Seda

Hace años compré y me leí un librito. Era eso, un librito, una novela corta. Ninguno de sus capítulos supera las tres páginas Lo firmaba el escritor piamontés, es de Turín, Alessandro Baricco, publicada con el nombre de Seta por primera vez en 1996. Fue un gran éxito editorial y fue traducida a varios idiomas.

Dos años después, una de sus obras, un monólogos teatral, Novecento, fue llevada al cine con el título de La leyenda del pianista en el océano, dirigida por Giuseppe Tornatore y protagonizada por el británico Tim Roth. Era de esperar que alguien quisiera llevar al cine esta obra escrita en el 96 que se desarrolla a un ritmo pausado y sutil que nos presenta de forma elegante las prácticas de Japón vistas por un occidental sin prejuicios , pero con asombro.

Y como inevitable lo hizo el director quebecois François Girard en 2007 una adaptación cinematográfica que internacionalmente se presentó con el título de Silk. La trayectoria de este director canadiense no es muy extensa, pero entre las que está El violín rojo.

Este año ha estrenado La canción de los nombres olvidados, una historia que se centra en la intensa búsqueda que emprende Martin Simmonds (Tim Roth) de adulto para encontrar a su hermanastro Dovidl Rapoport (Clive Owen ) basada en la novela homónima escrita por el crítico musical Norman Lebretch.

La película es una coproduccín entre Canadá, Italia y Japón por medio de las productoras la británica Rhombus Media, la italiana Fandango y la japonesa Bee Vine Pictures amparada por la New Line Cinema y que contó con la distribución en Italia de Medusa Film y un presupuesto aproximado de 20 millones $.

La película siguió el guion escrito a cuatro manos por el mismo François Girard junto a Michael Golding, y contó con la brillante música del siempre sugerente Ryuichi Sakamoto , mientras que la fotografía era de Alain Dostie. El montaje fue obra de Pia Di Ciaula.

En cuanto al elenco lo encabeza Michael Pitt como Hervé Joncour, Keira Knightley como Hélène Joncour y Alfred Molina como Baldabiou. Aparecen igualmente Miki Nakatani como Madame Blanche, Kōji Yakusho como Hara Jubei y Sei Ashina como la chica.Igualmente aparecen Kenneth Welsh como el alcalde Joncour y padre de Hervé, Mark Rendall como Ludovic Berbek, Jun Kunimura como Umon, y en papeles menores Martha Burns, Marc Fiorini, Alexander Brooks, Akinori Andô, Chiara Stampone y Callum Keith Rennier.

La película comienza con el protagonista Hervé (Michael Pitt) narrando sus observaciones de una mujer asiática que se baña en una fuente termal , y luego afirma que su historia realmente comienza antes, cuando regresó a su ciudad natal en el siglo XIX en Francia mientras estaba de licencia del ejército. Conoce a Hélène (Keira Knightley ), una maestra, que no quiere nada más que un jardín y Hervé, que no quiere nada más que casarse con ella.

Tras eso nos enteramos que en una pequeña localidad de la Francia rural del siglo XIX, el alcalde (Kenneth Welsh) está dispuesto a mandar a su hijo, Hervé Joncour (Michael Pitt), al ejército para que haga carrera militar. El joven Hervé aceptará, aunque no es su deseo, puesto que su único deseo sería quedarse en el pueblo, enamorado de Hélène (Keira Knightley), la maestra de la escuela.

Mientras Hervé está en el ejército, llega al pueblo Baldabiou (Alfred Molina), un fabricante de tejidos con la idea de crear varias fábricas textiles en el pueblo a partir de la seda, a cambio de que su alcalde le deje las manos libres.

Baldabiou, montará tres fábricas de seda sobre las que se apoya la economía de la ciudad. El negocio funciona hasta tal punto que logra revitalizar la economía del pueblo, y se convierte en la principal fuente de ingresos de gran parte de los ciudadanos.

Cuando Hervé vuelve a su casa mientras estaba de permiso, observa sorprendido los cambios del pueblo. Baldabiou, conocedor de las pocas ganas que tenía Hervé de volver al ejército, principalmente por su prometida, le ofrece un trabajo en su fábrica a pesar de que su padre, el alcalde, no lo quería así.

No obstante, los favores que se ha ido ganando el comerciante serán determinantes para que no se opusiera. Él convence al padre de Hervé, el alcalde, para que deje que Hervé deje el ejército.Poco después, Hervé se casa con Hélène.

La tranquilidad en el pueblo se ve enturbiada con la noticia de una grave enfermedad que está atacando a todos los huevos de los gusanos de seda de Europa. Este hecho obliga a Baldabiou a tomar medidas urgentes para salvar el negocio, y decide mandar a Hervé al norte de África. En 1862 Hervé viaja a Egipto para comprar huevos de gusanos de seda , pero tras el largo viaje, descubre que la plaga también llegó a ese continente.

Una vez en su tierra natal, la única opción es ir al fin del mundo, a un lugar tan alejado donde todavía no haya llegado la plaga: Japón. El problema es que el país está peligrosamente cerrado para los extranjeros .

Aprovechando un antiguo contacto de Baldabiou, organizan el viaje. Hervé emprende el viaje a través de Europa que culmina en Rusia, y cruza las estepas heladas y cruza el océano en un barco de contrabandistas, disfrazado con el atuendo típico japonés.

Una vez en tierras niponas, varios guías con los ojos vendados le llevarán a una aldea en las montañas, donde conocerá a Hara Jubei (Kōji Yakusho), que se convierte en un poderoso aliado que aceptará venderle los ansiados gusanos. Durante su estancia en el pueblo se verá atraído por su concubina sin nombre (Sei Ashina).

Los gusanos perfectos y sanos de Japón son recibidos con júbilo en el pueblo. Baldabiou lo compensa de tal manera que lo convierte en un hombre rico. Con el dinero compra una casa grande y un jardín para Hélène. Lo que les permite pasar varios años en paz en su nueva casa.

Años más tarde, Hervé tiene que volver a por más huevos de gusano. En su segundo viaje a Japón, donde coincide con un holandés que se dedica a la venta de armas y que le habla de que el país va a vivir un periodo convulso. Sin embargo, el está obsesionado con la Chica que una noche le da a Hervé una nota en japonés.

Tras una cena en la que están muchos señores, presidida por Hara Hubei, tras la misma tiene relaciones sexuales con otra chica que ella le presenta para ello Después de haber intercambiado más huevos que en su primer viaje, Hervé retrasa su partida dos días con la esperanza fallida de volver a ver a la Chica, aunque encuentra rotas las gafas del holandés.

De vuelta a casa, Hervé, que tiene la duda de lo que aparece escriito en la nota, busca en un burdel de Lyon a una meretriz japonesa, Madame Blanche, conocida por dar las pequeñas flores azules que lleva a sus clientes. Él solo quiere que ella traduzca la nota para él. Lo hace. La nota dice: "Vuelve o moriré". Madame Blanche (Miki Nakatani ) le aconseja a Hervé que "se olvide de ella, que no morirá, y usted lo sabe".

Baldabiou tiene la intención de enviar a Hervé a China, ya que Japón ya vive una guerra civil , pero Hervé insiste en Japón. Aunque hay oposición entre los inversores de la fábrica, Balbabiou los convence y vuelve a mandar a Hervé.

Al llegar comprueba que la guerra ha estallado y el pueblo está abandonado. Un sirviente de Jubei le muestra a Hervé dónde han ido Jubei y su familia.

Tras integrarse en el grupo descubre Jubei se ha vuelto hostil, tal y como le había advertido el holandés, y le dice a Hervé que se vaya a casa. Se niega a mostrarle la Chica y , a la mañana siguiente, encuentra colgado al criado.

Hervé compra algunos huevos en Sakata , pero el retraso al seguir a la chica provoca que eclisionen todos los huevos y la muerte de todos los gusanos, antes de llegar a Francia. La economía de la ciudad está arruinada, aunque Hervé contrata a mucha gente del pueblo para cumplir con el sueño de su mujer: el jardín de Hélène.

Desde ese momento marido y mujer viven de forma plácida en la localidad. Ya son conscientes de que nunca tendrán hijos, otro de los sueños de la pareja. Se relajan en la plaza y ella sigue con sus clases. La vida se normaliza.

Meses después, Hervé recibe una larga carta en japonés de la Chica. Nuevamente lleva la carta a Madame Blanche para su traducción, quien está de acuerdo, siempre que Hervé nunca vuelva a verla. La carta es una declaración de amor profundamente conmovedora, que le pide que sea feliz en su vida, ya que nunca más volverán a estar juntos.

Unos años más tarde, Hélène enferma y muere en 1875. Después de su muerte, Hervé la entierra en un espacio de lirios azules para que embellezcan su tumba. Comido por las duda busca a Madame Blanche una vez más, creyendo que ella ha escrito la carta, pero no la encuentra en burdel lyonnais , localizándola en París.

En la capital francesa ella le revela que Hélène había escrito la carta y le pidió a Madame Blanche que la tradujera. Hélène sabía que Hervé estaba enamorado de una mujer japonesa y quería que fuera feliz.

Madame Blanche le dice a Hervé que, más que nada, su esposa quería ser esa mujer. Hervé finalmente se da cuenta de que era Hélène siempre había sido su verdadero y gran amor después de todo.

Se revela que la narración de Hervé nos cuenta es el relato de su historia a Ludovic, el hijo de un amigo, lo más parecido a un hijo que Hervé y Hélène han tenido a lo largo de los años. Ludovic, ahora un joven y jardinero permanente de Hélène, es el que más aprecia el papel del jardín.

Con la marcha de Baldabiou a otra localidad para reiniciar una nueva vía y reflexionando por los extrañas vías que nos llevan acaba la película.

La película se rodó en la primavera de 2006 en localidades de Italia, Japón y Gran Bretaña. En Italia se rodó en Roma , en los Cinecittà Studios, en el Lido de Ostia, en Ronciglione en la provincia de Viterbo, en el Lazio, al igual que en Sermoneta de la Latina, en Turín en el Piamonte, en Pigna, sita en Imperia (Liguria) , Sermoneta, Latina.

En Japón se rodó en el Baba House Museum de Matsumoto en Nagano, en Sakata localidad de Yamagata, en concreto en el Sankyo Rice Storehouse, en Geibikei Valley, en la provincia de Iwate, al igual que Ichinoseki y Ofunato.

En Gran Bretaña se rodó en Kidderminster de Worcestershire, incluso en la canadiense Toronto, en Ontario.

La película ha sido producida por Domenico Procacci, del equipo italiano de Fandango, que se hizo con los derechos de la novela poco tiempo después de ser publicada, si bien le llevó varios años hasta adaptarla a la gran pantalla, con el nombre de varios posibles directores para realizarla. Girard, director de la oscarizada El violín rojo, se unió al proyecto al principio, aunque volvió a él hace sólo algunos años. Girard explicó mientras estaba en Roma que “se enamoró inmediatamente del libro” y, contrariamente a lo que mucha gente pueda pensar, “no fue un libro difícil de adaptar, pues es muy cinematográfico. Presenta un gran equilibrio entre lo íntimo y lo épico, e intenté mantenerme fiel a la escritura de Baricco, especialmente en los pequeños detalles”.

La película fue estrenada en marzo del 2008 en España e Hispanoamérica. Obtuvo en taquilla unos 8 millones de dólares.

En cuanto a las críticas destaco la de Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times al decir que "Todo se recompila al final en una revelación fugaz que es espectacularmente pobre. (...) ."

Joshua Kosman en el San Francisco Chronicle señala que es "Una película preciosa pero ligera." Para Todd McCarthy en Variety comenta que "Silk es un bostezo. Insustancial, árida y finalmente aburrida (...) no hay rastro de vida real o de energía en ella (...) con una interpretación apática de Michael Pitt."
Ya en España Carlos Boyero en El País dice que "Sólo aprecio a un adaptador que guarda fidelidad extrema a un texto (...) Lo que admite discusión es su fatuo convencimiento de que están creando arte mayor. (...) no hay duda está hecha al gusto del público más convencional."

José Manuel Cuéllar en el ABC señala que la película genera "Petulantes bostezos. (...) Se salva, lo poco que se salva, por la labor técnica, impecable, y por el trabajo del siempre eficiente Alfred Molina (...)."

Alberto Luchini en El Mundo afirma que "La poesía es otra cosa. (...) exceptuando a Keira Knightley, nada en la película funciona (...) Girard se olvida por completo de desarrollar una narración mínimamente coherente (...) ."

Destacar de la película aspectos técnicos como el diseño de producción y la fotografía bellísimos en gran medida rodados en exteriores italianos  y japoneses, combinando espacios luminosos y bellos paisajes veraniegos e invernales.

Sin embargo, la película carece es excesivamente lenta, casi melancólica, alejada de la pasión, pretende ser sútil, elegante, bella, pero acaba siendo fría, apagada, sin vida. Desde luego, la película no va como la seda en casi ningún momento. 

Peckinpah Suite

Buen documental, aunque no maravilloso. Cercano, eso sí, aunque lastrado por la emotividad que siente su protagonista, Lupita Peckinpah cuando habla de su padre, el que fuera un director indomable y rabiosamente poético al que busca y apenas lo encuentra. Ese es el viaje equinocial de Lupita Peckinpah, hija del maestro y de la actriz mexicana Begoña Palacios, a la que conoció durante el rodaje de Mayor Dundee. 

Un viaje emocional tras el recuerdo de un padre al que apenas conoció. Lupita tenía 12 años cuando falleció aunque hoy también ella forma parte de la industria no como actriz o directora sino como directora de vestuario. Una hija que llega a decir que «Odié a mi padre, pero en la balanza pesa más lo positivo».

Para ello la hija se desplaza desde su México natal a Bozeman (Montana) ya que en una localidad cercana, Livingston, una de las puertas al Parque Nacional de Yellowstone por la que yo pasé, buscó refugió en el Hotel Murray que hoy exige a modo de reverencia y casi museo una habitación llamada, Peckinpah Suite, la habitación este hombre solitario que se recluyó en las innolvidables tierras de Montana cuando ya no quiso saber nada más de Hollywood. Allí se instaló, en lo que algunos consideran el verdadero oeste, junto a Arizona y California, doy fe de aquello.  

En las cercanias de Livington, en el área de distribución de una Montaña que, en parte, se dirige al este y en parte , al sur, compró junto con Warren Oates, su amigo y protagonista absoluto de una de sus obras maestras, Quiero la cabeza de Alfredo García, En ese rancho en el que Oates se quedó con el área llana y Peckinpah con el área de montaña del rancho montó su cabaña de madera sin luz y sin agua potable para refigiarse de esa sociedad que lo abrumanba y oprimía.¡Qué recuerdos me ha traído el disfrutar de ese espacio que pude recorrer en 2015! O esa cabaña similar a la que alquilamos en la perifería del Parque, en el Shoshone Forrest.

Un director genial, este californiano natural de Fresno y que protagonizó algunos episodios paranoicos ocasionados por el abuso de drogas y alcohol, que dormía pegado a una pistola cuya habitación estaba llena de balazos o que le servía para esconder rollos de película tras barrotes y alambres o disparando a su gato para arrancarle la cola.. Todo eso sin contar las continuas disputas con los estudios para los que trabajaba y responsable de títulos como Grupo Salvaje, la primera que vi de este genial director, pero a la que siguieron Pat Garrett y Billy the Kid, Perros de paja, The Getaway o La huida , así como las geniales, descubiertas y vistas no hace mucho y que responden a los títulos de Duelo en la alta sierra o esa obra también algo melancólica como La balada de Cable Hogue.

La película documental que he visto y que lleva por título Peckinpah Suite ha sido dirigida, montada y escrita por el director español Pedro González Bermúdez, responsable de otros documentales como “Regreso a Viridiana”, “El último adiós de Bette Davis”, “Sacristán, delantera de gallinero”, “Nostromo, el sueño imposible de David Lean” o “2001 destellos en la oscuridad” , y cuenta con una banda sonora escrita y grabada por Remate & Wild Honey por parte de los compositores habituales en los documentales de este director y que estrenada en TCM en el 35 años del gran Sam Peckinpah.

La película fue producida por María José Bacallado y cuenta con la producción ejecutiva de Guillermo Farré y José Skaf y fotografiada por Raúl Cadenas.  

En una entrevista publicada en Cinemanía Lupita afirmaba que “No suelo conceder muchas entrevistas sobre mi padre. Esta vez ha sido diferente porque todo cuadró y Pedro, el director, es una persona muy sensible. Para mí ha sido duro. Hablo de cosas íntimas. De un padre ausente. Pero creo que todo acaba con una sonrisa. Me siento en paz y tranquila de haberlo hecho”. 

Y añade que “No suelo conceder muchas entrevistas sobre mi padre. Esta vez ha sido diferente porque todo cuadró y Pedro, el director, es una persona muy sensible. Para mí ha sido duro. Hablo de cosas íntimas. De un padre ausente. Pero creo que todo acaba con una sonrisa. Me siento en paz y tranquila de haberlo hecho”. 

También señalaba que “¡Cuánto daría por trabajar con un director como mi papá! Él siempre tenía en la cabeza las películas súper claras, desde el día uno: cómo la iba a filmar, cómo la iba a editar… Ahora, muchas veces no hay la claridad de los directores de antes, porque se apoyan mucho en el director de fotografía o en la edición”. 

No obstante, en el Periódico de Barcelona, en otra entrevista, señalaba que “Mi padre estaba casado con el cine, y sus verdaderas hijas eran sus películas, así por ellas era capaz de hacer cualquier cosa”, y continúa Lupita en la entrevista que “Al principio era algo que no entendía, pero con el tiempo poco a poco me he dado tiempo de que eso forma parte también de mi propia historia”. 

Destacaba la hija de Peckinpah que “Una cosa que me gusta mucho de sus películas es el sonido, por ejemplo. Ahora están tan tratados digitalmente que no tienes la naturalidad de los sonidos de las películas de mi padre” Durante el reportaje un grupo de alumnos de la Facultad Estatal de Montana destacaban precisamente estos términos. 

La hija añadío en Cinemanía que “Se fijaba hasta en el último extra. Era muy duro en el trabajo, pero yo conocí a los vestuaristas de Grupo salvaje y me dijeron que lo admiraban mucho, que no era el típico pesado ni complicado… pero sí que les hizo sufrir, seguro. Era uno de esos directores que se involucraba mucho en cada detalle, ya fuera el vestuario, la foto o el arte para que todo quedara impecable”. 

Sobre la relación con sus amigos y compañeros de rodaje afirmaba que  “Le gustaba jugar con la gente y manejaba mucho humor negro. Nadie sabe qué tanto era verdad… Pasaba algo curioso con mi papá: hizo muchos amigos muy entrañables. Si hablas con Kris Kristofferson, o si hubieras podido hablar con Steve McQueen, te habrían dicho que tenía muy buena relación con ellos, de corazón”. Aunque en El Periódico señaló que “No, mi papá era así. Un hombre muy críptico, muy huraño, cuando lo mirabas a la cara te intimidaba”. 

Y en este mismo diario señala que “Era un director de cine muy visceral, muy auténtico, por eso creo que tuvo tantos problemas. No sé cómo hubiera encajado su cine en la actualidad, pero creo que se atrevió a plasmar la violencia de una manera muy cruda que ha servido como fuente de inspiración a muchos creadores”. 

El documental trasluce ago que ella igualmente señaló en el documental “Tenía una imagen de persona dura, pero se deprimía mucho cuando los productores tocaba su obra. Le costaba mucho. Él se entregaba por completo. Las películas eran sus bebés. Hoy seguro que habría sido mucho más feliz: habría montado su productora independiente, que fue lo que intentó hacer con Látigo Films y no consiguió” 

Por último reconoce Lupita que  “He pasado épocas muy peleada con el cine. Sobre todo a raíz del nacimiento de mi hija. Pero es lo que sé hacer y lo que me llena. Sé lo sacrificado que es porque lo viví en carne propia”

Rodada en Montana, entre Bozeman y Livingston y cuanta con la participación de su mejor amigo, el abogado Joseph T. Swindlehurst,   

La película documental es, en el fondo, un homenaje al director de cine, pero también un acercamiento emocional a un padre un hombre que conoció parcialmente y no dejó de ser sino un "rompecabezas de un padre que nunca estuvo presente". 

En su entrevista en El Periódico añade que “La gente puede hablar de la técnica, del uso de la cámara lenta… pero creo que lo más importante es que tenía la capacidad de crear imágenes que se te quedaban grabadas en la cabeza”. 

Del documental el guionista Diego Soto señala que "Explorar la figura de una leyenda del cine como excusa para contar una pequeña gran historia humana (en este caso sobre la memoria y la paternidad). Qué bien hace esto Pedro González Bermúdez, y qué bien le vuelve a salir en Peckinpah suite ".

Se trata de una película narrada en primera persona, con una voz en off que pretende recalcar la relación entre la hija un padre que tanto anheló. Durante la misma descubrimos a uno de sus mejores amigos, como el abogado Joseph T. Swindlehurst o las anécdotas de Dan Bailey, vemos fragmentos de sus películas, y da detalles de su vínculo con su madre, de otros aspectos de la vida familiar, pero también contrasta las informaciones de ser un director casi desconocido por las nuevas generaciones en su propio país y con opiniones de estudiantes de cine. Igualmente nos muestras fotografías y cartas familiares en lo que pretende ser el momento más emotivo.

El más valiente entre mil

Reconstruyendo lo que dice Fausto Fernández en twitter sacamos en claro que "Charlton Heston fue uno de los mejores actores , un prodigio de delicadeza y humanidad". Dentro de todo lo que hizo destaca "cómo construye su personaje de Will Penny para hacer una película triste, crepuscular , un muy tierno western de Tom Gries". Se trata de un "título esencial del western crepuscular de finales de los 60, con un inmenso Charlton Heston, un vaquero analfabeto temeroso de enamorarse, en un intimista western de Tom Gries. Un director esencial para entender el cine USA de los 60 y 70, hoy sepultado por el olvido y la desidia de muchos."

No está solo , pues en pantalla aparece "Donald Pleasence como patriarca de esa familia de pirados está enorme.Se puede ser la definición total de virilidad y tener una sensibilidad gigantesca como Heston en una película que es una  mezcla western, drama y romance". Palabra de @faustianovich.

Lo cierto es que Thomas Stephen Gries o Tom Gries, natural de Chicago, y fallecido a los 54 años era director, escritor y productor de cine y televisión comenzó a trabajar en televisión en la década de 1950 como escritor y director. Su trabajo se puede ver en programas tan populares como Bronco , Wanted: Dead or Alive , The Westerner , The Rifleman , Checkmate , Cain's Hundred ,, East Side / West Side , Route 66 , Stoney Burke , Combat! , The Man from UNCLE , Honey West , I Spy , Mission: Impossible y Batman entre muchos otros.

Gries ganó varios premios Emmy por su dirección en East Side / West Side en 1964 y The Glass House en 1972. Tom Gries para el cine escribió y dirigió para películas de aventuras como Serpent Island (1954) o bélicas refieriéndose a la Guerra de Corea en Hell's Horizon (1955) protagonizada por John Ireland .

En 1967 en uno de sus regresos al cine, Tom Gries escribió y dirigió la que generalmente se reconoce como su obra maestra en cualquier medio, el western Will Penny. Para el mismo se basó en un episodio de la serie de televisión The Westerner que Gries escribió y dirigió en 1960, titulado "Line Camp".

Tras esa vino en 1969 otra obra que Gries coescribiría y dirigiría a Jim Brown , Burt Reynolds y Raquel Welch en el western 100 Rifles .

A principios de la década de 1970, Gries dirigió una enorme variedad de películas, desde el drama Fools con Jason Robards y Katharine Ross de 1970 hasta el telefilme de ciencia ficción de 1971 Earth II, protagonizado por John Saxon y Anthony Franciosa .

En 1973, Gries dirigió la película de suspense Lady Ice , protagonizada por Donald Sutherland , Jennifer O'Neill , Robert Duvall y Eric Braeden . Tras esto Gries, que ya había dirigido a Charles Bronson le dirigió en dos películas consecutivas de Bronson en 1975: Breakout y Breakheart Pass . Sin embargo, el trabajo de Gries en la década de 1970 no logró ganarse la crítica que dio la bienvenida a Will Penny .

El más exitoso de sus proyectos posteriores fue Helter Skelter , una película para la televisión de 1976 basada en el libro de crimen verdadero de Vincent Bugliosi de 1974 que detalla los crímenes y juicios de la famosa Familia Charles Manson.

Durante la postproducción de su película final The Greatest (1977), una biografía sobre el boxeador Muhammad Ali (en la que Ali también participa), Tom Gries se derrumbó y murió de un ataque al corazón mientras jugaba al tenis. Tenía 54 años de edad.

Para el western que nos ha traido, contó con la producción de Fred Engel y Walter Seltzer respaldado por la Paramount Pictures y manejando un presupuesto de $ 1,400,000.

Para la música contó con el trabajo de David Raskin, la fotografía de Lucien Ballard y la edición de Warren Low.

En cuanto al reparto para esta película contó con Charlton Heston como Will Penny, Joan Hackett como Catherine Allen, Jon Gries - el hijo del director- como Horace Greeley "Button" Allen, Donald Pleasence como el Predicador Quint, Lee Majors como Blue, Bruce Dern como Rafe Quint, Ben Johnson como Alex (el capataz de Flat Iron Ranch), Slim Pickens como el cocinero Ike Walterstein, Clifton James como Catron, Anthony Zerbe como Dutchy, Roy Jenson como Boetius Sullivan, GD Spradlin como Anse Howard, Quentin Dean como Jennie, William Schallert como Dr. Fraker, Lydia Clarke como Sra. Fraker, Robert Luster como Shem Bodine, Dal Jenkins como Sambo, Matt Clark como Romulus, Luke askew como Foxy, Anthony Costello como Bigfoot, Gene Rutherford como Rufus Quint, Chanin Hale como Chica y Stephen Edwards como un chico de la ciudad.

Tras transportar un enorme rebaño de reses de vacuno desde Kansas hasta un punto indeterminado del oeste, el grupo de los vaqueros que lo han conducido se disponen a dispersarse. Algunos retornarán a Kansas en tren para volver a casa o ver a sus familia, mientras que otros lo harán por su cuenta.

Este es el caso Will Penny (Charlton Heston), un cuarentón cercano a los cincuenta, un veterano del trabajo, un viejo Cowboy para algunos de sus compañeros. Un hombre sucio, ignorante, sin familia que emprende viaje hacia el norte junto a otros dos hombres confiando en lo que le ha comentado un joven compañero que ha decidido volver a Kansas a ver a su padre y que le ha dicho que hay trabajo en el Flat Iron o Flatiron Ranch.

Se trata de un hombre alto, fuerte y formal pero que se siente incapaz de formar un hogar con quien fuese. El marcha junto con dos de sus compañeros: Dutchy (Anthony Zerbe ) y Blue ( Lee Majors) hacia el Rancho Flat Iron para evitar el duro invierno que se avecina.

En su recorrido una mañana aparece un venado y Blue se dispone a cazarlo. Pero mientras apunta, suena un disparo y el animal cae. Pensando que ha disparado Dutchy.

Mientras va a recoger la pieza descubre que el disparo no ha sido de su compañero sino del otro lado de la colina. Cuando levanta la vista ve ante ello a un grupo encabezado por el Predicador Quint ( Donald Pleasance) integrado por sus hijos: Rafe (Bruce Dern), Rufus (Gene Rutherford), Romulus (Matt Clark) y una chica joven que afirma el predicador que es su mujer.

Tras discutir sobre la propiedad del animal comienza un tiroteo del que resulta muerto Romulus y herido Dutchy. Los Quint desaparecen, pero prometen venganza.

Los otros tres con Dutchy herido marchan en busca de un doctor. Antes paran a preguntar en un mugriento colmado. En la misma le venden una bebida alcohólica dura, apuestan algo y dejan a Dutchy en la calle pasando mucho frío, pero temen moverlo.

En el interior del bar hay una señora amable junto a su joven hijo. La señora es Catherine Allen ( Joan Hackett ) consuela al herido al igual que lo hace su hijo Horace Greeley "Button" Allen (Jon Gries - el hijo del director-) es todo prudencia y moderación comenta que va al oeste junto a un hombre que les sirve de guía. Tras beber y apostar 50 $ sobre si el compañero va a morir o no deciden seguir su camino.

Al llegar a una pequeña localidad dejan a Dutchy en casa del médico,el Doctor - y barbero - Fraker (William Schallert) y su mujer (Lydia Clarke).

Tras dejarlo Will va a bañarse, mientras que Blue decide buscar trabajo en la ciudad. Una vez separado Will sigue solo. Uno y otro son vistos desde la distancia por los Quint que prometen venganza por la muerte de su hijo/ hermano.

Poco después Will se encuentra con un caballo sin jinete y localiza poco después un vaquero muerto, arrojado de su silla de montar. Will entrega un cuerpo cuando va en dirección al rancho Flat Iron y allí , aunque con dudas, Alex, el capataz del mismo (Ben Johnson), le ofrecen un trabajo en la montaña.

Will marcha a la montaña con la intención de controlar el ganado antes de que se inicien las nevadas de invierno. En la montaña tiene un refugio pero cuando se aproxima al mismo encuentra a la Señora Allen y a su pequeño hijo que han buscado refugio una vez que han sido abandonados por su guía en las montañas. Will sabe que no debe dejarlos dentro, pero como pasará algunos días en la montaña les avisa de que cuando vuelva no quiere que esté allí dentro.

Tras pasar una de las noches es despertado de forma brutal por los Quint con los que se enfrenta. Logra frenar a Rafe y a Rufus, pero la llegada del Predicador equilibra la balanza y , finalmente, herido por Rafe con un cuchillo en el hombro.

Los Quint lo abandonan medio muerto en la montaña para que muera de hambre y de sed. , pero un Will, muy herido,  logra salir de la montaña arrastrándose y llegar a la casa mientras caen las primeras nieves. Allí se encuentra la señora Allen que le cura y lo atiende en su recuperación. Tras tres días hay una gran mejoría.

Poco a poco las relaciones con la mujer y el niño se hacen más fluidas. Will desarrolla afecto paternal por Horace. De hecho, en una noche cercana a la Navidad la mujer que le ofrece casa y amor. Con ella reflexiona sobre lo que se ha sido su vida hasta ese momento. Huérfano desde niño se fue criando con vaqueros o conviviendo con prostitutas. Will Penny es trabajador y fuerte pero con mala suerte y sin arraigo. Pero a ella no le importa ya que su marido que ha ido por adelantado a Oregon nunca mostró interés ni por ella ni por el niño.

Mientras Will y Catherine se preparan para la Navidad, la familia Quint irrumpe en la cabaña. Desde ese momento los Quint  obligan a Will a realizar trabajos forzados y obliga a Catherine a hacer  tener relaciones con uno de los hijos beligerantes y agresivos.

Después de algunos días, Catherine distrae a dos Quint para que Will pueda escapar. Unos minutos más tarde, se encuentra con sus dos antiguos amigos vaqueros, Blue y Dutchy, que llegan a buscarlo.

Cuando comenta lo que pasa los tres regresan para atacar la cabaña y liberar a Catherine y Horace, usando una bolsa de azufre que estaba en la cabaña para atufar a los Quint.

El ataque de los vaqueros tiene éxitos. Los Quint van cayendo uno tras otro. Justo en ese momento llegan igualmente los hombres del rancho con Alex a la cabeza, preocupado por un ganado que está descontrolado en la montaña.

Ahora Will tiene que elegir entre quedarse y llevar una vida estable con Catherine o seguir como un canto rodado de un sitio para otro malviviendo y sin arraigo. Se da cuenta de que está muy cerca de establecerse en una vida normalizada. Pero elige, y se va con los suyos a caballo. Con muchas dudas se va alejando de la mujer y el niño, que finalmente se despide a lo lejos, dolido por lo que siente como un abandono. Will se da la vuelta y mira, pero ha decidido.

La película se rodó en exteriores que fueron filmados en el condado de Inyo y sus montañas, en la cara este de las rocosas californiana que también tuve la fortuna de recorrer. También se rodó en Bishop, en las White Mountains, en la Sierra Nevada Mountains, Big Pine, en Mount Whitney, así como en el Yosemite National Park y en Owens Valley- Algunas imágenes se rodaron en Old Tucson Arizona, y en los Paramount Studios en el 5555 Melrose Avenue, en Hollywood.

El filme se basó en un episodio de la  serie de televisión de 1960 The Westerner creada por Sam Peckinpah llamado "Line Camp", también escrita y dirigida por Tom Gries. De hecho Tom Gries dijo que no vendería el guion a ningún estudio a menos que pudiera dirigir esta película. Paramount Pictures finalmente estuvo de acuerdo.

Heston mencionó que esta fue su película favorita en la que apareció. Charlton Heston dijo una vez sobre esta película: "El guión de 'Will Penny' fue uno de los mejores que he leído, hizo un maravilloso Western".

Varias personas le dijeron a Charlton Heston, como se describe en su autobiografía de 1995, "In the Arena: An Autobiography", "Esa es quizás la mejor película que hayas hecho, Chuck, pero si te hubieras llevado a la chica contigo al final, también habría ganado un montón de dinero ".

La película presenta una canción de David Raksin y Robert Wells "The Lonely Rider" con voces de Don Cherry.

Para dar más realismo se alquilaron rifles y pistolas antiguas reales como accesorios en lugar de usar accesorios de estudio, para dar a esta película una mayor autenticidad.

Además de Heston se buscó a una importante actriz para el papel femenino y se pensó en Eva Marie Saint y Lee Remick pero ambas rechazaron el papel de Catherine Allen que pasó a Jon Hackettt.

La película fue el primer papel cinematográfico acreditado para Lee Majors. Apareció sin acreditar en El caso de Lucy Harbin (1964). También fue el debut cinematográfico de G.D. Spradlin, que anteriormente había trabajado en televisión.

Bruce Dern en una entrevista hablando sobre Charlton Heston dijo que "Realmente me gustó el tipo. Mucha gente me dijo que no me gustaría, pero me gustó. Y se esforzó mucho. Quiero decir, Will Penny es, de lejos, lo mejor que ha hecho. " El propio Charlton Heston a menudo decía que de todas las películas que hizo, esta era su favorita.

Rick Schmidlin, productor de la versión reeditada de Touch of Evil hablando sobre  Charlton Heston le dijo "que esta era la película de la que estaba más orgulloso y era su papel favorito en la pantalla".

La película se estrenó entre febrero y abril de 1968  consiguiendo una taquilla de $ 1,800,000 entre Estados Unidos y Canadá.

Para Roger Ebert del  Chicago Sun-Times "Lo admirable de la película es su devoción a la vida real. Creemos que este es el tipo de personas que realmente habitaron Occidente: común, directo, dolorosamente tímido en situaciones sociales y muy honesto".

Erik Rupp, de Vista Records señaló que "Los villanos en Will Penny son tan increíbles y tan poco realistas que casi parecen haber salido de una parodia de western, en lugar de un western  serio y realista que Will Penny aspira a ser (y logra en la mayoría de los otros aspectos de la historia). "

Para Ange Kenos, de la Revista OPA "Esta es una de las películas clásicas de todos los tiempos. Durará toda la eternidad como un clásico en la escritura y la actuación".

En Movistar+  se señala que es una "Memorable interpretación de Charlton Heston como un inculto y solitario Cowboy en uno de los grandes westerns de la década de los 60. Tom Gries ("La cárcel de cristal") realiza una fidedigna descripción de la dura vida de un vaquero en el salvaje Oeste, contando con la extraordinaria complicidad de Heston para transmitir la intensidad y patetismo de un personaje desarraigado, heredero de los de Sam Peckinpah, con el que el actor acababa de hacer inmediatamente antes "Mayor Dundee". Excelentes secundarios y estupenda banda sonora de David Raksin. ".

En ABC Play se señala que es la "Primera película para el cine del director Tom Gries, tras una larga carrera en la pequeña pantalla. El también guionista construye un excelente ejemplo de wéstern sobre un vaquero solitario, centrándose en sus emociones, en sus debilidades y en todo lo que pasa por su cabeza. Este personaje está interpretado por un aclamado Charlton Heston, que ese mismo año estrenó "El planeta de los simios". A pesar de que esta última fue un gran taquillazo, "El más valiente entre mil" también funcionó muy bien en las salas españolas."

Un buen western, bello desde la primera imagen, la llegada de Will Penny cabalgando al campamento en el que duermen aterridos de frío sus compañeros mientras que el cocinero Slim Pickers prepara el desayuno para el grupo.

Es una película dura, inteligente y reflexiva, un buen western con buena recreación de personajes, bien interpretado. Un western crepuscular que mira al crepúsculo. de la vida.

Yankee Pasha

Es singular ver la recreación que hicieron los Universal Studios de las ciudades norteamericanas a inicios del siglo XIX (año 1800 más o menos) que indudablemente no dejaban de ser los espacios destinados al western aunque con unos jardines ingleses con rosaleda incluida, la recreación de la ciudad de Marsella con imágenes aéreas de su Port Vieux y la recreación en cartón piedra de una ciudad en Marruecos, indidablemente inspiradas en Tánger pero decorada con los arcos cordobeses que combinan el blanco y el rojo. Los creativos de la Universal - habrá que reconocerlo- eran geniales hasta el delirio. 

Todo esto y mucho más lo podemos ver en Yankee Pasha, una aventura qur tiene como protagonita a un intrépido y curioso trapero que enamorado es capaz de cruzar océanos para recuperar a su amada. Con razón la película se vendió con el nombre de La esclava del amor. 

Yankee Pasha es una película estadounidense de aventuras, pero con toques románticos del año 1954 dirigida por el neoyorkino Joseph Pevney. Pevney, que fue actor, se convirtió en un eficiente director de cine muy implicado con la Universal y con la televisión , con una carrera de dirección que abarcó más de 80 producciones entre los años 1950 a 1984. 

Siendo un director "menor" dirigió a algunos de los grandes del Hollywood clásico en algunas de sus películas como Female on the Beach (1955) con Joan Crawford y Jeff Chandler , Tammy and the Bachelor (1957) con Debbie Reynolds y Leslie Nielsen , o la mítica El hombre de las mil caras / Man of a Thousand Faces (1957) con James Cagney como Lon Chaney , y, por supuesto, Westerns como The Plunderers (1960) o esta película que lo combina todo protagonizada por Jeff Chandler y una imponente Rhonda Fleming  por citar algunas de sus películas. 

Pevney también dirigió múltiples episodios de series de televisión como Bonanza , Star Trek , The Paper Chase y la serie médica Trapper John. 

El director nacido en 1911 se retiró en los ochenta falleciendo en este milenio, en mayo de 2008 a la edad de 96 años. 

La película que nos ha traído hasta aquí fue una producción de la Universal International Pictures (UI) en la que estaba implicado Howard Christie en la producción. La película está basada en el libro titulado Yankee Pasha de Edison Marshall , publicado en 1947 que será transformado en guion por Joseph Hoffman. 

La aventurera y romántica película contará con la música de Hans J. Salter, William Lava, Milton Rosen, la fotografía en Technicolor de uno de los mejores de su tiempo, Carl E. Guthrie, y el montaje de Virgil Vogel. 

En cuando al reparto los dos grandes protagonistas eran Jeff Chandler como Jason Starbuck y Rhonda Fleming como Roxana Reil. Junto a la pareja se encuentra una impresionante Mamie Van Doren como Lilith, esclava del Jason, Lee J. Cobb como el Sultán, Bart Roberts como Omar Id-Din, Hal March como Hassan Sendar - amigo de Jason-, Tudor Owen como Elias Derby, Arthur Space como Richard O'Brien, Benny Rubin como Zimil, Phil Van Zandt como Baidu Sa'id, Harry Lauter como Dick Bailey, así como John Day junto con las llamadas "bellezas de Miss Universo" que eran Christiane Martel como Miss Universo de Francia, Myrna Hansen como Miss Estados Unidos, Kinuko Itocomo Miss Japón, Emita Arosemena como Miss Panamá, Synove Gulbrandsen com Miss Noruega, Alicia Ibáñez como Miss Uruguay, Ingrid Mills como Miss Sudáfrica, Maxine Morgan como Miss Australia.

La historia comienza on la llegada de un trampero a Salem, ciudad de Massachussetts en 1800. Se trata del cazador de pieles Jason Starbuck (Jeff Chandler) que llega a la ciudad para vender diez pieles de castor. 

El dueño de la tienda al que le vende las pieles, Elias Derby (Tudor Owen), importante comerciante de la ciudad con intereses en la marina mercante local al ver su caballo manchado lo reta a una carrera de caballos. Cuando Jason acepta el reto se aproxima una joven esclava negra que le pide a Jason el favor de ir a un punto del camino pues una chica que lo ha estado observando le quiere hacer una propuesta. 

La chica es Roxana Reil (Rhonda Fleming) que resulta ser , aunque Jason no lo sepa la prometida del jinete del caballo de Elias Derby. Ella le da un consejo útil a Starbuck sobre cómo ganar la carrera. Al día siguiente tiene lugar la carrera del que resulta vencedor dada su astucia como jinete y trampero Jason. 

Con la victoria Jason consigue un pasaje gratis para China y un peinado, pero queda intrigado sobre el por qué ella le ha prestado ayuda. Así que concierta una nueva entrevista con Roxana y ella le dice que se casará con su prometido, un hombre soberbio, que no sabe perder. 

De la conversación ella trasmite que se casará con él por un acuerdo entre lso padres de ambas familias y , especialmente, por la caída en desgracia en lo económico de los Reil. Sin embargo, ella muestra interés por el trampero y acaban besándose , algo que es visto por el padre de ella. Esta atracción romántica apreciada por el padre de Roxana le lleva a aconsejar que no se case con un hombre al que no ama. 

Sin embargo, por un lado, Jason enamorado prefiere aislarse antes que ver el matrimonio de Roxana, mientras que ella rompe su matrimonio y junto a su padre zarpa hacia Francia para trabajar en la sucursal que Elias tiene en Marsella. 

Mientras tanto, Jason tras ser informado de la ruptura de Roxana decide regresar , pero lo hace justo el día en que ella ha zarpado. Como Elias le debe una plaza en un barco le pide un camarote para Marsella con el fin de estar junto a Roxana. Ninguno de los dos sabe el destino que el espera al barco que los lleva a la ciudad del Mediterráneo, ya que cuando queda un día para llegar su barco es atacado por piratas/ corsarios berberiscos que matan a su padre y toman cautiva a Roxana en Marruecos, convirtiéndola en una esclava. 

Por su parte, Jason Starbuck desconocedor de lo ocurrido llega poco después a Marsella y allí es informado del trágico destino de los Reil. Ante eso y a pesar de los avisos de que únicamente permiten a los franceses estar en el territorio musulmán , Jason la persigue. 

Tras desembarcar y huir de las autoridades del sultán, va a visitar al cónsul de los Estados Unidos y con él trama un plan. 

Éste lo presenta al sultán (Lee J. Cobb ), con la esperanza de Roxana haya sido vendida a su harén. No saben todavía que Roxana fue vendida a Omar Id-Din (Bart Roberts) , quien podría estar conspirando contra el sultán. El sultán que queda impresionado con la puntería del rifle de Starbuck. 

Así que le ofrecen un puesto en la infantería del sultán y le dan una esclava propia, una eslava charlatana Lilith (Marnie Van Doren). 

Starbuck, en su primer encuentro con Omar lo desafía a un duelo. El ganador se llevaría el rifle y el esclavo del otro. Starbuck gana siendo la esclava Roxana que ha sido degradada a mozo de compañía. Ambos, nuevamente juntos, tienen la intención de regresar a casa en un barco norteamericano que hay en el puerto. 

Roxana, por su parte entra , aparentemente al servicio de Jason , que pide que la vistan con seda. Pero está circunstancia lleva a una celosa Lilith, que lucha contra Roxana por el corazón de Jason, a traicionarla cuando se entera que ambos tienen interés en escapar juntos. Así que Lilith le cuenta a Omar los planes de su nuevo enemigo. Roxana , aprovechando la ausencia de Jason, es secuestrada por los hombres de Omar. 

Lo primero que se plantea Jason es recuperarla. Lilith se ofrece en ayudarle pues sabe lo que siente Jason por Roxana. Lilith cambia de opinión y se cambia de ropa con Roxana para engañar a los guardias de Omar que la custodian. 

Tras la treta Roxana es liberada, aunque Starbuck es hecho prisionero y llevado a una prisión para ser ejecutado. Con la ayuda de Hassan Sendar, uno de los soldados del sultán, ayudan a rescatar a Starbuck, quien lidera la fuga de otros prisioneros. 

El motín del penal supone un enfrentamiento directo entre Jason y Omar en la torre del mismo, lugar que se usaba para el suplicio de los condenados: ser arrojados por la torre y que queden ensartados en unos garfios para morir de dolor. 

En la lucha Jason lanza a Omar desde un techo y éste muere. Tras eso Jason y Roxana son libres y vuelven a unirse en el barco, mientras el viento sopla ellos se besan. Mientras tanto en tierra y como recompensa, Hassan recibe, muy a su pesar, una nueva esclava, Lilith, que vuelve a darle cháchara al amigo de Jason, acabando así la película. 

La historia de esta película comienza cuando la novela homónima de Edison Marshall , publicado en 1947, fue un éxito de ventas así que la Universal compró los derechos de la película como vehículo para su estrella, Jeff Chandler. 

La película se rodó en Corriganville, en el Ray Corrigan Ranch sito en Simi Valley, en el Rowland V. Lee Ranch de Fallbrook Avenue, en el angelino Canoga Park, y , por supuesto, en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza de Universal City. La película le proporcionó a Mamie Van Doren uno de sus primeros papeles importantes en el cine. 

Universal Pictures estaba ansioso por promocionar a Van Doren como su versión de Marilyn Monroe , y esta les pareció la película perfecta para lograrlo. Para dar vistosidad a la película la Universal presentó la película como una colección de esculturales mujeres que se anunciaron como "The Miss Universe Beauties”. 

De hecho gran parte de ellas procedían del concurso de Miss Universo siendo para ellas un fantástico escaparate. Jeff Chandler grabó la canción I Should Care en Brunswick Records de la película. De esta "delirante historia" o "pasatiempo exótico con un mix de piratas y turbantes" como señaló en un tweet Fausto Fernández destacar la labor de los creatores de escenarios Bernard Herzbrun y Eric Orbom, de la decoración del set Russell A. Gausman y Ruby R. Levitt y del vestuario vaporoso de las mujeres de Rosemary Odell. 

Como habrás podido comprobar si es que has visto "Yankee Pasha" es una curiosa rareza que mezcla sin pudor todo tipo de g,enros. Desde el aparentemente inicial, el western, pasando por el de las carreras y competiciones (caballos y tiro) hasta el de piratas y, sobre todo, el de aventuras exóticas tan al gusto de la Universal. 

Del reparto destaca Jeff Chandler, que una vez vestido de musumal en la película vista anteriormente , Los Hermanos Barbarroja, no tiene problema de volver a llevar un turbante de nuevo. 

Así como estas bellezas explosivas que fueron Rhonda Fleming y Mamie Van Doren, en uno de sus primeros papeles. Pequeños papeles para dos grandes como el veterano Tudor Owen y Lee J. Cobb como el Sultán.

Los hermanos Barbarroja

Aventuras clásicas con sabor a serie B y en Technicolor pero con dos grandes de Hollywood: la pelirroja Maureen O´Hara y el nuevo jeque de los hombres libres o beduinos Jeff "Valentino" Chandler, en una película que se llamó originalmente Flame of Araby pero que en España se llamó los Hermanos Barbarroja. 

Se trata de una película corta del año 1951 que se hizo, no podía ser de otra manera para la Universal Pictures en ese momento de explosión de color y de mezcla de géneros y subgéneros aquí- siguiendo la terminología de Fausto Fernández- "tits & sand" - que encandiló al público que iba a las salas en los años 50. 

En este caso la película fue dirigida por el californiano Charles Lamont, un cineasta prolífico, que dirigió más de 200 títulos y produciendo y escribiendo muchos otros. Algunos de los primeros trabajos de dirección de Lamont fueron comedias mudas y cortas para Educational Pictures . Una de las series populares del estudio fue "Comedias juveniles", con el actor infantil Malcolm "Big Boy" Sebastian. Lamont dirigió algunas de estas películas, así como algunas de las comedias competidoras de " Buster Brown " para el lanzamiento de Universal Pictures . Tanto Educational como Universal ocuparon un lugar destacado en la carrera de Lamont. 

En 1932 Educational asignó a Lamont a la serie de comedias infantiles "Baby Burlesk", con una Shirley Temple que tenía únicamente cuatro años . En 1934, Lamont era el director principal de Educational y colaboró ​​con Buster Keaton en la mayoría de los 16 cortos de Keaton para esta productora. 

Después de que Educational cerró su estudio de Hollywood, Lamont fue contratado por Columbia Pictures para trabajar con estrellas como Charley Chase y The Three Stooges , pero su recorrido aquí fue breve ("Sentía un odio intenso por [el presidente de Columbia] Harry Cohn ", dijo Lamont a sus biógrafos Ted Okuda y Edward Watz). 

Luego, Lamont trabajó como freelance en varios estudios antes de unirse a Universal Pictures en 1942. Lamont siempre tuvo una tremenda relación con los artistas juveniles, y Universal le confió una serie de vehículos de comedia musical para la estrella de canto adolescente del estudio Gloria Jean . 

Lamont enfatizó los elementos cómicos de las películas que protagonizaban Donald O'Connor y Peggy Ryan en una época en la que los musicales para adolescentes fueron muy populares entre el público en tiempos de guerra. 

La experiencia de Lamont con presupuestos limitados le sirvió para desarrollar su trabajo en la Universal, y pronto fue promovido a las producciones más importantes del estudio. Para 1950 se estableció como uno de los directores más eficientes de Universal. Ese fue el momento en que Lamont recibió su nueva asignación: las películas de Abbott y Costello . 

Eran películas muy rentables, que daban dinero para el estudio, pero no aportaban prestigio. Aunque Lamont lo vio como un retroceso en su carrera sus jefes de la Universal explicaron la necesidad de que fuesen realizadas por un buen director de comedia que pudiera hacer el trabajo indefinidamente, y Lamont se dio cuenta de que "Abbott y Costello eran mi futuro". Lamont permaneció con el equipo hasta que el estudio los soltó en 1955. 

Lamont también dirigió las exitosas comedias para la Universal de Ma y Pa Kettle incluso la película final de la Mula Francis: Francis in the Haunted House (1956). Se retiró del cine en los cincuenta, aunque falleció mucho tiempo después, en 1993.

Como era de esperar Los hermanos Barbarroja era una película para la Universal Pictures que contó con el productor Leonard Goldstein.  

En este caso el guion fue escrito por Gerald Drayson Adams y la película cuenta con la música de Joseph Gershenson, Milton Rosen, Hans J. Salter, Frank Skinner, Edward Ward 

La fotografía en un vistoso Tecnicolor fue labor de Russell Metty mientras que el montaje lo fue de Ted Kent.

En cuanto al reparto  lo encabeza Maureen O'Hara como la Princesa Tanya de Túnez así como Jeff Chandler como Tamerlán. Junto a ellos aparecen Maxwell Reed como el primo de Tanya y heredero al trono, el Príncipe Medina , Lon Chaney Jr. como Borka Barbarroja y Buddy Baer como Hakim Barbarossa . Igalmente aparecen Richard Egan como Capitán Fezil, Dewey Martin como Yak , Royal Dano como Basra, Susan Cabot como Clio,  Judith Braun como Calu y Henry Brandon como Mallik. En papeles menores están Neville Brand, Richard Hale, Tony Barr.

La película comienza en el Atlas tunecino lugar en la que conviven musulmanes de origen árabe, bebereres, beduinos y , de vez, en cuando corsarios musulmanes de distintas procedencias.

Por esas montañas del norte de África, un jefe beduino llamado Tamerlane (Jeff Chandler)  pretende capturar un magnífico y mítico caballo salvaje "el poderoso y veloz Shazada". Tras hablar con unos pastores localiza el área y da, no sin dificultad con él. Cuando está próximo a pillar al animal tiene un encuentro con una chica que resulta ser la princesa Tanya de Túnez (Maureen O´Hara).

Desde el primer momento saltan chispas entre ellos aunque la situación se enfría cuando los integrantes de la guardia real dan con la princisa y le informan que su padre está en la capital del reino, moribundo.

Tamerlane ordena a sus dos compañeros que diseñen un plan para atrapar el caballo, mientras el se desplazará a la ciudad con la intención de vender alguna yugua capturada.

Tanya, mientras tanto, al llegar a Túnez ve, por una lado, que a la ciudad ha llegado la flota de los Barbarrojas , pero , por otro, descubre que el rey ha sido envenenado pero estña vivo. Al sr su hija una mujer el trono pasa a su primo el Príncipe Medina ( ) que accede en principio a cumplir el último deseo de su padre: no vincularla en matrimonio a ninguno de los hermanos Barbarroja que presionan desde hac tiempo por la zona y pretenden el trono por el matrimonio.

En la mente del jefe beduino Tamerlaine (Jeff Chandler) está únicamente dar caza a ese  legendario semental negro Shahzada, pero , por lo pronto, la intención es vender una de sus yeguas. Al llegar a la ciudad ve que el mercado está ocupado por los hombres de los Barbarroja que beben, comen , se reparten las riquezas capturadas a barcos que iban a Malta y a las mujeres aplicando el código de la hermandad corsaria.

Allí se persona Tamerlaine y le ofrece su animal a los Barbarroja que pretenden quedárselo a cambio de nada. También llega al lugar el Príncipe Medina con intención que conseguir una alianza con los corsarios que buscan casarse con su prima Tanya. Incumpliendo con lo que había prometido al rey en su lecho de muerto ofrece la mano de prima. Sin embargo, en ese momento tiene lugar un incidente que supone la muerte de uno de los hombres de Barbarroja a manos de Tamerlaine, por lo que este tiene que huir.

Mientras el ofrecimiento de Medina llega a palacio y la princesa para ganar tiempo decide que se casará con aquel de los hermanos que ganen en una carrera para conseguir su mano. Ellos tienen los mejores caballos, aunque Tanya es consciente de que el mejor de los animales es Shazada que áun sigue libre.

Poco tiempo después se lanza ella a buscar el mismo animal que busca el beduino que también persigue al corcel que desea la princesa tunecina.

Los beduinos tienen localizados la zona, pero el animal esquivo siempre logra escapar. Tanya (Maureen O'Hara) también , pero ella desea capturar al caballo para competir contra los odiados hermanos Borka (Lon Chaney) y Hakim (Buddy Baer), por lo que no se verá obligada a casarse con uno  de ellos en caso de que gane la carrera.

Unos y otros buscan al animal. Esto da lugar a encuentros indeseados inicialmente y deseados poco después especialmente cuando el roce hace el carino entre el beduino y la princesa. Así que Tamerlaine decide unir fuerzas con Tanya para atrapar al semental, y en el proceso, los dos se enamoran.

Finalmente , los beduinos logran enteder cómo el animal se escapaba y coseguía vivir al margen con sus yeguas.

Los Barbarroja presionan igualmente y consiguen arrebatar a la princesa Tanya para realizar la carrera. A pesar de que los corsarios intentar impedir la participación de Tamairlan con Shadaza, caallo y hombre logran entrar en la carrera resultando finalmente vencedor.

No obstante, los Barbarroja tienen un mal perder asesinando al Príncipe Medina con sus caballos y la princesa logra huir iniciando una relación estable con un hombre libre, siendo ella una mujer libre.

La película que fue presentada con el nombre de Flame of Araby se filmó entre abril y mayo de 1951 en tres espacios californianos alguno recorrido por mi como son Alabama Hills en Lone Pinelos  pero también en Vasquez Rocks Natural Area Park de Agua Dulce , Bronson Canyon de Los Ángeles. Además se rodó en Santa Clarita , en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza de Universal City.

De ella se dice que Maureen O'Hara supuestamente solicitó al que Fausto Fernández dice el hombre de " canoso y viril palmito"  Jeff Chandler como su protagonista, un hombre de la Universal que en ese momento era uno de los actores de peso en westerns y películas de aventuras.

La película presenta un pobre guión con mucho exotismo oriental, buena fotografia en Technicolor del competente  Russell Metty que conjuntamente al Charles Lamont logran filmar buenas escenas de los hombres a caballo.

La película sirvió de debut de la actriz británica Maxwell Reed que hizo su debut en el cine estadounidense. Fue ella la que durante un ensayo previo al rodaje, mientras aprendía sus movimientos para una escena de baile, la que le dijo al coreógrafo Harold Belfer que no creía que estuviera moviendo los pies correctamente. Belfer le dijo: "Con una figura como la tuya, la única persona que mirará tus pies será Arthur Murray".

Para TV Guide la película es una "ligera distracción en compañía de la pelirroj y ardiente O'Hara, con los hermanos malvados interpretados deliciosamente por Chaney y Baer".

Mientras que Fausto Fernández habla califica esta película de "naïf , dicharachera y encantadora" en un "adorable zoco de cartón piedra".

Para  ABC Play "Empezando por la actriz irlandesa Maureen O'Hara (''El gran Jack'') hasta el actor Jeff Chandler (''Los rebeldes de Kansas'') todo el elenco de actores de este filme de mediados del siglo XX cuenta con experiencia en la gran pantalla". Y añade que ''Los hermanos Barbarroja''  no fue bien recibida por la crítica quien apuntó tener un inicio lento aunque con un buen trabajo en los diálogos. "

B

Producto adecuado para emitir en la Sexta, ya que la Sexta es un canal "sextario" en el sentido ideológico. Es bien sabido que la Sexta tiene sus parroquianos que son todos aquellos que la siguen para escuchar y ver lo que quieren escuchar y ver. Eso que tanto criticaba Francisco Umbral cuando decía que un afiliado a un partido era absurdo que fuese al mitín de su partido si estaba convencido, pues era una perdida de tiempo. Que lo inteligente era ir al del contrario.

La Sexta apuesta por hacer una televisión de izquierdas para la gente de izquierdas, lo que deriva en ser un canal para abducidos en lo ideológico que piensan en lo único, en su caso, en clave politica , pero que termina por ser una visión maniquea de las cosas: están con unos y frente a otros. Eso sí, siempre los mismos, hagan lo que hagan unos y otros.

Reconozco que es una canal que no me apasiona, aunque , en ocasiones, lo veo. Especialmente ese programa que presenta Ferreras que es Al rojo vivo, por las mañanas, cuando trabajo de este turno. Es como ir a una misa laica. Conoces al oficiante que preside la ceremonia y vemos como él da paso a que un grupo de acólitos que replican lo que los feligreses quieren oir en esta homilía. 

El discurso, que afortunadamente no se oculta, es imposible hacerlo, siempre cae hacia un lado,  el mismo lado, y aunque trufan el programa con algún "opositor" por eso de visibilizar al contrario y presentarse como plurales, pero , reconozcamoslo, plurales no lo son. Ni en este ni en otro programa del canal. Al fin y al cabo la doctrina es la doctrina. 

Lo que me ha traído hoy aquí para hablar de la Sexta en relación al cine no es otra que B, una película del 2015 dirigida por el pamplonica David Ilundáin y protagonizada por Pedro Casablanc y Manolo Solo. Para la misma Ilundáin hizo de guionista repitiendo lo que había escrito Jordi Casanovas.

El segundo se limitó a transcribir la audiencia del que fuera Tesorero del Partido Popular , Bárcenas, ante el juez del Juzgado Central de Instrucción n.º 5 y que incriminó de forma directa a Mariano Rajoy, Presidente del Partido Popular, y a la que era Secretaria General , María Dolores de Cospedal, aunque también describe una trama de financiación del PP con todo lujo de detalles y de implicados. 

Los guionistas partieron como ya he dicho de la transcripción literal del texto de la comparecencia, acotó su duración y cambió el orden de algunos fragmentos, pero manteniendo el texto íntegro. Se trata de un drama judicial basado en hechos reales, aunque su guion es tan fiel a la realidad que podría estar más cercano al documental que a la ficción y más cerca del mediometraje que del largometraje. 

El relato de la declaración de Luis Bárcenas ante el juez, así como sus respuestas ante las preguntas de los letrados es fotografiado por un Ángel Amorós. Se hace en un escenario único, una pequeña sala recreada de la Audiencia Nacional, con presencia de aquellos que habían denunciado representados por sus abogados y letrados. 

El elenco lo preside un magistral Pedro Casablanc como Luis Bárcenas y frente a él, aguantando la declaración de éste Manolo Solo como Pablo Ruz. Junto a ellos aparecen Pedro Civera como Javier Gómez de Liaño, Eduardo Recabarren como Gonzalo Boye, Patxi Freytez como Enrique Santiago, Celia Castro como María Dolores Márquez de Prado, Enric Benavent como José Mariano Benítez de Lugo, Ramón Ibarra Robles como Miguel Durán y Jorge Pobes como el Oficial. 

El 15 de julio de 2013, Luis Bárcenas (Pedro Casablanc), exgerente y extesorero del Partido Popular, es trasladado desde prisión a la Audiencia Nacional para declarar ante el juez Pablo Ruz (Manolo Solo). 

La comparecía ante el juez Ruz durante cinco horas en una pequeña sala de lo social de la Audiencia Nacional abarrotada de letrados sería determinante para ese hombre incluso para ese partido y el sustento del Gobierno. Lo que parecía una comparecencia rutinaria, no fue así. 

El exsenador cambió su versión sobre sus papeles y dejó de ser protector con sus excompañeros de Génova apuntando a la cúpula del PP y al presidente del Gobierno. El extesorero describió con todo lujo de detalles el supuesto sistema con el que el PP se financió irregularmente, puso sobre la mesa "los sobres" y sentenió a la secretaria general del PP, María Dolores de Cospedal, a la que acusa directamente de ofrecer prebendas en formas de contratos públicos por ayudar a financiar la campaña que le llevó a ser la presidenta de Castilla-La Mancha. 

La declaración de Bárcenas ante Ruz, que hasta este día, había negado toda relación con los llamados papeles de Bárcenas, pero después de 18 días en prisión ha decidido cambiar su declaración. Su intención es aclarar y confirmar lo que habían publicados unos meses antes, dos diarios españoles, El País y El Mundo que no era otra cosa que un escándalo que afectaba tanto a Bárcenas como a su partido, en ese momento en el gobierno. 

Por un lado, se acusaba directamente a altos cargos del partido de haber estado recibiendo sobres con sobresueldos en dinero negro que era entregado en sobres. Y por otro se afirmaba que el extesorero llevaba una contabilidad en B de su partido, y se publicaban las supuestas anotaciones contables que comprometían a numerosos políticos y empresarios. El escándalo fue bautizado por la prensa como "caso Bárcenas".  Y lo que vemos es su declaración de 5 horas resumidas en apenas 80 minutos.

Hasta entonces, Bárcenas había negado la veracidad de dichas publicaciones; pero en esta declaración, el acusado decide cambiar su versión.  Lo que vemos es su declaración. 

El guion es una adaptación de Jordi Casanovas para una obra teatral titulada Ruz-Bárcenas, producida por el Teatro del Barrio, una cooperativa cultural de Lavapiés, dirigida por Alberto San Juan. y protagonizada por los mismos actores que la película, en sus respectivos papeles.

El director aseguró que para esta película, que sería su ópera prima, no recibió subvenciones de ninguna televisión. No obstante, a través de una campaña de micromecenazgo (crowdfunding) en la que participaron 597 personas consiguió recaudar cerca de 56 000 € en 40 días. De hecho como productora aparece Inicia Films y Bolo Audiovisual. 

Tras un preestreno en Pamplona , la película se estrenó oficialmente en España el 18 de septiembre de 2015. No tuvo gran aceptación por parte de las salas, llegando a distribuirse solamente 16 copias de B, la película en todo el país la primera semana, alcanzando 40 en total. 

El director de la película, David Ilundain, admitió sentirse «decepcionado» por la falta de apoyo en la distribución, aunque insistió que respeta la decisión de cada sala. «No queremos ser victimistas; este proyecto no ha sido fácil desde el principio pero dedicamos nuestro esfuerzo a sacarlo adelante y que la pueda ver el mayor número de espectadores». Y añadió tras una entrevista que «No logramos ayudas públicas ni que nos apoyara ninguna televisión, pero los espectadores pedían la película». «Podríamos vivir en un país más civilizado pero entonces no tendríamos esta película. El fantasma de Berlanga nos persigue». Y acabó diciendo «Es una película pequeña y nuestro objetivo era llegar a 25 copias en el arranque, no lo hemos conseguido pero seguimos trabajando y ojalá rectifiquen». Pero también presionó en Twitter con el hastag #QuieroVerB. 

Sin embargo, pese a tratar un tema polémico que podría afectar al partido en el gobierno, Ilundáin aclaró que ni él ni las salas habían recibido presiones ni amenazas para frenar el proyecto.

El director navarro destacó en el Diario de Navarra la actuación de Casablanc "se aleja de la parodia" y evita crear una "caricatura". A su juicio, había realizado un esfuerzo "colosal" por interpretar a una persona que en el momento de esta vista llevaba "18 días en la cárcel". "Intuimos que se sentía abandonado y tenía que defenderse como gato panza arriba para tratar de salir de ahí. Es un trabajo con el que el actor se merece todos los elogios que le caigan".

De Manolo Solo opinó que es "el contrapunto". En 'B' aborda un "personaje difícil" que es "el extremo opuesto: alguien cauteloso y silencioso, sobre quien la presión recae desde otro punto de vista, para quien cualquier error suponía una debacle". Del mismo modo que Casablanc, también "consigue extraer el alma de una persona que además de presión tiene que juzgar", y que no solo maneja la sala, sino también lo que ocurre fuera de ella.. 

El 3 de octubre de 2015, B, la película se estrenó en Francia dentro de Cinespaña, festival de cine español de Toulouse. 

Tras su estreno la película recibió críticas positivas, siendo Pedro Casablanc y Manolo Solo alabados por sus respectivas interpretaciones. Entre los Premios y nominaciones destacan las tres nominaciones de los Premios Goya al mejor guión, mejor actor (Casablanc) y actor secundario (Solo). 

En los Premios Feroz también fue nominado al Mejor actor (Pedro Casablanc) y recibió un Premio Especial. En los Premios Forqué la película fue nominada al Mejor actor (Pedro Casablanc).

En la 71ª edición de los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos fueron nominados al Mejor actor (Pedro Casablanc), Mejor actor secundario (Manolo Solo) y Mejor guion adaptado (David Ilundain). En la 60º edición de los Premios Sant Jordi el premio al mejor actor fue para Pedro Casablanc. 

En los Premio ASECAN 2016 (Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía) tuvo la nominación a la Mejor película española sin producción andaluza aunque ganó conjuntamente a la Mejor interpretación masculina Pedro Casablanc y Manolo Solo. 

En cuanto a los críticos Javier Cortijo, en Cinemanía, describe la película como «Una retahíla de conocidas vergüenzas a palo seco recitadas por un asombrosamente mimético Pedro Casablanc (...) un tour de force árido pero intenso, cinematográficamente austero pero democráticamente frondoso y rico en detalles». 

Para Gerardo Sánchez, director de Días de Cine "B es, ante todo, buen cine se equivoca quien la vea ideológicamente ". 

Para Fausto Fernández de Fotogramas se trata de un "Excelente film, el más acertado y acerado retrato de esta época del Mal que nos ha tocado vivir y sufrir. (...) Y nos revela a un par de bestias de la interpretación: Pedro Casablanc y Manolo Solo". " 

Alberto Bermejo en El Mundo dice de ella que "Austera, sencilla, incontestable en su contenido, es una película importante para el cine español"

​Jordi Costa en El País resalta especialmente «la desbordada expresividad de Pedro Casablanc (Bárcenas) y la tensa contención de Manolo Solo (Ruz), fuego y hielo en un pulso dialéctico que funciona como punta de iceberg de un patológico estado de la cuestión». Y añade el crítico jiennense que "La cinta contextualiza lo que en escena era confrontación abstracta en un espacio realista (...) irrelevantes y rutinarios planos de reacción de los asistentes, que restan contundencia al conjunto." 

La revista Metrópoli destaca el duelo entre ambos: «Pedro Casablanc lo borda como Bárcenas al clavar su cinismo, desprecio, resentimiento y resignación, frente a Manuel Solo, como el juez Ruz, a la altura de las circunstancias». 

Mikel Zorrilla en Espinof señala que "En definitiva, ‘B’ es un interesante y contundente acercamiento al caso Bárcenas tomando para ello uno de los episodios más comentados ". 

En definitiva una buena película, sobria, interesante, aparentemente respetuosa con los hechos, por lo tanto vergonzante como no puede ser de otra manera para el partido que apostó por eso, con una puesta en escena plana e infinitamente menos competente y convincente que la magistral "El reino"; pero, eso sí, muy bien interpretada por Manolo Solo y Pedro Casablanc que presenta un momento determinante en la historia de un partido político y trascendente a la larga en un Gobierno que caerá por el peso de muchos papeles, pero sobre todo de sus "sobres".