The movies: los ochenta

Pude ver en el año 2020 el capítulo titulado los 80 que empieza con toro salvaje la inmensa película de Martín Scorsese, considerada como una de las principales películas de esa década. Una película que en la que un director y una actor encuentran la historia idónea para contar la vida de Jack laMotta. Es como ver a un animal el resultado es una película que conjugan magníficamente la debilidad con la brutalidad. La historia de un hombre lleno de contradicciones. Se trata de una película muy personal y muy pasional  que seguía la línea de las películas de los años 70 prueba de ello son igualmente el hombre elefante de David Lynch del año 1980 o quiero ser libre de mí del mismo año dirigido por Michael Apted. Esto también es visible en la película A la caza (1980) de William Friedkin con Al Pacino como protagonista. 

La película que le quitó el Oscar a Toro Salvaje fue Gente corriente de Robert Redford. Se trata de una película que es un estudio de una familia que vive en plena crisis. Te veo haciendo este papel y ella se sintió muy atraída estaba con Mary Tyler Moore, Donald Sutherland y Timothy Hutton. Esta película estaría en la línea de lo que más tarde presentó David Lynch en Terciopelo Azul (1986). 

En esta misma década Martín Scorsese en el año ochenta y dos se estrenó el rey de la comedia / The ring of comedy. También del año mil novecientos ochenta es El Resplandor de Stanley kubrick. Desde el punto de vista técnico fue excelente. En ese mismo año fue la puerta del cielo de Michael Cimino, película determinante en la historia del cine sobre todo en la relación existente entre estudio y director. 

El Imperio contraataca del año ochenta de Irving Keshner impuso a otro tipo de película. Fue una auténtica revolución marcando un antes y un después. Trataba sobre el padre ese hijo y la personificación y la lucha entre el bien y el Mal. En este tipo de género de aventura en el año 1981 y vinculado con con Steven Spielberg aparece la figura de Indiana en el busca del arca perdida. El éxito de Spielberg se presentó el año siguiente en 1982 con el estreno de E.T el extraterrestre. 

Durante los ochenta el género del terror también cambió y presentó nuevos variantes en el género entre ellas está la película Postersgeist de Tobe Hopper. También la relación no con el medio miedo pero sí con la aventura la tenemos en Los Goonies la película del año 1980 cinco dirigido por Richard Donner. Para mil novecientos ochenta y cuatro Spielberg se le ocurrió la historia de un suburbio que se iba a encontrar con la invasión de unos seres extraños como Los Gremlins. 

En novecientos ochenta y cinco el género también de fantasía y ciencia ficción tiene una nueva vuelta de tuerca con una película común retorno nuevo al futuro de Robert Zemeckis (1985). Ese mismo director en el año 1988 estrenó una película tan fantástica como ¿Quien engañó a Robert Rabbit? , para Tom Hanks la película más complicada en rodarse posiblemente de la historia del cine puesto que para ese año los efectos especiales digitales no habían sido desarrollados. 

Mil novecientos ochenta y siete el holandés Paul Verhoeven estrenaba Robocop, una película sobre el futuro. 

También hay películas apocalípticas como en 1997 rescate en Nueva York estrenada en 1981 equilibrio y que dirige John Carpenter. Por eso surgió es el subgénero de política de película de acción postapocalipticas. Dentro de este género aparece Max Mad 2, una película australiana de George Miller. Es todo tan duro que parece una película de heavy metal llena de rock and roll. 

En Brasil una película del año 1985 dirigida por Terry Gillian también nos presenta un futuro que nos abruma. 

En 19 82 se estrenó Blade Runner de Ridley. Scott una película basada en una obra titulada suenan sueñan los androides con las ovejas eléctricas. 

En relación a Riley Scott comentar que si alguien había sido una auténtica revolución Aliens, el regreso o Aliens 2 (1984)  de James Cameron fue otra vuelta de tuerca al género de la ciencia ficción.

Si alguien fue un bombazo Atracción Fatal (1987) también fue un bombazo en la cartelera. Glenn Close y Michael Douglas dieron una lección de como una película en la que una relación fuera del matrimonio acababa siendo una locura para el interviniente. Puso a la actriz en el disparadero como buena actriz algo que igualmente demostró en el año 1988 con las amistades peligrosas de Stephens Frears. Una película en la que el final inicial previsto en el que ella se suicidaba cortándose el cuello se transforma en un asesinato por parte de la mujer del protagonista. 

En mil novecientos ochenta una película de Colin Higgins titulada Como eliminar a su jefe (1980) en la que aparece Jane Fonda pero también Dolly Parton y algunas temas se convierte en una comedia de éxito en el que se reivindica el papel de la mujer trabajadora. Una película que habla de la sororidad y el feminismo. 

Sobre el mundo del periodismo aparece en la película Al filo de la noticia / Broadcast News (1987) dirigida por James L. Brooks. Fue la película que lanzó a Holly Hunter. Relacionada igualmente con el mundo del trabajo y el papel de la mujer está la película Tootsie (2982) de Sydney Pollack, en la que un hombre en este caso asume el rol de mujer para encontrar un trabajo. Veredicto final (1982) es otra de las grandes películas de los años 80, de Sydney Lumet, basándose en la obra de David Manet. 

Reencuentro / The Big Chill (1983) de Lawrence Kasdan es otra de esas películas que van a marcar una senda en los años 80 es una de las mejores actuaciones. En la historia de un grupo de amigos que se reencuentran cuando habían dejado de estar juntos desde finales de los 60 cuando eran unos anti sistemas pero ahora son y están integrados en el sistema. Trata sobre la amistad sin hacerse mayor. 

La fuerza del cariño de James L. Brooks del año 1983 también marcó parte de la década cinematográfica. Donde interpreta a una mujer que inicia a una relación con Jack Nicholson . Se le considera el primer gran drama comedia. James Brooks consiguió aunar humor tragedia como. 

Hannah y sus hermanas del año 1986 y dirigida por Woody Allen. El año anterior había hecho la rosa púrpura del caigo y año después Delitos y faltas. Todo al estilo Allen. En todas ellas participan mia farrow. Películas donde se habla de la condición humana de la vida de la cotidianidad de las relaciones. 

En 1989 se estrena cuando Harry encontró a Sally (1989) de Robert Reiner sobre eso película que también marcará la tendencia de la comedia y lanzará un actor como Billy Cristal y Meg Ryan, escena del restaurante ha pasado la historia. 

Posiblemente menos famosa es Aquel excitante curso / Fast Times At Ridgemont High (1982) de Amy Heckerling, una directora que sabe sacar partido de los teenagers. Un reparto del que salieron muchos jóvenes actores entre ellos Sean Penn. En otra película en este caso dirigida por Cameron Crowe en el año 1989 y titulada Un gran amor, toma final en la que aparece el protagonista, John Cusack,  con un radiocassette poniendo música a toda pastilla delante de la habitación de la protagonista femenina ha pasado a la historia del cine igualmente. 

Los ochenta fueron una incubadora de nuevas voces de nuevos actores de nuevos temas y de nuevos protagonistas. 

En la segunda entrega de esta serie sobre los ochenta destaca el papel por ejemplo que jugó un director como Rob Reiner responsable que fue por ejemplo de This is Spinal tap (1984) sobre un grupo ficticio, una banda de rock and roll que se iba de gira. Una película improvisada en su totalidad. Es el mismo director de La princesa prometida película del año 1987 que le da la vuelta a un cuento. Y La princesa prometida es una mezcla de romance historia de capa y espada una película acción un cuento. Mil novecientos ochenta y seis el año anterior había hecho Quédate conmigo, Stand by me, una película sobre el paso de la infancia a la juventud basada en la obra de Stephen King e igualmente fue el responsable o al menos el inspirador de películas como Un, dos, tres splash (1984) del director Ron Howard, película que colocará en el centro de la atención a Tom Hanks ya una vez ya y compañera Darryld Hannah 

Pero es que en 1980 aparece un cada tipo de comedia absurda que tendrá un éxito enorme como airplane o Aterriza como puedas firmado por el tándem integrado por David  y Jerry Zucker y Jim Abraham (ZZA). Posteriormente Atrapalo o agárralo como puedas del año 1988 firmado únicamente por David Zucker; pero en esa década aparecen otras películas como loca academia de la política con todas y cada una de sus salas así como Cocodrilo Dundee (1986) de Peter Fairman. 

Quien estaba tres solteros y un biberón (1987) inspirada en una película famosa francesa de Leonardo Nimoy, que iniciaba el ciclo de películas inspiradas en el cine francés y trasladadas al cine de Hollywood algo menos creativo e inspirador. También fue muy importante la incidencia de los protagonistas de Saturday Night Live como protagonistas en algunas películas. Ejemplo claro de la misma fue granujas a todo ritmo también conocida como The blue brothers (1980) con John Belushi y Dan Aykroyd  , dirigida por el mítico John Landis. De aquí salieron muchos actores y actrices y la inspiración para muchas películas. Por ejemplo de esto es el club de los chalados (1980) de Harold Ramis con Bill Murray y Chave Chase, espías como nosotros (1985) de John Landis, Tres amigos o Las vacaciones de una chiflada familia norteamericana (1983) de Harold Ramis con la mítica los cazafantasmas / Ghosbusters (1984) de Iván Reitman, escrita por Ramis y Akroid y en la que salen además de ellos del Murray, Rick Moranis y Sigorney Weaver, película que mezcla la acción, la comedia y el suspense. 

También aparecen nuevos cómicos envuelto en películas de acción. En caso evidente es la película límite 48 horas de Walter Hill (1982) con Eddie Murphy haciendo un cine propio del gusto de los blancos pero con el humor ir dirigido para la comunidad negra. Después hizo Entre pillos anda el juego de John Landis en el año 1983 junto con Dan Aykroyd y Eddie Murphy, más tarde el éxito de taquilla, en mil novecientos ochenta y cuatro con Superdetective en Hollywood / Beverly Hills Cop dirigida por Martin Brest. 

Eddie Murphy en los ochenta equivalía a comedia. Siempre hacía el papel de chicos listo, divertido capaz de salir de cualquier situación complicada por su buena cabeza. Teniendo como argumentos principales la raza el mismo Eddy Murphy dirigido por John Landis hará en el año 1988 el príncipe de Zamunda. Aunque según yo Landis en esta película el color era intrascendente. Apenas salen personajes blanco y el único que sale lo interpretado por Murphy. 

En 1983 se estrena Risky Business de Paul Brickman con Tom Cruise. Una película que es una reflexión sobre el capitalismo. Tres años después Tom Cruise es el protagonista de Top Gun (1986) de Tony Scott. Ese mismo año protagonizó junto a Paul Newman El Color del dinero un estreno de Martín Scorsese. Fue una especie de secuela del Buscavidas, de lo nuevo y lo viejo. En 1988 lo encontramos trabajando en una película junto al director Barry Levinson como Rain Man. 

En esa década comenzará la saga de Rambo de Sylvester Stallone cuando en 1982 protagonice Acorralado o First Blood de Ted Kotcheff. En 1985, el papel de Rambo ya no es el perdedor abandonado en su país para convertirse en un héroe americano visible en Rambo 2: Acorralado Parte II de George P. Cosmatos. También -y en paralelo - Stallone continuará con la saga Rocky, iniciada en la década anterior, con Rocky 3 (1982) dirigida e interpretada por el mismo como Rocky IV (1985) siendo el actor igualmente guionista y director. 

En la misma época aparece Arnold Swazanegger con su icónico Terminator (1984) de James Cameron. El cuache será protagonista de múltiples películas como Comando (1985) de Mark Lester, Conan el Bárbaro (1982) de John Milius. O Depredator (1987) de John McTiernan.  Tal vez fueron necesarios para que fuesen  surgiendo otros como Chuck Norris protagonista de desaparecido en combate película del año 1984 dirigido por Joseph Zito, con las películas del belga  van Damme lista entre otras de contactos sangriento (1988) de Newt Arnold. Todo era un intento de reflejar la masculinidad propia de los 80. 

Sin embargo, un nuevo héroe nace en los ochenta, John McCline, el protagonista de la saga la Jungla de Cristal ( Die hard, 1988) dirigida por John McTiernan. 

1983 es también el año de Scarface, el precio del poder de Brian de Palma , qué bien hacer un tema muy propio de los 80 como es el capitalismo. Otra película que trata del capitalismo es Wall Street la película del año 1987 dirigida por Oliver Stone, una película que también hablan de la relación entre mi Padre y el hijo que vi el mundo de forma diferente en un momento donde la mía es cambiante. 

Es el mismo director del año 1986 había estrenado Platón película de la que también era guionista y hacía un relato de lo vivido en el frente de Vietnam. Una película que es plena intensidad. Parece de esa década en mil novecientos ochenta y nueve Oliver stop está detrás del proyecto bien nacido el 4 de julio película que lanzó a Tom Cruise a su reconocimiento consiguiendo un Óscar a la mejor interpretación. En 1987 Barry levinson había presentado good morning Vietnam, Lo cierto es que son muchas las películas sobre Vietnam del momento y entre ellas destacan igualmente la colina de la hamburguesa del año 1987 del director John Irving o la chaqueta metálica dirigida por Stanley Kubridck en 1987. 

Por su parte Alan J Pakula en 1982 presentaba La decisión de Sophie. Es una película que habla del drama del Holocausto. Fue una película que demostró la capacidad para la actuación que tenía Meryl Streep, algo que no anaranjado a hacer desde la década de los 80. Volvemos a encontrar en películas con memoria de África del año 1985 de Sydney Pollack, En la oscuridad del año 1988 dirigida por Fred Schepisl. Ella no actúa se convierte en alguien. Si la encontramos en tallo de hierro/ Ironweed (1987) de Héctor Babenco. 

Otro tipo de películas también se hacen en los 80. Es el caso de los musicales como flashdance (1983) de Adrián Lyne con Jennifer Beals, se benefició muchísimo de la MTV. También lo encontramos en película como Footlose (1984) de Herbert Ross , o Dirty Dancing (1987) de Émile Ardolino. Era cine para adolescentes cuyo fin era una vez vista que los chicos y chicas salieron a comprar el disco ocurrió con la película Purple Rain (1984) de Albert Magnoli con Prince. También hay películas para jóvenes como 16 velas ( Sixteen candles, 1984) y escrita por John Hughes, o La Chica de Rosa / Pretty in Pink (1986) de Howard Deutch, con guión de Hugues. Algo parecido ocurre en todo en un día / Ferris Bueller's day off (1986) de John Hughes. Algo parecido ocurrirá en el club de los cinco / The Breakfast club (1985) del mismo director y guionista. 

De los años ochenta de finales de los mismos en concreto del año mil novecientos ochenta y nueve es la película tiempos de gloria de Edward Zwick que lanzaban estrellato Denzel Washington, una película que habla de la participación de los soldados negros en la Guerra de secesión norteamericana. 

Durante los ochenta se hicieron películas de grande magnitud obra ser épicas como Rojos de Warren Beatty de 1981; Elegidos para la gloria  (1983) de Philip Kaufman, que se ha considerado como apoteosis del cine, película que parece recordarlo a la de los años 50 y 60. Algo parecido le pasa al último emperador de Bernardo Bertolucci estrenada en el año 1987, o Gandhi de Richard Attemborough realizada en el año mil novecientos ochenta y dos. Todas ellas son películas de grandes presupuesto de masas en el uso de extras de grandes actores y actrices. Son películas épicas hechas para ganar el oscar. En esta línea podríamos incluir el Amadeus de Milos Forman del año 1984, donde el protagonista no es Mozart sino Salieri. 

En los ochenta también estreno en obras grandes cineastas como Jim Jarmusch , editor de la película extraños en el paraíso del año mil novecientos ochenta y cuatro ; o Gus Van Sant director de la película drogas amor y muerte / Drugstore Cowboy (1989)  o Sexo, Mentiras y Cintas de Video (1989) del director Steven Soderbergh. Todo hechos han sido directores con largas carreras y muy cercanos al cine independiente aunque algunos se han metido en el cine comercial. 

Los hermanos Coen también comienzan en esa década con películas como Sangre Fácil (1984) de Joel Coen, con guion de ambos hermanos. 1987 estrenaron Arizona baby. 

Tim Burton es otro de esos directores que comienzan en esta década y en concreto comienza con  la gran aventura de Peewee (1985) o con Bitelchus (1988) o Batman (1989) , marketing empezó un año antes de estrenarse la película hasta el año 1989. 

En cuanto al cine de color destaca la aparición abrupta de Spike Lee con su película Haz lo que debas (1989) , era una película de la diversidad, algo que parece igualmente en Paseando a Miss Daysy (1984) de Bruce Bereford  o en historias de un soldado (1984) de Norman Jewison . La de Lee es tremenda.

Otros directores de los que aparecen en aquella década de los ochenta son Peter Weir responsable que fue del club de los poetas muertos (1989) o de Único Testigo , Phil Anden Robinson responsable de campo de sueños/ Fields of Dreams (1989) , David Andpaugh , director de la película  Hoosiers ; más que ídolos (1986) , Susana Dedelman lectora de la película buscando a sus Andes esperadamente (1985), Paul Mazursky responsable de Un Loco suelto en Beverly Hills (1986), Mark Rudell director de El estanque dorado (1981) ; Jim Sheridam (1989) , director de Mi pie Izquierdo; Karel Reisz directora de la mujer del teniente francés (1981) , Ron Shelton director de Los búfalos de Durham (1988), aunque otros muchos consolidan su carrera como es el caso de Steven Spielberg responsable de el Imperio del Sol película del año 1987 o Norman Jewison, responsable que fue de Hechizo de Luna, Barry Levinson responsable de Dinero (1982), Ron Howard director de Dulce Hogar...! A veces!  (1983), Alan Parker director de Arde Mississippi (1988), Roland Joffre que lo fue de Los gritos del silencio (1984), Lawrence Kasdan responsable de Fuego en el cuerpo (1981), Western Craven , director de Pesadilla en Elm Street (1984). 

Otras película trascendentales de los 80 son Tron, (1987), El retorno de los Jedi, Arma letal, Big, Mejor solo que mal acompañado, Carros de fuego, Abyss...

Los ochenta fueron una gran época para el cine estadounidense había comedias que trataban sobre la vida real sobre lo cotidiano y dramas que trataban sobre temas muy duros, surgieron géneros que no habían sido llevados a la pantalla ni explorados... Estaban más sobrecargados la estética iba hacia algo más grande más rápido y con más sonido, iban patra los noventa. 

Movies. Desde 2000 en adelante

Dos décadas de cine según la CNN, era una serie cerrada en 2019. Gladiator, (2000) de Ridley Scott, es curioso que el mismo director señala que una pintura del siglo XIX, la misma que es Pirón a Omar Shariff para explicarnos lo que era la cultura romana, será la inspiradora para la realización de esta película que lanzó al estrellato, pillara famoso, Russell Crowe, pero qué será la película del año 2000 en los Óscar de Hollywood.  Rile Scott y Michael Mann se llamaron varias veces para identificar a Russell Crowe como el protagonista de la película por su talento innato. Sospecho que en la actualidad Scott no piensa lo mismo, especialmente una vez estrenada Gladiator 2. Lo que más le llamó la atención fue la voz del actor australiano. 

Ron Howard lo dirigirán en Una mente maravillosa y destacan de él su capacidad para hacer papeles fuera de lo común y creados desde la nada como el que hizo en la película que él dirigió titulada Una mente maravillosa (2001). Conecta con los personajes y los interioriza con lo que haces que te conectes con su mundo. Ayuda mucho al director a la hora de crear y llevar el personaje más allá de su condición. 

Steven Soderbergh dirigió en dos mil la película Erin Brockovich, que contó con Julia Roberts como protagonista. Ella era una interpreta el papel de una mujer guapa y encantadora sino el de una mujer que lucha por defender sus principios y sobre todo sus derechos laborales. Es una historia real sobre una mujer que demanda a una empresa por contaminar el agua que bebe toda una comunidad. Su contacto con el director supuso para ella una nueva visión del trabajo pues contacto con él y le hizo ver que iba a hacer algo muy distinto. Fue una gran actuación de la actriz que estaba en todo su esplendor. Por este trabajó consiguió un oscar. 

El mismo director la seleccionó para hacer como protagonista femenina de la película Océano"s Eleven. George Clooney convenció a sus amigos para hacer la película fue muy divertido pues permitió ver a muchas estrellas con su carisma en la gran pantalla y en la misma película. Al final la película depende y mucho de los actores. 

En 2001; Robert Luketic dirigió la película Una rubia muy legal. Con la Risespoon es momento en el que las películas empiezan a depender mucho de los actores por lo tanto van a recibir salarios muy elevados, puesto que la película se ponen se diseñan alrededor del actor o de la actriz. 

Esto va a pasar en otras películas de esos años como Miss Agente especial (2000) con Sandra Bullock de Donald Petrie o con El diablo vestido de Prada de David Frankel con la multipremiada , pero también en Infiltrados (2006) de Martín Scorsese con Matt Damon y Jack Nicholson , son películas que en un momento no muestran que la películas depende más de los actores que de los directores. 

Algo parecido ocurre en Náufrago (2000) de Robert Zemeckis con Tom Hanks o Minority Report (2002) de Steven Spielberg con Tom Cruise. Es un equilibrio en beneficio de una de las partes que cada vez se requiere más importancia que hace que el resultado final sea diferente. 

En Ali (2001) de Michael Mann con Will Smith también es una realidad. La película girarán entonces en torno a los actores como ocurre en una película como Día de entrenamiento (2001) de Antoine Fuqua con Denzel Washington en el papel de Alonso, el poli corrupto,  y  Ethan Hawke. Ese año, en los Oscar de 2002, Denzel ganó el Óscar al mejor actor y Halle Berry ganó el de mejor actriz. Ese mismo año sin la hipótesis le dieron un Óscar honorífico. Fue un momento importante para los actores negros para el cine negro para los directores negros tras la lucha. 

En Casi Famosos (2000) de Cerón Crowe el director contó con francés McDonand. Es una película que está considerada como una carta de amor a su infancia, en concreto a su madre. Son películas en las que hay escenas donde la música juega un papel importantísimo. Por ejemplo en la que suena Wild de Vat Steven en la que actriz principal bailar donde esta música o en la que en el autobús cantan todos una canción, Timy Dancer, de retorno a casa. 

El cine musical reaparece en el año 2001 con la película Moulin Rouge y con un director como Baz Luhrmann. Una película en la que Ewan Mc Gregor y la actriz australiana nos llevan al París de principios de siglo, eso sí con música actual cambiada de signo. Se estrenó en una época en la que nadie quería saber nada de los musicales sin embargo esto cambió por la forma de grabar de rodar y de plantear la película. Con todo el número musicales especialmente difíciles y con canciones adaptadas a la película. El ritmo era desafinante. 

Esta película al igual que Chicago (2002) de Rob Marshall, le devolvió el cine los gemelos musicales que había quedado aparcado durante años. Cuando Chicago se estrenó en Broadway ahí en los años 70, la gente pensó que la visión que tenía Bob Fosse sobre el mundo era dilatante y oscura. Pero comienzas del siglo XXI cambia todo. Nadie pensó durante años que era difícil casi imposible levantar una película sobre el musical Chicago pero Rob Marshall lo consiguió. 

Con Dreamgirls (2006) de Bill Condón volvemos a encontrarnos un buen musical, como dos años después con mamma Mia (2008) de Phyllis Lloyd, que se convirtieron en musicales populares con una gran acogida por parte del público, , la audiencia está muy interesada incluso convirtiéndose en fenómeno como es el caso de la película La la Land, Ciudad de las estrellas (2016) de Damien Chazelle. Hasta la animación en películas como Shrek (2001) de Andrew Adamson y Vicky Jenson, apostó por introducir algunos elementos musicales en películas de animación..

Lo cierto que en el cine animación un punto de inflexión a partir de la década del año 2000. El nuevo milenio nacía una nueva concepción de cine de animación. Los directores vieron que podían capturar a nuevos espectadores no solo el público infantil sino a través de nuevas historias nuevo concepto de dibujo y animación incluso con películas llenas de ironía. Nadie quedaba afuera. 

Con Monstruos SA (2001) de Peter Doctor el espectro de espectadores aumentaban. Billy Tristán fue contratado para ser una de las voces de los protagonistas de esta película. El reconoce que fue el idiota que rechazó participar en Toy story.. con monstruos no hubo duda. Como señala Kenneth Turan, críticos cinematográficos habitual de Los Ángeles Times, las películas de Pixar son muy valientes es en ese sentido. En Wall-E (2008) al igual que en la anterior destaca la caracterización que Pixar le da a estos personajes. 

En Los increíbles (2004) de Brad Bird , fue la primera película de fit Pixar en la que los menores tenían que ir acompañados. Era arriesgado puesto que era una película acción pero la gente cuando va al cine de animación espere una película marcadamente infantil. No es el caso. Son personajes reales y cercanos. Eso no se había visto lo antes antes de los increíbles. 

Para Billy Crystal, las películas de inmersión de Pixar son las mejores y eso es visible por ejemplo en el inicio de la película como Up (2009) de Peter Doctor. Es una pre secuencia preciosa que nos avisa de cómo va a ser el resto de la película. Como de ser una película con mucha felicidad y de pronto pasa a ser mucho más triste. Es una película animación que desde el principio habla de la pérdida. 

En Pozos de Ambición (2007) de Paul Thomas Anderson , para Steven Spielberg la película favorita del director. Lo importante de ser director es y cómo va creando su personaje principal hasta convertirlo en un personaje único. Importante para la película la participación de Daniel Day Lewis. Su impronta es posiblemente clave en el éxito de la película y en la creación de un personaje tan potente como el protagonista. El personaje dan es intenso y divertido, según el mismo Paul Thomas Anderson. Ese papel era especial para que sacara esa vena de hombre malo y divertido. Esta intensidad es posiblemente lo que llegó a Steven Spielberg o Martin Scorsese a elegirlo para protagonista de Gangs of new York en el caso del segundo o Lincoln (2012) en el caso del segundo. Spielberg reconoce que estuvo diez años intentando conseguir su participación en esta película. 

Con No es un país para viejos (2007) los Coen, Joel y Ethan, basada en una novela de Cormack que la concibió como una película violenta que se desarrolla en un pueblo fronterizo. Como ocurre en otras de sus películas y resalta Tom hanks lo interesante de los hermanos Coen es que les gusta salirse de la norma. En Valor de Ley (2010) , que viene a ser un remake de western clasico de Henry Hathaway. La participación en ella de Jeff Briget y de Matt Damon es fantástica. 

Hay director que empezaron en los 80 y en los 90 que solo quieren hacer las películas que quieren hacer. Este es el caso de Danny boyle director entre otras de Slumdog Millonaire (2008) , están por encima de los estudios que quieren tener el control o del dinero. Esto es visible en directores como David Fincher y en su película La red social (2010) o El cisne negro ( 2010) de Darren Aronofsky , o Boyhood (momentos de una vida , 2014) de Richard Linklater o en The Máster (2012) de Paul Thomas Anderson. Lo hacen porque creen en el cine y no porque creen en el dinero ni en los estudios. 

También la década de los años 2000 van a dar lugar a grandes sagas cinematográficas en las que unos protagonistas se van a ir desarrollando con el tiempo y en relación a una aventura o a un proyecto. 

Esto es visible en películas o en sagas como la de Harry Potter o la del señor de los anillos, o en las películas procedentes de las Marvel studios. 

Con Harry Potter y la piedra filosofal (2001) de Chris Columbus da comienzo una saga literaria de J.K. Rowlings  que impactará en toda la sociedad y por supuesto en el cine.  Estas películas salió justamente después del 11S y para algunos críticos de cine representaba una película que servía para escapar del horror que se había vivido en los Estados Unidos un mundo de magia y hechicería. Se hizo en contacto directo con la escritora.. la saga tanto de las películas como de los libros que siguieron a esta HP y la cámara de los secretos (2002) de Chris Columbus marcaron a una generación. Visible en HP y el Prisionero de Azkaban (2004) con un diseño impresionante, o en HP y las reliquias de la muerte parte una (2010) de David Yates , pues ya hay uniformidad en la dirección; o fue la segunda entrega la parte 2 (2011) de David Yates. 

Algo parecido en El señor de los anillos que empezó con la comunidad del anillo de Peter Jackson (2001) donde hay una mayor renuncia a la parte literaria pero se crea un mundo nuevo. Una película que cumple con las expectativas y lo ha hecho tres veces enseguida en cada una de sus entregas. Una de las logros más impresionantes del cine y moderno. Ya que las dos siguientes entrega, Las dos torres (2002) y El retorno del rey  (2003) culmina toda una saga literaria. Peter Jackson fue un director visionario que estaba al cargo de siete equipos diferentes que iban rodando cada uno por su lado pero siempre coordinados por el director. En ella se aplicó con Andy Serkis, una técnica experimental que se llamó captura de movimiento, será la que le da vida gollum. La película presentó un cambio tecnológico presentó actores que ahora mismo son referencias del cine y es una auténtica epopeya de películas que no se habían visto desde Star wars. 

Con la siguiente saga la del Hobbit, un viaje inesperado (2012) se le da continuidad a parte de las historias surgidas del señor de los anillos aunque sean precedentes. 

La excepción del francotirador de Clint Eastwood (2014), las películas más taquilleras desde el 2000 en adelante han sido películas de saga. Entre ellas no podemos ignorar a piratas del Caribe que desde la maldición de la Perla negra (2003) de Gore Verbinski, hasta sus pepinos que ya no me gustaron tanto pero que lo hubo, trazaron y las historias de las carteleras de esos años. 

Los directivos de los estudios empezaron a pensar que esa era la dirección adecuada seguir en una saga y esto lo volveremos a encontrar en la saga Crepúsculo (2008) de Catherine Hardwicke; o con 007 Casino Royale (2009) de Martín Campbell. Ahora los estudios no quieren un proyecto independiente sino que quieren un pelotazo y además que se repita en el tiempo, quieren muchas películas de éxito.

Algo parecido pasa en la incomprensible Transformers (2007) de Michael Bay . Son películas que luego pueden explotar en mercadillos secundarios como televisión videojuegos etc.  

Otros ejemplo de ellos en la saga de bourne, iniciada por Paul Greengrass (2004) con el Mito de Bourne, donde se reinventan la forma de rodar las películas de acción. Algo similar lo encontraremos en misión imposible; Nación Secreta (2015) de Christopher McQuarrie (2015) 

Hasta las comedias empiezan a tener sed a como el caso de resacón en Las Vegas (2009) de Todd Phillips, que fue seguida de distintas resacones por distintas partes del mundo por Estados Unidos. Si tres fueron las de reglas sacó un cuatro fueron las de hombre de negro , por ejemplo Hombres de negro 2 (2002) de Barry Sonnenfeld. 

Y como la máquina sigue girando y no ha dejado de parar contenido lo encontramos en la saga fast and furious que en 2013 planteó la sexta entrega dirigida en este caso por Justin Lin. 

Borat (2006) de Larry Charles , que siempre nos presentan actor , Sacha Barón Cohen, en situaciones absolutamente ridículas. Es un documental paródico muy interesante. 

En 2006 se presentó , Pequeña miss sunshine, de Jonathan Dayton y Valerie Faris. El guión fue de Michael Arndt, y reconoce que primero escribió el final después planteado el principio. 

Con Kos Tenenbaums: una familia de genios (2001) de Western Anderson. Como todas sus películas son meticulosas y en ella se cuida hasta el mínimo detalle. Todo lo que sabe en ella es diferente al resto del mundo. 

En Un reino bajo la luna (2012) Wes Anderson vuelve a ser original como siempre. En sus historias el nivel de originalidad y creatividad es enorme como reseña Michael Arndt. Visible igualmente en el Gran hotel Budapest (2014) donde el guionista vuelve a señalar la originalidad de la historia, y los pequeños detalles que completan este universo. 

Para la década del año 2000 quentin tarantino seguía en activo. En 2009 nos dejó Malditos Bastardos. Donde le da la vuelta a la historia. En 2012 nos dejó Django desencadenado. En ambas historias los malos pierden y cambian el orden de las cosas. Escribió películas originales bastante violentas pero originales y hacen referencia a películas antiguas pero que las convierte en sumamente atractiva. 

Volviendo a Todd Phillips descubrimos que en 2003 firmó Aquellas juergas universitarias. Una película para el que muchos consideran un genio de la interpretación, Will Ferrer. Lo dirigió en el año 2003, Jon Favreau en Elf. Personalmente me sorprende mucho pero en Estados Unidos así está considerado. En 2004 fue el protagonista de El reportero una película dirigida porAdam McKay. Destacan de él su capacidad de improvisación. Todo lo que es característico de la comedia a los 2.000 aparecen en el reportero. 

En Virgen a los 40 (2005) se dará conocer a un gran actor y a un buen director como Judd Apatow. Este mismo director que para algunos transformó la voz media del siglo XXI es el director de la película Un lío embarazoso (2007)  influya en otros directores como Greg Mottola, director de la buenísima Supersalidos (2007) o en Adam McKay director entre otras de Hermanos por pelotas (2008).

En La boda y mi mejor amiga (2011) de Paul Feig lo mejor que hace el director es traernos mujeres reales. Película de sororidad y de amistad entre mujeres. 

En la segunda entrega de esta serie de la CNN que trata sobre el cine a partir del año 2000 nos trae una buena cantidad de películas o de referencias a las mismas. 

Y empieza con una película que cambió absolutamente todo. Se trata de Avatar (2009) una película dirigida y escrita por James Cameron, qué prosigue los éxitos que ya habían comenzado a finales de los 80 y sobre todo en los años 90. En este caso la aplicación de la tecnología al cine va a dar lugar a una auténtica revolución así como un taquillazo impresionante. Con ella el director quería recuperar la magia de las películas en 3D. Todo parecía real y tangible. 

Curiosamente la exmujer de James Cameron en 2009 estaba dirigiendo una película radicalmente diferente; En tierra hostil (2009) de Kathryn Bigelow. Estores experta en crear suspense y En Tierra hostil lo consigue desde las primeras escenas. Deja de lado la violencia para tratar algo más profundo. Sobre todo intenta explicar qué es lo que lleva estos hombres a desactivar bombas y hago sesionarse con ello. Es un nuevo directora con gran imaginación intrépida y nunca se sabe y hacer las cosas con cabeza y pelo nunca deja de experimentar siendo una gran directora. Fue la cuarta mujer en ser nominada a los Óscar como mejor directora y la primera en conseguirlo. En 2012 ella misma dirige la noche más oscura. Ella estaba muy contenta por ser la primera pero no quería convertirse en un símbolo de las mujeres directoras de Hollywood. No quiere llevar su género por bandera es una directora haciendo películas. 

En 2010 Debra Granik dirige Winter's Bone. Esta directora se centró en historias sociales y realistas son historias que requieren de mucha paciencia pero cuando salen bien son muy satisfactorias. La directora justa de contar historias del día a día en lo que mejor sabe hacer y con lo que disfruta. Está considerada como una de las mejores películas independientes. Contó con Jennifer Lawrence. También tuvo varias nominaciones a los Óscar y fue premiada en Sundance. Este fue el inicio de una gran carrera por parte de esta actriz, que explotaría definitivamente la trilogía de Los juegos del hambre (2012). Paso de ser una cara nueva en la película de Debra Granik a convertirse en la protagonista absoluta de una saga tremendamente conocida. En 2012 en la favorita en los Óscar por su película El lado bueno de las cosas (2012) de David O. Russell. El propio Robert De Niro con el que compartió pantalla mixtas películas reconoce la fuerza con la que interpretó su papel. Ese año ganó el Óscar por esta película. 

En La gran estafa americana (2013) del mismo director, se presenta como una actriz divertida, ingeniosa y real. 

En dos mil quince interpretó Joy:el nombre del éxito con el mismo director. Puede conseguir todo lo que se proponga. 

En 2003 se estrenó la película dirigida por Nancy Meyers titulada Cuando menos te lo esperas. En este caso destaca la participación de Jack Nicholson. Está directora a Nancy Meyers ingenió una nueva forma o fórmula de comedia. Es brillante y divertida romántica y que hace que las mujeres que ven sus películas vean su vida reflejadas en ella. En este caso aparecen Diane Keaton y la mujer y musa de los Coen. Es una película que abre fantasías y en ella también participan Cameron Díaz. Son fantasías de mujeres de cierta edad que también Apple aparecen en la película no es tan fácil (2009) en la que Nancy Meyers es también guionista y directora. 

Distintas pero también divertida será Mi gran boda griega(2002) de Joel Zwick la protagonista es la actriz escritora Nia Vardalos que la entrevista dice que ella creció precisamente en una sociedad rodeada de mujeres en las que sus tías mujeres de alrededor le iban dando permanentemente consejos para casarse o tener hijos. Fue la comedia romántica de la película más taquillera de inicios de los 2000. 

Otra de rectora que cada vez llama más la atención es Sofía Coppola En 2003 volvió a tocar el éxito, que ya había tenido con Las vírgenes suicidas, con Lost in Traslation. Es una película considerada como directa íntima y sentimental. En la historia de una mujer que se siente sola y que hecha y falta a su marido pues ella está relegada en un hotel, y allí encuentra un hombre, un cómico, Bill Murray , que se siente solo, ante muerto por dentro,  en cualquier lugar del mundo. 

En 2004 se estrena Olvídate de mí de Michel Gonchy. Y se ha interpretado por Jim Carrey un gran humorista pero también un gran artista capaz de dar todo un ejemplo de interpretación fuera de sus roles habituales, como Murray.en Lost in Traslarion. 

Algo parecido va a ocurrir en el western alternativo dirigido por Ángel Lee y titulado Brokeback Mountain   ( en terreno vedado) 2005. Su coguionista Diana Ossana fue consciente que desde que leyó está historia sabía el poder que iba a tener. Es una película presentaba un romance tradicional de Hollywood entre dos chicos que estaban enamorados. En la historia del hombre que quieren vivir. La película sobre la compasión. 

Y en cuanto al cine de ciencia ficción pero también policíaco el género cambia cuando aparece una película como un Momento ( 2001) dirigido por Christopher Nolan. En esta película, un neonoir, que juega con el tiempo como en todas las películas de Nola y que fue una gran actuación de Guy Pearce. No la juega con la cronología y con la estructura narrativa. El director de pastor ser inteligente a la parque popular capaz de enfrentarse a una saga de superhéroes como la de DC en Batman begins (2005), a un personaje ya mítico como Batman. Con Christopher Bale.

El paso de Batman al Caballero Oscuro (2008) es natural. La participación de Heath Ledger como un Joker que es absolutamente un psicópata fue legendaria. Puede ser un personaje ambiguo a convertirse en un personaje absolutamente malévolo. 

El efecto de Batman de Nolan hizo que apareciera el fenómeno de los superhéroes especialmente los de la saga de Marvel que se inicia con Iron Man (2008) de Jon Favreau, permite modificar y abrir un concepto nuevo que va a tener muchísimo éxito a lo largo de estos veinte años de siglo XXI. En la historia de alguien que no tiene superpoderes, quiere tener éxito y que tiene una crisis de valores. La clave fue darle el papel a Roger Downing Junior. 

El tono creado por Iron Man fue el que marcó el recorrido de todas las películas de la saga Marvel y el universo  que explosionó absolutamente con la saga de Los Vengadores (2012). La idea de que aparecieran tantos superhéroe en una sola película nunca se había hecho y desde el inicio fue un éxito. Aparte del mundo de los comics donde ya existe un universo con la saga de Los Vengadores y cualquiera de sus películas incluida la de Thor (2011) de Kenneth Branagh o Capitán América : el primer vengador (2011) de Joe Johnston hasta Ant Man (2015) de Peyton Reed, se creó un universo coherente y eficaz capaz de convertir todas las películas en éxitos. Eso mismo ocurre cuando en 2014 se estrena los guardianes de la galaxia de James Gunn. Ahora lo más importante es la marca llevan su propio sello, la marca, siendo la mayor estrella en la historia del cine gasta inicial de la década de los años 20 del siglo XXI,  como ocurre por ejemplo con Doctor Strange (2016) de Scott Derrickson (2016) o en Spiderman; de vuelta a casa (2017) de Jon Watts. Nada se puede equiparar a esta marca o Los Vengadores ; Infinity Wars (2018) de Anthony y Joe Russo. 

Los directores mexicanoc han estado en estado de gracia en estos dos décadas del siglo 21 un jugador un papel importantísimo en el cine de Hollywood. De entre ellos Alejandro G. Iñarritu ha tenido diversos éxitos y algún que otro premio por la academia. Esto es el caso de la película del año 2014 Birdman o ( La inesperada virtud de la ignorancia). Los actores que han trabajado con él como Edward Norton o Michael Keaton han realizado una gran labor con él. 

Algo parecido con los igualmente talentoso mexicanos Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón consiguieron colocar películas entre lo mejor de estas dos décadas. Son directores que no han salido de la nada porque vienen de un cine que ha aportado grandes películas y una gran tradición cinematográfica. 

Guillermo del Toro representando a España presentó El laberinto del fauno (2006) , ofreciendo una perspectiva muy particular. Una mezcla entre terror y los cuentos de hadas. En La forma del agua (2017) su versión de la mujer y el monstruo. Gobierno de todo realiza sus películas con mucho respetado por el pecho al cine anterior. 

Alfonso Cuarón con la película Gravity (2013) realizó una auténtica epopeya Gravity espectacular, combina lo íntimo ponlo humano además de lo técnicamente brillante en un 3D alucinante. Tan inteligente con talento y que hace películas que llegan al corazón de los espectadores esto también se ve en la película Hijos de los hombres (2006), dónde se muestran muchas relaciones delicadas e intimas y  en un mundo distópico sin fertilidad y la boca supervivencia de la especie. Está acá el gran trabajo de cámara que ayuda a una narración ágil. 

En El renacido (2015) Iñarritu crea una escena inicial espectacular. Por si son experiencias. Con esta película conseguir dos Óscar el niño consecutivo. 

La negritud tiene también cabina en este cine del nuevo milenio. En mil trece se estrenó Trece años del esclavitud de Steve McQueen. Presiento perfectamente la esclavitud. Realmente un hombre negro libre que lo  esclavizan. Todas las películas del Museo de una realidad muy cruda. 

También aparece la película Selma: el poder de un sueño (2014 de la directora Ava Duvernay. Es una película que habla del Martín Luther King pero no presenta en toda su biografía sino concreto la del incidente de el puente de Selma en la raíz del derecho a voto. 

Como dice la crítica de Rotten Tomatoes en referencia a esta película o a Good Seeds (2012) de Tyler Perry, no ha sido un golpe de suerte si no un momento en el que el público ha obtenido ver estas películas sobre la población negra como ocurrió con la película Straight Outta Compton (2015) de F. Gary Gray o en  Precious (2006) de Lee Daniels. O Moonlight (2016) de Barry Jenkins, la historia de un negro y gay. 

En Estación Fruitvale (2013) de Ryan Coogler, que trata de un policía negro que dispara sobre otro nombre negro en Oakland . Es el mismo director que en 2015 inicio su propia película sobre la leyenda de Rocky en Creed (2015) y y a dar un paso más con Black Panther (2018), una película que surge como una gran gestación y que llegó a cambiar la imagen del cine negro. 

Con Los niños están bien (2010) de Lisa Cholodenko , se muestra una pareja en este caso de lesbianas, y que crean un par de niños y un día y pesan concer al donante de esperma. Muestran que todos los matrimonios se fueron 

En Lady Bird (2017) de la actriz y escritora Greta Gerwing , como una chica se convierte en mujer en Sacramento.  Para por Tomasa Anderson en sus películas son humanistas, divertidas y cinemáticas. Entre una madre y una hija. 

En Tangerine (2015) de Sean Baker un director independiente grabada entera con una cámara de iPhone pero muestra un grupo de mujeres trans de Los Ángeles este mismo director es el responsable de la fantástica película de The  Florida Project (2017) , un director 

Así mismo año Jordan Peele presenta Déjame Salir , una película de terror se protagonista es un joven negro que se ve secuestrado por blancos supremacistas, inflados en lo que parece una pareja de interracial. Y se apoderan tu cuerpo. El estilo fue la mejor ópera prima que vio muchos años. 

Esa diversidad también se ha visto en películas como Crazy Rich asians (2018) de Jon M. Chu, o en Roma (2018) de Alfonso Cuarón, o en Wonder Woman (2017) de Patty Jenkins,o en Francés (2016) de Denzel Washington película muy diferente , que nadie más puede contar y eso hace que las películas sean diferentes entre sí, pero que son las que quieren contar los directores y guionistas. 

Una película es  algo especial, casi artesanal, es un mosaico que se ha ido montando con mucho cuidado y detenimiento. Te da la oportunidad de sumergirte en ella, es como estar en un suelo y según Spielberg es como si lanzarás luces y sombras y que rebotaran sobre un público que no sabe lo que va a recibir. Las imágenes de las películas se quedan grabadas en la mente como las letras de una canción. Volver a ver estas imágenes la usamos para recordar, para vivir nuestra propia vida  o ver una realidad que hace nos sintamos las cosas con los cinco sentidos. Aunque estás haciendo algo muy personal y de alguna manera muy egoísta porque lo haces porque te apasiona, luego lo lanzan al mundo y pueden cambiar la vida de la gente. Cuando puedes ir a un sitio donde sabes que vas a poder dejar tus problemas a un lado durante un rato es como una droga, como una droga. Es una conexión directa con el alma. Desde el origen de la humanidad siempre que hemos podido nos ha gustado reunirnos alrededor de una hoguera para contar historias para sentirnos humanos juntos. 

Profundidad de campo. Cosecha de 1939

Cousins en su 5 episodio de su historia del cine entra en un aspecto importante, la profundidad de campo. Está quinta entrega que tiene como subtítulo, 1939-1952, un nuevo lenguaje cinematográfico y en el mismo  descubriremos la brillantez de estos años desde el punto de vista cinematográfico, y exploraremos el oscurecimiento del cine americano en los años 40. Europa y Estados Unidos. Vemos cómo Mussolini en  Italia se hace amigo de este hombre, Hitler. 

Ambos destruyen gran parte del mundo. De las ruinas de Italia nace un nuevo lenguaje cinematográfico el neorrealismo. Era el tipo de cine que abordará el trauma de la guerra. En Roma, ciudad abierta de Roberto Rossellini (1945) esta es una de sus escenas más famosas filmada en las calles por gente y trágica.

El cine de los 40 tenía que ser así de duro porque así lo era la vida en aquella época.  Pero antes de poner la cámara en el suelo en 1939, John Ford ha rodado Stagecoach, la Diligencia.

La diligencia lanzó al estrellato a John Wayne. La cámara lo enfoca en primer plano. Sobre ella John Ford, al que no le gustaba hablar de sus películas, señaló que a Peter Bogdanovic. Ante la pregunta de Bogdanovich John Ford sobre si su visión del oeste era cada vez más pesimista desde su primera obra hasta el hombre que mató a Liberty balance Ford dice que no se lo parece. Estaba claro que a Ford no le gustaba hablar de su cine. A otros sí. Dijo que capturaba los movimientos de la vida y las siluetas de la leyenda.

La diligencia es una leyenda del cine un grupo de inadaptados emprende un viaje entre ellos hay una camarera y prostituta que es ignorada por todos pero se hace amiga de un vaquero llamado Ringo Kidd. Muchas de las escenas de la diligencia están rodadas con retroproyección. 

Alterna la claustrofobia de la diligencia con clásicas escenas bucólicas como esa escena en la que Ringo Kidd demuestra su valentía y se enfrenta a los prejuicios contra la chica. Ford dice en otra entrevista "soy un cobarde, lo sé. Por eso he hecho tantas tonterías no hay condecoraron 8 o 9 veces para demostrar que no era así pero yo seguía sabiendo que era un cobarde siempre he creído que el hombrecillo silencioso al que nadie presta atención suele tener más agallas que esos tipos aparentemente valientes y prestos". 

John Ford, es el hombrecillo el que hace cosas valientes en esta escena Ringo y la chica inician una nueva vida juntos en el mítico y meritocrático oeste. En la escena en la que John Wayne habla con la chica y le dice que se quede con ella, Ford aplica la profundidad de campo. Fue Orson Welles quién puso de moda la profundidad de campo y la profundidad de enfoque en los años 40. 

En Japón unos años antes. Mizoguchi también jugaba con la profundidad, pero Ford y su camarógrafo combinaban la profundidad de campo con la de enfoque. La moda entonces era usar teleobjetivos que conseguían enfoques planos miradas intensas pelo suave y fondo desenfocados. 

Esto se hace visible en la película El demonio y la carne del director Clarence Brown (1926). Con la profundidad de campo los actores y los objetos podían estar muy cerca de la cámara y también muy lejos sin dejar de verse a la perfección.  La profundidad de campo enfatiza esa distancia. 

Para Mizoguchi y su deseo de captar la profundidad estaba en la idea de que "el público eligiera a dónde mirar". En las imágenes de interiores sobre todo con la cámara baja porque así se veía el techo al fondo y se creaba una gran composición. 

Ya en 1929 Eisenstein lo había sugerido como alternativa de montaje. Nuestros ojos son los que montan a escena saltando de un sitio a otro. 

Las innovaciones de la diligencia cambiaron la historia del cine. Pero  hubo una persona que vio 30 veces la diligencia. En 1940 que irrumpió en el mundo cinematográfico un mago del cine que se convirtió en su coloso. Se trataba de Orson Welles. 

En  Ciudadano Kane  Welles y su director de fotografía forzaron al máximo la profundidad de campo. Welles hace de periodista arrogante y está a menos de un metro de la cámara. Al fondo su compañero está tan lejos que es más pequeño que su nariz. Tal profundidad fuerza la escala están expresionista como las sombras de Caligari. Y Ciudadano Kane desafió más que ninguna otra película a las imágenes suaves del cine romántico americano, pero ¿Por qué? 

Por el talento y el instinto del mago que lo hizo. Esto era el estudio de la RKO cuando Welles rodó Ciudadano Kane. A los cuatro años ya interpretaba a Shakespeare. A los 8 años falleció su madre y a los 12 su padre vivió junto a él en Shanghai. Visitó los palacios de los emperadores marchúes y conoció una historia de poder y dolor a través de sus ruinas.

Welles debería haber sido el Griffith del cine sonoro pero en toda su carrera, que casi duró 50 años,  nunca rodó nada para los cuatro grandes estudios de Hollywood. Norman Lloyd que - falleció en 2021, a los 107 años- y que  interpretó al poeta Cinna en el aclamado montaje de Welles de Julio César, y se cuenta una anécdota en esta película que Welles ambientó en la Italia de Mussolini. Sobre la historia del montaje de algunas de sus escenas y que derivó en una película "Me &Welles" hay una historia que ha sido mal narrada en la reciente película Me & Welles. Lloyd, que coincidió con Welles en sus inicios teatrales en el Mercury Theatre,  declaró que "Yo nunca tuve esa discusión con Orson Welles. Me dio vergüenza verlo porque yo nunca tendría una discusión así con él, al igual que un actor como Lloyd que adoraba a Welles adoraba a sus propios héroes. Éste también aprendió mucho de La diligencia. Pero la fuerza de sus películas proviene del teatro. Lo vemos en interpretación como  Fallstat, en Campanadas  a medianoche (1965) como  bufón, filmado con profundidad de campo. 

A Welles le interesaba la pintura renacentista italiana así como su atracción por la gente con poder (reyes magnates e inventores como él) y también miraba al pasado a épocas anteriores a la democracia y el liberalismo. En alguna película suya vemos ese mundo en Enrique IV con John Gielgud se ve insignificante dentro de una Catedral. Se ve como un Medici o un emperador Kane rebosa ansias de poder su mundo es enorme pero está vacío puede que la última vez que sintió algo real fuera siendo niño jugando en la nieve en su trineo. En esa escena con gran profundidad en la que hacía un travelling. 

La película denuncia el egocentrismo y tal vez la pompa, el egocentrismo y arrogancia cinematográfica de los travellings de Cabiria (Pastrone, 1914), las proporciones épicas de Intolerancia(1916) o el coste desorbitado de el maquinista de la general la de Keaton (1916) y su famosa por la inversión que supuso. Shakespeare, los Médicis, los mogoles no son la única inspiración de Welles en Ciudadano Kane. También le influye su propio cuerpo y su propia voz. En sus películas había espacios y grandiosos . Welles nunca interpretó a un joven o a un hombre apuesto. Y el sonido también era grandioso. Refleja lo que son ecos lejanos.

La profundidad de campo es visible en El halcón maltés de John Huston... Observemos la profundidad en esta escena del halcón maltés el pulgar de Humphrey Bogart a no más de 20 centímetros de la cámara está perfectamente enfocado o esta otra de Los mejores años de nuestra vida (1946) de William Wyler. En ella el hombre mayor - Frederic March- que le pide que ponga fin a su romance con su hija a Dana Andrews y éste consciente va y la llama desde una cabina. La llamada es lo principal de la escena pero en vez de situar la cámara cerca de la cabina, pero la alejan y la ponen cerca de un piano que es tocado por un mutilado de guerra sin manos. El padre se pone cerca del piano, pero mira ansiosamente a Andrews al que vemos hablando al fondo. Parece que la acción principal haya caído en un agujero negro. La conversación la tenemos que imaginar. Cómo en la vida real, no siempre podemos ver y escuchar lo que queremos. 

También lo vemos en alguna obra de Haneke o en Bela Tär. En los dos casos hay tensión, una fuerza atrapada. Y un primer plano que está presente, mientras las figuras se diluyen en el fondo. 

En los años cincuenta y en las películas en color y de corte panorámico y que no eran tan sensibles para absorber la información del fondo para conseguir esa profundidad se buscaban fondos claros y repartir a los actores y actrices por el fondo como si fuera un tendedero. Esto es visible en la película de Jean Negulesco  en "Como casar a un millonario" del año 1953.

En los años sesenta y setenta se va buscando esa profundidad de fondo pero ahora existen largos objetivos. Con los objetivos y teleobjetivos de las cámaras estas buscan planos poco profundos. En la película de Claude Lelouch que lleva por título Un hombre y una mujer vemos a la actriz Anouk Aimée parece desplazarse en su propio universo visual sin distinguir claramente el fondo. 

Las películas de los años noventa como Heat de Michael Mann el fondo es simplemente un conjunto de etéreas manchas así había evolucionado la profundidad de fondo.