La la Land: La ciudad de las estrellas

La la Land fue mucha más que la película más aclamada de aquel año. Tuvo su premier mundial en la 73.ª edición del Festival de Venecia, que se llevó a cabo en agosto - septiembre de 2016.Se estrenó en Estados Unidos en diciembre de 2016 por Summit Entertainment, es una versión moderna de los musicales hollywoodienses. Algunos la consideran un tesoro cinematográfico que perdurará en el tiempo y con el que te enamorarás una y otra vez. 

Emma Stone y Ryan Gosling son Mia y Sebastian , una actriz sin mucho éxito y un músico de jazz que persiguen su sueños "made in Hollywood", y que se encuentran el uno al otro en esta vibrante celebración  de la esperanza, de los sueños y el amor 

Y es que Damien Chazelle venía dando fuerte con otra película en la que la música era mucho en ella, casi todo, con fue la epléndida Whiplash (2014). 

El proyecto de La , la Land fue anunciado por primera vez en junio de 2014, cuando se informó que Miles Teller y Emma Stone estaban en conversaciones para unirse a una comedia musical La La Land con el director-guionista de Whiplash, Damien Chazelle, que también dirigió la película basada en su propio guion. Jordan Horowitz se fijó para producir la película por medio de Gilbert Films, y Fred Berger por su propia productora Impostor Pictures, mientras que Lionsgate se ocuparía de la distribución interna de la película. 

Justin Hurwitz se reunió con el director para componer la música para la película y en abril de 2015, se anunció que Ryan Gosling y Emma Stone estaban en conversaciones para unirse a la película de los papeles principales, mientras que se difundió que el guion fue escrito antes de la película Whiplash. En el proyecto al final se encontraban Summit Entertainment, Gilbert Films, Impostor Pictures, Marc Platt Productions. Para la otografía se contrató a Linus Sandgren. Con todos ellos y muchos más, se inició un proyecto triunfador. 

La historia básicamnte comienza con una chica atrapada en el tráfico de una mastodóntica autopista de Los Ángeles ("Another Day of Sun"). Se trata de Mia Dolan, una aspirante a actriz. La chica, tras un flash musical, seirrita con Sebastian Wilder, un pianista de jazz, al que los pensamientos de la joven le paraliza en su avance. 

La posterior audición de Mia, que descubrimos que trabaja en una cafetería de un estudio, va mal. Esa noche, las compañeras de piso de Mia la llevan a una fiesta lujosa en las colinas de Hollywood ("Someone in the Crowd"). Ella camina a casa después de que su coche se lo llevara la grúa. 

Al mismo tiempo, casi de inmediato los dos se vuleven a encontrar durante un concierto en un restaurante, Sebastian hace una apasionada improvisación de jazz a pesar de las advertencias del dueño de ceñirse al repertorio establecido. Mia escucha la música cuando pasa por ahí ("Mia and Sebastian's Theme"). Movida por ello, entra en el restaurante y lo ve. Como le echa en cara su jefe detería de haberse limitado a lo acordado así que Sebastián es despedido, por lo cual se marcha furioso. A medida que se va, Mia intenta felicitarlo, pero él la aparta bruscamente. 

Meses después, Mia se encuentra con Sebastian en una fiesta donde toca en una banda de pop de los años 80s; Ella se burla de él pidiendo "Ran (So Far Away)", una canción que considera un insulto para "un músico serio". 

Después del concierto, los dos caminan a sus coches, lamentándose mutuamente a pesar de la química que trasmiten entre ellos ("A Lovely Night"). Mia le muestra a Sebastian el lugar donde ella trabaja como camarera, que es en un set de grabación, explicando su pasión por actuar. 

Sebastian, por su parte,  lleva a Mia a un club de jazz, describiendo su pasión por el jazz y el deseo de abrir su propio club. Se animan entre sí mientras suena "Ciudad de las Estrellas".

 

Sebastian invita a Mia a una proyección de Rebelde sin causa; Mia acepta, olvidando un compromiso con su actual novio. 

Durante la cita con su novio, Mia recuerda que Sebastian lucha porque el jazz no sea un género que suena en los restaurantes pero nadie le pone atención lo que hace que escuche la pieza con la que conoció a Sebastian en la radio del restaurante, con esto, se va corriendo al cine, encontrando a Sebastian mientras la película comienza. Los dos terminan su velada con una bailando  en el Observatorio Griffith ("Planetarium"). 

Después de más audiciones fallidas, Mia decide, a sugerencia de Sebastian, escribir una obra ,rememorando como ella escribía para su tía, una actriz que le contaba como vivió en París. Se trata de un monólogo para una sola mujer. 

Sebastian comienza a actuar regularmente en un club de jazz ("Summer Montage"), y los dos se van a vivir juntos. Un día Sebastian se encuentra con un excompañero igualmente músico, trompetista. Su nombre es Keith- çEste lo invita a ser el tecladista de su banda de jazz de fusión, con un ingreso económico regular. 

Consternado por el estilo pop de la banda, Sebastian firma sin embargo después de escuchar a Mia tratando de convencer a su madre de que Sebastian está trabajando en su carrera. 

Mia asiste a uno de sus conciertos ("Start a Fire") pero está preocupada, sabiendo que Sebastian no disfruta de la música de su banda. 

Durante la primera gira de la banda, Mia y Sebastian discuten. Ella lo acusa de abandonar sus sueños, mientras que él dice que le gustaba más a ella cuando no tenía éxito, con lo que Mia se va enfadada. 

Sebastian se pierde la obra de Mia debido a una sesión de fotos que había olvidado. La obra es un desastre: pocas personas asisten y Mia escucha comentarios despectivos. Desesperada, se muda de regreso a la casa de sus padres en Boulder City, Nevada. 

Un día, Sebastian, que ha abandonao la banda de Keith recibe una llamada de un director de casting que asistió a la obra de Mia, invitándola a una audición de cine. Sebastian conduce a Boulder City, localizando su casa, frente a una biblioteca, y persuade a Mia a asistir. 

Los directores de casting le piden a Mia que cuente una historia. Ella canta sobre su tía que la inspiró a seguir actuando -"Audition (The Fools Who Dream)"-. Sebastian la anima a dedicarse a esa oportunidad. Ellos profesan que siempre se amarán, pero que no saben de su futuro. 

Cinco años más tarde, Mia es una actriz famosa y felizmente casada con otro hombre, con quien tiene una hija. 

Una noche, la pareja se encuentra con Sebastian en un bar de jazz. Al notar el logotipo de "Seb's" que había diseñado una vez, Mia se da cuenta de que Sebastian ha abierto su club. Al poco de entrar, se ven. 

Él toca su tema de amor y los dos imaginan lo que podría haber sido su relación y que funcionaba perfectamente ("Epilogue"). 

Antes de que Mia salga con su marido, ella comparte una sonrisa con Sebastian, acabando la película y obviamente su historia de amor.

El guionista y director, Chazelle, quería que Los Ángeles fuera el lugar originario de su película, comentando que "hay algo muy poético sobre la ciudad en mi opinión, de una ciudad que se construye por las personas con estos sueños poco realistas y las personas que de alguna manera sólo hay que poner todo en la línea de esto". Desde el principio, Chazelle quería números musicales de la película, que se filme de "pies a cabeza", utilizando diversos estilos, pantalla ancha CinemaScope, y llevaron a cabo en una sola toma, como los de las obras de Ginger Rogers y Fred Astaire.

El rodaje de la película comenzó en la ciudad de Los Ángeles en agosto de 2015, y el rodaje se llevó a cabo en más de 60 ubicaciones en la ciudad de Los Ángeles. Entre los lugares, incluyen; la carretera principal, Hollywood Hills, Angels Flight, Colorado Street Bridge, South Pasadena, Homer Laughlin Building (el gran mercado central de Los Ángeles), Hermosa Beach y las Torres Watts, con muchas escenas que fueron rodadas en una sola toma. Se tomaron aproximadamente 40 días para terminar de completarlas, terminando a mediados de septiembre de 2015.

La escena de apertura de los precréditos fue la primera en ser rodada, y fue filmada en una parte cerrada de la carretera para poder tener a los coches en la ciudad de Los Ángeles, que conecta la autopista 105 hasta la 110, que conduce hacia el centro de la ciudad. Fue filmada en un lapso de dos días, y requirió más de 100 bailarines. Para esta escena en particular, Chazelle quería dar una idea de la inmensidad de la ciudad. La escena fue planeada originalmente para un tramo de carretera a nivel del suelo, hasta que Chazelle decidió rodar en el intercambio de las autopistas 105-110, desde el aire, a 10 pies de altura. El diseñador de producción David Wasco, dijo, "pensé que alguien iba a caer" porque no se bloqueó cada porción de la carretera. Chazelle comparó la escena para el camino amarillo que conduce hacia Emerald City en la película El mago de Oz de 1939. 

Chazelle exploró "viejos lugares", especialmente lugares que estaban en ruinas, o quizá desolados como el Angels Flight, un tranvía construido en 1901. El funicular había sido cerrado en 2013 después de un descarrilamiento. Se hicieron intentos para reparar y volver a abrir la vía férrea, pero fue en vano. Sin embargo, el equipo de producción fue capaz de obtener el permiso para utilizarlo durante un día. Chazelle y su equipo a continuación rodaron casi la 24 horas durante la toma.

Mia trabaja en una cafetería cerca de un montón de estudios cinematográficos, que Chazelle ve como "monumentos" de Hollywood. El diseñador de producción, Wasco, creó numerosos carteles viejos de cine. Chazelle ha creado ocasionalmente nombres para ellos, la decisión de utilizar el título de su primer largometraje, Guy y Madeline, sería la misma idea de poder utilizar el mismo método, pero que parezcan como si presentasen a un musical de los años treinta. 

Gosling y Stone no eran artistas de Broadway, los dos cometieron errores, , sin embargo, Chazelle se mostró muy amable con ellos, la comprensión de su falta de experiencia y no ocupándose de sus errores. Durante el rodaje de Sebastián y el primer baile de Mia juntos, Stone tropezó con la parte posterior de un banco, pero sin importarle el incidente continuó derecha hacia arriba y siguió adelante con la escena.

Mary Zophres, directora de vestuario del filme, se inspiró en escenas de El amor está en el aire o Cantando bajo la lluvia. "Después de tener varias conversaciones con Damien (Chazelle) me quedó claro que íbamos hacer la versión moderna de un musical, pero a la vez se tenía que parecer a los de la Era Dorada de Metro-Goldwyn-Mayer. Queríamos tener un pie en la puerta de la realidad y otro en la de la fantasía (...) Me quería acercar a cómo la gente se viste en el siglo XXI pero tener en cuenta que los dos personajes son amantes de la historia y del pasado, entonces tomé siluetas de las épocas pasadas y los entallé a sus cuerpos, y así lo logramos". Por todo esto Zophres revivió los vestidos midi con estampados de flores, los cuellos, las faldas de lápiz, los lunares y los ruffles, con un toque moderno, especialmente para Emma Stone. Para Mía (Emma Stone) se inspiró en fotos de Grace Kelly, Catherine Deneuve e Ingrid Bergman. "Emma Stone se ve muy bien con líneas limpias, entonces juntas trabajamos en los escotes que iba a llevar". 

Zophres para Sebastian (Ryan Gosling) lo vitió como "un hombre muy formal, no va a salir de la casa con una camiseta y jeans". Zophres confiesa también que fue mucho más sencillo diseñar el vestuario para Emma y Ryan porque ya había trabajado con ellos anteriormente, ya conocía sus cuerpos y el tipo de líneas que le quedaban a cada uno.

Las canciones y banda sonora original de La La Land fueron compuestas y llevadas a cabo por la orquesta de Justin Hurwitz, compañero en la universidad de Chazelle en Harvard. Además, también trabajó en películas anteriores junto a él. Las letras fueron escrita por Pasek y Paul,  a excepción de «Start a fire», que fue escrito por John Stephens, Hurwitz, Marius De Vries y Angelique Cinelu. 

En cuanto a los reconocimiento destacar que en la 89 Edición de los Oscar (2017) la película obtuvo una buena cantidad de nominaciones y premios . Por lo pronto ganó el Premio a la Mejor película, Mejor dirección (Damien Chazelle), así como al Mejor montaje (Tom Cross), Mejor fotografía (Linus Sandgren), Mejor canción (Justin Hurwitz, Benj Pasek, Justin Paul "Audition (The Fools Who Dream)" ) y Mejor canción (Justin Hurwitz, Benj Pasek, Justin Paul 'City of Stars') y obtuvo nominaciones a la Mejor actriz principal (Emma Stone), al mejor actor principal (Ryan Gosling), al Mejor guion original (Damien Chazelle), Mejor banda sonora (Justin Hurwitz), Mejor diseño de producción (David Wasco, Sandy Reynolds-Wasco), Mejor vestuario (Mary Zophres), Mejor sonido (Andy Nelson, Ai-Ling Lee, Steven Morrow) y Mejores efectos sonoros (Ai-Ling Lee, Mildred Iatrou) 

En la 74ª Globos de Oro (2017) se llevó el premio a la Mejor película - Comedia o musical, Mejor dirección (Damien Chazelle) , Mejor actor principal - Comedia o musical (Ryan Gosling), Mejor actriz principal - Comedia o musical (Emma Stone), Mejor guión (Damien Chazelle), Mejor banda sonora original (Justin Hurwitz), Mejor canción original (Benj Pasek, Justin Paul, Justin Hurwitz "City of Stars"). 

En los BAFTA 2017, los Premios de la academia de cine y TV británica se llevó el premio a la Mejor película, Mejor actor (Ryan Gosling), Mejor guion original (Damien Chazelle) y Mejor montaje (Tom Cross), siendo nominado a la Mejor dirección (Damien Chazelle), Mejor actriz (Emma Stone), Mejor fotografía (Linus Sandgren), Mejor banda sonora (Justin Hurwitz), Mejor diseño de producción (Sandy Reynolds-Wasco, David Wasco), Mejor diseño de vestuario (Mary Zophres) y Mejor sonido (Mildred Iatrou Morgan, Ai-Ling Lee, Steve A. Morrow, Andy Nelson) 

En la 43 edición de los franceses Premios César fue nominada al Mejor film extranjero; mientras que en el 73 Festival de Venecia 2016 ganó el León de Oro - Mejor película y se llevó la Copa Volpi - Mejor actriz (Emma Stone). La película fue nominada por el Sindicato de Guionistas (WGA)al Mejor guion original (Damien Chazelle). 

Fue premiada en otros muchos lugares o nminada en el Festival de Toronto - allí se llevó el Premio del Público (Mejor película), por el Círculo de Críticos de San Francisco , en los 21 Satellite Awards (International Press Academy), en los 23º Premios del Sindicato de Actores (SAG) , em el Sindicato de Productores (PGA), se llevó el de mejor dirección en los Directors Guild of America (DGA) y en otros Círculos como el de Críticos de Nueva York o Los Ángeles, Chicago o Boston o en los Critics Choice Awards. 

Por último, en los 41º Premios de la Academia Japonesa (Películas del 2017) se llevó el de Mejor film de habla extranjera.  

En cuanto a la crítica norteamericana los elogios fueron generales . Por ejemplo, A. O. Scott en el The New York Times comentó que "'La La Land' triunfa como una fantasía efervescente y una fábula pragmática, una comedia romántica y un melodrama sobre el negocio del espectáculo, un trabajo de sublime artificio y conmovedora autenticidad" 

Por su parte, Peter Travers Rolling Stone "La película del año (...) lo que hace a 'La La Land' un milagro es la pasión por el cine y sus posibilidades que irradia en cada fotograma (...)" 

Owen Gleiberman de Variety dijo de ella que "Es el musical más atrevido de la gran pantalla en mucho tiempo, y (...) eso es porque es el más tradicional (...) Es un paseo emocionante, ardiente y lleno de sentimiento, pasión, pero también exquisitamente - y a veces excesivamente - controlado." 

Todd McCarthy del The Hollywood Reporter escribió que "[Chazelle] realmente sabe cómo poner todo en escena y como mostrar la danza y los movimientos líricos, cómo hacer sin problemas la transición de producción convencional a escenas musicales (...) y cómo dar una nueva vida a lo que muchos consideran clichés con telarañas."

Alonso Duralde de The Wrap señaló que "El musical es un género tan maleable y ecléctico como cualquier otro, y Chazelle nos recuerda su eficacia, que hace que pueda servir tanto para momentos íntimos como para grandes momentos." 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw The Guardian dijo de ella que "Es un dulce drama lleno de energía (...) Muy pronto me encontré completamente absorbido por la simple vitalidad narrativa de esta película y las fantásticas interpretaciones principales de Ryan Gosling y Emma Stone, que están excelentes. (...) 

Para Robbie Collin del Telegraph "'La La Land' quiere recordarnos cuán hermosos pueden ser los sueños medio olvidados de los viejos tiempos (...) Tiene la cabeza en las estrellas, y durante algo más de dos maravillosas horas, también somos transportados allí. (...) 

Fionnuala Halligan del Screendaily sostuvo que "Para Chazelle, la historia es sólo un resorte ligero en torno al cual se construye una rapsodia moderna (...) Los entregados Emma Stone y Ryan Gosling son una elección perfecta." 

Ya en España,  Carlos Boyero en las páginas de El País se mostró muy amable con la película al escribir que  "Tras un brillante preludio llega una historia de amor bien contada, juguetona y cálida durante mucho tiempo (...) de un romanticismo creíble, nada empalagoso." En ese mismo diario Tommaso Koch comentó que  "De [Whiplash], La La Land tiene el ritmo, la fuerza musical, el sello personal y el poderoso arranque, aunque con el avance de los minutos vaya pasando de obra estupenda a buena." 

En  El Mundo Luis Martínez destacó la labor de "Chazelle da nuevos bríos al género con una encendida y enérgica reivindicación de la pasión, la melancolía y, finalmente, el deseo." 

En  ABC José Manuel Cuéllar puso el foco en la belleza del conjunto al decir que la película   "Destila una persistente belleza a cada minuto que pasa (...) Si la película es una joya, enorme, en sí misma, el final es tremendo, de lo mejor visto en años (...) sin duda, una de las mejores películas de 2017. (...) " 

Sergi Sánchez en La Razón comentó que era "Una deliciosa preciosidad que acaba de maquillarse para empezar su carrera hacia los Oscar." 

Quim Casas de la edición barcelonesa de El Periódico destacó que "Se trata de una operación de nostalgia (dentro y fuera del relato) algo impostada (...) tiene al mismo tiempo el interés (...) de su concepto escénico y argumental a destiempo (...) " 

En Cinemanía Carlos Marañón yNando Salva la elogiaron. El primero al decir que  "Como trampantojo de musical a contracorriente, es perfecto. Un artilugio formidable (...) extraordinario musical (...) Stone y Gosling hacen que salgas del cine cantando y bailando (...) " ; mientras que el segundo comentó que era una  "Película sin duda resultona (...) pero tiene varios problemas serios (...) todos sus números musicales son más bien mediocres (...) [y] la historia de amor que sucede entre ellos no aspira a ser más que un largo cliché." 

En  Fotogramas Manu Yáñez, primero escribió sobre ella que "La combinación actoral resulta perfecta (...) “La La Land” transita desde el musical más explosivo hasta las mansas aguas del drama sentimental." ; mientras que Antonio Trashorras en la misma  revista escribió que "Todo un canto (y nunca mejor dicho) a la acción continua y al ilusionismo escénico (...) Estamos ante una metódica, a ratos fascinante, recuperación de la alquimia formal del musical clásico (...)

Por mi parte reconocer que Chazelle tiene un talento innegable, mostrando una admiración por el musical en concreto yo veo un tributo a Minnelli y su Americano en París con sus rojos de Minnelli por extensión es un filme de amor al cine y a un género y es muy hábil en complacer al público . Lo peor desde mi punto de vista es el final opuest¡ a Minelli. Tanto Minnelli, tanto Minnelli y , al final, rompe con Minnelli. La, la , Land .

Navajo Joe

Después de western del buen western dirigido por el magistral Jacques Tourneur, le toca al turno a otro magnífico director como Sergio Corbucci, uno de los grandes del cine italiano de los setenta, integrante del trio "Sergio", junto Leone y Sollima, y que en el año 1966 hizo este Joe, el implacable interpretado por Burt Reynolds y que se presentó con a nivel internacional con el título de Navajo's Land o Navajo. Se trató de una producción de Dino de Laurentiis en las que también están como productores Luigi Carpentieri y Ermanno Donati cabezas visibles de la Dino de Laurentiis Production y la C.B. Films. La película, una historia de venganza surgido de la pluma de Ugo Pirro y que se transformó en guion por Fernando Di Leo y Piero Regnoli. La película contó con la música del gran Ennio Morricone, y seguro que su puntuación la has escuchado en otras películas. La luminosa fotografía correspondió a Silvano Ippoliti, mientras que el montaje fue labor de Alberto Gallitti y el vestuario de Marcella De Marchis Rossellini.

Al inicio vemos a una india , una nativa americana, que es brutalmente asesinada por una partida del malhechores en ese contexto que hubo en el que daban un dólar por cada cabellera recortada. Lógicamente a la india un hombre que más tarde reconoceremos como Duncan (Aldo Sandrelli)  le corta la cabellera. 

Pero la película se centra en la historia de Joe (Burt Reynolds), un indio navajo que quiere vengar la masacre que ha sufrido su tribu y en la que también ha sido asesinada su mujer. 

Después de masacrar una aldea india con su partida, el cazador de cuero cabelludo Duncan viaja a la ciudad más cercana. Antes de llegar tiene un encuentro con un indio que resulta ser Joe que lograr matar a los tres hombres de la partida de Duncan de forma brutal. Como no lo logra alcanzar prosigue su camino para la ciudad. Al llegar es informado que está fuera de la ley, pues la caza de cuero cabelludo de nativos ahora es ilegal. 

Duncan ante el anuncio asesina al sheriff y comienza a quemar la ciudad. En la ciudad, Duncan conoce a Chester Lynne (Pierre Cressoy ),  el doctor que se ha casado con una rica heredera. Lynne le cuenta que en un tren va a venir una buena cantidad de dinero a una ciudad cercana y le propone a Duncan ser su socio. A Duncan la idea le parece interesante y conspiran juntos para robar un tren lleno de dinero del banco. 

Mientras Lynne está contando su propuesta en la ciudad llega Joe que mata a otros dos hombres de Duncan y luego sale siguiendo un carromato y a sus tres perseguidores. 

En el carromato van tres artistas María , Bárbara y Geraldine - Tanya Lopert, Franca Polesello y Lucía Modugno) y su manager Chuck Holloway ( Nino Imparato), un músico, que habían  escuchado hablar del complot a Duncan y a Lynne y viajan al siguiente pueblo con el fin de salvar sus vidas y avisar a los habitantes de Esperanza y advertirles del robo que se va a producir. Una de las coristas va herida. 

Joe impide que los tres integrantes de la banda maten a las chicas, dirigiéndose luego al punto en el que él sabe que se va a producir el asalto al tren por parte de la gente de Duncan, que desvalijan el tren lleno de dinero. Varios miembros de la pandilla de Mervyn Duncan  matan a todos los pasajeros, mujeres y niños inclusive, pero no logran llevarse el dinero gracias a la intervención de Navajo Joe que frustra la apertura de la caja de caudales. 

Joe le roba el tren al grupo de Duncan y llega a Esperanza , en el momento en que una recepción por parte de las fuerzas vivas de la localidad lo espera como agua de mayo.

Allí por lo pronto está el Padre Rattigan (Fernando Rey), el alcalde, un par de Sheriff, una chica, la bella mestiza Estella (Nicoletta Machiavelli), el gerente del banco local,  Lynne, y su mujer Hannah, hija del gerente...

Lynne como Doctor atiende a la chica herida, pero ve que es la que lo puede reconocer le clava un bisturí y la mata. 

Joe pide a la gente de Esperanza que le paguen para protegerlos de Duncan, exigiendo: "Quiero un dólar por cabeza de cada hombre de esta ciudad por cada bandido que mate". 

La gente del pueblo lo rechaza porque "no hacen tratos con los indios". 

Hannah (Valeria Sabell), la esposa de Lynne, junto al Padre Rattingan los convence de lo contrario. 

Joe le tiende una trampa a Duncan, pero es atrapado y torturado, Chester Lynne, que dice ir a Wellington a pedir ayuda, aunque realmente va en busca de Duncan. Allí vuelve a negociar una treta con Duncan: irá simulando su secuestro por los bandidos. 

Mientras en Esperanza los ánimos se irán caldeando entre los parroquianos que han aceptado la ayuda de Joe. 

En el ataque de Duncan y los suyos  a la ciudad de Esperanza, que tiene como objetivo el asalto al Banco, cuya caja de caudales está vacía,  Lynne y Hannah mueren. Duncan se entera que el dinero lo tiene Joe. 

A pesar de que Joe se defiende no puede permitir que Estela sea torturada. Así pues , Joe se entrega siendo brutalmente torturado y golpeado salvajemente con los puños y con un látigo. Finalmente es colgado boca abajo ante la mirada de los habitantes de Esperanza. 

Rescatado por el músico que dirige a las artistas femeninas, Joe cada vez más cercano a Estela, espanta a los caballos vuelve a robar, gracias a las chicas, el tren y acaba con el grupo de Duncan que va intimidando, agrediendo y matando al grupo de los ciudadanos de Esperanza que están refugiados en la Iglesia, entre ellos al padre. 

Se produce un enfrentamiento en un cementerio indio, donde Joe recupera el colgante que Duncan le había robado a su esposa cuando la asesinó. 

Cuando Joe se da vuelta, Duncan le dispara con un arma oculta. Herido, Joe agarra un hacha de guerra y lo lanza, golpeando a Duncan en la frente. 

Con Duncan muerto, Joe envía su caballo de regreso a la ciudad con el dinero del banco. La gente del pueblo se sorprende de que Joe haya cumplido su palabra y se sienten aliviados de que les hayan devuelto el dinero. 

Estrella, decepcionada por las actitudes de la gente del pueblo y agradecida por lo que Joe ha hecho por ellos, envía el caballo de regreso para reunirse con él, dejando ambiguo el destino final de Joe. 

Spagueti western dirigido por Sergio Corbucci cineasta especialista en el género famoso por su importante colaboración al género de películas como Django. En esta ocasión contó como protagonista con Burt Reynolds en uno de sus primeros papeles para el cine. Reynolds es uno de en este caso un indio sediento de venganza que se enfrenta al malvado de turno papel interpretado por Alto Sambrelli , tan habitual en la filmografía de Sergio Leone.

La cinta que fue rodada íntegramente en España en localidades como Almería; Torremocha, Colmenar y gran parte de la película fue rodada en el Cortijo Anchurones de San Pedro cerca de Guadix, Granada y  está trufado igualmente de actores españoles como Fernando Rey, Álvaro de Luna oi secundarios como Ángel Álvarez, José Terrón, Lorenzo Robledo, Simón Arriaga, Cris Huerta, etc.,.

Para el tren americano se emplearon de hecho un tren español, la locomotora y tender RENFE 040-2169, un coche correo de dos ejes madera matriculado US MAIL 091, un coche de 2ª de dos ejes madera y balconcillos, de la compañía Wells Fargo Express. Todos ellos fueron modificados para parecer un pequeño ómnibus del Medio Oeste.

La película cuenta con la música de Ennio Morricone que la firmó pero con un seudónimo lo curioso es que aparece con algunos de sus acordes en la banda sonora en las películas "Kill Bill" del director Quentin Tarantino.

El productor Dino De Laurentiis se acercó al director Sergio Corbucci con un guion titulado Un dollaro a testa (literalmente, 'Un dólar por cabeza').

Corbucci afirmó que le habían prometido a Marlon Brando para el papel principal de la película, el de Joe, pero su caché era demasiado alto y se optó por un Burt Reynolds aún desconocido. Este aceptó pensando que el director iba a ser Sergio Leone, pero ya en Europa descubrió que el director iba a ser otro "Sergio" y no pudo echarse atrás. 

De Laurentiis eligió a Reynolds para el papel porque sentía que Reynolds se parecía a Brando. Además, Reynolds que era amigo de Clint Eastwood,  le había hablado maravillas de un director llamado Sergio. Eastwood le presentó a Reynolds a De Laurentiis, que buscaba un actor que pudiera hacer sus propias acrobacias. Reynolds viajó a Italia en abril de 1966. Más tarde hablando de su periplo en Europa, comentó que "... lo único que hoy en día puede hacer un actor americano es ir a Europa por 350.000 dólares, arrugar la película, saltar un par de veces y ya está hecho." 

Reynolds declaró que el equipo de producción italiano no sabía cómo eran los "indios reales", diciendo que su peluca lo hacía parecerse a Natalie Wood; y añadió: "... por supuesto, cuando interpretas a un mestizo tienes que ser estoico – y no puedes ponerte funky – y tienes que tener una voz profunda. Aparentemente no hay indios con voces agudas. Y tú "Tienes que afeitarte los brazos todo el tiempo. Es fácil llegar a la izquierda, pero intenta llegar a la derecha".  Al comentar sobre su papel en la película, Reynolds sintió que los aspectos físicos no le preocupaban, pero que su vestuario lo hizo. 

Burt Reynolds describió a Navajo Joe como "tan horrible que sólo se mostraba en prisiones y aviones porque nadie podía salir. Maté a diez mil tipos, usé una honda japonesa y una peluca aterradora".  Cuando Reynolds ganó un Emmy en 1991 por Evening Shade, dijo durante su discurso de aceptación: "Todas esas películas, Navajo Joe, dieron sus frutos, ¿sabes?".​

De Laurentiis anunció que la película sería parte de un acuerdo de seis películas que tenía con United Artists, que incluía películas tituladas Absurd Universe, Matchless, A River of Dollars (con Reynolds y Henry Silva, luego filmadas como The Hills Run Red con Thomas Hunter reemplazando a Reynolds), The Bandit (con Clint Eastwood) y Waterloo.

De Laurentiis recibió muchas reescrituras de guiones de Piero Regnoli y Fernando di Leo, y después del sexto borrador, aprobó el guion. Reynolds se sorprendió de que el elenco fuera predominantemente de habla no inglesa y que el director no fuera Sergio Leone como había pensado, sino Sergio Corbucci. Reynolds declararía más tarde que la película había fracasado porque había trabajado con "el Sergio equivocado". 

De su trabajo, Corbucci declaró que hizo "... westerns europeos como les gustan aquí. Mucha acción. Poca charla. Y tengo el privilegio de cambiar en cualquier momento el vestuario y la geografía". 

Navajo Joe fue lanzado en Italia en noviembre de 1966  y en Estados Unidos en 1967.

En una reseña contemporánea, Bosley Crowther de The New York Times descartó la película como "incolora" y otra de las "... 'westerns' súper sangrientas realizadas por italianos y españoles en España con actores italianos, españoles y estadounidenses". 

Variety señaló que el guión de Regnoli y Di Leo permitía "... movimientos rápidos que Corbucci maneja bastante bien", declarando finalmente que la película era "western en minúsculas... Está bien para el mercado de acción menor". 

Ken Tucker de Entertainment Weekly la calificó como "un fracaso italiano", considerándola inferior a otro western que revisó, Man of the West. 

De todas maneras hay que reconocer que es una película potente, violenta y reivindicativa como era tan común en el spaghetti western. 

Revisión tuitera de Una pistola al amanecer

Western distinto o alternativo como todos los que hacía Jacques Tourneur que en este caso nos cuenta una historia desarrollada en Colorado en los albores de la guerra civil norteamericana en el año 1861 y que es presentada como un drama y una historia de amor entre el protagonista y dos mujeres. 

Como dice el enorme crítico Fausto Fernández se trata de "Un western de Jacques Tourneur es doble felicidad y dicha para el fan del género y el amante del cine" en la que el crítico destaca la " Asombrosa capacidad de retratar las contradicciones morales de sus personajes la de Jacques Tourneur en esta sensacional película" . 

La película de Tourneur realizada para la RKO Radio Pictures se basa en un guion de Lesser Samuels y cuenta con la música de Leith Stevens y la fotografía de William E. Snyder. 

En medio de una partida de cartas que resulta favorable para el sureño Owen Pentecost se encuentra con que se ha convertido en el dueño del hotel Denver. 

Como dueño del hotel y más tarde empresario, descubrimos que Owen Pentecost, es un pistolero sin escrúpulos. Su vida transcurren entre dos mujeres que se enamoran de él: la empleada del saloon (Ruth Román  ) del que es propietario y una forastera que ha llegado con la intención de abrir una tienda de ropa femenina (Virginia Mayo). 

Con el comienzo de la Guerra civil algunas cosas cambiarán para él, pues nada más estallar los conflictos que preceden a la guerra de Secesión (1861-1865) se trasladan a Colorado y, finalmente, el estallido de la contienda sitúan a Owen ante un difícil dilema debido a su origen sureño. 

En la película del año 1956 y que ya comentamos hace unos años en esta entrada el protagonista es Robert Stack que está acompañado de Alex Nichol y los malvados Raymond Burr y Leo Gordon.

Miguel Ángel Palomo en El País sostuvo que se trata de un "Western arrebatado y pasional, ambientado en la fiebre del oro de Colorado. Personajes tormentosos se aman y se odian entre lo abrasador del paisaje, reflejado de manera insólita por los colores empastados de la fotografía de William Snyder. Magistral" 

En Twitter en la cuenta Cinepático lo califica de esta manera " Western duro, violento, suavizado por ese color unificador tan propio, y que nos plantea algo relativamente poco transitado como la convivencia entre unionistas y sudistas antes del estallido de la guerra. Ruth Roman maravillosa. "y otro tuitero , 

Rick Deckard, en otra cuenta, escribe que "Tourneur mezcla western con melodrama y lo adorna con una gran fotografía. Ruth Roman y Virginia Mayo se enzarzan en un duelo pasional con Robert Stack como espectador de lujo. Un relato complejo, emocionante y cargado de fatalismo. Lo tiene todo. " 

Pero de ello Alberto Abuín considera que " Una pistola al amanecer (Great Day in the Morning, Jacques Tourneur, 1956) gran western sobre la fiebre del oro y que además establece una curiosa reflexión sobre la Guerra Civil yanqui. Amores inesperados y odios ilógicos para un film muy violento. Uso irónico de la foto. " 

Y Fausto Fernández concluye diciendo "Quizás el más brillante, aunque todos lo son, de los westerns que dirigió el maestro Jacques Tourneur. Repleta de ideas de puesta en escena y narrativas y con un gran calado dramático, en la que un descreído Robert Stack entre Virginia Mayo y Ruth Roman, entre yanquis y confederados y entre la culpa y un incipiente amor paternal en un mayúsculo western de los mayúsculos westerns dirigidos por Jacques Tourneur " y concluye diciendo que "No es la primera vez que lo tuiteo, ni será la última: los westerns de Jacques Tourneur son especiales, distintos en su respeto enorme a las características del género. Son tan brillantes ". 

Y ya que hablamos de Twitter o X destaco uno que escribí en 2020 " Para mi uno de los más grandes. Da igual el género. Siempre sabía hacerlo a la perfección. Un ejemplo perfecto, Una pistola al amanecer. Aparentemente un western, pero es mucho más que eso. Sus diálogos, un lujo. Un director maravilloso." Me reafirmo en lo dicho. 

13 exorcismos

Es extrañísimo en el cine español una película que se centre en un exorcismo. Tan raro es que trece exorcismos viene a ser la primera película española que se centra en este tema. Se trata de una película de terror del año 2022 y dirigida por Jacobo Martínez, en lo que fue su debut como director.  Llama la atención la presencia de José Sacristán en el papel de sacerdote exorcista y aparece acompañado de Silma López, María  Romanillos, Ruth Díaz, Urko Olazábal, y Cristina Castaño. Pablo Revuelta, Daniel Arias, Alicia Falcó y Uri Guitart completan el reparto de esta película de la factoría Bambú, que se rodó integralmente en diferentes localizaciones de Galicia, siendo sus principales escenarios Ourense, Ordes y Santiago de Compostela. 

Se trata de una película de terror sobrenatural inspirada en casos reales de exorcismos documentados en España. De la película se adentra en el drama de una adolescente con problemas atormentados por una educación confesional opresiva, por sus padres que están en todo lo alto y encima le coartan en su libertad, sumando que además son unos cristianos convencidos bastante fanatizados. 

La historia nos cuenta como una joven Laura Villegas (María Romanillos)vive con sus padres y su hermano en un barrio humilde, bajo el atento control materno (Ruth Díaz) que actúa como una auténtica fanática religiosa, que amenaza permanentemente con el castigo divino y que obliga a rezar en todo momento . Laura es una buena chica, que como cualquier adolescente desea divertirse de vez en cuando con sus amigos. 

Pero la familia, no tanto el padre (Urko Olazábal), ha impuesto una dura moral católica aumentada por la muerte de uno de sus integrantes lo que ha condicionado el ánimo tanto de la madre así como del padre, el que se suma que el hermano mayor parece una minusvalía que lo tiene condenado a una silla de ruedas, y que la noche de Halloween la joven decide salir con una amiga, muy a pesar de sus padres y sin saberlo junto con los dos chicos y su amiga asisten una sesión de espiritismo donde además de beber alcohol mezclado con drogas y tras tener una un encuentro con un espíritu de una casa abandonada con historia de fantasmas comienza a comportarse de manera extraña. 

Alarmados los padres por la conducta de su hija tanto en la casa como en el centro de estudios donde incluso agreda un compañero a una profesora y tiene varias entrevistas con la orientadora, la familia acaba acudiendo al padre Olmedo ( José Sacristán) , un nuevo párroco que resulta ser uno de los 15 exorcistas autorizados para intervenir en caso de posesiones demoníacas.

Ramón Campos productor que encabezó un conglomerado en el que estaban Mr. Fields and Friends, Atresmedia Cine, Bambú Producciones, 13 E Movie, y guionista de la película - también participaron en el mismo Carlos Ruano, Salvador S. Molina, Gema R. Neira, Teresa Fernández-Valdés y David Orea-cuenta que la idea surgió tras percatarse de quien España no se habían rodado películas sobre exorcismos por lo que según explica campos " empezamos a documentarnos desde el último caso real sucedido en Burgos en el año 2014 hacia atrás y descubrimos muchos elementos en común".

La cinta dirigida por Jacobo Martínez, un hombre con una amplia trayectoria como director de fotografía, tuvo una recaudación en salas superior al millón d euros fue nominada a los mejores efectos especiales en los premios Goya del año 2023 y cuenta con el mismo equipo creativo que la exitosa creación Malasaña 32. En el apartado musical estuvo Federico Jusid.  

La crítica no fue muy generosa con la película , muy dura se mostró Elsa Fernández-Santos en las páginas de El País al escribir que "¿De verdad es necesario esto? (...) una ficción escorada a lo fantástico, mal construida y que aporta más bien poco al género. Ni siquiera el miedo más elemental." 

Beatriz Martínez, más generosan en el digital El Periódico de España escribe que la "Película que en su primera parte es capaz de crear las dosis justas de sugestión y de mal rollo (...) Sin embargo, a medida que avanza la trama, la perspectiva se difumina y vemos la parafernalia desde fuera (...)" 

No creo que esté tan mal, aunque es cierto que hace aguas cpmo película de miedo y que algunos personajes son caricaturas, como esa profesora siniestra (Cristina Castaño), el resultado final es una película correcta, entretenida, bien rodada y ambientada, con lagunas argumentales, con una María Romanillos que hace una buen trabajo, muy físico, pero que resulta en su conjunto poco consistente, pero para pasar el rato no esta mal, especialmente su primera media hora. No esperéis algo parecido a la maravilla que rodó William Friedkin.

Solomon Kane (revisión)

Revisión que he creído convenente hacer, ya que esta historia la suelo olvidar, y eso que fue la película con la que quise empezar un año, como ya comenté en esta entrada de 2018, y que en cada nuevo visionado me va gustando más,  tanto por su estética como por su música como por esa ambientación tan gótica, plumbea, en el sentido de que no para de llover o de caer algo parecida a la nieve, transformando esta historia en muy física al luchar no sólo contra el mal encarnado por Malachi y el mago Marcus, sino también por los elementos.  

Con Solomon Kane, Conan el bárbaro y sus restantes héroes, el icónico escritor norteamericano Robert E. Howard creo a finales de la década de 1920 y principios de la del 30, el género conocido actualmente como de "espada y brujería". Su obra ha generado innumerables imitadores y ha logrado una influencia en el género fantástico solo comparable a la de J. R. R. Tolkien, o más recientemente George R. R. Martín.

Solomon Kane es una oscura y serie historia épica y fantástica de acción y aventura basada en el personaje de Howard llamada "The Salvage Tales of Solomon Kane". Howard la presentó a una revista "pulp" de la época de la Gran Depresión llamada "Weird Tales" y el resultado fue "Red Shadows" (Sombras Rojas), la primera de todas las historias protagonizadas por el vengativo puritano Solomon Kane, que apareció por primera vez en el número de agosto de  1928. 

Sus obras lograron un gran éxito entre sus lectores, al igual que la cada vez más sombría visión del mundo de Howard , una perspectiva sangrienta, oscura y fatalista , alimentada por intensas tendencias depresivas suicidado ( de hecho el escritor comenzó suicidándose) y amplios estudios de historia, guerra , filosofía y política. 

Está adaptación, con dirección y guion de Michael J. Bassett, está protagonizada por James Purefoy, Max con Sydow, los hermanos Patrick y Rachel Hurd Wood, Peter Postlethwaite y Alice King. La película obtuvo el Premio del Público en el Fantasporto de 2010.

De ella dice Fausto Fernández en Twitter - ahora X- que está basada en la obra del emperador de los pulps " Robert E. Howard y su pulpie puritano azote de brujas y demonios" creando en esta película un "pulp pintón".  

Fuego

Claire Denis es una directora singular, creadora de imágenes impactantes que no suelen pasar inadvertidas. En sus películas el sexo tiene una buena presencia y suele contar como actriz fetiche con Juliette Binoche. 

De estos postulados se han cumplido algunos no todos en la película fuego aunque su título en francés es Avec amour et achanement, que significa "Con amor y determinación" una historia centrada en un triángulo amoroso , en el que una mujer que comienza a replantearse su actual relación el día en que vuelve a ver a su antiguo amor. Las responsables del guion son las mismas Claire Denis y Christine Angot , cuya novela Un punto de inflexión en la vida de Christine Angot es la que es llevada a la gran pantalla. En la misma trabajan en la dirección de fotografía, Éric Gautier; mientras que el responsable del sonido fue Jean-Paul Mugel, Emmanuelle Pencalet en el montaje, quedando el vestuario en Judy Shrewsbury, la decoración en Arnaud de Moleron y la música original de Stuart Staples. En la producción está Olivier Delbosc como productor principal respaldado por la productora Curiosa Films.

Cuando se conocieron Sarah (Juliette Binoche) , la protagonista, vivía con François (Grégoire Colin) el mejor amigo de Jean (Vincent Lindon). Ahora, Jean y Sara se quieren y viven juntos desde hace 10 años. Los conocemos en el agua, dándose un baño en el mar. Parece estar enamorados. 

Un día Sarah cuando está a punto de entrar en la sede de la emisoria de radio en la trabaja, ve a François de nuevo y aunque él no se da cuenta, a ella le invade la sensación de que su vida podía caminar repentinamente.

Casi , en paralelo, nos enteramos que François ha ofrecido un trabajo a Jean que está en paro y que no tiene ni para tener una tarjeta de crédito.

Sarah comienza un peligroso juego en el que pone sobre el tablero la vida que hasta entonces tenía. Esta mujer inicia la búsqueda de un deseo el de encontrarse a sí misma y esa libertad que añora en un mundo que siempre le ha puesto reglas. Sin embargo aclarar su duda le supondrá un gran coste personal y sobre todo emocional. 

Ella mantiene con ya una relación aparentemente normalizada llegando bien que él tenga que ir a otra localidad en muchas ocasiones para atender a su madre anciana, Nelly (Bulle Ogier) y a su hijo, Marcus (Issa Perica), fruto de una relación anterior con Gabrielle (Mati Diop), que vive con ella en otra localidad, en Vitry y en plena pandemia de COVID. 

Su hijo, con el que mantiene una tensa, pero dolorosa relación, fruto de una relación anterior en mestizo pero se siente insatisfecho consigo mismo. No sabe que estudiar o al menos a su padre no le parece bien lo que ha decidido incluso acepta postulados políticos intransigente sin rigor y sin principios claro. De hecho, en ocasiones desaparece así que va a buscarlo. Lo reencontramos junto a su madre. 

Jean a pesar de tener su propio proyecto relacionado con el deporte acepta trabajar en la agencia de François , una agencia para descubrir a jóvenes deportistas (jugadores de rugby) con potencial. 

La relación de Jean con Sarah se va deteriorando especialmente cuando Sarah inicia una relación intensa con François que quiere recuperar esos 10 años de alejamiento. El primer encuentro es un flechazo entre la antigua pareja. Desde entonces mantienen una relación amorosa. Además François no oculta la relación que tiene con Sarah y se lo hace saber a Jean, un día cuando lo espera incluso en la casa de Sarah, esperando a Jean.

Jean recibe toda una información sobre los sentimientos de François y Sarah, mostrando a Jean los mismos mensaje que el ex marido dice tener de Sarah, y auqnue ella le quiere rebatir, lo cirto es que niega las acusaciones con poca convicción. Jean amenaza con romper todo en la casa, aunque finalmente parece romper su relación sin gestos físicos algunos. 

Llama la atención, además, que Jean pasó por la cárcel aunque no tenemos muy claro el motivo,  posiblemente, por violencia de género fuese la razón. El hecho de que ella reconozca que tiene una escopeta cargada en un armario pudiera ser. 

Finalmente la relación entre Sarah y Jean acaba rompiéndose aunque parece que a ella lo que más le molesta es que este ponga en duda sus palabras, su compromiso, incluso, su móvil. 

En los títulos finales vemos que Jean está junto a su hijo Marcus oteando a jóvenes jugadores. 

El rodaje tuvo lugar principalmente en París entre diciembre de 2020 y enero de 2021 , y , en parte, se rodó en los locales de radio RFI durante el mes de enero, ya que ella trabaja en la Radio, y cerca del Canal Saint-Martin , aunque también se rodó en una playa como vemos a inicio de la película, así como en el Estadio de Bayonne. 

La película cuenta con intervención a través de videoconferencias de periodistas en Beirut sobre la migración libanesa o sobre el exfutbolista Thuran sobre el racismo en Francia. 

La película ganó el León de Plata la mejor dirección en la edición de la Berlinale de 2022. 

La prensa se mostró en general favorable a la película, tanto por su interpretación como por su guion. Para la revista Elle , el largometraje está “servido por magníficos intérpretes, un formidable thriller marital, con palabras como armas letales” . 

En Les Inrockuptibles destaca el logro con una “cineasta [que] explora los trastornos de la esquizofrenia romántica con un talento deslumbrante” . 

En su reseña, L'Humanité, el diario fundado en 1904 por Jean Jaurés,  destaca, entre otras cosas, "la mirada aguda de Christine Angot sobre la pareja y el amor que duele, así como el talento de Claire Denis para filmar cuerpos impacientes" e invita a ver la película por "la fascinante partitura interpretada por Juliette Binoche y Vincent Lindon, en su mejor momento” . 

En  la versión francesa de Slate.fr , Jean-Michel Frodon subraya que "la belleza orgánica del cine de Claire Denis circula allí, en esta fluidez que ninguna resolución, ninguna revelación, ninguna traición puede eludir y mucho menos explicar. " 

El sitio web Critikat.com muestra algunos matices sobre la película . Para su crítico, la película, “que aspira claramente a una cierta dureza (...), abunda en secuencias desagradables: salvo algunas excepciones (...), todo es gris, bloqueado, sin profundidad, mientras que la elección del ámbito contribuye al martilleo de la misma dinámica (...) y al aplastamiento generalizado de rostros” . 

Para La Voix du Nord , el largometraje se divide en dos con una primera parte cuyo “aura de misterio, incómoda y excitante, se desvanece en una segunda parte mucho más esperada, sin matices, escrita de antemano”. 

Más incisivamente, Libération habla de una “experiencia [que] es extremadamente desagradable, y se nos ha escapado el interés que deberíamos encontrar en ella” . 

En Le Figaro el que escribe comenta, lacónicamente,  que “los actores hacen el trabajo pero no todo es muy emocionante”

Ya en los Estados Unidos se apuntó que "Esta enrarecida relación a tres" - en opinión del crítico de Variety-  " es una rica exploración del deseo femenino". Por su parte, en la prensa británica, Jonathan Romney de Screendaily escribió que era "Una película quintaesencialmente 'denisiana' (...) Los duetos de [Binoche] con Lindon muestran a dos actores trabajando al máximo, con un nivel de consciencia y sutileza que compensan en una confrontación totalmente bergmanesca"  

Ya en España, Elsa Fernández Santos en El País consideró que "‘Fuego’: Juliette Binoche se quema en su triángulo amoroso. La cineasta francesa Claire Denis explora las pasiones maduras en un filme que se queda por debajo de sus posibilidades"Y añade ""El principal problema (...) es que Denis reduce al personaje de Binoche a una mujer errática (...) sin que su dilema nos acabe de importar. (...) Con todo, Denis sabe envolver su cine de tensión y misterio"

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC la película tiene "Todo (...) hay que peinarlo de los dolientes diálogos, de las miradas llenas de dobleces y de las interpretaciones un poco al límite de los protagonistas (...) Muchas dudas, buena película francesa. (...) " 

En Fotogramas Sergi Sánchez  considera que "Un triángulo amoroso que la cineasta deconstruye con su particular estilo (...) Podríamos decir que la película transcurre en una temporalidad emocional, y esa es la fuerza íntima que la alimenta, a menudo de una forma muy hermosa" 

En  El Cultural Juan Sardá afirma que es  "Es un drama bien hilado, muy bien interpretado (...) Es una película “adulta” que deja la impresión de haber visto a personas de carne y hueso enseñando las entrañas. (...) un filme notable" 

Por su parte, dos mujeres valoran muy positivamente la película. Es el caso de Paula Arantzazu Ruiz en Cinemanía "Una de las películas más deliberadamente ásperas de Claire Denis. (...) Una telaraña de mentiras, otra gran película de Denis. (...) "  ; y de Desirée de Fez en Fotogramas, al comentar que la película "Habla desde la piel, con la cámara atenta al cuerpo de los personajes, la ambigüedad de las emociones, las contradicciones del afecto y el conflicto entre el pensamiento y el deseo. (...) ".

Los cuentos de Hoffman

Tuvo que ser sobre el curso 1990-1991 cuando tuve que dar la asignatura de música. Aquel año al ser una sustitución y al no darme el profesor titular directriz alguna, decidí centrarme con los alumnos el tiempo en el que di la clase en la música y en composiciones de ópera y opereta . Fue allí cuando di con el mágico barcarola de Jacques Offenbach. 

Aprovechando eso, cuando  llegó al Gran Teatro de Córdoba la obra Los cuentos de Hoffmann, una ópera fantástica del compositor y violonchelista francés de origen alemán, pues nació en Colonia,  Jacques Offenbach, que desarrolla los relatos que escribió el autor del Romanticismo alemán que inspiraron esta ópera, decidí ir a verla. Era un frío domingo por la tarde. 

Cuando Offenbach murió en octubre de 1880 con su ópera inconclusa, el encargado de finalizarla fue Ernest Guiraud, que, apremiado por el director de la Ópera Cómica de París, donde se estrenaría el 10 de febrero de 1881, se encargó de finalizar esta ópera fantástica de Offenbach, justo cuatro meses después de la muerte de éste, con la consiguiente supresión de algunos números e incluso de un acto. Además de terminar la orquestación compuso una música adicional para sustituir los números hablados por música en este drama por la pérdida del amor. Esto dio lugar a que , desde el inicio, la obra tuviese muchos detractores porque no los consideraron originales de Offenbach. Sin embargo, el modelo parece ser que se fijo en 1907.  

Como es lógico yo no voy a hablar de los que vi hace más de 30 años en el Gran Teatro, sino de The tales of Hoffmann, una película del año 1951 de London Films y The Archers ,  made in England - como aparece al final de la pelicula- , rodada en Technicolor dirigida por Emeric Pressburger y Michael Powell, que aparecen como productores, directores y guionistas. 

La película se adaptó al inglés por Dennis Arundell, partiendo del texto francés Jules Barbier. Como director de orquesta participa Sir Thomas Beecham que dirige la Royal Philharmonic Orchesta. Los cantantes principales, además de Robert Rounseville y Ann Ayars, fueron también participan Dorothy Bond, Margherita Grandi, Monica Sinclair y Bruce Dargavel. 

El diseño de la película fue Hein Heckroth, mientras que en la fotografía fue la borde Christopher Challis, quedando la dirección artística en manos de Arthur Lawson y el montaje en reginald Mills. La coreografía fundamental en esta película,  fue de Frederick Ashton. La película fue rodada en London Film Studios, sito en Shepperton. 

La película cuenta en la historia de un poeta melancólico que reflexiona sobre las tres mujeres que amo Olimpia, Julieta y Antonia en tres espacios distintos como son el París preindustrial, los canales de Venecia y las ruinas de Grecia pero que también perdió en el pasado. Olimpia, una muñeca mecánica, Giulietta, una cortesana veneciana y Antonia, la hija cantante de un célebre compositor. 

Tanto la ópera como su adaptación cinematográfica están basadas en los cuentos del escritor romántico  Theodor Amadeus Hoffmann: Der Sandmann, Rath Krespel y Das verlorene Spiegelbild, tres relatos que se transformarán en "Los cuentos", aunque el prólogo será en una taberna de Nüremberg, donde vemos al joven Hoffmann, un poeta enamoradizo y desafortunado en asuntos del corazón que les cuenta a los estudiantes tres historias de amor que vivió en el pasado. 

En realidad, está haciendo tiempo durante el entreacto de un ballet de cuya intérprete está locamente enamorado. En el prólogo, Hoffmann (Robert Rounseville) está entre el público en una actuación de Stella (Moira Shearer), una primera bailarina, de "El ballet de la libélula encantada". Stella le envía a Hoffmann una nota pidiéndole que se reúna con ella después de la actuación, pero la nota es interceptada por su rival por el corazón de la bailarina, el concejal Lindorf (Robert Helpmann). 

Al no haber recibido su nota, Hoffmann va a la taberna en el intervalo, donde cuenta la historia de un payaso, Kleinzach (Frederick Ashton), y tres historias de sus amores pasados: Olympia (Moira Shearer), Giulietta (Ludmilla Tchérina) y Antonia (Moira Shearer), y se emborracha. 

Las historias siguen un patrón similar que comienza con el enamoramiento de Hoffmann de una mujer, las dificultades impuestas por un detractor (de las que advierte un fiel amigo, Niklausse, al que el poeta hace caso omiso), la consecución de la dama y, finalmente, su pérdida, bien por su negativa o por otras circunstancias más rocambolescas

En la primera historia, Olympia es una autómata creada por el científico Spalanzani (Léonide Massine, en lo que se puede ver como una grotesca caricaturización de un judío avaricioso) y el fabricante de espectáculos mágicos Coppelius (Robert Helpmann). Hoffmann se enamora de la muñeca, ignorante de su artificio.

En la segunda historia, Hoffmann en Venecia se enamora de Giulietta, una cortesana, pero ella lo seduce para robar su reflejo para el mago Dapertutto (Robert Helpmann). La escena inicial del "Cuento de Giulietta" (donde Giulietta interpreta la "Barcarolle", el tema más famoso de la ópera) se escenifica en una góndola que se mueve a través de canales venecianos deliberadamente artificiales, aunque en realidad no parece moverse en el agua.

En la tercera historia, Antonia es una soprano que sufre de una enfermedad incurable y no debe cantar, pero el malvado Dr. Miracle (Robert Helpmann) la hace cantar y ella muere, rompiendo los corazones de Hoffmann y su padre, Crespel. 

Cada cuento marcado por un color primario que denota su tema. "The Tale of Olympia", ambientada en París, tiene contornos amarillos que resaltan la farsa y el tono del primer acto. "El cuento de Giulietta" es una representación infernal de Venecia, donde se utilizan colores oscuros, especialmente el rojo. El cuento final, ambientado en Grecia, utiliza diferentes tonos de azul, aludiendo a su triste naturaleza. 

El diseño de la escenografía se hace deliberadamente para que parezca artificial con los trajes estilizados de manera similar. 

En el prólogo de la película, se excluye toda la música de Lindorf, lo que lo convierte en un personaje mudo; la profesión de Stella se cambia de una cantante de ópera que aparecen en Mozart 's Don Giovanni a una bailarina de ballet; "The Tale of Antonia" se abrevia y termina con el poderoso trío de Antonia, el fantasma de su madre y el Dr. Miracle en lugar de la escena de la muerte de Antonia; El papel de Nicklaus se abrevia, aunque Nicklaus (interpretado por Pamela Brown) todavía aparece. 

En la primera de las musas, Olimpia, descubrimos que es en realidad una muñeca mecánica construida por un inventor llamado Spalanzani en París. Pese a las advertencias de su amigo Niklausse, que le intenta hacer ver su existencia irreal, Hoffmann sucumbe a sus canciones y comienza a bailar apasionadamente hasta que a la muñeca se le desarman los brazos. El enamorado es objeto de burla entre todos los presentes. 

Los románticos canales de Venecia serán el decorado ideal para esta última aventura amorosa con Giulietta, una hermosísima cortesana, por la que también beben los vientos dos malvados villanos, Dapertuto y Pitichinaccio. Este último es capaz de robar el alma a sus oponentes y para ello no dudará en comprar a la bella Giulietta con un diamante. Hoffmann, que hace lo imposible por lograr la llave de los aposentos de la joven, entra cuando ésta ya ha partido. La imagen de una góndola que transporta a la cortesana y a Pitichinaccio destroza de nuevo el corazón del poeta. 

La tercera historia , la de Antonia, otra desventura amorosa transcurre en Grecia y está protagonizada por una mujer hermosa pero con una salud muy débil. La joven mitiga su carencia cantando y su voz consigue embelesar a Hoffmann, que comparte con ella un apasionado dueto. 

En su historia se cruza el malvado doctor Miracle que toca enloquecido su violín para que Antonia cante sin cesar. Este sobreesfuerzo le provocará la muerte ante la impotencia de su padre y del propio poeta. 

En entradas anteriores hemos hablado del tándem Pressburger / Powell y de la enorme importancia que tuvo en la renovación del cine británico de postguerra. Como los Archers  nos devuelven a la línea marcada por obras como a vida o muerte Narciso negro o Las zapatillas rojas, aunque la película que he visto hoy está más en esa línea no solo por la temática sino también por la participación en ella de la bailarina Moira Shearer, quien también estuvo presente en las zapatillas rojas. 

En este caso Moira es la protagonista de la historia de Olimpia o de Copelia en la versión cinematográfica de los cuentos de Hoffmann.

De ella la crítica ha comentado que "La última obra maestra de la etapa imperial del dúo de cineastas" según consideró Jake Cole en Slant ; o Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times al decir que se trataba de "Una experiencia estética envolvente que puede considerarse una forma de arte en sí misma". 

Para Donna Bowmanen AV Club es "Una de las combinaciones más completas de color, movimiento y música de la historia del medio". 

En Gran Bretaña Kate Muir escribió en The Times que era "Una obra de exceso histérico y extravagancia ostentosa que no se parece a nada de lo que se pueda ver en el cine" mientras que Tom Huddleston en Time Out la valoró "Como obra de cine puro e imaginativo, roza la genialidad". 

  

En Argentina Diego Brodersen de Página 12 señala que "Elimina por completo los diálogos convencionales, transformando al canto y al baile en los únicos medios mediante los cuales los personajes conversan, discuten, reflexionan, disfrutan y sufren. El resultado es un film extraordinario."

Para Terenci Moix la película fue otra operación de prestigio del tándem adornada con todas las virtudes y defectos de un género de por sí híbrido y proclive al kitsch. En cualquier caso la reconocida capacidad de la pareja para la invención plástica triunfó en la escenificación de las tres historias y especialmente en la de Barcarola, integrada al inicio y al final del segundo cuento de Hoffman. En esta historia es la siempre estilizada Ludmilla Tcherina convertida en la cortesana Giulietta, avanzaba lentamente en una góndola por una Venecia idealizada en deformaciones visuales basadas una vez más en la tradición surrealista. En realidad la búsqueda de elementos fantásticos hizo que este filme estuviese más cerca de Hoffman que de la obra de Offenbach. 

Con la Tcherina , escribe Moix, y los bailarines Antonio y Rosita Segovia rodaron España un curioso producto para turistas cultos titulados luna de miel (1958), solo destacable hubo una vez más por las implicaciones surrealistas del ballet de Los amantes de Teruel. 

La película presentaba en Cannes, pero además fue ganadora del Oso de Plata en el Festival de Berlín y del Premio Especial del Festival de Cannes, Obtuvo igualmente dos nominaciones al Oscar , a la Mejor dirección artística (Color) y al vestuario (Color)

Al final reconozco haber visto una joya, alejada estilísticamente y conceptualmente de lo que ahora se podría hacer, pero es un delirio visual con escenas tan maravillosas como el descenso por una falta escalera visto cenitalmente o podríamos considerar que es una obra de estética kitsch y cierto que lo es dado algunos de sus excesos pictóricos y visuales, tan del gusto de la opera, pero no deja de ser , como igualmente lo fue, Las zapatillas rojas, una obra maestra del musical producto del maridaje del cine y de la ópera , que he disfrutado gracias a la versión restaurada por Martin Scorsese. Magnífica.