viernes, 31 de enero de 2014

Espectadores en el pantano




Tengo en mi mano dos artículos, una de la polémica actual entre las distribuidoras y los exhibidores que ha presentado hoy el diario El País, y otro sobre un artículo, que invita a la melancolía, firmado por Maruxa Ruiz del Árbol que trata sobre Ümit Mesut, el hombre que todavía podía entrar gratis en cualquier cine.

Empezaré por el de Mesut. Este señor, que cuando escribió Maruxa – perdona que te tutee- su artículo tenía 52 años , y una tienda en la zona este de Londres, en concreto, en el número 35 de Lower Clapton Road, es el poseedor de una de las mayores colecciones de cine del mundo. Pero, además , tiene una misión en la vida – supongo que entre otras muchas- como es salvar el celuloide. Algo que hacía uno de los protagonistas de unas de sus películas favoritas: Cinema Paradiso. 
Su tienda Ümit & Son es el desván de una buena cantidad de colecciones de películas, de cámaras , de proyectores de Super 8, 9ç8, 9.5 y 35 milímetros. Afirma que “El Super 8 es plata, el digital es…óxido”. Es un enamorado de la imagen analógica ya que, según él, es “orgánica y real, tiene alma y corazón”. Es más, según afirma, en el cine digital”todo está homogeneizado, como lavado, incluso en HD”. 

Este señor es un tanto un enamorado como un coleccionista de cine . Se enamoró a los seis o siete años afirma, alrededor del año 1967 o 68, cunado fue invitado por un amigo al cine. El padre de su amigo tenía una Eumig de 8 milímetros y una pantalla de dos metros. Y su primera película fue “Simbad” película que duraba 20 minutos. Desde ese momento su pasión le llevó a coleccionar. Y en su colección existen hasta filmaciones de los hermanos Lumière. 
Tiene película tan extrañas que hasta la BBC o la Warner Bros recurren a él para buscar material antiguo. Tras su primer contacto con el amor cinematográfico, -entre sus pasiones está el King Kong del año 1933- compró una Standard de 8 milímetros, y más tarde un proyector con lo que organizó un taller en su colegio, aunque allí aprovechaba el proyector de 16 milímetros, gracias al cual alquilaban películas y hacía un pase a 50 céntimos para padres y alumnos. 
Con 15 años trabajó en el “Rio Cinema”, que aún pervive, y al que todavía le dejan entrar gratis, y que posiblemente sea uno de los últimos reductos para los adoradores de los proyectores de 35 mm. Pero su adorado mundo, poco a poco se va desvaneciendo ante el empuje de lo digital, problema que está vinculado con el primer artículo mencionado arriba. 

Ahora los proyectores digitales están presentes en los cine que por un "módico" precio de 60.000 €,  han apartado a los 35 mm , que apenas tiene salida. Además, para el año 2010, una copia normal en bobina de un filme costaba unos 1.200 euros, ocupando además un gran tamaño, y, además había que transportarla. Frente a ella la copia digital no iba más allá de 250 euros, el tamaño del disco duro que la contiene es mínimo e incluso se podría distribuir el cine por satélite. A esto se le une el ascenso del cine en 3D, que sólo es posible en digital. 

Sin embargo, para el 35 mm todo estaba en contra. Con el 35mm, cuando se estrenaba una película, lo hacía con un número determinado de copias; y esa bobina, tras acabar su carrera comercial en una ciudad, viajaba a otra de menos peso demográfico, adonde llegaban los estrenos meses después de las grandes capitales. Además con la imposición, por ejemplo, de la Ley del Cine de Cataluña, que obligaba a traducirla al catalán, este recorrido terminaba en la frontera de Tarragona o Lleida. Era un coste elevado y poco rentable. 
Con el digital, escoges el sonido y haces copias rápidamente: tras un fin de semana de éxito, una película puede multiplicarse por cines de toda España.

En estas circunstancia, ahora mismo los proyectores de 35 mm prácticamente en retroceso se pueden conseguir por menos de 6.000 €. Mientras que los otros los multiplicas por diez y te sale la cuenta.

Ángeles González-Sinde, en una de sus comparecencias en la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados, cuando era Ministra de Cultura, asumió la necesaria reconversión de las salas de cine españolas a la digitalización .

Reformar un cine para que pase sala digitalizada con posibilidades de proyectar en 3D, costaba en 2010 unos 125.000 euros. Y en España, en esos años, de las 4.000 salas eran digitales aproximadamente unas 250 (un 6%), mientras que EE UU eran el 10%.
Por ejemplo, Cinesur, fundada en 1932, la quinta cadena de cines más grande de España y la de mayor tamaño en Andalucía, apostó en el año 2011 por los proyectores de cine digital de la serie Christie Solaria para la digitalización de sus pantallas. La compañía es propietaria de 136 salas repartidas en 11 multicines de España. Cinesur ha convertido la mayor parte de sus salas al digital para integrarlo en el circuito digitalizado. Los servidores que se instalaron fueron de la marca Doremi, concretamente los modelos DCP-2000 y DCP-2K4. Todas las salas digitalizadas están preparadas para 3D, combinando sistemas de XpanD, Dolby 3D y Masterimage.


Además, existen dos tipos de salas: las grandes, que pertenecen a grandes cadenas (un 85% del mercado) y las pequeñas y/o rurales (un 15%). Para cambiarlas estaban ahí las grandes distribuidoras estadounidenses, a cambio de que esas salas perdiesen su independencia y se viesen obligadas a programar el cine de esa distribuidora. Ese 85%, por el éxito del negocio, podría devolver rápidamente el crédito. Y , en eso , que algunos firmaron un pacto con sus diablos. 

Pero hablemos ahora de los costes. En España, para el nivel de vida que tenemos, el precio del cine es caro. Una entrada puede costar en mi ciudad unos 8 euros. Nosotros, al ser una familia numerosa, nos puede salir por un riñón. Por eso, tenemos que aprovechar actividades como la Fiesta del cine o como los Miércoles de cine, con precios baratos. Parece ser que es un precio difícil de recortar, salvo con eventos puntuales, y quienes lo hacen son los dueños de las salas, no los distribuidores. Porque quien marca parte del precio del cine exhibido en las salas españolas son las “majors” de Hollywood, y no parecen que estén por la labor de rebajar sus ganancias.

Sorprendentemente, en Francia han iniciado una política de cuatro euros para entradas para menores de 14 años… , pero en España estas “majors” no se bajan del burro. Con los americanos no puedes negociar mucho los porcentajes. Como dijo Enrique González Macho, presidente de la Academia, “con los años he aprendido que o trabajas con ellos o trabajas para ellos”. 

Pero visto lo visto con el precio de las entradas, hablemos de lo que supone la venta de las entradas, es decir , lo que supone un ingreso una vez que tú hayas pasado a ver la peli. Ese ingreso comienza ahora a fraccionarse en un reparto del dinero recaudado en cada entrada. De esa cantidad, el 21% es el IVA, el 3% es para las entidades de gestión de derechos intelectuales, y, en porcentajes muy variables, el 33% para el exhibidor y el 43% para el distribuidor. Muy variables, porque las majors (o sea, los grandes estudios de Hollywood como la Warner o la Universal) suelen pedir un 55% y alcanzar el 60%. Las películas consideradas "indies" a veces solo llegan al 35%. Eso es lo que ocurre en España. ¿Pudiera ser por lo que antes hemos comentado de la remodelación? Pues no lo sé. 

España es el país que más porcentaje da a las majors. En otros países no es así. En Reino Unido la media es de un 35% y en Francia, gracias a un acuerdo intersectorial, la primera semana no supera el 50% y la media es del 40%. En Alemania otro acuerdo estipula un máximo del 45%. El distribuidor, que como vemos, en ocasiones ha sido quien ha financiado el paso de las salas de analógicas a digitales, acuerda, en ocasiones, con el exhibidor un porcentaje de lo que la película recaude en taquilla, que puede ser aproximadamente de un 40%. De esta parte, el distribuidor le tendrá que reintegrar un tanto al productor. Sin embargo, como la distribuidora suele adelantar los costes de las copias y la publicidad, hasta que no recupere el total de su inversión no repartirá ni un céntimo con el productor. 
Habitualmente, las distribuidoras llegan a acuerdos concretos con los exhibidores para cada película a estrenar, pero esto no es siempre así. Por mucho que lo nieguen, las majors continúan llevando a cabo una práctica no muy legal conocida con el nombre de "venta por lote" que consiste en que le dan preferencia a un exhibidor para que estrene uno de los mejores títulos de su catálogo a cambio de que se comprometa a estrenar, más tarde, otras cintas, algunas de ellas castañas, que nadie se explica como pueden estar en cartelera y que carecen por completo de interés. Pero para las grandes compañías estrenar todas sus películas en cine es un objetivo prioritario, puesto que eso las revaloriza de cara a su posterior explotación en video, DVD y televisión. 
Esta práctica perjudica a las producciones europeas, algunas de gran calidad, que continúan teniendo problemas para entrar en los circuitos comerciales. ¡Gracias a Dios, o a Adriano!, como diría una compañera existen las Filmotecas.
Antes del estreno de la película, el distribuidor y el exhibidor negocian el contrato de exhibición. Este puede resolverse de dos maneras, por porcentaje o a tanto alzado. La fórmula más habitual para los cines de capital - si es que queda alguno- y los centros comerciales es la del porcentaje. Éste se fija en función del interés que suscite la cinta. Si es un título muy esperado, el distribuidor se reservará en la primera semana, por ejemplo, un 60% del ingreso de taquilla, cediéndole al exhibidor sólo el 40% restante. De cada entrada vendida el distribuidor se queda un tanto por ciento y el exhibidor el resto, pero siempre después de descontar el IVA y el porcentaje de derechos de autor de la recaudación. En la segunda el porcentaje varía del entre el 55 para el distribuidor y el 45% para el exhibidor, a partir de la tercera semana es al 50%. Luego, cuanto más tiempo pasaba más crecía el beneficio del exhibidor, lo que le servía de aliciente para mantener la película en cartel. Si la película no tiene mucho interés, al distribuidor no le quedará más remedio que reducir al máximo su porcentaje para que el exhibidor acepte estrenarla. 
En la actualidad, los estrenos duran tan poco tiempo en cartelera que suelen pactar un único tramo de porcentaje. La segunda fórmula, a tanto alzado o Flat, que también se le conoce por ese nombre, se usa en cines de pequeñas entidades ( pueblos o cines de poca afluencia de público) y consiste en que el exhibidor acuerda pagarle al distribuidor una cantidad fija de dinero cada día que se proyecte la cinta, sin tener en cuenta los beneficios que ésta genere. Por lo general, éste trato suele firmarse a la baja y sólo se emplea para películas que no despiertan grandes expectativas. En estos casos, el distribuidor normalmente cobra de 600 a 300 € por la película independientemente de como vaya la taquilla. Va también en función del tiempo que ha pasado desde el estreno hasta su contratación. A más tiempo, más barata. 

Con una de esas majors los exhibidores españoles han topado. En concreto con la Universal- la segunda distribuidora en España en cuota de mercado, con un 14%, la primera es la Warner- que ha impuesto la política leonina de los distribuidores en las salas españoles, y algunas se han negado. Eso ha pasado con el estreno de la película El lobo de Wall Street cuya imposición no fue aceptada ni por el grupo dr Cinesa, compañía líder de exhibición cinematográfica en España en número de espectadores, con más de 20 millones, con 509 salas en 42 cines —en España hay 4.000 pantallas—, y propiedad del fondo británico de capital riesgo Terra Firma, ni por Kinépolis. 
Algo parecido ha ocurrido con Oldboy, de Spike Lee, incluso, parece ser, con la película de David Trueba, Vivir es fácil con los ojos cerrados, porque la exhibidora “exigía a la distribuidora un porcentaje de cada entrada más elevado”, según comentó David Trueba a periodistas del Diario EL PAÍS. Tampoco se estrenó La leyenda del samurái, con Keanu Reeves, en una cadena como Cinesa.
Aunque se sabe que hay distribuidores que no estrenan en según qué salas. Por ejemplo, la Warner no estrena en la cadena de cines Renoir. 
Es muy difícil saber lo que le pidió Universal a Cinesa y Kinépolis, porque casi siempre son acuerdos verbales, secretos y cambian según el título y la sala. Con todo, esa política de las “majors” que, a veces, fija, sin posibilidad de negociación, el 60% para la major, dejando el resto, el 40 % a repartir de la siguiente manera: 24% para impuestos y gravámenes, y , además, con el resto, se pagan la luz, los empleados, los alquileres… De 1.000 euros te quedan 160 se quejaba un exhibidor. 
La Warner, por ejemplo, la distribuidora que comanda el cine en España con un 16% de cuota de mercado, se lleva un fijo de cada entrada. Por eso en muchos cines se puede ver este cartel: “Las películas de Warner están excluidas de la promoción”, ya que aunque se reduzca el precio de la entrada, la distribuidora sigue pidiendo el mismo fijo. 

La razón de esto es que en España había salas de estreno y de reestreno, distintos precios y los cines mandaban. El presidente de la Academia de Cine de España, González Macho, dice que tenemos un parque de salas sobredimensionado - y puede que tenga razón-  y decir que lo normal sería tener una pantalla por 25.000 habitantes, pero en España tenemos una sala por 14.000 habitantes, y mal repartidas, pues en muchas capitales de provincia no hay ni una”. En una ciudad como Córdoba con 330.000 habitantes tenemos tres espacios cinematográficos: el Guadalquivir Cinemas 10 3D – con diez salas y que en un día como hoy exhiben 14 películas- , el Arcángel con 15 películas para el día de hoy en sus 10 salas, y Cinesur , el tablero, con 14 películas y 15 salas, ubicadas únicamente en tres centros comerciales, ninguna en el centro de la ciudad. De hecho los cines que había en el casco urbano cerraron todos, al igual que les pasó a los otros dos centros comerciales – El del Zoco y el del Carrefour- que cerraron hace ya algunos  años. Son un total de 35 salas, lo que equivale a un cine por cada 9.429 personas. 
Según González Macho ante las peticiones de las majors que veían tantos cines en España se cedió mucho, en exceso. La propuesta para el director de la Academia es más cercana a la política de apertura de farmacias y estancos en España, que para mí es, a todas luces injustas y controlada por los lobbies. Y eso que en España no es fácil ni abrir un cine, ni exhibir públicamente una película. Aparte de todos los permisos que tienes que pedir para abrir un local al público, tienes que darte de alta en el ICAA, que depende del Ministerio de Cultura, como exhibidor cinematográfico. 
Además González y otros echan en cara que ahora algunos exhibidores que ellos casi califican de “suicidas” han tirado los precios… porque han decidido no digitalizarse. No tienen que pagar el cambio tecnológico y mientras haya copias en celuloide irán a muerte”. 
En este sentido, la crisis de la que estamos hablando aquí es una crisis motivada por los malos acuerdos con las distribuidoras, más que otra cosa. o como dije antes , firmar contratos con el diablo a cambio de reformar innovar las salas.

En otra ocasión hablaremos, en concreto, de la crisis del cine español, pero, por ahora, lo que quiero decir y lo digo porque es empírico, que a mejores precios, más afluencia de cine. Y, como siempre, en medio de esta guerra entre distribuidores y exhibidores estamos nosotros, los espectadores, que demostramos que vamos al cine en masa, siempre y cuando no nos cueste un ojo de la cara, no olvidemos que- tal y como aparece en la gráfica de arriba, el cine costaba en 1985, la mitad de lo que cuesta hoy- porque, en el fondo, todos quisiéramos ser como Ümit Mesut, entrar gratis al cine, pero asumimos que no podemos. Al menos podemos hacer algo: quererlo tanto como lo quiere él y sentir que el cine es una fiesta. 

jueves, 30 de enero de 2014

Pathé Frères, otra consecuencia de la Gran Guerra


Este año se cumple el primer centenario de la Gran Guerra. Sabemos que fue el conflicto que, inesperadamente, desangró el continente europeo e implicó a muchos países de todos los continentes. Sin embargo, hoy, tras terminar de redactar esta entrada he llegado a otro conclusión: el cine europeo que hasta ese momento llevaba la voz cantante a nivel creativo, - pensemos en la Cabiria de Pastrone,  y a nivel de técnico, de material, de producción y de distribución con la Pathé Frères- también salió derrotada del conflicto en beneficio del cine norteamericano.

Todo esto viene porque estoy subscrito a un canal de youtube llamado silentfilmhouse, todo junto. Es uno de los muchos canales existentes que tiene youtube y que, periódicamente, me envía recomendaciones para ver películas mudas, ya , en su mayor parte, olvidadas, pues la mayor parte de ellas son pertenecientes a pioneros ingleses y franceses, aunque entre ellos también está parte la obra de un gran cineasta español, el turolense Segundo de Chomón. 
En este caso la recomendación me han permitido descubrir tres cortos. Son breves, pues dos de ellos no superan los dos minutos, y el otro dura apenas tres. Una de las películas, tenía un fundamento documental, mientras que uno es el típico producto del trabajo de Chomón para Ferdinand Zecca y la Pathé, y otro es del mismo Ferdinand Zecca, o no.

El primer corto se llama Panorama of Ocean Beach and Cliff House, y lo filma y firma H. J. Miles. Es del año 1903 y se trata de una producción de HJ Miles para la American Mutoscope y la Biograph Company. 
Esta película procede de los fondos documentales de Silent Films y en ella vemos una vista panorámica de la tarde rodada por HJ Miles de paseantes y bañistas que se encuentran en la costa occidental del océano Pacífico en las cercanías de San Francisco, en el extremo norte de una playa, que algunos han localizado al final de Balboa Street en la que hay una casa sobre un acantilado.
Efectivamente nos encontramos con una panorámica con una cámara soportada sobre un trípode y que va captando todo lo que le rodea, especialmente, a un conjunto de personas ociosas que hay paseando por la playa, muchos de ellos varones tocados con sus bombines.

Todos, ante el artilugio que supone la cámara miran, entre sorprendidos, admirados y divertidos. Ellos con sus trajes, chalecos y corbatas, mientras que ellas, las damas portan un montón de ropa. Incluso los pocos bañistas, todos los niños, están en su mayoría vestidos. La cámara lentamente se irá moviendo en un ángulo de 180 grados captando a los paseantes hasta llegar a fijarse en un palacete, situado en lo alto de un acantilado. 
Estamos ante la muestra del uso primario de la cámara y del cine en los Estados Unidos, en su vertiente documental. Tras un breve corte, sin transición, ni fundido, vemos aun grupo de niños mojando sus pies y jugueteando, así como a una madre paseando con su pequeña hija en este agradable día del 30 de septiembre 1903. 

La segunda película, un corto, se titula Le Fee Printemps y lo firma Ferdinand Zecca, pero parece estar detrás, Segundo de Chomón. Es un año anterior a la antes mencionada, del 1902, y está realizada para la Pathé Frères. La historia va, tal como nos indica su título del Hada de primavera. 
La historia se desarrolla inicialmente en el interior de una casa. Estamos en invierno, mientras, afuera, la nieve cae. El aspecto desolado del campo arroja sobre la mesa de su nota de melancolía. Una pobre campesina que espera a su marido, que fue a buscar leña al bosque. Cuando por fin llega, ellos lamentan su suerte. ¡Si , al menos, tuvieron un hijo!

Parece que alguien llama a la puerta. La persona entra. Se trata de una señora, aparentemente congelada y hambrienta. Es invitada por la pareja a asentarse en la mesa. Del caldero sacan un plato, posiblemente de sopa. Se lo toma con ganas. Agradecida con la pareja se dispone a ir, pero cuando está frente a la puerta, se quita la túnica que le cubre y encontramos a una joven, un hada, la personificación de la primavera.

Aparece coloreada en un amarillo vital y está cubierta con un rico traje. La pareja sorprendida, no se explica lo ocurrido. El Hada abre la puerta y sale al exterior junto a la pareja. La nieve que, inicialmente, sigue cayendo de pronto cesa. Y el ambiente que antes era inhóspito y gélido se transforma, dando paso a unas flores que se van a abriendo conforme la chica se mueve. El hada llama a las flores.

Las flores, de hecho, van volando hacia el hada que las recepciona con maestría. Van viniendo de todos lados. Así, poco a poco, la escena se va llenado de color. Con las flores, el Hada, va formando un gran y hermoso ramo que luego entrega a sus anfitriones. Tras ello, entran en casa con el ramo, mientras la primavera se desvanece. 
En la siguiente escena la pareja vuelve al interior de la casa. Ellos con el ramo, esparcen las flores sobre una mesa que, previamente, ha recogido el marido. Del interior del ramo van sacando dos bebés de color rosa que son arrullados tanto por el padre como por la madre. Y así acaba la historia. 

Se trata de una típica película de Zecca para la Pathé, perteneciente a ese periodo efervescente del director francés en su compañía. En concreto fue su cuarta película de las trece que dirigió ese año. Contó con los decorados fueron realizados por Vincent Lorant-Heilbronn, mientras que la coloración fue realizada en el estudio de Segundo de Chomón en Barcelona. 
Por si no lo sabéis Ferdinand Zecca se introduce en el cine en el año 1899, realizando ese año ya un par de películas, una para Pathé y la otra para Gaumont. Trabajando para la Pathé desde 1900. Será contratado definitivamente por Charles Pathé contrató como director oficial de la nueva compañía, combinando en la empresa diversos cargos técnicos: guionista, diseñador, fotógrafo, actor ...Su primer gran éxito fue historia de un crimen de 1901.

En 1902, Zecca comenzó a filmar la vida y pasión de Jesucristo que llegó a los cines en 1903. Zecca fue ascendido a director artístico de Pathé, supervisando el trabajo de los nuevos directores ( Gaston Velle , Hatot Georges , Louis Gasnier). Por consiguiente, su filmografía es difícil de establecer debido a que su papel era variable en algunas películas que podrían ser atribuidos a él. 
Es un artista prolífico (23 películas en 1901, 13 en 1902, 8 en el 1903,…) y dotado con un buen sentido intelectual estuvo atento a los descubrimientos formales del cine en su nacimiento. Zecca tiene éxito en películas que siguen el modelo imaginativo de Georges Méliès; en el de recreación documental (Asesinato del Presidente McKinley ), en películas con peso en el trucaje ( La piscina Imposible ), en la magia ( La bella durmiente , El gato con botas ) o en la actualidad , pues siguió el caso Dreyfus , o el drama social ( En el País Negro , huelga ).

Estuvo especialmente atento a las aportaciones de los directores británicos de la Escuela de Brighton, especialmente de George Albert Smith. En películas como el Hada de la Primavera muestra su verdadera sensibilidad creativa , contando para ello de la colaboración de la empresa de Chomón , pero buscando también el éxito comercial, inspirándose a veces en las creaciones de sus contemporáneos en su mayoría apuntan a ocupar la tierra para los negocios. 
Cuando para el año 1908, la Pathé Frères es una multinacional presente ya en todo el mundo, haciéndose cargo en 1914 , del comisionado de la Pathé en los Estados Unidos siendo el encargado de la importación-exportación de la Pathé en ese país, a tarvés de la Pathé Exchange . 
Regresó a Francia en 1917 para dirigir el Departamento de Pathé-Baby dedicada a proyectores y películas para su venta al público en general, especialmente a las películas domésticas. Su nombre ve vincula al éxito total de la Pathé, la productora de cine más importante del mundo antes de la Primera Guerra Mundial. 

La tercera película que he visto es The Obsession Of Gold una película de 1906. Está firmada por Segundo de Chomón. La historia es, más o menos, la siguiente. Hay tres personajes en la escena: un pintor, su modelo y su casero. El artista está pintando el retrato de una mujer joven, vestida con un traje en su estudio ático. De pronto entra en escena el arrendador exige el alquiler, pero el artista no tiene dinero y obliga al arrendador a marcharse.

La modelo trata de consolarlo, pero él la echa también. En el centro de la habitación hay un lienzo de la chica sobre un caballete. De repente, se transforma en cuatro cajas de caudales. Éstas se ponen a bailar . De cada una de ellas el pintor saca un saco que contiene monedas de oro. Conforme toma de cada una de ellas una bolsa, mientras las cajas desaparecen.

El pintor , loco de alegría ante tanta riqueza, las esparce por la mesa. Pero de repente, aparece una bella mujer, posiblemente un hada, que como la anterior, fue coloreada por Chomón. Con ella le ha tocado la riqueza. Hasta aquí lo que yo he visto. 

Sin embargo, he leído en https://archive.org/details/LobsessionDeLor que la película prosigue. Y continua en el momento en que ella transporta al pintor a un palacio. Los soldados marchan ante él y una troupe de bailarinas bailan. La escena cambia y todo el mundo desaparece, excepto el artista. Una lluvia de lo que parece ser de fuego comienza a caer y se despierta de nuevo en su estudio. Está desesperado. La modelo retorna y le da el dinero que recibió tras vender sus pendientes a un joyero. 

La fecha de lanzamiento de la película es del 5 de octubre 1906 en su país de origen, en Francia. En este caso, como en casi todos Segundo de Chomón no sólo es el director sino que también es el fotógrafo. Fue un típico producto para la Pathé Frères que fue también la distribuidora. 

La versión que yo he visto pertenece a la Nederlands Museum, siendo holandeses los subtítulos. Tras conocer la parte que yo no he visto, pero que sí se realizó, o al menos, se intentó realizar ha provocado que esta película conocida como la Obsesión Por El Oro , sea también conocida por Amistad mejor que riquezas . Así que aprovechando las recomendaciones de silentfilmhouse he conseguido en un tres por uno. 

Y aunque la procedencia y la autoría sea diferente si me atrevo a señalar que , en la segunda, la labor de Segundo de Chomón, posiblemente superara la fase de coloración , y que parte de las apariciones de las flores sea más obra suya que ese gran gestor de la que fue primera productora del mundo, la Pathé Frères, que precisamente perdió su posición hegemónica hace cien años, coincidiendo con el inicio de la gran guerra, que también fue la primera gran derrota del cine europeo, que dejó su corona en beneficio de la producción norteamericana. El gallo nunca volverá a cantar tan fuerte, y su cresta, su corona, nunca volverá a lucir tan alta.

miércoles, 29 de enero de 2014

El miedo de una noche de verano


Hace años, muchos, muchos años, en verano, posiblemente en septiembre del año 80 o del 81, pusieron en televisión una serie, lo que ahora se llama miniserie, que llevaba por título Fantasma. Estaba dividida en dos capítulos y tenía como principal reclamo, a uno de sus protagonistas , aun , por entonces, reconocidísimo actor de televisión, David Soul, Hutch el rubio de "Starsky y Hutch". También salía otro importante, un actor de peso en la historia del cine, James Mason, que como casi siempre representaba un papel de malo, malísimo. Cuando vi el primer capítulo me aterró. Especialmente cuando me fue por la noche a dormir. Estábamos en el campo, y allí en mi cuarto la casa de mi padre tiene unos grandes ventanales. Me imaginaba a uno de esos chicos que, con la niebla, se aparecía en mi ventana. Vamos, cagado de miedo, ¡pido perdón por la expresión!. Cerré las ventanas, daba igual que fuesen los estertores del verano, y al entrar en la cama, me tapé, cabeza incluida, con la sábana. El siguiente capítulo fue igual de aterrador, pero ya no me afectó tanto. 

Desconocía que se trataba de una obra de Stephen King, y sólo con el tiempo me enteré de ello. Más tarde, a inicios de este siglo pude ver otra versión de esta misma historia, llamada ya como el libro “El misterio de Salem Lot” con Rob Lowe como protagonista, pero, ya la edad, abandonada la juventud, no me impresionó tanto. 
De cualquier manera, grabé en mi mente el miedo que me dio la primera, y en la noche de ayer, cuando mi mujer, ávida lectora de todo, incluido los libros del escritor que siempre se refiere a Maine, me dijo que ya había terminado de releerlo le propuse verla nuevamente. Previamente, le conté los miedos adolescentes que me generó, pero daba igual, la vimos anoche. Y , ahora puedo decir que con razón me asusté en su momento. 

Es curioso que en España El misterio de Salem's Lot" o Salem’s Lot se presentó con "Phantasma II, y es que en el mismo año 1979 Don Coscarelli dirigía "Phantasma", en el que un adolescente se enfrentaba a un saqueador de tumbas que convertía los cadáveres en esclavos no-muertos a su merced. La cinta tuvo tanto éxito que los distribuidores idearon ponerle una segunda parte en una historia que no tenía nada que ver.
Salem Lot (también conocida como en España como hemos dicho como Fantasma II, y en los Estados Unidos como Salem's Lot: The Miniseries y Blood Thirst es, como he dicho anteriormente, una adaptación de la novela del mismo nombre de Stephen King realizada en el año 1979. 
La película o miniserie de terror, como queramos llamarla, fue dirigida por Tobe Hooper, el director entre otras de Postergeist o de La Matanza de Texas, y producida por Richard Kobritz, Stirling Silliphant y Anna Cottle para la televisión, invirtiendo en ella unos 4 millones de dólares. 
La película fue emitida en noviembre de ese mismo año por la CBS y a escala mundial fue distribuida por la Warner Bros. 
Está como hemos dicho basada en la obra de Stephen King , aunque el guión fue adaptado por Paul Monash. En los apartados técnicos participaron Harry Sukman en la música, Jules Brenner en la fotografía y Carroll Sax en el montaje. 

En cuanto al elenco de actores, a los ya nombrados David Soul como protagonista principal, el escritor Ben Mears y James Mason como el anticuario y malvado Richard Straker, se les unen algunos actores cuyas carreras derivaron al éxito o al olvido. 

Entre las que tuvo - y tiene- más recorrido está Bonnie Bedelia como Susan Norton y George Dzundza como Cully Sawyer, a los que se sumaron Lance Kerwin como Mark Petrie, Lew Ayres como Jason Burke, Ed Flanders como Bill Norton, Fred Willard como Larry Crockett, Julie Cobb como Bonnie Sawyer, Kenneth McMillan como el jefe de policía Parkins Gillespie, Geoffrey Lewis como Mike Ryerson, Barney McFadden comos Ned Tebbets, Marie Windsor como Eva Miller, Bonnie Bartlett como Ann Norton, Elisha Cook Jr. como Gordon "Weasel" Phillips, Clarissa Kaye-Mason como Marjorie Glick, Ned Wilson como Henry Glick, Barbara Babcock como June Petrie y Joshua Bryant como Ted Petrie. Además participan James Gallery como el Padre Callahan, Brad Savage como Danny Glick, Ronnie Scribner como Ralphie Glick y Reggie Nalder como Kurt Barlow. 

La trama, como en muchas obras de King, gira en torno a un escritor, que en este caso regresa a su ciudad natal y descubre que, parte de sus conciudadanos se convierten en vampiros. 

La película comienza cuando llega en un cuatro por cuatro, antes Land Rover, a la pequeña ciudad de Salem Lot( antiguamente conocida, según escuchamos en la escuela, Jerusalén Lot) en el estado de Maine Ben Mears , un escritor. Vuelve a la ciudad después de una larga ausencia para escribir un libro acerca de la casa Marsten, un edificio antiguo sobre una colina que preside la ciudad y que tiene fama de estar tomada por espíritus o estar maldita – el propio Mears comenta en la película que el vio allí a un hombre ahorcado y que le llegó a abrir los ojos-. 

Mears intenta alquilar la casa pero le informan los agentes inmobiliarios, Bonnie Swayer y Larry Crocket, que otro recién llegado a la ciudad, el misterioso Richard Straker , recientemente la ha comprado. Straker, sabemos poco después que ha abierto una tienda de antigüedades con un socio, al que se le menciona muchas veces, pero siempre está ausente, Kurt Barlow. 
Mientras tanto , Mears se muda a una casa de huéspedes en la ciudad, la de Eva Miller. En ella vive una chica, Susan Norton, profesora en la escuela local que acaba romper con un antiguo novio. Con ella y casi de inmediato empieza una relación romántica. 
A la nada, Ben se hace amigo del padre de Susan , el médico local, Dr. Bill Norton, y también renueva su vieja amistad con su antiguo maestro de escuela, Jason Burke. Mears dice Burke que siente que la casa de los Marsten de alguna manera es intrínsecamente dañina y pervesa, malvada, y recuerda cómo una vez fue traumatizado en la casa cuando él era un niño . 
Poco después el señor Richard Straker hace un extraño encargo en la inmobiliaria regentada por Larry Crockett. Contrata los servicios de la empresa de transporte de la misma, para llevar a la casa una gran caja que ha de ser entregada en la casa de los Marsten a lo largo de la noche siguiente. 
Los dos operarios encargados, encabezados por el también enterrador Mike Ryerson, el actor Geoffrey Lewis , otro veterano del cine y de la televisión, con otro compañero, nota como la caja que transportan es fría. Conformen se acercan a la casa, el frío del bulto va en aumento. Lo depositan, no sin pasar miedo, e incumplen una parte del contrato como era poner candados en todas las puertas. 

Desde ese momento un número cada vez mayor de la gente del pueblo comienzan a desaparecer o morir en extrañas circunstancias. Tanto Mears y Straker son inicialmente los principales sospechosos, ya que son nuevos en la ciudad. Uno de los primeros en desaparecer es Ralphie Glick. En este caso es Straker secuestra a un chico de la zona joven , Ralphie Glick, como una ofrenda al recién llegado en la caja, Kurt Barlow. 
Su hermano Danny se salva, pero llega en estado de “shock” a casa por lo que es llevado al hospital. Por su parte, vamos enterándonos que Barlow es un antiguo maestro vampiro. 

Entre tanto, Cully Sawyer pilla “in fraganti” en la cama a su mujer y a Larry Crockett. El marido tras intimidar con su escopeta a Crockett lo echa de casa, pero, en eso, el propio Barlow mata a Larry después de ser expulsado de la casa de Bonnie Sawyer por el esposo de Bonnie. 

El chico Glick luego regresa como un vampiro para reclamar su hermano, Danny. Este sale entre sueños le abre la ventana y el hermano lo muerde contiendo a Danny en un no-muertos. A su vez, Danny infecta el enterrador local, Mike Ryerson, tras sentir algo extraño en el ataúd y quedar fascinado por los ojos abiertos del niño muerto. 

Tras eso Mike va al bar en el que están Ben y su antiguo profesor, quien al ver su mal aspecto lo invita a pasar esa noche en su casa. Por su parte, cuando llega la noche , Danny intenta matar a su compañero de colegio, Mark Petrie . Sin embargo , Mark, un amante del cine de terror y excelente escapista, logra repeler a Danny con un crucifijo . 

Poco a poco, los vampiros se propagan por el pueblo. Mears y Burke, cada vez con más dudas, y, más aún del fallecimiento esa misma noche de Mike Ryerson, empiezan a averiguar lo que está sucediendo a la ciudad y tratan de hacer algo para detenerlo. Para ello Mears pide permiso al Doctor Norton para ir a la morgue y ver que ocurre con una recientemente fallecida Marjorie Glick. Cuando son las siete de la tarde, el cuerpo de Marjorie empieza a moverse y ataca a Ben. 

Entretanto, los padres de Mark son ambos asesinados por Barlow, cuando se encontraban reunidos en la cocina con el padre Callahan. Mark logra escapar a costa del sacerdote local, el padre Callahan, quien da la vida por él. Además descubrimos que Barlow es inmune a los crucifijos. 
Por su parte, Jason Burke, sin embargo, estando en su casa, cae presa de un ataque al corazón después de un encuentro con el recién vampirizado Mike Ryerson. 

La gente huye del pueblo. El propio Sheriff Parkins Gillespie se marcha, aunque antes le entrega su pistola a Ben, y le pide lo mismo a Mears, quien a, a su vez, lo pide a Susan Norton. 
Antes de salir Susan observa como el joven Mark Petrie va hacia la casa Marsten. Ambos entran, nada más entrar son capturados por Straker. Mears y el Dr. Norton se dirigen a la casa para destruir Barlow y cuando se encuentran dentro de la casa, el Dr. Norton es asesinado por Straker , que lo cuelga en las cornamentas que decoran una pared. 
Al ver esto, Mears usando la pistola entregada por el sheriff Gillespie dispara repetidas veces sobre Starker, quien muere. Mears se mueve por la casa y , conjuntamente con Petrie, que se ha librado de los cordajes de Starker , encuentran el ataúd de Barlow en el sótano y lo destruyen clavándole, no sin dificultad, una estaca en el corazón. 
A continuación, se escapan de los otros vampiros en la bodega (los diversos ciudadanos), pero ellos prenden fuego a la casa. De Susan no sabemos nada.. Como la casa se quema, el viento comienza a llevar el fuego hacia la propia ciudad y con ello Mears y Petrie luego de huir de Salem Lot saben que el fuego purificará la ciudad del mal que se ha apoderado de él. Y hasta aquí la película. 


Se sabe que la Warner Bros. adquirió los derechos de la novela de Stephen King para llevarla al cine. El problema estribó en que una obra como esta, la de Salem Lot, de unas 400 páginas, y con destino a la gran pantalla, más aún si se deseaba que fuese lo más fiel posible al material original era muy complicado. Con todo, la Warner buscó al productor Stirling Silliphant , y contrató al guionista Robert Getchell , así como al escritor y director Larry Cohen para dar forma a un guión, pero ninguno resultó satisfactorio a la Compañía. "Fue un desastre", dijo Stephen King. 
El proyecto fue finalmente entregado a la Warner Bros. Television, y ya contando con Richard Körbitz como productor. Éste decidió que Salem Lot funcionaría mejor como una miniserie de televisión que como un formato de largometraje por la longitud de la novela. El escritor Paul Monash fue contratado para escribir la adaptación para televisión , habiendo previamente producido la adaptación cinematográfica de Carrie, la primera novela de Stephen King. 
Una proyección de La matanza de Texas ( 1974 ) , convenció a Richard Kobritz para seleccionar a Tobe Hooper como director, aunque se llegó a pensar incluso en George C. Romero. 
Con un presupuesto de 4 millones dólares, el rodaje se puso en marcha el 10 de julio de 1979, en la ciudad de Ferndale, al norte de California , con algunas escenas filmadas en los estudios de Burbank . El rodaje terminó oficialmente el 29 de agosto 1979. 
Aunque por lo general la historia es la misma, para su adaptación televisiva muchos personajes secundarios se eliminaron o se cambiaron. Este es, por ejemplo, el papel de Barlow, que es totalmente diferente en la miniserie a lo que es en la novela. Sin embargo, Stephen King elogió el guión de Paul Monash y comentó " Monash ha logrado combinar los personajes muy bien, y la miniserie funciona ". 
Sin embargo , gran parte de la violencia y escenas gráficas en la novela tuvieron que ser omitidas pues el destino era la televisión. El productor Richard Kobritz , quien participó activamente en la película, agregó algunos cambios en el guión de Monash, incluyendo el del aspecto del vampiro jefe, Kurt Barlow, que pasaba de tener apariencia humana cultivada a ser un monstruo de aspecto demoníaco que nos recuerda al clásico Nosferatu de Murnau o el de Herzog. Kobritz explicó :" Volvimos a la vieja concepción alemana de Nosferatu dónde está la esencia del mal (…). No quería sexual, porque yo simplemente no creo que funcionaría. La otra cosa que hicimos con el personaje que creo que es una mejora es que Barlow no habla (…) en contraste con el libro y el primer borrador del guión ". 
Otros cambios incluidos por Kobritz era el enfrentamiento final con Barlow en el sótano de la casa de los Marsten , mientras que en el libro se encuentra en el sótano de la pensión de Eva Miller , él lo llevó al interior de la casa de los Marsten, ya que entendía que la casa era la estrella. 

Sobre los papeles otorgados a David Soul como Ben Mears, o los James Mason y Reggie Nalder como Richard K. Straker y el vampiro Kurt Barlow, respectivamente, el productor Richard Körbitz señaló que fueron elegidos desde el principio. Körbitz envió a Mason una copia del guión, y pensó en su esposa , Clarissa Kaye-Mason, para Marjorie Glick. Sin embargo, Nalder se quedó menos impresionado. "Las maquillaje y los lentes de contacto eran dolorosos, pero me acostumbré a ellos. Me gustó el dinero, lo mejor de todo". 

El director Tobe Hooper explicó que " Una película de la televisión no tiene sangre o la violencia , pues el tiempo es limitado " Con todo es muy violenta el momento en que Larry tiene el cañón de la escopeta en la boca . Para la casa se construyó en Ferndale una fachada de tres pisos sobre una casa ya existente en una colina con vistas a la ciudad para albergar la casa de los Marsten. Ésta fue diseñada por Mort Rabinowitz, quien también diseñó el interior. 

En el maquillaje del vampiro y en las lentes de contacto brillantes trabajó Jack Young. Estas lentes de contacto sólo se podían usar durante 15 minutos. 

Los efectos especiales , las levitaciones de vampiros, se lograron mediante la colocación de los actores en una grúa con cables tradicionales. Estas secuencias de levitación para la época fueron las escenas más espeluznantes. La música fue compuesta y dirigida por Harry Sukman, y fue la última obra del compositor antes de su fallecimiento en 1984. 

Tobe Hooper, un gran admirador de los clásicos y de Alfred Hitchcock, en concreto, rindió varios homenajes con sus escenas a Psycho (1960) , al conde Orlock del Nosferatu de Murnau (1922). Esta versión de Salem Lot influyó en películas y series posteriores. Por ejemplo, en la Buffy cazavampiros de Joss Whedon , en el capítulo, creo que segundo de Hannibal, desarrollado por Bryan Fuller para la NBC. En el que una chica es empalado en las astas de un ciervo y en todos aquellos cazavampiros que últimamente pululan por ahí que van desde Hansel y Gretel, hasta Abraham Lincoln , pasando por uno que todavía no he visto, y que responde al nombre de…. 

Yo he visto la edición de 112 minutos de la miniserie , que , al parecer, elimina muchas escenas, incluyendo el prólogo y el epílogo con Ben Mears y Mark Petrie en Guatemala, así como el destino de Susan. En cuanto a las críticas señalar que el crítico de cine británico Mark Kermode, además de que “daba mucho miedo” dijo de ella que era "una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la novela de Stephen King hasta la fecha ". Helen O'Hara de la revista Empire dio a la película tres de cinco estrellas. Hubo la intención de hacer una secuela televisiva por parte de la NBC , y producida por Richard Körbitz para seguir los principios activos de la caza de vampiros de Ben Mears y Mark Petrie, aunque fue finalmente nunca llegó . 
Lo cierto es que en 2004 , una nueva adaptación televisiva de Salem Lot fue hecha por TNT, en asociación con la Warner Bros. En este caso dirigida por Mikael Salomon , siendo muy similar a la miniserie original de 1979. Estuvo protagonizada por Rob Lowe como Ben Mears, Donald Sutherland como Richard Straker , Rutger Hauer como Kurt Barlow, y James Cromwell como Padre Callahan ( un papel ampliado considerablemente en comparación con la versión 1979 ). 

Como premios en el año 1980 tuvo una nominación para Paul Monash como guionista para el premio Edgar Award a la mejor serie o miniserie para la televisión. Igualmente fueron nominados en los Premios Emmy para Gene Kraft por el diseño gráfico y títulos, Ben Lane y Jack H. Young por el maquillaje y a Harry Sukman para la música. 

Yo debo señalar que estamos ante una competente cinta de terror, con buenas interpretaciones, tan eficaces la de sus clásicos actores de cine , - hablamos de Charles Mason-, como los que procedían de la televisión- David Soul- o como la realizada por parte de aquellos que prometían - como era el de Bonnie Bedelia- como convincentes. Fue una serie muy bien diseñada técnicamente en sus efectos para ser del año 1979, que no ha envejecido para nada y que , ante todo, nos sigue generando inquietud y , sobre todo,  miedo, auténtico miedo, en parte, por la atmósfera espeluznante creada y por las apariciones espectrales de niños y mayores con largos colmillos y ojos brillantes que te los dejan marcados en los tuyos, o que te invitan a recordar lo que fue el miedo que pasaste en una noche de verano.


lunes, 27 de enero de 2014

La puerta que lo abre todo


Hace años que grabé esta película. Creo que nunca la había visto con detalle. Lo había dejado para verlo con mis hijos, cosa que hice ayer noche. Me sorprendió ver quien la firmaba , Roland Emmerich, un director alemán afincado en Estados Unidos y especializado en película que responden a la idea de gran espectáculo. 
Recuerdo igualmente que de esta película me hablaron mis alumnos de la laboral, allá por el año 94. Me comentaban que era magnífica para explicar Egipto. Yo que había visto el trailer, pensé que era demasiado fantasiosa. La echaron en televisión en varias ocasiones, pero siempre me quedaba en el inicio y realmente no sabía lo que pasaba después. Hasta anoche. 
Stargate o Stargate, Puerta a las Estrellas, para muchos en una película de culto. Es del año 1994. Está escrita por Dean Devlin y Roland Emmerich. Es tan de culto que de ella surgió una serie y otras novelas llevadas a la televisión – yo no las he visto- pero son (Stargate SG-1 , Stargate Atlantis y Stargate Universe) y una serie de dibujos animados (Stargate Infinity). Y es que el universo Stargate tiene multitud de referencias a la mitología antigua. De hecho, el planteamiento se basa en que dichas creencias mitológicas se fundaron en torno a la llegada de unos seres extraterrestres que asumieron el papel de antiguas divinidades. En la película la más importante es la egipcia. 
Siguiendo con la película Stargate fue producida por el autor de la novela, Dean Devlin, conjuntamente con Oliver Eberle y Joel B. Michaels que invirtieron unos 55 millones de dólares, para la Metro-Goldwyn-Mayer, que , al menos, me consta fue quien la distribuyó. 
En los aparatados técnicos tienen un papel esencial la música compuesta por David Arnold y la fotografía de Karl Walter Lindenlaub. En el montaje participaron Derek Brechin y Michael J. Duthie 
La película está protagonizada por Kurt Russell como Coronel Jonathan 'Jack' O'Neil y James Spader como Dr. Daniel Jackson en sus principales papeles. A estos acompañan Viveca Lindfors (Dra. Catherine Lanford), Alexis Cruz (Skaara), Mili Avital (Shau'ri), Jaye Davidson (Ra), Erick Avari (Kasuf), John Diehl (Teniente Adam Kawalsky), French Stewart (Teniente Louis Feretti), Carlos Lauchu (Guardia de Anubis), Djimon Hounsou (Guardia Halcón), Leon Rippy (General West), Richard Kind (Gary Meyers), Rae Allen (Barbara Shore). 

La película se inicia en el año 8.000 a.C., en una pequeña aldea situada en el desierto norteafricano. Es de noche, y toda la gente duerme, hasta que les despierta un ruido atronador causado por una nave alienígena que aterriza a pocos cientos de metros, desprendiendo una luz cegadora. Todos huyen, a excepción de un joven que, para saciar su curiosidad, se acerca a la luz (al no saber lo que es) y, un destello cegador desciende sobre él... 
Tras eso pasamos al año 1928. Estamos en Gizeh, Egipto, en el que un grupo de trabajadores a las órdenes de un arqueólogo, Profesor Langford, desentierran unas tumbas, encontrando debajo de ellas un enorme objeto circular construido de un extraño metal, y, cubierto por unas losas de protección con una escritura con inscripciones desconocidas. Mientras el profesor analiza las losas, su hija (Catherine) curiosea entre otros objetos descubiertos, y coge un colgante dorado que le llama la atención. 
Varias décadas después, en 1994, el egiptólogo y lingüista Dr. Daniel Jackson (James Spader) está dando una conferencia sobre la escritura jeroglífica que irrita a muchos arqueólogos que , poco a poco, van abandonando la sala. ve su salvación económica al ser contratado por el gobierno norteamericano para descifrar jeroglíficos del Antiguo Egipto. Entre las personas que lo escuchan está la Dra. Lamgford. Tras acabar sin oyente alguno, la Dra. Langford, se le acerca y que le propone una traducción de unas tablillas del Antiguo Egipto.

El Dr. Jackson se tiene que trasladar hasta unas instalaciones militares secretas y bajo tierra, en la Montaña Creek, Colorado, donde le muestran unas enormes losas de protección. En una pizarra contigua existía una traducción de parte de los símbolos, que no duda en corregir. Tras demostrar su capacidad, comienza a trabajar sobre un conjunto de 7 signos, descubriendo que lejos de ser cualquier clase de escritura antigua egipcia, son realmente dibujos de constelaciones, que representan un punto de partida y las coordenadas de un destino. 
En paralelo vamos conociendo a un militar el Coronel O'Neil (Kurt Russell) que depresivo está de baja tras la muerte accidental de su hijo al dispararse su arma. Dos militares lo sacan de casa y se integra en la misión.
Mientras el trabajo del Dr. Jackson sigue su curso. La traducción de los otros símbolos le lleva dos semanas, hasta que, por casualidad, viendo una imagen en una revista que lee un militar se da cuenta que no son símbolos sino constelaciones que señalan un punto en el Universo. Cuando explica sus descubrimientos al General West y el resto de los militares, deciden enseñarle qué se encontraba debajo de las losas de protección. Así, finalmente le enseñan el objeto que guardan en la instalación y sobre el que están grabados los símbolos que ha traducido: el extraño artefacto circular hallado en Gizeh en 1928, y que es realmente una puerta estelar, un sistema de teletransportación entre universos que puede permitir el contacto entre dos mundos.

Gracias al Dr. Jackson, consiguen activar el StarGate y establecer un agujero en el espacio - tiempo con la otra punta del universo conocido. El primer envío, un robot motorizado, cruza la extraña puerta. La puerta interestelar está abierta.

Dado lo peligroso del descubrimiento, es enviado en la primera misión exploratoria un comando militar bajo el mando del coronel Jack ONeil (Kurt Russell), al que se agrega en el último momento el propio egiptólogo Daniel Jackson, en calidad de lingüista. Juntos, militares y científico, cruzan la puerta para explorar lo que se encuentren al otro lado.

Al cruzar la puerta, llegan a un mundo aparentemente desértico. El StarGate de aquel lado está dentro de un templo junto a una gran pirámide. Los militares acampan en el área desértica. Pero no encuentran signos para restituir la puerta por ese lado.

Por su parte, el Dr. Jackson sale a explorar, encontrando por casualidad a un extraño ser, parecido a un camello, que lo engancha y lo lleva hasta la proximidad de una ciudad.

El grupo de militares sale a buscarlo, dejando a cuatro en las inmediaciones de la pirámide, y conjuntamente encuentran una civilización de humanos que viven de manera arcaica y que trabajan masivamente en una mina.

Inicialmente no se entiende, pero la voluntad del Dr. Jackson permite una interactuación con el grupo. Algunos de los hombres de la expedición van a Nagada, la aldea de esta gente, y entablan amistad con ellos. Allí ceremonialmente le invitan a cenar. Al Dr.Jackson le es ofrecida Sha'uri, la bella hija del jefe como esposa.

Entretanto se origina una tormenta de arena que obliga al retén de los militares a refugiarse en la pirámide. Al rato y tras una especia de terremoto, aprecian que alguien más está allí. Van cayendo uno tras otros. Finalmente descubrimos que es un ser con cabeza de Anubis el autor del ataque. 
Mientras en Nagada, Sha´uri, tras intimar con Daniel conduce a una gruta donde descubre la historia de ese mundo. El llega a una conclusión: hace miles de años, un alienígena moribundo llegó a la Tierra, tomó a un humano como anfitrión y utilizó su tecnología para autoproclamarse dios de aquellos primitivos humanos. Con el tiempo, hubo una revuelta en la Tierra, y ese alienígena en cuerpo humano, identificado como Ra huyó. El pueblo egipcio cerró el StarGate, que fue enterrado hasta su descubrimiento en la excavación. 
Mientras tanto, en el campamento base junto al StarGate, una nave con forma piramidal ha aterrizado, y los terrícolas han sido capturados por unos extraños seres con cabeza de animal. Cuando los demás regresan de la aldea y ven la nave, intentan averiguar que ocurre y son capturados también. 
O'Neil y Jackson son llevados ante quien parece estar al mando: el dios egipcio Ra. O'Neil intenta matar a Ra y en la pelea muere el Dr. Jackson, que será resucitado gracias a la tecnología alienígena. 
Para seguir vivo, Ra le insta a matar a sus compañeros capturados durante una ceremonia pública. Llegado el momento, entre el gentío que ha acudido, Jackson distingue a algunos de los jóvenes de Nagada, que portan armas de los soldados terrícolas, y el Dr Jackson dispara a los hombres de Ra.

Comienza un tiroteo que aprovechan para escapar de allí y organizar un ataque contra el falso dios. En la refriega muere Sha´uri , que es revitalizada en la máquina de Ra. Mientras, ocultos como aldeanos en una caravana que lleva mineral como ofrenda a Ra, los soldados y algunos de los jóvenes, se dirigen hasta la nave palacio de Ra.

En el camino, para no ser descubiertos, O'Neil mata a uno de los guardias de Ra. Al quitarle el casco con forma de animal, los aldeanos descubren que han sido esclavizados no por dioses sino por hombres como ellos, lo que les alienta a emprender la revuelta. Una vez en la pirámide, los terrícolas empiezan a atacar a los guardias de Ra.

Cuando se ven sitiados y atacados por dos naves, aparecen tras las dunas todos los demás aldeanos armados con palos y piedras. Superando enormemente en número a los guardias, consiguen derrotarlos. Al ver esto, Ra activa la nave para huir.

Entretanto, el Coronel O'Neil lucha ferozmente con un esbirro de Ra dispuesto a enviar la bomba a la tierra , para acabar con ella. Se pelean, pero antes de alejarse demasiado, O'Neill consigue colocar la bomba en el teletransporte que la manda a la nave cuando quedan cuatro segundos para que estalle. La bomba estalla y explota en el cielo para júbilo de todos los presentes. 
Finalmente, todos los terrícolas que han sobrevivido regresan a la Tierra, salvo el Dr. Jackson, que prefiere quedarse con su ahora esposa Sha'uri. Los soldados penetran en la Stargate. "Hasta siempre, doctor Jackson" le dice el Coronel Neil a su coprotagonista, y mientras son transportados a la Tierra acaba la película. 

La idea de Stargate la concibió ya en 1979, cuando era alumno en la Escuela de Cine de Munich, en su Alemania natal. Aunque el guión definitivo de la película es obra suya y de Dean Devlin, guionista y productor norteamericano que ha colaborado con él en casi todas. 
El argumento está construido en torno a la “puerta estelar”, nombre con el que aparece un fenómeno de física teórica conocido como agujero de gusano, especie de túnel del espacio por el que sería posible desplazarse entre dos puntos lejanos acortando infinitamente las distancias. Aunque este agujero aparece con una física más elaborada y más real en los guiones de otras películas del género (Star Trek: la película y sobre todo Contact), en Stargate adopta su forma más sencilla; pero a pesar de ello hace la película fascinante. 
La película tuvo más éxito del esperado. Stargate sin duda alguna es una referencia en el cine de la ciencia ficción, creando a partir de una simple idea, como es un portal, la unión de la Tierra con diferentes mundos a través de un agujero. 
Se sabe que StarGate iba a iniciar una saga de Stargate, pues, en realidad pretendía ser la primera de una trilogía de películas, pero no se pudo llevar a cabo debido a otro proyecto que Devlin y Emmerich tenían entre manos, concretamente Independence Day o Godzilla,. 
Para esta banda sonora se quería contar con John Williams (La guerra de las galaxias y muchas otras), pero a raíz de escuchar algunos de los temas compuestos por David Arnold, que impresionaron por su calidad, finalmente se hizo cargo éste de la música. Esta era su segunda película, y en estos últimos años, David Arnold ha sido el autor de algunas de las bandas de James Bond. 
Sin embargo, en 2006, el propio Devlin anunció que le gustaría retomar el proyecto, y que los actores originales (Russell y Spader) se habían mostrado interesados en el asunto. 

A pesar de que Stargate, tenía un interesante guión, unos escenarios interesantes, un reparto atractivo de peso en esos años, una capacidad de dirección sabiamente demostrada posteriormente, una banda sonora interesante, unos magníficos efectos especiales, unos sobrecogedores escenarios (destacando la imagen de la pirámide con los tres satélites en el cielo), unos exóticos vestuarios (destacando las terroríficas armaduras de esos guerreros) y los diseños (mención especial a la gran nave espacial en forma de pirámide, sencillamente magistral), el uso ingente cantidad de personajes ( se llegaron a utilizar a muchos maniquíes, dado que resultaban más baratos que los extras), unidos a una sincera fascinación por las reliquias del Antiguo Egipto, con sus dioses, sus talismanes, su arquitectura... no fue buen recibida por la crítica. Por ejemplo, en España Fernando Morales en el Diario El País dijo de ella que era una "Convencional entrega de ciencia-ficción que supedita toda la historia a una constante proliferación de atractivos efectos especiales". 

Como película de ciencia ficción está bien, al menos es pasable, y llega a mantener la atención, por lo entretenida que es. Lo cierto es que los protagonistas, el arqueólogo Daniel Jackson y el coronel Jack O'Neil, lo bordan, y sobre todo este último asume un papel que le iba. Lo curioso es que diera con ella comienzo a una excepcional franquicia, con una serie televisiva de 10 temporadas y un spin-off , en total catorce años (1997 - 2011). Y si fue así es por que "Stargate" es puro espectáculo al mezclar, como gustó a mis alumnos, la ciencia-ficción con el Antiguo Egipto, aprovechando una Puerta Estelar o en este caso, una cinta de VHS.