domingo, 30 de abril de 2017

La tristeza de Virginia Wolf


Ya sólo escuchar Who's Afraid of Virginia Woolf? en la voz original de Elizabeth Taylor merece la pena la pelíucla. Haya momentos en que dudas de que se trate de una película, pues parece teatro filmado. Desde luego es cine, pero no oculta que el punto de partido sea una obra teatral, pero por encima de eso es una obra de arte en el sentido interpretativo. Cuatro actores, dos actrices y dos actores dan todo de sí delante de una cámara. La avasallan  a ella y al espectador que hay delante y desde luego nos intimidan a todos, nos abruman con su historia y a mi especialmente con su tristreza. Esa repetición en varias ocasiones de Sad, sad, sad por parte de la Taylor me llega a conmover. Es tremendo su trabajo y el de su marido en ese y otros muchos momentos, Richard Burton. 

Lo cierto es que esta película estadounidense del 1966 , un drama sin fin, una historia y una actuación casi física, fue  dirigida en su debut por el director Mike Nichols, antes de hacerse famoso con El graduado. 

La obra parte del guión de Ernest Lehman y es una adaptación de la obra teatral del mismo título escrita por Edward Albee. En la pantalla cuatro protagonistas encabezados por Elizabeth Taylor como Martha y Richard Burton como George, con George Segal como Nick y Sandy Dennis como Honey, y únicamente dos actores más, una anciana y un anciano que sirven a altas horas de la madrugada en un garito de esta ciudad universitaria.Se trata , de hecho, de uno de los filmes más importantes de la carrera de Elizabeth Taylor, por su actuación y por el gran elenco que compone la producción. 

¿Quién teme a Virginia Woolf? o Who's Afraid of Virginia Woolf? - como se llama en el título original - he visto lógicamente en versión original - era una  obra de teatro en tres actos del dramaturgo estadounidense Edward Albee estrenada en 1962. El título hace una referencia a la famosa escritora Virginia Woolf y a su apellido, utilizándolo como una parodia de la frase y canción clásica de Frank Churchill y Ann Ronell, "Who's Afraid of the Big Bad Wolf?" ("¿Quién le teme al lobo feroz?").

Se trataba de una producción de Ernest Lehman con guión del mismo  Lehman , con música de Alex North , fotografía de Haskell Wexler y el montaje de Sam O'Steen para la misma productora y distribuidora, la Warner Bros.

Como ya he dicho los protagonistas son cuatro: Elizabeth Taylor como Martha,  Richard Burton como George, George Segal como Nick y Sandy Dennis como Honey, 

La historia comienza en un vecindario inglés de la universidad de Nueva Inglaterra, con George (Richard Burton) y Martha (Elizabeth Taylor) ,  un matrimonio que se profesa un odio salvaje. Ambos tienen personalidades autodestructivas, conocen perfectamente las debilidades del otro y saben cómo exasperarlo. George es un profesor de historia y está alcoholizado y Martha, la hija del director de la universidad donde George da clases, es una mujer igualmente alcohólica, frustrada, dominante, psicótico y amargada, pero también vulnerable. A George y Martha le gustan los juegos emocionales entre sí, pero ignoran todavía lo peligroso que son .

Un sábado por la noche, después de una fiesta a eso de las dos de la madrugada, razón por la que ambos llegan ligeramente bebidos y casi de inmediato Martha y George se enzarzan en una pequeña discusión sobre Bette Davis.

Después de la discusión, Martha revela que había invitado a un joven matrimonio, a quien conoció en la fiesta para tomar una copa. A George no le seduce la invitación al ver que es tarde, pero al final, termina aceptando las ideas y decisiones de su esposa.  invitan a su casa a un nuevo profesor y a su esposa. Se tratan de Nick, un profesor de biología (Martha piensa que enseña matemáticas en la pequeña discusión anterior) y su esposa, Honey.

La presencia de esta pareja no evita que Martha y George se humillen y maltraten como de costumbre. Además los cuatro comienzan a beber, Martha y George son capaces de practicar un abuso verbal frente a los invitados. Al principio,  ellos sienten vergüenza y revelan que era mejor no haber ido, pero más tarde se quedan al enredarse con el matrimonio de George y Martha.

En un momento dado  Honey y Martha se separan por un tiempo de los esposos, ya que Martha decide mostrarle la casa a su amiga.  Mientras tanto, George habla de manera incontenible , pero sin cordura aparente con su invitado, con Nick. Descubre que es un joven y prometedor profesor de biología , recién contratado y ambicioso, que quiere dirigir su departamento.

Cuando regresan, Honey revela que Martha le ha mencionado asuntos relacionados con  su hijo  y el de George y añade que al día siguiente (domingo) marcará su decimosexto cumpleaños.

George se enoja ya que anteriormente le pidió a Martha no comentar sobre este tema y Martha ha divulgado esta información.

Más tarde, Martha se burla de George agresivamente y este se aleja de los huéspedes y de su esposa para ir a otra habitación de la casa. Martha cuenta una historia muy vergonzosa de cómo ella humilló a George delante de su padre, el rector de la Universidad.

A través de este cruel juego de humillaciones mutuas sale a relucir la verdad tanto sobre los anfitriones como sobre los invitados.

Las burlas de Martha continúan y George reacciona violentamente en apariencia tomando una escopeta y tratando de disparar a Martha. Al disparar, Honey se asusta y grita, pero se trataba de un paraguas que se abrió al disparar.

Después de esta pesada broma, Martha continúa burlándose de George y este rompe una botella como la pared producto de su enojo.

A pesar de la tensa situación Nick y Honey permanecen junto a ellos y se ve que están cada vez más inestables. En un momento dado, tras la mucha bebida Honey pronto corre al baño a vomitar, debido al exceso de alcohol.

Los dos inesperados invitados serán testigos presenciales de las vejaciones de la pareja de anfitriones, a la vez que progresivamente y por el efecto del alcohol, desnudan sus miedos, ansias y deseos, arremolinándose a sí mismo en un marasmo de intensos sentimientos encontrados.

Y lo harán colectivamente y por por parejas. La inicial es la formada por George y Nick en l jardín junto a un árbol, cuando Nick le habla a George del por qué se casó con la joven Honey tras un embarazo histérico. Conocemos  igualmente que era hija de un rico predicador que acumuló fortuna y dinero.

Luego nuevamente juntos los cuatro marchan a un bar. Allí descubrimos la vertiente lasciva de Nik y las provocaciones sexuales de Martha mientras bailan desenfrenadamente. Tras revelar George a Honey y Martha lo que le ha contado Nick  la chica vuelve a tener nuevamente nauseas. Tras un nuevo y violento episodio Martha abandona a George a su suerte , mientras que recoge a Nick y a Honey. Martha se lleva a Nick a su cama, dejando a Honey durmiendo en el vehíulo.

Al llegar George descubre que Nick está con su mujer , mientras que el habla con una desorientada Honey , diciéndole que su hijo realmente está muerto.

Tras ello George desaparece de la escena, centrándose la historia en Martha y Nick, que , finalmente, parecen no haber tenido nada, cuando se suma Honey a la conversación se persona George con un ramo de flores. Recalca George la idea ante Martha y Nick que su hijo está muerte llevando la desesperación a una Martha.

Al final comprenderemos el por qué de los  interrogantes del definitivo ¿quién teme a Virginia Woolf?,  tan temido por Martha, o el... "Por favor no hables de nuestro hijo..." tan temido por George....

Al final  vamos descubriendo  que todo ha sido producto de un juego en una pareja agotada que reconoce que se quiere , pero que es víctima del desgaste que les lleva  a una penosa, dura y difícil etapa de la vida.

Se rodó en Cambridge, Red Basket, Smith College y en los Studios Warner. Fué nominada a 15 Oscar. Fué producida por Ernest Lehman, estrenándose con extraordinarias criticas el 22 de junio de 1966 en todo Estados Unidos. La acción tiene lugar en el campus de la Universidad de una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra, entre las 2 de la madrugada  y el amanecer.

Este trabajo físico tuvo su recompensa. La película fue nominada a trece Premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director por Mike Nichols, y es una de las dos únicas películas en ser nominada en todas las categorías elegibles (la otra es Cimarron). Los cuatro actores principales de la película fueron nominados en sus respectivas categorías de actuación. 

De gran éxito de público en el momento de su estreno, lanzó a la fama a un joven realizador que en 1967 reeditaría el éxito de crítica y público con otro clásico, El Graduado. 

La película fue la única nominada para los Premios Óscar en cada categoría en la que podía ser elegible (película, actor, actriz, actor de reparto, actriz de reparto, director, guion adaptado en la persona de Ernest Lehman, dirección artística/decoración del set (blanco y negro para Richard Sylbert y George James Hopkins ), cinematografía (blanco y negro), sonido (George R. Groves) , diseño de vestuarios (blanco y negro), música (Alex North)  y montaje (Sam O'Steen ). Cada uno de los cuatro actores fue nominado para un Oscar, pero sólo Elizabeth Taylor (Oscar a la mejor actriz) y Sandy Dennis (Oscar a la mejor actriz de reparto), lo ganaron. La película también ganó el premio de Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro por el gran trabajo de cámara de Haskell Wexler (fue la última película en ganar en dicha categoría antes de que fuera eliminada). También recibió el Oscar a la mejor dirección de arte B/N El Oscar al mejor diseño de vestuario B/N La película ganó , por lo tanto, cinco premios, incluyendo un segundo premio de la Academia a la Mejor Actriz por Elizabeth Taylor y el de Mejor Actriz de reparto por Sandy Dennis.

Sin embargo, la película perdió frente a Un hombre para la eternidad en las categorías Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y mejor guión adaptado, y ni Richard Burton ni George Segal ganaron en sus categorías.

Obtuvo siete nominaciones a los Globos de Oro , incluyendo mejor película - Drama  y otra nominación por parte del Sindicato de Directores (DGA) al  mejor director , otra por parte del Sindicato de Guionistas (WGA) al mejor guión dramático.

La National Board of Review para ese año 1966 la incluyó en el Top 10 mejores películas y actriz (Taylor).

En 2013, la película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Recibió además el Premio BAFTA a la mejor película (Mike Nichols), y el premio al mejor actor británico (Richard Burton), a la mejor actriz británica (Elizabeth Taylor).

Ganó igualmente el Premio New York Film Critics Circle Awards (Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York) a la mejor actriz (Elizabeth Taylor).

Un gran duelo interpretativo entre Richard Burton y Elizabeth Taylor, por aquel entonces casados, bien secundado por la otra pareja protagonista del filme, George Segal y Sandy Dennis.

Célebre por contener una de las mejores interpretaciones, si no la mejor, de Taylor y por una puesta en escena brillante que, sin deshacerse de su origen teatral, logra tener entidad propia como largometraje.

En cuanto las críticas Omar Khan en el diario El País  afirma que es una "Despiadada pieza teatral de un peso pesado de la dramaturgia USA (...) Una de las más apasionadas y destructivas parejas del cine de los años 70"

Francisco Marinero en El Mundo señala que muestra las "Miserias, fustraciones y deseos de dos parejas de la aparentemente más respetable burguesía con un vocabulario nunca escuchado. Interesante"

Carlos Boyero desde las páginas del diario El País señala que "Nichols hizo creíble, desgarrada y trágica una noche alcohólica habitada por un matrimonio en ruinas (...) Probablemente, sea la mejor interpretación que realizó Liz Taylor (...) y Richard Burton también está eminente"

Yo insisto en que se trata de una obra dura, con una interpretación física, de la dolorosa existencia de una pareja en una historia tan  compleja como descarnada.  Se trata de una reflexión sobre la vida, las personas, el amor, el desamor, la mentira, pero también sobre la soberbia y el orgullo que es lo que impide darse cuenta que se aman. Es el propio miedo a la vida, el miedo a que esa vida cruel acabe con esta particular relación.

Las interpretaciones son de antología, especialmente la de Elizabeth Taylor,, pero considero que Burton no se queda atrás. Yo creo que es casi más compleja dadas las permanentes ironías, desaires, insultos, agresiones verbales, humillaciones, amenazas, y juegos de dominación y destrucción, que pone de manifiesto las miserias y secretos del matrimonio y saca a la luz los miedos, ansiedades, frustraciones, malicia, fobias, apetitos y deseos, de los protagonistas.

Es un juego cruzado de ofensa, recriminación, agresión y reacción,  interrogantes y nada claros en cuanto los límites entre realidad y ficción.

El título constituye una parodia de la canción "Who's Afraid On The Big Bad Wolf?", de "Los tres cerditos" de Disney, que se entona con una melodía diferente. Los nombres de George y Martha coinciden con los del primer presidente de EEUU y su esposa. Por parte de Martha hay una parodia que Liz Taylor hace de Bette Davis, como un homenaje a la gran actriz.

El autor teatral responsable de la obra, Albee,  confesó que el ser un niño adoptado por una familia acomodada marcó su vida. Antes de ser autor de teatro, merecidamente elogiado, repartió telegramas, fue botones, vendió libros y discos y nunca aceptó permanecer bajo el bien situado manto protector familiar, cosa que le convirtió en todo un malhumorado y amargado joven. ¿Quién teme a Virginia Woolf? fue escrita a una velocidad inaudita, como casi todas sus obras, porque lo que más le preocupaba era la espontaneidad y lo que más le gustaba sorprenderse a sí mismo. Su obra fue un bombazo. Le dieron el Premio Pulitzer y se lo retiraron por su lenguaje soez. Criticaba cuestiones sociales, económicas, pero en la obra pesa más la relación personal, donde se dan las relaciones de poder y sobre todo el amor-odio de la pareja, y eso es lo que más llega a la gente.

¿Quién teme al lobo feroz?’ significó toda una revelación y renovación para la dramaturgia americana y revitalizó la cartelera teatral de Broadway.  Albee no volvería a conseguir otro éxito igual y su talante rebelde pasaría a un segundo plano, su vida personal tuvo mucho que ver en su distanciamiento con el cine... odiaba pedir favores.  La obra teatral , que fue estrenada en Nueva York en 1962, no es más que el retrato de la sociedad americana del momento y el análisis de un mal general: los problemas de pareja, la insatisfacción vital y la mentira.

La música, de Alex North, se basa en una breve partitura original, con un magnífico tema central de guitarra, de aires románticos, que evoca el amor entre dos personas.

Destacan los contrastes y excelente claroscuro, sirve un buen trabajo de cámara, con planos cenitales, imágenes subjetivas, primeros planos psicológicos, travellings al hombro documentalistas, que se enmarcan en un contexto de grata sobriedad.

El guión aporta unos diálogos duros y bien construidos llenos de  lenguaje obsceno , un relato envolvente y personajes complejos bien definidos.

Las interpretaciones son magníficas, surrealistas y de gran brillantez en estas dos horas de autenticas puñaladas verbales con unas interpretaciones que quitan el aliento. Para enmarcar estas interpretaciones una fotografía de la que es responsable Wexler, en base a  fuertes contrastes y notoria iluminación que le propina aun si cabe mayor dramatismo a las escenas. La realización es impecable, con buenos momentos y cantidad de primeros planos que enfatizan las emociones de sus personajes y sobre todo con una comprensión de lujo del significado del espacio escénico en el que se desarrolla la película. Y por encima de todo los insultos que se lanzan, las bromas, los juegos y los abrazos que Elizabeth que implora y no recibe, los arrebatos de ira de un Burton frío, cínico, amargo y frustrado...No estamos ante un largometraje especialmente dulce o de fácil digestión, pero su fascinante, incómodo y asfixiante discurso hace que valga, y mucho, la pena. La realización de la película es perfecta, con unos primeros planos que nos muestran matices y enfatizan emociones de forma sobrecogedora.

Para acabar incluiré este interesante artículo escrito el 18 de septiembre de 2016 por  Michael Billington, crítico teatral del diario británico The Guardian, que  escribía que Edward Albee expresó ocasionalmente su exasperación por verse siempre identificado como autor de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who’s Afraid of Virginia Woolf?). “La obra”, escribió en una nota al programa de la producción de 1996, “me cuelga del cuello como una especie de medalla reluciente”.

La mordaz película de 1966 de Mike Nichols, con Elizabeth Taylor y Richard Burton como protagonistas, quedó impresa en la mente del público como un machaque marital a base de alcohol. Pero la obra, estoy convencido, tiene tanto que ver con el estado de la Unión como con el matrimonio. Albee era un escritor profundamente politico al que, según me confesó una vez, le gustaba que las obras fueran “útiles, no meramente decorativas”. Resulta también significativo que escribiera la obra a principios de los años 60, cuando Norteamérica iba emergiendo lentamente de los años de narcolepsia de Eisenhower, y cuando una frágil paz, propia de la Guerra Fría, dependía del equilibrio del terror.

La magnífica producción de Howard Davies en el Teatro Almeida [de Londres] fue la que me hizo consciente del hecho de que la obra, aparte de referirse al clásico tema norteamericano de la verdad y la ilusión, tiene una relevancia más amplia. George y Martha, cuyas maratonianas batallas contemplamos con paralizada fascinación, tienen nombres que provienen de los Washington. Viven en un campus universitario en Nueva Cartago, lo que evoca una civilización de ruinas clásicas.

Incapaz de enfrentarse a la realidad, el mismo George es un historiador que, mientras su mujer anda liada tirándose al invitado, se enrolla con La decadencia de Occidente, de Spengler. Mientras tanto, Nick, que es con quien Marta se encama, es un biólogo reconocido por un programa de alteración cromosómica que producirá especímenes perfectos en el futuro.

La obra Albee no sólo abarca la Historia y la ciencia, sino la religion incluso, pues el suegro de Nick era un predicador ambulante que logro conciliar a Dios con el Becerro de Oro. Esto lo pensamos sólo después. Mientras contemplamos la obra, nos sentimos hipnotizados por el espectáculo de una pareja que se despedaza mutuamente... en esta perdurable obra maestra de Albee acerca del peligro de vivir en un mundo de ilusiones.


Cataleya colombiana


Desde luego uno no se acuesta sin saber algo nuevo. Depende de su voluntad y de interés, yo esta noche me he enterado de que existe una especie de orquídea, la más popular, que lleva por nombre el de Cataleya, Cattleya o Catleya que se considera la mas elegante de las flores, una de las preferidas y la orquídea más valorada de Colombia y cuyo significado podría ser el de “Pura como una flor”.  A esto se le une, me acabo de dar cuenta de ello, el papel de Cattleya Films responsable de algunas de las mejores series que han surgido de la península itálica. Entre otros , hablo de Gomorra. 

Cataleya es el nombre de la protagonista de una película francesa, que generó cierta polémica en Colombia, por identificar a su protagonista con todo un país. Lo cierto es que Colombiana - que así se llama la película- es una película del año 2011 de la factoría de Luc Besson y que, en este caso está dirigida por Olivier Megaton y protagonizada por Zoe Saldana en el papel principal de Cataleya. El director francés que esta a cargo de la película es el mismo que dirigió Transporter 3 o Venganza: Conexión Estambul,  Bajó sus órdenes, dirigió a la actriz estadounidense de ascendencia Dominicana,  Zoe Saldana que empezó su carrera con la película "Crossroads" junto con Britney Spears y tras ella, compartió escenario con Tom Hanks en "La terminal" o con Jonny Deep en "Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra" o para la Marvel en las dos entregas de Guardianes de la Galaxia. 

Como ya he dicho se trata de una producción de Luc Besson y Pierre-Ange Le Pogam para la productoras EuropaCorp y Canal+ , a la que se sumaron la productora A.J.O.Z. Films, la TF1 Films Production , Grive Productions y CinéCinéma  productoras, coproductoras, o  en régimen de participación. Es lógico ya que la película contó con un elevado presupuesto de unos $ 40,000,000 , así contó igualmente con la distribución Aurum 

La música fue labor de Nathaniel Méchaly y el montaje de Camille Delamarre .

El elenco internacional como pocos ( norteamericanos, franceses  , algún español y hasta británicos) lo encabeza la actriz de Nueva Jersey y nacida en 1978 Zoe Saldana como Cataleya Restrepo. A esta se le une Amandla Stenberg como la niña Cataleya (de 9 años). el francés   Michael Vartan como Danny Delanay, el amante de Cataleya , el neozelandés y "fear" por antonomasia Cliff Curtis como Emilio,  Ofelia Medina como mamá, la abuela de Cataleya , el británico Lennie James  como el agente especial Ross del FBI. el inglés Callum Blue como Richard, el actor catalán Jordi Mollà  como Marco, el escocés Graham McTavish como el comisario Warren, el neoyorkino  Max Martini  como el agente especial Williams, el texano  Jesse Borrego como Fabio, el padre de Cataleya, la actriz  Cynthia Addai-Robinson como Alicia, la madre de Cataleya. A los que se suman Sam Douglas  como el narcotraficante William Woodward hombre que se escapó con $ 50 millones, uno de los objetivos de Cataleya , el británico  Doug Rao  como Michael Shino,  Beto Benites como don Luis. Junto a ellos aparecen el actor francés inolvidable en Germinal Affif Ben Badra como Genarro Rizzo, uno de los objetivos de Cataleya,  Ariane Brodier como Alexa , Billy Slaughter como Ryan. 

Colombia, 1992. La película comienza con la conversación entre dos narcos, aparentemente. Se reúnen Fabio Restrepo ( Jesse Borrego ) en la hacienda de Don Luis Sandoval ( Beto Benites ),  su jefe, para decirle que quiere dejar atrás el crimen.

A pesar de que Restrepo le da a Don Luis toda la información que posee del cártel para el que trabaja con los disquetes de ordenador  sobre el negocio de don Luis. Aunque aparentemente la renuncia es aceptada por ambos  Don Luis, que le dice a Fabián que los considera un padre, y éste le dice que es como su hijo, al salir ordena la muerte de un Restrepo piensa que piensa irse de Bogotá con su mujer  Alicia, (Cynthia Addai-Robinson) y su pequeña hija, Cataleya (Amandla Stenberg) una niña de nueve años.

Don Luis, una vez ha salido Fabián de su hacienda, envía a su mano derecha, Marco ( Jordi Mollà ), un cruel criminal, junto a un grupo de asesinos para matar a Restrepo y a su familia. 

Antes de que llegue Marco, Fabio, a sabiendas de lo que ocurre, le da a su hija Cataleya ( Amandla Stenberg ), de nueve años, una tarjeta de memoria - una SmartMedia , el mayor anacronismo de la película-   con la información sobre los negocios de Don Luis y le dice que ese es su "pasaporte"; También le da la dirección de su tío Emilio ( Cliff Curtis ), un criminal que reside en Chicago , y que cuidará de ella. Lo último que le da es algo que dice que la mantendrá a salvo: el collar de orquídeas con forma de cattleya propiedad de su madre. Después de decir adiós, Fabio y su esposa Alicia ( Cynthia Addai-Robinson ) salen armados para enfrentarse  a Marco y sus hombres, pero ambos son asesinados tal como puede escuchar Cataleya. 

Marco , una vez cometidos los crímenes, la intenta manipular  para que le dé el disco con la información, - que la niña se ha tragado- pero cuando le pregunta qué quiere, ella le apuñala en la mano con un cuchillo y le responde "Matar a don Luis", y se escapa. 

Tras demostrar su habilidad y capacidad para la fuga, Cataleya se dirige a la embajada de los EEUU y da la información a cambio de un pasaporte y de una visa de los Estados Unidos. Aunque va acompañada, se escapa de su acompañante en el servicio del aeropuerto a través de una ventana del baño y toma un autobús a Chicago. 

Una vez que llega se persona en la dirección dada por su padre para localizar a su tío Emilio, que vive junto  a su madre. Su tío la matricula en un colegio, pero Cataleya le pide que la capacite como asesina. El tío le dice que primero está su formación intelectual, después vendrá lo otro.

Quince años después, Cataleya ( ya como Zoe Saldana ), de 24 años, se ha convertido en un asesina a sueldo consumada. Su tío le sirve como su corredor, proporcionándole contratos. Ella es asignada para matar a un notorio gángster, Genarro Rizzo ( Affif Ben Badra ), quien está actualmente bajo custodia policial. Con un plan muy elaborado, vestida de prostituta y haciéndose pasar por una borracha que se estampa contra un coche policial. Así es detenida y llevada a las dependencias policiales. Ella logra escapar de su celda con herramientas que escondió en su disfraz, viajar a través del sistema de ventilación y matar a Rizzo, y volver a su celda. 

A la mañana siguiente es liberada con la misión cumplida. Eso sí  antes de dejar el cuerpo deja su tarjeta de visita -una orquídea, una Cataleya,  dibujada en el pecho de sus víctimas- que es un mensaje para los asesinos de sus padres, pues Cataleya está resuelta a vengarlos cueste lo que cueste, aunque para ello tenga que sacrificar todo lo que ama.

El mensaje que deja desconcertados a todos los policías tiene un destinatario final, Don Luis. Después de conocer de que se trata de una orquídea muy popular entre la comunidad colombiana, el agente especial del FBI James Ross ( Lennie James ) ahora puede vincular este caso con otros veinte casos más. 

Lo grave es que Don Luis,  actualmente está en un programa de protección de testigos supervisado por el agente de la CIA Steve Richard ( Callum Blue ),  y está custodiado por muchos pandilleros fuertemente armados, se da cuenta de que la hija de Fabio está viva y actúa en los Estados Unidos y ordena a Marco (cuya mano todavía le duele) y a sus agentes a encontrarla. 

Su tío Emilio se pone furioso cuando se entera de que Cataleya ha estado matando dejando una "firma" ya que de esta manera ha puesto a sus familiares en grave peligro. 

El nuevo objetivo de Cataleya es William "Willy" Woogard ( Sam Douglas ), un millonario que huyó al Caribe con 50 millones de dólares de su esquema Ponzi . Ella se mete furtivamente en su casa y le dispara, y él cae dentro de su tanque de tiburones, donde los tiburones lo atacan falleciendo en el acto.

Bajo el nombre de "Jennifer", Cataleya más tarde visita a su amante, el artista Danny Delaney ( Michael Vartan ), y pasa la noche con él. La relación con Danny es extraña. El pintor sólo sabe de ella su nombre, Jen, pero poco más. Una noche que ella se queda en su casa , él le saca una foto a ella mientras duerme. 

Esa mañana Cataleya se reúne con su tío, Emilio, quien le dice furiosamente que ocho personas fueron asesinadas en Miami, entre los que se encuentra uno de sus amigos. Emilio luego retira a su sobrina de su trabajo. 

Por su parte, Danny le muestra su foto a su amigo Ryan, pero cuando Danny se va para evitar que su coche sea multado, Ryan le envía la foto a su cuñada, un empleado de policía, para averiguar quién es. 

Ahora en las computadoras de la policía, la foto es reconocida por el software de reconocimiento de cuerpo /  como el de la mujer que estaba en la misma prisión que Genarro Rizzo la noche en que fue asesinado. 

Ante la alarma que se activa el detective Ross recibe la notificación, y pone en marcha un operativo del FBI rápidamente para que rastree su ubicación y sean apoyados por un equipo de SWAT. La ubicación de ella es determinada en su apartamento donde van los SWAT y el FBI.

Después de que Cataleya se despida de su tío que, demás le ha echado en cara el hecho de no ver a su abuela y de no acompañarla a misa, regresa a casa, pero recibe una llamada de Danny, quien confiesa que tomó una foto de ella. 

Al ver al equipo SWAT entrar en el apartamento, se las arregla para escapar por el garaje y se va a casa de Emilio,  para descubrir que su abuela, Mamá como le llamaba su tío, Pepe (Ángel Garnica) y el propio Emilio han sido torturados y asesinados por los hombres de Don Luis, dejándola devastada.

Tras esto Cataleya embosca al detective Ross del FBI en su casa para averiguar dónde está Don Luis. Ella amenaza con matar a los miembros de la familia de Ross uno por uno si él no se esfuerza más en ayudarla. 

Temiendo por la seguridad de su familia, Ross se reúne con el agente de la CIA , Steve Richard, al que en principio, le resbala lo que le cuenta pero después de que Cataleya dispare un disparo de advertencia a través de su ventana de la oficina"a prueba de balas"   con un rifle de francotirador de gran calibre, le da la ubicación de Don Luis en Miami. 

Cataleya entonces va a un topógrafo  de Luisiana y lo amenaza para que le de los planos de la mansión de Don Luis. 

Cataleya asalta las instalaciones de Don Luis con armamento pesado y elimina a todos los guardias; luego se enfrenta a Marco y, después de una violenta batalla mano a mano, le apuñala en el cuello. 

Don Luis se escapa en una furgoneta, pero es detenido por un camión de basura. Cataleya lo llama en el teléfono móvil  de Marco, pero Don Luis se ríe y le dice que él la matará y que ella nunca lo encontrará . Cataleya responde que él está exactamente donde ella quiere que él sea. En ese momento Don Luis se da cuenta que en el vehículo van los dos perros de ataque de Pepe están justo detrás del asiento de Luis y, ella, dando la orden oportuna, lo lanza violentamente matando a Don Luis. 

Por último descubrimos que Danny es interrogado por el FBI, pero cuando Ross se va, Danny recibe una llamada de Cataleya, que le da su verdadero nombre y le dice que la quiere. El equipo técnico de Ross le avisa que Danny está en el teléfono, pero Ross se da cuenta de que Danny no puede ser acusado de ningún crimen, por lo que es liberado. Cataleya sube a un autobús interestatal para ir y refugiarse en un destino desconocido acabando así la pelicula. 

La filmación tuvo lugar alrededor del 20 de agosto de 2010 en distintos puntos de la ciudad de Chicago, en Illinois como son en concreto Wicker Park, y Union Station , en Nueva Orleans en Louisiana y México, aunque también en los SFP Studios, Bry sur Marne,en  Francia . La película fue producida por EuropaCorp, la compañía de Luc Besson. 

El guión fue escrito por el propio Luc Besson y Robert Mark Kamen, aunque se se basó en un guión que iba a ser una secuela de Leon: The Professional. La historia iba a seguir a Mathilda, personaje de Natalie Portman, mientras rastreaba y mataba a personajes que le habían hecho daño a ella yba Leon. El éxito de Portman la mantuvo alejada de la disponibilidad de intervenir en ella y el guión fue finalmente reescrito en  2011 dando lugar a Colombiana.

Aparece algún anacronismo como la tarjeta de memoria que se utiliza al principio de la película, que la joven colombiana traga y luego vomita, es una tarjeta SmartMedia, fabricada por Toshiba en 1995. Cuando el agente lo limpia, puede ver el círculo plateado debajo del pulgar. Esta fue la etiqueta de protección de escritura. Luego lo coloca en un adaptador de disquete que lo hace legible por cualquier PC con una unidad de disquete de 3,5 .

Mientras que la película recibió una recepción mezclada de críticos, con revisiones más negativas que  positivas, eso sí, las secuencias de la acción de Saldana fueron elogiadas

En  Rotten Tomatoes se le dio a Colombiana una calificación del 27% basada en 94 revisiones.  Christy Lemire, de The Associated Press, dijo de Colombiana   que "El director de La Femme,  Nikita y The Fifth Element sirve como co-escritor y productor aquí, pero esto es un spin-off de su marca, una continuación del tipo deeEstereotipo y personajes que desafían la gravedad, pero Colombiana se siente más aturdida y musculosa, pero a sabiendas, y eso es lo que la hace sólida y divertida escapada de verano ". 

Boyd van Hoeij en  Variety defiende que "Puede que 'Colombiana' no sea la película de acción más inteligente, pero uno de los méritos de la última criatura del productor Luc Besson es que sus fans saldrán de ella con algo de conocimiento hortícola además de haber pasado un buen rato"  

Betsy Sharkey de Los Angeles Times escribió que es "Una escandalosa mezcla de acción, sexo y violencia"  . Y añade  "Esta explosión de la película B y sangrienta es el último capítulo en el libro de Luc Besson.... Lo que empezó en 1990 con Nikita siguió con Léon en '94 y ' El Quinto Elemento en 1997, (el último escrito con Robert Mark Kamen , que coescribió a Colombiana con Besson), todo lo refina en Colombiana . " 

Claudia Puig de USA Today escribió: "Esta es una vistosa flor en una película de acción. Saldana no tiene mucha oportunidad de emocionar,  pero sus habilidades de acción florecen. " 

Jordan Mintzer de The Hollywood Reporter , dijo que" Hay placeres culpables que se tienen en este frenético B protagonizada por una acrobática Zoe Saldana...". 

En su crítica en Senses of Cinema , David Martin-Jones  analizó una serie de deficiencias. Aun así, declaró finalmente que, a pesar de todos sus parecidos con los éxitos de Hollywood, esta película proporcionaba en comparación al menos "una perspectiva diferente" con respecto a la inmigración y la desigualdad de la riqueza internacional. Martin-Jones afirma que en la película, un "... personaje del sur global causa estragos en los ricos y corruptos en el norte global".  Afirma que la película "... yuxtapone los espacios de desigualdad de riqueza que coexisten y proliferan bajo la globalización". (...) La "... película ofrece la posibilidad de considerar el mundo desde una perspectiva diferente de la que normalmente se ve en un éxito de taquilla de Hollywood". 

Ya en España  Jordi Costa en El País  afirma que "Todo suena a vieja fórmula en esta película diseñada para proporcionar un placer epidérmico y condenada a ser olvidada -o confundida con otros títulos del catálogo Besson- al abandonar la sala oscura"

Para José Manuel Cuéllar en el diario ABC "Los personajes están cogidos con alfileres y las historias desaparecen bajo una nube de balas" 

Según Fausto Fernández en Fotogramas la película es "Para fetichistas de justicieras con un par. Lo mejor: trata al espectador como un adulto (calenturiento, eso sí). Lo peor: que no se entrega al delirio exploit machista. (...) " 

La película fue lanzada el 27 de julio de 2011 en Francia. Un mes más tarde, el 26 de agosto de 2011  en Estados Unidos y el  9 de septiembre de 2011  en el Reino Unido, y siete días más tarde en  España ( el 16 de septiembre). En Estados Unidos hizo ese fin de semana de apertura $ 10,408,176 (EE.UU.)  obteniendo al final $ 36.665.854 . En total y a escala mundial obtuvo en taquilla $ 61 millones  y eso que contó con  un presupuesto $ 35 millones. 

La película tuvo su polémica. Según Caracol Radio  Colombiana, de Sony Pictures, tiene indignados a los nacionales de Colombia en los Estados Unidos, que ya lanzaron una campaña por Internet para defender la imagen del país. El artículo decía que "La película se estrenará la próxima semana y es protagonizada por una de las actrices latinas más popular en Estados Unidos, Zoe Saldana .  Sin embargo, los colombianos insisten en que Sony pida disculpas Veremos si la indignación llega a Colombia y si hay alguna reacción de Hollywood. 

Para la gente de ‘PorColombia’, una organización sin ánimo de lucro en Estados Unidos, la forma en la que se utiliza el nombre del país es injusta.  Medios de Estados Unidos, como Fox Latino y Univision han recogido con interés esta polémica, que ‘PorColombia’ quiere avivar con una campaña en redes sociales con el hash tag, #Colombiaesbella. 

Carlos Macias, presidente de PorColombia, afirmó que la película es la prueba de una "total falta de creatividad" de "Hollywood".   

Para terminar diré que es un típico producto de la factoría  Besson que mantiene su tono en la accoión en este caso bien dirigida por el director Olivier Megaton con secuencias  bien rodadas que permiten en su conjunto mantener una acción  que no para ya sea con los saltos de los yamakasi del principio, la agilidad y flexibilidad de la  protagonista femenina resultando un producto entretenida, sin más.

Una productora de cine bengalí Jaaz Multimedia creó un remake no autorizado llamado Agnee . con estrellas locales como Mahiya Mahi , Arefin Shuvo y Misha Sawdagor , y fue lanzado en febrero de 2014. La película estableció un récord de taquilla en Bangladesh. 

En CineEurope 2015 en junio, la productora EuropaCorp anunció sus próximas películas y mencionó que habría una Colombiana 2 que estaba en desarrollo. Por lo tanto Colombiana regresará y con Zoe Saldana como protagonista , con Luc Besson y Robert Mark Kamen como encargados del nuevo guión. Estaba previsto que el estreno fuese para finales del 2016. No fue así, puede que sea próximamente.


sábado, 29 de abril de 2017

Historias de Filadelfia


Contaba Guillermo Cabrera Infante en su libro "Cine y Sardina" que tuvo la ocasión de conocer a George Culkor. La primera en 1970 en Hollywood. La segunda en Nueva York, diez años más tarde, cuando en 1980 rodaba una secuencia en esta ciudad, en concreto en el vestíbulo del Hotel Algoquin, en la que sería su última película, Ricas y Famosas. Decía el escritor cubano que George Cukor en persona eran tan modesto como molesto, que tenía un ingenio mordaz y quue era un hombre muy generoso.. Añadía que era judío , con extraña boca, corto pero nada perezoso y miope y femenino, pero que se podía ver "en su perfil prognato la voluntad de mandar de un director". 

Es raro , pero es la primera vez que por estas entradas aparece George Cukor, uno de los directores del Hollywood dorado. Amado y odio a la par. Reclamado por artistas y repudiado por actores. Señala el que fuera Premio Cervantes en su capítulo titulado "Cukor quiere decir azúcar" que el director neoyorkino nunca olvidó una humillación: la de ser despedido de la dirección en Lo que el viento se llevó por el que era el amo de Hollywood de la época, el todopoderoso David O´Selznick. 

Lo grave es que, como relata Cabrera Infante, es que Selznick quería a Cukor, Vivian Leight necesitaba a Cukor y hasta el judío húngaro Leslie Howard necesitaba a Cukor. Pero el problema en el rodaje vino de quien había acordado que Cukor fuese el director de la película, Clark Gable. Cuando el rodaje llevaba tres semanas el actor - y divo- descubrió que Cukor era homosexual. Pero Gable durante una toma , delante de todo el equipo, mandó parar la cámara para grtar: "¡No me voy dejar dirigir por un maricón! No soy el señuelo de un pato. ¡Quiero que me dirija un hombre de verdad!". La película la acabaría su compañero de parrandas, Victor Fleming. 

A partir de ese momento Cukor se volvió el espíritu de la discreción. Pero el mal ya estaba hecho. Algunas revistas de la época empezaron a afirmar que "Georgie era capaz de acariciar a varias mujeres con la cámara al mismo tiempo, pero no de hacerles el amor". Nunca más trabajaría con su antiguo amigo productor. Sería otro de los grandes, Louis B. Mayer, el que intentará silenciar algunos graves y complejos momentos en lo personal de este director que durante su larga vida (Nueva York, 1899- Hollywood, 1983) fue encarcelado por la prácticas que tanto irritaban a Gable. 

De cualquier manera desde que en 1932 se inicia en la dirección contó en sus películas con grandes actrices. Se le consideran un gran director de actrices. Una de las que más veces estuvo bajo su batuta de director fue Katherine Hepburn, que fue huésped perenne en su casa de Hollywood a pesar de que en momentos puntuales hubo sus más y sus menos. Independientemente fue el director elegido por la actriz para llevar al cine una exitosa obra de teatro que llevaba por título The Philadelphia Story , o sea, Historias de Filadelfia. 

Estaba basada en la obra teatral del mismo título escrita por Philip Barry (1896 - 1949) y publicada en 1939. La película contará con la producción de Joseph L. Mankiewicz para la productora ( y distribuidora en este caso) Metro-Goldwyn-Mayer que contó con un presupuesto de $914.000. La película contó con el guión de Donald Ogden Stewart, la música de Franz Waxman, la fotografía de Joseph Ruttenberg y el montaje de Frank Sullivan. 

En otros apartados técnicos destacan los decorados de Edwin B. Willis y el trabajo de Jack Dawn -maquillaje- y Sydney Guilaroff -peluquería-. 

El reparto lo encabeza Katharine Hepburn como Tracy Samantha Lord, Cary Grant como y James Stewart como Mike Connor. Junto a ellos aparecen Ruth Hussey como Liz Imbrie, John Howard como George Kittredge, Roland Young como tío Willie, John Halliday como Seth Lord, Mary Nash como Margaret Lord, la joven Virginia Weidler como Dinah Lord y Henry Daniell como Sidney Kidd. Igualmente participan en la misma Lionel Pape como Edward, un mayordomo, Rex Evans como Thomas, el mayordomo y David Clyde como Mac, el vigilante nocturno.  

Esta historia gira alrededor de una dama de la alta sociedad a punto de contraer matrimonio por segunda vez.

La protagonista es Tracy Lord ( Katharine Hepburn ) , la hija mayor de una rica familia de  la alta sociedad de Filadelfia. Vemos al principio la separación efectiva de ella de su marido, CK Dexter Haven ( Cary Grant ), diseñador  de yates y miembro de alta sociedad local, igual que ella, pero que acaban de romper. En una imagen -rodada bajo los cánones del cine mudo - vemos como él es expulsado de la casa por parte de ella. Lazando fuera de la mansión su maleta y su bolsa de palos de golf, de la que cae uno. Ella lo recoge y lo rompe delante de sus narices.  Y éste, irritado  se dirige a la puerta y cuando va a pegarle, cambia de opinión y le pone la mano en la cara  pero abriéndola no la empuja haciéndole caer al suelo. Finalmente, vemos como ella, aturdida, se levanta del suelo.

Tras eso descubrimos que han pasado dos años - estamos en 1939-  y volvemos a encontrar a Tracy Lord preparando su boda con un nuevo pretendiente. Se trata de George Kittredge (,John Howard), un nuevo rico con aspiraciones políticas.

Sabemos que Tracy se divorció de su marido hace ya dos años y descubrimos que la razón es que ella consideraba que C.K. no estaba a la altura de los estándares exigentes que ella establecía para todos sus amigos y familiares. Este desencuentro entre él y ella derivo por parte de CK en que , finalmente, buscara su refugio en la bebida. Cuando Tracy se lo recriminada él bebió  más hasta hasta romper definitivamente.

Ahora la mansión de los Lord se prepara para celebrar la segunda boda de Tracy Lord  con el rico George Kittredge . Descubrimos igualmente que la madre Margaret Lord (Mary Nash)  acaba de separarse de su padre un rico hombre de negocios , Seth Lord, (John Halliday) que tener una aventura con una bailarina,  - aunque se encuentra muy sola y está dispuesta a perdonarle- y a la pequeña hermana menor de Tracy, Dinah Lord ( la joven Virginia Weidler) que añora el encanto de  CK Dexter Haven  y que desea que vuelve a la casa con su hermana.


De cualquier manera v vemos algunos rasgos de Tracy. Es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Respeta a su prometido, George, pero no está apasionadamente de él, como saben tanto Dinah como el tío Willie (Roland Young), un hombre maduro y mujeriego empedernido al que descubrimos leyendo una revista de sociedad, Spy, revista que Tracy odia con toda su alma por meterse en vidas ajenas.

Tras ello descubrimos a una pareja de periodistas. Se trata de Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), que trabajan , muy a su pesar, para la revista Spy. Y que descubrimos que van a hablar con el editor de la revista Sidney Kidd (Henry Daniell) un hombre al que desprecian en lo personal y lo profesional. Pero , como dice, Elizabeth hay que comer todos los días, y ni una ni otro han conseguido triunfar en lo suyo. Ella es fotógrafo  y  Macauley es escritor  cuyo libro no ha sido muy exitoso.

En la reunión con su jefe,  éste le ordena que han de cubrir para la revista Spy, la boda de Tracy, Ellos son están muy por la labor, pero , al entrar en el despacho, otro de los que supuestamente está invitados, el primer marido de Tracy, C.K. Dexter Haven deciden ir a la boda que se celebrará en un par de días en la mansión señorial de Filadelfia (Pensilvania) de los Lord. Inicialmente piensa que la intención de CK es importunar tanto a Tracy como a George Kittredge (John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre que a diferencia de Dexter ha llegado a la cima escalando desde lo más bajo, pero la historia es más compleja y que le dominan unas ansias de venganza.

Dexter, confabulado con una revista sensacionalista del corazón -Spy-, argumenta que va a la boda por invitación del hermano de Tracy y que como no estará presente desea tener un reportaje sobre la misma desde el día antes de la boda, contando con el periodista y escitor , Macauley "Mike" Connor (James Stewart), y de una reportera gráfica, Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey) para inmortalizar el momento.

La llegada del trío es recibida con alegría por parte de Margaret y Dinah, aunque Tracy vuelve a mostrar su carácter ingobernable y obstinado mostrándose dura con Dexter, que no para de llemarle pelirroja, y muy distante con los reporteros Macaulay "Mike" Connor ( James Stewart ) y la fotógrafa Liz Imbrie ( Ruth Hussey ).

Dexter , al que todos creían por  América del Sur.  los presentará como amigos de del hermano de tracy y Dinah, Junius , un diplomático estadounidense en Argentina.

Tracy no se deja engañar, pero Dexter le comenta que harán el artículo sobre su boda para impedir que salga un artículo cargado de insinuaciones sobre el asunto de su padre Seth ( John Halliday ) con una bailarina.

Tracy se encuentra profundamente molesta con la infidelidad de su padre, lo que ha provocado que su madre haya echado de casa y ahora, muy a pesar de Margaret, viven separados. Para proteger la reputación de su familia, ella acepta dejar que Mike y Liz se queden.

Dexter es recibido de nuevo con los brazos abiertos por la madre de Tracy Margaret ( Mary Nash ) y la hermana adolescente Dinah ( Virginia Weidler ), para su molestia.

Además, poco a poco descubre que Mike tiene cualidades admirables, e incluso se toma la molestia de encontrar su libro de cuentos en la biblioteca pública en la que tanto ella como Mike se encuentran cuando el escritor y periodista va a buscar información sobre la familia.

Tras descubrir la sensibilidad de Mike deciden salir juntos dando un paseo hasta la mansión por unos jardines, invitándole luego a bañarse, momento en que llegan tanto George como Dexter, cuusando tensión entre ambos.

Esa misma tarde noche tendrá lugar una fiesta a la que son invitados los periodistas . También para la misma se persona el padre de Tracy, que busca el perdón de su esposa, con la que desmontan la idea inicial que era la de presentar a tío Willie como el padre de los Lord.

Tracy ahora se encuentra desgarrada entre George, Dexter y Mike. Durante la  fiesta beben champagne en gran cantidad especialmente Tracy- que se emborracha sólo por segunda vez en su vida  - y Mike. Lo que le lleva a estar chispeante junto al periodista y éste con ella. Tras bailar un rato juntos Mike, ya ebrio, decide ir a ver a Dexter, al que le dice que él sabe que aún está enamorado de Tracy. Tras esto habla de que en el fondo no quiere hacer el reportaje , sino revelar el carácter miserable de su editor , que en el fondo se dedica a amenazar a todos, comentándole algunos secretos que él sabe de su vida personal y profesional. Dexter , al escucharlo, lo copia para enviarlos en una carta y evitar así que los periodstas hagan un trabajo que no quieren y ,a demás, evitar la publicación sobre el padre de ella.

Poco después se personan en coche tanto Liz - que está silenciosamente enamorada de Mike- como Tracy, que ha bebido.

Tras quedarse Liz trabajando con Dexter, Tracy y Mike van a la mansión. Ella sintiéndose atraída por el escritor le pide bañarse juntos a la luz de la luna, cosa que hacen.

Al rato llega Dexter que descubre el breve romance que ha habido entre Tracy y Mike, pero también George que se indigna ante lo ocurrido. Al rato Mike acompaña a Tracy a la habitación, pero él sale rápidamente.

A la mañana siguiente, Tracy siente muchas dudas en esta inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un ex-marido que la irrita por su forma de ser . George al llegar le que se siente con derecho a una explicación antes de seguir adelante con la boda. Ella se resiste debido a su falta de fe en ella y rompe el compromiso.

Entonces se da cuenta de que todos los invitados han llegado y están esperando la ceremonia para comenzar. Mike se presenta como voluntario para casarse con ella lo que genera  la angustia de Liz, pero Tracy declina. También se da cuenta, por primera vez, de que no es perfecta y no debe condenar constantemente a otros por sus debilidades. En este punto, Dexter se ofrece a casarse con ella de nuevo, y ella acepta, acabando así  una modélica comedia romántica. 

La película plantea un análisis sobre los convencionalismos e hipocresía de la clase burguesa norteamericana en los años 40, salpicado con toda clase de enredos. Lo hace en un tono  humorístico entre los tres personajes principales.  Pero en realidad, el problema al que se enfrenta Tracy es otro: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano -como ella dice al final-, o seguir igual.

El proceso de reflexión y decisión es complejo por la falta de tiempo, los prejuicios y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres.

Se sabe que el dramaturgo Philip Barry quería traer a la actriz de vuelta a los escenario después de haber recibido críticas desastrosas para la obra "The Lake" en Broadway. A finales de los años treinta la actriz había encadenado varios fracasos, hasta el punto de que Harry Brandt , el dueño de la sala de cine de Manhattan, decidió confeccionar una lista en 1938 en la que compiló de actores considerados "venenos de taquilla" y que la catalogó a la actriz públicamente como “veneno para la taquilla”. Katharine no se acobardó  y abandonó Hollywood.

En 1939, Philip Barry Jr escribe especialmente para Katharine Hepburn el texto de Historias de Filadelfia, obra que la actriz representará con gran éxito en el   Shubert Theatre el 28 de marzo de 1939 junto a Joseph Cotten (en el papel de C.K. Dexter) y Van Heflin (como Macauley Connor) y Anne Baxter interpretó a la hermana menor. La obra tuvo una duración de 415 actuaciones, con casi 1 millón de dólares en taquilla. Luego la obra tuvo otras 250 actuaciones y un adicional de $ 750,000 en ventas  de taquilla. La producción original de Broadway de "The Philadelphia Story"  dejó de estar en cartelera el 30 de marzo de 1940 ya como protagonista a Katharine Hepburn , Shirley Booth , Joseph Cotten y Hayden Rorke .

Durante un año llenó cada noche el teatro de Broadway en el que representaba Historias de Filadelfia, una función hecha para su lucimiento. Katharine ocultó que ella fuera la productora y la dueña de los derechos y esperó a que los magnates de Hollywood hicieran cola ante su puerta.

Sólo a un año más tarde llegará al cine después de que la misma Hepburn cediera los derechos de una obra de teatro que aún estaba en fase de escritura (que previamente le había regalado el magnate Howard Hughes, su amante por aquel entonces,   que fue quien los compró y se los regaló) a Louis B. Mayer, a condición de poder elegir al director y a los actores principales que habrían de acompañarla en la pantalla. Lo cierto es que  Samuel Goldwyn en la Paramount le ofreció a hacer la película pero con William Wyler dirigiendo y Gary Cooper como Mike Connors, mientras que  Jack L. Warner en la Warner Bros. le ofreció   hacer la película con Errol Flynn como CK Dexter Haven.

Al final quien se llevó el gato al agua fue el todopoderoso Louis B. Mayer en una negociación en la que Kathy trató de exigir condiciones.

Solicitó que su buen amigo George Cukor fuera el director. Mayer le ofreció entonces a James Stewart y 150.000 dólares extras para gastarlos en cualquier otro actor. El elegido fue Cary Grant, que trabajó solo tres semanas y que donó su sueldo a una asociación benéfica.

George Cukor declaró que “Cuando la Metro Goldwyn Mayer compró los derechos de Historias de Filadelfia grabaron una de las funciones con la idea de descubrir dónde se producían las risas. Cuando la película estuvo terminada la comparamos con esa grabación y descubrimos que las risas se producían en otros momentos. En el teatro toda la comedia descansaba sobre la agudeza de Phil Barry, pero en el cine una gran parte era visual, se trataba de gestos, reacciones y cosas así. Por eso me gusta dejar que la comedia suceda en la pantalla”

Fortalecida por el atronador éxito en Broadway, Hepburn, una mítica actriz que para aquel entonces era considerada "veneno para la taquilla", ya con los  derechos en su poder decidió llevarla al cine.

La Hepburn puso todo su empeño en llevar la adaptación a buen puerto para ello buscó como productor a Joseph L. Mankiewicz  y George Cukor como director eran apuestas seguras hacia el éxito y la calidad. En la primera escena de Katharine Hepburn en la película, ella aparece en un elegante traje de pantalón diseñado para ella por Adrian . El jefe de la MGM, Louis B. Mayer, que la compró solamente $ 250.000 a cambio de que Hepburn tenga veto sobre el productor, director, guionista y reparto, eso sí se opuso, pero finalmente tuvo que ser convencido por el productor de que dejara el traje. Hepburn impuso al guionista Donald Ogden Stewart , un amigo de Barry y un especialista en la adaptación de obras de teatro a la gran pantalla.


La actriz quiso imponer a Clark Gable y Spencer Tracy en los papeles , pero visto lo ocurrido el año anterior con Cukor y Gable, optó por la pareja masculina formada por Cary Grant y James Stewart, ta que , a su vez, Spencer Tracy   estaba comprometido con 'El increíble caso del doctor Jekyll' ('Dr. Jekyll and Mr. Hyde', Michael Curtiz, 1941), Así que no dudó en reunirse de nuevo con Cary Grant (con quien un par de años atrás obtuvo un sonoro fracaso de taquilla con la por otro lado magnífica La fiera de mi niña, de Howard Hawks) para ofrecer, junto a James Stewart y bajo la dirección de George Cukor, uno de los títulos esenciales del screwball. Como en toda "screwball comedy" el final, y como comedia romántica sofisticada, termina con una Tracy dispuesta a cambiar y donde la historia pone a cada uno de los personajes en su sitio.

La historia de Tracy Lord  está inspirada en una dama de alta sociedad llamada Helen Hope Montgomery Scott de Filadelfia, famosa por organizar  unas fiestas espectaculares en su finca de 800 acres  en Radnor, Pennsylvania. El estudio supuestamente tenía la intención de rodar la película en Ardrossan (el nombre   de la finca), pero decidió en contra de ella después de ver el tamaño y la escala de la casa principal y la extensión de la finca. Según los informes, los productores pensaron que nadie creería que alguien pudiera vivir así, particularmente en Estados Unidos en los años cuarenta. Finalmente, la película fue rodada en los Estudios de la Metro-Goldwyn-Mayer en el 10202 W. Washington Boulevard en Culver City, California.

La película fue filmada entre seis y ocho semanas, es decir, más o menos desde el 5 de julio al 14 de agosto de 1940, cinco días por debajo del calendario programado. y no requirió reanudaciones. Durante la escena donde a James Stewart le entra hipo cuando está borracho, se puede ver Cary Grant mirando hacia abajo y sonriendo. Puesto que el hipo no estaba programado, Grant estaba a punto de romper a reir y tuvo que centrarse rápidamente. Stewart pensó en hacer el hipo en la escena en la que está borracho, sin decirle a Grant. Cuando empezó a hipo, Grant se volvió hacia Stewart diciendo: "Disculpe". La escena requería sólo una toma.

Cary Grant llama a lo largo de la película  a Katharine Hepburn pelirroja pues ese era su color natural del pelo.   Por cierto, Katharine Hepburn renunció a su salario por el 45% de los beneficios .

Por su parte, Cary Grant exigió una facturación superior y un salario de $ 100,000 - una cantidad enorme en ese momento. Sin embargo, resultó que donó toda su ganancia al British War Relief Fund. A Cary Grant se le dio la elección de cuál de los dos papeles principales masculinos quería jugar. Sorprendentemente, eligió la parte menos vistosa.

James Stewart recibirá al final el Oscar al mejor actor, pero realmente nunca sintió que se merecía ese Oscar d por su actuación en esta película, ya  que inicialmente se había sentido mal. Siempre sostuvo que Henry Fonda debería haber ganado en lugar de Las uvas de la ira (1940), y que el premio era probablemente "pago diferido por mi trabajo en Caballero sin espada (1939)". De hecho, James Stewart no tenía planes de asistir a la ceremonia de los Oscar el año en que fue nominado para esta película. Justo antes de la ceremonia comenzó, recibió una llamada en casa "aconsejándole" que se pusiera una chaqueta  y asistiera a la ceremonia. Lo hizo y recibió el premio al mejor actor. El Oscar que recibió fue mostrado en la ventana de la ferretería de su padre localizada en Philadelphia Street en la localidad de Indiana, Pennsylvania.

James Stewart no estaba del todo cómodo con algunos de los diálogos, especialmente con la escena de la piscina, lo que también le obligaba a actuar con una bata. Él dijo en ese entonces que si tuviese que mostrarse en traje de la natación hubiese  sido el final de su carrera.

Se cuenta que antes de filmar la escena en la que Connor recita apasionadamente su poesía a Tracy, James Stewart estaba extremadamente nervioso y seguro de que actuaría mal. Al plató llegó Noël Coward - sí, el de la original The Italian Job-  de visita en el set ese día y, después de que le pidieran que le dijera algo para animar a Stewart de George Cukor , Coward le dijo algo a Stewart: "¿He mencionado que eres un actor fantástico?". Stewart poco después realizó la escena sin problemas y.

Cuando Tracy Lord menciona al poeta chino que se ahogó tratando de besar el reflejo de la luna en un río, se refiere a Li Po (también conocido como Li Bai) que, según la leyenda, se ahogó mientras se acercaba desde su barco para tomar el reflejo de la luna.

La película fue rehecha como un musical , retitulado High Society o Alta sociedad (1956) de Charles Walters protagonizada por Grace Kelly en el papel de Katharine Hepburn , Frank Sinatra en el papel de Mike (James Stewart) y Bing Crosby haciendo de Dexter ( Cary Grant ).

'Historias de Filadelfia' es una radiografía sin piedad de las relaciones amorosas llevada hasta sus últimas consecuencias y que podría enmarcarse fácilmente dentro de la screwball comedy sin llegar el frenetismo y la hilaridad de por ejemplo 'La fiera de mi niña' ('Bringing Up Baby', Howard Hawks, 1938) —uno de los pocos éxitos taquilleros de la actriz en aquellos años—, entre otras cosas porque los estilos de Hawks y Cukor son completamente distintos.

La trama y la subtrama -el lío escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación- son conducidas por el director con delicadeza, gracia e ingenio. La trama y subtrama están perfectamente dibujadas. Los diálogos son polifónicos, rapidísimos y brillantes, irónicos y llenos de sofisticación, gracias al extraordinario trabajo de J. L Mankiewicz. 

La historia parte de un magnífico guión. En su autobiografía, Donald Ogden Stewart escribió que la obra original era tan perfecta, adaptarla había sido  el trabajo más fácil que tenía que hacer en Hollywood. La obra en la que se sustenta el  film junto a las interpretaciones y la perfecta dirección de actores bajo la dirección de George Cukor, al que se suma la genialidad del equipo que  le permitió rodar la película en ocho semanas sin necesidad de repetir tomas.

Con una música excelente, una fotografía que sobresale por su magnífico dibujo y el manejo del color -claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.-, y una dirección que impone elegancia, sutileza y un fino sentido del humor.

Ciertamente, tal como explica Cukor, y sin obviar en ningún momento la eficacia del texto original, la versión fílmica de Historias de Filadelfia brilla sobre todo por el juego de gestos, reacciones y miradas entre sus tres protagonistas (sin lugar a dudas uno de los mejores castings de la historia de la comedia romántica  ).

La película te electriza desde el  prólogo con la escena de la ruptura entre C.K. Dexter (Cary Grant) y Tracy Lord (Katharine Hepburn) y culmina en la  secuencia nocturna entre Tracy y Macauley Connor (James Stewart) en la víspera de bodas de la protagonista  , pasando por momentos como la llegada de Dexter a la residencia de los Lord tres días antes de la boda (en el que se aprecia la inmediata complicidad del exmarido con la madre, Margaret - Mary Nash –, y hermana, Dinah - Virginia Weidler), en el encuentro de un Macauley borracho y con hipo con Dexter en la mansión  de éste  (adonde el periodista acude completamente borracho para averiguar si Dexter sigue enamorado de Tracy  ), o la doble declaración de matrimonio de los dos personajes masculinos a Tracy.

El primer tercio de la película es en la que el tono de comedia domina, tanto en el prólogo como en la   llegada de la pareja de periodistas a la residencia de los Lord con equívocos y simulaciones en la que Tracy l descubre de inmediato su misión y les sigue el juego a fin de evitar un escándalo relacionado con las correrías sentimentales de su padre, Seth Lord  o el momento en que se perona Dinah hablando en francés como se escucha en la versión original, que es la que he visto  y cuyo ridículo  snobismo es entendido por los periodistas con un “debe ser retrasada”,  como concluye Macaulay  o el episodio en que Tracy hace pasar a su despistado tio Willie - Roland Young - por el cabeza de familia.

A partir de este momento, el film se centra en el conflicto principal de la protagonista: su “intolerancia con la debilidad”, en palabras de Dexter (“como una estatua de bronce”, según sentencia su propio padre), que en realidad no es sino una coraza para protegerse frente a la vulnerabilidad de sus sentimientos , pero que él termina concluyendo que va por la vida como una diosa, alejada del resto de los mortales.

Después Dexter reactiva su amor por ella con la entrega de la maqueta del velero que Dexter regala a su exesposa como regalo de boda (el barco "True Love" o “amor verdadero”, en el que la pareja celebró su luna de miel, una embarcación “fácil de manejar, rápida al timón, veloz y ligera” y que, al final, le hace confiesar a su padre justo antes de celebrar su segundo matrimonio con Dexter que “¿Cómo me veo?”, “Como una diosa”, “¿Pues sabes cómo me siento? Como un ser humano”.

La película fue todo un éxito de taquilla, de crítica y de reconocimientos. Por ejemplo sus tres de sus actores fueron nominados a los Oscar por la película: Ruth Hussey, James Stewart -ganó el Óscar por esta interpretación- y obtuvo otro al mejor guión adaptado en la persona de  Donald Ogden Stewart - y Katharine Hepburn, de las seis nominaciones que tuvo (Mejor Película , Mejor director: George Cukor , Mejor actriz: Katharine Hepburn y Mejor actriz de reparto: Ruth Hussey),  quedando la película como  un clásico del cine.

La película está considerada por la  American Film Institute (AFI) integrante en el puesto 5 del Top 10 en la categoría "Comedia romántica". En 1995 fue seleccionada para la preservación en el registro nacional de la película de los Estados Unidos.

Tuvo una recaudación espectacular con unos $3.259.000  la película fue la quinta más popular en la taquilla de los EEUU en 1941.La película se estrenó en la ciudad de Nueva York en la semana del 27 de diciembre de 1940 y se mostró en ciertos cines durante el mes de diciembre, pero MGM había acordado mantener su lanzamiento general hasta enero de 1941 para no competir con la obra teatral, que si bien es cierto ya no estaba en Broadway, pero estaba de gira por el país. Su gran desarrollo fue a partir del 17 de enero de 1941.

El círculo de críticos - NYFCC - de Nueva York la premió a la  Mejor actriz (Hepburn)  que conceden los críticos de Nueva York.

En cuanto las críticas Bosley Crowther , entendía que la película "tiene casi todo lo que una comedia debe tener: un guión ingenioso y romántico ..., el sabor de la elegancia de la alta sociedad, y un espléndido elenco de artistas encabezados por Hepburn, Stewart y Grant. La MGM y George Cukor en estado de gracia. Pablo Kurt en filmaffinity habla de que "Pocos nombres cinematográficos despiertan tantas simpatías como cuando oyes "C.K. Dexter Haven", el personaje interpretado por un Cary Grant en estado de gracia en esta inmortal comedia, protagonizada por tres de las más gloriosas leyendas del cine americano. Una producción de Joseph L. Mankiewicz para la MGM llena de encanto, sonrisas e inteligencia. Imprescindible.

Fernando Morales dijo de ella en el diario El País que era "Un clásico irrepetible"

En Fotogramas se afirma que es una " espléndida comedia que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, llegando a mejorar la obra teatral de Philip Barry con la que Katharine Hepburn había triunfado en Broadway. En pocas ocasiones se ha dado la conjunción de un reparto impecable, una puesta en escena elegante y un tono narrativo tan ácido como inteligente".


Alan Rickman , ya fallecido, lo nombró como una de sus películas románticas favoritas . Esta incluido entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Según aparece en un artículo publicado en El país se dice que es una  comedia chispeante, frívola y entretenida, pero al mismo tiempo crítica y burlona. Un guion en el que se combina la elegancia y la sofisticación con gags puramente físicos hechos a base de golpes y caídas, llena del ritmo cinematográfico al que le gustaba Cukor. Una comedia en la que nada sobra y nada falta y en la que todo dura lo que debe durar.


En sus memorias Katharine Hepburn recordaba el rodaje con una magnífica experiencia: “Se hizo todo en las condiciones más lujosas: estupendos interiores, música, etc. El guión de Don Stewart mantuvo el humor y la calidad delirantes de la obra. Como siempre en las películas de George nos divertimos mucho haciéndola”.

Por su parte, Katharine Hepburn, que también estaba nominada, se quedó a las puertas del premio, pero logró, si cabe, un premio aún mayor: volver por la puerta grande y consumar una venganza contra un Hollywood que le había dado la espalda.


Puede que por momento sea una película políticamente incorrecto ya sea con la escena inicial o con todas las intervenciones de un antológico Roland Young en el papel de tío Willie, un viejo verde , con un deseo sexual puro y duro, la infidelidad y los celos o una historia en el que corazón humano si no acepta que este puede ser débil, explicando con elegancia y coherencia, casi justificando, la infidelidad que aquel cometió hacia la madre de ella.

Historias de Filadelfia revela al mejor Cukor, aquel que poseía una mano exquisita para las mujeres, y a pesar de que todo el reparto está magnífico —la química entre Cary Grant y James Stewart es tan perfecta que uno se lamenta que estos dos actores no hayan coincidido más veces en una película— con un Katharine Hepburn,hermosa, radiante, viva, pasional y cerebral, y jugando con la imagen que el público tenía de ella y que tuvo la suerte de dar vida a personajes femeninos con fuerte personalidad y tan bien escritos.

En los últimos cinco minutos, frenéticos y de un romanticismo embriagador, el amor triunfa a través de la unión de los amantes. Es lo normal, es una historia de Filadelfia.





viernes, 28 de abril de 2017

Rayos X


No se si sabéis que hay una canción argentina titulada Himno óptico. Era una canción que formaba parte del tercer álbum de estudio La maquina del tiempo, de la banda de rock argentina Los Twist. Curiosamente la letra fue compuesta por Pipo Cipolatti y Andrés Calamaro integrado por aquel entonces en la llamada Ray Milland Band, una banda formada por Pipo Cipolatti, Daniel Melingo, Miguel Zavaleta, Andrés Calamaro y Camilo Iezzi en voces y Charly García, Gustavo Donés, Pedro Aznar y Pablo Guadalupe como la banda de acompañamiento que , al menos en su nombre y en alguna de sus composiciones como Himno óptico rendian un homenaje al actor galés-estadounidense Ray Milland; que había fallecido en marzo de 1986.




La letra está completamente escrita por Pippo Cipolatti y cantada en inglés y fue interpretada por la esta fugaz banda Ray Milland Band en el programa Badía y Cía a fines de diciembre de 1986 junto con «Aquí esta la Ray Milland Band»; quien había muerto el 10 de marzo de ese año. Indudablemente el espíritu y el aspecto durante su actuación que es visible en Youtube tanto en su presentación como en el «Himno óptico» hacen referencia a la película X o X: The Man with the X-Ray Eyes que fue presentada en España como El hombre con rayos X en los ojos todo un clásico del cine género de Ciencias Ficción o cine fantástico de serie B realizada en el año 1963 . Pero también un clásico que contó con el buen hacer de Roger Corman y que protagonizada por Ray Milland, un actor oscarizado que llego a la cima en el cine de los años 40 y que tuvo la fortuna de ir languideciendo en los cincuenta con grandes títulos entre los que destaca Crimen Perfecto de Alfred Hitchcock, pero también con directores como William Keighley y Jacques Tourneur, y algo más tarde con Allan Dwan.

Será en los sesenta cuando comienza su colaboración con Roger Corman y a introducirse en el mundo de la televisión en donde buscará un hueco en las series de los setenta, que permanecen en nuestra memoria como Hotel, Hombre rico, hombre pobre, El barco del amor o Colombo.

Con Roger Corman asumirá el papel protagonista en dos películas, La obsesión basada en un relato de Edgar Allan Poe, y El hombre con rayos X en los ojos, la pelíucla que acabo de ver y que tuvo que impactar a Pipo Cipolatti, Andrés Calamaro y su cuadrilla.

La película X es una producción de Roger Corman para la productora  Alta Vista Productions y American International Pictures encargada igualmente de la distribución . Como en la mayoría de las películas de Corman contó con un bajo presupuesto que alcanzaba los $ 250.000.


La película se basaba en el guión de Robert Dillon y Ray Rusell ; la música de Les Baxter , la fotografía de Floyd Crosby y el montaje de Anthony Carras.

El reparto lo integran , además de Ray Milland,  como el Dr. James Xavier,  Diana Van der Vlis como la  Dra. Diane Fairfax,  Harold J. Stone como el Dr. Sam Brant , John Hoyt como Dr. Willard Benson , Don Rickles - recientemente fallecido en este mes de abril en Beverly Hills a los 91 años- como Crane y Barboura Morris como la enfermera con un paciente joven (sin acreditar) y el  veterano actor Morris Ankrum , un habitual de Corman, que hace una aparición sin acreditar como ministro de la iglesia al final de la película siendo su último papel en la industria cinematográfica.


La película comienza viendo un ojo. Tras su observación la historia se inicia cuando el doctor James Xavier (Ray Milland), un científico de prestigio internacional, que vive obsesiona con el tema de la medicina y de la capacitación médica para la detección de las enfermedades visita a un colega, un optalmólogo, el Dr. Sam Brant (Harold J. Stone) y le hace una revisión ocular. Al hablar con él descubre la incapacidad que tiene el ser humano de potenciar su sentido de la vista y las muchas posibilidades que tienen para el desarrollo de la capacidad humana. El Dr. Xavier intenta probar que los ojos podrían ver más allá de lo que tenemos delante, esto es, rayos X.

El doctor James Xavier trabaja para una fundación que le está financiando sus investigaciones sobre la vista. En la misma fundación trabaja la doctora Diane Fairfax (Diana Van der Vlis).

El Dr. Xavier desarrolla unas gotas destinadas a aumentar el alcance de la visión humana, lo que permite ver más allá de espectro de lo "visible" en las longitudes de onda de los rayos ultravioletas y de rayos X. Convencido de que los ensayos en animales y voluntarios, sobre todo tras la experiencia con un mono que es capaz de identificar luces a través de una placa, pero que muere poco después por efectos de la medicación dada, empieza a probar las gotas en sí mismo.

Inicialmente, Xavier descubre que puede ver a través de la ropa de la gente, como comprueba en una fiesta, viendo a unos y otros, desnudos, y utiliza su visión para salvar a una joven cuyo problema médico fue mal diagnosticado.

Debido a esto los compañeros de la fundación le informa a la Dra Fairfax que le notifique que no seguirá apoyándole debido a la falta de resultados. Esta desalentadora noticia hace que Xavier decida probar en sí mismo un peligroso suero que proporciona visión de rayos X.

Con el tiempo y con el uso continuo de las gotas, el aumento de la capacidad visual de Xavier y su capacidad para controlarlo disminuye impidiéndole ver el mundo en términos humanos, sólo en las formas de luces y texturas que su cerebro es incapaz de comprender plenamente. Incluso cerrando los ojos puede ver a través de sus párpados. Su comportamiento se vuelve cada vez más errático, y sus colegas suponen que se está volviendo loco.

Finalmente, incluso cerrando los ojos no le trae ningún alivio de la oscuridad en su mundo aterrador, como él puede ver a través de sus párpados.

Después de discutir con su colega y amigo Dr. Sam Brant (Harold J. Stone) y  matarlo accidentalmente lanzándolo por la ventana, Xavier se da a la fuga, usando su visión de rayos X para trabajar en un carnaval. Allí, ya malvive haciendo de adivino leyendo en una barraca de feria. Sorprendiendo a unos y a otros.

El encargado de la misma, un hombre sis escrúpulos de nombre Crane (Don Rickles)  con el que monta un negocio como sanador o curandero tras ver el conocimiento médico que tiene y su enorme capacidad para la identificación de los males.

Al garito montado por Crane se persona la Dra Fairfax , una vez que ella también se ha desligado de la fundación, y tras volver a la medicina le ha llegado rumores de un curandero, no dudando en ningún momento de que se trata del Dr  Xavier. Para ocultar su asombroso aspecto, lleva gafas de sol envolventes en todo momento.

El reencuentro de los dos colegas supone la ruptura con Crane que lo denuncia a la policía pues sabía de su grado de responsabilidad en la muerte del Dr. Brandt, pero Xavier y Fairfax huyen , cuando ella le dice que le auxiliará.

Los dos marchan en coche por las carreteras de Nevada con la intención de ir a Las Vegas ya que Xavier alega que necesita dinero. Durante el recorrido Xavier le cuenta a su compañera de viaje que el mundo se convierte en un lugar horrible para Xavier, un mundo en el que terminar no viendo nada porque su vista traviesa absolutamente todo. Xavier  comienza a ver la misma estructura de la realidad.

Tras ganar en los juegos de azar en un casino Xavier descubre que la necesidad de utilización de las gotas son cada vez más necesarias.

Tras haber arruinado a la banca el gerente duda del doctor y en un forcejeo le quita las mismas descubriendo ante los demás que los ojos de Xavier se han alterado definitivamente junto con su visión: en primer lugar que se han vuelto de color negro y plata, pasando, más tarde a ser completamente negro-.

Para ocultar su apariencia sorprendente, lleva oscuras gafas de sol en todo momento. Tras ser descubierto Xavier huye. Conduce por el desierto . Lo hace a toda velocidad y sin control alguno. En su huida causa algunos accidentes, Es seguido por un helicóptero en su desplazamiento. Finalmente para tras tener un accidente. Tras el mismo se recompone y ve un carpa . Se trata de un espacio religioso.

Xavier entra en un oficio religioso. Le dice al pastor que está empezando a ver las cosas en los bordes del universo, incluyendo un "ojo que nos ve a todos" en el centro del universo. El pastor le responde que lo que ve es "el pecado y el diablo", y declara la cita bíblica de Mateo que concluye con una frase lapidaria: "Si tu ojo te ofende ... arráncalo!",y Xavier decide cegarse a sí mismo en lugar de ver nada más.

Filmado en sólo tres semanas con un presupuesto de menos de $ 300,000, Corman describió el éxito de la película como un milagro. La película fue rodada en Las Vegas, en el estado de  Nevada, y Los Ángeles, California, EE.UU. La escena de la persecución final que involucró la conducción errática de Ray Milland tuvo lugar en Soledad Canyon Road entre las ciudades de Santa Clarita y Acton en California - el mismo lugar donde fue filmada  la película El diablo sobre ruedas (1971) de Spielberg.

American International Pictures presentó  la película en una doble función junto con Dementia 13  en su estreno el 18 de septiembre de 1963. La película fue notable por su uso de efectos visuales para retratar el punto de vista del Dr. Xavier. El 24 enero 1966  fue estrenada en España y se presentó sólo en Madrid (Metropol Artístico). La película estuvo en cartelera sólo cuatro días y sólo en una versión subtitulada.

Se habla de un muy rumoreado final alternativo el Dr. Xavier se arranca los ojos y luego grita "¡Aun puedo ver!" El escritor Stephen King cita este final en su libro Danza macabra. Aunque ese fragmento nunca fue encontrado Corman asegura que rodó esa escena, aunque es posible que se hablará durante la producción pero que, finalmente, no se rodara.  En una sesión de preguntas y respuestas dijo que esta idea fue discutida pero nunca filmada. Por lo tanto parece una contradicción.

El film ganó el premio "Silver Spaceship" de 1963 en el primer Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción (Festival Internazionale del film di fantascienza) en Trieste, en Italia.

La película originalmente tenía un prólogo de cinco minutos sobre los sentidos humanos. Este prólogo fue eliminado de todas las copias de la película, y puede haber sido eliminado  lo que redujo el tiempo de la película  a 79 minutos.

Para crear el efecto de ser capaz de ver a través de un edificio, el director filmó la construcción del edificio en un lapso de tiempo, y luego corrió la película hacia atrás. El edificio esquelético visto repetidamente desde el punto de vista del Dr. Xavier (en "Spectrarama") fue el Edificio de Oficinas Generales del Departamento de Agua y Energía en el centro de Los Ángeles. La construcción había comenzado alrededor de 1963 y se terminó en 1965.

Para Alberto Abuín la película es uno de los clásicos indiscutibles del género. Fue realizado en la época de mayor apogeo de su director, cuando estaba  adaptando las obras de Edgar Alan Poe .

Lo que en un principio parece una alegoría sobre el uso de las drogas y sus consecuencias, nada desdeñable dada la época en la que se filmó el film, se va tornando en cuento de terror puro y duro, superando incluso las posibilidades de la premisa.  Pero el peso de la justicia, junto al hecho de que es un científico que ha osado jugar a ser Dios –uno de las señales de identidad de mucha de la ciencia-ficción de años previos−, y debe pagar por ello, serán determinantes en el angustioso tramo final, con Xavier perdiendo el control.

Estamos ante una de las joyas emblemáticas de la serie B y obra maestra absoluta del director  que presenta al ser humano con el peligro de lo invisible: acceder a lo invisible, a todo aquello que la realidad oculta, solo puede llevarnos a la locura.

Corman realiza así un azorado “thriller”  que parte de las especulaciones científicas y de  los peligrosos experimentos médicos para acabar mostrando las experiencias místicas proporcionadas por la nueva droga química del   personaje protagonista . En ese sentido la película muestra el amplio arco evolutivo de su personaje con el inicial altruismo del científico que pronto se transforma en aparente frivolidad, para dejar paso a una mezcla de egoísmo, amargura y delirio demencial místico.

Con imaginativas visualizaciones e inspirándose en las clásicas “horror movies” (como “El hombre invisible” de james Whale), donde el drama y el terror siempre se equilibraba con el humor,  Corman parece reinventar el  cine de género.

En cuando a la imagen la película presenta una imparable catarata cromática donde el rojo se funde con el ojo ensangrentado anulando el azul  inicial.  A lo largo del filme solo vemos lo que el protagonista ve. Es más, incluso, sentimos lo que siente en base a la medida construcción de la puesta en escena llevada a cabo. El espectador, por consiguiente, se fusionará con el personaje, viendo lo que este ve y, en última instancia, siendo el depositario externo de sus experiencias.  A este respecto, la progresión de la visión del protagonista queda materializada a partir de un inteligente tratamiento de la profundidad de campo.

La película se centra  en el protagonista que queda fuera del resto de la colectividad. Su individualismo lo lleva a convertirse, como consecuencia de ello, en un observador  del resto de humanos que lo rodean desde un prisma claramente distanciado. Y es esta posición al margen de la sociedad lo que incrementará un desprecio hacia el ser humano que alcanzará cotas verdaderamente sangrantes. Los movimientos de cámara de poca amplitud, se ven suplidos gracias al excelente uso de planos en primera persona, que logran introducir de lleno al espectador en la tortura vivida por el protagonista.

El ritmo narrativo de la trama es alto; el relato de apenas una hora y veinte de duración, se disgrega en dos partes muy bien diferenciadas: mientras que en la primera parte, la cinta se centra en mostrar los experimentos del doctor James, acercándonos así a su personalidad de hombre tranquilo pero ambicioso, en el segundo periplo el film pretende desarrollar más la acción, es decir, explota la huida de James como un factor que aporte mayor agilidad a la historia; como si de un descenso a los infiernos se tratase, el doctor cae rendido fruto de la droga necesaria para mantener vivos los increíbles poderes de su vista.

La puesta en escena, no hace alarde de grandes decorados, ni de efectos especiales que son muy primarios, pero muy visuales y cromáticos. Gran parte de la película transcurre en interiores luminosos, únicamente los minutos finales están ambientados en el desierto.

La banda sonora combina acertadas partituras tonales que refuerzan la sensación de misterio y fatalidad en los instantes más importantes del filme. En definitiva tenemos una película notable, sobrecogedora y modesta, un largometraje  aunque largo realmente no sea- de serie B,