres-lobo, al estilo del filme de la Hammer del año anterior " Kung Fu contra los 7 vampiros de oro".  Pero, posiblemente, Jacinto Molina también toma las ideas del clásico "El lobo humano"(1935) en la que un naturalista es mordido en el Tíbet por un hombre-lobo y que una flor tibetana es la única cura.

La fotografía de Pladevall es potente y llamativa, con colores amarillos chillones al estilo del cine  setentero, repleta de acercamientos forzados, zooms, pero llena de brujería, decapitaciones, empalamientos.

Se trató de la séptima de Paul Naschy , en su día fue campeón de halterofilia, en el papel del Hombre Lobo  Lo cierto es que Jacinto Molina, fue actor, guionista y director de varias películas centradas en este personaje ficticio: el conde polaco Waldemar Daninsky. La primera sobre Waldemar fue " La marca del Hombre Lobo" (1967), de Enrique Eguiluz; a esta le siguieron la exitosa " La noche de Walpurgis" , de León Klimovsky, "La furia del Hombre Lobo", "Doctor Jekyll y el Hombre Lobo", "El retorno de Walpurgis", " El aullido del diablo", "La bestia y la espada mágica" (1982) —rodada en Japón— y, finalmente, "Licántropo" (1998). 

Tras el fracaso en taquilla de "The Craving", Jacinto quedó en bancarrota. Se vio obligado a recurrir a Japón para realizar documentales artísticos, como "Palacio Real de Madrid y Museo del Prado", y logró financiación de productores japoneses para "Las bestias del terror" (The Human Beasts), la primera coproducción hispano-japonesa, a la que siguió "La bestia y la espada mágica", una cinta con una producción fastuosa para los estándares habituales de Paul Naschy. 

La última fue la pésima "Tomb of the Werewolf" (2004), al haber sido escrita y dirigida por el productor estadounidense de cine de bajo presupuesto Fred Olen Ray. 

La maldición de la bestia se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Sitges en España en octubre de 1975, donde Naschy fue galardonado como Mejor Actor por su papel en la película. La película se estrenó en cines en España en diciembre de 1975 con el título La maldición de la bestia . Se proyectó en Francia como Dans Les Griffes du Loup Garou / In the Claws of the Loup Garou y en Bélgica como Loup Garou: The Werewolf . Se creó una versión internacional doblada al inglés titulada El hombre lobo y el yeti . 

Pero cuando la película finalmente se estrenó en cines en Estados Unidos en 1977 de la mano de Independent-International Pictures, se proyectó como La noche de la bestia aullante . 

Años después se lanzó en DVD como El hombre lobo y el yeti. Esta película contenía más desnudos y escenas sangrientas explícitas que la mayoría de las demás películas de Naschy sobre el Hombre Lobo y, como resultado, nunca se estrenó en cines en el Reino Unido. La BBFC la prohibió en virtud de la Ley de Grabaciones de Vídeo de 1984 y figuró en la lista de " películas prohibidas ". Se lanzó en el Reino Unido como cinta de vídeo "pre-certificada". 

La película se estrenó en VHS Home Video en la década de 1980 con tres títulos diferentes: Hall of the Mountain King (severamente editada), Night of the Howling Beast y The Werewolf and the Yeti . La película fue lanzada en DVD en su España natal por Tripictures y , si te da tiempo, la puedes descubrir en Flix Olé. 

Para reivindicar la película pero sobre todo de Jacinto Molina / Paul Naschy, fue el indiscutible rey y padre fundador del cine de terror fantástico en España, conocido como el fantaterror. Creó e interpretó al conde Waldemar Daninsky en unas 14 películas. Es un récord mundial para un mismo actor en este papel y un renovador de los monstruos clásicos, transformando el cine de género en España durante los años 60 y 70. Interpretó a momias, vampiros, brujos y asesinos históricos con un estilo muy personal.Prolífico actor participó en más de 100 películas y series. Escribió cerca de 40 guiones para dar vida a historias de terror gótico y fantástico y dirigió 16 largometrajes donde volcó su gran pasión por el cine clásico. Su obra fue muy admirada por directores famosos de Hollywood como Joe Dante, John Landis y Quentin Tarantino y tuvo un reconocimiento tardío recibiendo la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes antes de fallecer en el año 2009.

Valor de Ley revisada

El clásico de Henry Hathaway del año 1969que supuso el reconocimiento a su trayectoria y por su buen trabajo al mítico John Wayne. Hace años, en concreto, en febrero de 2013 escribí una entrada con el nombre de True Grit: Original y Copia y en ella decía lo siguiente:

Hace un par de años pude ver una película de los hermanos Coen de título Valor de Ley. Le película era un western socarrón, entretenido, con personajes magníficamente definidos. En ese momento se enteré que estaba basado en una película anterior y que tenía a John Wayne como protagonista. El tiempo pasó y un día vi parte de ella en Paramount Channel. Era cuestión de tiempo que la viese. Y ayer llegó el momento. 

Y es que True Grit (Valor de ley en España) es un western del año 1969, dirigida por un clásico Henry Hathaway (1898-1985) y que está basada adaptación de la novela escrita por Charles Portis, aunque el guión fue obra de Marguerite Roberts. Como dije anteriormente fue llevada al cine por los hermanos Coen por segunda vez en 2010. La producción de Hal B. Wallis y la distribución estuvo en manos de la Paramount Pictures.

Dos grandes participan en la música Elmer Bernstein y en la fotografía Lucien Ballard. El montaje fue labor de Warren Low. El elenco está protagonizada por John Wayne (Rooster Cogburn), Glen Campbell (La Boeuf), Kim Darby (Mattie Ross), Jeremy Slate (Emmett Quincy), Robert Duvall (Ned Pepper), Dennis Hopper (Moon) , Strother Martin (Col. G. Stonehill) y Jeff Corey (Tom Chaney) en los papeles principales.

Al comienzo de la película escuchamos una canción de Elmer Berstein que nos encamina a una granja en la que su dueño se está despidiendo de su hija, Mattie Ross, (Kim Darby) , de 16 años, que es la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. ‘Paga lo menos que puedas’, le recuerda la protagonista a su padre. Éste sale para una ciudad, Ford Smith, con el fin de comprar ganado, unos caballos mustang. Va acompañado de un colaborador en el rancho, Tom Chaney (Jeff Corey). Éste, prácticamente un desconocido que fue recogido por el señor Ross hace unos meses, en la ciudad se entrega al juego y a la bebida. Una cosa y la otra le llevan al asesinato de su jefe. 

Días más tarde, al ir a recoger el cuerpo de su padre, Mattie consulta al sheriff local sobre si puede detener a Chaney. Unos minutos antes hemos visto - además del asesinato a sangre fría de Ross-, tres ejecuciones (con venta de cacahuetes inclusive) y , poco tiempo después, un juicio con declaración sobre un ajustamiento y torturas… Ante la pasividad de las autoridades para detener a Chaney, decide organizar la captura del asesino. Se nos presenta Mattie como una chica decidida, inteligente, luchadora, desenvuelta, frágil y, a veces, ingenua. 

Al saber que Chaney ha huido al territorio indio donde el sheriff no tiene autoridad y que se ha unido a la banda de Ned Pepper, indaga sobre la contratación de un alguacil que sea valiente. 

El sheriff le recomienda tres, y Mattie piensa en contratar a Reuben J. Rooster Cogburn (John Wayne) de quien el sheriff había dicho que era el "más malo" , pero eficaz en su trabajo, y que lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura. y que se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Tras observar en un juicio presidido por el juez Parker se decide sin duda por el taciturno, bebedor y tuerto Cogburn inicialmente rechaza la oferta, al no creer que ella tenga dinero para contratarlo. Sin embargo, ella consigue el dinero regateando con un tratante de caballos quien hizo negocios con su padre. 

Mientras, en la pensión en la que ella se aloja, se integra un Ranger de Texas de apellido Tom LaBoeuf (Glen Campbell) , que también busca al fugitivo Chaney y llega tras la pista de Chaney tras el asesinato de un senador estatal Bibbs de Texas y su perro…. 

LaBoeuf , un hombre honesto, rígido, con espuelas, servidor del deber, testarudo y codicioso propone hacer un equipo con Cogburn, quien conoce el terreno Choctaw donde la banda de Pepper y de Chaney se esconde y se integrado en una banda dirigido por un forajido de nombre Pepper, pero Mattie rechaza su oferta, porque ella desea a Chaney ahorcado en Arkansas por el asesinato de su padre, no en Texas por matar a un senador. 

Mattie también insiste en viajar con Cogburn para buscar a Chaney. Pero Cogburn más tarde se va sin ella, después de haber ido con LaBoeuf para aprehender a Chaney. Después de ser rechazado en su pasaje en el ferry que transporta a Cogburn y LaBoeuf, Mattie cruza el río a caballo. 

Se inicia así la aventura para encontrar a Chaney. En su búsqueda llegan a un refugio. Allí encuentran a dos forajidos, Quincey y Moon. Cogburn hiere a Moon, quien le pide ayuda a Cogburn. Éste empieza a interrogarlo. Moon será fatalmente apuñalado por Quincey, a quien Cogburn le dispara y le provoca la muerte. Antes de morir, Moon le dice que Pepper y sus secuaces regresarán más tarde esta noche.

Justo después de que la cuadrilla Pepper llegara, y mientras preparan una emboscada, la chica mientras obtiene agua de un arroyo cercano es descubierta por Mattie, quien intenta tomarla como rehén, sin embargo, hiere a Mattie. Cogburn, oculto en la colina con Mattie intenta liberarla. Ella le dispara, pero él sobrevive. 

Una vez solo, Chaney intenta matar a Mattie. LaBoeuf aparece y golpea a Chaney. Entrre el texano y Cogburn idean un plan. La chica y el ranger observan desde un acantilado como Cogburn se enfrenta con los restantes miembros de la cuadrilla de Ned. En el duelo a muerte , mata a tres de sus secuaces e hiriendo a Ned, antes de que su caballo se golpee y cae, atrapando la pierna de Cogburn. Antes de que Pepper pueda matar a Cogburn, LaBoeuf dispara desde su acantilado y mata a Pepper a unos 400 metros de distancia. 

Por su parte, Chaney ataca traicioneramente a LaBoeuf, dejandoló inconsciente. Mattie se apodera del rifle de LaBoeuf y le dispara a Chaney quien muere tras darle un tiro en el pecho. En el retroceso, sin embargo, se cae al fondo de un pozo que contiene serpientes de cascabel. Mattie es mordida antes de que alguien le auxilie en un momento LaBoeuf le ayuda con sus últimas fuerzas. Tras esto LaBoeuf muere. Tras esto llega Cogburn quien practica los primeros auxilios. Este toma el mustang de la chica e intenta llegar a una ciudad para salvarla. Mattie llega finalmente al doctor, después de que su caballo se derrumbara por agotamiento, por último hace su camino a un puesto comercial. 

Tras salvarla Cogburn se despide de ella quien vuelve a su rancho. Allí, tiempo más tarde, recibe a Cogburn. Le enseña el cementerio familiar donde está enterrado su padre. Le comenta su proyecto, al lado de su padre, su madre. Ella a un lado, pero le dice a Cogburn que quiere que él, al morir, sea enterrado junto a ella. Cogburn recibe la noticia con alegría y se marcha a toda prisa con su caballo. 

"Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante". Esta fueran las declaraciones escritas de Fernando Morales en el Diario El País. 

A John Wayne le valió el oscar en 1969 a mejor actor principal, y en la ceremonia soltó una frase para la historia del cine "Si lo hubiese sabido me habría puesto el parche 35 años antes". Fue ganadora igualmente de un Globo de Oro en 1979, al mejor actor (John Wayne) y ganadora del premio Golden Laurel de 1970 al mejor actor (John Wayne). 

Los secundarios son bastante conocidos, sobretodo aquellos dos que por entonces no eran muy populares, Robert Duvall y Dennis Hopper, también Glen Campbell un cantante de country bastante reconocido, luego están los siempre presentes en el género como es el caso de Jeff Corey, Strother Martin y la breve aparición del omnipresente Hank Worden. 

La acción dramática se inicia en la ciudad de Fort Smith (Arkansas) y se desarrolla durante el invierno de 1880 en los territorios indios hoy integrados en el estado de Oklahoma. El relato da comienzo tras la puesta de sol del 5-X-1880. Se rodó en escenarios naturales de Colorado, California y en Durango (Méjico), entre septiembre y diciembre de 1968. Producido por Hal B. Wallis para Paramount, se estrenó el 11-VI-1969 (EEUU). 

El título de la obra responde al hecho que Mattie busca para la captura del asesino a un hombre de valor. Las diferencias de edad de los viajeros, la disparidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado permanente de desencuentros, fricciones y discusiones, que mantienen vivo el clima de la expedición. Los diálogos, tomados en gran parte de la novela, son precisos, concisos, contundentes y brillantes. Conviene hacer constar que Charles Portis escribió la novela pensando en su adaptación al cine y en la identificiación de “Rooster” con John Wayne. 

La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del público. Como es habitual en él, integra en el drama el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución. Es un western entretenido y grato, con elementos valiosos de intriga, tensión y drama. 

La banda sonora, de Elmer Bernstein ("La gran evasion", Sturges, 1963), ejecuta una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en instrumentos de viento, que dejan la melodía a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación en la acción y de recursos épicos o líricos (solo de flauta en la intimidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los créditos de entrada la canción original de Bernstein “True Grit”, que canta Glen Campbell. 

La fotografía, de Lucien Ballard ("Grupo salvaje", de Sam Peckinpah, 1969), crea composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico del film. Por si fuera poco, y digno de su director, el film está nutrido de una fotografía extraordinaria, de pura y enorme belleza, con una colorimetría abismal y de lo más variable, haciendo que su atractivo gane enteros. 

Destaca destalles de interés como la luz de carburo, el colt Dragón, el vendedor de cacahuetes, etc. Su cartel lo deja claro y reza: ‘El más extraño trio para coger a un asesino: Un valiente, tuerto U.S. marshall que nunca ha conocido un día sobrio, un ranger de Texas sediento de generoso dinero y una chica todavía en pañales a la que no le importaba lo que hubieran hecho o quiénes eran, siempre y cuando tuvieran Valor de Ley.’ 

Aparece otro punto de vista sobre el ‘ajuste de cuentas’; la protagonista, recordemos, que quiere a Tom Chaney para que sea ejecutado con todas las de la ‘ley’, pero no quiere que lo sea en otro estado por otro de los crímenes que ha cometido, como el asesinato de un Senador, sino que quiere reivindicar a su padre como víctima principal. 

John Wayne arrebató el Oscar a Dustin Hoffman por 'Cowboy de medianoche'. El entonces ya veterano actor, con parche en el ojo, se inventa un personaje memorable. Hathaway también se vale de unos grandes secundarios, con unos principiantes Robert Duvall y Dennis Hopper, lo cual aumenta aún más el aliciente por “Valor de Ley”. 

La historia es sencilla, relativamente previsible y cautivadora. No es habitual la presencia determinante en el grupo protagonista de una jovencita de espíritu independiente, gran imaginación, descarada y de rigurosas convicciones presbiterianas. Choca con las laxas concepciones morales de “Rooster” (el gallo) y las estrictas creencias episcopalianas de Le Boeuf.

Esta joya de la Paramount Pictures como ya dijimos fue premiada en la 42 Edición de los Oscar (1970) con el premio al Mejor actor principal (John Wayne), quien al subir al escenario, emocionado y con lágrimas en los ojos, pronunció un discurso breve y humilde que muchos consideraron el galardón un homenaje a sus más de 40 años en la industria. También fue nominada a la Mejor canción compuesta por Elmer Bernstein, Don Black (True Grit) 

Igualmente en la 27ª edición de los Globos de Oro (1970) fue ganadora al Mejor actor principal (John Wayne) siendo nominada a la Nueva promesa masculina (Glen Campbell) y a la Mejor canción original ("True Grit" (Elmer Bernstein, Don Black). Y en los británicos BAFTA, o sea, los Premios de la academia de cine británica como en los Globos de Oro la atención recayó no en Glen Campbell sono en Kim Darby que fue nomianada al Premio Rising Star (Estrella emergente). 

Por su parte, el Sindicato de Guionistas (WGA) nominó al Mejor guion adaptado drama a Marguerite Roberts ; mientras que la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) incluyó a True Grit entre las diez mejores películas de 1969. 

A lo ya dicho añado yo lo que pensaron los críticos de la época y actuales. El conocido crítico que publiaca en la prensa de Illinois, Roger Ebert, que escribía en las páginas del Chicago Sun-Times se trata de "Una de sus glorias es que reconoce la presencia especial de Wayne (...) Este es la clase de filme que llamas 'película,' en lugar de la clase de película que llamas 'filme'".

Tom Milne de Time Out comenzó que parecía "Perezosamente dirigida por Hathaway, es bastante agradable, aunque demasiado autoconsciente y pacata" 

Por su parte, el mítico Vincent Canby, habitual de las páginas del The New York Times afirmaba que era "Una fábula fronteriza maravillosamente incoherente y repleta de incidentes extraordinarios, encuentros asombrosos, personajes nobles y recompensas virtuosas." 

En Variety es presentada como "Casi todo el rato es Wayne. Él lo sobrepasa a todo: a los actores, al guion, incluso a las magníficas montañas de Colorado" 

Para Kevin Thomas de Los Angeles Times la película es "Irresistible western del 69 que le dio a John Wayne un Oscar largamente merecido" 

Para la prensa británica la película es "Una encantadora mezcla de comedia, acción y sentimiento"como señala Paul Howlett en The Guardian ; o como dice William Thomas en Empire "Aunque hace más comedia que una verdadera interpretación, Wayne es una delicia, especialmente cuando hace de John Wayne" 

Ya en España Fernando Morales en El País dejó por escrito que "Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante".

Y el magnífico Fausto Fernández en X- antes Twitter- publica que "Olé por la versión de los Coen con Jeff Bridges, que es más fiel a la novela original, pero no puedo evitar querer un poco más a la de Henry Hathaway con un oscarizado John Wayne " Y añade reincidiendo que fue " El único Oscar de John Wayne llegaría por su tuerto, borrachín y cazaforajidos Rooster Cogburn en un reverenciable western legendario, tanto como Henry Hathaway dirigiéndolo, Robert Duvall siendo el villano y una inolvidable Kim Darby deslumbrando como la joven protagonista". 

Por mi parte decir que la película es una muestra de la presencia arroladora en la pantalla de otro de los personajes de John Wayne, aquí como Rooster Cogburn. Además destacar de la misma la química absoluta entre los personajes de Rooster y Mattie.Frente al cinismo de Cogburn se encuentra Mattie Ross, interpretada con una frescura y tenacidad arrolladoras por Kim Darby. La dinámica entre la joven decidida a vengar a su padre y el viejo agente de la ley (a la que se suma a un correcto Glen Campbell como el Ranger de Texas, La Boeuf) huye de los sentimentalismos baratos. El guion de Marguerite Roberts, basado en la novela de Charles Portis, construye una relación de respeto mutuo maravillosa: dos personajes tercos de generaciones opuestas que se necesitan para sobrevivir. 

A destacar del mismo igualmente la dirección de Henry Hathaway y uno de sus aspectos técnicos y formales como fue la fotografía que sacó los imponentes paisajes de Colorado (que simulan ser Arkansas), pues la película fue rodada en el condado de Ouray y Ridgway, en el paso de Owl Creek y en la Pradera de Deb, en Last Dollar Road y lucen espectaculares gracias a la luminosa fotografía en Technicolor de Lucien Ballard. Tmabién la banda sonora compuesta por uno de los grandes, Elmer Bernstein, que envuelve todo el metraje con una partitura épica, enérgica y profundamente optimista que eleva el sentido de la aventura en cada plano. Y en definitiva un western emocionante, emotivo, divertido y con un alma enorme llena de optimismo.  

Para terminar sabemos que John Wayne continuó en los años setenta hasta que falleció en 1979. En esta década siguió año tras año en la lista de los diez actores más rentables de Hollywood. Durante estos años protagonizó películas notables del género como Rio Lobo (1970) , The Cowboys (1972) y la secuela Rooster Cogburn (1975) aquí llamada El rifle y la Biblia , esta última coprotagonizada junto a otra gran leyenda de la época, Katharine Hepburn. En 1976 protagonizó la que se convertiría en su última película, The Shootist ( El último pistolero ) . En ella encarnó a JB Books, un anciano y legendario pistolero del Oeste diagnosticado con un cáncer terminal que busca pasar sus últimos días en paz. El actor fallecía tres años más tarde, en 1979 y , efectivamente, de un cáncer de estómago. Su última aparición pública ocurrió el 9 de abril de 1979 en la 51.ª edición de los Premios Óscar. Al salir al escenario, visiblemente delgado y demacrado pero manteniendo intacta su imponente postura, Hollywood entero se puso en pie regalándole una ovación atronadora de varios minutos. Wayne bromeó diciendo: "El Óscar y yo tenemos algo en común: los dos llegamos a Hollywood en 1928, estamos bastante desgastados por el tiempo, pero planeamos seguir estando por aquí mucho tiempo más" . Tenía 72 años. 

Por su parte, el cantante Glen Campbell que destacó como un virtuoso de la guitarra y fue cantante de éxitos mundiales como Rhinestone Cowboy, falleció en en Nashville, Tennessee 2017 a los 81 años tras una larga lucha contra el Alzheimer, enfermedad que anunció en 2011 mientras publicaba un conmovedor disco y canción de despedida I'm Not Gonna Miss You;  mientras que Kim Darby que hizo la película con 21 años y que después participó en proyectos como la serie Hombre Rico, Hombre pobre - Rich Man, Poor Man - o la película de culto Better Off Dead sigue viva a los 79 años y trabaja como profesora de interpretación y dirección.